SIGOURNEY WEAVER

Autor: © Adolfo Pérez Agustí

ISBN: 978-84-9827-910-8

Edita: EDICIONES MASTERS

edicionesmasters@gmail.com

SIGOURNEY WEAVER

Esta aristocrática y atractiva actriz comenzó usando el nombre Sigourney (sacado de un personaje de “El Gran Gatsby”) en la primera década de 1960. Hija del anterior presidente de la NBC, Sylvester “Pat” Weaver, y la actriz Elizabeth Inglis, se graduó en la escuela de Arte Dramático de Yale un año antes que también lo hiciera Meryl Streep.

Su primera salida a un escenario fue en Nueva York, en una obra dirigida por Sir John Gielgud titulada “La esposa constante” y que debería haber sido interpretada por Ingrid Bergman. Una vez terminado su contrato realizó su primer pequeño trabajo en el cine, en la película “Madman” (1978), dirigida por Dan Cohen. Casi simultáneamente interpretó, por considerarlo de algún modo, un pequeño papel en

“Annie Hall” de Woody Allen (1977), en donde si tenemos buena y sagaz visión la vislumbraremos como una joven que está en la fila de un cine, mientras Woody y Diane discuten sobre los problemas sexuales que la menstruación produce en ella.

Al año siguiente intervino también en cortos papeles en diferentes obras de Broadway, como “Gemini” y en varios otros espectáculos, apareciendo en la telenovela

"Somerset." Su altura de 1,83 cm. le ha impedido a veces intervenir en determinados papeles.

Weaver alcanzó bruscamente su categoría de gran estrella como la heroína tenaz del thriller de Ciencia-Ficción de Ridley Scott, “Alien”(1979), y pudo revivir su personaje en “Aliens” (1986), y “Alien 3” (1992.)

En 1996 anunció que volvería a interpretar el mismo personaje, con la joven actriz Winona Ryder, en el tentativamente titulada, “Alien: La Resurrección”.

Weaver también probó sus credenciales dramáticas serias haciendo pareja con Mel Gibson en el drama político “El año que vivimos peligrosamente” (1983), y consiguió poco a poco llegar a ser una de las estrellas femeninas de Hollywood más destacadas de la década de 1980. Alcanzó un auditorio diferente como una guapa chica que es poseída por el demonio, dando la réplica a Bill Murray, en el enorme éxito “Los Cazafantasmas” (1984) y su menos bien recibida continuación en 1989.

Weaver ha ganado tres nominaciones al Oscar: Mejor Actriz por “Alien” en 1986 y dos en 1989 como Mejor Actriz Secundaria en su trabajo como ejecutiva snob y yuppie, con Melanie Griffith, en “Armas de Mujer”. También fue nominada a la Mejor Actriz, por su retrato de una científica y activista ecológica en el filme “Gorilas en la niebla”, en donde encarna a Dian Fossey, quien murió en circunstancias nunca aclaradas.

A principios de la década de los 90, Weaver interpretó películas que, en su mayoría, cambiaban el aspecto que había desempeñado anteriormente en la pantalla, demostrándonos su gran versatilidad. Hizo un corto pero significativo papel como la Reina Isabel de España en la desastrosa obra de Ridley Scott “1492: La Conquista del Paraíso” (1992), y se enganchó con cierto éxito a la popularidad en su secundario papel de Primera Dama en la comedia política “Dave, presidente por un día” (1993).

Posteriormente adopta un papel menos encantador, como la víctima vengativa de una tortura política en el filme de Román Polanski “La Muerte de la Doncella” (1994), y como una psicóloga de delitos especialmente sangrientos que sufre terribles crisis fóbicas a salir al exterior, en “Copycat” (1995), junto a Holly Hunter.

Weaver también interpretó a una nueva evangelista madura en la comedia “Jeffrey” (también en 1995), donde Paul Rudnick nos realiza una recreación agradable de los homosexuales.

Después de una larga relación sentimental con el actor/dramaturgo James McClure, Weaver se casó con el director Jim Simpson en 1984, quien la dirigió en las obras de teatro “Old Times” (1981) y “El mercader de Venecia” (1986-87). En mayo de 1990

nacería su hija Charlotte.

BIOGRAFÍA

Nació en 1949 en Nueva York, siendo sus padres el presidente de la NBC Sylvester (Pat) Weaver y Desiree (Liz) Inglis, y bautizada como Susan Alexander Weaver, aunque su padre quería llamarla Flavia, a causa de su gran interés intensivo por la historia Romana. Su hermano, igualmente apasionado por la historia, fue inscrito como Trajano, al igual que el emperador Romano.

En una familia con nombres inusitados era natural que ella cambiara su nombre a algo más adaptando a la norma de la familia, y después de leer “El Gran Gatsby”, de Scott Fizgerald, eligió el nombre de uno de los personajes menos importantes, y a los 14 años de edad llegó a ser conocida ya como Sigourney Weaver.

Su padre era una persona muy inquieta y emprendedora, que incluso había intentado crear un canal de televisión con un grupo de amigos, aunque fracasó en cuatro ocasiones, decidiendo implantar un sistema nuevo hasta entonces, como era la televisión por cable.

“Mis recuerdos sobre mi padre le ven aún como una persona muy trabajadora, muy elegante y de refinadas maneras, que manejaba con gran delicadeza y educación a sus empleados, aunque era bastante estricto con los vagos. Ciertamente estaba enamorado de toda la historia de la Roma antigua, con sus emperadores y centuriones, y hasta es posible que en su otra vida haya sido un miembro de la guardia pretoriana”.

Sobre su madre Elizabeth (Desireé) Inglish, su impresión ha sido más severa, ya que nunca comprendió porqué tuvo que abandonar su trabajo como actriz de teatro en el momento de casarse con su padre.

“Antes de conocer a mi padre, sus amigos le auguraban un gran éxito en el mundo artístico, y hasta había realizado un papel secundario en la película de Hitchcock “Los treinta y nueve escalones”, en 1935. Anteriormente también había destacado mucho en el mundo del tenis y quedó clasificada, cuando apenas tenía dieciséis años, para participar en el torneo de Wimbledon, aunque su padre, mi abuelo, no la dejó participar porque en aquellos años estaba muy mal visto que las chicas hicieran deporte de competición o profesional. Creo que la explicación que la dieron era que el tenis era solamente un pasatiempo y si quería verdaderamente ser algo en la vida debía estudiar y trabajar con entusiasmo. Antes no entendía la postura de mi abuelo, pero ahora que soy madre creo que deseaba protegerla y no quería que viviese una vida en solitario tan joven”.

Ella completó su educación universitaria en Stanford y la Universidad de Yale, además de tomar lecciones de ballet clásico. La vida junto a sus padres estuvo marcada por los múltiples cambios de domicilio, puesto que el trabajo de su progenitor en la televisión le obligaba a cambiar de ciudad con frecuencia. En esa casa de los Weaver, las maletas siempre estaban dispuestas y se cambiaron al menos 30 veces de domicilio, aunque siempre en un radio entre Nueva York y Long Island.

Sigourney estudió también algún tiempo filología inglesa, aunque también trató de ser bióloga, coreógrafa, antropóloga y periodista, en un intento de dar sentido a su vida, como si estuviera viviendo un infierno. Pero el problema no era la calidad de vida sino quizá el aburrimiento y la falta de emociones fuertes. Autoritaria, feminista y con una posición acomodada gracias a su padre, no lograba sentirse una afortunada en la sociedad y empezó a pensar que su vida carecía de interés.

Durante su estancia en la Universidad empezó a formar su carácter distinto y enérgico, no aceptando como buenas las costumbres de sus compañeros, prefiriendo siempre estar unida a los menos populares, a los diferentes. Una de las personas que más la influyeron en esa época fue un amigo judío, con el cual pensó incluso irse a vivir, tal era su pasión por la civilización judía y hebrea. Del mismo modo que su padre era un entusiasta de los antiguos romanos, Susan prefería sus oponentes y misteriosos judíos.

“Estaba tan ensimismada por la cultura israelita que incluso me fui a Israel y allí mi sueño se vino abajo. Los israelitas que conocí allí no eran tan encantadores ni educados como los de mi universidad y en lugar de visitar las sinagogas y pasear de la mano por los románticos lugares sagrados, me pusieron a pelar patatas en una cocina y no me dejaron ir sola por la ciudad, ni acompañada, claro”.

Cuando apenas había comenzado seriamente su trabajo en el cine, alcanzó una gran popularidad en “Alien” con el papel de Ellen Ripley, la chica astronauta quien no solamente tiene que luchar contra la maldad de intereses militares que desean una nueva arma, sino también contra un alienígena que disfruta comiendo seres humanos y que está empeñado en irse a vivir al planeta Tierra. Luego, sus siguientes películas nos mostraron que era una actriz que dominaba más géneros; desde una chica dura y eficaz en la trilogía de Alien, hasta la ilusa defensora de los animales en “Gorilas en la Niebla”, pasando por la erótica seductora en “Los Cazafantasmas”, y como una desequilibrada psicóloga que pelea contra un psicópata en “Copycat”.

“Mi primer embarazo aconteció cuando iba a empezar el rodaje de “Los cazafantasmas 2”, aunque los productores me aseguraron que no habría peligro puesto que las escenas de acción corrían a cargo del trío protagonista masculino. La niña Charlotte nació poco después de terminar el rodaje y me dediqué durante tres años a cuidarla, sin trabajar en ninguna película.

Deseaba ser una mujer normal, que la cambia los pañales, va a la compra con un carrito, cuida de su hogar y emplea su tiempo libre en visitar a la familia y los amigos.

Todo eso que en mi época de feminista lo veía tan horroroso, ahora me hacía inmensamente feliz”.

Pero antes que ella comenzara su carrera sobre la pantalla grande, cuidaba sus habilidades como una actriz que hacía teatro, en cuyas candilejas trabajó durante casi cinco años, antes de debutar con Woody Allen en la película “Annie Hall” en 1977. Su estreno en el teatro fue en 1973, en una obra clásica sobre el asunto del Watergate. En la escuela de Arte Dramático de Yale, estuvo acompañada por estrellas como Paul Newman, Stacy Keach, Charles Dutton y Meryl Streep, por nombrar algunos.

“Yo en cierto modo he envidiado con anterioridad a Meryl Streep, puesto que ambas éramos alumnas en la misma escuela de Yale, pero ella alcanzó la fama mucho antes que yo y mis profesores me llegaron a decir incluso que no tenía talento para el teatro, que abandonase”.

“Me gustaba participar en grupos de teatro muy involucrados en política y hacíamos obras con denuncias sociales que representábamos por los pueblos. Me gustó tanto eso de hablar mal de los políticos que decidí hacerme periodista, para así poder escribir todo lo malo que ocurría a mi alrededor. Por supuesto, también estaba en contra de la guerra del Vietnam y era una pacifista convencida.

Yo creo que en los 60 todo el mundo joven estaba un poco loco, con sus ropas de color rojo, las chicas apenas nos pintábamos y solíamos tocar música en la calle”.

“Cuando terminé mis estudios universitarios estaba totalmente confusa y no sabía qué hacer, aunque seguía creyendo que eso del teatro era lo mejor y por eso me fui a Nueva York, donde conocí a John Gielgud, quien me dio un papel en la obra “La esposa constante”. Tuve mucha suerte porque detrás de ese papel había muchas chicas jóvenes”.

Esa compañía teatral estaba enmarcada dentro del circuito Off-Broadway, algo así como una unión de empresarios que se aseguraban de esta manera que todas sus obras serían representadas sin problemas. En ese circuito John Gielgud era una persona muy apreciada.

El prestigio de este director le proporcionó una buena reputación en el mundo del teatro y gracias a la amistad que tenía con Christopher Durang, le dieron un papel algo más importante en la obra “Beyond Therapy”, juntamente con la actriz Stephen Collins. Esta obra fue posteriormente llevada al cine con el título de “Tres en un diván”, desquiciada película que afortunadamente no interpretó Sigourney.

“Mi corta entrevista con Woody Allen creo que ya ha dado la vuelta al mundo, por lo inédita. Yo tenía que haber recitado un corto texto para la película Annie Hall y cuando creí tenerlo memorizado fui a casa de Allen y se lo leí con todo mi entusiasmo. Él se quedó callado cuando terminé y no dijo ni una palabra. Cuando consiguió hablar me dijo que había estado tan tremendamente mal que se había quedado mudo y que el papel no podía ser para mí, ya que se trataba de una mujer de la cual se iba a enamorar después de romper con Annie. Pues debió sentir pena o algo parecido por mí porque me llamó ese mismo día para darme una nueva oportunidad.

Yo estaba muy contenta por su deferencia, pero cuando me explicó los días que tendría que rodar me di cuenta que coincidían con mi actuación en el teatro y no podía hacerlo. Como consolación me ofreció ese pequeño papel que todos conocéis, como una chica que está en la cola del cine sin decir una palabra”.

“Recuerdo a Allen como una persona tímida, que hablaba poco y que no le gustaba que un actor expusiera sus propias ideas. Para mí, conocerle fue como un amuleto de la buena suerte. Desde ese mismo día todo me empezó a ir bien y rápido. Sus palabras fueron como una inyección de coraje y valentía”.

Sigourney es ahora mundialmente conocida por el público en general por su actuación en la cuatrilogía de Alien, en el papel de Ellen Ripley, papel que estuvo pensado inicialmente para Veronica Cartwright, otra de sus compañeras en la película, aunque los productores eligieron finalmente a Sigourney Weaver en vez de a ella por motivos que nunca supimos.

“Reconozco que mi popularidad se la debo a la película “Alien” y en cierto modo a su director Ridley Scott, a quien admiro muchísimo, pero ha sido muy difícil trabajar con él. Estaba demasiado concentrado en su trabajo, su cámara, y se olvidaba de hablar con los actores. Creo que para él era un modo de lograr que los actores estuviéramos libres para poder expresarnos. Posteriormente nos hemos vuelto a ver, con ocasión de la película “Thelma y Louise”, pero no pude interpretarla como era su intención porque estaba ya comprometida en el rodaje de Alien 3”.

Weaver lamenta no haber aceptado inicialmente el papel de bailarina en “Cotton Club” de Coppola y cuando recibió el Globo de oro por su intervención en “Gorilas en la niebla”, manifestó irónicamente que siempre la daban un premio en películas que aparecía verdaderamente fea.

“El público no nos relaciona nunca como actrices, sino como estrellas que viven una vida apasionante por su celebridad, las compañías y el mucho dinero que ganamos. La vida de una actriz que no sea popular es mucho más agradable que la nuestra, las consideradas estrellas. Nosotras hemos perdido la intimidad a cambio de ganar algo más de dinero, pero si me comparo con la gran cantidad de gente que hace esfuerzos por sobrevivir y poder comer todos los días, reconozco que no debo quejarme. Siempre deseé tener una profesión en la que no tuviera cabida la rutina o el aburrimiento y lo he conseguido. No pude sacarme el título de doctora en medicina o antropóloga, pero hago papeles en el cine como si lo fuera”.

“Yo no soy una mujer dura como aparezco en la pantalla y tampoco encajo en las fantasías sexuales de los hombres. Físicamente no me considero capaz de luchar con energía, aunque cerebralmente soy muy decidida y me gusta involucrarme en aventuras locas”.

Ella estuvo apartada tres años de los platoes y rechazó durante ese tiempo un montón de guiones aparentemente importantes, decidiendo incorporarse de nuevo cuando le ofertaron interpretar otra vez a la teniente Ripley en “Alien 3”. Aunque el director era un inexperto joven llamado David Fincher, ella terminó aceptando si podía tomar parte en el guión, el cual es reformado varias veces y se le añadió un final que fue muy mal aceptado por el público.

Weaver pensó que su nueva entrada en el cine debería ser importante y que esta era una buena oportunidad, pero una vez más se equivocó y su regreso fue, casi, un fracaso. De nada le sirvió su intervención como co-productora, ni la demencial propaganda de raparse la cabeza, creyendo que este sería un buen reclamo publicitario. Nadie se explica cuál es el atractivo de ver a una actriz famosa con la cabeza pelada al cero, ni mucho menos sucia y vestida de presidiario.

Premios de la Academia:

En 1986 fue nominada para mejor actriz en Aliens.

En 1988 nominada para mejor actriz por Gorilas en la Niebla.

En 1988 nominada para mejor actriz secundaria por Armas de Mujer

“Bien sea en mi trabajo, matrimonio o familia, yo siempre he triunfado muy tarde”.

“En 1988 había sido nominada al oscar como la mejor actriz por dos películas,

“Gorilas en la niebla” y “Armas de mujer”, por lo que tenía grandes posibilidades de lograr la estatuilla dorada. Yo estaba mucho más segura de mi papel con los gorilas, era original e inédito, y me supuso un gran esfuerzo, aunque quizá los señores de la Academia consideraron que había pocos diálogos; a lo mejor debería haber conversado más tiempo con los gorilas.

Cuando me mencionaron como nominada, la sala entera me proporcionó un gran aplauso, aunque el que más me emocionó fue el de mis padres allí presentes, lo mismo que su tristeza cuando no me lo otorgaron”.

Una actuación suya que ha pasado desapercibida en muchos países fue su trabajo en el documental de Adrian Maben “Helmut Newton, frames from the edge”, que contó con la estupenda fotografía de Helmut. Este precioso documental se mostró en las principales cadenas de televisión de Estados Unidos y a Weaver le sirvió para posar personalmente para él, lo mismo que lo habían hecho grandes políticos y personalidades del mundo.

Su marido

“Yo conocí a Jim en el festival de verano de Williamstown, Massachusetts, en 1982, aunque apenas tuvimos tiempo para intimar. Después le volví a ver en una fiesta y allí tuve la valentía de invitarle a bailar, aunque debo admitir que me dio calabazas y se negó. Después me explicaría que quería que una mujer sintiera lo mismo cuando es rechazada a una invitación al baile, algo que los hombres llevan padeciendo desde tiempos inmemoriales.

Aunque mi orgullo quedó herido y me molestó mucho su actitud, un año después le invité a una fiesta y le volví a pedir que bailara conmigo y en esta ocasión me dijo que sí y quedamos a cenar al día siguiente, aunque no aclaramos quién pagaría la cena.

Seguimos saliendo los días posteriores y a los dos meses le pedí que se casara conmigo.

Ante su sorpresa le dije que cuando me muevo me gusta hacerlo deprisa.

Seis años después, en 1990, nació nuestra hija Charlotte”.

Durante el rodaje de “1492, la conquista del paraíso” ella estaba embarazada de cuatro meses, pero perdió a su hijo.

Sus actividades más recientes:

En 1996, del 12 de septiembre al 19 de noviembre, Sigourney Weaver interpretó el papel de Lulu en “Sexo y Anhelo”, en el teatro Nederlander, sito en el 208 Oeste 41st, Broadway, de Nueva York.

Criticas sobre Sexo y Anhelo:

La obra de teatro “Sexo y Anhelo”, la comedia de Cristóbal Durang, se inauguró en Broadway el 10 de octubre de 1996, protagonizado por Sigourney Weaver y Dana Ivey. Aquí figuran extractos de las críticas:

En su comentario en el New York Time, Ben Brantley escribió :

“¿Hay una guerra entre actores?, si es así, se debe aplicar inmediatamente sobre Sigourney Weaver, quien es el único soplo de vida en la obra del Teatro Cort, donde el desafortunado “Sexo y Anhelo” de Cristóbal Durang, comenzó el jueves por la noche.

Clad es único en su torpeza para tropezar con su túnica de satén, mientras que Weaver heroicamente se enfrenta a terrores que ni siquiera pudo imaginar en su lucha contra el monstruo de Alien”.

“Y es que una cosa es pelear contra criaturas repulsivas del espacio que aparecen rompiendo los estómagos de la gente y otra enteramente diferente es tener a sus pies a un montón de espectadores en un teatro de Broadway.

Allí, sola y medio desnuda, como una mujer que necesita el sexo en cualquier forma, la vemos perdida haciendo un papel que no encaja en su carácter”.

“Qué notablemente extraña es la necesidad en la vida para lograr una conexión entre el humor y el drama, algo que muchos dramaturgos han intentado con diferente éxito bajo el nombre de sátira. Aunque nos guste miss Weaver en el primer acto de esta agudísima comedia, ella parece peculiarmente ajena al argumento, como un cocinero cansado de preparar una complicada receta”.

“La verdadera estrella de esa tarde es Mis. Ivey, quien aporta una energía cómica y radioactiva a un personaje que es ciertamente aborrecible. En las manos diestras de Mis. Ivey, la tiránica Bridget se nos antoja con sus contradicciones filosóficas que tratan de parecer sublimes, como un equivalente contemporáneo de Wilde Bracknell”.

“Quizá esta obra mecánica y desordenada es un intento del director por estropear la obra de su escritor y uno se pregunta dónde radica la sensatez para producir una obra como "Sexo y Anhelo", aunque si sirve para preparar el terreno para trabajos más frescos y fluidos de Durang, realmente habrá valido la pena soportarla”.

En su crítica para el Newsday, el 11 de octubre, Linda Winer dijo:

"Había veces en el primer acto de “Sexo y Anhelo” de Cristóbal Durang, que yo literalmente tuve que morderme los labios y pensar en cosas tristes, para evitar que mi risa sonase estruendosa en los momentos más supuestamente dramáticos en el teatro Cort . Los otros dos actos, eran tan malos, que podría haber llorado”.

“El acto primero es rudo, aunque esta es una manera suave para no insultar a Durang, pero también se nos antoja divertido y sencillo, con una original irreverencia, cuando muestra las pasiones humanas con regocijo, saña y cierta compasión. El segundo acto es más moralista y obvio, mientras que el tercero es un desastre que invita a dormir. No hay un contenido suficiente en el argumento para apoyar tres actos, y ni siquiera tiene ímpetu suficiente para dos actos. Los detractores de Durang ya tienen motivos nuevos para criticarle y pedirle que se dedique a obras cómicas, en lugar de mostrarnos absurdos problemas sexuales”.

“Winer no podría haber elegido mejor reclamo para el público que a la estrella Sigourney Weaver. Según escribió en una revista, “La Weaver, cuya maestría alegre en comedias psicológicas y epopeyas galácticas es notoria en su trabajo en Hollywood, está maravillosa como Lulu. Ella viste una combinación de satén y túnica transparente, que la muestra hermosa en todas las ocasiones”.

Howard Kissel, en su crítica para el Daily News, el 11 de octubre, dijo :

“Sexo y Anhelo” parece un acto de amistad entre las personas y Sigourney Weaver está correcta en esta superficial actuación, como un gesto bondadoso hacia su viejo amigo de Yale, Chris Durang”.

Kissel escribió sobre ella:

No es lógico que se produzcan obras de teatro para promocionar a escritores que solamente son válidos para publicar libros”.

APARICIONES EN TEATRO

Yearstage Show 1973

Watergate Classics 1974

The Frogs 1974

The Nature and Purpose of the Universe 1975

The Constant Wife (suplente) 1976

Das Lusitania Songspiel (co-guionista)1977

Marco Polo Sings a Song 1978

A Flea in Her Ear 1981

As You Like It, Beyond Therapy 1984

Hurly Burly 1985

The Marriage of Bette and Boo 1986-87

The Merchant of Venice? Titanic (Christopher Durang) 1996

Sex And Longing (Christopher Durang) 1996

Después de trabajar en “Alien”, Weaver actuó junto a William (Altered States) Damage en un diario para la televisión dirigido por Peter (Krul) Yates. También intervino con el director australiano Peter Weir en “El Año que vivimos peligrosamente” (The year of living dangeroushy), en donde se reflejaba el ataque a la Embajada Británica de Indonesia en 1965, teniendo como opositor a Mel Gibson.

Posteriormente hizo “El contrato del siglo” (Dead of the Century) con Chevy Chase, una comedia negra desilusionante sobre el mundo de los negocios, Weaver hizo su segunda aparición en el mundo de la fantasía en la exitosa película “Los cazafantasmas” (Ghostbusters) con Bill Murray, Dan Aykroyd, Harold Ramis y Ernie Hudson.

“Mi agencia en Nueva York me sugirió que debería hacer papeles más serios, o por lo menos dejar de convertirme en perro”.

Muchas de las actividades de Weaver fuera de los teatros de Broadway son comedias y en este sentido comentó:

“Creo que mi verdadera capacidad está en la comedia y disfruto cuando trabajo al lado de actores como Danny, Harold y Bill, quienes son tan geniales que me motivan grandemente y me hacen disfrutar con ese tipo de películas. Siempre estaré encantada de volver a trabajar con ellos, aunque no creo que haya una tercera parte de Los cazafantasmas”.

Hay quien piensa que el verdadero motor del éxito de Sigourney ha sido Mike Nichols, uno de los mejores directores mundiales, quien anterior a su trabajo en el cine había sido un popular director de teatro. Su obra más prestigiosa fue “Hurlyburly” y en ella estaba como protagonista Sigourney. A la salida estaba Woody Allen quien tenía un interés especial en saludarla y la habló de su proyecto “Annie Hall”, aunque como ya sabemos su papel quedó reducido a una corta escena de apenas dos minutos de duración en la que Weaver no dice ni una palabra.

Su ya buena amistad con Mike Nichols se hizo más intensa y en 1988 la llamaría para que interpretase la película “Armas de mujer”. Anteriormente le había presentado a Dan Cohen, un joven director norteamericano que la ofrece un pequeño trabajo en “Mad man”, suficiente para mantenerla en activo y esperar su gran oportunidad.

“Después fue Peter Yates, a quien deben recordar como la persona que logró consagrar a Steve McQueen, el director que me ofreció un trabajo en “El ojo mentiroso”, película que no tuvo demasiado éxito en Estados Unidos, pero funcionó bien en Europa. En esa película tuve la oportunidad de trabajar con Christopher Plummer, un actor a quien admiraba desde que vi “Sonrisa y lágrimas”.

Y también sería la obra de teatro “Hurlyburly” la que le daría otra oportunidad a Sigourney ya que había sido vista por un tal Daniel Vigne, un director francés que estaba buscando a una actriz para que fuera compañera de Gerard Depardieu. Ese actor y una lectura superficial al guión, fueron suficientes para que aceptase el trabajo en

“Une femme ou deux”, aunque en la mayoría de los mercados se estrenó en vídeo y posteriormente en televisión.

“Un error que tuve fue cuando me ofrecieron trabajar en Armas de mujer, ya que el papel que hizo Melanie estaba pensado para mí, de hecho me lo ofrecieron en primer lugar. En ese momento creí que el personaje de Katherine era más agresivo y, por tanto, más en línea con mis anteriores trabajos, y me equivoqué. Melanie consiguió un trabajo igualmente intenso pero al final se lleva al guapo Harrison Ford y yo me quedo sola y sin empleo; así no hay manera de que supere mi nivel de admiradores. Al público no le gustan los perdedores”.

Proyectos frustrados

Ya sabemos que su primera gran oportunidad perdida fue con Woody Allen en la película “Annie Hall”, pero también se ha sentido disgustada por no hacer “Nueve semanas y media”, papel que le fue arrebatado por Kim Bassinger y eso después de haber leído y aceptado el guión.

También le falló “Cinco días, un verano” que debía interpretar al lado de Sean Connery e incluso se trasladó a Londres para comenzar el rodaje, pero al final se lo dieron a la novia del guionista.

Otro caso curioso fue para la película “Batman 2”, en el cual obviamente haría de Catwoman. Todos estaban de acuerdo que era el personaje ideal para ella y su aspecto físico encajaba en ese personaje seductor y maquiavélico al mismo tiempo, pero parece ser que Michelle Pfeiffer hizo una demostración con el látigo que les asombró y decidieron a última hora entregarle el papel.

Un comentario que ha circulado por los estudios es que el papel de protagonista en

“Fuego en el cuerpo”, que fue interpretado finalmente por Kathleen Turner, había sido ofrecido a Sigourney, pero cuando su novio de entonces vio unas pruebas de las escenas eróticas la persuadió alegando que eso la quitaría prestigio. También influyó la posible reacción negativa de sus padres.

SIGOURNEY OPINA SOBRE EL PERSONAJE DE RIPLEY EN ALIEN

- ¿ Quién necesita ver varias veces la misma cosa colocada en el espacio?

- En 1986, la continuación de Alien se diseñó de una manera sumamente inteligente.

Hasta ahora yo había tenido un buen papel como la teniente Ellen Ripley y mediante mis diálogos, mi coraje y mi sensibilidad conseguí un gran prestigio. Las personas que habían visto el primer Alien se dieron cuenta que no se trataba de la típica mujer en peligro que huye asustada. Ahora era un héroe inteligente que debía sobrevivir.

Mis compañeros estaban asustados ante la presencia de los Aliens y yo debía tomar la iniciativa para ayudarles.

- ¿Le supuso alguna desilusión su trabajo?.

- De ninguna manera y por ese motivo hice las tres primeras películas. Si usted me hubiera preguntado esto antes de rodar la cuarta película probablemente le habría dicho que siempre es agradable ver a una mujer realizando trabajos duros y ayudando a los demás. Cuando miré al pasado y vi lo que habían significado esas tres películas en mi vida profesional y privada, supe que detrás de ese personaje había mucho más de lo que había pensado en un principio.

- ¿Cómo es Ripley?

- Ripley es una mujer común que se ve involucrada en una situación extraordinaria.

En Alien ella hace simplemente su trabajo como un funcionario de vuelo que tiene a su cargo una nave espacial. Debe cumplir un trabajo para el cual le han pagado y en ese momento recibe una señal de un planeta extraño y acude allí para investigar.

Cuando las cosas se ponen mal, Ripley es la primera que pelea e insiste que lo más primordial es la seguridad de ella y sus compañeros.

- Cuando un funcionario de más graduación le indica que obre de otra manera, salvaguardando la nave y su contenido, ella toma su propia decisión.

Inmediatamente se ve en la necesidad de tomar el mando y enfrentarse al peligro.

- ¿Es más lista que los hombres?

- Simplemente es lista. Ella analiza la situación y entonces determina la mejor acción sin analizar si es hombre o mujer y cuando las cosas no progresan tan rápidamente como ella piensa, toma la iniciativa para hacer su propia investigación hasta que encuentre una respuesta verdadera.

- ¿Admira ahora a su personaje?

- Yo admiro al personaje de Ripley cuando es capaz de averiguar qué es lo que pretende el monstruo y pronto se da cuenta que en realidad es un depredador, como la mayoría de las especies de la naturaleza, incluido el ser humano. El verdadero villano es la compañía que persiste en poner a Ripley y los otros humanos en peligro simplemente para hacer dinero. La gente que dirige esa empresa está dispuesta a sacrificar las vidas humanas para lograr que un alien sobreviva y así conseguir un arma mortífera.

