PAUL NEWMAN

Autor: ©Adolfo Pérez Agustí

ISBN: 978-84-9827-896-5

Editorial: Ediciones Masters

PAUL NEWMAN

Paul Newman murió el 26 de septiembre de 2008. Hasta entonces ha sido considerado un actor de prestigio y ha intervenido en casi 60 películas como actor, además de ser autor de numerosas obras teatrales, filmes de televisión y cortometrajes. Newman siempre ha preferido dedicarse a su trabajo de actor y utilizar otros trabajos en el cine como pasatiempo o para demostrar que es capaz de hacer aquello que le interesa. En la actualidad, todavía conserva esa mirada de bellos ojos azules que entusiasmó a varias generaciones de mujeres y con su pelo gris, su figura delgada y ágil, demuestra que el carisma y el atractivo no dependen tanto de la edad, ni de la cirugía estética, como de la personalidad.

Él permanece de manera destacada en la historia del espectáculo americano, como actor y director, a pesar de los pequeños fracasos que ha tenido que encajar con el paso del tiempo, reservándose también una parcela de su entusiasmo para participar como experto piloto de automóviles deportivos en numerosas competiciones automovilísticas.

Newman sigue trabajando en el cine y el teatro cuando así lo desea, pero ahora escoge con lupa cualquier nueva propuesta, aunque eso no le salva de equivocarse de nuevo con proyectos que nunca debería aceptar. Moviéndose ya más por su corazón que por el dinero, nos ha demostrado cierta dosis de imprudencia interpretando personajes que no corresponden a su categoría de gran actor.

Casado desde 1958 con la prestigiosa actriz Joanne Woodward, su matrimonio es ya una leyenda para aquellos que dicen que el amor no puede ser eterno, aunque ambos reconocen que durante su dilatada vida en pareja han surgido momentos de gran tensión que han tenido que solucionar con inteligencia y, especialmente, evitando que sus disputas trascendieran a la familia y a la prensa.

Este equilibrio personal es el auténtico motor que les ha proporcionado a ambos, Newman y Woodward, el éxito en su trabajo y la permanencia en el mundo del espectáculo.

Newman ha engendrado seis niños en dos matrimonios. Su único hijo varón, Scott, murió trágicamente de una sobredosis accidental de drogas y alcohol en 1978, cuando tenía veintiocho años.

Paul Newman ha logrado también ser uno de los actores que han sido nominados al Oscar de la Academia en más ocasiones, pero finalmente fue premiado por un Oscar en 1986 y otros dos por su larga carrera cinematográfica y por su labor humanitaria.

Tampoco parece muy interesado en la política y es un defensor de la vida privada de las personas famosas, mientras que dedica mucho tiempo a labores humanitarias que apenas trascienden a la prensa amarilla, más interesada en los fracasos de las personas que en sus triunfos.

BIOGRAFÍA

Nacido el 26 de enero de 1925 en Cleveland (Ohio), Paul Newman es hijo de Arthur Newman, un judío dueño de una tienda de material deportivo que fue muy próspera y que llevaba junto a su esposa Theresa. Su tío, Joe Newman, era un periodista de Ohio bien conocido y llegó a publicar varios libros de poesías. Paul parece haber tenido una niñez feliz, normal y libre de problemas económicos y familiares, por lo que llegó a la adolescencia libre de traumas físicos o psíquicos.

Asistió a la escuela elemental local Cleveland Malvern Grammar School y posteriormente a la escuela secundaria de Shaker Heights High Scool, en la que se graduó en 1942. Allí empezó a figurar como actor en las obras de fin de curso y continuó sus experiencias cuando se matriculó en la Universidad de Kenyon en Gambier, Ohio, en donde destacó igualmente como practicante de natación, baloncesto y fútbol americano. Consiguió doctorarse en Ciencias Económicas en 1944, justo unas semanas antes de incorporarse a la Marina, en donde pasó tres años participando en la Segunda Guerra Mundial. Tenía entonces diecinueve años y fue asignado al programa V 12, un departamento en el cual solamente había jóvenes universitarios que debían entrenar posteriormente a los cadetes.

Un fortuito accidente que estuvo a punto de dejarle ciego, le eliminó de ese departamento y continuó sirviendo como radiotelegrafista, y como ayudante de tercera clase en aviones torpederos en ruta por el Pacífico.

Ficha personal:

Ocupación: Actor, filántropo, productor, guionista, piloto profesional de automóviles.

Datos de nacimiento: 26 de Enero de 1925

Lugar: Cleveland, OH, USA

Murió: Westport, Estados Unidos el 26 de septiembre de 2008

Signo zodiacal: Sol en Acuario, Luna en Piscis

Estudios: Universidad de Ohio, Kenyon College, Escuela de Arte Dramático de Yale, Actor’s Studio.

Otros datos de interés: padre: Arthur (dueño de una tienda de géneros deportivos; fallecido); madre: Theresa; hermano: Arthur (productor, gerente de producción); esposa: Joanne Woodward (actriz); ex-esposa: Jackie Witte (actriz); hijos: Scott (fallecido), Susan, Stephanie, Elinor (ejecutiva de ventas de comidas), Melissa (cantante), Claire.

Correo para fans: C/O International Creative Management 8942 Wilshire Blvd.

Beverly Hills, CA 90211

USA

PRIMEROS CAMBIOS EN SU VIDA

Licenciado en 1946, regresó a Kenyon y allí volvió al Kenyon College de Gambier para continuar sus estudios de lengua inglesa y arte dramático. Aunque retornó al mundo deportivo, su inclinación ya estaba centrada en el teatro y el cine, labor que tuvo que abandonar cuando se muere súbitamente su padre y tiene que hacerse cargo del negocio familiar durante 18 meses. Ese hecho y las pocas cualidades como jugador de fútbol americano, en el cual hay quien recuerda que no conseguía destacar en absoluto, le hacen reflexionar, especialmente después de participar con sus compañeros de equipo en una reyerta de cantina, lo que motivó un serio enfrentamiento con su entrenador y la posterior expulsión del equipo.

“Recuerdo a mi padre como una persona muy orgullosa, presumía de su ascendencia india, y mantenía su linaje ante todo el mundo, considerándose en cierto modo un rebelde ante la sociedad blanca.

Sobre mi madre recuerdo que sufrió mucho antes de morir, en 1947, puesto que estaba paralizada y se pasaba todo el día en una silla de ruedas. Fue terrible para ella, ya que antes era una mujer muy activa y animosa y la enfermedad la había sumido en una tristeza absoluta. Con el paso del tiempo se convirtió en una persona silenciosa y aceptaba pasivamente todo su infortunio, abandonando toda capacidad de lucha”.

En 1949 ya había abandonado definitivamente sus estudios académicos, y convertido en un hombre relajado, feliz y ciertamente afortunado, se rodea de una personalidad gallarda y magnética que atrae a todo el mundo, por lo que se le atribuyen numerosos romances, algunos muy negativos y escabrosos, que afortunadamente han pasado todos al olvido.

Entre estos romances, parece ser que hay uno con una muchacha con la cual se iba a casar y compartir su afición a la cerveza, costumbre que ya nunca ha abandonado.

Su encanto masculino era ya indudablemente intenso, especialmente agudizado por su carácter extravertido, jovial y sumamente positivo en su lucha por la vida. Su trabajo como actor de teatro le permite afianzar su magnetismo y de esa época aún recuerda su papel en

“The Front Page”, Charley’s Aunt”, “Taming of The Shrew” y R.U.R.” , formando parte de la compañía Williams Bay. Ese mismo año de 1949 se enrola con la Woodstock Players y en una gira por Illinois interpreta un total de dieciséis obras, entre ellas “Cyrano de Bergerac”, “El zoo de cristal” y “John Loves Mary”.

En esa misma obra conoce a Jacqueline Witte, una joven actriz con quien se casa en diciembre de 1947. Tres años después tienen a su primer hijo, Scott, el cual falleció 28

años más tarde a causa de una sobredosis de droga. También es padre de Susan, nacida en 1951, y de Stephanie, en 1952.

Según manifestó posteriormente:

“Yo vivía una época satisfactoria para mi alma y espíritu, aprendiendo a mirar la condición humana y tratando de ser sensible ante los problemas de los demás. Creo que esa época me sirvió mucho para poder interpretar posteriormente papeles como “La gata sobre el tejado de zinc” y “The Hustler” (El buscavidas), lo mismo que para “Cool on a Hot Tin Roof” y algunos de los papeles dramáticos posteriores”.

“Cuando me decidí a actuar no estaba buscando mi identidad ni trataba de realizarme o cosas parecidas. No tenía ningún problema interno que me remordiera ni buscaba limpiar viejas heridas morales. Simplemente trataba de huir del negocio familiar de mis padres porque me aburría. No encontraba ninguna satisfacción en permanecer encerrado dentro de un local de artículos deportivos y atender día tras día a los clientes. El mundo era demasiado grande como para que yo me encerrara en algo tan poco romántico. Tuve que hacerme cargo del negocio a causa de la muerte de mi padre, pero lo vendí un año después y eso que el negocio era todo un éxito, pero en algo que no me entusiasmaba”.

Cuando en 1951 abandonó el negocio, recogió todo el dinero y se fue con su esposa e hijo pequeño a New Haven, para continuar sus estudios como actor en Yale School of Drama, estudios que consigue finalizar un año después. Allí aparece en varias obras que consiguen atraer la atención de los críticos y un agente artístico le propone trasladarse a Nueva York para introducirle en ambientes más profesionales. Eso ocurría ya en 1952, justo el año del nacimiento de su hija Stephanía y cuando cumplía ya 27 años. No tenía, por tanto, demasiado tiempo que perder. Gracias a sus ingresos anteriores, y a sus contactos, era capaz de entrar con facilidad en los círculos artísticos y conseguir que le dieran trabajo como actor.

PRIMEROS TRABAJOS COMO ACTOR

En Nueva York, pronto demostró su talento y aplomo personal, junto con su sólida personalidad y su imponente presencia. En septiembre de 1952, consigue su primer papel de protagonista, aunque se trataba de una serie de televisión titulada “The Aldrich Family”, en la que deja constancia de su buen aspecto físico, su buena voz y su más que aceptable calidad interpretativa.

Pronto, y al igual que ocurría con otros actores jóvenes, su cara empezó a formar parte de la prensa especializada y de aquella dirigida al público juvenil, continuando su trabajo en seriales como "The Web," "La Máscara”, y "Usted estaba allí", seguidos de “Danger”.

También y gracias a una súbita enfermedad del actor Ralph Meeker, le reemplaza en el segundo papel principal de la obra teatral “Picnic”, historia que como sabemos sería llevada con posterioridad al cine con el actor William Holden. Su descubridor sería el director cinematográfico Joshua Logan y con esta obra permanecería en escena casi trece meses.

En esa época conoce a una joven de 22 años llamada Joanne Woodward, quien también estaba intentando destacar en el mundo del cine y entre ambos nace una sólida amistad que pronto se transforma en un romance perdurable.

Los críticos empezaban ya a ponerse de su parte y aumentaron los elogios hacia él, especialmente con la versión musical para la televisión de “Our Town”, en la cual intervinieron Eva Marie Saint y Frank Sinatra, y por su trabajo en "The Battler", una adaptación de la historia de Ernest Hemingway, en la que dio vida a un boxeador borracho que intenta volver a pelear. En este telefilme hay escenas retrospectivas, sobre un joven campeón arrogante e insuperable que por su carácter pendenciero acaba en prisión, saliendo al cabo de los años convertido en un pordiosero de treinta años, igualmente indomable, alcanzando los cuarenta y los cincuenta años como un vago a quien la vida y la mala alimentación han deteriorado su cuerpo. Era todo un esfuerzo para un actor novato, pero sirvió para que J. P. Shanley del The New York Times dijera: “Paul Newman tenía que vencer una composición grotesca pero realmente lo hace con gran efectividad”.

El crítico Harriet Van Horne dijo a propósito de su trabajo en "El Juego del Ejército":

"Tanto la interpretación como la producción son excelentes, con honores especiales para Paul Newman como un detective privado".

Sus siguientes trabajos incluyeron la presentación en el Steel Hour’s Theatre Guild de

"Five fathers of Pepi”, como un muchacho huérfano que es cuidado por cinco comerciantes italianos. En ella Newman tenía una oportunidad para desarrollar un trabajo correcto mediante su caracterización como un joven italiano. Jack Gould del The New York Times dijo de él: “El Sr. Newman estaba muy pensativo y tiene unos enormes ojos”.

No era nada estimulante pero al menos le tuvo en cuenta en su comentario.

Después interpretó “The Eughty-yard Run” para Playhouse 90, con Joanne Woodward y Darryl Hickman. David Shaw había hecho unas noventa pequeñas historias de una historia corta de su hermano Irwin Shaw que dieron origen a un serial televisivo. La que interpretó Newman trataba de un hombre infeliz en su carrera y su matrimonio que coinciden afortunadamente con el mejor momento de su vida cuando tiene que jugar un decisivo partido de fútbol. The New York Times dijo que la película era absorbente y que tanto Newman como Woodward estaban excelentes.

Newman trabajó muy intensivamente en la televisión en los años cincuenta y se le reconocen al menos veinte trabajos de cierto prestigio.

“La televisión era excitante porque suponía trabajar en un medio vivo. A los hombres les gusta lo que Tad Mosel, Paddy Chayefsky y Max Shulman escribían para la televisión, y gracias a ellos consiguieron una buena época en los seriales. Llámelo el consuelo de las mujeres, la búsqueda interna, o lo que quieran, pero lo cierto es que fue una época maravillosa. El problema era que lo que podrían ser buenas obras para Broadway o el cine se quemaban en una sola noche en el espectáculo de “Robert Montgomery Presents”,

“Philco Playhouse”, “Estudio Uno”, y el resto de ellos. Ese periodo glorioso de la televisión nunca ha podido ser repetido”

En los años 60 Newman raramente apareció en televisión, exceptuando en sus películas, pero en 1963 intervino en una película de USA titulada, “Bridge to the Barrios”, y también narró “From Here to the Seventies” en 1969, un especial de noticias de la NBC de dos y media hora de duración, en la cual hablaba de los Estados Unidos de aquella época y de su proyección para el futuro.

Simultáneamente con estas ocupaciones profesionales, Newman acudía decidido a sus clases intensivas en el Actor’s Studio, en donde mejoraba su calidad como actor bajo la dirección de Lee Strasberg, con quien seguiría manteniendo una buena relación durante años.

Una obra teatral que le proporcionó gran éxito fue precisamente “Picnic”, la cual con su larga permanencia en los escenarios consiguió que su nombre, o su personaje Alan Seymour, sonase en todos los ambientes artísticos. El papel de este guapo y sencillo joven adinerado que pierde a su amada en brazos de un compañero de clase más feo pero con gran carisma, hecho que logra perturbar la vida de un pequeño pueblo situado en los alrededores de Kansas, generó no pocas alabanzas para Newman y su estupenda interpretación.

NEWMAN Y WOODWARD

El sólido romance entre Joanne Woodward y Paul Newman, comenzó precisamente en esos años y coincidió con su época como estudiantes en el Janice Rule’s y Kim Stanlewy’s.

Lo que en un principio era un simple compañerismo de dos actores casi desconocidos, se convirtió a los pocos meses en una gran amistad que evolucionó poco a poco hacia un romance apasionado que tuvo que sortear no pocas pruebas durante los primeros cinco años.

Durante este periodo, Newman y Woodward hicieron un gran esfuerzo para ocultar sus relaciones amorosas, tratando de lograr la serenidad e intimidad que ambos deseaban. Paul estaba preocupado por el posible efecto que su divorcio produciría en sus tres niños, y quería evitar cualquier enfrentamiento afectivo o económico con su esposa, ahorrando así a Joanne verse involucrada en medio de una dolorosa separación.

Es fácil llegar a la conclusión de que este nuevo amor constituía para Newman la primera ocasión de vivir con plenitud una relación afectiva con una mujer y que detrás quedaba ya una vida de infelicidad y falta de cariño.

“Mentiría si dijera que hasta entonces mi vida había sido optimista. Ahora, más sereno, debo admitir que fue sumamente difícil poner entusiasmo en mi trabajo sabiendo que al regresar a mi hogar solamente me encontraría quejas y ausencia de cariño. No obstante, de la relación con mi primera esposa debo sacar la conclusión de que ambos fuimos culpables de generar ese infierno y creo que llevaré mi parte de culpa durante el resto de mi vida”.

Hay un hecho que suele recordar con frecuencia para demostrar que no siempre se toma la decisión adecuada y se refiere a lo que aconteció en la noche del 7 de julio de 1956. En un viaje hasta Isla Larga se saltó un semáforo en rojo y en lugar de pararse siguió adelante aún más veloz, destruyó unos arbustos y una boca de agua de riego en su huida. Al poco tiempo recibió una visita en su domicilio de dos agentes de la policía que le llevaron esposado y permaneció 24 horas encerrado en la comisaría.

Su película “Somebody Up There Likes Me” (Marcado por el odio), en la cual interpretaba al boxeador Rocky Graziano, se estaba rodando en aquellos días y eso fue lo que le salvó de pasar más días en la prisión. La historia de este incidente es muy curiosa puesto que Newman le dijo al agente que le detuvo que no podía ir a la cárcel porque era un actor y tenía que rodar la historia de Rocky Graziano.

El policía, por toda contestación, y sin creerle una palabra, le sacó la tradicional fotografía como delincuente y le dijo: “Rocky soy yo, y usted está bajo arresto por abandonar la escena de un accidente”. Luego, cuando los estudios llamaron a la comisaría y se aclararon las dudas, el agente, más unos reporteros de la prensa, le pidieron disculpas y le sacaron nuevas fotos, ahora para ocupar las páginas de los periódicos.

Ese fue el inicio de cierta hostilidad hacia los medios de comunicación, hostilidad que mantuvo atenuada durante toda su vida, puesto que no duda en admitir cuantas entrevistas serias le proponen. En lo que se ha vuelto sumamente hostil y en ocasiones agresivo, es en mantener su vida privada al margen de la prensa y ha dejado bien claro que su vida privada la quiere llevar en secreto, casi de manera paranoica.

También es cierto que como pareja han dado pocos motivos de interés a la prensa y ni él ni Woodward han proporcionado jamás motivos públicos para las noticias amarillas. Si algo ha ocurrido en el seno de su hogar, nunca ha trascendido ni siquiera a la vecindad.

JOANNE WOODWARD

Joanne Woodward nació en

Thomasville, Georgia, el 27 de febrero de 1930. Es hija de un editor adinerado que mantuvo durante bastantes años en buena posición la editorial Wade Woodward, llegando a convertirse posteriormente en el vicepresidente de Charles Scribner Sons. Sus padres se divorciaron cuando ella era aún pequeña, y tuvieron que pasar muchos años antes de que ella confesara a un reportero lo mucho que esta separación la había afectado en su momento, trastorno del cual nunca se llegó a recuperar totalmente. Según sus declaraciones, ese divorcio la había obligado a ser muy cautelosa con su propio matrimonio.

Cuando tenía quince años su familia se estableció en Greenville, Carolina del Sur y ella ingresó en la escuela secundaria, en donde se interesó vivamente por todo lo referente al teatro. También cursó estudios en la Universidad estatal de Louisiana, Baton Rouge; Neighborhood Playhouse, New York; Actors Studio; Sarah Lawrence College, Bronxville, Nueva York.

A pesar de su reticencia en hablar de su vida pasada, hay razones para creer que los primeros años de su infancia los pasó en una gran soledad afectiva y como consecuencia fue infeliz. Animada por sus experiencias en la escuela secundaria en la clase de arte dramático, pronto ella y sus profesores se dieron cuenta de la gran profundidad de sus sentimientos e instintos nobles.

Eso la convirtió rápidamente en una gran actriz y cuando volvió a Greenville, se enroló en el teatro The Glass Menagerie. En ese momento Woodward persuadió a su familia para que la permitieran ir a Nueva York y durante dos años estudió en el Neighborhood y en el Actor’s Studio, donde también estaba Newman. Sus primeros trabajos fueron para la televisión y como suplente en obras de teatro.

Podemos considerar a Joanne Woodward como una actriz de gran talento, comprometida, pero poco carismática para el público. Desde que empezó a trabajar en Nueva York en espacios de televisión como "Kraft Televisión Teather", "Alcoa Hour", "Four Star Playhouse", y "Estudio Uno," entre otros, su trabajo ha sido incesante, aunque menor que el de su marido Newman.

Atractiva sin ser convencionalmente guapa, Woodward se especializó interpretando personajes frustrados, emocionalmente fuertes y casi nunca atractivos físicamente. En los años 50 realizó dos de sus mejores películas, “El largo y cálido verano” (1958), “Piel de serpiente” (1959), y posteriormente interpretó una obra pensada inicialmente para Marilyn Monroe, “Rosas perdidas” (1963), sin que sepamos las razones para considerar a ambas actrices similares en algo.

Woodward tuvo también bastante éxito como una solterona que intenta cambiar sus maneras introvertidas en “Rachel, Rachel” (1968), el primer trabajo como director de Paul Newman, con quien ya sabemos se casó en 1958.

Woodward ha aparecido en once películas teniendo como oponente a Newman, entre ellas

“Un marido en apuros” (1958), y “Samantha” (1963), en donde no consiguió realizar una buena interpretación. Otras películas un poco mejores incluyen a “Desde la terraza” (1960), “Algún día volveré” (1961), y “Con el agua al cuello” (1976). Más recientemente hemos podido ver de nuevo al matrimonio en la divertida comedia “Esperando a Mr.

Bridge” (1990), en la cual volvieron a recordarnos su buena época como pareja cinematográfica.

Woodward también ha sido dirigida por Newman, casi siempre como una señora madura acosada por problemas emocionales, en “Los efectos de los rayos Gamma en las margaritas” (1972), “Harry e hijo” (1984), “El zoo de cristal” (1987), y en el telefilme

“Shadow box” (1980). También aportó una nota emotiva dotada de cierta gracia como la madre de Tom Hanks en el drama sobre el Sida, “Philadelphia” (1993), y como narradora en la adaptación para la pantalla de la obra de Edith Wharton, “La edad de la inocencia” (1993), de Martin Scorsese.

La televisión ha proporcionado regularmente oportunidades estelares a Woodward, sobre todo durante las últimas dos décadas, consiguiendo premios por sus interpretaciones dramáticas en películas como “All the way home” (1971), “Sybil” (1976), “Crisis en la gran central (1981) y “Breathing lessons” (1994). En todas ellas demostró su gran energía y su propensión para interpretar personajes que se esfuerzan por conseguir un ideal, algunos de ellos premiados con un Emmy, como en “See How She runs” (1978).

En este telefilme encarnaba a una mujer de mediana edad que corre un maratón, y en “Do You remember love” (1985), es una poetisa que lucha contra los efectos de la Enfermedad de Alzheimer.

Woodward también pudo ser vista entre 1986 y 1988 en obras como "Live at the Met” y

“Encontraron”, la ganadora de otro Emmy, y como organizadora y co-productora en

"American Masters", en la que presentó “Sueños de Broadway: el legado de un grupo de teatro” (1989).

Ella y Newman han dedicado mucho tiempo a luchar por causas liberales y han construido un campamento para niños con enfermedades graves. Por eso recibieron el reconocimiento que otorga el Kennedy Center Honors en 1992.

“Naturalmente que hemos tenido riñas mi mujer y yo, en ocasiones muy intensas. Pero como somos conscientes de lo que significa dar escándalos públicos, hemos mantenido nuestras diferencias siempre en el seno del hogar y nadie, ni siquiera nuestras familias, se han enterado nunca de nuestras disputas. Eso no quita para que, de vez en cuando, leamos noticias en los periódicos sobre que nos vamos a divorciar o que somos adúlteros. Ni siquiera nos molestamos en desmentir esas falsedades”.

NUEVOS AIRES PARA NEWMAN

Durante su trabajo en “Picnic”, Newman recibió una oferta del Warner Bros para una larga temporada por un total de 1.000 dólares a la semana, que fue aceptada. Su primer trabajo como protagonista en Hollywood comenzó en los primeros meses de 1954, y poco después se incorporó Joanne Woodward, pero ella con la 20th Century Fox.

Como ya sabemos, Newman realizó su debut en la epopeya románica “El Cáliz de Plata” bajo la dirección de Víctor Saville, película que debía incorporarse a la moda de las grandes superproducciones en Cinemascope. La historia de este esclavo griego que es llevado a la Roma antigua, donde logra romper los corazones de mujeres tan guapas como Natalie Wood, Pier Angeli y Virginia Mayo, no encontró respuesta adecuada en los críticos.

“El Cáliz de plata fue una de las peores películas de esa época, y siempre he sentido vergüenza de que alguien me recuerde por ella. Durante los diez años posteriores, y especialmente cuando ha sido repuesta en la televisión, he pedido disculpas a los aficionados a través de anuncios en la prensa.

Reconozco que la película logró llamar la atención de los críticos hacia mí, pero fue a causa de mi pésima actuación, tan horrorosa que creo que la humanidad al completo se refería a ella en sus tertulias. No hubo ni un solo crítico que no se metiera conmigo, y me estoy refiriendo a la prensa que leí, puesto que pronto dejé de comprar revistas para no seguir sufriendo.

Hubo un despistado, creo que periodista de la revista Variety, que dijo que yo era un actor muy guapo que gustaría mucho a las mujeres y que, además, sabía moverme adecuadamente delante de la cámara. Hoy en día no sé si era un futurólogo o un bobo, puesto que en esa época no se podía encontrar otro actor más torpe que yo delante de una cámara”.

Lógicamente, durante algunos meses Newman no se atrevió a dirigirse a ninguna agencia artística en demanda de trabajo, aunque afortunadamente le siguieron llamando de la televisión y el teatro para trabajar, quizá porque no habían visto la película maldita.

En teatro interviene en la obra “Horas desesperadas” (The Desperate Hours) dirigida por el actor Robert Montgomery e interpretada por Karl Malden, una historia sobre un gángster que se escapa de la cárcel y junto a otros dos convictos entra en una vivienda para conseguir dinero. Newman, en el papel de Gleen Griffin, era un gángster que odiaba a su padre y transfirió su odio al cubil de Malden, su desgraciada víctima. Parece ser que recibió buenas críticas, entre ellas la del comentarista John Chapman, quien afirmó que Newman estuvo magnífico y espléndido como el maníaco asesino y que este triunfo lograba quitar el mal sabor de boca que había dejado con “El cáliz de plata”.

En la televisión interviene en “Cita con el peligro”, Playwrights 55” y “Producer’s showcase”.

De regreso al cine y después de firmar un contrato con la Warner por siete años para filmar dos películas anuales, interviene en “The rack” (Traidor a su patria) en 1955, bajo la dirección de Arnold Laven. En esta película empieza a ser denominado como “el nuevo Marlon Brando”, adjetivo que en palabras suyas le producía náuseas y que deseaba ver cambiado en el futuro por otro que afirmara que Brando se parecía a Newman, para variar.

En su nuevo papel como un capitán atormentado por un montón de problemas de conciencia, consiguió algunas buenas críticas. La publicada en el New Yorker’s hablaba incluso de que Newman había puesto una gran pasión en su papel de pro-comunista. Por causas aún no claras, la película, cuya fecha de salida era en 1954, no se estrenó hasta 1955, y hay quien afirmaba que los estudios se habían planteado dejarla morir en los archivos.

PRIMER TRIUNFO CON LA METRO

Newman continuó dedicándose a estudiar en el Actor’s Studio y alternar con sus trabajos para la televisión. Sin embargo, la Warner Bros quería aprovechar el contrato recientemente firmado y como no tenía un proyecto adecuado para él y ni siquiera confiaba en su calidad como actor, le cedió a los estudios de la Metro Goldwyn Mayer, práctica comercial habitual en aquellos años de exclusivas. En esa política estaban también incluidos Bette Davis y James Cagney, y en el caso concreto de Paul Newman fue cedido a razón de 75.000 dólares por película, cantidad bastante más alta que los 1.000 dólares que le pagaban cada semana.

La película en cuestión era “Somebody Up There Likes Me” (Marcado por el odio), y estaba basada en la vida real del boxeador Rocky Graziano, un antiguo embalador de sacos de té que había subido como la espuma en el mundo del boxeo.

La película estaba dirigida por Robert Wise, y fue precisamente este director quien insistió en que fuera Newman el protagonista, no tanto por el parecido físico con el boxeador, como por sus fuertes conocimientos de boxeo.

Para lograr mayor verosimilitud, pasó dos semanas practicando boxeo profesional con el propio Graziano e incorporando los detalles de la personalidad de Rocky que le iba mostrando.

Cuando la película se estrenó en el verano de 1956, el público pronto olvidó a James Dean, el actor que previamente iba a realizar ese papel, y la actuación de Newman fue un éxito absoluto por la gran integridad que logró aportar a su personaje. Se convirtió de la noche a la mañana en la estrella más popular del año.

Posteriormente, y de nuevo prestado a la Metro Goldwyn Mayer, con quienes ya había realizado “The rack”, vuelve a trabajar a las órdenes de Robert Wise en el filme “Until They Sail” (Mujeres culpables), con Jean Simmons de compañera femenina. En esta ocasión interpreta a un joven Capitán de la Marina de los Estados Unidos, sumamente seco y cínico, que logra encontrar de nuevo el amor con una viuda de guerra, después de pasar un azaroso matrimonio roto.

Coincidiendo con su primer gran éxito, Newman consigue el divorcio de su primera mujer y afianza sus relaciones sentimentales con la joven Joanne Woodward. El público ya estaba totalmente identificado con él y pronto se convierte en uno de los ídolos de la matiné norteamericana. Cuando regresa ya a los estudios de la Warner Bros., le tienen preparado ya el guión de “The Helen Morgan Story” (Para ella un solo hombre), un musical en el cual pudo proyectar todo su magnetismo masculino y la autoridad tensa que emanaba de su personaje Larry. Él es un gángster contrabandista que mantiene una relación sentimental con Helen Morgan (Anne Blyth), y ambos tienen que mantener a sus enemigos a raya, mientras ella trata de recuperar su época gloriosa como cantante.

NUEVA Y SÓLIDA BODA

Entretanto, Woodward estaba ya junto con

Newman en contra del poderío de las grandes productoras, al mismo tiempo que su relación amorosa llegaba a la cúspide del entusiasmo. El divorcio de Newman con su anterior esposa era ya un hecho, y los redactores de la prensa amarilla ya solamente hablaban de su nuevo matrimonio con Woodward.

Ella tenía trabajo en una obra de Broadway titulada “The Lovers” y había conseguido un moderado triunfo con su papel en las películas “Count Three and Pray”, “A Kiss Before Dying” y “No Down Payment”. Pero con su idilio su popularidad creció rápidamente, su imagen era del agrado de los moralistas, y consiguió afianzarse ya como actriz con su papel en “Three faces of Eve” (Las tres caras de Eva). Esta película le sirvió para ganar un Oscar en 1957 a la mejor actriz y asegurar así su carrera en Hollywood.

El 29 de enero de 1958, Newman y Woodward se casan aprovechando una pausa en el rodaje de “El largo y cálido verano”, en el Hotel El Rancho de Las Vegas, obviamente en Las Vegas, y una vez concluida la ceremonia pasaron la primera noche en Nueva York y posteriormente se fueron de luna de miel a Europa.

La película que estaban rodando era una producción de Jerry Wald y estaba dirigida por Martin Ritt. Basada en la novela de William Faulkner, tenía como protagonistas a un prestigioso Orson Welles, a Angela Lansbury, Lee Remick, Anthony Franciosa y por supuesto al nuevo matrimonio.

Cuando la película se estrena en los primeros meses de 1958, las críticas son bastante buenas, y todos comparan su trabajo como Ben Quick, el joven insistente que corteja y gana los favores de Clara Varner (Woodward), la hija del oligarca sureño Will Varner, con el del grandioso Orson Welles. Ésta fue la primera película de Newman que rodó con el director Martin Ritt, con quien trabajaría después en muchas ocasiones formando una sólida y fructífera relación comercial.

LA POPULARIDAD

Una vez que la Warner se entera del premio que le otorgan al Mejor Actor en el Festival de Cannes de 1958 por su trabajo en “El largo y cálido verano” (ese año fue el único actor americano que recibió un premio), retorna a los estudios Warner (la anterior película había sido para la Fox). Allí realiza con el productor Fred Coe y el director Arthur Penn, ambos autores de la película de televisión “The death of Billy the Kid”, un western titulado “The Left Handed Gun” (El zurdo), filme que logró tener un gran éxito entre el público intelectual. La película tenía un argumento adelantado a su tiempo y trataba de mostrar una nueva versión del legendario Billy el Niño al mostrarle como un homosexual, o al menos un adolescente confundido por sus sentimientos sexuales. La actuación de Newman, por tanto, es amanerada, y vemos a un personaje más acomplejado que malvado.

Por su próxima película, de nuevo con la Metro Goldwyn Mayer, Newman ganó su primera nominación al Premio de la Academia al mejor Actor. Se trata de “La gata sobre el tejado de zinc”, una obra teatral de Tennessee Williams que ya había sido representada con éxito en los escenarios de Broadway y en la cual interpretaba a Brick, un joven que va a heredar una propiedad del sur pero para ello debe cumplir ciertos requisitos morales. EL

suicidio de un amigo suyo le atormenta y eso le conduce a un fuerte rechazo hacia su mujer, a quien responsabiliza de esa muerte.

Su compañera de reparto era Elizabeth Taylor, quien consiguió también una buena interpretación como su joven esposa abandonada afectivamente, por la cual consiguió también una nominación a la Mejor Actriz. Su actuación fue doblemente elogiada porque en el momento del rodaje, su marido, el productor Mike Todd, había fallecido en un accidente con su avioneta particular cuando asistía a la promoción de la película “La vuelta al mundo en 80 días”.

La crítica de la película fue muy severa con el director y escritor Richard Brooks, al haber eliminado las referencias directas a la homosexualidad del personaje Brick, lo mismo que ciertos elementos que el autor Tennessee Williams había mostrado en Broadway, en especial en la relación entre Taylor y Newman. No obstante, cualquier espectador que la vea actualmente percibe claramente todo cuanto el autor quiso reflejar, aunque en la película no esté tan explícito.

Y de trabajar para la Metro Goldwyn Mayer, Newman pasó a ser prestado de nuevo a la 20th Century Fox, en esta ocasión para rodar una película titulada “Rally’Round the Flag, Boys!” (Un marido en apuros), una comedia en la cual tendría de nuevo como compañera a su esposa Joanne Woodward. Estaba dirigida por McCarey y basada en una novela de Max Shulman, y nos contaban la historia de un hombre que descuida algo sus deberes conyugales al caer presa de la seducción de una guapa vecina (Joan Collins). Era la primera vez que Newman tenía que intervenir en una comedia sin pretensiones psicológicas y todo el mundo, incluido él mismo, estaba muy pendiente de los resultados.

La película resultó un gran éxito y la Warner le llama de nuevo para que interprete la última película que realizaría para ellos. Se trataba de la versión para el cine de la novela de Richard Powell “The Philadelphian” y que llevaría el título de “The young, philadelphians”, traducida al español como “La ciudad frente a mí”. Ahora Newman nos muestra a un atractivo hombre que tiene mucho éxito con las mujeres y a causa de ello se ve involucrado en no pocos problemas serios. El director Vincent Sherman consiguió llevar con cierta maestría el guión que tenía en sus manos y la película logró un moderado éxito de taquilla y crítica, aunque no pudo superar las felicitaciones de su anterior filme.

LA INDEPENDENCIA

En 1959 el mundo del cine sufría una intensa convulsión, esencialmente a causa del imparable impulso de la televisión, y Newman acordó comprar el resto de su largo contrato con la Warner Bros. por medio millón de dólares, decisión que le dejó al borde de la ruina durante bastantes años, aunque con el paso del tiempo se demostró como rentable y acertada.

“Tuve que tomar esa drástica decisión financiera porque me parecía indigno que me pagaran 17.500 dólares por mis últimas películas, mientras que cuando me prestaban a otros estudios reclamaban 75. 000. Bien, si este era el precio que en realidad valía como actor, era el que quería que me pagasen. Reconozco que entonces todavía no estaba en condiciones de exigir nada y ni siquiera tenía una popularidad que me permitiese adoptar esa postura, pero me sentía francamente mal por no recibir el sueldo que en justicia me correspondía”.

En ese momento de 1959 se decidió por volver a los escenarios de Broadway con “Dulce pájaro de juventud” de Tennessee Williams, con la actriz Geraldine Page, y bajo la dirección de Elia Kazan. Fue todo un éxito y los críticos dijeron que su personaje de Chance Wayne como un joven sin pretensiones, junto a la actriz Page en el papel de una estrella de cine que se está ya marchitando, Alexandra del Lago, suponía una de las mejores interpretaciones de todo el año.

Y aprovechando sus horas de descanso en el teatro, algo que en el mundo del cine no es habitual pues se rueda intensamente, aprovecha para realizar para la 20th Century Fox la versión para el cine de la novela de John O'Hara “From the Terrace”, nuevamente con su esposa Joanne Woodward. Una vez más, quedó demostrado que unir a esposos reales en la pantalla era algo muy comercial, lo mismo que lo fue posteriormente el binomio Elizabeth Taylor y Richard Burton.

Como Alfred Eaton, Newman interpretaba a un hombre joven que queda profundamente desilusionado por el futuro que le espera junto a su esposa rica (Woodward) y prefiere ponerse en los brazos de una sencilla y afectuosa muchacha (Ina Balin). La película no era nada importante, lo mismo que el guión, pero logró resultados más que aceptables gracias a sus dos populares intérpretes. Para Newman, una vez iniciada su solitaria carrera, era cuanto necesitaba para no desmoralizarse por el paso tan trascendental que había dado.

NUEVO TRIUNFO

Pero si hay algo que caracteriza la filmografía de Newman es su deseo de probar continuamente nuevas fórmulas. En este sentido y aunque trabajar junto a su mujer era sinónimo de rentabilidad económica, tenía que demostrar a sus miles de admiradores que podía triunfar por sí mismo, sin morbo adicional.

“No es que tuviera la decidida pretensión de alejarme de mi esposa Joanne en el cine, pero el destino me obligó a ello justo cuando en 1959 nació nuestra hija Eleanor. Mi esposa debía descansar unos meses antes de incorporarse a su nuevo papel en “The Sound and the Fury” y cuando me ofertaron rodar un nuevo filme en Israel no lo dudamos puesto que nos parecía el lugar más idóneo para que ella descansase y nosotros siguiéramos juntos”.