- ¿Es un nuevo superhéroe?

- Ripley es una mujer que trabaja cotidianamente a base de coraje para exigir responsabilidades a los demás y que se comporten de una manera responsable. Y, cuando es necesario, ella tiene que pelear también con los aliens. En esencia, Ripley se afana para hacer bien su trabajo.

No es un superhéroe, es un ser humano que se asusta pero que continúa su trabajo a pesar de su intenso miedo. Creo que es un personaje ejemplar.

- ¿Es su vida familiar así?.

- Creo que soy una persona afortunada al venir de una familia que nos enseñó para hacer lo mismo. Si nosotros somos listos podremos escoger a los amigos que no solamente nos ayuden a conseguir las metas que nos proponemos, sino que también podremos ayudarles a ellos.

- ¿Es así el mundo de los negocios?

- Muchas compañías de hoy buscan personas insignificantes que estén siempre disponibles a sus requerimientos. Lo único que les importa son las ganancias.

Mucha gente basa sus decisiones solamente en el dinero y otras están preocupadas por la posibilidad de perder su empleo. Ambas están dispuestas a hacer acciones reprobables sin pensar en el daño que harán a los demás.

- ¿Ha tenido pesadillas con el monstruo de Alien?

- Solamente en una ocasión y fue terrorífico. Estaba en un gran barco realizando un crucero y allí estaba el Alien persiguiendo a todos. Evité que me comiera escondiéndome en uno de los botes salvavidas, aunque creo que si el sueño hubiera durado mucho más me hubiera devorado y ahora no estaría aquí contándolo.

- ¿Y qué semejanza tiene Ripley con las personas normales?.

- Ripley representa lo mejor de nosotros. Ella está dispuesta para hacer las cosas bien, sin considerar las consecuencias. De hecho, en Aliens ella se degrada de su cargo, se convierte en un simple funcionario, para hacer bien su trabajo. Es un buen ejemplo.

- ¿Tiene en la mente una quinta entrega?.

- En el cine ya hay que acostumbrarse a no decir Nunca jamás. Para los productores todo depende de cómo resulte en taquilla esta cuarta parte y para mí, depende del guión.

A PROPÓSITO DE “ALIEN 3”

“Yo era una esnob terrible cuando comencé en el mundo del cine, y recuerdo los días cuando era una joven terrible que tiraba tomates entre el público y cantaba “Venir madres a desfilar”, durante una representación de Christopher Durang. No me interesaba la ciencia-ficción y aún después del éxito de la primera no estaba interesada en una segunda parte. Después me di cuenta que debía considerarme afortunada por gozar del agrado del público y porque alguien pusiera en mi escritorio el argumento de una secuela de Alien”.

“Afortunadamente, el rodaje de la tercera entrega fue mucho más llevadero emocionalmente para mí, puesto que tuve siempre a mi lado a mi hija y mi marido volaba hasta Inglaterra siempre que su trabajo se lo permitía”.

La producción de James Cameron “Alien” habían logrado unos impresionantes 81

millones de dólares solamente en el estreno en Estados Unidos, y la posibilidad de unas continuaciones adicionales comenzó a tenerse en cuenta inmediatamente.

Categóricamente, el presidente de la Fox, Philip Roth, dijo que no estaba interesado en financiar una cuarta película sin Ripley.

“Eso obligó a buscar un nuevo guionista que no estuviera interesado en decapitarme antes de tiempo”.

Weaver se quedó muy disgustada cuando la Fox presionó a Cameron para que cortase el metraje de “Aliens, el regreso” en el cual aparecía el embarazo de Sigourney de una manera notoria (luego re-instalada en la Edición Especial). Ella todavía recuerda su amargura:

“Esos tres minutos de material cambiaron todo, dijo , y esa fue otras de las razones por la cual no quise hacer una tercera película. Si usted está embarazada, quizás su tripa juegue un papel interesante en el contexto de la película, o que se pueda disimular si el guión lo estima imprescindible”.

Eventualmente, ella respetó la decisión de la productora para incorporar como director de Alien 3 al joven David Fincher, quien con sus veintisiete años solamente estaba familiarizado con videoclips y spots de televisión. Weaver recuerda que le preguntó antes de comenzar el trabajo como veía el personaje de Ripley. Él la preguntó, a su vez, como se sentía pelada al cero y parece ser que mediante este simple truco ambos empezaron a congeniar.

Una de las críticas que se hicieron a Alien 3 era que la calvicie hace más difícil contar la historia, opinión que no compartía Weaver.

“Estoy segura que es un gran aliciente para la película y que supone un punto más de atención para el espectador”.

Lo que ella no pudo prever es que una indiscreción hizo público el final de Alien 3, algo que todos habían mantenido en un celoso secreto, y eso obligó a rodar de nuevo las últimas escenas, lo que supuso un costo adicional de 10 millones de dólares.

“Lo que más me asustó fue la necesidad de volver a tener que cortarme el pelo al cero, cuando ya estaba empezando a crecer y tenía una corta melena a “lo chico”.

Afortunadamente, los expertos en maquillaje lograron disimular mi pelo con un adecuado postizo y creo que nadie puede saber con seguridad dónde está la verdad y dónde la mentira”.

Ella recuerda que durante el rodaje en los estudios Pinewood, su corte de pelo no consiguió demasiada atención caminando por las calles de Londres.

“En Inglaterra hay muchas personas con cortes de pelo extraños, pero el mío era el mayor. Si usted ve a una mujer de más de un metro ochenta caminar con la cabeza rapada, usted se para y mira. Yo noté que mucha gente cruzaba la calle para mirarme.

Mi esposo estaba bastante tranquilo y fingía que le gustaba, aunque cuando terminó el rodaje me confesó que lo odiaba.

Mi pequeña hija trataba de no mirarme y eso que ella apenas tenía pelo.. Me gustaría enfocarlo de otra manera: yo sé que es muy llamativo, pero suponía una liberación para mí. Lo que me extrañaba es que la gente del cine me mirase como un bicho raro, cuando han existido numerosos actores sin pelo que han sido muy famosos.

De todas maneras, no fue fácil mantenerme así y al final me di cuenta que no era una liberación sino una esclavitud aún mayor, puesto que me pasaba todo el día rasurándome el cráneo, evitando que creciera cualquier pelo”.

Weaver parece contenta ahora por realizar la cuarta entrega:

“Considero que es una fortuna que una película mantenga su interés durante tantos años, y eso significa mucho para mí. Yo almorcé la semana pasada con una administrativa de la Fox quien me dijo si algún día estaría interesada en Alien 4. Le dije que Ripley sería una carga para cualquier escritor o director que trabajase en esa película, y cuando digo Ripley me refería a Sigourney, ya que ambas tenemos un carácter muy similar.

Esto no es algo habitual entre los actores, pero yo amo a mi personaje Ripley y pienso con pena en el día en que ya me separe definitivamente de su vida. Sé que suena demencial, pero me he dado cuenta que la única manera que ella podría alcanzar la paz en una película sería cuando matase definitivamente a ese Alien. Por eso no me preocupa realizar una nueva película en la cual le aniquile definitivamente”.

Uno de los aspectos más interesantes entre Weaver y Ripley en cuanto al tema de Alien 1 y Alien 3, es que en Alien 2 ella tuvo a una niña como compañera, pero Weaver todavía no tenía ningún hijo en la realidad. Después cambia la situación, con Newt muerta, pero Weaver tiene ya una hija propia, Charlotte.

"Yo pienso que una de las razones por las cuales yo quise tener un hijo fue a causa de mi relación con Carrie Henn, quien hizo de Newt en Aliens. Yo me sentí muy triste cuando tuve que contar en Alien 3 que ella había muerto, mucho más cuando tuve que exigir que se hiciera una autopsia a su cadáver para asegurarnos que ella no había sido impregnada por el monstruo”.

Weaver describe esta escena como "horrenda para mirarla y horrenda para interpretarla" y recuerda cómo estuvo firmemente a su lado cuando asistieron al estreno de la película en Los Angeles .

"Yo la hice sentar muy próxima a mí porque estaba segura que se impresionaría mucho por la autopsia de Newt y la quería proteger. Pero cuando salimos del cine ella dijo que la escena estuvo muy bien, que no le había producido ninguna sensación especial la escena del cuchillo. Pero para mí no había sido tan fácil y recuerdo que durante el rodaje me puse a temblar en el momento en que les vi manejar el cuchillo. Fue una escena durísima”.

El joven director, a quien le habían puesto el mote de “vendedor de zapatos”, por haber realizado anteriormente un anuncio para las zapatillas deportivas Nike, no era persona que perdiera los nervios con facilidad y obligó a repetir algunas escenas hasta doce veces si las tomas no eran correctas. Esto originó un problema con el presupuesto si el rodaje se prolongaba más de lo estipulado, además de que la mayoría de los actores tenían adquiridos ya compromisos con otras productoras.

El resultado es que le cortaron 23 días de rodaje y le dejaron solamente 25 efectos especiales en la posproducción, algo que se nota con facilidad, al menos si la comparamos con Aliens 2 que tenía más de 50.

La Reina Isabel La Católica

Una vez terminado su trabajo en Alien 3, Weaver comenzó el trabajo en Sevilla, España, en la película de Ridley Scott “1492, la conquista del paraíso” en la cual hace el papel de la reina Isabel de España. La película, considerada como la mejor de todas las relativas al descubrimiento de América, tenía como co-protagonista a Gerard Depardieu, quien ella describe como:

"El mejor actor en el mundo. Usted mira en sus ojos y todo desaparece a excepción de lo que ve en ellos".

“En España estuve unas semanas rodando “1942”, pero lo hice con mi esposo y mi hija porque no quería separarme de ellos. Los tres aprovechamos todos los descansos del rodaje para recorrer los lugares históricos donde Colón había vivido. Yo había estado en España anteriormente durante la promoción de “Alien 3” y me había gustado mucho Madrid, es una ciudad encantadora. Creo que sus gentes, sus calles y sus monumentos me ayudaron mucho a superar el aborto que tuve en el cuarto mes de embarazo y que me afectó mucho”.

Al coexistir dos películas sobre el descubrimiento de América, las críticas estuvieron muy repartidas, aunque al final fue la protagonizada por Sigourney la que más éxito alcanzó y eso que Ridley se permitió jugar con los verdaderos acontecimientos históricos a su antojo.

Desde España, Weaver regresa a Nueva York y no viaja a Costa Rica con el resto del equipo para completar la película, puesto que ya estaban rodadas todas sus escenas.

Tampoco asiste al estreno de la película en el Festival de Sitges.

A pesar de haber dicho algunas cosas poco elogiosas sobre Ridley Scott después de Alien, ella ahora dice que se siente a gusto trabajando con él, y lamenta no haber hecho

“Thelma y Louise” debido a su compromiso con Alien 3 e, irónicamente, Ridley no pudo haber hecho Alien 4 debido a “Thelma y Louise”. Weaver se excusa por sus anteriores críticas a Scott y los achaca a su propia candidez :

“Él trabajó la cámara a su manera y yo deseaba que gastara más tiempo con nosotros, los actores. Pero lo que él hizo fue facilitarnos a todos nuestro trabajo. Trabajar con él nuevamente en “1492” ha sido una gran satisfacción y he comprobado que sigue siendo el mismo, aunque algo más diplomático”.

“Creo que Dios se apiadó de mí después del horrible aspecto que tuve en Alien 3 y gracias a esta película lucí un hermoso pelo largo y un vestuario de lujo. El rodaje fue tranquilo, de apenas quince días para mí, y me sirvió para tomarme unas vacaciones en familia”.

“LA MUERTE Y LA DONCELLA”

Fue su papel más difícil y ni siquiera consiguió una nominación al oscar. Nominada en tres ocasiones al Premio de la Academia por “Aliens”, “Gorilas en la niebla” y “Armas de mujer”, hay quien considera que su personaje de Paulina, en la película de Román Polanski “La Muerte y la Doncella”, era totalmente un candidato a los premios de ese año.

La estrella pareció más sorprendida que nadie cuando que fue entrevistada con motivo del estreno de la película en París y tenía razón para ello. El papel era quizá el mejor de todos los de su carrera y lo había interpretado con gran intensidad y poder.

Weaver es una belleza alta, serena y gallarda que viste en sus entrevistas vestidos de alta costura. Habla un francés fluido y suele regalar besos con facilidad a aquellos periodistas que son amables y pacientes con ella. Allí tuvo lugar la presentación del manuscrito de la película por parte del agente de Polanski, un director que como sabemos vive exiliado fuera de los Estados Unidos a causa de una sentencia por corrupción de menores. Una vez que ella lo leyó, aceptó inmediatamente interpretar el papel principal.

“Pero yo tuve suerte, puesto que no tuve que pelear para conseguirlo. Yo estaba asustada por tener que trabajar con un director tan brillante como Polanski y la verdad es que no tenía entonces una buena fama como actriz dramática. Los papeles que me ofrecían no daban lugar a grandes alardes interpretativos y debo reconocer que nunca pude conseguir los papeles que hubiera deseado. Había hablado de este tema con los productores y siempre me habían prometido que en la próxima película las cosas serían distintas”.

“No es que en las películas de Alien el papel de Ripley fuera una tarea fácil, pero de todos modos era simplemente una película de acción y eso no me parece un argumento dramático serio. Por eso la oferta para interpretar a Paulina era una oportunidad nueva. Es el tipo de material que se ofrecía a Meryl Streep, y que frecuentemente consigue. Afortunadamente yo no lo pensé demasiado para dar mi aprobación, aunque nunca llegué a saber por qué Polanski decidió pedir que yo fuera la protagonista antes que cualquier otra. Quizá es que recibió noticias de que yo era una mujer fuerte y pensó que eso haría del personaje alguien muy excitante, pero creo que las mujeres fuertes en realidad son muy sensibles cuando las hacen daño y eso puede convertir con facilidad a una mujer fuerte en una débil”.

Nada en los antecedentes de Weaver, quien había crecido en una familia de actores neoyorquinos y había estudiado en buenos y costosos colegios, además de su buena escuela en Yale, nos recuerda nada sobre una Paulina que ha tenido que vivir durante una dictadura militar.

UNA ENTREVISTA MUY PERSONAL

En el espacio es un guerrero en la trilogía Alien y una víctima de la tortura en “La Muerte y la Doncella”. Sigourney Weaver ha hecho una buena carrera cinematográfica como una mujer independiente y fuerte pero ella dice que realmente su trabajo preferido es la comedia, donde ella puede desatar su locura. En esta entrevista, ella lo hace.

- ¿ Es usted la mujer más alta sobre el planeta, o qué?

- Sí, aún retengo este título.

- He oído que todos los hombres que han trabajado con usted haciendo escenas de amor han tenido que subirse a una caja para besarla. ¿ Cierto?

- Falso. Siendo alta tengo mis ventajas. Para mí, es una buena prueba: si yo entro en una sala y un actor que está de pie entonces se sienta inmediatamente, como claudicando, y dice que ese trabajo no es para él, me ahorro un montón de problemas a causa de sus complejos.

- En “Aliens”, usted arriesgó todo para salvar la vida de una niña llamada Newt. Si la persona para ser rescatada estuviera contaminada por el Alien, usted, Ripley, ¿habría reaccionado de manera diferente? .

- Oh, absolutamente. Es gracioso que usted mencione esto, porque la conversación para lograr hacer revivir a mi cadáver en Alien 4 parte de esa misma idea. Cómo lo harán ellos, no sé, pero eso podría haber sido una buena idea para la continuación. A mí me gustaría hacer una escena donde el alien y yo estuviéramos arrinconados gritando: “No nos matéis y así podremos seguir haciendo más películas”.

- ¿ Cómo vivió peligrosamente su peor año?

- Probablemente fue el primer año que yo vine a Nueva York buscando un trabajo. Yo acabé mi graduación en la escuela de Arte Dramático de Yale y parecía que nadie me contrataría nunca para una película. No es de sabios contar estas cosas, usted sabe, porque los periodistas acaban tergiversándolas. Pero en 1977, yo hice esa obra de Cristóbal Durang llamada “Titánica” y hacía de una jovencita con trenzas que estaba algo loca y guardada su erizo favorito en su vagina. La obra fue un acontecimiento maravilloso y salvaje para mí, aunque después me di cuenta que no me servía para conseguir otro trabajo.

- ¿ Es usted más como un perro o un gato?

- Hmm... quizás prefiero ser un perro, sí, definitivamente quiero ser perro. Son amistosos, muy valientes, aunque con el paso del tiempo encuentro que llegan a ser muy filosóficos y eso les hace distantes; han aprendido a conocer nuestras debilidades. Quizá algún día prefiera entonces ser gato.

-

- ¿Usted podría grabar un dúo con cualquier persona muerta? Y si es así ¿por qué?.

- Yo he estado siempre fascinada con Madame Curie. Pienso que nosotras podríamos hacer una buena interpretación de “Las Hermanas Son Doin” y creo que Madame disfrutaría mucho con Eurythmics.

- Hablando de cantar, existe un rumor que gira alrededor de usted y afirma que está interesada en asumir la dirección de “Sunset Bulevar” y desplazar a Norma Desmond cuando le concedan los permisos. ¿Hay algo de verdad en esto?.

- Sí, de alguna forma. Pero estos son rumores que comienzan y lo cierto es que me propusieron algo similar para representarla en Londres, pero simplemente expulsé una fuerte carcajada como respuesta.

- ¿ Por qué? Usted podría ser enorme con un turbante.

- ¿De verdad? ¿Me ha oído usted cantar alguna vez?. Yo tengo una gran pasión por ello, pero como no sé cantar tendría que sincronizar mi voz con un disco y no creo que lo pudiese lograr.

- Cuando usted fue nominada para los Oscars en el mismo año por 'Armas de mujer' y 'Gorilas en la niebla', no ganó ninguno de ellos y parece ser que bromeó sobre la conveniencia de que la Academia debería establecer una sala verde entre bastidores para todos los perdedores.

- Todavía pienso que es una gran idea. Es tan maravilloso ir allí y estar con tus compañeros... Pero entonces, cuando usted pierde, nadie te dice nada, aunque te dedican una mirada de pena que a mí se me antoja maquiavélica. Por supuesto, cuando usted pierde no una vez sino dos veces, allí realmente nadie puede decir nada. Yo amo la soledad de una sala y a ese lugar la llamaría "Sala de Los Actores"

y allí nos sentaríamos, charlaríamos, quizás fumaríamos y beberíamos y nos consolaríamos de no haber sido tenidos en cuenta de nuevo. Quizá habrá más suerte la próxima vez.

- Cuando usted hizo de la primera dama en “Dave”, ¿aprendió alguna lección especial?.

- Sí, que yo podría vivir en la Casa Blanca inmediatamente. Yo habría amado realmente ese trabajo de ser la primera dama si no tuviera que casarme con un político. Nosotros conseguimos hacer un recorrido por la Casa Blanca el día después que Bush perdió las elecciones en 1992. Fuimos allí rezando para no encontrarnos por los pasillos a George o Bárbara. También tuve una gran idea al tocar las telas de las cortinas y pensé: “Debo encontrar tiempo para mejorar mi sofá”.

- ¿ Qué dentífrico usa usted para conseguir tener esos dientes tan blancos?

- Cuando consigo tener todo bien organizado uso Tom's Maine, preferentemente, el que tiene sabor a canela. Pero comúnmente, casi siempre encuentro en el lavabo algo más espantoso de color turquesa y sabor a caramelo. Mi hija prefiere este tipo y es la que manda en mi casa. ¿Qué podría hacer usted?.

-

- ¿Qué era lo mejor y lo peor sobre estar con el pelo al cero?

- Aunque no lo crea, a mí me gustaba estar así, con el cráneo al aire. Lo malo era que pasaba un frío espantoso y tenía que ponerme sombreros todo el tiempo. La mejor cosa era que mis ropas me sentaban maravillosamente con todos aquellos sombreros llenos de glamour. Estaba muy moderna y elegante. Por supuesto, durante el rodaje nadie tuvo en cuenta mis ropas porque ellos estaban ocupados con su trabajo.

- ¿ Si usted pudiese resumir un titular en 'Variety', qué diría?

- Bien, yo simplemente amo la palabra boffo. Trato de introducirla normalmente en mis conversaciones, tanto como humanamente me es posible. Si lograse que imprimieran mi nombre pondría a continuación “Una verdadera mujer boffo”, preferentemente todo en letras grandes.

- ¿Y qué quiere decir boffo?

- Es mi secreto.

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- Después de haber terminado recientemente un papel emocionalmente exigente en "La Muerte y la Doncella", ¿por qué escogió usted nuevamente un trabajo en que de nuevo tiene que ser muy emotiva?

- Bueno, yo pregunté a mi agente los papeles que me habían ofertado. Buscaba una comedia, pero este manuscrito me lo entregaron y encontré que era maravilloso para una mujer. También yo quería trabajar con Holly Hunter. Por eso lo hice, aunque todavía espero una comedia.

- ¿Encontró muy difícil lograr el estado emocional de Helen Hudson?

- Yo acababa de terminar "La Muerte y la Doncella", y pensé que sería bueno explorar ese territorio emocional oscuro. Tampoco era un cambio tan radical. Sabía que era difícil, pero estaba dispuesta para hacerlo. Ahora hago la madrastra en

"Blanca Nieves", que es, nuevamente, una historia muy compleja.

- Físicamente en esta película se ve obligada a realizar complejos movimientos acrobáticos. ¿Cómo se crearon esas escenas realmente?. Obviamente usted no es una persona para acrobacias, quizás es que pusieron un maniquí en su lugar.

- Recuerdo que estuve colgada seis días en dos escenas diferentes. Adquirí una especialidad maravillosa gracias a que los especialistas construyeron un tipo de armadura para mí. Había un gancho grande que tenía que ocultar con mis manos. Yo estaba siempre asustada porque mi show circense distraería a alguien y me podría hacer daño.

- ¿Cuáles son sus sentimientos personales sobre la pena de muerte? ¿ Piensa usted que tipos como Bundy deberían quedarse en la prisión para que ellos puedan ser estudiados, en lugar de ejecutarlos?

- Yo no soy realmente una experta en psicología, pero pienso que, obviamente, deben tener algún cable suelto en el cerebro. Creo que es una combinación de la genética y el ambiente lo que ocasiona las perversiones.

- Usted necesita las dos circunstancias para convertirse en un asesino. En el caso Bundy, él era un necrofílico y un narcisista. Los psiquiatras que yo conozco son políticamente conservadores y ellos seguramente sienten que estos tipos saben que están haciendo daño, pero, aún así, lo hacen.

- Yo no pienso que la pena de muerte sea la mejor solución para impedir el crimen, pero pienso que mucha gente tiene un gran deseo para liberar ese monstruo que llevan dentro, por decirlo así. Cuando Jeffrey Dahmer se mató, todo el país lo celebró. La mayoría de la gente pensó que la maldad había desaparecido por fin y probablemente tengan razón.

- Nosotros estamos fascinados por las razones que mueven a este tipo de personas a ser tan malvados, pero al mismo tiempo nos interesamos por monstruos, bien sea Drácula o Frankenstein o quien quiera. La gente todavía habla de Jack El Destripador porque allí hay fascinación y curiosidad. La pregunta es: ¿Cómo pueden hacer ellos estas cosas terribles?.

- Cuando usted habló con los expertos en psicología delictiva, ¿tuvo usted algún problema por escuchar este tipo de información?.

- Yo encontré todo bastante horrible. Entonces comencé a leer una pareja de libros y la manera en que los expertos persiguen a un asesino por un único crimen, tanto si es un crimen desorganizado u organizado. Fue todo muy interesante y no pensaba que esto podría suponer un entretenimiento para mí, estudiar a estos asesinos. Yo estaba especialmente interesada por la manera en que los expertos hablaban de ello, sin ningún tipo de excitación.

- Creo que hay una gran diferencia entre la gente normal y los asesinos reincidentes.

Creo que hay una gran diferencia entre unos y otros y esto es algo que me gustaría seguir estudiando.

- ¿Qué piensa usted de esa gente que cambia de manera de ser por ver una película como esta?

- A la gente le gusta ver caracteres en situaciones extremas. Ellos disfrutan en cierto modo de la angustia de las protagonistas y, de alguna manera, la agorafobia de Helen es una ampliación de la manera en que mucha gente se siente en el mundo. La gente le gusta retirarse a sus hogares porque allí se sienten protegidos del exterior y pueden tener todo bajo control y no se enfrentan a lo que no les gusta. Helen, simplemente, lo exagera.

- ¿Tiene usted sus propias fobias?. Yo he oído que usted se pone nerviosa en los ascensores.

- Mire, si las puertas del ascensor no abren comienzo a ponerme nerviosa. Cuando entro en un ascensor, verifico cuándo ha pasado la última revisión. También miro si hay allí algún teléfono, dónde está el timbre de alarma y hasta la posibilidad de salir por el techo si ocurriera algo. Verdaderamente me preocupa mucho quedarme atrapada, aunque si hay alguien más conmigo me tranquilizo algo. Creo que trataría de comportarme racionalmente, pero seguramente no lo conseguiría.

- ¿Cómo consigue usted lugares que tienen ascensores con Graffiti?

- Si usted sube a un suburbano o toma el autobús siempre se encuentra con pintadas.

Es una plaga.

- ¿ Piensa usted que ahora el público ha descubierto que las mujeres pueden ser las protagonistas de las películas y están realmente interesados en ellas?

- Creo que eso lo averiguaremos este año. Yo pienso que seguramente hay películas importantes con mujeres como protagonistas o directoras y es posible que los estudios estén interesados en hacer películas con dos mujeres como protagonistas.

Quizá así llegue mejor al público el mensaje de Hollywood.

- Usted produce ahora películas mediante su propia compañía, Cayo Goat Production, ¿por qué quiso ser un productor?, ¿Quizá porque pensaba que así podría escoger el material o porque pensó "Yo no veo suficiente material interesante?".

- No es esa la razón. Yo lo hice porque me gusta trabajar con escritores y tanto yo como mi esposo somos personas del teatro y conocemos a muchos grandes escritores. Al mismo tiempo, o de manera especial, quiero conseguir dar más protagonismo a la gente de Nueva York y conseguir algunas nuevas voces, nuevos escenarios y más originalidad, así como dar trabajo a los escritores. Nosotros ahora tenemos un negocio con Nuevos Dramaturgos donde estamos elaborando diez guiones originales en un período de dos de años.

- ¿Cómo es un día normal en su vida?

- Bien, me levanto con mi hija a las 6:30, tomamos el desayuno y la llevo a la escuela.

Me voy a la oficina y si no consigo llamar a la gente de California por la mañana temprano, tengo que esperar a las seis de la tarde para conectar con ellos, lo que es muy inconveniente. Pero nosotros simplemente hablamos con muchos escritores y apenas nos movemos del despacho. Antes de volver a recoger a mi hija hago la compra y luego vuelvo con la niña a casa. No soy una persona muy organizada y hago las cosas espontáneamente, no me gusta que me ayuden.

- Si quisiera estar bien organizada tendría una persona en mi casa, pero prefiero resolverme mis problemas yo sola. Ese es un día normal en mi vida y me gusta tal como es.

- ¿Qué hacía usted antes de llegar a ser una actriz de éxito?

- Yo era una actriz fracasada. Solamente he tenido suerte en Nueva York. Mi amigo Christopher Durang y otros escritores me consiguieron pequeños trabajos, pagando o gratis. Ahora trabajo con John Guare, una persona que me dio mi primer trabajo en el Public Teather en 1977. Yo fui muy feliz simplemente trabajando en el teatro y, de hecho, me tomó un tiempo largo cambiar mi lealtad al teatro para dedicarme al cine. No disfruté realmente con mi primer filme. Es un proceso muy diferente y no es tan agradable. El teatro no es un sitio en el que se entra con facilidad, aunque ahora ya nos es familiar porque conocemos todo, el escenario, las butacas y hasta la ubicación del teatro. Al terminar, por la noche, recorremos el mismo camino y eso nos da una gran sensación de seguridad. El cine es algo más privado y a menos que se ruede siempre en el mismo lugar, todo desaparece al día siguiente y hay que reconstruirlo de nuevo mañana, quizá en otro lugar.

- ¿Bien, qué le gusta sobre el cine?

- Bueno, ahora me gusta más que antes y pienso que es grande. Es un trabajo muy intensivo; es una colaboración verdadera y hay un grupo de cientos de personas que todos trabajan sobre la misma cosa. Eso supone una gran cantidad de diversión, aunque lo que menos me gusta es cuando tengo que estar fuera del hogar. En esos momentos considero que mi vida está muy dividida y vuelvo a pensar en el teatro con lo cual podría estar en mi casa y en el trabajo.

- Recuerdo que cuando yo estaba en el teatro nosotros hacíamos alguna cosa durante el verano. Contábamos con este actor viejo maravilloso que estaba detrás de las cortinas y que nos avisaba de cualquier incidencia.

“Guapa, alta, fuerte e inteligente”

Parece sencillo averiguar el carácter de una actriz viéndola en la pantalla; sus ademanes, gestos, manera de andar y de expresarse, nos ponen en guardia sobre quién es la persona que tenemos delante. Sigourney Weaver, con su rostro endurecido, su mandíbula robusta y su mirada desafiante, no nos parece en ningún aspecto una mujer tierna, delicada o dependiente.

- El problema es que los productores han querido buscarme siempre papeles de mujer fuerte, que soporta todas las adversidades y apenas me han dejado expresar mi verdadera virtud, un buen sentido del humor muy adecuado para las comedias.

- Pero cuando le dan una comedia le toca hacer un papel antipático, como en

“Armas de mujer”...

- Bueno, ese papel lo elegí yo porque creí que era el que más posibilidades tenía.

Después se comprobó que estaba equivocada.

- ¿Ha perdido oportunidades por ser más alta que el resto de las mujeres?

- Tantos como he ganado. Lo que ocurre es que cuando en un casting me apartan solamente por mi estatura me es difícil ocultar mi mal humor, puesto que en la pantalla las diferencias de estatura no son importantes. En una ocasión le dije a un productor que si quería andaba descalza y me pintaba en los pies unos zapatos negros.

- Se le llama la Katherine Hepburn de los 90, ¿cómo le sienta?.

- Muy halagada, pero tratándose de una actriz que todavía tiene una vida activa, me parece de mal gusto que me comparen con ella. Para mí Hepburn era una actriz a imitar cuando yo empezaba en el cine o al menos era uno de mis ídolos.

- ¿Cómo se sienten los actores a su lado?.

- No creo que ningún hombre se sienta cohibido porque mida un metro ochenta, no es tanto y creo que todo depende del valor que le den a su propia estatura. Personas como Harrison Ford o Mel Gibson, por ejemplo, nunca se han sentido a disgusto por trabajar a mi lado.

- ¿Y cuándo es usted la heroína y ellos los débiles?.

- Curiosamente todos han aceptado muy bien desde que interpreté por primera vez a la teniente Ripley, que yo podría ser la más fuerte del grupo, la heroína que se alza con el triunfo contra el mal. Pero yo no he pretendido nada parecido y deseaba más parecerme a Meryl Streep o Jessica Tandy.

- ¿Estaba segura de su triunfo en el cine?.

- Todos deseamos triunfar, pero yo estaba convencida que podía dar el pego haciendo papeles secundarios, muy dramáticos o en comedias en los cuales pudiera aportar mi sentido del humor. Cuando hice Alien me di cuenta que no debía ponerme límites y que cualquier papel que me propusieran debería hacerlo.

- ¿Cómo logra esa sensación de poder sin imitar a los hombres?.

- Comportándome como soy en realidad. Las mujeres que se comportan varonilmente, dando gritos, lanzando tacos o escupiendo al suelo, caen en el ridículo y su personaje no es creíble. Del mismo modo que un hombre que imita a una mujer ocasiona la risa, una mujer que imite a los hombres también. Debemos actuar como nuestro cuerpo nos lo permita. En Alien yo no me puse histérica, ni corría velozmente y ni siquiera trataba de pegar demoledores puñetazos; pero al final lograba sobrevivir y derrotar al monstruo.

- ¿Cree que la película hubiera sido un éxito con un hombre como principal protagonista?.

- No voy a ser tan soberbia de pensar que todo el mérito estuvo en mí. La película es muy buena, conmigo o con Paul Newman, el actor que en un principio debería haberla interpretado, lo que ocurre es que mi personaje femenino fue motivo de asombro para los espectadores, a quienes les regalé al final un striptease para demostrar que también era guapa.

¿Cómo considera ahora a las siguientes películas?

- “El ojo mentiroso” con William Hurt no resultó bien, aunque a mí me gusta, lo mismo que “El año que vivimos peligrosamente”, en donde pude trabajar con Mel Gibson y seguir haciendo papeles de chica intrépida, aunque capaz de enamorar al guapo chico. Esa película supuso una gran satisfacción moral y con la mayoría de los compañeros todavía guardo una buena amistad. Hay que tener en cuenta que tocábamos un tema muy agradecido, como son los derechos humanos y la tortura política.

- ¿Es cierto que se enamoró de Mel Gibson?

- De Mel Gibson es fácil enamorarse, pero si eso hubiera sido verdad hubiese intentado ligar con él. Es una persona encantadora y a la que admiraba cuando yo estaba empezando en el cine.

Lo que no puedo negar es que besa maravillosamente. Ninguno de los actores con los que he tenido que intercambiar besos han sido como él. Afortunadamente, el director de esa película era muy exigente con todo y tuvimos que repetir las escenas varias veces. Quizá este es uno de los motivos por los cuales esta película me trae tan buenos recuerdos.

- Dicen que se casó con su marido porque se parecía a Mel Gibson.

- -¡Qué tontería!. Lo que dije en aquella entrevista (¡oh, los periodistas!) es que apreciaba mucho a Mel por ser tan sencillo, natural y por lo que se ocupaba de su familia. También dije que me gustaría que mi futuro marido se pareciera a él y efectivamente todas estas cualidades las encontré en Jim. Me he casado con mi marido porque reúne una serie de cualidades que yo admiro en los hombres y si coinciden con las de Mel, estupendo para su mujer.

- ¿Por qué aceptó un trabajo menor en “Los cazafantasmas?”

- Es que no es un trabajo menor, es una película encantadora que ha tenido un gran éxito en todo el mundo. Además, me dio la oportunidad de trabajar con ese trío de actores de comedia que son extraordinarios. Si hubiera considerado que fue un error no hubiera realizado la segunda parte.

- Después quiso romper esa tendencia hacia la comedia y...

- Deseaba demostrar que era capaz de cualquier interpretación y hacer de prostituta de lujo en “La calle de la media luna” me parecía una buena oportunidad.

- ¿Cómo se sintió en las escenas de desnudos?

- Como cualquier otra actriz. Afortunadamente en este tipo de escenas no hay mucha gente en el plató y siempre llevas unas braguitas que tapan lo necesario. Tampoco estaba preocupada por las posibles críticas que la gente pudiera hacer de mi cuerpo.

- Y después, de nuevo a luchar contra Alien.

- La película anterior había sido un éxito y el público deseaba una continuación, por lo que había que hacerla. Contábamos, además, con un buen director como James Cameron. No debió resultar nada mal si tenemos en cuenta la buena recaudación y la nominación al oscar que recibí.

- Y reincidió con una tercera parte.

- Tenía curiosidad por saber cómo evolucionaría el carácter de Ripley, ya que muchos aspectos no habían quedado suficientemente explicados en la segunda parte. Como sabéis, yo me involucré financieramente en la película y tomé parte en el guión.

- ¿Cuáles son las películas que más satisfacción le han dado?

- A nivel moral, indudablemente “Gorilas en la niebla” y algo más alejada “Armas de mujer”. Con la primera conseguí, creo, una buena interpretación, una buena película, y llamar la atención mundial sobre un tema muy triste, como era el exterminio de los gorilas en Ruanda.

- Pero en el proyecto inicial usted no figuraba, ¿Cómo lo consiguió?.

- Si figuraba, pero después de una larga lista de actrices. Habían pensado en Elizabeth Taylor y en Brooke Shieds, la chica de El Lago azul, pero después consideraron como más adecuada a Jessica Lange, aunque su embarazo estaba ya muy adelantado y no pudo ser. Al final solamente quedábamos Vanessa Redgrave y yo, pero como la primera entrevistada era yo y les dije que sí...

- ¿Es cierto que dijo que había sido más fácil trabajar con los gorilas que con alguna de las estrellas que había tenido que compartir en la pantalla?

- Es cierto, pero eso hay que mirarlo solamente como un chiste, no como algo cierto.

- ¿Cambió algo en su vida después de esa película?

- Aprendí a amar a los países del Tercer Mundo y llegué a comprender por igual a quienes defendían la supervivencia de los gorilas y a quienes los mataban para sobrevivir. Después me compré una casa en Ruanda, que luego tuve que vender por los problemas políticos, y creo que mi labor contribuyó a preservar la especie.

Ahora ya existen problemas de exceso de población y hay que controlar la fertilidad de las hembras.

- Inmediatamente se ve con dos nominaciones al oscar en el mismo año.

- Exactamente, una por “Gorilas en la niebla” y otra por “Armas de mujer”. Cuando no me dieron ninguno me llevé un fuerte disgusto, aunque ahora me considero una afortunada solamente por haber sido nominada varias veces. Creo que un oscar no hubiese cambiado mi carrera en absoluto.

- Y después un nuevo cambio en sus trabajos.

- Deseaba hacer papeles mucho más complicados y por eso me parecieron estupendos los de “Copicat”, en donde era una doctora que sufre horror a los espacios abiertos a causa de una agresión anterior. Y “La muerte y la doncella”, donde planteé la interrogante de si una mujer violada debe tomarse la justicia por su mano y torturar al violador. Creo que en “Copicat” la conclusión era errónea, puesto que la protagonista no tiene horror a los espacios abiertos sino a encontrarse en la calle de nuevo con su agresor. En “La muerte y la doncella” quedó bien claro que la venganza quita toda validez al agredido y que matar o torturar a una persona, por malvada que sea, nunca es perdonable.

- ¿Y sus nuevos retos?

- He terminado una comedia con Kevin Kline y la cuarta entrega de Alien, además de hacer de ninfómana en una obra de teatro y de madrastra en una versión de Blanca Nieves. Creo que con ello el público nunca dejará de interesarse por mí, ya que cada nueva película será una sorpresa.

También he fundado mi propia productora de cine, la Goat Production, y ya hemos financiado la segunda película del autor de Full Monty, el director Peter Cattaneo.

Será una comedia muy romántica, con un guión de Peter que ya había realizado como cortometraje en 1991. El hecho de que hubiera sido nominado al oscar nos ha motivado a todos de que merece la pena intentarlo en un largometraje. Por supuesto, una de las intérpretes seré yo misma.

FILMOGRAFÍA

ANNIE HALL

Annie Hall (1977)

94 minutos

Productor: Charles H. Joffe

Director: Woody Allen

Guión: Woody Allen

Editor: Ralph Rosenblum

Fotografía: Gordon Willis

Vestuario: Ruth Morley

George Newman

Marilyn Putnam

Ralph Lauren

Nancy McArdle

Intérpretes:

WOODY ALLEN: Alvy Singer

DIANE KEATON: Annie Hall

TONY ROBERTS: Rob

CAROL KANE: Allison

PAUL SIMON: Tony Lacey

COLLEN DEWHURST: Mom Hall

JANET DUVALL: Robin

SHELLEY DUVALL: Pam

CHIRISTOPHER WALKEN: Duane Hall

JEFF GOLDBLUM: William

SIGOURNEY WEAVER: chica en el teatro

Annie Hall es una historia cómica situada en nuestros días, sobre los problemas sexuales de Woody Allen con un papel de un neurótico, inseguro e indeciso escritor de comedia (que es como él realmente comenzó su carrera en la televisión), que cae alocadamente preso de amor por Annie Hall (Diane Keaton), quien aspira a llegar a ser una gran cantante.

Allen y Keaton estropean desde los primeros días su relación al comportarse como dos adolescentes que solamente están interesados en el sexo y en desarrollar su personalidad e identidad, despotricando de todo el mundo que les rodea, llegando en su ironía a convertirse en dos personas ridículas. Allen visita a la familia de Keaton, incluyendo a sus padres (Colleen Dewhurst y Donald Symington) y a su neurótico hermano.

A pesar de la desaprobación que su familia hace hacia él, Allen y Keaton siguen juntos, pero Allen llega a estar tan inseguro en su relación que comienza a dudar del amor de Keaton, quien le critica cada movimiento, en una clara manifestación de rechazo y falta de amor.

Una noche, cuando Keaton canta una de su mejores canciones en un club de Manhattan, es reconocida por un magnate de la industria discográfica (Paul Simon), quien la pide que se vaya a Hollywood para trabajar con él. Ella acepta, y deja abandonado a Allen.

La historia es tan simple que asombra por su candidez, pero que es parte de su encanto, juntamente con los flashbacks de la niñez de Allen (con Jonathan Munk que hace una adecuada caracterización de un joven Allen). En estos flashbacks, Allen se mueve libremente como un hombre crecido, invisible para otros, y los comentarios sobre diversas escenas constituyen una técnica similar a la de Ingmar Bergman en “Fresas salvajes” (1957).

Y siempre hay un Allen extraordinario entre líneas. Él observa a Keaton que habitualmente fuma droga antes de hacer el amor y le dice: "¿Por qué no tomas penthotal sódico? Entonces así podrías dormir una noche entera".

Cerca de una autobiografía, Annie Hall no recibió ningún tipo de publicidad durante el rodaje, según órdenes precisas de Allen; de hecho, la historia entera (realmente una larga improvisación) se guardó como un secreto hasta el día de su estreno. El resultado es una producción fresca que sorprende nuevamente por sus escenas y términos extravagantes, en donde se muestran las insensateces y flaquezas del hombre y, en particular, de unos desesperanzados personajes repletos de idioteces que hacen que el espectador se sienta superior. Molestando continuamente está un locuaz Tony Roberts, el compinche perenne de Allen, cuyo atractivo físico y sus maneras sedosas, con una perspectiva de la vida completamente amoral, y un estilo de vida desenfadado, se nos muestran como cómicas al principio y luego repugnantes, que puede o no puede haber sido intención de Allen.

Annie Hall, que fue muy aplaudida por la crítica, ganó los premios que la Academia concede para la mejor Película, mejor Actriz, mejor Director, y mejor Guión, así como también una nominación para Allen como el mejor Actor (perdió frente a Richard Dreyfuss). Financieramente, la película recaudó 19 millones de dólares en su primera exhibición.

Woody Allen con Annie Hall explora las nuevas dimensiones del personaje que ha construido en sus anteriores películas, casi siempre bajo una faceta cómica. A nosotros nos resulta ya muy familiar todo el universo de Allen, con su comportamiento excesivamente ansioso, intelectual y poco adaptado a la vida social tradicional. Le hemos mirado desarrollando desde sus primeros años un tipo de comedia alejada de la rutina habitual, muy cercana al carácter cómico del vagabundo de Chaplin. Desde el momento en que comienza una de sus películas ya sabemos que Allen nos aportará un sinfín de secuencias cómicas que harán que nos riamos sin pausa. Hacía mucho tiempo que el cine no tenía un cómico de tanta categoría.

Aún así, la realización de una película de Woody Allen es una proyección del verdadero Allen. Que debajo de su carácter cómico existe una verdad dolorosa es posible, pero así es Woody Allen. En su papel se nos muestra como una persona insegura por su pequeño tamaño, tímido con las mujeres y rutinariamente incompetente en su diario ajuste con la vida.

No es que el "verdadero" Allen sea tan desafortunado como su creación ficticia, pero es que exagera los giros de su carácter y en Annie Hall es cuando más cercano está en aportarnos material de su propia vida. No es una autobiografía, pero nosotros a veces tenemos la impresión de que las escenas que vemos ya las ha interpretado antes, aunque de manera diferente.

Allen hace el papel de Alvy Singer, y repite la combinación entre el incurable neurótico y su romanticismo. Él es un consciente habitante de Nueva York, un liberal, un judío, un intelectual, un buscador de lo inasequible, y un experto en hacerlo asequible. Uno de los problemas de Alvy Singer es que él comprende que todos deben ser felices. Él no es una víctima de las fuerzas del más allá, aunque sí su autor.

Y uno de los problemas que él guarda para sí mismo es el problema del amor. Él cae en el amor demasiado fácilmente, aunque las mujeres que conoce se hacen incompatibles con su manera de vivir y pensar. Sus chicas tienden a reflejar las etapas que él va adaptando en la vida. Cuando él es un liberal de la década de los cincuenta, ella encuentra a otro amor más sensible y menos comprometido. Cuando él es un romántico, ella encuentra a un fortachón pendenciero que la proporciona seguridad física. Su único problema es que las mujeres son personas, no etapas.

Los desafíos de esta película consisten en tratar el argumento un poco más seriamente y coherentemente de lo que es común en sus anteriores filmes. Annie Hall es una comedia, sí, y hay momentos que son tan cómicos que cualquier cosa nos hace reír, pero en conjunto la película representa un crecimiento sobre el Allen anterior. Desde su etapa inicial en la cual haría cualquier cosa para provocar la risa, y cuya misión primaria parecería estar en conseguir la carcajada durante los próximos cinco de minutos, Allen ha desarrollado en “El dormilón” y en “La última noche de Boris Grushenko”, una película mucho más precisa, quizás porque ha madurado como director.

Es por eso que Annie Hall se llama un "romance nervioso"; porque Allen en sí mismo está un poco nervioso con este material nostálgico, romántico, y sentimental. Él aprovecha también para hacer su crítica social más mordaz, casi para tranquilizar a sus viejos fans que esperan sus trabajos cómicos. Pero Allen quiere hacer una película más compleja, alejándose de la simpleza de la risa fácil. Mirando en algunas de sus relaciones propias, algunos de sus modelos propios, él quiere realizar un trabajo de su personalidad.

Por eso encontraremos aquí dos Woody Allen: nuestro compinche viejo original, y otro que se da un respiro también para ponerse detrás de la cámara y dirigir. El nuevo Allen crea a Alvy Singer a su propia imagen y entonces lo permite comportarse coherentemente, parejo a veces con las risas. Es este nuevo Allen quien hace un romance nervioso, con su complicada relación con la cantante del club nocturno llamada Annie Hall (interpretada por Diane Keaton con una mezcla interesante de cuidado maternal, amor genuino, y locura absoluta).

Al final del asunto, nosotros hemos aprendido dos únicas cosas seguras: que las relaciones perdurables son muy probablemente imposibles en esta época y lugar (es decir, la ciudad de Nueva York durante la vida de Woody Allen), y esa vida sin la búsqueda de relaciones es insoportable. En la película, aprovecha para rendir un homenaje a Groucho Marx cuando dice que él nunca pertenecería a un club que aceptaran a personas como él. Del mismo modo, Allen tampoco debería conseguir nunca una relación amorosa con uno de sus socios en la película, pero como todos sabemos la relación sentimental que ha tenido con Diane Keaton, podemos considerarle un tramposo, cómico y triste, pero un tramposo.

Como en otras tantas películas, el tiempo nos ha demostrado que es mayoritariamente autobiográfica, tanto en cuanto a su vida personal y amorosa, como en su pensamiento más íntimo. Quizá por eso, especialmente por eso, están tan magistralmente contadas.

Con "Annie Hall" rompió la tradición de realizar películas cómicas y puso todo su talento para lograr que salieran a la luz sus otros valores, aquellos que podrían aportar algo útil al publico. Sin embargo, no pretendía, creo que nunca lo pretende, gustar a miles de personas sino más bien sentirse a gusto con sus propios pensamientos.

Para ello aprovecha una vez más el cine para contar sus propias vivencias, sus temores y sus desengaños, como si de una conferencia se tratase.

En "Annie Hall" hace ya tomas muy largas, sin pausa, evitando luego los penosos montajes de laboratorio y se dirige al publico numerosas veces para que sea protagonista con él, algo que aprendió (¿copió?) de Groucho Marx y Bob Hope. Supuso también el descubrimiento de una Diane Keaton distraída, mal hablada, y con un estilo de ropa que marcó furor en aquellos años.

MADMAN

Madman (1978)

Israel: Drama

Director: Dan Cohen

Intérpretes:

MICHAEL BECK

F. MURRAY ABRAHAM

ALAN FEINSTEIN

SIGOURNEU WEAVER

ESTHER ZEVKO

Este hombre soviético con deseos de venganza, se une a un enfermo mental de origen judío y ambos se enrolan en el ejército israelí para matar rusos.

Lenta y pobremente dirigida, la película carece de convicción. Lanzando al mundo del cine a Weaver, en el principal papel, y al lado del futuro ganador de un Oscar, Abraham, son los dos únicos alicientes de esta película.

ALIEN, EL OCTAVO PASAJERO

Alien (1979)

20th Century Fox

117 minutos

Productor: Gordon Carroll, David Giler, Walter Hill

Director: Ridley Scott

Guión: Dan O'Bannon

Basada en la historia de: O'Bannon y Ronald Shusett

Editor: Terry Rawlings, Peter Weatherley

Fotografía: Derek Vanlint

Música: Jerry Goldsmith

Efectos especiales: Carlo Rambaldi, Bernard Lodge

Criatura: John Mollo, H.R. Giger, Roger Dicken

Intérpretes:

TOM SKERRITT: Dallas

SIGOURNEY WEAVER: Ripley

VERONICA CARTWRIGHT: Lambert

HARRY DEAN STANTON: Brett

JOHN HURT: Kane

IAN HOLM: Ash

YAPHET KOTTO: Parker

En 1975 un grupo de personas amantes del cine de ciencia-ficción, entre ellos Dan O’Bannon y Ronald Shusett, elaboraron las bases maestras de un argumento para el cine titulado “Memory”, basado en una aventura centrada en la Alemania nazi, aunque fue cambiado pronto por “Star Beast” y debía desarrollarse ahora en el espacio y en una época futura. Era la época en la cual “La guerra de las galaxias” había arrollado pujante en el cine y se preparaba una nueva edad de oro para el cine de ciencia-ficción.

Presentaron su proyecto de una bestia alienígena que habita en una nave espacial a la compañía Brandywine, propiedad de Gordon Carrol, David Giller y Walter Hill, quien haría a su vez de director. Ese hombre estaba ahora finalizando el rodaje de “Warriors: los amos de la noche” y ante la incógnita sobre la finalización de la película, se decidió contratar a Ridley Scott, quien había triunfado recientemente con “Los duelistas”.

Entusiasmado Scott por la ciencia-ficción, vio que esta era su oportunidad para introducirse en el tema y con un presupuesto de apenas ocho millones de dólares se comenzó el rodaje en los estudios londinenses de Shepperton y se finalizó en los Estudios Bray, también en Londres.

La película debería seguir la línea marcada en “El enigma de otro mundo”, en la versión de 1951 de Howard Hawks, aunque era necesario dotarla de un mayor suspense y terror, algo en línea con la literatura Lovecraft.

El extraterrestre debería ser, por supuesto, aterrador, silencioso y apenas visible, con lo cual el espectador podría imaginarse el terror a su modo, como en un sueño. Los primeros dibujos hablaban de un pulpo extraño, mezcla de cocodrilo, pero se pensó que tenía que ser único, nunca visto. Para ello se recurrió al suizo Hans Rudi Giger, un creador de dibujos irreales y tenebrosos, quien también manejaba con acierto las maquetas por su profesión de decorador.

Y así crearon al monstruo empleando huesos humanos, piel de reptil y empapado de una sustancia viscosa que lo haría aún más aterrador. Por supuesto, apenas se dejaría ver.

Dentro de la estructura del monstruo, elaborada a partir de caucho y fibra de vidrio, había un hombre de más de dos metros de altura que debía moverse con cierta soltura, pero de quien desconocemos su nombre y su destino posterior. La enorme cabeza de los primeros planos era mecánica y podía mover lentamente la boca y hasta expulsar babas.

Una vez finalizada la película, era algo más larga que la que se exhibió, suprimiéndose ciertas escenas aún más escabrosas si cabe. Por ejemplo, desapareció una secuencia en la cual Brett muere de manera sumamente sangrienta y otra con Skerrit metido en un recipiente de vidrio y que Ripley debería achicharrar para que dejara de sufrir. En la escena final, cuando Ripley consigue escapar y librarse definitivamente del alien, la cámara mostraba un huevo adherido en la parte externa de la nave, dejando a entender que una segunda parte era posible.

La historia:

La nave espacial Nostromo que viaja de regreso al planeta Tierra, es desviada de su ruta automáticamente mientras sus tripulantes están en hibernación, a causa de una señal de socorro que procede de un planeta lejano. Cuando aterrizan en ese planeta, se encuentran con restos de una antigua civilización, poseedora de una tecnología muy avanzada. Los cuatro tripulantes que han bajado, encuentran también una gigantesca nave espacial destruida y el cadáver fosilizado de un piloto con señales de tener el vientre reventado.

En el suelo del planeta encuentran también multitud de grandes huevos, recubiertos de una pegajosa sustancia, en cuyo interior se escuchan ruidos. Uno de los astronautas se acerca para averiguar su contenido y bruscamente sale de su interior una especie de animal con tentáculos que se adhiere a su rostro. Es llevado inmediatamente a la nave y allí el equipo médico trata de separarle el animal de su cara. Pero cualquier intento en este sentido hace que el animal estrangule a su víctima, indicando así a sus captores de que no deben tocarle o su amigo morirá.

Poco tiempo después el animal ha desaparecido y todos festejan la solución al problema mientras comen y bromean. Súbitamente, el piloto afectado empieza a sentirse mal y bruscamente se le revienta el tórax al mismo tiempo que sale de él un pequeño animal poseedor de una boca amenazadora.

Desde ese momento la tranquilidad de los tripulantes del Nostromo desaparece y todos deben ir en busca del extraño animal, el cual parece poseer una inteligencia que le mantiene a salvo de sus enemigos. Con el paso de las horas el alienígena ha crecido y ahora es un gigantesco animal, voraz, despiadado y que tiene como sangre una sustancia tan corrosiva que es capaz de atravesar el duro metal de la nave.

En su intento por capturarle, uno a uno los tripulantes van cayendo muertos, hasta que deciden salir al espacio en el vehículo auxiliar y destruir la nave.

La presencia allí de un androide, al que todos consideraban un humano como ellos, les da la explicación del origen de todo su problema: la nave había sido programada para que trajera hasta la Tierra a un miembro de esa especie, para su observación, quedando las demás consideraciones, incluida la vida de los tripulantes, como objetivos no prioritarios.

La teniente Ripley se convierte así en la persona más capacitada para lograr destruir al alien y poner a salvo a la diezmada tripulación.

La película sigue fielmente el esquema del clásico de ciencia-ficción “El enigma de otro mundo” y logra por ello entusiasmar a una nueva generación de espectadores. El argumento es tan similar que dudamos que su guionista no haya decidido calcar el mismo esquema: la presencia en un recinto cerrado de un alienígena inteligente, fuerte y sin consideración con los humanos. Cualquier intento por capturarlo está condenado al fracaso y solamente disponen de un radar sónico para detectar su presencia.

El ambiente oscuro de la película no es, como en otras cintas de terror, tan abrumador para el espectador, el cual consigue ver entre destellos luminosos todo cuanto desea ver, aunque el monstruo solamente se muestra parcialmente, rodeado de una atmósfera tan oscura como su piel, y por escasos segundos de tiempo. No emite apenas ruidos, ni trata de justificarse con sus despiadadas matanzas, pero es sumamente terrorífico.

H. R. Giger

Son tantos los elementos acertados en la película que no nos extrañamos de su triunfo mundial. El personaje principal, el monstruo diseñado por Hans Rudei Giger, no es producto de una casualidad y responde a su gran afición a la literatura de Lovecraff y los cómic Metal Hurlant.

Giger nació en 1940 y desde muy pequeño se mostró sumamente interesado por todo el mundo terrorífico que mostraban las novelas, el cómic y el cine. Dicen que uno de sus juguetes preferidos era una guillotina que él mismo se había fabricado, con la cual disfrutaba decapitando muñecas y cuanto elemento similar a un humano pescaba. Pero una vez que su padre le quitó tan maquiavélica afición encontró un nuevo placer en cortar las cabezas con sus propias manos; al menos así podría establecer ciertas variaciones.

Experto dibujante de cómic y artesano maquetista, empezó a publicar sus dibujos en revistas realizadas por aficionados que solamente veían unos pocos privilegiados, hasta que consiguió reunir unas cuantas ilustraciones bien elaboradas y realizar una exposición.

Una de estas exposiciones llegó a España, pero todavía la película Alien ni siquiera era una idea y la ciencia-ficción que dominaba era muy suave, nada sangrienta. En la mente de los expertos figuran algunas de sus pinturas, como “La máquina de Pandora” y “Bajo la Tierra”, así como algunos gigantescos murales que hizo para diversas industrias.

Pero todo ello no sirvió ni para hacerle rico, ni para que pudiese establecer una empresa del terror gótico, algo que deseaba hacer. Durante meses tuvo que vivir en edificios prontos a demoler y en ellos pudo realizar, con la gran cantidad de materiales olvidados que había, uno de sus primeros engendros mecánicos: una armadura del tamaño de una persona, hecha a partir de material plástico, en cuyo interior había un sistema completo de imagen y sonido, sobrando, aún así, espacio suficiente para meter dentro a una amiga a quien no debía amar mucho.

Precursor de las criaturas mezcla de humanos, animales y tecnología, fue uno de los primeros que empleó el término “biomecánica”, en el cual trataba de mezclar las cualidades orgánicas e inorgánicas de los elementos terrestres y crear nuevos organismos.

Pues sus experimentos no debieron sentar muy bien a su compañera de laboratorio, la joven Li Tobler, quien se suicidó después de llevar 9 años conviviendo con él, empleando por supuesto uno de los revólveres que Giger poseía.

Sus carpetas con dibujos apocalípticos empiezan a ser objeto de un extraño culto y cuando saca a la luz “Biomecanoides 1969” alcanza un éxito que le permite viajar por todo el mundo occidental y contactar con Alejandro Jodorowsky, quien andaba buscando diseños futuristas para llevar al cine la complicada novela espacial “Dune”.

Amigo personal de otro genio de la inventiva artística, el genial Salvador Dalí, y conjuntamente con Jodorowsky, realizan pacientemente un álbum de dibujos que son publicados en un portafolio y posteriormente llevados a Nueva York. Por fin, un cineasta todavía poco reconocido, Ridley Scott, quien ya conocía su carpeta “Gigerś Necromicon”, le propone el diseño de la película Alien.

El resultado ya es bien conocido y su trabajo es premiado con un Oscar y le valen nuevos diseños para “Poltergeist II” y “Alien III”, debiendo de soportar que le roben sus diseños y proyectos para la secuela “Aliens II”, a causa de no haber protegido adecuadamente sus derechos como autor. Además, si bien en Alien y Dune pudo aportar su propio criterio, en el resto de las películas tuvo que supeditarse a los deseos de los demás técnicos, quienes tenían ideas muy distintas de cómo elaborar monstruos.

Posteriormente, y desengañado de la industria del cine, se especializó en el diseño de muebles, murales, relojes y escenarios teatrales gigantescos, logrando un gran reconocimiento por su labor. También ha publicado diferentes portadas de discos, diseñado originales relojes y ha tratado de dar un estilo diferente a edificios de Suiza y Japón, país en donde ha alcanzado un gran éxito.

En España fue el artífice del diseño del pabellón suizo para la Expo 92, de marcada inclinación erótica, que consistía en una gigantesca fuente llena de brazos y piernas sin cabeza.

Tiene fijada su residencia en una mansión lúgubre en Suiza, en donde cada mueble es fruto de un diseño propio, no faltando, según cuentan, calaveras, ataúdes como cama y esqueletos que sirven de perchero.

Alien trajo a H.R. Giger a la atención del mundo. El pintor Suizo es también un surrealista/ escultor/ diseñador que siente una especial atracción por todo lo oscuro y orgánico, con una mirada puesta débilmente en todo lo que sea concesiones a la sexualidad. Sus diseños propios han sido registrados en Estados Unidos, especialmente unos huevos saliendo de la vagina. El trabajo de Giger ha encontrado frecuentemente la resistencia en los sectores conservadores de San Francisco.

Sigourney y Ripley

“Ripley, en los comienzos del filme, dice Weaver , simplemente me desafió. Yo traté de imaginar y comprender algo así como que, si volvía entero a un mundo diferente, podía generar nuevos engendros. Para Ripley la situación personal es de suma soledad. Su carácter es el mismo al principio y al final de la película, pero algo debe haber cambiado en esencia desde el momento en que se encuentra frente a frente al alien. Ya no puede ser la joven sincera que se fue al espacio por primera vez. Por eso es agradable ver a Ripley en situaciones totalmente diferentes.