Y así, en l960, Newman, Woodward, y su pequeña Eleanor, se fueron rumbo a Israel, donde Newman empezó a trabajar en la superproducción “Exodus” de Leon Uris y dirigida por Otto Preminger. Esta historia sobre los primeros días de la independencia de los israelitas en 1947, contaba con una cuidada banda sonora y unos estupendos actores secundarios como Eva Marie Saint, Peter Lawford, Jill Haworth, y Sal Mineo, mientras que Newman interpretaba a Ari Ben Canaan, el líder de Hagannah. Para él fue una oportunidad de conocer los orígenes de sus antepasados y aunque “Exodo” no funcionó bien en Estados Unidos, en Europa consiguió unas buenas recaudaciones, mientras que la Academia la premiaba con Un Oscar a la mejor Música, Mejor Fotografía y Mejor Actor Secundario. No obstante, en su regreso a América, Newman se encontró con críticas desfavorables que hablaban de su poca calidad emocional para interpretar a un héroe israelita que debía rezumar humanidad y profundidad.

Para muchos “Exodus” demostró ser un retroceso en la calidad interpretativa de Newman, especialmente cuando se supo que había cobrado nada menos que 200.000 dólares por su trabajo. Pero si fue un retroceso o no realmente (cosa que dudamos), el actor se recuperó rápidamente cuando se metió con todas sus fuerzas en otro experimento que habían rechazado numerosos actores consagrados. Se trataba de una película en blanco y negro producida por Robert Rossen para la 20th Century Fox titulada “The Hustler” (El buscavidas) y que muchos críticos han considerado como la primera versión de “El color del dinero” de 1986.

Filmada en Nueva York, la película nos mostraba a un oportunista aficionado al billar, quien alterna su oficio de camionero con el amor hacia una joven inválida aficionada a las borracheras. La actriz Piper Laurie fue su oponente femenina y junto al experto George C.

Scott nos mostraron una extraordinaria película del cine negro norteamericano, algo no muy frecuente en esos años. También hay que destacar el papel de Kackie Gleason, como el gordo de Minnesota, quien es hasta ahora el maestro del billar a quien Newman quiere destronar. La película, pues, consiguió buenos resultados económicos y los cuatro actores principales recibieron una nominación al Oscar, siendo considerada la actuación de Newman como magistral en su papel de una persona dominada por sus aficiones y su ego, que le llevan casi al camino de su autodestrucción.

“Aún no entiendo las razones por las cuales me dediqué un día a trabajar como actor, puesto que supongo que hubiera sido igualmente feliz trabajando pescando tiburones o cazando renos en el Canadá. No aspiro a ganar mucho dinero y valoro más la tranquilidad y el amor de mi mujer y mis hijos. Por desgracia, soy consciente de que para no llevar una existencia mísera se necesita mucho dinero y que eso forma parte de mis responsabilidades”.

LA VIDA SIGUE

Como ya hemos dicho anteriormente, Newman y el director Martin Ritt siempre han demostrado ser un valor seguro para la taquilla y en 1961, y junto a la actriz Joanne Woodward, empezaron el rodaje de “París Blues” (Un día volveré), acompañados por Sidney Poitier y Diahann Carroll como compañeros de reparto. Pero en este caso y a pesar de la gran afinidad entre ambos, y la capacidad creativa demostrada de Martin Ritt, la película no tuvo apenas éxito a causa de su débil historia dramática.

Nos contaba la vida de dos músicos de jazz que viven en París y allí deben escoger entre el amor por su muchacha americana, o por los amigos que le acompañan ahora en el triunfo en su trabajo. Newman elige su trabajo, mientras que Sidney Poitier prefiere a su amor.

Louis Armstrong y Duke Ellington proporcionan algunos momentos musicales memorables, pero los críticos no parecían aficionados al jazz y se mostraron indiferentes ante esta historia sin interés para ellos.

Luego, Newman regresó a la Metro Goldwyn Mayer para la versión cinematográfica del gran éxito teatral de 1959 “Dulce pájaro de juventud”, de nuevo con Geraldine Page, Rip Torn y Madeleine Sherwood que repiten sus papeles de Broadway. Nuevamente Richard Brooks fue asignado para dirigir esta película basada en una obra de Tennessee Williams (quien ya sabemos escribió “La gata sobre el tejado de zinc”), y una vez más Brook provocó las iras en los críticos por limitar la intención y los conceptos sobre la homosexualidad que Williams había incorporado a la obra.

El problema estaba en la presencia amenazante del Código de Producción Cinematográfica, el cual seguía vigente en toda obra literaria estadounidense y era portador de costumbres morales de épocas pasadas. No obstante, el público nunca compartió sus criterios y a pesar de que todo quedaba esbozado en el guión fue suficiente para que se comprendiera perfectamente los problemas que embargaban al protagonista principal, interpretado por Newman. Aunque las reformas que se hicieron al guión parecían estropear el resultado final, lo cierto es que la habilidad del guionista y la acertada dirección lograron plasmar correctamente esa historia sobre una actriz marchita, refugiada en el alcohol y las drogas, la cual es presa fácil de hombres con ansias de burla y dinero.

Cuando se estrenó, Newman consiguió nuevamente una aluvión de buenas críticas y los calificativos de "excelente" y "muy bueno," se escucharon por todas las salas cinematográficas y eso que el excesivo amaneramiento de su personaje, algo que empezaba ya a ser crónico, estuvo a punto de marchitar su prestigio consolidado.

UNA DE CAL, Y UNA DE ARENA

Pero, una vez más, Newman no consiguió recibir un Oscar por su trabajo e incluso en esta ocasión ni siquiera fue nominado, distinción que recayó en su compañera de reparto Geraldine Page. Sus defensores alegaron que precisamente es en esta película donde Newman consigue una de sus mejores interpretaciones y que cuando menos debía haber sido nominado al Oscar.

Posteriormente, y de nuevo para la 20th Century Fox, Newman repitió su papel de la televisión con “Hemingway’s adventures of a young man” (Cuando se tienen veinte años), en la cual interpreta a un veterano peleador, inmerso en el alcohol, que no logra sobreponerse a su infortunio, arrastrando con él a su fiel compañero (Juano Hernández). El protagonista principal era Richard Beymer y le vemos encarnando al joven Hemingway junto a grandes actores como Eli Wallach, Jessica Tandy, Arthur Kennedy y Diane Baker.

Los críticos no aplaudieron con entusiasmo la película, pero al menos consideraron que Newman sobresalía del resto del reparto a pesar de figurar como un actor más.

Pocos meses después y de nuevo con su amigo el director Martin Ritt, se incorporan a los estudios de la Paramount por realizar “Hud”, una historia que nos recordaba demasiado a

“El buscavidas”. No era una obra interesante, pero al menos la colaboración entre ambos consiguió aportar algo de creatividad y dotarla de cierto interés para la crítica. El resultado fue una nueva nominación para Newman al Oscar por su trabajo como un ranchero de Texas sin moral ni principios.

En “Hud” Newman proporcionó, contra todo pronóstico, una buena interpretación, aunque en conversaciones posteriores también renegaría de ese trabajo que consideraba artificial y sin contenido humano. Patricia Neal era su compañera y ella consiguió el Oscar a la Mejor Actriz por su sencillo pero acertado trabajo como un ama de casa que, aunque se siente atraída por Hud, se resiste a dejarse prender de sus seductores encantos.

EL ETERNAMENTE NOMINADO

Los críticos y el público empezaron a preguntarse a estas alturas si Newman no estaba equivocándose con su forma de trabajar que le llevaba siempre a ser nominado al Oscar al Mejor Actor, pero que no parecían existir muchas probabilidades de que lo pudiera conseguir. En esos años corrió un rumor en los ambientes de Hollywood sobre una especie de complot hacia él. Hay quien afirma que era por su excesivo parecido con Marlon Brando; otros por sus papeles demasiado amanerados en los cuales no solían faltar alusiones a la homosexualidad; y algunos hasta afirmaron que se debía a que era pro-comunista.

También se mencionó su relación con Jack Warner, su rebeldía hacia los grandes estudios, su deseo de permanecer al margen de fiestas y hasta sus supuestas vinculaciones con negociantes de países del Este. Es posible que todas estas afirmaciones fueran ciertas, especialmente su deseo de no acudir a fiestas, ni a conceder entrevistas, pero su calidad como actor no debería influir tanto en el momento de concederle un premio.

Finalmente, un cronista afirmó que, efectivamente, y aunque reconocían que era merecedor de un oscar, varios estudios cinematográficos habían presionado año tras año, para que no saliera nunca de su categoría como nominado.

“Bueno, quizá sea conveniente que Oscar y yo seamos los novios eternos. Por eso creo que lo más conveniente es que sea nominado exactamente sesenta y nueve veces, puesto que es un número adecuado para los novios. También es posible que crean que lo mejor es darme un Oscar cuando tenga noventa años y tenga que acudir con un bastón para poder mover mis articulaciones atacadas por la artritis. Si es así, tampoco me importa, puesto que es una forma elegante de terminar mi carrera cinematográfica. De todas maneras, debo advertir que no considero que mi vida esté incompleta por no haber ganado nunca un Oscar al mejor Actor y me siento satisfecho con ser Nominado”.

¿UN FRACASO EN LA COMEDIA?

Su siguiente película disponía también de un buen tema para ser merecedora de algún premio, pero ya nadie luchaba por ello. El proyecto parecía sencillo y tendría como compañera de nuevo a su esposa Joanne Woodward con quien no trabajaba desde el año 1958 cuando hicieron “El largo y cálido verano”, en donde ambos dejaron constancia de la buena química que tenían como actores.

En esta ocasión, y ya situados en 1963, se trataba de “A New Kind of Love” (Samantha), escrita y dirigida por Mclville Shavelson, la cual nos proporciona una comedia sencilla y bastante inconsecuente narrada en París y en donde nos hablan de una mujer que va tras la caza de un periodista. Ella (Joanne Woodward) se cree poco agraciada, aunque tiene bastante encanto, y eso da lugar a algunas situaciones curiosas.

La película puede suponer un relax para aficionados a las comedias románticas sin pretensiones, pero lo cierto es que una vez más se comprobó la poca capacidad de Paul Newman para encajar en la comedia. Como nota curiosa, podemos ver una corta intervención de Maurice Chevalier y una soberbia interpretación de Thelma Ritter, destacando poderosamente al lado de Eva Gabor.

Sin volver de nuevo a su país, Newman marcha a Estocolmo para interpretar un thriller que debería competir con los mejores de Hitchcock y en la que tiene como compañera a una insulsa Elke Sommer, más eficazmente secundada por Diane Baker y Edward G.

Robinson. Pero la película es aburrida y esa mezcla de romance y espías, ambientada en la entrega de los premios Nobel, no gusta a nadie. Ni siquiera la buena novela original obra de Irving Wallace, ni los reiterados intentos de Newman por acercarse al estilo elegante de Cary Grant en la comedia, logran su objetivo. Existe una escena que debería ser sumamente cómica, cuando Newman se incorpora desnudo a una colonia de nudistas, pero en lugar de eso fue objeto de severas críticas por parte de sus admiradores, quien no disfrutaron nada con esa imagen deplorable.

Era obvio que después de los dos fracasos anteriores necesitaba algo más intenso y algún enemigo le aconseja que lo mejor es que reincida, que intente triunfar con la comedia, y le ofrecen un corto papel en “What a way to Go” (Ella y sus maridos), junto a una esplendorosa Shirley MacLaine.

Ahora se trata de un filme en episodios sobre una chica que suele perder a sus muchos maridos a causa de muertes extrañas. A Newman le toca interpretar a su segundo marido, de un total de cinco fallecidos, y le podemos ver como un pintor en París que inventa una máquina que logra pintar al son de la música.

Aunque consigue bastante éxito con su invento y es reconocido públicamente por sus cuadros, por razones extrañas es apresado por su propia máquina y muere triturado.

Casi nunca han funcionado bien las películas por episodios y esta no iba a ser una excepción. Ni siquiera la presencia de una actriz tan extraordinaria como MacLaine, Dean Martin, Robert Mitchum, Gene Kelly, Paul Newman, Dick Van Dyke y Margaret Dumont (la eterna compañera de Groucho Marx), logran provocar demasiado entusiasmo al espectador. No obstante y como no todo iba a ser negativo, los críticos dijeron que, por fin, Newman, conseguía encajar perfectamente en una comedia, dando la razón a aquellos que decían que era cuestión de insistir.

Pero en lugar de ello Newman, en compañía de su esposa Woodward, deciden tomarse un respiro en el cine y durante casi dos años se incorporan a los teatros de Broadway, iniciándose con la obra de James Costigan “Baby Want a Kiss”. Ambos demuestran que sus anteriores experiencias como comediantes fueron muy fructíferas, y de nuevo como actores cómicos recogen un gran éxito y a sus detractores no les queda más remedio que reconocer que Paul Newman está perfecto como comediante.

La pareja estaba claro que funcionaba perfectamente trabajando juntos y según sus amigos, nadie les pudo ver en ninguna ocasión peleándose o discutiendo. Si lo hicieron fue entre bastidores o debajo de las sábanas, aunque en este caso estamos seguros que apenas tendrían interés en pelear.

La historia que representaron hablaba de un matrimonio de Hollywood muy popular que visitan a un amigo escritor de poco éxito (interpretado por Costigan), quien les desilusiona con su falsedad, malos augurios y su mala visión de la sexualidad.

Para esta obra Newman se esforzó mucho más de lo habitual y repasó una y otra vez el guión, tratando de no improvisar ni una línea, algo poco habitual en él. Ayudado por Frank Corsaro, así como por su propia esposa, quien por cierto logró también un gran éxito, la obra fue vista por la mayoría de sus antiguos compañeros del Actor’s Studio, lo que le produjo una gran satisfacción.

Newman y su primo

La afición de Paul Newman hacia los coches nació y se consolidó en Idaho en el mismo lugar en el cual había crecido su primo Larry Olsen. El abuelo de Paul, y la madre de Larry son hermanos y a través de una serie larga de circunstancias, Paul hizo gran amistad con Larry en 1964, en Sugar City, cuando Paul tenía 14 años. En los años siguientes Larry mostró un interés especial por su primo más joven y lo invitó a varios viajes a través del desierto, donde ambos practicaron técnicas de supervivencia. En 1967 mientras Larry estaba trabajando en las fases finales de su libro “Las Habilidades de Supervivencia al aire libre”, invitó a Paul a acompañarlo en una comprobación real y para hacer fotografías.

Juntos, organizaron una supuesta labor de emergencia de supervivencia en las montañas de Utah, donde escogieron vivir completamente aislados durante cinco días. Las fotografías de ese viaje aparecieron en la primera edición del libro y Paul recuerda que en esos días del mes de mayo las noches eran muy frías, aunque también evoca con mayor interés lo mucho que se divertían ambos.

Larry tenía planes inmediatos para cuando Paul se graduase en la Universidad para Jóvenes de Brigham; quería que ambos hicieran una expedición al desierto durante 26 días.

Gracias a esa experiencia Paul se convirtió en un ídolo juvenil, aunque no solamente trabajó en el senderismo, sino que asumió la dirección de cursos de juventud para ofrecer clases al aire libre junto a su primo Larry Olsen.

En marzo de 1970 Paul fue requerido en una misión para la Iglesia de Jesucristo para que ayudase en una marcha hacia los Andes, Perú. Llegó a Lima en mayo y allí permaneció aprendiendo durante dos meses el español. Por desgracia, cuando llevaba solamente tres semanas, Perú sufrió el 25 de mayo, uno de los más grandes desastres naturales en la historia del hemisferio occidental. Un terremoto que midió más de 7 en la escala Reichter, destruyó algunos de los pueblos mayores en una área turística popular del alto de los Andes. En el terremoto murieron más de sesenta mil personas.

Debido a su experiencia con el programa de supervivencia, Paul fue preguntado por los líderes de la iglesia para viajar al área devastada por el temblor, con el fin de evaluar las necesidades de los habitantes y también con la pretensión de localizar a los misioneros que estaban perdidos. El viaje tuvo que ser realizado a pie porque se habían derrumbado los puentes y los corrimientos de tierra habían cerrado todos los caminos de acceso con automóvil. Paul y tres compañeros viajaron aproximadamente 70 millas en dos días para evaluar la catástrofe. Un rasgo notable de su logro es que los cuatro empezaron su paseo al nivel del mar, llegando en su segunda noche a un paso montañés con una altura de 14.000 pies sobre ese nivel, descendiendo en menos de 12 horas hasta la ciudad de Huaraz situada a 9.000 pies de altitud. Paul resistió esos bruscos cambios de presión, pero no pudo evitar el agotamiento y las náuseas. Solamente su juventud y su fuerza le permitieron acabar la prueba sin enfermar gravemente.

La expedición dio su fruto y encontraron a los misioneros milagrosamente vivos.

DE VUELTA AL CINE

En los primeros años de los sesenta, el matrimonio Newman había centralizado ya su hogar en Nueva York, aunque no por ello había abandonado su casa de campo de Westport, Connecticut, ni la que poseían en California, la cual usaban para sus viajes a Hollywood. Los tres niños mayores de Newman, Scott, Susan, y Stephanie (de su primera esposa), fueron a visitarles en numerosas ocasiones, y en 1965 Newman y Woodward tenían ya tres hijos, Eleanor, Melissa, y Cara.

Una vez más, Newman y Martin Ritt se unieron para realizar una película que con el paso de los años fue considerada como la mejor de ese binomio. Se trataba de “The Outrage” (Cuatro confesiones) y estaba basada en la célebre película japonesa “Rashomon” de Akira Kurosawa, aunque puesta en el mundo del western americano. Se trataba de una serie de cuentos diferentes que deberían dar testimonio acerca de un asesinato efectuado en el siglo diecinueve a un viajero y la posterior violación de su esposa. Ambos crímenes fueron efectuados por un bandido interpretado por Newman.

La película pretendía demostrar, de una manera muy profunda, las muchas caras que puede tener la verdad, según quién y cómo se cuente. Aunque el papel era adecuado para efectuar una buena interpretación, a alguien se le ocurrió la idea de introducir un sutil sentido del humor al trabajo de Newman, quizá a él mismo, y los resultados en taquilla fueron malos.

El actor pretendía quitar algo de la truculencia del argumento pero solamente consiguió suprimir su carga filosófica aportando, además, rasgos estereotipados en cuanto a los personajes mexicanos que formaban parte del relato. La conclusión que los críticos sacaron de todo ello es que la película era pretenciosa, falsa y demasiado compleja, sin ningún parecido a la obra original.

Pero este modesto trabajo no fue suficiente para que Newman intentara de nuevo interpretar personajes diferentes y por eso aceptó intervenir en “Lady L”, un filme escrito, dirigido y protagonizado por el actor Peter Ustinov, el cual gozaba de un gran prestigio no solamente como actor, sino por su mordaz sentido del humor. La historia cinematográfica estaba basada en una novela de Romain Gary, un anarquista revolucionario muy famoso en 1905 y que, al igual que Robin Hood, se dedicaba a robar a los ricos para dárselo a los pobres, aunque en el camino se quedaba con parte del botín, suponemos que para gastos particulares. También había una lavandera guapa (Sophia Loren), que aunque se casa con un noble británico para disfrutar de los placeres de vivir sin trabajar, mantiene a Newman como su amante durante los próximos cincuenta años.