Ella siempre tiene un carácter fuerte y esa es la causa de que el personaje inicial, que debía ser un varón, pudiese ser modificado sin problemas para una mujer, y no es una mala idea, dice Weaver riendo, aunque tampoco se trata de escribir guiones de mujeres que hacen papeles de hombres; quizá es cuestión de sentimentalismo”.

“La verdad, es que el personaje principal estaba pensado para Paul Newman y nadie se cuestionaba cambiarlo por una mujer; no era ni creíble ni comercialmente recomendable. Además, yo todavía era una total desconocida en el cine y las mujeres guerreras, las heroínas, habían sido un fracaso en la pantalla.

Una vez que descartaron a Newman por motivos que desconozco, pensaron en Harrison Ford, pero su cotización estaba ya por las nubes y el presupuesto era mínimo. Por eso la productora decidió invertir más dinero en los decorados y la criatura, que en los actores; esa es la razón por la cual la mayoría eran unos perfectos desconocidos”.

“Cuando la película triunfó y decidí interpretar nuevamente la segunda, hubo quien me dijo sino tenía miedo de encasillarme en papeles de chica dura, algo así como si fuera Stallone o Arnold. Creo que estas personas ni siquiera se molestaron en repasar mi trayectoria para darse cuenta de lo inadecuado de su pregunta”.

Han pasado casi dos décadas desde que Weaver batalló desesperadamente contra el Alien en su primer papel.

"Yo tenía tan poca experiencia en la primera semana, que Ridley tuvo que hacer serios esfuerzos para que yo no mirase a la cámara, recuerda.

Ridley y los productores vinieron a Nueva York con una lista de actores para hacer un casting y yo estaba en esa lista. Realmente yo no había hecho ningún trabajo de importancia y cuando hablaron del tema tampoco mostré ningún interés en hacer una película de ciencia-ficción. Tenía un entrenamiento como actriz clásica y pensé que si mi trabajo en esa película extraña era muy secundario no tendría tampoco grandes problemas para integrarme. Lo curioso del caso es que a todos les gustó mi actuación y eso que la idea inicial era que debería ser un varón el intérprete principal, el héroe.

Todavía el espectador no estaba preparado para asimilar que una chica podía salir victoriosa contra un alienígena tan demoníaco. Quizá la diferencia estuvo en que yo trabajaba de manera diferente; ni era una mujer que actuaba como un hombre rudo, ni tampoco era una hembra que dejaba a los hombres en ridículo. Creo que por eso mi trabajo fue igualmente aceptado por hombres y mujeres.

Yo recuerdo el primer disfraz que me pusieron. Creo que me debí sentir como si fuera Jackie Onassis en el espacio, era demasiado hermoso, a la moda”.

Ridley tiró ese horroroso vestido y trató de encargar un auténtico traje de astronauta, un verdadero uniforme, que es el que terminó vistiendo.

“Pensé que debía representar un mundo espacial específico, no como una tradicional y lustrosa película de ciencia-ficción”.

Su mundo era sucio, lleno de arena, y ella vio a la tripulación del Nostromo como un grupo de personas inadaptadas que se encontraban inmersos en una situación que les desbordaba su capacidad de supervivencia.

"Para mi prueba de pantalla tuve que ir a Londres, en donde habían construido un conjunto para mí, con vestidos y decorados.

Allí hice una pequeña prueba, aunque no supe nada sobre ella hasta el día siguiente.

Cuando me dijeron que había salido elegida para el papel principal yo aún no había tomado la decisión de intervenir, pero me quedé impresionada por la seriedad con la que estaban haciendo todos los preparativos.

Cuando vi el guión de Alien era algo tan complejo y raro que parecía imposible que nadie se pudiera aclarar con aquello”.

Premios:

Nominada a la mejor dirección artística: Michael Seymour, Les Dilley, Roger Christian, Ian Whittaker

Oscar a los mejores efectos especiales: H.R. Giger, Carlo Rambaldi, Brian Johnson, Nick Allder, Denys Ayling.

El Director:

Ridley Scott

Nació en 1937 en South Shield, Inglaterra, y antes de estudiar cinematografía en el British Film Institute, pasó unos años aprendiendo pintura, decoración y diseño de interiores.

Convertido en aquella primera época en un prestigioso diseñador, cuando se incorporó al cine concedió, por tanto, una importancia capital a todos los decorados y la integración del attrezzo en el argumento.

Suele ser un director de grandes altibajos y aunque goza de gran prestigio, sus últimas películas, como “Tormenta blanca” no han tenido el éxito de público que se espera.

Reconocido no obstante por obras tan importantes como “Alien” y “Blade Runner”, dos de los clásicos de ciencia-ficción más importantes de todos los tiempos, es un trabajador muy minucioso que controla todos los detalles antes de empezar el rodaje. Sus películas suelen ser por esta causa bastante costosas y en ocasiones el resultado final no se corresponde a tanto trabajo.

Su trabajo global en el cine es de gran validez y gusta de cambiar de tema con frecuencia, por lo que no es raro verle en una temática feminista como en “Thelma y Louise”, película que fue muy aplaudida por el público femenino especialmente a causa de la gran agresividad que manifestaban sus protagonistas contra los hombres.

También se ha embarcado en proyectos históricos como “1492”, alterando parte de la historia para lograr darle mayor sabor cinematográfico, logrando hacer de Gerard Depardieu un Cristóbal Colón creíble.

Recreándose en los planos largos cuando están perfectamente logrados y en los contraluces en ocasiones exagerados, tiene un punto de vista muy peculiar a la hora de contar una historia, insistiendo siempre en la perfección de los decorados. Podríamos considerar al attrezzo como un protagonista más de sus filmes y en ocasiones les llega a devorar.

EL OJO MENTIROSO

Eyewitness 1981

102 minutos

Productor: Peter Yates

Director: Peter Yates

Guión: Steve Tesich

Intérpretes:

WILLIAM HURT: Daryll Deever

SIGOURNEY WEAVER:

Tony Sokolow

CHRISTOPHER PLUMMER: Joseph

JAMES WOODS: Aldo

IRENE WORTH: Mrs. Sokolow

PAMELA REED: Linda

STEVEN HILL

KENNETH MCMILLAN

MORGAN FREEMAN

Alguien explicaba así la diferencia entre las películas europeas y las norteamericanas en cuanto a su capacidad de contar historias: las europeas hablan sobre sus habitantes y las estadounidenses sobre su historia. Es una idea interesante, especialmente cuando se aplica a un thriller como “El ojo mentiroso”, que es una buena película cabalmente porque dedica más atención a sus gentes que a su historia.

¿Es una historia al estilo europeo?. Bueno, está dirigida por Peter Yates, un británico que ha dirigido la mayoría de sus películas en Estados Unidos, entre ellas “Bulllit”. Por eso el conjunto de la trama está centrado en América, en los intestinos de una caldera de Manhattan, alojada en la sala de redacción de una estación de televisión. Pero aunque la idea es interesante, complicada y sombría, los personajes son a veces contradictorios y no encajan en la tensión del argumento.

La estrella principal es William Hurt, como un portero que se encuentra con una evidencia que puede conducir a la solución de una investigación de asesinato. Pero él no acude a la policía porque todo se le complica demasiado y empieza a desconfiar de su propio descubrimiento, especialmente cuando se enamora de una reportera de televisión.

A ella le confía sus temores y desde ese momento los dos son la presa para sus depredadores.

Hay otras complicaciones: Sigourney Weaver está comprometida con un agente israelí (Christopher Plummer), quien anda metido en negociaciones internacionales ocultas de contrabando con los judíos que viven fuera de la Unión Soviética. Su trabajo consiste en realizar los pagos clandestinos a los agentes vietnamitas que se han hecho ricos en el mercado negro de Saigon y ahora están en Manhattan. Los otros personajes incluyen a James Woods, como Aldo, el portero caprichoso y excéntrico, Steven Hill y Morgan Freeman como una pareja de policías quien trabajosamente consiguen llevar el caso y se permiten decir una tontería como: “Cuando Aldo era un muchacho, él quería crecer hasta hacerse sospechoso” (?).

El desarrollo y solución del misterioso asesinato se maneja desde el despacho profesional de Yates y su escritor, Steve Tesich. La escena en el centro de la ciudad, en un establo lleno de caballos de carreras, tiene cierto parecido con alguna película de Hitchcock; el viejo director siempre admirado por mezclar violencia con escenas absolutamente impropias. Pero en manos de Yates y Tesich su manera de resolver las escenas y sus caracteres, se nos hacen sumamente divertidas y no logran ningún tipo de interés o tensión.

Weaver no solamente es una realizadora de televisión, sino también una pianista seria con dedicación parcial y la hija triste de unos padres tiranos. Hurt no es solamente un portero sino también un alma sensible quien puede hablar a su manera en el corazón de Weaver. Woods tampoco es solamente un portero lúgubre sino también un promotor entusiasmado por el casamiento entre su hermana y su novio. Ella (Pamela Reed) lleva mucho tiempo siendo su novia porque ambos están demasiado avergonzados para contarse el uno al otro que ya no están enamorados. Plummer es el personaje más complicado de todos, y una buena pregunta que nos podemos hacer es si realmente es un villano. Todo depende del punto de vista de su propia moral.

Yo he visto tantos thrillers que, francamente, no entiendo cómo la mayoría de ellos pueden resultar bien en taquilla. Lo que me gusta de “El ojo mentiroso” es que, aunque todo parece estar bien cuidado, se cuidan muy poco las escenas finales que nos llevan al desenlace. En ese momento no nos llegan nuevas informaciones que nos aclaren todos los pormenores que aún no han sido suficientemente explicados. Cada escena desarrolla varios personajes, pero lo hace de manera tal que quedan fuera de ritmo y perdemos nuestra capacidad para dar credibilidad al misterio y, de manera especial, al comportamiento de la gente ante esos acontecimientos. En ese momento nos distanciamos de la película al saber que nada de eso podría suceder así realmente.

El director Peter Yates y el escritor Steve Tesich tratan de hacer una nueva versión más significativa de los clásicos melodramas de los años 40, pero su Manhattan y el conjunto del thriller quedan sumamente emborronados y enredados.

El héroe debe ser primeramente un héroe para Hollywood, pero aquí es un simple portero de oficinas. William Hurt (el portero) tiene una coquetería muy divertida cuando está hablando con Sigourney Weaver, una reportera de televisión que llega para filmar un programa de noticias sobre un asesinato en el edificio. A fin de lograr su interés, él sugiere que puede haber sido un testigo ocular, y desde ese momento ambos son el blanco de los asesinos. También serán buscados por los que quieren venganza por la muerte de esas personas y por la misma policía.

Quizá a causa del mal enfoque publicitario del filme, fracasó la idea de realizar una película tradicional. Los personajes, unos judíos luchando contra los nazis, no logran infundirnos credibilidad y nos parecen más una pareja de criminales que de víctimas.

Hay algunos buenos momentos cómicos (¡lo que nos faltaba!), y dado que la trama no logra entusiasmarnos por lo menos esbozamos una sonrisa de vez en cuando.

EL AÑO QUE VIVIMOS PELIGROSAMENTE

The Year of Living Dangerously (1983)

MGM

115 minutos

Director: Peter Weir

Guión: David Williamson, Peter Weir

Basado en la novela de: C.J. Koch

Fotografía: Russell Boyd

Música: Maurice Jarre

Intérpretes:

MEL GIBSON: Guy Hamilton

SIGOURNEY WEAVER: Jill Bryant

LINDA HUNT: Billy Kwan

BEMBOL ROCO: Kumar

DOMINGO LANDICHO: Hortono

HERMINO DE GUZMAN: Oficial

MICHAEL MURPHY: Pete Curtis

Esta película catapultó a la fama al director australiano Peter Weir, quien ya había alcanzado cierto renombre con Gallipoli (1981) y La última ola (1978), consiguiendo posteriormente afianzarse como un director de prestigio.

La película se desarrolla en un lugar exótico llamado Yakarta, un lugar de Indonesia dirigido por el dictador Sukarno durante los años 60. En esos años su régimen se tambaleaba y la guerra del Vietnam le ponía más difícil la supervivencia. En el campo dominaban ya los comunistas, mientras que las ciudades estaban bajo la bota férrea de la dictadura militar; ninguna opción válida, pues, para los habitantes de Yakarta, ni para los extranjeros allí residentes.

En esos días llega un corresponsal extranjero, un reportero australiano de la agencia de noticias ABS para la radio, quien descubre nada más llegar que su antecesor se ha marchado rápidamente y que el país respira una atmósfera de sumo peligro. A su llegada es recibido por Kumar, un nativo que le conduce hasta el hotel Indonesia, en donde se hospedan ya forzosamente la mayoría de los extranjeros, en espera de una oportunidad para marcharse del país.

La atmósfera que nos recrea Peter Weir es de tal precisión que parece que somos nosotros los protagonistas y que nuestro compañero de butaca será la próxima víctima de la dictadura militar. Avanzando en medio del conflicto bélico, vemos a los extranjeros tratando de vivir lo mejor posible esa situación y mientras unos, los periodistas, tratan de seguir con su labor sin involucrarse con los comunistas, el personal de la embajada trata de ponerse a salvo de una posible rebelión. Otros beben alegres en la barra del bar, comen en los restaurantes de lujo o especulan continuamente sobre las posibilidades que tendrá Sukarno de ponerse a salvo. Una historia demasiado real como para que no nos emocione y preocupe.

El periodista Hamilton (Mel Gibson), es una persona que no se excita por nada y aunque no está enterado de los problemas internos del país aprende rápidamente y hace amistad con un pequeño hombre llamado Billy, que es muy respetado en su ambiente (Como ya sabrán los lectores, ese actor es en realidad la actriz Linda Hunt). Billy es medio oriental y medio europeo, y sabe los nombres de todas las personas que han muerto en el conflicto. Con su cálida sonrisa y su manera alentadora de ver los acontecimientos, a veces se nos muestra como un cómplice político, aunque sin saber en qué bando se encuentra. Vistiendo llamativas camisas locales consigue que el espectador, en principio más interesado por el romance entre Sigourney y Mel, se quede prendado de tan diminuto e inteligente personaje.

Poco a poco Guy y Billy llegan a ser amigos y su profunda amistad les lleva a compartir respeto y deseo de ayudar. Es en ese momento en el cual Billy le presenta a Jill, una agregada británica que lleva poco tiempo en el país, que lógicamente le seduce y le hace más soportable su trabajo. Simultáneamente, Guy consigue una entrevista con el jefe del Partido Comunista local, quien le pone en antecedentes sobre los verdaderos acontecimientos.

La película se centra ya en los tres protagonistas, Mel, Sigourney y Linda, sirviendo para lanzar a la fama al todavía desconocido Mel Gibson y a Linda Hurt, actriz secundaria por la que nadie daba un duro hasta entonces. Un dato a no olvidar es que dicha actriz ni siquiera figuraba en los títulos de crédito, no por desprestigio, sino para que el espectador no supiera realmente quién era ese pequeño actor.

El filme no pudo realizarse en Indonesia, como era la intención del director, y se hizo en Filipinas, en donde el ambiente político era más tranquilo en esos años. Allí se levantaron los decorados que debían mostrarnos a la Indonesia de 1965 y que tanto éxito consiguieron.

La actriz Linda Hunt fue reconocida con un Oscar a la mejor Actriz secundaria, logrando desbancar nada menos que a Glenn Close, Cher y Barbra Streisand. El director también contribuyó sensiblemente al despegue del cine australiano.

Las interpretaciones en la película están perfectamente ajustadas a los requerimientos y consiguen parecer verdaderamente unos extranjeros en un país en guerra. La recreación de Indonesia es sumamente correcta, lo mismo que los numerosos extras que aparecen, aportando la imprescindible dosis de sadismo y violencia para que no decaiga el dramatismo del argumento.

Billy Kwan y Mel Gibson llevan todo el peso dramático del filme, aunque Sigourney Weaver trata de no quedarse descolgada por su papel menos interesante y profundo.

“Creo que Mel Gibson es uno de los hombres más sexys de la pantalla. Tiene un magnetismo animal, además de un talento extraordinario. Es muy observador, inteligente, rápido y muy sensitivo. Cuando me propusieron trabajar con él pensé lo afortunada que era al tener como compañero a un actor tan guapo y me gustaba la idea de ser su amante en la pantalla, aunque pensé que apenas si me tendría en cuenta”.

“Mel es grande, es simplemente una persona muy especial. Podría ser un gran cómico, aunque nadie es capaz todavía de darle un papel en este sentido. La verdad, es que me gustaría mucho volver a trabajar con Mel”.

Más datos:

Peter Weir hace una película romántica de aventuras en la Indonesia de 1965, durante las revueltas políticas que sacudieron al inestable gobierno del Presidente Sukarno, y se centra sobre la comunidad caucasiana de periodistas y diplomáticos en Yakarta.

Linda Hunt tiene el papel de un varón llamado Billy Kwan, mitad chino, mitad australiano, que maneja una cámara de filmación juntamente con Mel Gibson, quien hace de un corresponsal extranjero australiano. Sigourney Weaver, es la agregada militar auxiliar en la Embajada Británica.

Weir es víctima de su propia habilidad para crear la ilusión de la auténtica miseria del Tercer mundo, ahora amotinando y en caos, con los nativos deseosos de emanciparse de los problemas inventados de los caucasianos. Pero la endeblez argumental de la película tiene su propia fascinación y escena por escena esta película cautiva, a pesar de su entorno místico.

Las aventuras peligrosas entre Gibson y Weaver son las relativas a su propia relación, aunque el director se ha cuidado mucho de no incluir escenas de sexo que pudieran romper el tenso dramatismo que trataba de reflejar. El personaje de Billy Kwan parece ser la conciencia de la película y la que aporta moralidad y lirismo, incluso en los diálogos que emplea.

Premios:

Oscar a la mejor actriz secundaria: Linda Hunt

EL CONTRATO DEL SIGLO

Deal of the Century (1983)

99 minutos

Color

Director: William Friedkin

Intérpretes:

CHEVY CHASE

SIGOURNEY WEAVER

GREGORY HINES

VINCE EDWARDS

RICHARD LIBERTINI

WILLIAM MARQUEZ

EDUARD RICARD

WALLACE SHAWN

“Creo que Chevy se encontraba a disgusto con mi estatura y detestaba que me pusiera, además, zapatos de tacón alto. Supongo que esa hostilidad hacia mi físico se debe a que está acostumbrado a vivir con su esposa, una mujer bastante menor que yo”.

La sátira está centrada en comerciantes internacionales de armas. Sus personajes principales son tan fríos, desagradables y poco atractivos, que unido a un argumento (obra de Paul Brickman) tan descosido, nos proporcionan unos malos resultados.

LOS CAZAFANTASMAS

Ghostbusters (1984)

Columbia

107 minutos

Director: Ivan Reitmna

Guión: Dan Aykroyd y Harold Ramis

Fotografía: Laszlo Kovacs

Efectos especiales: Richard Edlund

Música: Elmer Bernstein e Ivan Reitman

Maquetas: Mark Stetson

Intérpretes:

BILL MURRAY: Peter Venkman

SIGOURNEY WEAVER: Dana Barrett

DAN AYKROYD: Raymond Stantz

HAROLD RAMIS: Egon Spengler

RICK MORANIS: Louis Tully

ANNIE POTTS: Janine Melnitz

Los Cazafantasmas es como un choque frontal entre dos ideas cómicas que han funcionado por separado anteriormente. Todo cuanto en ella se muestra es sumamente astuto, tanto en los diálogos como en los personajes, y está pensada para agradar a los jóvenes que desean pasar un rato agradable riéndose en el cine. Y, además, con una pegadiza banda sonora. La película cuenta también con un final apocalíptico, de los que no se olvidan, dejando al espectador con un reciente buen sabor de boca.

Esta película es una excepción a la regla general en la cual los efectos especiales muy elaborados no son necesariamente importantes en una comedia. La tecnología de los SF

requiere una gran labor y la comedia debe ser muy espontánea, casi improvisada. Ya hemos visto ejemplos en los cuales unos efectos especiales pueden ser desproporcionados en una comedia, como le ocurrió a Spielberg con su filme “1941”, en donde los efectos especiales eran tan importantes que nos hacían olvidar la esencia de la película, los diálogos cómicos.

Afortunadamente, en Los Cazafantasmas tienen un papel más prudente y cuando aparecen son tan rápidos que no nos dan tiempo a entusiasmarnos con ellos. Por ejemplo, las numerosas transparencias con los fantasmas verdes y llenos de mocos son un buen logro, pero forman parte totalmente de la escena y, además, no hay diálogos cuando aparecen en escena. Lo que importa es que los efectos especiales se pongan al servicio de los actores, en lugar de poner a unos cuantos y lujosos actores al frente de los efectos especiales. Y es que cuando un espectador sale del cine recordará a los actores y puede que sienta admiración por ellos y hasta que se lleve una fotografía de ellos a su casa, pero esto es algo que no puede hacer con los SF.

Las estrellas de la película son Bill Murray, Dan Aykroyd, y Harold Ramis, aunque en principio el papel de Murray estaba destinado a John Belushi, autor junto a Aykroyd de la idea original. La repentina muerte de John justo antes de comenzar el rodaje, les hizo contactar con Murray, quien había alcanzado cierta popularidad por su trabajo en la serie de televisión “Saturday Night Live”.

La interpretación de los tres cómicos es sumamente inteligente y el diálogo en esta ocasión no es decisivo para que triunfen. Su actuación, sus bromas particulares, su expresión y su cinismo, son suficientes para que el público se ría.

El argumento nos habla de una especie de epidemia paranormal en Manhattan. Murray, Ramis, y Aykroyd, son tres incomprendidos parapsicólogos cuyos experimentos en la universidad han sido totalmente criticados y, por tanto, expulsados, obligándoles a subsistir mediante la creación de una compañía denominada “Cazafantasmas”. Ellos se ofrecen para sacar a cualquier elemento fantasmagórico y demoníaco de los hogares y las instituciones, como si de unos exorcistas se tratase.

El negocio va muy mal hasta que Sigourney Weaver (Dana) nota que los huevos en su cocina se fríen solos. Su vecino, Rick Moranis, ve con horror como los fantasmas pasean por los pasillos de su apartamento y ambos están convencidos de que el fin del mundo acaba de empezar. Cuando llegan los Cazafantasmas al rescate, les dicen, para tranquilizarles, que su edificio es el camino para llegar al otro mundo, al Infierno para ser exactos, aunque para eso están ellos allí.

Hay en la película muchos temas serios sobre los fenómenos paranormales y parte del argumento responde a hechos presuntamente reales, aunque la mayoría de ellos son producto de la imaginación del guionista. La lucha entre el Bien y el Mal nos lleva a grandes cataclismos, con terremoto urbano incluido, durante el cual Manhattan es amenazada por un monstruo que adopta muchas personalidades y que encima tiene la suerte de meterse dentro del cuerpo de Sigourney Weaver, algo que desearíamos lograr la mayoría de nosotros.

La película es ya un clásico de la comedia y la fantasía que resiste perfectamente el paso del tiempo sin aburrirnos. Supuso un éxito de taquilla desbordante y cuenta en su haber con escenas memorables, como cuando el pequeño muñequito de los cereales integrales se hace gigante y se pasea sonriente por las calles de Manhattan.

Premios:

Nominada a la mejor música: Ray Parker, Jr. - Music & Lyrics Nominada a los mejores efectos especiales: Richard Edlund, John Bruno, Mark Vargo, Chuck Gasper

“La gente tiende a confundir al personaje de ficción con la realidad y aunque Bill Murray es tan divertido como aparece en sus películas, en realidad es muy analítico y puede ser igualmente un buen actor dramático”.

“Es un gran cómico. Bill Murray venía de una compañía llamada Second City, en la cual estaba acostumbrado a improvisar continuamente. Cuando trabajamos juntos siempre estaba provocando la risa entre todos y en ocasiones era muy difícil concentrarme. La única manera de no romper a carcajadas era que saliera del plató.

Creo que “Los cazafantasmas” no fue una película mágica solamente por su argumento, sino por el rodaje y mis compañeros de trabajo”.

La recaudación ascendió en su estreno a 120 millones de dólares y sirvió como base para dos series de dibujos animados que aún perduran en la televisión. Los efectos especiales de Richard Edlund, quien ya había realizado una estupenda labor en “2010, Odisea Dos” (1984), fueron nominados nuevamente al oscar, EL MISTERIO DE LAURA

One Woman or Two (1985)

Francia

97 minutos

Color

Director Daniel Vigne

Intérpretes:

GERARD DEPARDIEU

SIGOURNEY WEAVER

Dr. RUTH WESTHEIMER

MICHAEL AUMONT

ZABOU

El Paleontólogo Depardieu descubre restos de un fósil de la primera mujer, mientras que Weaver intenta vender con este descubrimiento un perfume. Una desconocida película en la filmografía de estos dos estupendos actores, que solamente fue vista en televisión.

En ella pudimos ver el primer desnudo cinematográfico (los demás, lamentablemente, fueron privados) de Sigourney y según las malas lenguas gracias a ello nació un corto idilio entre ambos actores. Para ella, Depardieu era el mejor actor del mundo y él, como compensación, le propuso enamorarse irrealmente, o sea, hacer el amor sin que ninguno de ellos rompiera su relación con su pareja. Los dos estaban casados en aquella época y no sabemos pues el resultado de tal proposición, bastante más frecuente de lo que parece.

Sigourney diría, en un arrebato de sinceridad, que Depardieu disfrutaba mucho con lo que hacía y que tenía una gran presencia en la pantalla. Lo último lo entendemos dada su gran envergadura, pero sobre lo otro no estamos seguros a qué se refería.

Posteriormente se volverían a reunir en “1492, la conquista del paraíso” y nuevamente la Weaver tuvo que ser sincera y reconocer que “Para mí ha sido todo un regalo volver a trabajar con él”.

LA CALLE DE LA MEDIA LUNA

Half Moon Street (1986)

RKO Pictures

90 minutos

Director: Bob Swain

Guión: Bob Swain y Edward Behr

Basada en la novela: Doctora Slauther de Paul Theroux

Fotografía: Peter Hannan

Música: Richard Harvey

Intérpretes:

SIGOURNEY WEAVER: Doctora Slaugther

MICHAEL CAINE: Lord Bulbeck

PATRICK KAVANAGH: Sir George Newhouse

KEITH BUCKLEY: Hugo Van Arkady

PATRICK NEWMAN: Julian Shutle

NIALL O’BRIAN: Capitán Twilley

La doctora Slauther es una guapa mujer que vive en Londres, dedicada a su trabajo para promocionar las inversiones en los mercados asiáticos. Su escaso éxito le hace pasar serios apuros económicos para lograr sobrevivir, hasta que un día alguien le hace llegar una cinta de vídeo en la cual le muestra las ventajas de pertenecer a un club de prostitutas de lujo.

La agencia Jasmin le proporciona los ricos clientes, entre ellos personajes muy conflictivos del mundo de las finanzas, por lo que pronto se ve involucrada en una trama de asesinatos, siendo ella misma una de las próximas víctimas.

Una noche ella reconoce a uno de sus clientes (Michael Caine), aunque él trata de presentarse como Sam Weller, pero ella sabe que su nombre es Lord Bulbeck. Él es un portavoz del gobierno para la defensa y un hombre solitario quien vive solo en una casa grande y dice que no tiene tiempo para encontrar sexo y compañerismo mediante los canales ordinarios. Entre ambos nace un amor sincero, aunque sin posibilidades de continuación puesto que la nueva profesión de la doctora Slauther no es algo que él pueda admitir.

Dirigida por Bob Swain, quien había ganado anteriormente el premio César por su película “El membrillo”, introdujo a los fans de Sigourney en un ambiente totalmente inédito, como es ver a su ídolo haciendo de prostituta de lujo y exhibiendo varios desnudos que obviamente fueron del agrado de todos, aunque causaron cierto revuelo.

La combinación Weaver y Caine es muy acertada, aunque la frialdad de ambos en sus personajes llega a ser tan tensa como el argumento. Nos parecen más dos enemigos que dos amantes apasionados y aunque ella dijera que, “Para mí fue un placer trabajar con Caine y me ayudó mucho a manejarme con soltura en las escenas eróticas. Es un actor que no gusta de repetir las escenas, aunque afortunadamente suele ser perfecto en el primer intento. Parece ser que no quería llegar tarde a su casa para la cena”.

Para muchos aficionados esta es una mala película, o al menos no muy acertada en la carrera de tan estupendos actores, carrera que, por otra parte, ha estado salpicada en ocasiones de grandes desastres. Pudiera ocurrir que su confianza en sí mismos les haga creer que están a salvo de cualquier error, lo que no parece ser cierto.

Lo que hace a “La calle de la media luna” especial es su intriga y la honestidad de los personajes de Weaver y Caine. Sus sentimientos son claros, sus móviles son claros, y con sus ojos amplios abiertos ellos caen en las redes del amor.

En la novela original de Paul Theroux, “La Matanza del Doctor”, el señor Bulbeck era más viejo y menos divertido, y la doctora Slaugther estaba muy sola en el mundo que ella había hecho para sí misma. El amor que crece entre la mujer joven y el cortés caballero maduro, proporciona un tema sentimental que en la versión para el cine no se da.

El argumento tiene que ver con intrigas de Oriente Medio, espías, terroristas, y planes para sabotear las iniciativas de paz. Todo ello nos lleva al final, en el cual queda roto el romance de amor que nos estaba cautivando, entre la prostituta y el diplomático.

La última escena en “La calle de la media luna” es la menos convincente de todas y parece que no resuelve unas cuantas incógnitas: no sabemos si ella dejará su lucrativa profesión de señorita de lujo y tampoco vemos claro que las personas que hacen del crimen su profesión vayan a dedicarse a otra cosa.

Comentarios finales:

La intriga de la película se basa en el papel que hace Weaver como una activista que trata de promocionar las relaciones comerciales con los países árabes, eso durante el día, y una guapa, seductora y eficaz prostituta por las noches. Por supuesto, pronto aparece su Pigmalión particular que la salvará de su azarosa vida, en esta ocasión de manos del galán Michael Caine, un diplomático británico que llega a ser su mejor cliente, ya que además de dinero le da amor y protección.

La música es tan extraña que nos pasa desapercibida, pero nos da igual porque Weaver está perennemente fresca y eficaz en toda la película, sosteniendo ella solita, como es habitual, todo el peso del filme.

Adaptada desde la novela “La Matanza del Doctor”, la primera mitad de la película de Paul Theroux está bastante mejor lograda que el resto y especialmente que el final.

ALIENS, EL REGRESO

Aliens (1986)

20th Century Fox

137 minutos

Productor: Gale Anne Hurd

Director: James Cameron

Guión: James Cameron

Basada en la historia de: Cameron, David Giler, y Walter Hill Basada en los personajes creados por: Dan O'Bannon y Ronald Shusett Editor: Ray Lovejoy

Fotografía: Adrian Biddle

Música:

James Horner

Efectos especiales: L.A. Effects Group, John Richardson, Norman Baillie, Stan Winston Decorados: Paul Weston

Maquetas: Peter Robb-King

Intérpretes:

SIGOURNEY WEAVER: Ripley

CARRIE HENN: Newt

MICHAEL BIEHN: Hicks

PAUL REISER: Burke

LANCE HENRIKSEN: Bishop

BILL PAXTON:

Hudson

WILLIAM HOPE: Gorman

JENETTE GOLDSTEIN: Vásquez

AL MATTHEWS: Sargento Apone

MARK ROLSTON: Drake

Cuando hemos salido de ver esta película nos hemos sentido tristes y con un nudo en el estómago, tanto por la dureza de las imágenes como por el desenlace final, algo que ya sentimos en la primera. Este no es el tipo de película donde uno puede salir del cine diciendo: “he disfrutado”.

Aliens es una continuación a la muy efectiva película de 1979, “Alien, el octavo pasajero”, pero cuenta una historia autónoma que comienza cincuenta y siete de años después de donde la historia anterior terminó. La primera vez, si mal no recuerdo, Sigourney Weaver y una nave de carga con una tripulación cansada, reciben una señal para explorar un planeta nuevo que ha sido descubierto recientemente. Allí encuentran una nave espacial abandonada. Como único superviviente en esta nave hay una criatura extraña cuya forma no recuerda a ninguna especie conocida y que cuando crece desarrolla unos descomunales dientes. Este Alien era la maldad pura; un depredador cuya única función consistía en atacar y comer cualquier cosa que fuera cálida y se moviera. Cuanto más comía más crecía y aprovechaba los organismos de los humanos para depositar allí sus huevos y crecer en el interior.

La Weaver era el único superviviente de la primera expedición, y después de destrozar su nave para expulsar un alien que se había escondido dentro, mediante la apertura brusca de la escotilla de aire que saca al exterior al extraño, se puso en estado de hibernación sin rumbo fijo.

Posteriormente, cincuenta y siete años más tarde, es encontrada casualmente por una nave de salvamento y cuando despierta todavía tiene que revivir sus horribles pesadillas.

También tiene que enfrentarse al doloroso hecho de que todos cuantos le acompañaban en su vida privada y profesional, incluida su familia, han muerto y que se encuentra en una época que no la pertenece. La noticia de la muerte de su hija, ya anciana, desequilibra su corazón.

Aunque nadie cree en su testimonio ni en la presencia de los alienígenas mortales, una nueva expedición es enviada al planeta misterioso porque se han recibido extrañas llamadas de auxilio procedentes de la colonia que habita allí desde hace años. Weaver, Ripley, es convocada para que vaya allí y aporte su conocimiento del alien. Ella sabe que los aliens poseen muchos recursos para sobrevivir, sabe como matan y se mueven, y es la única persona que puede aportar unos datos imprescindibles. Cuando se entera que la colonia humana se ha establecido en ese planeta maldito con el único fin de servir de cobayas para establecer una factoría generadora de atmósfera y que esto le reportará a esa compañía billones de pesetas, maldice a quienes sienten tanto desprecio por las vidas.

Ahora La Tierra ha perdido el contacto con la colonia y sospechan que han podido ser atacados por los monstruos, aunque todavía nadie cree en la versión de Ripley.

La tripulación está constituida por un grupo mixto interesante de técnicos y personal militar. Mis favoritos son Lance Henriksen, como el leal androide Bishop, Jenette Goldstein como una musculosa marine profesional, y Michael Biehn como Hicks.

También están acertados el viscoso Burke (Paul Reiser), quien representa a los propietarios de la compañía y de la costosa colonia establecida en el planeta. Su misión es traer a un alien a La Tierra para usarlo como arma de guerra y ganar así muchos más millones de pesetas.

La película nos da una estructuración simplemente suficiente para establecer los personajes y explicar la situación. Entonces la acción comienza. La colonia ha sido, por supuesto, inundada por los aliens, y todos han sucumbido por el implante del embrión, a excepción de una temerosa niña (Carrie Henn) quien ha sobrevivido de algún modo ocultándose en los conductos de aire. Los marines exploran la base a pie, que parece ahora como un poco estúpido, si tenemos en cuenta la gran velocidad con la que se mueven y atacan los aliens. Nadie parece muy interesado en escuchar las advertencias de Ripley y eso que es la única persona en toda la tripulación que los ha visto y sabe cómo atacan. En ese momento de la película se establece una guerra entre la estupidez de los soldados y la sensatez de Ripley, deseando el espectador que la escuchen de una vez y se dediquen a matar monstruos.

Súbitamente, cuando todavía nadie la hace caso, los monstruos comienzan a devorar fornidos soldados, y los nervios del espectador retiemblan. Los Alien se dedican durante al menos media hora a destrozar, comer y masacrar a todo ser humano que se pone por delante, sin que ni siquiera Ripley consiga parar esta masacre. Ella trata de imponer sensatez a sus colegas y de conservar las pocas vidas que aún quedan, entre ellas la niña, pero ya los Aliens se han hecho dueños de la situación y cercan a los humanos.

Aparecen inesperadamente por el techo de la nave, caen sobre los sorprendidos marines, y cuando estos quieren reaccionar reptan por los pasadizos de ventilación y escapan de nuevo.

Por supuesto, son tan inteligentes que saben abrir todas las puertas, bien sea a golpes o tocando los botones y por algún motivo desconocido aún recuerdan a la teniente Ripley de la otra película. Cuando la tienen delante, en lugar de comérsela (algo que a más de uno nos gustaría hacer), la miran y le dan tiempo a que se escape. Menos mal, porque gracias a eso tuvimos una tercera película.

Si el primer filme logra mantener la tensión en el espectador a partir de sombras, sonidos y mostrando lo mínimo al Alien, ahora es todo más intenso pero no por ello menos terrorífico. A pesar de que vemos a cientos de monstruos y que sabemos que son mortales ante el fuego y las balas, su presencia nos ocasiona el mismo favor que antes.

Es difícil explicar lo que se siente con esta película, pero lo que sea no es agradable.

Pasamos el tiempo deseando que los pocos supervivientes se escapen, que a la pobrecita niña no la pase nada y que los bichos mueran rápidamente y no nos produzcan más inquietud. Ponemos toda nuestra confianza en Ripley y ciertamente nos enamoramos de ella, ya que es la única que nos puede salvar de tanto miedo. De cualquier manera, insisto, el que busque divertirse acudiendo al cine, esta no es su película. Pero aquellos que gusten de las emociones fuertes disfrutarán y para muchos será más divertido que acudir a una montaña rusa en un parque de atracciones.

El director, James Cameron (Terminator), ha querido hacer un thriller intensivo y espeluznante, y se ha entregado totalmente a ello. Experto en películas de acción desenfrenada, cuyo mejor ejemplo es Rambo, sabe perfectamente como mantener al espectador en tensión sin darle un respiro, salvo cuando bruscamente aparece la palabra fin. Por eso esta segunda parte es totalmente distinta a la primera y por eso los productores no quisieron repetir con el anterior director.

La película debería tener los mismos ingredientes, esto era esencial, pero la historia debería ser contada de una manera totalmente opuesta. Ambos directores son geniales, pero su modo de mantener al espectador en tensión es muy distinto.

Sigourney Weaver, quien está en pantalla casi todo el tiempo, realiza un papel de chica fuerte y eficaz en ningún modo cargante. Ella es una heroína creíble, simpática, ligeramente asexuada y que no siente animadversión hacia los hombres. Ella es el hilo que retiene todo el conjunto.

Los actores suplementarios también encajan perfectamente y para que nadie se sienta desplazado hay soldados hispanos, negros, mujeres tan fuertes como los hombres y aunque falta algún chino para completar el reparto, tenemos a un androide que aunque no tiene sentimientos trata de ayudar a los humanos.

Los efectos especiales son profesionales, con un empeño especial en la Criatura Alien y la película en su conjunto demuestra una gran profesionalidad y saber hacer de todos los que han participado.

Más detalles:

Cuando hemos vuelto a ver de nuevo la película, con los 18 minutos de metraje añadidos por su director, podemos matizar un poco mejor nuestra impresión del filme, no para quitarle sus méritos, sino para percibir cosas que en una primera visión nos habían pasado ajenas.

Por ejemplo, cuando Ripley se despierta después de 57 años de ausencia en el mundo, no manifiesta una gran desconsolación, ni parece tener ningún interés en ver cómo es el mundo actual, ni tiene ninguna preocupación por saber dónde y cómo va a vivir.

Tampoco demuestra ningún interés por los hombres ni parece desear tener amistades; solamente quiere matar al extraño.

La revisión de la película fue efectuada en 1992 por Cameron, aunque solamente fue para el mercado del vídeo, no considerándose oportuno mostrarla de nuevo en el cine.

Se agregaron esos dieciocho minutos de metraje que eran originalmente parte de la película, y nos sirvieron para explicarnos algunas lagunas y darle algo más de ternura al filme, como por ejemplo, cómo murieron los padres y el hermano de la pequeña Newt.

La versión de 1986 era de 135 minutos según nos dicen las notas de prensa y 137

minutos en la primera versión en vídeo, anunciando ahora 157 minutos en total, lo que indica que alguien tiene la calculadora estropeada, aunque nosotros no nos hemos molestado en contar realmente los minutos.

Las escenas restauradas por Cameron enfatizan la vida humana en familia, como contraste al huevo del monstruo descubierto en el espacio. También sabemos entonces que Ripley tenía una hija que le esperaba en La Tierra y que murió a los sesenta y seis años, esperando ver de nuevo un día a su madre. Las otras escenas nos muestran a los marines diciendo palabrotas, algunos detalles sobre la construcción de la colonia de humanos en ese planeta inhóspito y ciertas armas automáticas de control remoto. Nada de esto era imprescindible, pero se agradece tanta explicación.

El comentario de otros críticos

Se trata de una exagerada película de ciencia-ficción, con gran dosis de horror, continuación de la obra de Ridley Scott, “Alien, el octavo pasajero” (1979). Aunque más mecánica que el primer filme y con un gran despliegue de armamento y movimientos militares, convence de distinta manera y podemos considerarlas ambas como complementarias.

La película es realmente un combate ilustrado colocado en el futuro, en el espacio. El escritor y director James Cameron saca a un pelotón de Marines de los Estados Unidos (étnicamente bien clasificados, por supuesto), y los lanza contra una familia de extraterrestres monstruosos, con una reina madre al frente de todos, dotados de un aspecto tan desagradable y terrorífico que su sola presencia ya provoca un infarto.

Scott lo hace todo enérgicamente, de una manera implacable y sistemática, con el placer de un director de acción, y una gran escasez de imaginación. Él solamente muestra las imágenes lo justo, sin dar tiempo a que el espectador vea los detalles, buscando solamente el poder gráfico. El ambiente es demasiado claustrofóbico, en fuertes colores azules y verdes.

Como garante para la película tenemos a Ripley, el único superviviente humano de la nave espacial que viajó antes en la primera película. Sigourney Weaver parece asumir la dirección del filme tanto como lo hace en el argumento y lo hace demostrándonos que es una gran actriz. Ella da a la película una presencia, una categoría, y Cameron juega con su personaje asexuado, volcándose en la relación entre nuestra heroína y la Reina Alien, quien trata en realidad de proteger a sus retoños, un poco malvados, pero a fin de cuentas sus hijos. La escena final, entre las dos hembras, es una de las mejores batallas de todos los tiempos y nos recuerda a Gary Cooper en “Sólo ante el peligro”. Su único amor parece ser Bishop, pero como es un androide no sabemos cómo habría resultado una unión entre ambos.

Su larga duración es pura acción y quizá echamos de menos un poco más de diálogo, pero de cualquier modo lo hemos pasado bien. La presencia de la niña Newt quizá esté justificada por el interés del guionista en demostrarnos que Ripley es, ante todo, una mujer, y como tal se siente madre, aunque eso sí, no la otorga ni un solo beso de cariño en toda la película

Premios:

Nominada a la mejor actriz: Sigourney Weaver

Nominada a la mejor dirección artística: Peter Lamont, Crispian Sallis Nominada al mejor filme editado: Ray Lovejoy

Nominada a la mejor música: James Horner

Nominada al mejor sonido: Graham V. Hartstone, Nicolas Le Messurier, Michael A.

Carter, Roy Charman

Oscar a los mejores efectos especiales: Robert Skotak, Stan Winston, John Richardson, Suzanne Benson

Oscar a los mejores efectos sonoros: Don Sharpe

El Director:

James Cameron

Ocupación: director, guionista, productor

Nacido: el 16 de agosto de 1954, en Kapuskasing, Ontario, Canadá Educación: Universidad del Estado de Fullerton, California (física) Cameron es un visionario del cine de alta tecnología, que comenzó a ser popular en el decenio de 1980 con sus sorprendentes visiones de un futuro tenso, poniendo, además, su sello distintivo propio en los efectos especiales. Consiguió sus mejores éxitos desde 1990.

Trabajando como productor, director y escritor, Cameron rápidamente se estableció como uno de los principales autores de la ciencia-ficción. Él, hábilmente, continuó el camino marcado por George Lucas y Steven Spielberg en las películas de los años 70, pero consiguió aportar un nuevo sentido a este tipo de cine. Cameron astutamente mezcla y equipara a los personajes con el ambiente, consiguiendo potentes datos culturales que aportan un alto contenido a las películas con efectos especiales. Sus escenas catastrofistas, en las que no faltan holocaustos nucleares, no están basadas solamente en la espectacularidad en sí misma, sino en los problemas interpersonales.

Steven Spielberg, por ejemplo, hace grandes epopeyas basándose en efectos especiales en los cuales existe un argumento más superficial en cuanto a sus personajes. Pero para los aficionados a la ciencia-ficción o las películas espectaculares, cada nueva película de Cameron es un suceso importante.

Como muchos de los jóvenes de décadas anteriores, él aprendió sus artes bajo los auspicios del legendario Roger Corman, trabajando con los efectos especiales y diseñando escenarios y efectos visuales con muy poco dinero pero gran imaginación.

Con su admiración por los nuevos profesionales, logra en sus filmes una frescura totalmente personal, sea cual sea el tema que tenga en sus manos. Su técnica postmoderna se mueve con igual habilidad con los altos y con los bajos presupuestos económicos.

En cuanto a su vida personal, sabemos que Cameron comparte una gran afición por los coches de carrera y cualquier entretenimiento que conlleve cierto riesgo. Sus películas testifican que se mueve a veces por criterios muy en boga, compartiendo opiniones que se podrían considerar como feministas, prefiriendo mostrar argumentos en los cuales las mujeres ostentan el poder, dejando la filosofía y la cultura para los hombres.

Las mujeres figuran casi siempre como el personaje más importante en la mayoría de los trabajos de Cameron, comenzando con Linda Hamilton en su convincente papel como Sarah Connor en “Terminator”, e intensificándose con Sigourney Weaver cuando porta en sus manos una poderosa arma que vomita balas perforadoras en Aliens. Otro personaje femenino igualmente válido y creciendo en complejidad, es el de Mary Elizabeth Mastrantonio en “Abyss” (1989), retrato impresionante del ingeniero Lindsey Brigman. Hamilton volvió en “Terminator 2: el día del juicio” (1991) como una delgada y heroína de acción.

Jamie Lee Curtis es también una convincente y evolucionada secretaria que es capaz de convertirse en una eficaz agente secreto durante el curso de “Mentiras arriesgadas” (1994). Cameron se ha aliado también así mismo con mujeres fuertes en su vida profesional y personal y está muy unido con la productora Anne Hurd, quien escribió el guión de Terminator, Aliens, Abyss y Terminator 2, juntamente con él.

En 1989, este director se casó con Kathryn Bigelow, una mujer especialista en cine de acción con la cual produjo una película mediocre sobre el mundo del surfing en 1991.

Después de esta obra se separaron y Cameron se unió a su actriz principal Linda Hamilton, con quien tuvo una hija en 1993.

Nacido en Kapuskasing, Ontario, (Canadá), su padre era un ingeniero en electrónica y su madre artista. Cuando aún era un niño, la familia cruzó la frontera para vivir al lado de las cataratas del Niágara y posteriormente en la ciudad de Nueva York. Después de una corta estancia en Brea, California, él se quedó entusiasmado con la producción de Stanley Kubrick “2001: Una odisea del espacio” (1968), película que vio diez veces.

Desde ese día comenzó experimentando con una cámara de 16mm, filmando sus ideas y maquetas que construía empleando los materiales que encontraba a su alcance.

Cameron se matriculó en un colegio local para estudiar física pero pronto lo abandonó para casarse con una camarera y se vio en la obligación de conseguir trabajo como conductor de camión.

Después de ver la película de George Lucas “la guerra de las galaxias” (1977) él se dio cuenta que lo que quería hacer verdaderamente eran sus propias epopeyas fantásticas.

Cameron consiguió financiación privada y dirigió, filmó, editó, y construyó multitud de miniaturas para su primera película corta. Su evidente talento reflejado en este corto le sirvió para que le concedieran una entrevista con Roger Corman, quien estaba buscando nuevos talentos. Allí, él comenzó como un técnico especial de efectos y pronto evolucionó como productor y director de arte.

Cameron recibió su primer encargo como director en la película “Piraña, 2” (1981), un filme que afortunadamente nadie relaciona ya con él. La historia debería ser una continuación de Piraña, una modesta pero fabulosa película de terror, pero terminó siendo una mala imitación de “Tiburón”. La experiencia pudo suponer un desagradable revés para este director neófito, que había logrado convencer al productor que debían rodar en escenarios naturales de Jamaica. Allí se encontró con unos técnicos que solamente hablaban italiano y con un presupuesto tan recortado que era imposible lograr el más mínimo plano complejo o perfeccionado. A los pocos días de comenzado su trabajo, Cameron no tenía ya ningún control sobre la película, una situación que él evitaría especialmente en su carrera posterior.

Poco después él conseguiría su primer gran éxito al volver a Los Angeles para escribir un guión sobre un robot del futuro llamado Terminator, que generaría la película del mismo título que dirigiría con gran éxito.

ARMAS DE MUJER

Working Girl(1988)

20th Century Fox

113 minutos

Director: Mike Nichols

Guión: Kevin Wade

Fotografía: Michael Ballhaus

Productor: Douglas Wick

Vestuario: Ann Roth

Música: Carly Simon

Intérpretes:

HARRISON FORD: Jack Trainer

SIGOURNEY WEAVER: Katharine Parker

MELANIE GRIFFITH: Tess McGill

JOAN CUSACK: Cyn

ALEC BALDWIN: Mick Dugan

PHILIP BOSCO: Oren Trask

No fue fácil para el guionista Kevin Wade colocar su buena obra en ninguna agencia artística de Hollywood, a pesar de que tenía ya una buena reputación como autor teatral.

Necesitó más de dos años para que alguien se interesara por su obra “Working girl” y eso ni siquiera hubiera ocurrido entonces si la crisis y los escándalos en Wall Street, el cerebro financiero de Estados Unidos, no hubiera motivado el interés de público y productores.

Aún así, decidieron invertir una pequeña cantidad, apenas 22 millones de dólares, la mayoría de los cuales fueron gastados en contratar a los tres populares actores y a un director de gran prestigio como Mike Nichols. Este director de origen berlinés, había alcanzado gran popularidad hacía casi treinta años con la película “El graduado” y anteriormente con “¿Quién teme a Virginia Woolf?”. Años después su pretendido éxito

“Se acabó el pastel” fue un rotundo fracaso. No obstante, en su haber quedan obras tan importantes como "Silkwood" (1983), “Wolf” (1994) y “The Bircage” (1996).

La elección de los tres actores fue difícil y en un principio se pensó en Cher para encarnar a Tess McGill, después en Dolly Parton que tenía cierta reputación por su trabajo en “Magnolias de acero” (1989) y “Beethoven 2” (1993), aunque su aspecto era tan exagerado que podía motivar a la risa. También estaban Goldie Hawn, Shelley Long y hasta hubo quien pensó en Whoopi Goldberg (quizás por hacer méritos entre la comunidad negra), pero al final fue la sonriente pero vengativa Melanie Griffith quien se hizo con el papel.

La canción “Let the River Run”, que siguiendo la costumbre del departamento de publicidad se lanzó antes del estreno del filme, consiguió un gran éxito y fue premiada con un oscar. Una vez que el tema era popular era lógico que el público sintiera interés por la película. La buena fotografía de Michael Balhaus que recrea correctamente el ambiente de Staten Island, Manhattan y la Estatua de la Libertad, contribuyeron al buen resultado final.

La historia

El problema de trabajar tratando de escalar peldaños sin importar cómo, es que posiblemente nuestra vida privada se vea afectada. La gente está pendiente de nuestros fallos y en ese momento se ponen en medio para tratar de sacar provecho de ellos.

Algo similar es lo que Tess McGill siente en las primeras escenas de “Armas de Mujer”.

Ella es inteligente y agresiva, y tiene muchas ideas buenas sobre cómo hacer dinero en el mundo de las grandes de finanzas. Pero es solamente una secretaria; una secretaria que trata de ser útil. Una secretaria que utiliza los medios públicos de transporte para acudir a su trabajo en Staten Island y que comenzó a trabajar cuando era solamente una jovencita guapa y que ahora, con treinta años, sigue hablando como cuando tenía once.

Por eso no hay manera que nadie la vaya a tomar en serio jamás.

Un día, Tess (Melanie Griffith) consigue un empleo y al poco tiempo le ponen como secretaria de una mujer que lleva el departamento de fusiones y adquisiciones donde ella trabaja. El jefe, la jefa, (Sigourney Weaver) es una mujer de casi exactamente la misma edad de Tess, pero con un tipo de vida laboral y personal totalmente diferente.

Por ejemplo, ella habla con una voz modulada y baja, y viste más como una mujer ejecutiva, peinándose de manera discreta:

"Si usted quiere conseguir salir adelante en los negocios, le dice a Tess, tiene que tener un peinado serio". Su filosofía sobre la conveniencia para casarse con Jack es que “los dos viven en la misma ciudad, la oferta es conveniente y en el mes de junio no tendremos nada mejor que hacer”.

Todo parece irla bien y consigue determinados avances en los negocios, pero un día tiene un accidente de esquí y debe permanecer en cama durante seis semanas. En su ausencia, Tess es la encargada de llevar a cabo los trabajos pendientes de Katherine.

Para ello acude a casa de su jefa y allí, casi por casualidad, lee en el ordenador que ha hecho suyas las buenas ideas de negocios que ella le había dado.

Esto hace que se ponga en su contra y sumamente decepcionada empieza un plan para desenmascararla ante sus jefes y clientes. Pronto conoce en una cafetería a Jack Trainer (Harrison Ford), quien es la persona encargada para lograr la fusión del negocio supuestamente idea de Katherine. Ambos sienten atracción mutua y el hecho de que Tess esté algo borracha hace que Jack tenga que llevarla a su casa, aunque ella le matiza que: "Yo tengo mi cabeza para los negocios y mi cuerpo para el pecado".

Solamente está preocupada porque él no la tome en serio, o que solamente la considere una mujer guapa.

La estructuración en “Armas de Mujer”, logra que la comedia se desarrolle de manera divertida, donde podemos reírnos discretamente a lo largo de la película. Para algunos, la forma de contar la historia es similar a la película “El Graduado”, de Nichols (1967), un clásico que incluye una escena culminante cuando una ceremonia importante es interrumpida por la persona equivocada que irrumpe en la puerta, aunque esta película proporciona otra escena algo diferente. “El Graduado” hablaba de un hombre joven y en

“Armas de Mujer” se trata de una mujer joven que quiere hacer dinero con las fusiones empresariales.

Esta es la película de Melanie Griffith, del mismo modo que “El Graduado” perteneció a Dustin Hoffman. Ella no era una elección obvia, pero consiguió el trabajo por haber realizado anteriormente dos películas de gran impacto, como fueron “Doble Cuerpo” y

“Algo Salvaje”. Nosotros la podemos recordar como una actriz ligada a papeles eróticos, en ocasiones poco serios, aunque a su manera, en ambos casos, Griffith ha conseguido ganarse el respeto del público y demostrar que no tiene un pelo de tonta.

Mejorar el personaje es crucial en películas como esta. El papel de Sigourney Weaver es bastante ingrato, ya que debe hacer el juego a todos los ejecutivos para lograr sus fines, traicionar a su secretaria y, además, perder el amor de su amante.

Afortunadamente, su gran calidad como actriz no nos hace perder ni un gramo de entusiasmo hacia ella.

Desde su primera aparición en la película, tiene que decir todas las cosas necesarias para lograr que las fusiones empresariales lleguen a buen término, pero de una manera tan sutil que quede claro que ella es el cerebro. Pero si ella es sutil, no lo es menos Harrison Ford, un actor cuya constancia va unida a un hombre sumamente apasionado; cuando él está haciendo el amor con una mujer, él no la posee, simplemente parece que la analiza. Weaver y Ford proporcionan el marco imprescindible para que el carácter de Griffith pueda destacar también.

El guión de Kevin Wade consigue proporcionarnos risas y hasta situaciones melodramáticas, aunque deriva poco a poco a un clímax de tensión, llegando a convertirse en las últimas escenas en un thriller. Con “Armas de Mujer” Mike Nichols consiguió una buena reputación y Melanie Griffith dejó de ser una chica guapa que hacía papeles sexys.

El director:

Mike Nichols

(1931 - )

Ocupación: Director

También: Productor

Nombre: Michael Igor Peschkowsky

Nacido: el 6 de noviembre de 1931, en Berlín, Alemania

Educación: Universidad de Chicago

Fue un niño refugiado de guerra en Alemania, y empezó a trabajar en el cine como director, productor y escritor, alcanzando cierta fama en el decenio de 1950 y más tarde en la comedia popular. Su humor está caracterizado por su buen tino al mostrar las flaquezas entre machos y hembras en sus relaciones personales y una mordaz atención satírica a las presiones sociales contemporáneas.

Trabajó en 1953 con los jugadores de baloncesto “Brújulas de Chicago”, y en Broadway hizo en 1960 “Una tarde con Mike Nichols y Elaine May”.

Cuando en 1961 el equipo se disgregó, Nichols primeramente volvió su atención a la dirección de obras para Broadway, donde se ganó un rápido y prolongado reconocimiento por sus comedias “Descalzos por el parque” (1963), “Luv” (1964),

“Pareja Impar” (1965), y “Place Department” (1968).

Nichols consiguió un éxito igual cuando dirigió la película “¿Quién teme a Virginia Wololf” en 1966, con la pareja dramática Elizabeth Taylor y Richard Burton. La película puso el clavo final en el ataúd del anticuado Código de Producción de películas cinematográficas, demostrando que los temas adultos podrían sensiblemente manejarse y, además, conseguir un gran éxito entre el público.

Después afirmó su reputación con “El graduado” (1967), que lo hizo ganar un Oscar como el Mejor Director. La película consolidó a Dustin Hoffman como una estrella y llegó a ser el grito quejumbroso de una generación entera, dando vida a los sentimientos y protestas de la juventud. Después de este suceso, “El graduado” también sirvió para que le dieran la dirección de otras películas que tratarían sobre problemas de los jóvenes, consiguiendo adecuadas películas que resucitaron la moribunda industria del cine norteamericano. Aunque algunos de los elementos satíricos de sus películas se descuidaron, las obras de Nichols eran suficientes para dar cuenta que la generación más joven tuvo pocas oportunidades para reemplazar los valores vacíos de sus padres.

Nichols fue elegido para adaptar la compleja obra de Joseph Heller, “Catch 22” (1970), una especie de oficina de la desilusión (en un año que triunfaba Robert Altman con M.A.S.H. como la esencia de la anti-autoridad). “Catch 22” ahora parece un noble, y fracasado, intento. Nichols y su guionista Juls Feiffer disfrutaron más éxito con

“Conocimiento carnal” (1971), una película que confirmó la condición de estrella de Jack Nicholson y resucitó la carrera de Ann-Margret. “Conocimiento carnal” era un adelanto a su tiempo en su examen incisivo del comportamiento sexual de los políticos, un tema al que Nichols ha vuelto frecuentemente, la mayoría de las veces contando con la colaboración de Nicholson, como en “Heartburn” (1986).

Aunque menos conocida que sus anteriores trabajos cómicos, incluyendo la sátira diestramente manejada sobre la política de las agencias de inversión, “Armas de mujer” (1988), Nichols ha hecho también una contribución considerable al drama serio en la pantalla con “Silkwood” (1983). En ella demuestra una sensibilidad aguda a las promesas de las mujeres, en una sociedad hasta entonces dominada por los varones (hoy en día todo es diferente). También ejerce una fuerte crítica de cómo cualquier miembro de esa sociedad puede ser puesto en peligro por sistemas deshumanizadores, como gobiernos o grandes negocios. Él conoce también cómo conseguir grandes obras trabajando con actores que anteriormente nadie había tomado en serio, como: Cher, Art Garfunkle y Ann-Margret.

Nichols continuó produciendo para la televisión, incluyendo la serie "Familia" (ABC, 1976-80) y "Las Espinas" (ABC, 1988), sobre una pareja de Nueva York que vive más allá de sus posibilidades. Los problemas generacionales de una familia podrían también encontrarse perfectamente definidos en su película de 1990, “Postales desde el filo”. En ella Carrie Fisher consiguió un gran éxito en su papel de madre buena y moderna, mientras que Shirley MacLaine y Meryl Streep pusieron parte muy activa como madre e hija conflictivas.

En su siguiente película, Nichols realiza un drama titulado “A propósito de Henry” (1991), que no fue un éxito en taquilla a pesar de la presencia de Harrison Ford. Desde sus anteriores éxitos, en los 70 atravesó un período más gris que incluyó “El día del delfín” (1973), recuperando su prestigio con su nominación al Oscar por, “The ramains of the day”.