En esta película de 1965, además de su compañera Sophia Loren, estaba el siempre elegante David Niven, y contaba con el magnífico escenario natural de París, ciudad de la cual Paul guardaba un grato recuerdo. En compañía de su mujer Woodward, aprovechó para volver a recorrer las románticas calles parisinas y esas pocas semanas las guardó para siempre entre sus recuerdos más felices:

“No me importaron los malos resultados financieros de esa película, puesto que toda esa época fue entrañable para mí. Mantuve una estupenda relación con Sophia Loren y Peter Ustinov, y especialmente con David Niven a quien lloré en su muerte. Pocas veces en la vida he tenido la oportunidad de conocer a un caballero tan extraordinario”.

La película tampoco fue del agrado de los críticos, algo que ya no preocupaba a Newman, pero tampoco lo fue del público y uno de ellos dijo que: “Esta imagen del París del anarquismo y de los jóvenes republicanos, no encaja en actores de la categoría de Paul Newman y David Niven, quienes, además, quedan desplazados totalmente por la actriz Sophia Loren, no por sus cualidades interpretativas, sino por que la historia gira a su alrededor. Sin embargo, ni siquiera ella logra hacer un buen trabajo.” A LA SOMBRA DE BOGARD

Que Newman necesitaba con urgencia un nuevo

éxito lo demostraba el hecho de que había desaparecido ya de la lista de los diez actores más taquilleros. Eso significaba que cobraría menos y que tampoco podría permitirse el lujo de rechazar nuevos guiones.

A su agente artístico se le ocurrió la idea de volver a relanzar la figura del legendario Bogard y puesto que el cine carecía ya de valientes detectives con pistola, se sacaron de la manga a “Harper”, un personaje de la novela de Ross MacDonald que se demostró estaba hecho totalmente a la medida del carácter de Newman. Y para que todo encajara se incorporó al reparto nada menos que a la mujer de Bogard, Lauren Bacall, quien aportó su nota nostálgica al relato. Otros compañeros de reparto, no menos importantes, fueron Robert Wagner, Julie Harris, Janet Leigh y Shelley Winter.

Con todos estos ingredientes el éxito estaba asegurado y la popularidad de Newman volvió a destacar con la misma rapidez que había bajado. Su imagen de antihéroe, como un detective privado que tiene en cuenta los sentimientos de sus clientes y no solamente el dinero que le pagan, fue del agrado del público y las odiosas comparaciones con Humphrey Bogart no le perjudicaron excesivamente, como tampoco lo fue cuando le asimilaron con Marlon Brando. La viuda de Bogart, Lauren Bacall, estaba sumamente acertada como la esposa del millonario que espera que muera cuanto antes para quedarse con su fortuna.

Esta fue la primera película de Newman para la Warner en siete años. Pero ahora había regresado a esos estudios en circunstancias diferentes, convertido en una gran estrella que habitualmente proporcionaba buenos resultados en taquilla, salvo algunas excepciones ya mencionadas. Su antiguo enemigo Jack Warner estuvo presente durante los ensayos, y hay quien dice que incluso se hicieron algunas fotografías juntas enseñando ambos una gran sonrisa. Una de estas fotografías fue utilizada por Newman para ilustrar sus tarjetas de Navidad, bajo el eslogan de "Paz en la Tierra” y le envió una a la Warner. Pero era una paz ficticia, puesto que poco después Paul Newman se refería a la Warner como una vulgar y mediocre productora que gusta de anular y hundir a sus artistas.

BAJO EL ALA DE HITCHCOCK

Aparentemente no parecía adecuado que se mezclaran Newman y Julie Andrews en un thriller dirigido por Alfred Hitchcock, pero para “Torn Curtain” (Cortina rasgada) se hacía imprescindible dos actores no demasiado serios, pero dotados del suficiente encanto como para hacer soñar a unos y otros. Hay quien afirma que esta mezcla no funcionó, indudablemente eran muy diferentes, pero también lo eran Bogard e Ingrid Bergman y recuerden el éxito que tuvieron con “Casablanca”.

Julie Andrews era una actriz guapa, pero nadie daba un duro por ella como mujer sexy y por eso al lado de un actor tan atractivo como Newman, objeto de deseo para las mujeres, no parecía encajar, mucho menos cuando se daban escenas de amor entre ambos. Pero no contaban con la habitual maestría de Hitchcock y supo colocarles adecuadamente en esta intriga sobre un arma secreta inventada por un científico alemán, consiguiendo entre todos un gran éxito de taquilla que el tiempo no ha conseguido empañar Después de este pequeño éxito, Newman se encontró con suficientes fuerzas para reincidir de nuevo trabajando con su amigo el director Martin Ritt en la película “Hombre” (Un hombre) en 1967 para la 20th Century Fox. Los dos habían conseguido trabajar unidos con suma tranquilidad, y por eso cada nueva película junta les suponía casi unas vacaciones pagadas.

Escrita por Irving Ravetch y Harriet Frank, Hijo, que habían colaborado anteriormente con Newman en otros trabajos, tampoco dudaron ni un momento en unirse al proyecto, especialmente porque Ritt era también el productor, lo que dejaba prácticamente todo el control en sus manos.

Las otras estrellas también eran importantes y entre ellas estaban, Fredric March, Richard Boone, Diane Cilento, Cameron Mitchell, Bárbara Rush, y Martin Balsam.

Paul Newman interpretaba a un hombre taciturno llamado John Russell, un hombre blanco que había sido secuestrado en su niñez por los indios y que se había criado como uno de ellos, demostrando ser digno de esa mezcla de razas cuando tiene que hacer frente a unos bandidos. La historia implicaba la necesidad que la población americana tenía que tener para las mezclas raciales y por eso la presencia de Newman fue para muchos como un anuncio a favor de la integración, del mestizaje sin problemas. Pero el problema es que junto con los aplausos vinieron las críticas, los chistes y hasta las burlas por haber interpretado ese papel al que algunos consideraban como ridículo.

Afortunadamente, y casi sin dar tiempo a reaccionar, a los pocos meses estrenaba “Cool and Luke” (La leyenda del indomable), cuya estupenda interpretación como un preso que defiende sus propias ideas, le hizo merecedor de otra nominación al Oscar como el Mejor Actor. Trabajando junto a George Kennedy, quien recibió el Oscar al mejor Actor Secundario y contando con el buen guión de Stuart Rosenberg, la película es todo un éxito y confirma la gran aceptación por parte del público de este veterano actor. Según la crítica de entonces, la actuación de Newman como un solitario convicto que se gana el respeto de los hombres por su desafío a los guardias y que por ello paga con su vida, supone la confirmación de un extraordinario Newman.

“Recuerdo especialmente a un crítico que después de afirmar que había estado

“superior” en esta película, continuó su comentario alegando que mi papel era cómico, acérrimo, desafiante, patético y, finalmente, trágico. Nunca entendí qué es lo que realmente quiso decir con estos comentarios”.

En su nueva película Newman escogió imprudentemente volver al género cinematográfico que le había dado ya serios disgustos en el pasado, la comedia, y le vimos en “The Secret War of Harry Frigg” (Comando secreto). Se trataba de una estúpida película centrada durante la II Guerra Mundial, en la cual tiene que escapar de un cerco militar enemigo para lograr rescatar a cuatro generales Aliados encarcelados. En el camino se enamora de una condesa muy atractiva (Sylvia Koscina), asunto que no encajaba ni siquiera durante dos segundos, pero que el guionista se empeñó en darle toda la importancia. Afortunadamente, sus incondicionales fans le premian con su asistencia a las salas cinematográficas y el inminente fracaso se convierte en un moderado éxito de taquilla en Europa.

Entretanto, su esposa Joanne Woodward había intentado triunfar de manera independiente y se la pudo ver en el filme “A Fine Madness”, junto a Sean Connery, “A Big Hand for the Little Lady”, con Henry Fonda y hasta en una historia de Stuart Rosenberg basada en la novela “A Jest of God”, de Margaret Laurence. En ella la protagonista, Raquel, era una mujer que llevaba una vida humilde, una maestra de escuela de Connecticut, que con sus treinta y cinco años siente que la vida está pasando sin sentido y por eso busca frenéticamente el amor, lo que la lleva a una fuerte desilusión.

Rosenberg hizo el guión, pero él y Woodward mantuvieron serias diferencias y hubo un momento en el cual consideraron que esa historia sería un fracaso en taquilla. Newman consiguió entonces ser admitido en el proyecto, y después de convertirse en productor y director, consiguió la financiación adecuada y empleó cinco semanas para rodar la película en Connecticut.

“Sobre ‘Raquel, Raquel’ debo reconocer que no era una historia profunda, pero en cierto modo simbolizaba una historia vulgar como tantas otras que nos podemos encontrar por la calle. No es un caso de heroísmo espectacular y para mí el mérito está en que los personajes están tomados de la vida real y que representan los dilemas en los cuales se ven inmersas cualquier persona que está a punto de entrar en los cuarenta.

No estamos hablando de la vida de personajes intensos, como Churchill, Roosevelt, o Napoleón, pero al tratarse de una persona desconocida, de las que ni siquiera dejan huella, me pareció una historia digna de mostrarse en el cine. Quería dar ánimos a los millones de personas que llevan una vida pequeña, aparentemente sin importancia, a que den pasos pequeños en su vida que les motiven a seguir luchando; que intenten conseguir siempre algo mejor, sin resignarse. El mensaje va dirigido a quienes tienen miedo de dar un rumbo nuevo a sus vidas por las posibles consecuencias de ello y por la incertidumbre de la nueva situación. La conclusión del filme es que hay que intentarlo una vez más, sin tener en cuenta las consecuencias”.

Newman, por supuesto, entendió el carácter de su esposa y sus habilidades artísticas de una manera tan perfecta que consiguió de ella una extraordinaria actuación, sensible y femenina, siendo una prueba de ello la nominación al Oscar a la Mejor Actriz que recibió en 1967, además de un premio que le otorgó la Asociación de críticos de Nueva York, quienes también honraron a Newman como el mejor director de 1968.

LA PASION POR LOS COCHES

“Winning” (Quinientas millas), estrenada en la primer mitad de 1969, representaba el primer proyecto de unir a Newman, Joanne Woodward, y John Foreman, bajo una misma productora denominada Newman-Foreman Company. Durante los siguientes años, sin embargo, surgieron diferencias entre ellos, especialmente cuando Newman consideró que debería seguir trabajando para la 20th Century Fox, Paramount, y Universal simultáneamente. No obstante, poco a poco consiguió reunir a un grupo cada vez más numeroso de profesionales del cine y estos contactos se materializaron en una sólida unión cuando en junio de 1969 Newman anunció, junto con Barbra Streisand y Sidney Poitier, la formación de “First Artists Production Company Ltd”, una compañía destinada a distribuir las películas que ellos mismos producirían y que por supuesto contarían con ellos mismos como actores.

En esa época Newman volvía a estar en la lista de los diez actores más taquilleros, especialmente gracias a las buenas recaudaciones que había conseguido con “Quinientas millas”. No solamente recibía ya un millón de dólares por cada trabajo (cantidad que en 1981 subiría hasta los tres millones), si no que tenía un ventajoso porcentaje de los beneficios en taquilla. Gracias a sus pretensiones económicas, en esos mismos años la mayoría de los actores comenzaron también, tomando su ejemplo, a pedir mejores beneficios económicos.

“Winning” (Quinientas millas), resultó ser un sólido drama sobre las carreras automovilísticas, con una misteriosa historia profundamente humana diestramente entrelazada. Newman y Woodward interpretaron a un piloto de carreras y su esposa que han vivido separados debido a las tensiones que esa carrera producía en él, lo que ha generado la infidelidad de ella con otro corredor, Robert Wagner.

Se trataba de la séptima película en once años, y su estreno fue recibido con opiniones favorables por parte de los críticos, quienes ya habían desarrollado un nuevo respeto y admiración a esa pareja de actores por los esfuerzos repetidos que demostraban en mejorar sus películas. Una de las críticas matizó: "El piloto y su mujer tienen una vida intensa, gracias especialmente al matrimonio Newman que demuestran suma habilidad para crear personajes profundamente normales”.

Newman piloto de carreras

Tiene en sus manos un coche ruidoso.

El sonido de ese Ford V8 de 5.9 litros, es algo capaz de traspasar paredes, bosques y hasta las altas colinas en su camino a Atlanta. Cuando corre en el circuito cerrado es capaz de alcanzar con facilidad los 300 kph, y cuando finalmente frena sus amigos sueltan profundos la bocanada de aire acumulada en sus corazones. Una vez más, su ídolo ha llegado sano y salvo a la meta. En ese momento, un cronómetro implacable dice la cifra: 1

minuto 20.8 segundos. Menos de dos segundos más lento que su prueba de ayer y eso que ha corrido con neumáticos viejos y no ha permitido que le instalen un diferencial de última generación.

Y este hombre tiene 73 años. La próxima vez, insiste como un perro amordazado, el sonido de su V8 llegará aún más lejos y batirá su propio récord. Pero como si exhalara un último ladrido de resistencia, el artefacto se apaga, emite un sonido ronco, y el automóvil es enviado suavemente a su funeral bajo la mirada triste de su dueño. En ese momento, su mecánico entra en el coche, intenta arrancarlo y cuando sale su mirada es tan explícita que sobran los comentarios: el viejo motor no quiere seguir funcionando. Newman insiste en cambiarle simplemente los inyectores, pero alguien le advierte que es inútil, que todo, hasta su viejo y potente Ford, tiene su final. Mientras suelta su casco y sus ojos azules se entristecen y se vuelven aún más luminosos, Paul Newman, el actor, el director y el marido eterno, se aleja bajando su cabeza, aunque súbitamente y de manera casi imperceptible, una sonrisa asoma en su rostro cuando piensa ya en el nuevo coche que tendrá mañana mismo en sus manos.

Y es que Paul Newman no es un piloto cualquiera, un aficionado a quien le gustan los coches caros para presumir con ellos. Si así fuera, le hubiésemos visto pilotar el último modelo de Porche o de McLaren en las carreras de Le Mans y luego salir con ellos triunfante por las calles. Él es un ejemplo del sueño americano hasta en su afición a los coches. Gusta de mirar, revolver y reformar los potentes motores, más que de adquirir lo más caro. Y eso que cuando habla de los coches no emplea demasiada filosofía, como cuando afirma que:

“El automóvil tiene mucha gracia. Es como un asno a quien hay que pegar puntapiés para que camine”.

“Los coches son como una gran señora. No tienen ningún mal hábito, no suelen sorprender, siempre perdonan los defectos y siempre dispuestas a agradar”.

ROBERT Y PAUL

La Universal llevaba tiempo tratando de revivir el cine del western y bajo la dirección de George Roy Hill y el productor Paul Monash, consiguió reunir a los dos actores más taquilleros del momento Paul Newman y Robert Redford en el filme “Butch Cassidy and the Sundance Kid” (Dos hombres y un destino), basado bastante superficialmente en la leyenda de dos famosos bandidos del western de 1905.

La película presentaba a Butch (Newman) y a Kid (Redford), unidos de manera trágico cómica en una increíble aventura. En el filme pudimos ver una nueva faceta interpretativa de Newman, demostrando perfectamente sus habilidades, anteriormente pilotando perfectamente un bólido de carreras sin doble en “Quinientas millas”, y ahora montando a caballo casi mejor que John Wayne. En “Butch Cassidy and the Sundance Kid” su estilo como actor es confuso y hay quien opina que trabaja muy mal, especialmente en los muchos episodios cómicos que resaltan a su estrafalario personaje, arrogante e incorruptible, metido ahora en un forajido al margen de la ley que trata de sobrevivir día a día.

De cualquier manera, la película, basada en un guión sacado de los archivos reales de la Agencia de detectives Pinkerton, fue un triunfo para ambos actores, y la popularidad de Newman subió como la espuma, si es que ello era ya posible. En el filme estaba acompañado por actores secundarios tan prestigiosos como Katherine Ross y Christopher Lloyd, y contaba además, con una partitura excelente compuesta por Burt Bacharach, quien ganó un Oscar por ella. La película se convirtió en el western más taquillero de la historia del cine y aunque no consiguió reavivar el interés por el tema los beneficios económicos para Newman fueron astronómicos, puesto que, como sabemos, tenía un 50

por ciento de beneficio de la recaudación en taquilla.

IMPARABLE

Con el éxito bajo el brazo Newman puso su grupo de producción bajo los auspicios de la Paramount. Con el estandarte de Rosenberg-Newman-Foreman Production y con Stuart Rosenberg dirigiendo, interpretó “W.U.S.A.” (Un hombre de hoy), que trataba sobre los problemas de un disc-jockey itinerante que se vio involucrado en la confusión política de una estación de radio conservadora. Joanne Woodward, Anthony Perkins, y Laurence Harvey fueron sus co-estrellas y el filme estaba basado en la novela de Robert Stone “A Hall of Mirrors”, mientras que el guión era de Stone. Se trataba de un estudio sobre el neofascismo que existía en América, apasionadamente interpretada por Newman que consiguió dotar a su personaje de gran variedad.

Un año más tarde, en 1971, Newman quiso demostrar que sus habilidades como promotor de cine todavía podían dar muchas sorpresas y decide poner en marcha el proyecto

“Sometimes a Great Notion” (Casta invencible), con John Foreman como productor y Richard Colla como director.

La película se rodó en Oregón, con Henry Fonda, Lee Remick, y Michael Sarrazin como compañeros de reparto, y algunos miembros de su familia entre el equipo técnico.

A mitad del rodaje, Newman se rompió un tobillo cuando viajaba en un ciclomotor y esto obligó a suspender el proyecto durante casi cinco semanas. Después, Richard Colla se retiró de su trabajo y Newman tuvo que coger la dirección, convirtiéndose así en la segunda película que dirigía.

“Esta nueva oportunidad para dirigir, que me llegó por casualidad, la cogí en un momento psicológico muy adecuado, puesto que empezaba a dudar de mi capacidad de seguir atrayendo a los espectadores por más tiempo. Tenía ya 46 años, las canas empezaban ya a poblar mi frente, y no quería parecerme a un neumático recauchutado sometiéndome a curas de rejuvenecimiento”.

Entretanto, Newman-Foreman-Company también terminaron “They Migth Be Giants”, con Joanne Woodward y George C. Scott como protagonistas y Newman como productor, película en la cual ella interpretaba a un psiquiatra y Scott un paciente con problemas.

Pronto el rodaje de “Sometimes a Great Notion” se reanudó sin problemas.

En abril de 1971 intervino en una película para la televisión titulada “Once Upon a Wheel”, una producción de la cadena ABC que mostraba el mundo del deporte automovilístico desde un prisma no tan emocionante. En este filme Newman trabajó como narrador y participante para mostrar un análisis técnico sobre uno de los deportes americanos más populares, así como de los hombres que se comprometen en ello. Este documental fue filmado en situaciones reales en los circuitos de California y Carolina del Norte, la Autopista de Indianápolis, el Soap Box Derby en Ohio, y en el de Nuremberg, Alemania, montando la cámara repetidas veces sobre uno de estos bólidos. Los diferentes campeones que aparecieron en este documental merecieron un trato personal muy cuidado, y hasta pudimos ver pilotando bólidos a actores tan populares como James Garner, Kirk Douglas, y Glenn Ford, quienes no dudaron en sentarse al volante para explicar sus emociones.

LA POLITICA

En los primeros años de los 70, además de apartarse decididamente de las reuniones sociales, Newman se dedicó a otras actividades, como la política y los servicios públicos, así como en diversas asociaciones humanitarias.

“Siempre pensé que no me metería en política, pero creo que hay un límite en nuestro carácter para no tomar parte en la buena marcha de la sociedad, especialmente si vemos que algo funciona mal y disponemos de ideas para solucionarlo. Como buen americano, siento de vez en cuando la necesidad de involucrarme en mi país, aunque creo que con más frecuencia pienso que lo mejor es dejarse llevar”.

En 1972, formó parte activa del partido Demócrata Liberal, aunque ya en 1963 había tomado parte en un movimiento en pro de los derechos civiles que llegó hasta Washington a protestar. Con sus compañeros de profesión Marlon Brando, Anthony Franciosa, y Virgil Frye, se fue hasta Gadsden, Alabama, en 1963, para una marcha a favor de la armonía racial.

En la campaña presidencial de 1968 era un entusiasta partidario del Senador Eugenio McCarthy, a quien felicitó personalmente porque se oponía con todas sus fuerzas a la política militar del Presidente Johnson.

Durante ese mismo verano, Newman pensó en hacerse Senador, y para ello realizó algunas pruebas en el campus de la universidad y ayudó al movimiento de McCarthy en Connecticut, mientras que se convirtió en delegado por la Convención Nacional Democrática.

Las películas de Newman en los años setenta no fueron en su mayoría sobresalientes en cuanto a calidad artística se refiere, pero algunas de ellas constituyeron grandes éxitos de taquilla, lo que no es poco. El resultado de ello es que decidió apartarse parcialmente del cine hasta que encontrara algún guión que mereciera la pena dedicarse por entero a ello.

Sin embargo, y si tenemos en cuenta ciertas declaraciones que efectuó a la prensa en aquellos años, podemos deducir que a pesar de la mediocre calidad de esas películas, su popularidad no descendió lo más mínimo, lo mismo que su cotización como actor.

“Sometimes a great notion” (Casta invencible) era su segunda película como director y en ella nos contaba la vida de una familia de madereros que trata de luchar contra la adversidad y los desaprensivos. Interpretada acertadamente por un eficaz Henry Fonda, la actriz Lee Remick y él mismo como Hank, fue una interesante película del agrado del público.

Después le pudimos ver en “Pocket money” (Los indeseables), nuevamente producida por su amigo John Foreman, y en la cual nos contaba un western moderno en el cual dos vaqueros muy curtidos, Newman y Lee Marvin, resuelven con grandes dosis de humor sus diferencias. Por esta película Paul Newman percibió tres millones de dólares, convirtiéndose en ese momento en el actor mejor pagado de Hollywood. La crítica no fue tan magnánima como la productora o los aficionados, pero esto era algo que ya no preocupaba al popular actor.

Para descansar un poco y repasar con más detenimiento los nuevos guiones que le iban llegando, produjo y dirigió para su esposa Woodward una extraña película titulada “El efecto de los rayos Gamma en las margaritas”, filme por el cual consiguió algunos premios en festivales europeos.

En 1972 y decidido a tomarse su carrera de actor con más seriedad y no dar nuevos pasos en falso, se pone por dos veces a las órdenes del prestigioso director John Huston para rodar “Life and Times Judge Roy Bean” (El juez de la horca) y “The Mackintosh Man” (El hombre de Mackintosh). Ambas son bien recibidas por la crítica y, como era lógico, el público no opina lo mismo. En “El hombre de Mackintosh”, interpreta a un agente del gobierno que debe mantener contactos en la prisión con un criminal (Harry Andrews), mientras que en “El juez de la horca” es un juez que mantiene buenas relaciones con las guapas Ava Gardner y Jacqueline Bisset. También hay que destacar la presencia del propio John Huston como actor, un eficaz Anthony Perkins, y una no menos bella Victoria Principal.

NUEVO TRIUNFO

Quienes pensaban que Newman poco interés podía aportar ya al cine, no sabían los dos importantes éxitos que tenía reservados a los aficionados. El primero fue “The Sting” (El golpe), una historia centrada en Chicago en la cual nos muestran la gran habilidad de dos avispados para estafar a un millonario receloso. El éxito estaba asegurado de antemano, puesto que se contaba de nuevo con la unión de Robert Redford y Newman, además de la buena labor de dirección de George Roy Hill, quien ya les había dirigido en “Dos hombres y un destino”. La película fue un éxito de taquilla absoluto y ganó, además, siete Oscar, uno a la Mejor Película, y varias nominaciones.

El siguiente gran éxito fue

al año siguiente, 1974, con “El coloso en llamas” en el cual tenía un corto papel uno de los hijos de Newman, Scott. La película tenía uno de los planteles de actores mejores de los últimos años, entre ellos a Steve McQueen, Robert Warner, William Holden Fred Astaire, Jennifer Jones y Faye Dunaway, mientras que la dirección estaba compartida entre Irwin Allen y John Guillermin, dos especialistas en el cine de catástrofes. Aunque, como ya es tradicional, la crítica la consideró como basura, fue la película más taquillera de ese año en todo el mundo.

NUEVOS RESBALONES

Después interpretó “The Drolvning Pool”(Con el agua al cuello) en 1975, nuevamente tratando de recuperar el éxito de su antiguo personaje Harper, y un año después una increíble película de Mel Brook titulada “Silent Movie” (La última locura de Mel Brook)”, la cual no figura en la mayoría de las biografías por su corto papel. A esta serie de despropósitos siguió otro western, “Buffalo Bill and the indians” (Búfalo Bill y los Indios), en la que unido a Burt Lancaster y Geraldine Chaplin nos contaba también la historia del jefe Sitting Bull, justo cuando coincidía el 200 aniversario de la república.

Aunque para unos pocos fue adecuada, para la mayoría constituyó una falta de tacto precisamente por esa conmemoración.

Tampoco consiguió ningún aplauso en 1977 con “Slap Shot” (El castañazo), película dirigida por el experto George Roy Hill y que contra todo pronóstico fue un fracaso económico, quizá porque faltaba ya su compañero Robert Redford. La crítica se cebó especialmente en la gran violencia que se mostraba en los partidos de hockey, así como por la falta de moralidad de los jugadores. Según los profesionales, lo que allí se mostraba no era el mundo real del hockey y hubieran deseado que se les tratara con más veracidad y realismo.

Entretanto, Newman ya había cerrado los tratos para llevar al cine la novela “The Front Runner” de la escritora Patricia Nell Warren, una historia de amor homosexual profunda que debería sensibilizar los corazones. La película se tituló “Quintet” (Quinteto) y fue profundamente criticada, no solamente por el argumento, sino por la interpretación de Newman, demasiado mayor para ese papel.

1980 tampoco fue un buen año y aunque la película catastrofista de Irwin Allen”When Time Ran Out” (El día del fin del mundo) consiguió unas buenas recaudaciones los primeros días de su estreno, cayó bruscamente en apenas una semana.

En los primeros meses de 1981, y con el deseo de volver a recuperar sus personajes más serios, le vemos interpretando a un duro policía del Sur del Bronx en “Fort Apache The Bronx” (Distrito apache), que provocó no pocas polémicas y descalificaciones. Los puertorriqueños dijeron que denigraban su imagen, mientras que los habitantes del Bronx alegaban que en su barrio las cosas no estaban tan mal.

“Aunque tengo mi propia opinión política, no soy un fanático de ella y debo recordar a todos que soy esencialmente un liberal. No pretendo criticar a ningún grupo marginal en especial, pero es necesario que en el cine se muestre dónde radica el origen del mal y la violencia para sensibilizar así a la gente. Además, no deben olvidar que la historia está basada en las experiencias reales de una persona que vivió allí durante muchos años” Ese mismo año interpreta “Ausencia de malicia”, bajo la dirección de Sidney Pollack y le vemos como el dueño de un almacén que se encuentra involucrado con la mafia encabezada por Hoffa, aunque es apoyado por una guapa reportera (Sally Field), de la cual se enamora. El filme recibió tres nominaciones al Oscar, de nuevo Paul Newman como el Mejor Actor.

AÑOS DORADOS

Con 56 años, el actor estaba ya cansado de tantas nominaciones y de tantos intentos para que en la Academia le reconocieran sus méritos como actor y se daba cuenta que ya no le quedaba mucho tiempo para lograr afianzarse el resto de su vida profesional.

En la mente de Newman estaba la necesidad de seguir trabajando solamente en buenas historias, pero era consciente de la casi imposibilidad para saber el resultado final. Lo que en un principio parecía sensacional, en su pase a la pantalla podía ser desastroso. Por eso, puso en alerta a todos sus amigos para que le localizasen buenas historias y una de ellas le llega de la mano de Sidney Lumet, un director apasionado por el cine policíaco quien le propone trabajar junto a James Mason en “The veredict” (Veredicto final), una película de 1982 basada en una novela de gran éxito y que es premiada con nada menos que cinco nominaciones al Oscar, una de ellas nuevamente para Paul Newman como actor.

Su papel ya no es tan triunfante, puesto que nos habla de un abogado fracasado a causa de su afición a la bebida que le hace perder todos los juicios. Solamente la tremenda injusticia que le hacen a su cliente le motiva para luchar con fuerza y pelear contra todos, incluido jueces, fiscales y abogados.

En ese año decide rendir un homenaje a su fallecido hijo Scott y escribe un guión a su medida en el cual habla de un buen hijo que tiene un padre amargado por sus rotundos fracasos en la vida. La película “Harry e hijo”, es por tanto una historia sentimental, profunda y que hace reflexionar, en la cual tiene un papel decisivo su mujer Woodward.

En el papel de su hijo pone a Robby Benson y como no encuentra productor, decide invertir su propio dinero para asegurarse que la historia no será manipulada por nadie.

Finalmente, se convierte también en director, por lo que podemos considerar a “Harry e hijo” como una obra de autor.

POR FIN, EL OSCAR

Pero por paradojas del destino, el único año que no se encuentra asistiendo a la ceremonia de los Oscar de la Academia por estar rodando una película en Miami, le es concedido por fin un Oscar Honorífico por toda una vida dedicada al arte cinematográfico. Cuando alguien le comunica la buena noticia, acude a una emisora local de televisión y allí da las gracias a todos los miembros de la academia, mostrando su imagen emocionada en una gigantesca pantalla de televisión.

Esa película le sirvió para tener un poco más claras sus ideas sobre el cine comercial y en 1986 acepta el primer papel en el filme “The color of money” (El color del dinero), un remake de “El buscavidas”, pero ahora bajo la dirección de Martin Scorsese, un reconocido y prestigioso director que, además, incluye en el reparto al no menos popular Tom Cruise. Ahora vemos a Newman convertido en un representante de licores, aficionado al billar, que recibe la petición de un joven para que le enseñe todos los trucos del juego. El duelo generacional entre ambos personas se hace pronto muy delicado y llega un momento en que el alumno supera al profesor en sus habilidades.

El trabajo de ambos es magistral y

Newman, obviamente, es nominado al Oscar al Mejor Actor, pero en esta ocasión consigue por fin el preciado galardón. Ciertamente fue una sorpresa para todos, no por la calidad de su interpretación, magnífica, sino porque esperaban una nueva nominación.

Ese premio le llegó cuando tenía ya 61 años, una edad en la cual la mayoría de los actores veteranos han tirado ya la toalla hace tiempo.

Pero Paul se convierte en uno de los actores más cotizados y más sexys de la actualidad y nadie cuestiona ni su atractivo ni sus espléndidas facultades físicas. Su última película es un éxito mundial y se mantiene en cartel durante muchos meses, aunque justo es reconocer que la presencia de Tom Cruise ayudó a este popular delirio.

UN DESCANSO

Era justo el momento adecuado para continuar cosechando éxitos y aprovechar los pocos años que le quedaban para seguir siendo un atractivo actor de cine, pero Newman demostró que en su cabeza bullían nuevas cosas, ideas diferentes que quería llevar a cabo.

Durante tres años se mantuvo apartado del mundo del cine y se dedicó a varias labores humanitarias, entre ellas la creación de un campamento de verano para niños minusválidos o pobres y a fundar la organización Scott Newman, un lugar para ayuda a los jóvenes drogadictos. También tiene tiempo de fundar una empresa de cosméticos, una marca de condimentos naturales para la comida y hasta de seguir compitiendo con éxito en las pruebas automovilísticas.

En 1989 decide volver de nuevo al cine, con más ímpetu si cabe y le pudimos ver en

“Blaze” (El escándalo Blaze), una película de poco éxito que al menos consigue una nominación a la Mejor Fotografía, y “Fat man and Little Boy” (Cazadores de sombras), una película que pasó rápidamente el mercado del vídeo y que en algunos países europeos ni siquiera llegó a la gran pantalla.

Cualquier observador malintencionado no dudó en hablar, de nuevo, del declive de este veterano actor, pero seguro de sus acciones y buen criterio, compra los derechos de la novela de Evan S. Connell “Mr. And Mrs. Bridge” y contando con la participación de su esposa Joanne Woodward, sacan al mercado esta deliciosa historia que se convierte en un nuevo éxito para el matrimonio. Ahora es ella quien recibe una nueva nominación al Oscar a la Mejor Actriz y en el festival de Venecia de ese año le otorgan un premio a la mejor película.

Y luego nueva sorpresa, puesto que una vez recuperada su anterior fama y demostrado al mundo que aún se encuentra en plena forma, se aparta del cine, ahora por casi cuatro años.

Su interés no está centrado en los negocios, ni en las obras humanitarias, sino solamente en su familia a quien dedica todo su tiempo.

Y en 1993, cuando cumple los 68 años, vuelve al cine en el filme “The Hudsucker Proxy” (El gran salto), aunque ahora el papel principal se lo lleva Tim Robbins y la actriz Jennifer Jason Leigh. Ese mismo año rueda “Nobody’s fool” (Ni un pelo de tonto), película que no convence a sus admiradores por el papel de anciano que le toca jugar, algo que la mayoría de ellos no están dispuestos a aceptar en su ídolo. En ella le vemos junto a una prestigiosa Jessica Lange, además de los actores no menos populares Bruce Willis y Melanie Griffith.

Su última película, “Al caer el sol”, realizada en 1988, bajo la dirección de Robert Benton, y co-protagonizada por Gene Hackman y Susan Sarandon, supuso un éxito en taquilla y eso que fue estrenada en pleno verano, cuando los Mundiales de Fútbol inundaban las pantallas de televisión. La no menos atractiva presencia del veterano James Garner, convierte a esta película en un remake de aquellas de cine negro en el cual los detectives eran personas íntegras que enamoraban a las guapas chicas.

ULTIMOS DATOS

Newman fue un defensor y un miembro activo del medioambiente y militante en la asociación SEA (Alianza Medioambiental), dedicándose a proteger las playas aún vírgenes y a impedir que aniden allí las urbanizaciones especulativas. Posteriormente fue nombrado embajador especial en la Conferencia por el Desarme Nuclear, cargo que sirve con gran distinción y sinceridad, en opinión de un colega.

Vive alternamente entre sus casas de Connecticut y California, aunque es frecuente que pase largas temporadas en cualquier parte del mundo. Sumamente brillante como profesional del cine y respetado en todo este ambiente, en ocasiones acude a la televisión para someterse a entrevistas o para realizar cortometrajes, como “On the Harmfullness of Tobacco”.

Su hija Susan es una actriz profesional, y en una ocasión trabajó con su padre como productora en el telefilme “The Shadow Box”. Parece ser que ha conseguido estabilizarse en la vida mejor que su hermano Scott, un joven sensible que no llegó a asimilar el ser hijo de un actor famoso como Paul Newman. Esto le ocasionó un trastorno psicológico muy intenso, una carga emocional que no podía sostener, y que le llevó hasta su muerte en 1978. Newman tuvo que continuar su carrera como triunfador después de la muerte de su hijo Scott, mientras que Woodward afirmó en una reciente entrevista que ella y su marido encuentran difícil vivir con esa imagen de matrimonio perfecto que la prensa les ha creado.

Ella agregó que ellos han tenido y tienen los mismos problemas que el resto de las parejas.

Cuando le preguntaron a Paul Newman por el secreto de sus veintitrés años de matrimonio con Woodward, dijo.

“Yo sé que esto va a parecer muy superficial, pero es que no hay ningún secreto. Si yo quiero comer un bistec y lo encuentro en mi casa, ¿por qué debo salir a comprar una hamburguesa?”.

“Mi matrimonio no siempre marcha bien, puesto que cuando dos personas están juntas hay momentos en los cuales cada uno quiere y piensa diferente. Hemos pasado periodos malos, especialmente cuando nos juzgamos como padres, y otros en los cuales necesitamos reflexionar con calma para no tomar decisiones precipitadas. Creo que, en nuestro caso, lo que nos ha hecho funcionar es el respeto mutuo y nuestro sentido del humor”.

Uno de sus amigos ha dicho de Newman: “Paul no piensa en él como un gran actor, puesto que siempre está buscando nuevas formas de actuar y otras cosas en las que dedicar su tiempo”.

Por su parte, Joanne Woodward ha demostrado estar siempre junto a su marido, incluso haciendo acto de presencia en las numerosas carreras en las que ha participado, la mitad de ellas con accidente incluido. La tremenda afición de Newman a las carreras de coches no ha disminuido con la edad ni las lesiones, y esto le ha llevado a ganar varios premios como piloto. Muchos opinan que ya es demasiado viejo para conducir automóviles tan rápidos, pero él opina que son mucho más seguros que cualquier turismo.

El accidente más grave ocurrió cuando un automóvil aterrizó encima del techo de su vehículo y solamente le salvó de la muerte su casco. Ese día conducía un Datsun 280 ZX

que tenía trucado para soportar un duro trabajo.

Woodward acepta todo esto con un humor lamentable, incluso desaprobando su afición, y cree que su marido sigue con esta peligrosa práctica porque quiere sentirse joven y porque tiene la necesidad de demostrar su masculinidad delante de otros hombres de su misma edad, condenados ya al sedentarismo. “También es posible, añade, que lo haga porque quiera mantener su imagen pública de hombre duro y valiente”.

“Me gustaría que me recordasen como un tipo que intentó muchas veces realizar sus sueños y que lo hizo con decencia, como un buen ser humano. La gente que no está satisfecha de sí mismo no puede hacer feliz a nadie y se pasan su vida exigiendo, en lugar de dar. No es este mi caso”.

Woodward y Newman crearon en 1980 la Scott Newman Fundation, una idea que durante más de tres años otorgó 150.000 dólares a la rehabilitación de escritores, productores, y directores que después de haber tenido una vida profesional excelente cayeron en la droga.

Woodward declaró vivamente a un reportero que gracias a esta fundación, ella podría sentirse que la muerte trágica de Scott no había sido en vano.

Lo cierto es que cuando tenía 74 años, Newman poseía todavía una creatividad madura, como persona y como artista, teniendo aún muchas metas a realizar perfectamente definidas. Por eso, debemos reconocer que su vida reciente fue aún más rica espiritualmente que anteriormente.