En 1994, dirigió “Lobo”, una revisión del mito del hombre lobo interpretado por Nicholson y Michelle Pfeiffer, pero se mostró como una manera de descubrir la fortaleza interior. La pareja de guionista/novelista Jim Harrison y Nichols, recibieron felicitaciones razonables por la película, una interpretación libre del viejo mito, salpicada discretamente con un golpecito de horror.

En 1996, Nichols dirigió su proyecto favorito, “Birdcage”, basado en una obra de Elaine May, en el que hablaba de la homosexualidad en tono de farsa. El actor Robin Williams consiguió uno de sus primeros éxitos en taquilla.

Nichols está casado desde 1986 con una realizadora de televisión.

Premios:

Oscar a la mejor canción: “Let the River Run” cantada por Carly Simon Nominada cómo mejor película

Nominada a la mejor actriz: Melanie Griffith

Nominada a la mejor actriz secundaria: Sigourney Weaver

Nominada para el mejor actor secundario: Joan Cusack

Nominada al mejor director: Mike Nichols

GORILAS EN LA NIEBLA

Gorillas in the Mist (1988)

Warner

129 minutos

Director: Michael Apted

Productores: Arnold Glimcher y Terence Clegg

Guión: Anna Hamilton Phelan

Basado en el libro de: Harold T.P. Hayes

Según la biografía de: Dian Fossey

Fotografía: John Seale

Música: Maurice Jarre

Efectos especiales: Rick Baker, David Harris

Intérpretes:

SIGOURNEY WEAVER: Dian Fossey

BRYAN BROWN: Bob Campbell

JULIE HARRIS: Roz Carr

JOHN OMIRAH: Sembagare

IAIN CUTHBERTSON: Luois Leakey

CONSTANTIN ALESANDROV: Van Vecten

DAVID LANSBURY: Larry

Está basada en la vida real de la doctora Dian Fossey, una antropóloga verdaderamente interesada y centrada en la conservación de los gorilas, que había alcanzado una gran notoriedad por sus trabajos para National Geographic. Su prematura muerte, aún no explicada por las autoridades de Ruanda, la elevó a la categoría de mártir.

Un repaso más profundo a su biografía nos despeja algunas lagunas y explica que un país sumido en la pobreza y la delincuencia estatal, no haya visto con agrado que una extranjera les dijera lo que tenían que hacer y cómo cuidar a los gorilas. Su pasión por defenderles la llevó a olvidar que ante todo estaban los seres humanos y que su comportamiento agresivo iba a generar una gran violencia hacia ella. Esta apasionante pero díscola mujer, solamente tenía un sueño: ir al Africa a cuidar a “sus” gorilas, sueño que se hizo realidad desde 1966 hasta la Navidad de 1985, fecha en que parece ser murió asesinada en su cabaña por unos cazadores furtivos.

Cuando Sigourney Weaver fue seleccionada para interpretar este papel lo hizo con entusiasmo y hay quien piensa que era la misma Dian Fossey en persona quien estaba allí ante las cámaras, no tanto por su aspecto (Sigourney es físicamente mucho más guapa que Dian), sino por su coraje y fuerza física.

“Yo sabía que el mayor problema estaba en mí comportamiento ante los gorilas, así que cuando los tuve delante por primera vez me planté delante de ellos y les dejé que se acercaran y me tocaran. Creo que el hecho de que el jefe de la manada fuera un macho hizo el milagro, y eso que aquél día no iba maquillada”.

La película es una buena biografía, aunque como documento sobre su protagonista deja en manos del espectador su conclusión sobre el verdadero carácter de Dian Fossey.

Afortunadamente su parte documental y técnica es tan buena que nos hace olvidar cualquier consideración más artística.

Desde las primeras escenas son los gorilas los que prenden toda nuestra atención y simpatía, extendiéndose inmediatamente a Sigourney por considerarla parte de los simios, con perdón. Cuando la película finaliza pensamos que todo su esfuerzo y los gorilas mismos han desaparecido, aunque el gobierno de Ruanda se apresuró a demostrarnos que no ha sido así; todavía están allí.

La película cuenta la historia de una persona que mucha gente ya conoce, bien por su biografía, bien por diversos documentales donde aún la podemos ver entre sus gorilas.

Parece ser que Dian no era una gran científica o al menos no nos constan grandes estudios sobre el tema en ninguna universidad y que su mérito radica precisamente en esto, en su aprendizaje autodidacta y altruista que la convirtió en una leyenda. Por razones extrañas (habrá que pensar en alguna reencarnación), ella estaba enamorada de los gorilas y estaba muy sensibilizada por las noticias sobre su exterminio que llegaban de Africa. Dotada de una gran determinación por lo que quería en la vida, convenció al antropólogo Louis Leakey para que la enviase en misión oficial a Ruanda y hacer allí un censo real sobre los pocos gorilas que aún quedaban.

Con el paso de los años, su experiencia sobre el terreno la convirtió en una experta muy superior a cualquier estudioso de ciudad.

Perdió el miedo a estos animales, aprendió a imitar sus gestos y sonidos, y en ocasiones los animales la dejaron convivir con ellos. Después llegaron los documentales para National Geographic y su pase en la televisión, con todo el romanticismo añadido de una mujer aún joven en medio de los salvajes y agresivos gorilas. Su muerte contribuyó lógicamente a su leyenda y era una estupenda base para una película que sensibilizara a los gobiernos.

La película no saca conclusiones sobre su muerte, aunque añade algún toque romántico de la doctora no suficientemente probado por nadie. También muestra su hostil comportamiento para con las gentes de un país que no era el suyo, su poco tacto con las autoridades que trataban de complacerla y su felicidad por su reclusión voluntaria en esa remota tierra. De todas formas, por muchas pegas que queramos encontrarla Dian Fossey es ya una mujer de leyenda y su labor es digna de admiración y respeto.

Cuando Sigourney Weaver visionó los documentales reales de Dian puso un especial interés en imitarla en todo y por supuesto se leyó su biografía con sumo cuidado. Era consciente del impacto que la película iba a causar entre los ecologistas y no quería ser criticada por ello, más bien esperaba un oscar. Para nosotros, que admiramos a Sigourney, es la actriz ideal para ese papel, aunque sintamos que al final de la película muera y no se case con su amor, que bien merecido se lo tenía.

El guionista se limita simplemente a contar la historia tal y como se narra en el libro y esto es un detalle que debemos agradecer al tratarse de una biografía. Lo del romance se lo perdonamos, o más bien se lo agradecemos, aunque también es posible que sucediera en realidad ya que a fin de cuentas ella mantenía frecuentes contactos con los fotógrafos de National Geographic y ya se sabe, el roce genera el deseo.

Lo mejor de la película son las escenas con los gorilas, algunos reales, otros disecados y algunos con extras portando sendos disfraces; pero el logro está en que nos es imposible averiguar quién es quién. Entre los fotógrafos y los técnicos en efectos especiales nos engañaron bien y nos hizo falta verla varias veces para averiguar dónde estaba el truco.

Imaginamos que en algún momento se le debió escapar la mano a un gorila, aunque no tenemos datos de Sigourney de que ninguno se haya sobrepasado con ella, lo que nos confirma nuestra sospecha que muchos eran de cartón. De cualquier manera, el trabajo de los especialistas en trucajes es perfecto, lo mismo que la relación entre la chica y la manada de gorilas, con un distanciamiento claro entre la bella y la bestia. Hay momentos en que sentimos miedo por ella y pensábamos que sería raptada violentamente por ese guapo gorila blanco que tanto la cautivaba.

Cuando abandonamos la sala los coloquios entre los asistentes eran numerosos. Había quien decía que era imposible que los gorilas respetasen tanto a un humano, otros que admiraban la labor de Dian y deseaban continuarla personalmente y hasta quien decía que solamente una persona demente puede dedicar su vida a proteger a una especie tan agresiva.

Como película biográfica nos deja un mal sabor de boca al saber que casi todo es realidad y que existe la posibilidad de que haya sido asesinada, por lo que estuvimos deprimidos algunas horas hasta que alguien nos dijo aquello de “la vida sigue”. Hoy día, “Gorilas en la niebla” se considera que ha hecho más por la protección a los gorilas que todos los gobiernos del mundo juntos, aunque mucho nos tememos que allá en Ruanda no haya tenido mucho éxito, al menos desde que se liaron a tiros y la población se vio envuelta en una hambruna espantosa.

Con posterioridad sabemos que el auténtico Bob Campbell, el explorador que logró enamorar a la doctora Fossey, viajó en secreto hasta el lugar donde estaban rodando la película y se convirtió en un asesor de primera magnitud, lo mismo que una tal Roz Carr, quien sustituyó después a la fallecida Dian Fossey en su lucha para proteger a los gorilas de su extinción.

Mención especial, además del buen trabajo de Sigourney Weaver, fue el de Julie Harris, la inolvidable compañera de James Dean en “Al este del Edén”, quien llevaba muchos años alejada de la pantalla.

Otros comentarios:

La fortaleza física de Weaver queda aquí bien reflejada, quizás por la libertad con la cual actuó. Ella es tan real en su papel que nosotros inmediatamente nos sentimos atraídos por Fossey y su obra. Pero para el director Michael Apted, quien tiene un enfoque indeterminado en algunas incidencias claves, el argumento de Anna Hamilton no debía ser nada dramático. Por eso la película es razonablemente fiel a la labor agresiva de Fossey, que se debía mover en un país enloquecido y en plena guerra civil.

“Gorilas en la niebla” no es una película moderna, y todo nos recuerda a otras epopeyas selváticas anteriores, lo que para muchos puede ser muy positivo. La música de Maurice Jarre no acaba de encajar en el ambiente rural en que se desarrolla la película, como tampoco salen bien parados los nativos africanos y ni siquiera Africa en su conjunto consigue ser digna a los ojos del espectador. Los intentos tímidos de los dirigentes de Ruanda por hacer entender a Fossey que por delante de “sus” gorilas está el hambre del pueblo, son mostrados como formas aberrantes del razonamiento humano.

Premios:

Nominada a la mejor actriz: Sigourney Weaver

Nominado al mejor guión adaptado: Anna Hamilton Phelan, Tab Murphy Nominado al mejor filme editado: Stuart Baird

Nominada a la mejor música: Maurice Jarre

Nominada al mejor sonido: Andy Nelson, Brian Saunders, Peter Handford LOS CAZAFANTASMAS 2

Ghostbusters II (1989)

Columbia Pictures

102 minutos

Panavision

Productor: Ivan Reitman

Director: Ivan Reitman

Guión: Harold Ramis, Dan Aykroyd

Fotografía: Michael Chapman

Música: Randy Edelman

Productor designado: Bo Welch

Maquetas: Stephen Abrums, John Elliott, Robert Arrollo

Vestuarios: Gloria Gresham

Animatronic: Jammie Friday

Intérpretes:

BILL MURRAY: Dr. Peter Venkman

DAN AYKROYD: Dr. Raymond Stantz

SIGOURNEU WEAVER: Dana Barrett

HAROLD RAMIS: Dr. Egon Spengler

RICK MORANIS: Louis Tully

ERNIE HUDSON: Winston Zeddemore

ANNIE POTTS: Janine Melnitz

PETER MAC NICOL: Janosz Poha

HARRIS YULIN: El juez

DAVID MARGULIES: El sheriff de Nueva York

KURT FULLER: Hardemeyer

Amable y divertida continuación de las aventuras fantasmagóricas que tienen esos divertidos muchachos que se dedicaron a cazar fantasmas hace ya cinco años. En su última aventura logran ahorrar a los habitantes de Nueva York el drama de ser engullidos por una demoníaca legión de espíritus comandados por un maquiavélico demonio. La “energía negativa” que había transformado a la guapa Sigourney en una irresistible diabla (lo que no nos importó demasiado), se disgregó gracias a los eficaces cañones de los cazafantasmas que consiguieron limpiar la Gran manzana de aires maléficos.

En esta película nuestros simpáticos amigos están en paro; no logran ya trabajo ni animando fiestas infantiles. Por eso empezamos sintiendo pena en lugar de reír con ellos. Por si fuera poco, nuestra guapa protagonista, ya sin el demonio en su interior pero igualmente seductora, casi pierde a su hijo en el tráfico de la ciudad a causa de un fantasma burlón.

Sorprendentemente, para mucha gente este “Cazafantasmas 2” es mucho más agradable que la primera y eso que el elemento sorpresa ya no existía. Para nosotros es sencillamente una agradable comedia, con extraordinarios actores, con mejores efectos especiales pero (siempre el maldito pero), que no logra hacernos salir del cine con la impresión de haber pasado un rato inolvidable.

Es una buena comedia, aunque para muchos la presencia de Murray resulte insoportable y su forma de tirar las bromas ya no nos resulte tan adecuada. Son tan pesadas que no acaban de parecernos bromas sino críticas.

Cuando nos reímos no sabemos por qué lo hacemos, pero lo cierto es que nos hacen gracias muchas cosas y por eso nos sentimos a gusto de estar viéndola. El guión, escrito por Harold Ramis y Dan Aykroyd, es tan sencillo y simpático, sin grandes pretensiones, como los guiones que se escribían para la legendaria pareja Bob Hope y Bing Crosby.

Bill Murray sostiene todo el peso de la película, en detrimento de Sigourney, aunque los demás actores logran un trabajo muy digno en esta comedia que a veces produce miedo.

Todavía no sabemos el secreto de Sigourney Weaver para contener la risa al lado de ese cuarteto de cómicos. No nos extraña que haya manifestado en repetidas ocasiones que desearía volver a trabajar con ellos.

La base del argumento consiste en una energía cósmica sumamente enojada que corre por las alcantarillas de Manhattan, como un río a punto de salir al exterior para devorarlo todo. El otro malo de la película es un demonio que sale de un cuadro y que está empeñado en hacer del hijo de Weaver el nuevo Lucifer y de su madre su amante, ambas cosas intolerables para el espectador.

ALIEN 3

Alien 3 (1992)

20th Century Fox

Panavision

115 minutos

Director: David Fincher

Productores: Walter Hill, David Giller, Gordon Caroll

Co-productora: Sigourney Weaver

Guión: David Giler, Walter Hill, Larry Ferguson

Basado en una historia de: Vincent Ward

Personajes creados por: Dan O’Bannon y Ronald Shusett

Fotografía: Alex Thompson

Vestuario: Bob Ringwood

Música: Elliot Goldenthal

Efectos especiales: Alec Gillis, Tom Woodruff y Richard Edlund

Intérpretes:

SIGOURNEY WEAVER: Ripley

CHARLES S. DUTTON: Dillon

CHARLES DANCE: Clemens

PAUL McGANN: Golic

BRIAN GLOVER: Andrews

LANCE HENRIKSEN: Bishop II

Cuatro años de gestación, dos de rodaje, un presupuesto de más de cinco mil millones de pesetas y un hermetismo total sobre el final de la película (en realidad tuvo tres finales), dieron como resultado una versión pobre del legendario Alien. Su director, David Finsher había trabajado en la ILM de George Lucas y aún hoy nadie se explica que hacía aquí, dirigiendo la tercera entrega de una de las mejores películas de ciencia-ficción de todos los tiempos.

El guión, apenas acabado dos semanas antes, se reformó varias veces y originó que muchas y costosas escenas se tuvieran que tirar al cubo de la basura y aumentar el presupuesto inicial sensiblemente. Rodada en los populares estudios londinenses de Pinewood, obligó a reproducir unos altos hornos en el plató 007, uno de los mayores del mundo.

Alien 3 es uno de las peores películas de ficción y al mismo tiempo una de las más vistas. A pesar de que se cuidaron todos los detalles con sumo esmero y de que Sigourney puso muchas condiciones para aceptar interpretarla de nuevo, el argumento no gustó a casi nadie. El rodaje fue conflictivo durante las veintitrés semanas que duró y un triunfo de la dirección artística, dado el presupuesto tan raquítico disponible que obligó a prescindir de muchas cosas necesarias.

La película tiene lugar enteramente sobre el mundo opaco de la prisión de Fiorina 161, una fortaleza exclusivamente para varones, tanto en sus dirigentes como en los individuos convictos. Es un mundo que camina lentamente hacia su desmoronamiento, algo que no importa a nadie. Anteriormente era una fortaleza minera moderna, pero ahora todo el mundo intenta fugarse y nadie trabaja, por lo que los propios presos deben supervisar sus propios castigos.

Ripley (Sigourney Weaver) llega a este mundo en una nave interestelar, después de que su nave espacial se haya estropeado. Anteriormente ha visto morir a la niña de la segunda película y al androide amigo y ahora hace amistad con un preso llamado Clemens (Charles Dance), un doctor que fue expulsado de la medicina y encarcelado en Fiorina 161.

Desde el argumento anterior surgen unas cuantas preguntas que nadie responde, por ejemplo: ¿Cómo murieron los otros?, ¿Tienen alguna conexión sus muertes con los monstruos?. Ahora Ripley ha formado un odio profundo y obsesivo hacia las criaturas y trata de imaginarse cómo era su vida antes de encontrarse con ellas por primera vez.

La cárcel Fiorina 161 solamente la vemos por dentro y según nos cuentan, los humanos que la habitan tuvieron que hacer túneles que se han oxidado y compartir su espacio vital con máquinas y tubos de acero. Ellos necesitan algo más de espacio, pero se han visto abocados a cerrar algunas secciones de su estación y retirarse a lugares más lúgubres, oscuros y húmedos. Todo ello les ha ocasionado problemas de convivencia y una epidemia de piojos imposible de erradicar, salvo cortándose el pelo al cero.

“Afortunadamente la película se rodó en Londres, en donde las apariencias extrañas de la gente son normales. Mi cabeza rapada me daba cierto toque de distinción, especialmente cuando me ponía ropa de Armani y me ayudaba con un gran sombrero”.

Ripley, la única mujer sobre un planeta de violadores, es interpretado por Weaver como un personaje cuya atención está siempre en otra parte. Ella cree que las criaturas alienígenas (que tienen ese corrosivo ácido como respuesta a la agresión), destruirán toda la sociedad humana si consiguen escapar de esa fortaleza. Sabe que la Corporación quiere que estas criaturas fomenten una colonia biológica controlada por los humanos, algo totalmente inverosímil, y que si ella no los destruye se escaparán e invadirán La Tierra. Esa es su misión y consigue cierta ayuda por parte de los habitantes de Fiorina.

Todo este argumento suena desde fuera bastante interesante y Alien 3 era en potencia una película más ambiciosa que las anteriores. Los hombres aislados, la imposibilidad de comunicarse con el exterior, el frío y la claustrofobia del espacio, nos llevan una vez más a la película “El enigma de otro mundo”, aunque menos similar que la primera

“Alien, el octavo pasajero”. Lo que ocurre que no está dirigida por Howard Hawks y la trama se desarrolla monótona y con estrategias de acción demasiado obvias, además de no comprender el motivo por el cual se ha incluido la epidemia de piojos en el argumento. Mire, por ejemplo, el punto de vista del monstruo. El mundo, se reduce a la enorme prisión con caminos estrechos que debe recorrer velozmente, mientras una cuadrilla de humanos trata de matarle. Por eso la película va sobre persecuciones hasta que se nos empiezan a hacer insoportables por lo reiterativo.

El monstruo en sí mismo se ve más claramente, aunque por ese mismo motivo es menos efectivo que en las anteriores películas, donde la idea de la criatura era realmente más terrorífica que su aspecto. Queda todavía sin explicar por qué una criatura alienígena con una cabeza perfectamente buena necesitaría comerse otra con su lengua, aunque fuera la de una guapa chica como Ripley.

Al terminar la película Alien 3 nosotros quedamos deprimimos completamente y agotados. Por si las persecuciones fueran poco material angustioso, las relaciones humanas en la película son deplorables e incompletas; Charles Dance, como el doctor, y Charles S. Dutton, como el preso más duro, son potencialmente interesantes, pero nosotros no conseguimos profundizar sobre ellos, lo mismo que Ripley.

Mucho del diálogo es deliberadamente duro para ser comprendido y el problema radica en el guión de David Giler, Walter Hill y Larry Ferguson, que es tan simplista que finalmente salimos del cine sin haber entendido realmente la historia.

“La película iba a estar dirigida inicialmente por Vincent Ward, quien había dirigido anteriormente Navigator, pero se excluyó voluntariamente y tuvimos que recurrir precipitadamente a David Fincher, un joven de veintisiete años que solamente había realizado anuncios para la televisión y unos videoclips musicales, entre ellos uno para Madonna. Nadie creía en él, y yo tampoco, pero poco a poco nos demostró que sus ideas visionarias y un poco locas podían dar fruto y nos dejamos llevar. David es una persona simpática y brillante, aunque bastante cínico y fue el que me dio la idea para que saliera totalmente rapada”.

Premios:

Nominada a los mejores efectos especiales: Richard Edlund, Alec Gillis, Tom Woodruff, Jr., George Gibbs

1492: LA CONQUISTA DEL PARAÍSO

1492: Conquest of Paradise (1992)

Cyrk/Legende/Due West

145 minutos

Director: Ridley Scott

Guión: Roselyne Bosch

Fotografía: Adrian Biddle

Productor: Ridley Scott

Música: Vangelis

Decorados: Benjamín Fernández

Intérpretes:

GÉRARD DEPARDIEU: Cristóbal Colón

SIGOURNEY WEAVER: Reina Isabel

ARMAND ASSANTE: Sánchez

FERNANDO GARCIA: Rey Fernando

FERNANDO REY: Fray Antonio de Marchena

ANGELA MOLINA: Beatriz Enríquez

FERNANDO GUILLÉN: Giacomo

El papel de la Reina Isabel fue una decisión personal del realizador, quien rechazó a actrices como Anjelica Huston, Kathleen Turner y Glenn Close.

La película estuvo subvencionada con doscientos millones de pesetas por parte del gobierno español que trataba de contribuir así a conmemorar el 5º centenario del descubrimiento de América. Rodada en parte en España, contó con la aportación de numerosos especialistas y actores españoles, entre ellos Fernando Rey y Angela Molina.

La hija de Sigourney, Charlotte, intervino también como extra en la película, disfrazada de enano de la corte, lo que supuso para ambas una gran alegría.

“El rodaje de 1492 fue para mí casi un descanso, después de haberme pasado varios meses totalmente calva y rodando en escenarios sucios y claustrofóbicos. La idea de interpretar a una Reina, con sus fabulosos trajes y su ambiente de grandes y lujosos castillos, me atrajo mucho, especialmente porque tenía a mi familia conmigo y el trabajo iba durar solamente dos semanas. Cuando me pusieron la gran peluca de la reina y me miré al espejo respiré aliviada. Después de Alien 3 era como si me hubiera tocado la lotería, y, además, volvía a trabajar con Ridley Scott”.

La película contó con un presupuesto final de cuarenta millones de dólares y tuvo que competir, por razones inexplicables, con otra versión sobre el mismo descubrimiento histórico protagonizada por Marlon Brando. Por lo que sabemos, la idea original fue de Roselyne Bosch, quien realizaba un documental en el 5º Centenario y pensó en hacer una superproducción y, en principio, sería una sola película. Solamente las grandes divergencias entre los productores motivaron esa dispersión que a nadie benefició.

Rodada en España y Costa Rica, para lograr exteriores reales, pudimos ver escenas de Toledo, la Casa de Pilatos de Sevilla, la catedral de Salamanca y Segovia.

Es difícil recrear un hecho histórico sin aportar elementos que corresponden al cine actual y este es el problema con el cual esta película se encuentra. Para Ridley Scott, Cristóbal Colón fue una persona muy humana sumamente compleja y los indios de las Américas unos caballeros con un gran respeto por la naturaleza y los demás seres humanos. Bueno, al menos así queda a salvo el prestigio de nativos y navegantes.

Colón, interpretado por Gérard Depardieu, un enorme y feo actor, es un aventurero que no acepta un no por respuesta. El problema es que la historia real, no aquella que nos muestran los guionistas de cine, es bien conocida por todo el mundo y cualquier desviación supone una crítica. Anteriormente los italianos habían visto reflejada su historia en las numerosas películas sobre el Imperio Romano, pero como quedó bien claro su gran esplendor, nadie protestó. Por eso, aceptar que la Reina Isabel se quedó enamorada del guapo Colón, y por eso le concedió su dinero, es algo que no es admisible sin una sonrisa.

También incita a la risa la escena en la cual Colón coge un trozo de fruta, una naranja española, faltaría más, para explicar su creencia de que el mundo es redondo.

Curiosamente, en otras películas similares sobre Colón se mostraba una manzana y, quizá, una patata, aunque no estoy seguro si por aquellos años España ya había descubierto tan popular tubérculo.

Desilusiona un poco ver a tan buenos profesionales del cine metidos en una pelea por ver quién es el que estrena antes la película sobre Cristóbal Colón y quién es el que lograr hacer una versión más real, al menos como los historiadores nos han contado. La intriga parece centrada solamente en el nuevo mundo, con su aventura y violencia, y así queda poco que decir del viaje, el interminable viaje sin mujeres, durante el cual hay tripulaciones inquietas, un motín y un señor que grita: ¡Tierra! en el momento más adecuado. Parece ser que la escena histórica en la cual Colón acepta ser decapitado por sus marinos sino divisan tierra, fue suprimida por imperativos de la productora.

La teoría que el mundo era redondo (todavía lo es, sino nos han engañado), fue expuesta con suma vehemencia por Colón allá donde le escuchaban, e incluso hubo otros personajes históricos que ya habían afirmado eso antes de ser enviados al verdugo. Pero nos guste o no, el primero que dio la cara fue Colón y a él le debemos el mérito de que hoy día podamos conocer los pantalones tejanos, las películas de Marilyn Monroe y James Dean, y las hamburguesas de MacDonald.

Ridley Scott es un director normalmente acertado en sus filmes y creemos que trató de reflejar con belleza el descubrimiento del Nuevo Mundo, así como mostrar lo desagradable de un largo viaje por mares desconocidos. Para el rodaje se basó en un guión de Bosch, quien previamente se había documentado sobre los verdaderos acontecimientos de la hazaña española, tratando de no quitar ni una pizca de lirismo ni de realidad. Por eso incluyó los problemas que se generaron después del descubrimiento, primero el gran triunfo para España y después la aparición de los nuevos buitres que quisieron quedarse con la mayor parte del pastel americano. Ni la Reina Isabel, ni su marido el Rey Fernando, consiguieron nunca visitar las Américas y Colón no tuvo el final feliz que su hazaña presagiaba.

Gérard Depardieu hace mención de la persona del italiano Américo Vespucio, describiéndole como el explorador del territorio continental, pero aquí el argumento queda sumamente confuso. Y aunque deja bien claro que Colón fue el primero que descubrió América, el nombre del nuevo continente proviene de ese otro italiano que parece ser estuvo por esas tierras después de que Colón diera la cara el primero.

La película fracasó, como fracasó la otra, quizá porque el argumento era tan conocido que todo el mundo se sabía quién era el malo y si el galán se casaría al final con la chica guapa. También hay quien dice que al tener que competir con la otra película de Marlon Brando, como Torquemada (que por cierto, aquí no aparece), los espectadores se dividieron y con ellos la recaudación.

Buen relato durante la larga travesía en barco, que le sirvió como ensayo para

“Tormenta blanca”, y una partitura con coros angelicales que no acaba de encajar en la selva americana llena de nativos desnudos.

Pero no interpreten este largo comentario negativamente, ya que la película es agradable al espectador. Sigourney Weaver está correcta en su corto papel, lo mismo que Depardieu.

DAVE, PRESIDENTE POR UN DIA

Dave (1993)

105 minutos

Productor: Lauren Shuler-Donner, Ivan Reitman

Director: Ivan Reitman

Gruión: Gary Ross

Editor: Sheldon Kahn

Fotografía: Dam Greenberg

Música:

James Newton Howard

Vestuario: Richard Hornung

Intérpretes:

KEVIN KLINE:

Dave Kovic, Presidente Bill Mitchell

SIGOURNEY WEAVER: Ellen Mitchell

FRANK LANGELLA: Bob Alexander

KEVIN DUNN: Alan Reed

VING RHAMES: Duane Stevenson

BEN KINGSLEY: Vicepresidente Nance

CHARLES GRODIN: Murray Blum

FAITH PRINCE: Alice

LAURA LINNEY: Randi

BONNI HUNT: Guía de la Casa Blanca

Las sombras del “El Prisionero de Zenda” corren ahora en la figura del Presidente de los Estados Unidos, incapacitado por una enfermedad, y que es reemplazado por una persona de aspecto físico similar, aunque de gran corazón y sentido práctico.

Kline, un actor que está alcanzando un gran prestigio y que podría ser un digno sucesor de James Stewart, encarna a un doble del Presidente que debe ganarse igualmente el aprecio de la prensa, los ciudadanos y con un poco de suerte a la propia esposa, a la Primera Dama, interpretada por Sigourney Weaver.

Se trata, pues, de una comedia política bastante divertida, en la que salen muchos personajes reales mezclados con actores, dejando bien claro que en Norteamérica nadie, ni siquiera el Vicepresidente o el jefe de la CIA, están por encima de la ley.

“Dave” no aporta un argumento nuevo al espectador y ya hemos visto en numerosas ocasiones que una persona ordinaria asume repentinamente y sin esperarlo una posición del máximo poder, aunque en esta ocasión al centrarse en la vida actual existe un intento por hacer más creíble el argumento.

La película nos habla ahora de un actor fracasado y en desempleo que al acudir a una agencia para buscar trabajo es observado por funcionarios cercanos al Presidente de los Estados Unidos. Cuando el verdadero Presidente trata de realizar una escapada de la Casa Blanca, el servicio secreto trata de encontrarle un doble que siga demostrando al país que todo está bajo control y su presidente al frente. Pero entonces sufre un accidente, entra en estado de coma irreversible y ese hombre desconocido, que hasta hacía unas horas estaba en paro, abandonado por su esposa y con un porvenir incierto, pasa a ser de manera definitiva el Presidente de la Nación.

Una vez que sabemos el argumento, y la publicidad no trata deliberadamente de ocultarlo, tanto el desarrollo como el final parecen muy predecibles y en parte es así.

Estamos entonces sentados en la butaca del cine esperando que el director o el guionista nos sorprendan con algo más que la presencia de dos buenos actores dentro de una historia que ya hemos visto antes. Y la sorpresa llega de la forma más lógica, puesto que lo importante no es lo que cuentan, sino cómo lo cuentan.

Ivan Reitman en la dirección y Gary Ross como guionista inteligente, logran poner un gran sentimiento a esta historia de amor, políticos corruptos y ciudadanos muy honestos, además de proporcionarnos mucha diversión.

La película comienza con una Casa Blanca ocupada por el presidente Bill Mitchell, quien parece estar inspirado en George Bush, mientras que la Primera Dama, interpretada por Sigourney Weaver, incorpora elementos mixtos de Bárbara Bush e Hillary Clinton. En las primeras escenas aparecen juntos en público Bill y Ellen Mitchell, pero apenas tienen charlas privadas porque ella está muy enojada por el papel de galán que ha adoptado su marido en busca de su amante.

El otro presidente está interpretado por Kevin Kline, quien también hace de un Dave Kovic viejo y querido, un hombre que no puede descansar cuando uno de sus clientes necesita un trabajo. Por supuesto se emociona cuando le piden que debe permanecer en la Casa Blanca suplantando al presidente, aunque en principio se lo plantean como una ayuda a la nación. Por ello disfruta intensamente con su experiencia, algo que nos parece sumamente creíble, puesto que ¿quién no disfrutaría siendo al menos momentáneamente, el Presidente de una nación tan poderosa?.

Pero cuando el verdadero Presidente Mitchell cae enfermo, Bob el jefe de personal de la Casa Blanca, un genio perverso interpretado por Frank Langella, decide no poner al frente del poder al vicepresidente, un bondadoso y honrado hombre, y le pide a Kline (Dave) que continúe en el cargo de Presidente hasta que se produzca el relevo.

Dave pronto comprende que todo es una manipulación de Bob y que en realidad busca hacerse con el poder y expulsar al honrado vicepresidente (Ben Kingsley) y le deja seguir su juego mientras le prepara una trampa. Desde ese momento ya sabemos que triunfará, pero no sabemos cómo y ahí está la habilidad del director. También deseamos que la Primera Dama participe de alguna manera en el triunfo de Dave y hasta esperamos que se enamoren, pero todavía es muy pronto puesto que ella es la mujer más importante de la nación y él un impostor.

Ellen Mitchell (Weaver), es una mujer sabia y orgullosa con un buen corazón. Ella detestaba de Mitchell su falta de honestidad política y su infidelidad personal, y estaba tan poco tiempo con él que quizá su jefe de seguridad Langella pudo hacer su mezquino trabajo con facilidad.

La película despliega elementos que ya habíamos visto en los hogares reflejados por Frank Capra, pero Reitman los cruza aquí con alguna sátira política astuta. El corazón de la película es realmente la relación entre Dave y la Primera Dama, quien vaga sobre los enormes cuartos privados tristes y solitarios de la casa Blanca, como una pareja tradicional de esposos que se odian.

Ambos, Kline y Weaver, están muy bien en sus personajes y los dotan de una inteligencia considerable, aunque no era necesaria. La película puede construirse sobre variaciones sutiles de otra anterior de Hitchcock, pero el argumento aporta tal cantidad de calidades personales que nosotros terminamos por creer que todo esto pueda ser cierto.

También creemos que en la vida real todo podría resolverse de la manera tan sencilla como en la película, con una justicia tan poética y filosófica que nos conmueve, aunque basta leer los comentarios habituales de nuestros propios políticos para sacarnos de nuestro sueño. También desearíamos estar convencidos de que siempre hay gente tan buena y honrada al frente de las agencias estatales y los poderes públicos.

Mucho del éxito de la película depende también de los actores secundarios, entre ellos el soberbio Frank Langella, como el astuto y deshonesto manipulador quien piensa que todos deben ser títeres para sus deseos. También he disfrutado con Kevin Dunn como el brazo derecho de Langella, con Ben Kingsley como un vice-presidente de gran dignidad e indulgencia, y el siempre confiado Charles Grodin en un pequeño, pero esencial papel, como el mejor amigo de Dave.

El subtítulo de “Dave, Presidente por un día”, parece uno de los mensajes de las películas de Frank Capra: si la gente que tiene el poder absoluto se comportaran con sensibilidad y con voluntad de hacer el bien, muchos de nuestros problemas se resolverían por sí mismos. Por supuesto, las cosas no son tan simples, pero cuando hemos salido del cine nos hemos preguntado, ¿por qué no puede ser así de sencillo?, o al menos, ¿por qué nuestro dirigentes políticos no tienen un corazón tan noble?.

Premios:

Nominada al mejor guión: Gary Ross

El Director:

Ivan Reitman

(1946 - )

Ocupación: productor, director

También: compositor

Nacido: el 26 de

Octubre de 1946, en Checoslovaquia

Estudios: McMaster de Universidad, en Hamilton, Ontario, Canadá Aunque él reciba menos publicidad personal que sus contemporáneos George Lucas y Steven Spielberg, Reitman tuvo un impacto comparable en sus películas en el decenio de 1970 y 1980. Cuando la demografía mundial se llenó de adolescentes, los ejecutivos del cine pusieron su vista en directores que fueran capaces de llenar las salas de proyección mediante películas desenfadadas, ligeramente sexuales y con protagonistas que, o bien eran tan jóvenes como ellos, o hacían sus mismas cosas.

Mientras Lucas y Spielberg hicieron obras de pura fantasía, Reitman se centró en la comedia. Dispuso una gran cantidad de material aparentemente despreciable, contrató a actores jóvenes para papeles secundarios y con un presupuesto ínfimo logró hacer una burla de la cultura dominante y del mundo de los adultos. A pesar de que muchas de sus películas han sido unos engendros absolutos, no podemos negarle el gran impacto que tuvieron entre los adolescentes.

Reitman comenzó su carrera como un productor de televisión y dirigió su primera película en 1971. Entre sus primeras producciones, de tan bajo presupuesto que ni siquiera podemos considerarlo como eso, estuvieron dos filmes canadienses de terror, entre ellos un estimable “Vinieron de dentro de...”que fue dirigida por David Cronenberg. Como un productor y/o director, Reitman hizo un papel importante en las películas que se rodaban en ciudades poco importantes, como Chicago y Toronto, ganando cierta fama con "Saturday Night Live", dedicándose también a diversos programas de éxito para la televisión canadiense. Bill Murray consiguió una gran fama en la pantalla grande con su papel en “El pelotón chiflado”, dirigida por Raitman, trabajando de nuevo juntos en “Los cazafantasmas”, el mayor éxito comercial de Reitman.

“Animal house” marcó el comienzo de una colaboración fructífera entre Reitman y Harold Ramis, quien escribía frecuentemente comedias de guerra. Ramis también trabajó en “Los cazafantasmas”, como escritor y actor, y en “Los cazafantasmas 2”.

Reitman trató de suavizar la imagen de Arnold Schwarzenegger cuando dirigió “Los gemelos golpean dos veces” (1988) y “Poli de guardería” (1990). Similarmente, pero apreciablemente con menos éxito, Reitman produjo “¡Alto! O mi madre dispara” (Stop¡

or My will Shoot) (1992) para Sylvester Stallone.

Con “Los cazafantasmas” consiguió una gran popularidad en los años 80, consiguiendo inmediatamente mucho trabajo y no desaprovechando la oportunidad de rodar “Los cazafantasmas 2” en 1989.

Reitman marcó nuevamente una sorpresa cuando trabajó como productor ejecutivo de la victoriosa cinta para niños “Beethoven” (Brian Levant, 1992), una comedia sobre perros interpretada por Charles Grodin. Posteriormente volvió a su labor como director en

“Dave, presidente por un día”, una sátira política que tenía como actor al prestigioso Kevin Kline, y la no menos popular Sigourney Weaver.

Entre el resto de sus obras solamente podemos destacar la cinta de dibujos animados

“Heavy Metal” y “Junior”, nuevamente con Arnold Schwarzenegger (1994), además de

“Peligrosamente juntos” (1986) con Robert Redford. Recientemente ha logrado reunir a dos monstruos de la comedia, como Robin Williams y Billy Crystal, en “Un lío padre”.

LA MUERTE Y LA DONCELLA

Death and the Maiden (1994)

Wanda films/Columbia

103 minutos

Director: Roman Polanski

Guión: Rafael Iglesias y Ariel Dorfman

Fotografía: Tonino Delli Colli

Música: Wojciech Kilar

Fondo musical de Schubert

Productor: Thom Mount,

Josh Kramer

Basada en la obra de: Ariel Dorfman

Efectos especiales: Gilbert Pieri, Bruno Lefebvre

Maquetas: Linda DeVitta,

Didier Lavergne

Vestuario: Milena Canonero

Intérpretes:

SIGOURNEY WEAVER: Paulina Escobar

BEN KINGSLEY: Doctor Roberto Miranda

STUART WILSON: Gerardo

Generalmente fluido este filme basado en la historia de Ariel Dorfman, (un escritor chileno que trabaja y vive en Estados Unidos desde 1973), en donde tres personajes permanecen casi toda la película en una misma casa, uno de ellos contra su voluntad.

Una vez allí, nos relata la historia conmovedora de una mujer víctima en el pasado de torturas y abuso sexual, quien consigue gracias a una casualidad una venganza despiadada.

Aunque Weaver estaba ya en la cima de la popularidad cuando hizo esta película, existen otros alicientes añadidos que le concedieron mucha más importancia al filme. Su director, Polanski, dirige el relato con cierto interés en mostrarnos todo desde un ambiente claustrofóbico y desagradable. Kingsley es la gran revelación como un médico que tiene la mayor sorpresa de su vida cuando baja una noche a una casa perdida en la playa.

Su historia se sitúa en una tierra latina democrática desconocida y se centra en una serie de acontecimientos que involucran a Paulina, a su esposo Gerardo (Stuart Wilson) y a un forastero, el Dr. Miranda (Ben Kingsley). Gerardo tiene un percance en la carretera y es auxiliado por un hombre a quien invita a su casa. Tan pronto como ella oye la voz del forastero, se convence que el hombre que su esposo ha invitado a entrar en su casa es el mismo que la torturó y violó cuando ella era una activista política hace 15 años.

La trama comienza en una noche oscura y tormentosa, con una casa aislada sobre un paisaje desierto, en la que espera una mujer solitaria. Ese comienzo hace presagiar una película de terror o al menos de crímenes, pero son solo argucias del director para que pongamos nuestra atención en la pantalla desde los primeros momentos. La figura de Sigourney es todo lo que se necesita para conseguir que la atención no se pierda.

Ella está enojada y hondamente inquieta porque espera a alguien que no acaba de llegar. Además tiene un pollo recién hecho en el horno y una botella de vino preparada.

Seguramente ha planeado una noche delirante de amor al terminar la cena, pero entonces oye un boletín de noticias en la radio comunicando que su marido ha sido nombrado presidente de la comisión para investigar los crímenes cometidos en el régimen dictatorial anterior. Su rabia se empieza a manifestar con más furia porque las noticias le dicen que la carretera está intransitable. Con furia se come ella solita la cena para dos, después de trinchar el pollo como si fuera su más odiado enemigo, y el resto lo tira a la basura, mientras en su interior cambia sus deseos de sexo por los del estrangulamiento premeditado.

Pero por fin su amor aparece, mojado y con un forastero, por lo que ante la duda de sus intenciones se acuesta en su cama y finge estar dormida. Su amante esposo ríe, habla y bebe con el forastero sin tenerla en cuenta y ella, presa de rabia sale fuera, roba el coche del extraño y se marcha lejos.

El extraño parece un poco tonto, puesto que había dejado el coche abierto con las llaves puestas, pero ella le agradece que sea tan tonto. Mientras ella sigue sin rumbo fijo, los dos hombres continúan con su conversación y su bebida.

Los espectadores en este momento se preguntan ya porqué un hombre puede estar indiferente ante los encantos de una mujer tan guapa como Sigourney. Ella también se extraña, dolida en su amor propio, y vuelve despacio a la casa.

Allí ve a su marido, Gerardo Escobar (Stuart Wilson), charlando con un desconocido, el Dr. Roberto Miranda (Ben Kingsley), quien parece ser había auxiliado en la carretera a Gerardo. Los hombres llegan a hacer una gran amistad y como ya es muy tarde para salir de casa, le ofrecen que duerma en un sofá. El vecino se muestra confiado y jovial sin saber que ella le ha reconocido como una persona que la había torturado y violado cuando era joven.

Él se va a dormir y ella se acerca sigilosamente y sorprende al visitante y lo ata antes que él se pueda resistir. Ella está convencida de su verdadera identidad, como la persona que la violó 14 veces mientras estaba encerrada como una presa política. No puede recordar su cara, puesto que aquellos días estaba siempre con la cara tapada, pero reconoce su voz y su olor.

El hombre, ahora preso y amordazado, no acaba de entender porqué esas personas, aparentemente encantadoras, le hacen esto. La mujer no tiene piedad, le insulta, se burla de él, y le interroga sobre su pasado oscuro. Su esposo, atónito por lo que ve e incrédulo ante las denuncias de su esposa, trata de disuadirla en un principio y le pide que si en verdad ese hombre es quien dice, lo debe denunciar a la policía. Él es una persona que lucha por los derechos humanos y no puede tolerar la tortura que en esos momentos está ejerciendo su propia mujer.

La película podría considerarse como una denuncia indirecta contra el régimen del general Pinochet en Chile y los personajes con nombres latinos así parecen indicarlo, pero no se hace alusión directa a ningún país en concreto. El argumento plantea al espectador una interrogante muy lógica: ¿puede una persona torturada convertirse así mismo en torturador para vengarse?. ¿Quién de los dos es entonces más cruel?. ¿Son todos los seres humanos unos torturadores en potencia y dependerá de las circunstancias que ejerzamos o no como tales?.

Otras preguntas también nos podríamos hacer: ¿Qué ocurre si él torturador se arrepiente sinceramente?, ¿Hay perdón para esos actos?. ¿Debemos condenar con la misma severidad a quien tortura como venganza?. ¿Son los crímenes contra las mujeres más condenables que contra los hombres?.

Todas estas preguntas se esconden en el argumento base de la película y es quizá ahí donde radica su importancia, más que en la sucesión de imágenes.

La historia está basada en una obra de teatro y su procedencia es innegable, por lo que el peso recae sobre los diálogos y los actores. El doctor Roberto Miranda está brillantemente interpretado por Ben Kingsley, quien con su cara de buena persona encaja perfectamente en el papel y predispone al espectador a que se ponga de parte de él, condenando por su crueldad a Sigourney.

El final de la película se aproxima sin que tengamos la respuesta sobre si es justo matarle o perdonarle, aunque pocos espectadores encontrarán justo ni humano matar a una persona por una violación.

La película sale adelante sin problemas gracias a su director, uno de los grandes del thriller junto al fallecido Hitchcock y a sus intérpretes, especialmente a Ben quien lleva maravillosamente su papel de violador obligado por las circunstancias. También debemos reconocer que sin una Weaver tan decidida a vengarse la historia tampoco funcionaría, quedando en un tercer puesto Wilson con un papel que no acaba de convencernos, quizás por la falta de coraje y argumentos en una persona que se supone debía hacer prevalecer los derechos humanos.

El Director:

Roman Polansky

Profesión: Director, escritor

También: actor, director de teatro, productor

Nombre: Raimund Polanski

Nacido: el 18 de agosto de 1933 en París, Francia

Estudios: escuela de cine Lòdz

Este cineasta, internacionalmente renombrado, ha llegado a ser sumamente conspicuo con su vida tumultuosa, en lo que concierne a sus a veces oscuramente cómicos (pero hondamente inquietantes) dramas psicológicos, sus comedias negras, y los malvados que representa en sus películas. Después de su niñez, manchada con las atrocidades de los nazis, Polanski comenzó su primera carrera en el cine como un actor juvenil y luego como un director neófito en Polonia. Consiguió establecer una buena reputación con varias películas filmadas en Inglaterra, antes de encontrar su apoteosis artística y comercial en Hollywood. El expatriado europeo, también encontró su sitio en el sur California para vivir con espantosa violencia una profunda tragedia personal. Polanski huyó de los Estados Unidos en 1977 para escapar de las consecuencias de un escándalo de sexo, en el cual aparecía involucrada una chica menor de edad, pero continuó haciendo películas en el exilio, aunque con menos frecuencia y presupuestos menores.

No por ello hay que olvidar que Polanski continúa siendo unos de los grandes directores.

Roman Polanski nació en París, de padres Polaco - Judíos. A los tres años de edad, él y su familia volvieron a Krakow, la ciudad de su padre. Con siete años, Polanski vivió con su familia en un gueto de los nazis, aunque pronto comenzó a salir fuera para realizar operaciones pequeñas de contrabando que vendía posteriormente dentro del gueto. Mientras realizaba estas misiones, Polanski se escabullía a las lejanas salas de cine. Al año siguiente, sus padres fueron recluidos por los nazis en un campo de concentración, donde su madre encinta fue llevada a la cámara de gas. Al poco tiempo de llegar, Polanski consiguió escapar de la captura cuando su padre le ocultó en un agujero en la pared cuando los nazis se acercaban.

Algunos de estos sucesos espeluznantes luego serían recreados por Steven Spielberg en

“La Lista de Schindler” (1993). Durante su largo trabajo como guionista, Spielberg, según nos informa Polanski, le consultó en varias ocasiones sobre cómo dirigir la película. Gracias a varios amigos y los parientes que tenía en Krakow, además de los judíos sobrevivientes a quien Schindler había salvado en los campos, Polanski encontró un material demasiado personal y doloroso.

Creciendo en un país gastado por la guerra, Polonia, el joven Polanski encontró una vía de escape en las salas de cine y en su trabajo en la radio. Su primera incursión en el cine incluyó un trabajo con el director polaco Andrzej Wajda. En 1954, aceptó un programa quincenal intenso en la escuela de cine Lòdz. En 1962, Polanski dirigió su primer filme de larga duración, “Knife in the Water”, pobremente recibido por los funcionarios estatales polacos y algunos críticos. La película, no obstante, causa una gran sensación en occidente, y ganó el Premio de los Críticos en el Festival de Venecia, así como una nominación al Premio de la Academia a la Mejor Película Extranjera.

Polanski se fue a Inglaterra para rodar sus tres próximas películas: “Repulsión” (1965), una historia psicológica de horror sobre el desmoronamiento mental de una joven mujer; y “Cul De Sac” (1966), una comedia de pandilleros y una desigual pareja que viven en un castillo aislado. También dirigió e interpretó la popular “El baile de los vampiros” (1967), en la cual Polanski trabajó con la actriz estadounidense Sharon Tate.

Ambos se casaron en 1968, el año en que también Polanski estrenó en América “La Semilla del Diablo”, una adaptación enormemente exitosa de la historieta de horror ginecológico de Ira Levin. El verano siguiente, Polanski nuevamente tiene que compartir la emoción de su éxito con una gran tragedia: su esposa Sharon Tate, embarazada de ocho meses, y tres amigos, son asesinados por miembros del culto a Charles Manson.

Su próxima película, “Macbeth” (1971), era una adaptación brutalmente realista de la violenta tragedia de Shakespeare, que era interpretada por algunos críticos como la respuesta del cineasta al asesino Manson. Polanski, sin embargo, negó cualquier nexo entre la película y los trágicos asesinatos.

En 1974, vuelve de nuevo a Hollywood para su mayor triunfo, “Chinatown”, una historia de concupiscencia, corrupción, y de incesto, situada en el decenio de 1930, en Los Angeles. El director hizo una memorable película, sobre el bandido que corta la nariz de Jack Nicholson. Después de dos años, Polanski emprendió su trabajo más arduo, dirigiendo “The Tenant”.

En 1977, Polanski fue arrestado en California acusado de mantener intercambios sexuales ilegales con una niña de trece años. Él estuvo cuarenta y dos días bajo observación psiquiátrica en California, en conformidad con sus denunciantes. El juez del caso se cebó con él y Polanski, después de conseguir un aplazamiento del juicio, huyó de los Estados Unidos.

En Francia hizo su próxima película, “Tess” (1979), una clamorosa versión de la obra de Thomas Hardy, en la cual contaba la historia de una hermosa chica (Nastassja Kinski) que es seducida por un viejo. En 1981, volvió a Polonia para dirigir e interpretar una producción sobre Amadeus.

La próxima película de Polanski que tuvo cierto éxito crítico y comercial, fue la misteriosa y en ocasiones somnolienta “Frenético” (1988), caracterizando a Harrison Ford como un estadounidense en París que busca a su desaparecida esposa (Betty Buckley). También en París hizo “Bitter Moon” (estrenada en 1992, aunque en Estados Unidos lo hizo en 1994), que contó la historia de un viaje en barco de un educado inglés (Hugh Grant), viaje que llega a convertirse en algo tortuoso a causa de un tal Henry Miller interpretado por Peter Coyote. “Bitter Monn” también contó con Emmanuelle Seigner, esposa de Polanski, como la mujer fatal, 20 años más joven que el escritor.

Este argumento ha fomentado la imaginación de los críticos que ven en ella una autobiografía refractada. Era obviamente otra variación sobre la preocupación del director por el deterioro psíquico y sexual.

“Death and the maiden” (1994) fue una aclamada adaptación para el cine de la novela del dramaturgo chileno Ariel Dorfman, una alegoría política. La acción se desarrolla en un país suramericano no identificado, y la historia cuenta la vida de un abogado especializado en los derechos humanos (Stuart Wilson) quien pide ayuda cuando su automóvil se estropea. Un bondadoso doctor (Ben Kingsley) le lleva a su hogar donde su esposa (Sigourney Weaver) le espera. La esposa inmediatamente reconoce la voz del doctor como perteneciente al hombre que supervisó su tortura bajo el régimen anterior.

Ella le toma como rehén, le acusa de sus delitos y le tortura antes de que lo sepa su esposo el abogado.

JEFFREY

Jeffrey (1994)

92 minutos

Director: Christopher Ashley

Productor: Mark Balsam, Mitchell Maxwell, Victoria Maxwell Co-productor: Paul Rudnick

Guión: Paul Rudnick

Intérpretes:

STEVEN WEBER: Jeffrey

MICHAEL T. WEISS: Steve

BRYAN BATT: Darius

SIGOURNEY WEABER: Debra Moorhouse

KATHY NAJIMY: Acolyte

OLYMPIA DUKAKIS: Mrs. Marcangelo

GREGORY IBARA: Angelique

CHRISTINE BARANSKI

ROBERT KLEIN

IRMA ST. PAULE

NATHAN LANE

PATRICK STEWART: Sterling

"Yo amo el sexo, porque es simplemente una de las verdaderamente grandes ideas", nos dice el héroe de Jeffrey en los primeros momentos de la película. Y para un hombre alegre como Jeffrey, que tenía momentos breves para disfrutar su libertad sexual, el terror del SIDA cerró sus esperanzas de vivir feliz y sin preocupaciones.

Ahora Jeffrey (Steven Weber), encuentra que su vida sexual le asusta y él decide jurarse así mismo que será célibe y tratará de encontrar otros intereses en su vida privada. No es tanto que él teme llegar a ser un sero positivo, cuando haga el amor, lo que teme es que pueda llegar a amar a alguien que esté a punto de morir de SIDA.

Bien, todos morimos, tarde o temprano, y con un poco de suerte tarde, pero Jeffrey es muy precavido y no puede dedicarse a una persona muchos años y luego perderlo. Ese inconveniente lo encontrará cuando un día acude a un gimnasio y Steve (Michael T.

Weiss) se pone delante de él y nota que la tierra tiembla. Jeffrey se siente poderosamente atraído por Steve, pero pelea para suprimir sus sentimientos.

En “Jeffrey” el dilema era un tema nunca tocado anteriormente en Broadway y parte de una idea de Paul Rudnick. Ahora está adaptado para la pantalla, nuevamente con los mismos dispositivos que en la obra teatral, como los discursos dirigidos directamente al público. Pero la forma de expresarse es como en una comedia teatral en donde los actores gesticulan para que el público pueda verles, y todos se comportan con una dulzura que parecen alumnos directos de la Madre Teresa. Cuando hablan de la madre virtuosa, los otros amigos de Jeffrey hacen su propia crítica: "Ella hacía su trabajo".

La trama argumental de la película está sacada de la obra de teatro y mostrada severamente pero con un carácter más divertido. Sterling (Patrick Stewart, de "Star Trek"), cuyo amante, Darius (Bryan Batt) es una danzarina que es sero positiva. Sterling es un meticuloso y envejecido hombre que tiene una lengua mordaz y aguda, una inteligencia rápida, y la creencia que el amor es tan raro que cuando viene hay que aceptarlo en sus propios términos, aún cuando ello signifique (como es el caso de Darius) que el SIDA viene unido a la pasión.

Jeffrey no puede verlo de esa manera, y mediante una serie de poco convincentes negativas sobre el amor trata de eludir a Steve, antes de caer finalmente preso de sus encantos y su técnica.

Y es que básicamente la película gira alrededor del amor, sus riesgos y los amigos fieles. Entre ellos está una acertada Sigourney Weaver como un padre espiritual de la televisión que proporciona autoayuda, y Olympia Dukakis como la madre de un hombre que está destinado a ser una mujer, aunque no una lesbiana.

“Jeffrey” no es una película a menospreciar por su argumento, pero no convence y su poco éxito en taquilla así lo demostró. Es más una serie de esbozos e inspiraciones momentáneas que una historia que crece poco a poco. Para lograr que nuestro interés se manifieste desde los primeros momentos, hay una serie de personajes menores, con su propia personalidad, que nos apartan de los personajes principales. Por supuesto se incluyen las escenas más llamativas, como cuando dos hombres se besan en la pantalla, aunque pone un gran interés en demostrar que son adultos y que la homosexualidad no es apta para adolescentes, así no hay problemas con la censura. Este mismo tema conflictivo puede ser por sí solo el tema para una película, pero quizás todavía no sea el momento o no exista el interés suficiente.

Otro problema es la melancolía que navega por toda la película, y eso que es una obra cómica. Aunque el análisis de la muerte supone una buena excusa para realizar proclamas poéticas y lograr así un clímax muy alto en el transcurso de la película, el nexo entre el sexo y la muerte por el SIDA ha hecho muy difícil esta posibilidad. Del mismo modo que es complicado contar historias alegres de amor entre varones cuando pende sobre sus cabezas la posibilidad de una muerte prematura y macabra.

Una solución estaría en repartir las situaciones y no mezclarlas entre sí, algo que ya se hizo en “Philadelphia”. O quizá se podría haber colocado la historia unos años antes de que el SIDA hiciera estragos entre los homosexuales.

Que en “Jeffrey” se quiera mostrar el problema mediante el humor y el análisis de la personalidad es también una opción interesante. Pero cuando allí nos cuentan una historia de amor con problemas, y el problema es de más interés que los propios personajes, sus caracteres y su amor, entonces el director podemos considerar que se ha equivocado.

COPYCAT

Copycat (1995)

Regency Enterprise

125 minutos

Panavision

Director: Jon Amiel

Productores: Arnon Milchan y Mark Tarlov

Productores ejecutivos: Michael Nathanson, John Fiedler

Fotografía: Laszlo Kovacs

Guión: Ann Biderman y David Madsen

Música: Christopher Young

Intérpretes:

SIGOURNEY WEAVER: Helen Hudson

HOLLY HUNTER: M.J. Monahan

DERMOT MULRONEY:

Ruben Goetz

HARRY CONNICK JR: Daryll Lee Cullum

WILLIAM MCNAMARA: Peter Foley

WILL PATTON: Nicoletti

JOHN ROTHMAN: Andy

J.E. FREEMAN: Quinn

Una psicóloga experta

en criminales psicópatas y asesinatos está ahora traumatizada por un hecho anterior que le ha ocasionado agorafobia, una terrible enfermedad psíquica que la imposibilita salir a la calle. La presencia de una joven policía, Holly Hunter, y su ayudante Mulroney, le ayudan a investigar las andanzas de un sabio y escurridizo asesino de San Francisco.

Ingeniosamente realizada, tensa y divertida, aunque con cierto parecido a “Seven” (1995), nos fuerza a considerar que deberíamos tener mucha precaución ante una mente asesina enferma. Como muchos de los thrillers viscerales, no aguantaría un análisis muy intensivo.

“Copycat” tiene su propio asesino despiadado e inteligente, como era John Doe en

“Seven”, quien no se contenta simplemente con matar. Él quiere hacer una declaración pública con sus asesinatos, y enviar a la policías sus mensajes de terror. Se trata de un estudioso de los más importantes asesinos que ha tenido la historia de la humanidad, y en cada una de sus escenas de asesinato se arregla cuidadosamente para aportar fotografías de crímenes similares de otros asesinos monstruosos, como “El Hijo de Sam” y los dos estranguladores, de Boston y Slope.

Tal aporte de detalles históricos requiere que el espectador esté muy atento a la pantalla.

El asesino pretende que una doctora experta en criminología, Helen Hudson (Sigourney Weaver), una analista que ha escrito un libro sobre asesinos reincidentes, y es muy conocida en los medios policiales, sufra la misma persecución que él mismo padece.

La película comienza con Hudson dando un discurso. Entre el auditorio está uno de sus clientes anteriores, un asesino reincidente llamado Daryll Lee Cullum (Harry Connick, Jr.), quien sonríe mostrando sus horribles dientes. Ella parpadea cuando le ve y él se va rápidamente, pero ella debería tener más cuidado en no ir sola al servicio de mujeres.

Lo que sucede a causa de la agorafobia de Hudson, en donde ella se ve en la imposibilidad de abandonar su apartamento durante 13 meses, bebiendo demasiado, la deja tan asustada del mundo exterior que tiene que usar el palo de una escoba para recoger el periódico que dejan en la puerta de entrada.

Cullum está siempre al acecho, detrás de cualquier esquina y eso obliga a Hudson a acudir a la policía, no tanto en busca de protección, como para suministrar datos que contribuyan a evitar sus nuevos crímenes. El agente asignado es la policía M.J.

Monahan (Holly Hunter), quien aporta también un buen elemento a la película, aunque su excesiva fragilidad física haga poco creíble su eficacia en una confrontación directa con un asesino tan eficaz y fuerte.