En su casa tiene instalada una sauna, y muy cerca está la piscina olímpica en la que nada, incluso en los días helados del invierno. Cuando vuelve a casa suele zambullir su cabeza en una tina llena de cubitos de hielo y los aprieta contra su mejilla, barbilla y músculos del cuello. También mantiene una dieta estricta, aunque bebe seis pack de cerveza al día y por eso prefiere ignorar la pasión de Joanne por las plantas medicinales que él describe como hierbajos. Newman no fuma, juega mucho al tenis, esquía y, por supuesto, se complace en su pasión por las carreras de autos, aunque ahora Joanne prefiere no verle conducir.

“Sé que nunca he podido ser un piloto profesional, y que soy mejor actor que corredor, pero todavía soy un adicto a las carreras. Todos los años juro que lo dejaré, y todos los años continúo conduciendo”.

Sin embargo prometió a Joanne que reduciría la intensidad de su trabajo después del agotamiento que tuvo en “Harry and Son” que él produjo, dirigió e interpretó como Harry.

Newman dice ahora que nunca actuará de nuevo y dirigirá al mismo tiempo. “Salvo que hiciera el papel de un mudo” , continuó.

Al mismo tiempo, no entiende eso de ser considerado todavía como un símbolo del sexo para millones de mujeres, aunque le divierte.

“Realmente esperaba que todo este sin sentido se detendría cuando pasase de los 50.

Quizá, como dice mi esposa, es que mejoro con los años”.

“Una vez que se consigue la forma física del personaje es cuando hay que mostrar su interior. Los grandes actores tienen una fuente inagotable de variedad y Spencer Tracy lo tenía, lo mismo que Brando. También lo he encontrado en Laurence Olivier, Alec Guinness y en mi esposa Joanne, pero no en mí”.

“Todo lo que yo puedo esperar es ser recordado como un tipo que intentó trabajar de manera responsable, que intentó ayudar a las personas a comunicarse entre sí, intentado encontrar un poco de decencia en su propia vida. También he intentado extenderme como ser humano y actor, y me he esforzado por dar lo mejor. Alguien que no esté satisfecho de sí mismo nunca logrará obtener nada. Es difícil, pero primero hay que demostrarse que uno es tan bueno como dice a los demás que lo es”.

FILMOGRAFÍA

EL CALIZ DE PLATA

The Silver Chalice (1954)

Warner Bros

Religiosa

144 minutos

Color

CinemaScope

Basada en la novela de: Thomas Costain

Director: Victor Saville

Intérpretes:

VIRGINIA MAYO

PIER ANGELI

JACK PALANCE

PAUL NEWMAN

WALTER HAMPDEN

NATALIE WOOD

El debut en la pantalla de Newman no pudo ser más mediocre. Se trata de la historia de un griego que diseña una nueva aleación metálica para elaborar una armadura que servirá para vencer a sus enemigos. Dicho material es igual al del Cáliz que usó Jesús en la Última Cena.

Como ya sabemos, Newman renegó más veces que Judas de esta película, aunque para sus fans constituye ya una preciada pieza de museo.

Premios:

Nominada a la mejor fotografía en color 1954: William V. Skall Nominada a la mejor música 1954: Franz Waxman

TRAIDOR A SU PATRIA

The Rack (1956)

Drama

100 minutos

Blanco y negro

Productor: Arthur M. Loew Jr.

Director: Arnold Laven

Guión: Stewart Stern

Basado en la obra de: Rod Serling

Fotografía: Paul C. Vogel

Director musical: Adolph Deutsch

Compositor: Adolph Deutsch

Intérpretes:

PAUL NEWMAN: Capitán Edward W. Hall, Jr.

WENDELL COREY: Mayor Sam Moulton

WALTER PIDGEON: Coronel Edward W. Hall, Sr.

EDMON O´BRIEN: Teniente Coronel Frank Wasnick

ANNE FRANCIS: Aggie Hall

LEE MARVIN: Capitán: John R. Miller

CLORIS LEACHMAN: Caroline

CHARLES EVANS: General

ROD TAYLOR: Al

Newman está convencido de que ha sido objeto de un lavado de cerebro y que por ese motivo será juzgado como traidor a su patria. Es un veterano de guerra, pero no tiene apenas amigos, salvo su dominante padre (Walter Pidgeon) y su guapa amiga Anne Francis. La película fue una adaptación para la pantalla de una buena obra televisiva interpretada entonces por Rod Serling.

MARCADO POR EL ODIO

Somebody up There Likes Me (1956)

Deportes/Biografía

113 minutos

Blanco y negro

Productor: Charles Schnee

Director: Robert Wise

Guión: Ernest Lehman

Basado en la autobiografía de Rocky Graziano escrita por: Rowland Barber Compositor: Bronislau Kaper

Intérpretes:

PAUL NEWMAN: Rocky Graziano

PIER ANGELI: Norma

EVERETT SLOANE: Irving Cohen

SAL MINEO: Romolo

HAROLD J. STONE: Nick Barbella

JOSEPH BULOFF: Benny

SAMMY WHITE: Whitey Bimstein

STEVE McQUEEN: Fidel

Estupenda biografía del boxeador Rocky Graziano en su ascenso a la gloria en Nueva York que constituye una de las mejores películas sobre el mundo del boxeo. También hubo una buena interpretación de Paul Newman, siendo la película que le puso ya en el centro de atención de los críticos.

Fue el debut de Steve McQueen, unos meses antes de filmar “La cosa”.

Premios:

Oscar a la mejor dirección artística 1956: Cedric Gibbons, Malcolm Brown, Edwin B.

Willis y Keogh Gleason

Oscar a la mejor fotografía 1956: Joseph Ruttenberg

Nominada al mejor filme editado 1956: Albert Akst

PARA ELLA UN HOMBRE SOLO

The Helen Morgan Story (1957)

Musical/Biografía

118 minutos

Blanco y negro

CinemaScope

Productor: Martin Rackin

Director: Michael Curtiz

Guión: Oscar Saul, Dean Riesner, Stephen Longstreet y Nelson Gidding Cinematografía: Ted McCord

Compositor: Larry Prinz

Coreografía: LeRoy Prinz

Vestuario: Howard Shoup

Intérpretes:

ANN BLYTH: Helen Morgan

PAUL NEWMAN: Larry

RICHARD CARLSON: Wade

GENE EVANS: Whitey Krause

ALAN KING: Ben

CARA WILLIAMS: Dolly

VIRGINIA VINCENT: Sue

SAMMY WHITE: Sammy

Biografía sobre un cantante popular en los años 1920-30, el cual tuvo serios problemas con la mafia, el alcoholismo y las mujeres. Anne Blyth consigue de nuestro héroe que vuelva al buen camino, aunque para ello tiene que entonar ciertas canciones que fueron dobladas por Gogi Grant.

MUJERES CULPABLES

Until They Sail (1957)

Guerra/Drama

95 minutos

Banco y negro

CinemaScope

Productor: Charles Schnee

Director: Robert Wise

Guión: Robert Anderson

Basado en la historia de: James Michener

Cinematografía: Joseph Ruttenberg

Compositor: David Raksin

Intérpretes:

JEAN SIMMONS: Barbara Leslie Forbes

JOAN FONTAINE: Anne Leslie

PAUL NEWMAN: Capitán Jack Harding

PIPER LAURIE: Delia Leslie

CHARLES DRAKE: Capitán Richard Bates

SANDRA DEE: Evelyn Leslie

WALLY CASSELL: "Shiner" Phil Friskett

La historia nos la relatan partiendo de una sala del tribunal, en donde cuatro mujeres que viven durante la segunda Guerra Mundial en Nueva Zelanda, son juzgadas por diversos cargos, aunque alguna de ellas alega que lo hizo por amor, por si sirve de algo.

LA GATA SOBRE EL TEJADO DE ZINC

Cat on a Hot Tin Roof (1958)

Drama

108 minutos

Color

Productor: Lawrence Weingarten

Director: Richard Brooks

Guión: Richard Brooks y James Poe

Basado en la obra de: Tennessee Williams

Fotografía: William H. Daniels

Efectos especiales: Lee LeBlanc

Vestuario: Helen Rose

Intérpretes:

ELIZABETH TAYLOR: Maggie Pollitt

PAUL NEWMAN: Brick Pollitt

BURL IVES: Abuelo Pollitt

JACK CARSON: Gooper Pollitt

JUDITH ANDERSON: Abuela Pollitt

MADELEINE SHERWOOD: Mae Pollitt

LARRY GATES: Dr. Baugh

Tuvo tantos problemas con la censura que todavía no sabemos si hemos logrado verla en alguna ocasión íntegramente. Ciertamente todas las obras de Tennessee Williams adaptadas a la pantalla son escabrosas y la mayoría no se corresponde a situaciones reales, pero hay más morbo en la imaginación de los censores que en la misma historia. Todas las referencias a la homosexualidad de Paul Newman en el filme son tan sutiles que la mayoría de los espectadores ni siquiera la perciben y para muchos Newman era simplemente un calzonazos que no acababa de meter en cintura a su caprichosa mujer.

Aunque ambos protagonistas, Liz y Newman, están sumamente acertados en su trabajo, hay que destacar la labor de él en su personaje de Brick por la habilidad que tuvo para comunicarnos sus emociones sin motivar demasiado la ira de los censores.

El argumento nos habla del abuelo Pollitt (Burl Ives, en uno de sus mejores papeles), quien está enfermo de cáncer, pero nadie se lo ha dicho. En su 65 cumpleaños, la abuela Pollitt (Judith Anderson), su hijo mayor, Gooper (Jack Carson), y la esposa de Carson, Mae (Madeleine Sherwood), están organizando la fiesta.

Su hijo más joven y favorito, Brick (Newman), y su esposa, Maggie (Elizabeth Taylor), también están presentes. Sospechando que Maggie le estuvo engañando con su mejor amigo, recientemente muerto, Brick se niega a dormir con su apasionada esposa. Pero a pesar de la falta de atención de Brick, Maggie ama todavía a su marido y está intentando impedir que el abuelo y la abuela le dejen en herencia 10 millones de dólares a Gooper y Mae. Pero Brick y Maggie no tienen ninguna descendencia, y sin los niños ellos no tienen ninguna fuerza para lograr que la herencia pase a ellos.

Aunque se consideran con más derecho que Cooper y Mae (quienes van a tener pronto otro hijo), el abuelo está defraudado poderosamente con Brick por no haberle dado un nieto.

Maggie le dice a la familia que ella está embarazada, pero nadie la cree, especialmente después de haberle oído suplicar a Brick que la haga el amor. Después hay una conversación profunda con Pollit, y es entonces cuando Brick comprende que Maggie lo ama realmente. Una vez que la obsesión de la muerte de su compañero desaparece de sus pensamientos, accede acostarse con su esposa, aunque en ese momento nos dan con la puerta en las narices y no vemos lo que pasa.

Paul Newman consigue una de sus mejores interpretaciones como Brick, a pesar de las quejas de algunos críticos que sentían que su imagen varonil quedaba bastante en entredicho. Para muchos espectadores les resulta muy difícil separar la realidad de la ficción.

Por otro lado, la actuación de Liz Taylor fue comparada desfavorablemente con la interpretación que había realizado en los escenarios Bárbara Bel Geddes en el papel de Maggie, aunque para nosotros es una buena y convincente actuación que mostraba la fuerte pasión que latía en el interior de Liz. Su trabajo es doblemente interesante si tenemos en cuenta que durante el rodaje murió su marido Mike Todd víctima de un accidente de avión.

Premios:

Nominada a la mejor película 1958: Lawrence Weingarten Nominada al mejor actor 1958: Paul Newman

Nominada a la mejor actriz 1958: Elizabeth Taylor

Nominada al mejor director 1958: Richard Brooks

Nominada al mejor guión 1958: Richard Brooks, James Poe, Nominada a la mejor fotografía color 1958: William H. Daniels EL ZURDO

The Left-Handed Gun (1958)

Western/Biografía

102 minutos

Blanco y negro

Warner

Productor: Fred Coe

Director: Arthur Penn

Guión: Leslie Stevens

Basado en la representación televisiva “The Death of Billy the Kid” de: Gore Vidal Fotografía: Peverell Marley

Compositor: Alexander Courage

Vestuario: Marjorie Best

Intérpretes:

PAUL NEWMAN: Billy Bonney

LITA MILAN: Celsa

JOHN DEHNER: Pat Garrett

HURD HARFIELD: Moultrie

JAMES CONGDON: Charlie Boudre

JAMES BEST: Tom Folliard

COLIN KEITH-JOHNSTON: Tunstall

La primera película de Arthur Penn, adaptada por Leslie Stevens sobre una obra de la televisión a través de Gore Vidal, aporta algunas notas de interés, especialmente en cómo muestra la violencia ejercida por este legendario Billy El Niño, algunas de las cuales fueron copiadas posteriormente en “Bonnie and Clyde”.

Un joven, grande y bien parecido (Paul Newman) es llamado con el apodo de Billy El Niño y pronto su fama de mujeriego, matón y ladrón da la vuelta al viejo Oeste. Hay quien afirma que toda su maldad es culpa de su padre, que fue muy duro con él de pequeño, pero cuando le vemos tan crecido y disparando a todo el que le estorba, no acabamos de creer esa excusa.

Hay una escena, conocida por la “de la bota”, en la cual una persona se desploma en la calle, pero su bota permanece derecha, justo cuando una muchacha la mira y empieza a reírse por ese detalle tan curioso, apoyada por su estúpida madre que da palmadas de alegría por esa muerte. La conclusión que nos quieren mostrar es que los niños no deben tomar como cómicas cosas que son muy serias, aunque a simple vista nos den risa.

Solamente un idiota se reiría de una escena de dolor y muerte. Un buen sistema para conocer a la gente es que vean esta escena; si se ríen es que son idiotas y mejor los perdemos de vista.

EL LARGO Y CALIDO VERANO

The Long Hot Summer (1958)

Drama

117 minutos

Color

20th Century Fox

CinemaScope

Productor: Jerry Wald

Director: Martin Ritt

Guión: Irving Ravetch y Harriet Frank Jr.

Basado en “Barn Burning”, “The Spotted Horse”, y la novela “The Hamlet” por: William Faulkner

Fotografía: Joseph LaShelle

Director musical: Lionel Newman

Compositor: Alex North

Efectos especiales: L.B. Abbott

Vestuario: Adele Palmer

Intérpretes:

PAUL NEWMAN: Ben Quick

JOANNE WOODWARD: Clara Varner

ANTHONY FRANCIOSA: Jody Varner

ORSON WELLES: Will Varner

LEE REMICK: Eula Varner

ANGELA LANSBURY: Minnie Littlejohn

RICHARD ANDERSON: Alan Stewart

SARAH MARSHALL: Agnes Stewart

Extraída de dos populares obras de Faulkner, “Barn Burning” y “Spotted Horses”, que a su vez están inspiradas en “The Hamlet”, la película fue un éxito comercial importante y en ocasiones entretenido. La historia nos lleva a un pueblo de Mississipi en el cual vive un poderoso hombre llamado Will Varner (Orson Welles); quien tiene contratado a Ben Quick (Paul Newman), un mozo aparentemente inofensivo hasta que despliega sus dotes de seducción entre las mujeres del lugar.

Varner está decidido a casar de una vez a su insoportable hija Clara (Joanne Woodward), una mujer todavía virgen, maestra de escuela para más señas, con quien Ben Quick se muestra arrogante al conocer sus debilidades más escondidas, que no son otras que la necesidad que tiene de amar a un hombre.

La interpretación de

Newman fue la mejor de todas hasta ese momento y entre Woodward y él surgen escenas intensas, especialmente cuando ella trata de aparentar que no necesita sus besos. Martin Ritt dirigió acertadamente la película y nos aportó una estupenda banda sonora.

UN MARIDO EN APUROS

Rally 'Round the Flag, Boys! (1958)

Comedia

106 minutos

Color

CinemaScope

Productor: Leo McCarey

Director: Leo McCarey

Guión: Claude Binyon y Leo McCarey

Basado en la novela de: Max Shulman

Fotografía: Leon Shamroy

Director musical: Lionel Newman

Compositor: Cyril J. Mockridge

Efectos especiales: L.B. Abbott

Vestuario: Charles LeMaire

Intérpretes:

PAUL NEWMAN: Harry Bannerman

JOANNE WOODWARD: Grace Bannerman

JOAN COLLINS: Angela Hoffa

JACK CARSON: Capitán Hoxie

DWAYNE HICKMAN: Grady Metcalf

GALE GORDON: Coronel Thorwald

TOM GILSON: Opie

La película está basada en un libro de Max Shulman y puede defraudar a quienes lo hayan leído, lo que suele ser ya habitual. Nos cuenta la historia de una pequeña comunidad de vecinos que ven alterada su tranquila vida cuando les dicen que allí será instalada una base de misiles. Pronto surgen una serie de personajes totalmente habituales, como el disconforme con todo, hasta con su propia vida, el entusiasta ante cualquier cosa que rompa la rutina, el que pretende hacer negocio con ello y, la mujer que espera encontrar a su hombre soñado.

Solamente para fans del matrimonio Newman-Woodward.

LA CIUDAD FRENTE A MÍ

The Young Philadelphians (1959)

Drama

136 minutos

Blanco y negro

Director: Vincent Sherman

Guión: James Gunn

Basado en la novela “The Philadelphian” por: Richard Powell Fotografía: Harry Stradling

Director musical: Ray Heindorf

Compositor: Ernest Gold

Vestuario: Howard Shoup

Intérpretes:

PAUL NEWMAN: Tony Lawrence

BARBARA RUSH: Joan Dickinson

ALEXIS SMITH: Carol Wharton

BRIAN KEITH: Mike Flannagan

DIANE BREWSTER: Kate Judson

BILLIE BURKE: Señora J.A. Allen

ROBERT VAUGHN: Chet Cwynn

OTTO KRUGER: John M. Wharton

Hábilmente dirigida por Vincent Sherman, vemos ahora a Newman como un abogado pobre y sencillo que debe enfrentarse a los poderosos personajes que llevan la justicia.

Ayudado por el amor de su guapa chica Joan (Bárbara Rush), deciden hacerles frente y no dejarse intimidar en el juicio para defender a Chet (Robert Vaughn), un compañero del ejército acusado de asesinato.

Buena actuación de Alexis Smith como la amargada esposa del abogado Wharton (Kruger) y sumamente acertado Brian Keith como Flannagan.

Premios:

Nominada al mejor actor secundario 1959: Robert Vaughn Nominada a la mejor cinematografía 1959: Harry Stradling, Sr.

Nominada al mejor vestuario 1959: Howard Shoup

EXODO

Exodus (1960)

Historia/Drama

213 minutos

Color

Super Panavision 70

Productor: Otto Preminger

Director: Otto Preminger

Guión: Dalton Trumbo

Basado en la novela de: Leon Uris

Fotografía: Sam Leavitt

Compositor: Ernest Gold

Efectos especiales: Win Ryder

Vestuario: Joe King, May Walding, Margo Slater, Rudi Gernreich y Hope Bryce Intérpretes:

PAUL NEWMAN: Ari Ben Canaan

EVA MARIE SAINT: Kitty Fremont

RALPH RICHARDSON: General Sutherland

PETER LAWFORD: Mayor Caldwell

LEE J. COBB: Barak Ben Canaan

SAL MINEO: Dov Landau

JOHN DEREK: Taha

HUGH GRIFFITH: Mandria

JOHN CRAWFORD: Hank

Leon Uris araña superficialmente la

historia de la guerra en Palestina por la liberación y aunque bastante oportunista al ponerse exclusivamente de parte de los judíos, la historia sobre este conflicto armado logra tocar diana en el corazón del mundo. Newman es ahora el líder de la resistencia israelita, mientras que Eva Marie Saint es una enfermera del ejército occidental, que trata de ayudar al que considera más débil.

Algunas escenas son extraordinarias, como la huida de los refugiados de Chipre y el asedio a las instalaciones británicas.

Estupenda la banda sonora de Ernest Gold y muy acertados los movimientos de los cientos de extras.

Premios:

Nominada al mejor actor secundario 1960: Sal Mineo

Nominada a la mejor fotografía 1960: Sam Leavitt

Oscar a la mejor música 1960: Ernest Gold

DESDE LA TERRAZA

From the Terrace (1960)

Drama

144 minutos

Color

CinemaScope.

Productor: Mark Robson

Director: Mark Robson

Guión: Ernest Lehman

Basado en la novela de: John O'Hara

Fotografía: Leo Tover

Compositor: Elmer Bernstein

Intérpretes:

PAUL NEWMAN: Alfred Eaton

JOANNE WOODWARD: Mary St. John

MYRNA LOY: Martha Eaton

INA BALIN: Natalie

LEON AMES: Samuel Eaton

ELIZABETH ALLEN: Sabio Rimmington

BARBARA EDEN: Clemmie

DOROTHY ADAMS: Señora Benziger

Una crónica irónica de John O'Hara sobre un

joven veterano de guerra que lucha desesperadamente por lograr un puesto de privilegio financieramente y el adecuado reconocimiento social. Buena actuación del matrimonio Newman, perfectamente secundados por una veterana Myrna Loy que logra incluso superarles con su papel de madre alcohólica. Woodward está elegante, lo que no suele ser habitual, mientras que Newman se mueve con soltura dentro de su personaje.

EL BUSCAVIDAS

The Hustler (1961)

Drama

135 minutos

Blanco y negro

CinemaScope

Productor: Robert Rossen

Director

Robert Rossen

Guión: Sidney Carroll y Robert Rossen

Basado en la novela de: Walter Tevis

Fotografía: Eugene Schuftan

Compositor: Kenyon Hopkins

Vestuario: Ruth Morley

Intérpretes:

PAUL NEWMAN: “Fast” Eddie Felson

JACKIE GLEASON: Minnesota Fats

PIPER LAURIE: Sarah Packard

GEORGE C. SCOTT: Bert Gordon

MYRON McCORMICK: Charlie Bums

MURRAY HAMILTON: Findlay

MICHAEL CONSTANTINE: Big John

Esta historia convirtió ya definitivamente a Paul Newman en uno de los actores más prestigiosos de entonces y un éxito seguro en taquilla. Ahora se trata de, como el título indica, un joven buscavidas que se mueve acertadamente por las calles y que, además, sabe jugar inteligentemente al billar. Él es “Fast” Eddie Felson, y está siempre acompañado por un amigo mayor llamado Charlie (Myron McCormick), quien también juega con habilidad con los expertos locales.

Ambos utilizan un viejo truco para ganar dinero: dejarles ganar a sus contrincantes al principio, con apuestas moderadas, para que se crean invencibles. Cuando su adversario se cree el rey del billar y presume de sus proezas, aparece otro jugador que también quiere apostar, pero más fuerte. Una vez que las apuestas son muy altas, el experto Fast Eddie se pone a trabajar y realiza unas jugadas magistrales, espectaculares, pero aparentemente provocadas por la suerte y no por sus habilidades. En ese momento las apuestas están al máximo y dejan a su confiado contrincante desplumado. Para no ser descubiertos, empiezan jugando en California y posteriormente Fast Eddie y Charlie llegan hasta la ciudad de Nueva York.

Los dos juegan en Ames, una sala de billar de las más importantes de América, en donde han jugado grandes fortunas los mejores jugadores del mundo y hacia donde dirigen siempre sus pasos los estafadores y los jugadores más inteligentes que saben perder cuando es necesario. Uno de ellos es Minnesota Fats, (Jackie Gleason), quien es retado por Fast Eddie a un juego con estacas pesadas. Minnesota Fats es observado de cerca por un hombre de mirada siniestra que lleva un traje muy caro, llamado Bert (George C. Scott), quien no pierde detalle de lo que está viendo. Él es el amigo de Minnesota Fats y es tan listo que percibe que algo no marcha bien.

Fast Eddie y Minnesota

Fats empiezan un juego desquiciante en una de las mesas, pero Fast Eddie gana fácilmente en cada juego. Las horas pasan, y las jugadas siguen siendo casi siempre para Fast Eddie.

Con la victoria llegan los dólares del premio en forma de miles, mientras que Fast Eddie mira su reloj frecuentemente porque quiere marcharse con las ganancias. Minnesota Fats admira a su contrincante, aunque debe realizar frecuentes pausas para quitarse el sudor y arreglar su ropa, su cara y sus manos, sin olvidar pedir que le sigan trayendo copas de licor. Una vez que se ha refrescado, lavado y tomado una buena dosis de licor, Minnesota Fats, aparece tan fresco como cuando empezó esa batalla monumental, diciendo:

“juguemos al billar”.

Cuando la ingestión de licor aumenta, Fast Eddie, quien antes andaba siempre con pasos arrogantes, empieza a perder algunas jugadas. En ese momento la partida se desequilibra y cuando llega el alba del nuevo día Fast Eddie y su dinero en el banco están acabados. Él pide al triunfante Minnesota Fats un nuevo juego, pero este le exige que sea en efectivo, pues está seguro que ya está arruinado.

El director Robert Rossen, cuya anterior película “Llegaron a cordura”, marcó ya un lento declive en su carrera cinematográfica, consiguió aquí dar un nuevo impulso a su trabajo con este proyecto personal que nos mostraba un mundo austero. Como si de una obra del western se tratase, nos lleva por un mundo sucio, en ocasiones polvoriento, en donde lo único inmaculado es una mesa de billar, en la cual juegan los protagonistas hasta que llega la caballería y les salva.

Rossen estaba ya enfermo cuando realizó esta película (murió en 1966), y les dijo a sus socios que ahora podría morirse tranquilo porque “El Buscavidas” era la mejor película que había hecho en su vida, aunque hay quien opina que su obra póstuma, “Lilith” en 1964, es también una excelente historia.

La mayoría de las escenas de “El buscavidas” no tienen desperdicio y la acción es excelente. Gleason probablemente es el actor que mejor encaja en esta trama, como una persona técnica y fresca, aislada y con estilo, quizá gracioso, ingenioso y con encanto.

Gleason tiene esa mirada triste que es esencial para capturar todo el valor del mundo que le rodea.

Newman, por su parte, hace un retrato apasionado de su personaje, al que agregó una nueva dimensión que no existía en el guión. Piper Laurie, a pesar de su embriaguez y la lástima que siente de sí misma, todavía lograr aportar una imagen sensual y deja vislumbrar la esperanza de un mundo mejor, como una colegiala. Hasta ese momento fue su mejor interpretación.

George Scott eficaz como siempre, ahora en el papel de un malvado, una imitación de Mephisto pero con un traje a medida hecho con el odio que rezuma hacia la humanidad a través de cada poro.

Para que las escenas del juego salieran correctas, se contrató al campeón de billar Willie Mosconi, quien adiestró a Gleason y Newman en sus juegos, realizando aquellas jugadas que ellos nunca podrían lograr. Newman practicó el billar de una manera muy consciente y eficaz, dedicando muchas horas de sueño a mejorar su estilo, vaciando totalmente uno de sus cuartos para instalar una mesa de juego. Su afición a este juego creció sensiblemente y continuó jugando con Mosconi después del rodaje, habilidad que dejó traslucir perfectamente cuando interpretó “El color del dinero”.

La película también sigue siendo una de las favoritas de Paul Newman, hasta tal punto que durante muchos años mantuvo una fijación en la letra “H” a la que consideraba la letra de la suerte. Cual si de un amuleto se tratase, más tarde exigió que la mayoría de sus películas empezaran con H y por eso podemos ver “Hud” (1963), “Happer” (1966), “Un hombre” (1967), y “El Buscavidas” (The hustler), todas ellas grandes éxitos de público y crítica. Esa superstición continuó con “Harry e hijo” (1984) y “El gran salto” (The Hudsucker Roxy).

Premios:

Nominada a la mejor película 1961: Robert Rossen

Nominada al mejor actor 1961: Paul Newman

Nominada a la mejor actriz 1961: Piper Laurie

Nominada al mejor actor secundario 1961: Jackie Gleason Nominada al mejor actor secundario 1961: George C. Scott Nominada al mejor director 1961: Robert Rossen

Nominada al mejor guión (Basado en un material de otros medios) 1961: Sidney Carroll, Robert Rossen

Oscar a la mejor dirección artística 1961: Harry Horner y Gene Callahan Oscar a la mejor fotografía 1961: Eugen Schüfftan

UN DIA VOLVERE

Paris Blues (1961)

Drama

98 minutos

Blanco y negro

Productor: Sam Shaw

Director: Martin Ritt

Guión: Jack Sher, Irene Kamp, Walter Bernstein y Lulla Adler Basado en la novela de: Harold Flender

Cinematografía: Christian Matras

Compositor: Duke Ellington

Intérpretes:

PAUL NEWMAN: Ram Bowen

JOANNE WOODWARD: Lillian Corning

SIDNEY POITIER: Eddie Cook

LOUIS ARMSTRONG: Wild Man Moore

DIAHANN CARROLL: Connie Lampson

SERGE REGGIANI: Michel Duvigne

BARBARA LAAGE: Marie Seoul

ANDRE LUGUET: Rene Bernard

La película mejora en la medida en que la vamos

viendo. La historia, con desventuras incluidas, de dos músicos de jazz, Newman y Poitier, que trabajan en París, se alterna con el romance que viven con dos turistas americanas llamadas Lilliam y Connie (Woodward y Carroll). Actuaciones importantes de Duke Ellington que también se encargó de la partitura y actuación importante de Louis Armstrong. Tomen nota del excelente número “Battle Royal”, cita imprescindible para los amantes del jazz.

Premios:

Nominada a la mejor música 1961: Duke Ellington

CUANDO SE TIENEN VEINTE AÑOS

Hemingway's Adventures of a Young Man (1962)

Aventuras

145 minutos

Color

CinemaScope

Director: Martin Ritt

Intérpretes:

RICHARD BEYMER

DIANE BAKER

PAUL NEWMAN

CORINNE CALVET

FRED CLARK

DAN DAILEY

JAMES DUNN

RICARDO MONTALBAN

Tomando como base algunos relatos cortos

autobiográficos de Hemingway, el guionista elaboró una floja historia, confiando en que la unión entre Martin Ritt y Paul Newman volviera a funcionar sin problemas. Pero el resultado es una película pretenciosa, en la cual nos muestra al escritor como un engreído y en ocasiones avergonzado personaje. No obstante, la película se mantiene por el estupendo plantel de actores.

DULCE PAJARO DE JUVENTUD

Sweet Bird of Youth (1962)

Drama

120 minutos

Color

CinemaScope

Productor: Pandro S. Berman

Director: Richard Brooks

Guión: Richard Brooks

Basado en la obra de: Tennessee Williams

Cinematografía: Milton Krasner

Director musical: Robert Armbruster

Efectos especiales: Lee LeBlanc

Vestuario: Orry-Kelly

Intérpretes:

PAUL NEWMAN: Chance Wayne

GERALDINE PAGE: Alexandra Del Lago

SHIRLEY KNIGHT: Heavenly Finley

ED BEGLEY: “Boss” Finley

RIP TORN: Thomas J. Finley

MILDRED DUNNOCK: Tía Nonnie

MADELEINE SHERWOD: Miss Lucy

PHILIP ABBOTT: Dr. George Scudder

COREY ALLEN: Scotty

Una película sobre un gígolo, un hombre que vuelve a su pueblo después de ser considerado un héroe, y ahora se convierte en el amante de una mujer mayor, envejecida y caprichosa, que le mantiene a cambio de que le otorgue un amor fingido.

Chance Wayne (Paul Newman) es un hombre guapo que piensa que podrá tener todo lo que quiere de las mujeres si las dedica un poco de tiempo para seducirlas. Pero ahora, lo único que necesita es un poco de amor en Florida. Allí se encuentra con Alexandra Del Lago (Geraldine Page), una antigua y popular estrella del cine que vive ahora su irremediable declive físico, justo en una época en la cual las emociones la dominan totalmente. Su última película ha sido un fracaso absoluto y por eso necesita alguien que la consuele. Ese es precisamente Chance y cuando ambos pasean por el pueblo ella calma sus ardores y sus miedos con ginebra. Después, cuando ellos pasan la noche juntos en un motel, ella le pide que le proporcione algo de oxígeno, o en su defecto, un poco de hachís para fumar. Después, para tratar de que no la abandone, le dice que ella puede ayudarle a entrar en el mundo de Hollywood presentándoles a las personas correctas.

Por eso viajan a la ciudad natal de Chance antes de volver a California. Chance quiere ver a su antigua novia, Finley Celeste (Shirley Knight), quien es la hija predilecta de su padre (Ed Begley), un político corrupto que odia a Chance. Parece ser que este odio fue generado hace tiempo, cuando Chance pasó una temporada en ese pueblo y mantuvo relaciones con Celeste, a la cual dejó embarazada y presionó para que abortara.

Aunque se trata de una versión suavizada de la historia original de Tennessee Williams, la cual fue interpretada en el teatro por Paul Newman, Geraldine Page, Madeleine Sherwood, y Rip Torn (quienes repiten en el cine sus papeles), es igual de tenebrosa que aquella. En la pantalla, los papeles interpretados por Sidney Blackmer, Diana Hyland, y Martine Bartlett los realizan ahora Ed Begley (quién ganó un Oscar al mejor actor secundario), Shirley Knight, y Mildred Dunnock.

Richard Brooks que ya tuvo bastante éxito con “La gata sobre el tejado de Zinc” (1958), confirma aquí su habilidad dirigiendo. No obstante, la obra y el argumento fueron confusos y hubo numeroso público que no logró entender la historia, e incluso hubo numerosas escenas que estaban tan confusas que dio origen a una protesta a cargo del Código de Censura Americana. Como consecuencia, todo quedó aún más confuso.

Lógicamente, la obra no podía tener un final feliz y varias circunstancias se cambiaron para no alterar demasiado a los censores. En la novela su novia Celeste no es que se queda embarazada, sino que coge la sífilis y está a punto de morir, mientras que él decide pagar sus pecados castrándose. Hoy en día sería imposible de aceptar un argumento de este tipo, pero hace años hacían las delicias de los entendidos y los aficionados a la literatura rebuscada y pretenciosa de Tennessee Williams.

Alexandra, a pesar de que se pasa el día bebiendo, narcotizada, y llorando, tiene ganas todavía de acabar en los brazos de cualquier hombre joven que se le acerque, sin mostrar la más mínima decencia por su afición. Todos los temas habituales de Williams son ya muy conocidos y aquí se entremezclan con mucha claridad, como la violencia, la mentalidad retorcida de la gente enferma, los parientes con traumas y hasta las neurosis de los personajes femeninos.

Geraldine (Alexandra) está maravillosa en su papel y realmente es la mejor razón para ver esta película. Fue nominada al Oscar a la Mejor Actriz no sin razón, y existe una excelente escena cuando ella recibe una llamada telefónica del redactor de Broadway Walter Winchell, quien le dice que su regreso al cine ha tenido éxito. Nada de eso es cierto, pero hay todo un ejercicio de interpretación en la cara de ella cuando se siente manipulada y la vemos expresando una larga serie de emociones, duda, incertidumbre, cinismo, aceptación, espera y felicidad, dando a muchas actrices una lección de interpretación.

Premios:

Nominada a la mejor actriz 1962: Geraldine Page

Oscar al mejor actor secundario 1962: Ed Begley

Nominada a la mejor actriz secundaria 1962: Shirley Knight

HUD

Hud (1963)

Paramount

Drama

112 minutos

Blanco y negro

Panavision

Productor: Martin Ritt y Irving Ravetch

Director: Martin Ritt

Guión: Irving Ravetch, Harriet Frank Jr. y Larry McMurtry Basado en la novela “Horseman, Pass By” de: McMurtry

Fotografía: James Wong Howe

Compositor: Elmer Bernstein

Efectos especiales: Paul K. Lerpae

Vestuario: Edith Head

Intérpretes:

PAUL NEWMAN: Hud Bannon

MELVYN DOUGLAS: Homer Bannon

PATRICIA NEAL: Alma Brown

BRANDON DE WILDE: Lon Bannon

WHIT BISSELL: Burris

JOHN ASHLEY: Hermy

CRAHAN DENTON: Jesse

Sumamente entretenido este Western,

en el cual se mezclan cosas del pasado tradicional de Texas con los Cadillacs, el ganado, los grillos, las radios de transistor y casas antiguas con edificaciones de ladrillo, todo ello en un estupendo negro y blanco que aporta una fotografía visualmente simple, precisa y sencilla.

La película es buena, como la mayoría del binomio Ritt-Newman. Ahora la historia del oeste es más actual y vemos a Hud (Paul Newman), representando al moderno materialista que no duda en presentar su verdadera cara.

Está tratando de escribir un manifiesto contra el sistema bancario, al mismo tiempo que hace malabares con sus inversiones, en un intento de hacerse rico.

Newman tiene energía e ingenio, apoyado sólidamente por su físico y esos ojos que todavía enloquecen a las mujeres. Hay otro personaje que está intentando limpiar su nombre, Homer (Melvyn Douglas), porque es una persona de fuertes principios morales que suele cuidar mucho sus modales y palabras, salvo cuando le vemos en una breve secuencia cuando está en el cine y canta “Clementine". La historia involucra a Hud cuando está queriendo vender una manada que posiblemente esté infectada con una enfermedad grave, pero la rectitud moral de su padre le obliga a que mate al ganado.

También hay un buen papel para

Patricia Neal, como el ama de casa del rancho, una persona bien perfumada y amable, dotada de un buen sentido del humor, aunque en ocasiones es mordaz y grosera. Suele hablar seductoramente, con un sonido vibrante profundamente entonado, y el juego sexual entre ella y Newman tiene la misma temperatura que suele hacer en los días más intensos del verano.

Para muchos se trataba del mejor trabajo del director Martin Ritt, aunque parte del mérito está en el guión de Irving Ravetch y Harriet Frank, Jr., y por supuesto en la novela original de Larry McMurtry “Horseman, Pass By”.

Premios:

Nominada al mejor actor 1963: Paul Newman

Oscar a la mejor actriz 1963: Patricia Neal

Oscar al mejor actor secundario 1963: Melvyn Douglas

Nominada al mejor director 1963: Martin Ritt

Nominada al mejor guión (Basado en un material de otros medios) 1963: Irving Ravetch, Harriet Frank, Jr.