A Hunter la habíamos visto anteriormente en “Al filo de la noticia” (1987), en donde hacía el papel de una realizadora de televisión en busca de noticias de interés. Su trabajo fue muy acertado, como el de una mujer menuda, amistosa, alegre, cariñosa y confiada, que debe moverse en un mundo de hombre grandes no siempre tan maravillosos. Ahora es ella la que tiene el poder y usa a los hombres con firmeza, haciendo de profesora de torpes policías, llegando, por tanto, a resultar empalagosa con su complejo de superioridad. Pero ella tiene acero en el interior de su diminuto cuerpo y la vemos acorralando a lo largo de un pasillo al malvado asesino, quien había sido capaz de eludir a toda la policía de San Francisco pero no puede hacer nada ante tan eficaz mujer. El espectador se queda pronto deslumbrado viendo cómo ella le acorrala y camina en su busca mirando en cualquier rincón, mientras memoriza como una computadora todos los detalles que aparecen fugazmente. Ella puede ser brusca y sarcástica, pero es muy eficaz cazando asesinos reincidentes.

La relación entre M.J. (Hunter), tan pequeña y agresiva, y Hudson (Weaver), tan grande y tímida, supone en eje de la película. Los hombres también figuran, pero menos y por supuesto son poco eficaces.

Hudson tiene como compañero a un hombre alegre y muy vivaz, para protegerla; aunque ella se queja de que no le guste el sexo, sin saber los motivos.

Pero ambas mujeres son muy conscientes, aunque de manera diferente, de que Ruben Getz (Dermot Mulroney), es el socio de M.J.

El suspense se desarrolla a lo largo de líneas bastante predecibles. Cullum, que está en la cárcel, parece tener contacto con el asesino imitador y, por supuesto, uno de los blancos de ese asesino va a ser Helen Hudson, quien realiza grandes caminatas en su apartamento oscurecido y toma duchas frecuentes para que el director nos ponga por fin al asesino allí. El guión nos quiere demostrar que, a pesar de todo, conserva parte de su poder para defenderse.

Ella también pasa una gran cantidad de tiempo colgada y medio estrangulada en una sala de baño, una vez al principio y otra al final de la película, y lo curioso del caso es que cuando los policías por fin irrumpen allí para salvarla, simplemente la dejan colgada allí, dando sus últimos estertores por la asfixia, mientras buscan al asesino. Quizá es que pensaban que estaba muy cómoda en esa posición.

“Copycat” no se parece a la sombría “Seven” (1995), o al menos su enfoque es diferente. Pero ambas son igualmente efectivas en mostrarnos al más despiadado, hasta el momento, de los criminales en acción. El personaje de Hudson es correcto y novedoso, pero la menuda policía se nos antoja indigerible, con tanta eficacia y a pesar de que el trabajo de Holly es correcto, no hay quien lo admita de puro fantástico.

Sigourney Weaver está como siempre correcta, aunque limitada en sus posibilidades.

Mientras ella es débil, Hunter está en su elemento como la eficaz policía que persigue al malvado asesino. Seguramente si hubieran invertido los papeles el resultado hubiera sido mucho más creíble.

Es raro que nosotros creamos que todo se ha hecho para darle más suspense a la película y para que veamos que detrás de un cuerpo tan frágil se puede esconder una robusta mujer, pero con lo fácil que hubiera sido hacerlo al revés nos parece más un delirio de personalidad del director del casting que un acierto.

Hunter había logrado un oscar por su trabajo en “El piano” (1993) y buenas actuaciones en “Always” y “Querido intruso”, siendo considerada actualmente como una buena actriz.

La pregunta que presentamos es siempre la misma: ¿Por qué se ponen de moda películas sobre el mismo tema al mismo tiempo?. ¿Por qué el público prefiere películas con temas tan espantosos a otras diversiones que dejen el cuerpo mejor al salir del cine?.

¿Por qué es “Copycat” tan efectiva a pesar de imitar a “Seven”?. La maldad ha sido siempre una fuente de fascinación en las películas, y curiosamente los malvados tienen un gran atractivo en la sociedad. Las películas como esta son una manera segura e indirecta de encontrar nuestro propios temores y buscar quien nos los quite.

“No creo que ahora la gente está más interesada que antes en los psicópatas asesinos, siempre nos han interesado los vampiros, los monstruos y cualquier otro comportamiento humano sombrío. En “Copicat” se ha intentado mostrar el lado oculto de esos asesinos”.

“Yo no estoy a favor de la pena de muerte para estos asesinos, pero hay que reconocer que la mayoría de ellos son psicópatas, están locos, y la cárcel es una buena manera para que no sigan matando. Mi psiquiatra, sin embargo, dice que disfrutan matando y que no han perdido la razón”.

“Muchísima gente padece algún tipo de agorafobia y yo misma tengo miedo de entrar en un ascensor. Ahora bien, creo que nadie se quedaría en su casa sabiendo que hay un asesino dentro”.

El Director:

Jon Amiel

(1948 - )

Ocupación: Director

También: Productor

Nacido: el 20 de mayo de 1948, en Londres, Inglaterra

Educación: Universidad de Cambridge, Inglaterra

Fue un director aclamado en la televisión británica, especialmente por su trabajo en el drama musical de misterio "El Detective cantante" (BBC, 1986-87; PBS 1988). Jon Amiel también consiguió cierto éxito con su película “Reina de corazones” (1989), una saga encantadora sobre una familia italiana de inmigrantes que llegó a Inglaterra, vista mediante los ojos de un niño. Esta película mezcla de comedia, fantasía y drama, le llevó hasta Estados Unidos, donde Amiel dirigió a Keanu Reeve, Peter Falk y Bárbara Hershey en “Tune in tomorrow” (1990), una historia sobre una emisora de radio que emite en los alrededores de Nueva Orleans.

Amiel entró en el negocio del espectáculo como un compositor para el cine en Londres.

Después del colegio, él fue contratado para pequeños trabajos en el Hampstead Theatre Royal, el principal lugar de Londres para nuevos dramaturgos, donde él comenzó su trabajo como director. Amiel también dirigió en la Shakespeare Royal Company antes de llegar a ser un editor de plantilla para la BBC. Durante varios meses consiguió un gran prestigio y una carrera exitosa como un director de dramas para la televisión, especialmente por su premio con " Romance Romance" (1984).

Amiel suele decir que, "Yo gusto de realizar películas inusuales, provocativas, difíciles, y dejo a mis personajes tan atados como si fueran una polilla en una vela". Su calidad era evidente en su primera obra para la televisión americana “Un niño con suerte” (NBC, 1988), un episodio de Jim Henson para niños pertenecientes a la serie de fantasía

"El Storyteller".

Pero necesitaba un gran éxito para que se le considerara realmente en Hollywood y eso vino con “Sommersby” (1993), un romance clásico interpretado por Jodie Foster y Richard Gere.

En “Copycat” trató de realizar un thriller diferente en el cual una mujer fuerte (Sigourney Weaver) acaba derrumbada a causa de un problema psicológico denominado agorafobia, mientras que Holly Hunter es una mujer policía haciendo un papel poco creíble, en una historia improbable.

Amiel tuvo éxito con esta película y logró ganarse el prestigio de los profesionales por sus ángulos diferentes de cámara, ayudado por la fotografía de Laszlo Kovac y la música de Christopher Young. En resumen, tener a dos actrices tan diferentes delante de las cámaras no es cosa fácil y podemos considerar que supo dirigirlas acertadamente.

LA VERDADERA HISTORIA DE BLANCANIEVES

Grimm Brothers' Snow White, The (1997)

Polygram Filmed Entertainment

Interscope Communications

110 minutos

Basada en el cuento de los Hermanos Grimm

Director: Michael Cohn

Efectos visuales: Fantasy II Film, MPAA

Guión: Thomas E. Szollosi y Deborah Serra

Fotografía: Mike Southon

Música: John Ottman

Vestuario: Marit Allen

Intérpretes:

SIGOURNEY WEAVER: madrastra Claudia

SAM NEILL: Lord Hoffman, padre de Blancanieves

MONICA KEENA: Lilli Hoffman, Blancanieves

GIL BELLOWS: Will

MIROSLAY TABORSKY: hermana Claudia

TARYN DAVIS: joven Blancanieves

Estrenada solamente para el mercado del vídeo, quizás porque se esperaban malos resultados en la pantalla grande, nos encontramos con una nueva versión del célebre cuento, ahora con personajes tan reales como Sigourney Weaver.

La historia es similar a la que ya conocemos y vemos a la guapa pero pérfida madrastra que con sus poderes mágicos y su espejo logra vengarse de todos aquellos que tratan de apagar sus encantos. Un día, en pleno ataque de celos por ver que su belleza es eclipsada delante de una guapa chica, tiene un aborto y se desata en ella una furia tal que decide eliminar a la chica.

Ayudada por un lacayo de la reina, Blancanieves se refugia en una abadía abandonada en la Selva Negra que es ahora morada de una cuadrilla de proscritos. Hasta allí llega la reina disfrazada de anciana, quien la ofrece una apetitosa manzana en pago por su cariño. Cuando Lilli la muerde cae sumida en un profundo sueño del que solamente se despertará cuando la bese el jefe de la banda, el guapo Will.

“La historia es algo más intensa que la versión Disney y se podía considerar como una recreación para adultos, pero el argumento sigue basado en el cuento de los Hermanos Grimm. Hay quien afirma que se trata de un thriller psicológico descrito bajo las teorías de Freud. Tales divagaciones las considero algo estúpidas”.

“Lo mejor de mi papel es que me ha permitido, después de los filmes anteriores, aparecer muy guapa y poder lucir antiguos y hermosos vestidos”.

ALIEN: RESURRECCIÓN

Alien: resurrection (1997)

20th Century Fox.

Director: Jean-Pierre Jeunet

Guionista: Joss Whedon

Productor: Bill Badalato

Director de fotografía: Darius Khondji

Editor: Herve Schneid

Diseñador de producción: Nigel Phelps

Vestuario: Bob Ringwood

Música: John Frizzel

Criatura: Amalgamated Dynamics SA.

Efectos visuales digitales: Blue Sky Productions

Intérpretes:

SIGOURNEY WEAVER: Ripley

WINONA RYDER: Annalee Call

RON PERLMAN: Johner

DOMINIQUE PINON: Vriess

BRAD DOURIF: Dr. Gediman

DAN HEDAYA: General Perez

J.E. FREEMAN: Dr. Wren

MICHAEL WINCOTT: Elgyn

RAYMOND CROSS: DiStephano

KIM FLOWERS: Hillard

GARY DOURDAN: Christie

LELAND ORSER: Purvis

200 años después de los sucesos desde ALIEN 3, una nueva corporación resucita a Ellen Ripley a partir de una muestra de sangre extraída del embrión de la Reina Alien implantado dentro de ella. Como mujer clónica, pugna por mantener su humanidad, y se da cuenta que su ADN se ha mezclado con el ADN de Alien, dándola capacidades aumentadas, y frecuentemente se realiza asustada la pregunta acerca de cuán verdaderamente ella es humana. Como la nueva Ripley pelea con su identidad anterior, mientras el grupo de soldados y científicos de la compañía llegan con unos mercenarios y juntos tratan de parar los acontecimientos cuando una nueva mutación del Alien nace en la nave.

Las películas Aliens continúan permaneciendo para sus fans como una de las favoritas del género, así como también una de las diez películas más taquilleras de la ciencia-ficción. Bien sea frecuentado los pasillos oscuros del Nostromo en la película original de Ridley Scott, el nuevo paseo de los marines contra la madriguera Alien de James Cameron en 1986, o las escenas de los presos y la inmolación de Ripley en la obra de David Fincher, ALIEN 3, estas películas han logrado aportar a las pesadillas de nuestros contemporáneos un nuevo monstruo.

Aunque nadie puede desacreditar la participación imaginativa de Fincher sobre la serie, en esta última y quizás definitiva continuación, la historia fracasa para lograr un nuevo impacto en los aficionados. A un nivel emocional, algunos fans dicen que se ha destruido todos los personajes centrales y que los nuevos caracteres introducidos eran simplemente caras que corren por pasillos obscuros, sin aclarar si mueren o siguen vivos. Los otros, quienes pueden moverse con cierta habilidad en la oscuridad angustiosa y pesada que sirve para crear el clímax de la película, todavía parecen complicar aún más las cosas, al menos con respecto a cómo los huevos del Alien consiguen aparecer allí.

Las numerosas revistas sobre la película han perfilado también la tumultuosa trayectoria frecuentemente desgastada que condujo hasta el estreno de la película, sugiriendo que los ejecutivos de la industria consiguieron enredar demasiado el proceso creativo.

En lo que concierne a la nueva continuación, se ha dicho que el guión de Whedon consigue capturar el elemento de horror futurístico de las dos primeras películas, pero, además, debe contribuir al mito de la serie en alguna nueva moda, algo así como una nueva saga de Star Trek.

CRONOLOGIA DE LA PELICULA:

Octubre 1995. Los rumores hablan que la 20th Century quiere partir del final de Alien 3 como de un sueño, para así lograr el regreso de Ripley, Hicks, Newt y Bishop.

Noviembre 1995. Whedon niega que en octubre de 1995 divulgase en una entrevista para la revista Cinescape que había entregado ya el guión a la Fox. El manuscrito de Whedon habla de Ripley que tiene que luchar con los Aliens en una nave espacial gigantesca. También, habla ya de la posibilidad de extraer el ADN del cadáver de Ripley.

Enero de 1996. Alien 4 está en desarrollo y sabemos ya las conversaciones entre Weaver y la productora para que vuelva a interpretar a Ripley. También se menciona a Winona Ryder como co-protagonista.

Febrero de 1996. El guión que está guardado con un gran secreto, parece ser que nos habla de una historia 200-300 años después de la conclusión de Alien 3 e involucra a mercenarios y piratas del espacio. La Compañía ha desaparecido, pero Ripley es revivida mediante un proceso de clonación con las características añadidas del Alien, agilidad, velocidad, fortaleza, así como también surge un conflicto interno entre su moralidad humana y del Alien. Ella recuerda fragmentos mínimos de sus experiencias previas con las criaturas. Entre los nuevos personajes introducidos están varias mujeres mercenarias.

Ciertos rumores nos hablan de la actriz Shelley Duvall en el papel de una segunda Ripley, creada durante el proceso de clonación, aunque la poca similitud física entre las dos no nos parece una buena idea.

Marzo de 1996. Sigourney Weaver ha leído la obra y aportado sugerencias a ella, aunque todavía no se ha comprometido realmente a aceptar el papel.

Queda confirmada la presencia de Winona Ryder como el androide asesino. Ella sería un mercenario que secuestra naves interestelares, saqueando sus mercancías, aunque al final quizá se una a Ripley para evitar la llegada de los Aliens a La Tierra.

Abril de 1996. El carácter de Call (Winona) es definido ya como una buena persona, no un asesino como se informó anteriormente. También, sin ir demasiado lejos, una de las nuevas peculiaridades de estos Aliens es la capacidad para poseer calidades humanas e inteligencia.

El director francés Jean Pierre Jeunet (La ciudad de los Niños Perdidos y Delicatessen) está ya como el director de la película y el rodaje comenzará en Los Angeles en septiembre de 1996. Parece ser que ese director no sabe una palabra de inglés.

No sabemos si el diseñador Giger estará de nuevo en el proyecto.

Descartada definitivamente la participación de Marco Brambilla, director de

“Demolition Man”, y de Ridley Scott.

Junio de 1996. Según una revista australiana, Weaver ha leído el manuscrito y le desagrada mucho su papel. De hecho, ella ha rehusado firmar el contrato hasta que el guionista no cambie la parte de su reencarnación. En Alien 3 insistió en que no deberían aparecer revólveres.

Los Alien tienen ahora una memoria colectiva sobre su vida anterior y además poseen la memoria de la vida pasada de Ripley, aunque ella no posee esta memoria, sino solamente sus conocimientos de supervivencia.

Julio de 1996. Amalgamated Dynamics Incorporated, la misma compañía que creó el animatronics para Alien 3, serán los encargados de diseñar las criaturas para la película.

El trabajo será mucho más difícil ahora porque tienen que crear un ejército entero de criaturas, incluyendo el múltiple cazafantasmas, un espécimen nunca antes visto.

Agosto de 1996. Sigourney Weaver conseguirá unos 11 millones de dólares por su trabajo en la película, mucho más que los 5 millones de Alien 3.

Están buscando una actriz de nueve años.

Septiembre de 1996. Los rumores circulan que tratan de conseguir a Dominique Pinon (La Ciudad de los niños Perdidos y Delicatessen) como co-estrella en la película.

Winona Ryder sigue los pasos de Linda Hamilton por conseguir un buen trabajo en su papel. Ella trabaja hasta seis horas al día, y bromea con la Fox sobre que la deberían compensar tener que tomar comidas poco nutritivas.

Octubre de 1996. El Actor Ron Perlman está en tratos para actuar como Johner, un duro, bebedor y malvado tipo. Originalmente, Whedon escribió este personaje para Chow Yun Fat. Jeunet trabajó con Perlman anteriormente en “La Ciudad de los Niños Perdidos”.

Blue Sky Productions, será la encargada de la postproducción. Blue Sky trabajará con gráficos de ordenador de diseño propio.

Un compositor con el apellido que suena como Frizzelé ha sido contratado para la película. Anteriormente, este compositor hizo las miniseries “Wild Palms”. Parece ser que Brent Spiner no estará en la película.

Winona Ryder está trabajando en “Fire and Ice Breast Cancer Research” un programa para recaudar fondos contra el cáncer.

Se reciben críticas sobre la participación de Winona en Alien 4, especialmente en cuanto a su poca musculatura y apariencia frágil.

Noviembre de 1996. El rodaje comenzará dentro de diez días, pero aún no se conoce el final, ni qué papel tendrán los dos varones principales. Una variedad de informes anuncian que han hablado con Peter Coyote, Gabriel Byrne, y Ed Harris, pero ninguno es definitivo. Los dos papeles son relativos a el Dr. Wren, un científico militar y Vreiss, un mecánico de la nave espacial Betty.

Abril de 1997. Alien 4 ha retrasado su fecha nuevamente y parece ser que se estrenará en noviembre .

Argumento original resumido:

200 años después de la conclusión de Alien 3, los científicos militares estacionados sobre una gigantesca nave de investigación en la órbita de Plutón, han obtenido con éxito una Alien Reina mediante un proceso de clonación, a partir del último ser humano conocido que ha sido impregnado por las especies de Alien: la Teniente Ellen Ripley. Usando las muestras de sangre tomadas en Furia 161, Ripley es devuelta a la vida contra su voluntad y forzada a preguntar sobre su propia humanidad, encarando una vez más los errores ajenos. Su nexo con las criaturas es más fuerte que antes, ya que el proceso de clonación ha mezclado su ADN con la Reina, consiguiendo más fuerza, agilidad y velocidad, y cierta atracción por la colmena de aliens. Los alienígenas, así mismo, han sido también alterados por la clonación y su aspecto es más humano, incluyendo la inteligencia aumentada y una nueva torsión en su ciclo reproductivo.

Buscando estudiar y utilizar al alien como un arma devastadora, los científicos contratan a un grupo de mercenarios para robar naves de pasajeros, raptando a las personas que duermen hibernadas en sus cryotubos y usándolos como conejillos de indias con las criaturas. Entre estos piratas del espacio está Annalee Call, una misteriosa joven que parece tener datos ocultos sobre el origen de Ellen Ripley y los escritos de Morse (el único superviviente de Alien 3).

Usando su inteligencia, los aliens rompen sus ataduras y se liberan de sus captores y se diseminan por la nave, matando a la mayoría de los soldados y ocasionando que la nave automáticamente varíe su ruta. Un grupo pequeño de supervivientes compuesto de científicos, soldados y mercenarios, conducidos por Ripley y Call que han escapado de esta matanza, destruyen a las criaturas antes que ellas alcancen el destino final de la nave: La Tierra.

A PROPÓSITO DE ALIEN 4

"Yo no quise que Ripley llegara a ser una broma, insiste Weaver, según me presentaron la primera idea no tuve ningún interés en interpretarla. Pero yo me encontré posteriormente haciendo de Ripley y estoy contenta de haber realizado cuatro entregas y así dar la satisfacción a los aficionados”.

Para que interpretase la última secuela le ofrecieron 11 millones de dólares, aunque la mayor interrogante era cómo conseguir traer de nuevo a Ripley después de haber muerto incinerada. En esos momentos Sigourney no quiso contar cómo conseguirían rescatar a Ripley de la muerte, aunque tuvo que reconocer que existía ya una versión auténtica divulgada a través de Internet, que los aficionados hacían pasar de boca en boca.

“A mí esto de los piratas de Internet me parece de personas sin escrúpulos y bastante vagas. En la tercera película yo había conseguido matar al monstruo sacrificando mi propia existencia y ahora soy una especie de Terminator, mucho más intrépido y eficaz que es capaz de matar a los alien aunque vayan en grupo. Pero no creáis que no tengo cerebro, ya que mi cabeza predomina sobre mis facultades físicas”.

Entre los actores que acompañan a Weaver nos encontramos con Winona Ryder (Beetlejuice, Drácula) como la contrabandista Call; Brad Dourif (Alguien voló sobre el Nido del Cuco) como el científico Dr. Gediman y Ron Perlman (La isla del Dr.

Moreau) como Johner.

“Con los millones que me han pagado por esta película me compraré un yate eléctrico y me dedicaré a recorrer la costa con mi familia”

TORMENTA DE HIELO

The Ice Storm 1997

20th Century Fox Good Machine

112 minutos

Director: Ang Lee

Productor: James Schamus y Ted Hope

Guión: James Schamus

Basada en la novela de: Rick Moody

Fotografía: Frederick Elmes

Música: Mychael Danna

Intérpretes:

KEVIN KLINE: Ben Hood

SIGOURNEY WEAVER: Janey Carver

JOAN ALLEN: Elena Hood

JAMEY SHERIDAN: Jim Carver

CHRISTINA RICCI: Wendy Hood

La película está recreada en los años 70 norteamericanos, cuando el Watergate estaba candente y los hippys eran la moda entre los jóvenes. Con una vida placentera y sin sobresaltos, los protagonistas deciden complicarse su existencia y mientras Ben se acuesta con su guapa vecina Janey, la joven Wendy, hija de Ben, descubre las delicias que le aporta su amigo Mickey y ante las protestas del padre decide rebelarse.

Nada nuevo, pues, en este argumento, en el cual se trata de mostrar algo tan manido como la insatisfacción que proporciona la vida segura de la clase media burguesa. Los adolescentes con sus eternos problemas de personalidad y deseos de independencia (salvo económica), los adultos casados que han perdido la pasión con su pareja y la recobran de nuevo con alguien que solamente ven de vez en cuando, y hasta una mención al ya decadente fenómeno de Los Beatles.

Recreada con un buen sentido humorístico y apoyada por dos monstruos de la interpretación como Sigourney y Kline, la película tuvo una gran aceptación en el Festival de Cannes, aunque en Estados Unidos no consiguió estrenarse hasta después de muchas gestiones. Una vez que se consiguió la recaudación alcanzó en solamente cinco semanas 190 millones de pesetas.

En la película Sigourney hace de mala, de seductora y rompe matrimonios, aunque es por supuesto el mejor papel de todos. El argumento es bastante más sexual de lo que hubiera sido posible de rodarse en Estados Unidos, por lo que a más de un aficionado le chocará ver a su actriz preferida en un papel así.

A su compañero de reparto Kline ya le había conocido con ocasión del rodaje de

”Dave” y dada la gran amistad que les unía decidieron realizar en sus ratos libres lecturas de sonetos ante públicos muy restringidos, modalidad ésta que proliferó bastante en los años 50.

“Interpretar esta película ha sido todo un éxito, puesto que los productores no confían en mí como actriz de comedia y prefieren verme todavía como heroína. A mí no me importa lo que opinen en este sentido de mí en Hollywood, puesto que, además, no es la única película de este tipo que he realizado y estoy convencida de que doy perfectamente en la comedia. Creo que la gente necesita ahora reírse en lugar de plantearse problemas psicológicos complejos”.

Premios:

Premiada al mejor guión en el Festival de Cannes 97

El director:

Ang Lee

(1954 - )

Ocupación: director, guionista

También: productor

Nacido en 1954 en Taiwan

Educación: Universidad de Illinois, Instituto de cine y televisión de la Universidad de Nueva York.

Este productor independiente, residente en Nueva York, también director y guionista, consiguió cierto éxito internacional con su segunda película “The wedding banquet” (1993). Ha sido descrito como uno de los productores que gustan de recrear historias culturales, ecológicas o comedias sin violencia, siguiendo una línea clásica en el cine de Hollywood de los años 50. “The wedding banquet” supuso la salida al mercado mundial del cine tailandés y proporcionó unos beneficios del cuatro mil por ciento de la inversión.

Los abuelos paternos de Lee eran unos terratenientes durante la revolución Comunista en la China continental, y por ello su padre huyó a Taiwan. Después de estudiar en la URSS, Lee se entusiasmó con las películas de Hollywood y se fue a Nueva York en los años 80 para estudiar en una escuela de cine. Allí consiguió algunos premios y conoció a su esposa Ene Lin, una estudiante de la Universidad de Illinois. Lee estudió teatro mientras Lin aprendía microbiología, y ella le apoyó mucho en su interés por trabajar en el cine, aunque Ang se vio en la necesidad de trabajar como cocinero en un restaurante chino de lujo. Este trabajo le permitió a su esposa investigar sobre aquellos alimentos que podían producir arteriosclerosis.

MI MAPA DEL MUNDO

A Map of the World 1999

Música: Pat Metheny

Guión: Peter Hedges$Polly Plait

Basada en la novela de: Jane Hamilton

Director: Scott Elliott

Intérpretes:

SIGOURNEY WEAVER

JULIANNE MORE

DAVID STRATHIRN

LOUISE FLETCHER

Alice, una vigorosa madre de dos niñas, casada con un sencillo granjero, vive con monotonía su vida esperando que algo cambie los acontecimientos. Pero el destino la tiene reservada dos macabras historias que la harán recordar su, hasta entonces, plácida existencia. Una mañana, la hija de su buena amiga Theresa muere ahogada en el estanque cuando está a su cargo y el remordimiento la impide reaccionar con serenidad.

Pero apenas se está recuperando del trauma cuando es acusada por una madre de abusos sexuales en su pequeño hijo.

Alice es enfermera y ese cargo la hace aún más sospechosa, pues tiene acceso a todos los niños de la escuela. Desde ese momento otras madres se suman a la denuncia y es encarcelada, donde tiene que soportar el odio de una de las internas.

LÍO EN LA HABANA

2000

Música: David Lawrence

Fotografía: Russell Boyd

Guión: Peter Askin y Douglas McGrath

Director: Peter Askin y Douglas McGrath

Intérpretes:

SIGOURNEY WEAVER

JOHN TURTURRO

DOUGLAS MCGRATH

ALAM CUMMING

WOODY ALLEN: Jefe de la CIA

ANTHONY LAPAGLIA: Fidel Castro

Poco a poco

nuestra heroína espacial nos abandona y nos lleva a historias más tranquilas, posiblemente porque se encuentre cansada de pelear contra terribles alienígenas y prefiera mostrarse irónica, muy sensible y con pocas ganas de pelea. Ahora es la esposa de un tranquilo profesor de gramática que en sus horas libres se dedica a ser espía de la CIA, y que tiene que marcharse a Cuba para infiltrarse en un complot revolucionario.

Ella apenas trabaja, pero quiere vivir con opulencia presionando a su marido para que gane más dinero y sea una persona importante. Pronto sus deseos se hacen realidad y cuando él se convierte casi accidentalmente en agente de la CIA, pues consigue que un bailarín ruso pida asilo político, sus problemas aumentan, pero ahora ya dispone de su abrigo de visón.

Woody Allen no tiene un papel importante, pero en sus cortas intervenciones nos alegran la vida, lo mismo que la presencia de Sigourney Weaver, a quien perdonamos que haya aceptado un trabajo con tan pocas posibilidades artísticas.

HÉROES FUERA DE ÓRBITA

Galaxy Quest 1999

Guión: Robert Gordon y David Howard

Director: Dean Parisot y Jerzy Zielinski

Intérpretes:

SIGOURNEY WEAVER

TIM ALLEN

ALAN RICKMAN

TONY SHALHOUB

SAM ROCKWELL

Una comedia satírica sobre la pasión que algunas series de televisión, en concreto “Star Trek”, ocasionan a varias generaciones de aficionados. Los problemas que los actores de culto de esta emblemática serie de ciencia-ficción tienen a causa precisamente de sus personajes, quedan perfectamente definidos cuando les vemos soportando, más que disfrutando, de su popularidad. Sus desventuras, sin embargo, no han comenzado aún, pues una raza alienígena real llega a la Tierra para pedirles su ayuda. Ellos han visto todos los capítulos de la serie de televisión y los han confundido con los noticiarios terrestres, por lo que consideran a nuestros populares actores como reales guerreros galácticos. Su problema es que han sido invadidos por el malvado general Sarris, quien pretende igualmente apoderarse de la Tierra. En ese momento, los actores se dan cuenta de su destino y a bordo de una réplica fiel de su nave estelar, construida por los extraterrestres, emprenden el difícil camino de salvar a todo el Universo.

La película, pues, navega entre la parodia, la crítica y la denuncia hacia los medios de comunicación, mientras nos lleva a un viaje por el espacio lleno de efectos especiales y buenos chistes, sin olvidar la presencia de una, más que nunca, bellísima Sigourney Weaver. En esta ocasión, nuestra heroína retoma su papel de eficaz soldado intergaláctico y con golpes de Kung-fu y un escote deslumbrante, consigue que el espectador no salga defraudado.

LAS SEDUCTORAS

Heartbreakerds 2001

Música: John Debney

Fotografía: Dean Semler

Guión: Robert Dunn, Paul G. Mazur

Director: David Mirkin

Intérpretes:

SIGOURNEY WEAVER

JENNIFER LOVE HEWITT

GENE HAKMAN

JASON LEE

Madre e hija han encontrado el método perfecto para enriquecerse: aprovechar su belleza para estafar a los hombres. No es un sistema muy original, pues se lleva ejerciendo desde hace milenios, pero precisamente por ello tienen todos los datos para que sus “negocios” lleguen a buen puerto. El espectador asistirá entusiasmado con la demostración sexy que realiza la incombustible Sigourney Weaver, quien con 52 años es capaz de demostrarnos que las mujeres de su edad pueden romper corazones –y carteras- con la misma habilidad que la jovencita Jennifer Love. Por si fuera poco, y además de lucir escotes que rivalizan en profundidad con aquel que mostró en “Héroes fuera de órbita”, se muestra entonada cuando canta la canción de los Beatles “Back in the USSR”. Acompañándola con no menos entusiasmo nos encontramos con el siempre eficaz Gene Hackman y la veterana Anne Bancroft.