Nominada a la mejor dirección artística 1963: Hal Pereira, Tambi Larsen, Sam Comer y Robert R. Benton

Oscar a la mejor cinematografía 1963: James Wong Howe

SAMANTHA

A New Kind of Love (1963)

Comedia

110 minutos

Color

Productor: Melville Shavelson

Director: Melville Shavelson

Guión: Melville Shavelson

Fotografía: Daniel Fapp

Compositor: Leith Stevens y Erroll Garner

Vestuario: Edith Head, Christian Dior, Lanvin-Castille, Pierre Cardin y Yves Saint-Laurent

Intérpretes:

PAUL NEWMAN: Steve Sherman

JOANNE WOODWARD: Samantha "Sam" Blake

THELMA RITTER: Lena O'Connor

EVA GABOR: Felicianne Courbeau

GEORGE TOBIAS: Joseph Bergner

MARVIN KAPLAN: Harry Gorman

ROBERT CLARY: Albert Sardou

Película menor pero agradable, en la cual Newman es

un cronista deportivo en pos de una noticia importante que le proporcione fama como corresponsal. Hay también una compradora, copiadora habría que matizar, de moda europea (Joanne Woodward), que se encuentra en París para averiguar las tendencias de la moda. Allí se enamora de Paul, lógico, pero él no la hace caso porque es demasiado seria y viste horrorosamente. Cuando ella se pone una peluca rubia, cambia su acento y su indumentaria, el guapo reportero por fin la mira a los ojos, y a otros lugares no menos atractivos.

También vemos a Maurice Chevalier cantando maravillas sobre el amor y París, una de cuyas melodías es la misma que el título del filme.

Premios:

Nominada al mejor vestuario 1963: Edith Head

Nominada a la mejor música 1963: Leith Stevens

EL PREMIO

The Prize (1963)

Espionaje/Drama

136 minutos

Color

Panavision

Productor: Pandro S. Berman

Director: Mark Robson

Guión: Ernest Lehman

Basado en la novela de: Irving Wallace

Fotografía: William Daniels

Compositor: Jerry Goldsmith

Efectos especiales: J. McMillan Johnson, A. Arnold Gillespie y Robert R. Hoag Vestuario: Bill Thomas

Intérpretes:

PAUL NEWMAN: Andrew Craig

EDWARD G. ROBINSON: Dr. Max Stratman

ELKE SOMMER: Inger Lisa Andersen

DIANE BAKER: Emily Stratman

MICHELINE PRESLE: Dr. Denise Marceau

GERARD OURY: Dr. Claude Marceau

KEVIN McCARTHY: Dr. John Garrett

Imitar a Hitchcock es difícil y en ocasiones imposible, por lo que cuando se intenta se cae en el riesgo del fracaso. Si, además, se incorpora en el reparto una actriz tan mala como Elke Sommer, pocas posibilidades hay para salvarla, aunque se cuente con Edward G.

Robinson y Paul Newman.

Newman es ahora un escritor americano que gana el Premio Nobel, suponemos que de literatura, y por ese motivo debe acudir a Estocolmo para asistir a la ceremonia y recoger su galardón. Pero todo se complica cuando aparecen espías del “Telón de acero” que quieren organizar una de las suyas sustituyendo a una de las premiadas por una doble comunista.

Ernest Lehman fue el autor del guión, basándose en la novela de Irving Wallace, y más de un espectador puede que encuentre similitud con el filme “North By Northwest” de Hitchcock que Lehman también escribió.

CUATRO CONFESIONES

The Outrage (1964)

Western

97 minutos

Blanco y negro

Panavision

Productor: A. Ronald Lubin

Director: Martin Ritt

Guión: Michael Kanin

Basado en historias de: Ryunosuke Akutagawa, la película japonesa “Rashomon” (1950) de Akira Kurosawa, y la obra “Rashomon” de: Fay Kanin y Michael Kanin Fotografía: James Wong Howe

Compositor y director musical: Alex North

Efectos especiales: J. McMillan Johnson y Robert R. Hoag Vestuario: Don Feld

Intérpretes:

PAUL NEWMAN: Juan Carrasco

LAURENCE HARVEY: Marido

CLAIRE BLOOM: Esposa

EDWARD G. BOBINSON: Como hombre

WILLIAM SHATNER: Predicador

HOWARD DA SILVA: Explorador

ALBERT SALMI: Sheriff

Nuevamente unidos Ritt y Newman para conseguir un éxito seguro, contando ahora con el aliciente de basarse en una gran película oriental, “Rashomon”, un western de Akira Kurosawa. Pero mientras que “Los siete magníficos” fue un gran éxito basada también en la epopeya oriental “Los siete samurais”, en este caso nos encontramos con un sonoro fracaso que cogió de sorpresa a todos.

El filme es pretencioso, con un increíble Newman encarnando a un bandolero mexicano que se enamora de Claire Bloom, lo mismo que su marido. Afortunadamente contamos con la presencia de Robinson que nos alegra la vida como narrador filosófico.

ELLA Y SUS MARIDOS

What a Way to Go (1964)

20th Century Fox

Danza/Comedia

111 minutos

Color De Luxe

CinemaScope

Productor: Arthur P. Jacobs

Director: J. Lee Thompson

Guión: Betty Comden y Adolph Green

Basado en la historia de: Gwen Davis

Fotografía: Leon Shamroy

Compositor: Nelson Riddle

Dirección artística: Jack Martin Smith y Ted Haworth

Efectos especiales: L.B. Abbott, Dick Smith y Emil Kosa Jr.

Maquetas: Ben Nye, Frank Westmore y Toby Skarstedt

Coreografía: Gene Kelly y Richard Humphrey

Vestuario: Edith Head y Moss Mabry

Intérpretes:

SHIRLEY MacLAINE: Louisa

PAUL NEWMAN: Larry Flint

ROBERT MITCHUM: Rod Anderson

DEAN MARTIN: Leonard Crawley

GENE KELLY: Jerry Benson

ROBERT CUMMINGS: Dr. Stephanson

DICK VAN DYKE: Edgar Hopper

REGINALD GARDINER: Pintor

MARGARET DUMONT: Señora Foster

DICK WILSON: Driscoll

LOU NOVA: Trentino

FIFI DÓRSAY: Baronesa

Delirio de actores famosos y de dólares, para recrear una comedia negra por episodios elaborados por Betty Comden y Adolph Green. La película tenía que haber sido un triunfo económico pero defraudó a casi todos porque los días del esplendor musical de Hollywood habían terminado. Hay quien afirmó que el secreto estaba en el dinero, no en las ideas, y ni cortos ni perezosos invirtieron la mitad del presupuesto en el vestuario y los decorados, además de contratar a prestigiosos artistas.

Y es que contar en la misma película con Shirley MacLaine, Paul Newman, Robert Mitchum, Dean Martin, Gene Kelly, y la legendaria Margaret Dumont, debería haber sido suficiente para asegurar un rotundo éxito, lo que no sucedió.

MacLaine hace el papel de un pájaro de mal agüero para los hombres con los cuales se casa, ya que todos fallecen a los pocos días de su matrimonio. Pero esto que obviamente es malo para ellos no lo es para ella que devenga cada día con más millones. Un día decide romper su maleficio, sin que nadie sepa para qué, y trata de regalar su dinero al estado, pero la toman por loca.

La serie de parodias de la película es algo divertida, y las actuaciones están perfectamente realizadas, especialmente Newman como el pintor obsesionado por su invento que pinta cuadros al son de la música y Kelly como estrella del baile que triunfa y muere aplastado por sus admiradoras. Al final, ella se casa con un hombre pobre y ya es feliz. Increíble.

Premios:

Nominada a la mejor dirección artística en color: Jack Martin Smith, Ted Haworth, Walter M. Scott, Stuart A. Reiss.

Nominada al mejor vestuario en color 1964: Edith Head, Moss Mabry

LADY L

Lady L (1965)

UK

Comedia

107 minutos

Color

Panavision

Productor: Carlo Ponti

Director: Peter Ustinov

Guión: Peter Ustinov

Basado en la novela de: Romain Gary

Fotografía: Henri Alekan

Compositor: Jean Francaix

Efectos especiales: Karl Baumgartner

Vestuario: Marcel Escoffier y Jacqueline Guyot

Intérpretes:

SOPHIA LOREN: Lady L

PAUL NEWMAN: Armand

DAVID NIVEN: Lord Lendale

CECIL PARKER: Sir Percy

CLAUDE DAUPHIN: Inspector Mercier

MARCEL DALIO: Sapper

PHILIPPE NOIRET: Ambroise Gerome

Una anciana que está

conmemorando sus bien llevados ochenta años, decide premiar a sus invitados contando cosas sobre su agitada juventud, lo que parece ser del agrado de todos.

Encabezada por tres extraordinarias estrellas, quienes se mueven con suma elegancia, podemos disfrutar grandemente con esta historia desenfadada ambientada en Londres y París en los primeros días del siglo veinte. Interesante este trabajo de Peter Ustinov, como guionista y escritor, quien tiene también una cortísima secuencia como actor.

HARPER, INVESTIGADOR PRIVADO

Harper (1966)

Warner

Misterio

121 minutos

Color

Panavision

Productor: Elliott Kastner y Jerry Gershwin

Director: Jack Smight

Guión: William Goldman

Basado en la novela “The Moving Target” de: Ross MacDonald Fotografía: Conrad Hall

Compositor: Johnny Mandel

Vestuario: Sally Edwards

Intérpretes:

PAUL NEWMAN: Harper

LAUREN BACALL: Señora Sampson

JULIE HARRIS: Betty Fraley

ARTHUR HILL: Albert Graves

JANET LEIGH: Susan Harper

PAMELA TIFFIN: Miranda Sampson

ROBERT WAGNER: Alan Traggert

ROBERT WEBBER: Dwight Troy

SHELLY WINTERS: Fay Estabrook

Ya tenemos a Paul Newman realizando un esfuerzo supremo para emular a Humphrey Bogart como detective privado en “The Big Sleep”, y para lograrlo nada mejor que contar con su viuda Bacall. Pero imitar lo inimitable es tarea imposible y Newman, con todo lo buen actor que es, está a un paso del ridículo por ello. Pero lo que nadie contaba es que junto a esa imitación había quien estaba interesado en hacer una buena película y lo lograron, al menos si lo juzgamos por el gran éxito en taquilla que consiguió.

Con un fondo social sobre el tráfico de mano

de obra barata y sumisa, vemos a una espléndida Shelley Winters como Fay, acompañada por la no menos eficaz Lauren Bacall. Entre la gran lista de grandes estrellas hay que destacar a Julie Harris, Janet Leigh, Pamela Tiffin, Robert Wagner, Strother Martin, Robert Webber, y Arthur Hill.

CORTINA RASGADA

Torn Curtain (1966)

Espionaje

128 minutos

Color

Universal

Productor: Alfred Hitchcock

Director: Alfred Hitchcock

Guión: Brian Moore

Basado en una historia de: Moore

Fotografía: John F. Warren

Compositor: John Addison

Vestuario: Edith Head

Intérpretes:

PAUL NEWMAN: Prof. Michael Armstrong

JULIE ANDREWS: Sarah Sherman

LILA KEDROVA: Condesa Kuchinska

HANSJORG FELMY: Heinrich Gerhard

TAMARA TOUMANOVA: Bailarina

LUDWING DONATH: Prof. Gustav Lindt

ALFRED HITCHCOCK: Hombre que sostiene al bebé en el Hotel Lobby Esta vez sí tenemos al

auténtico Alfred Hitchcock dirigiendo a Paul Newman en esta historia angustiosa sobre un científico nuclear americano que no está de acuerdo con su país ni con su trabajo. A su lado está la guapa Julie “Mary Poppins” Andrews, como la muchacha que trata de acompañarle con su cuerpo y su amor, además de demostrar que sabe moverse entre espías. Buenas escenas de baile clásico a cargo de Tamara Toumanova.

LA LEYENDA DEL INDOMABLE

Cool Hand Luke (1967)

Prisión

126 minutos

Color

Productor: Gordon Carroll

Director: Stuart Rosenberg

Guión: Donn Pearce y Frank Pierson

Basado en la novela de: Pearce

Fotografía: Conrad L. Hall

Compositor: Lalo Schifrin

Vestuario: Howard Shoup

Intérpretes:

PAUL NEWMAN: Luke

GEORGE KENNEDY: Dragline

J.D. CANNON: Society Red

LOU ANTONIO: Koko

ROBERT DRIVAS: Loudmouth Steve

STROTHER MARTIN: Capitán

JO VAN FLEET: Arletta

Bajo la hábil dirección del director Stuart

Rosenberg, “La leyenda del indomable” consiguió tres nominaciones al Oscar (guión, música y actor principal) y George Kennedy ganó la estatuilla de oro al mejor Actor.

Como nota curiosa, hay que mencionar que estuvo producida por la compañía de Jack Lemmon para la Warner Bros., y que se rodó en Stockton, California, donde se han hecho tantas otras películas durante esos años.

La historia nos habla de Luke (Paul Newman), un solitario que es enviado a una cárcel especial por conducir borracho y armar un desastre. Allí todo es cruel, hasta la comida.

Luke es una persona experta y por eso no está dispuesto a derrumbarse ante esa clase de vida. Hace los trabajos más desagradables, bajo el sol más caliente, y nunca pierde su entusiasmo. El jefe de la banda de convictos, Dragline (George Kennedy), le declara la guerra a Luke y le induce a una pelea a puñetazos totalmente amañada, pero no puede conseguir que Luke se someta a sus mandatos.

Desde ese momento, el respeto que tienen los presos hacia Luke aumenta, sobre todo cuando se rebela contra el maltrato que otorgan los guardias en el campamento. Después, Luke demuestra su valentía y sus habilidades para sobrevivir y gana mayor aprobación de los prisioneros. Por si fuera poco, interviene en un concurso para ver quién se come más huevos de una sola vez y consigue ganar la apuesta comiéndose cincuenta huevos, aunque la indigestión casi le mata.

La madre de Luke, Arletta (Jo Van Fleet), anuncia su visita a la cárcel, pero no puede llegar a él porque está muy enferma y no consigue salir del camión que la transporta.

Cuando Luke se entera que ha muerto sin poder verla por última vez, se vuelve loco y solamente piensa en escaparse. Hace un gran agujero en el suelo de madera y se escapa, pero es apresado de nuevo, aunque intenta la evasión posteriormente.

Como estas huidas minan el prestigio de la cárcel, las autoridades, al mando del capitán (Strother Martin), empiezan una campaña sistemática para romper el espíritu de Luke.

Prueban toda clase de ignominias para quebrar su entereza, pero Luke no se dobla.

Los oficiales sienten que deben acabar con la independencia de Luke porque temen que su conducta desafiante pudiera inspirar a los otros prisioneros para hacerse con el poder.

Finalmente, Luke suplica por su vida a los guardias y les pide misericordia, cambiando así su imagen de hombre fuerte que le había hecho famoso. Pero esta debilidad es fingida y lo que Luke quiere realmente es encontrar el momento oportuno para fugarse.

Las historias sobre los problemas y las torturas en prisión no son nuevas y la mayoría de los actores importantes han realizado en alguna ocasión papeles de convictos, e incluso también actrices de categoría, como Susan Hayward en “Want to live” (¡Quiero vivir!

1958), han logrado fantásticas interpretaciones. Se trata definitivamente de un género que proporciona buenos medios para el lucimiento de las estrellas y Newman lo supo desde el momento que leyó el guión. El hecho es que ahora también tenemos una buena película basada en un argumento sencillo y pocas posibilidades para evitar la claustrofobia. Por eso el mérito es muy grande.

La novela original estaba basada parcialmente en hechos reales, y parece ser que el escritor Pearce había sido un ladrón de cajas de seguridad reformado que había pasado algún tiempo en una de estas prisiones. Pearce hace un pequeño papel en el filme como

“Marinero”, uno que sabe hacer trampas. También hay otros buenos actores secundarios, como Joe Don Baker, Wayne Rogers, y Dennis Hopper, siendo la única mujer que sale la actriz Jo Van Fleet, aunque también tiene una corta aparición Joy Harmon como una chica que está lavando su automóvil.

Premios:

Nominada al mejor actor 1967: Paul Newman

Oscar al mejor actor secundario 1967: George Kennedy

Nominada al mejor guión (Basado en un material de otro medio) 1967: Donn Pearce, Frank R. Pierson

Nominada a la mejor música 1967: Lalo Schifrin

UN HOMBRE

Hombre (1967)

Western

111 minutos

Color

Panavision

Productor: Martin Ritt y Irving Ravetch

Director: Martin Ritt

Guión: Irving Ravetch y Harriet Frank Jr.

Basado en la novela de: Elmore Leonard

Fotografía: James Wong Howe

Compositor y director musical: David Rose

Vestuario: Don Feld

Intérpretes:

PAUL NEWMAN: John Russell

FREDERIC MARCH: Favor

RICHARD BOONE: Grimes

DIANE CILENTO: Jessie

CAMERON MITCHELL: Braden

BARBARA RUSH: Audra Favor

Interesante Western (desde una historia de Elmore Leonard), con Paul Newman disfrazado de un indio huido de su tribu que intenta sobrevivir en el mundo del hombre blanco en territorios de Arizona en 1880.

La película es más un documento social que un western clásico, aunque tampoco faltan las buenas carreras en pos de la diligencia, las peleas y otros tópicos no menos agradables.

Buena actuación de Newman y Diane Cilento.

RACHEL, RACHEL

Rachel, Rachel (1968)

Drama

101 minutos

Color

Productor: Paul Newman

Director: Paul Newman

Guión: Stewart Stern

Basado en la novela “A Jest of God” de: Margaret Laurence Fotografía: Gayne Rescher

Director musical: Jerome Moross

Compositor: Jerome Moross, Erik Satie y Robert Schumann Vestuario: Domingo Rodríguez

Intérpretes:

JOANNE WOODWARD: Rachel Cameron

JAMES OLSON: Nick Kazlik

KATE HARRINGTON: Señora Cameron

ESTELLE PARSONS: Calla Mackie

DONALD MOFFAT: Niall Cameron

TERRY KISER: Predicador

Dirigida y producida por Newman para el lucimiento de su esposa Woodward, el filme es ciertamente agradable y sensible en su análisis de una madura maestra de escuela solterona que intenta salir de ese mundo de castidad que se ha impuesto. Woodward está extraordinaria entre su desconcierto y lo que es razonable, así como en su negativa hacia las costumbres que ese pueblo la imponen. Casi, casi, consiguió el Oscar a la Mejor Actriz.

Premios:

Nominada a la mejor película 1968

Nominada a la mejor actriz 1968: Joanne Woodward

Nominada a la mejor actriz secundaria 1968: Estelle Parsons Nominada al mejor guión (Basado en un material de otro medio) 1968: Stewart Stern COMANDO SECRETO

The Secret War of Harry Frigg (1968)

Guerra/Prisión/Comedia

110 minutos

Color

Techniscope

Director

Jack Smight

Intérpretes:

PAUL NEWMAN

SYLVA KOSCINA

ANDREW DUGGAN

TOM BOSLEY

JOHN WILLIAMS

VITO SCOTTI

JAMES CREGORY

Las desventuras de un militar para rescatar a cinco generales aliados presos de los nazis durante la Segunda Guerra Mundial, salpicado con algunas notas de humor que desvirtúan la idea original bélica.

Obtuvo muy malos resultados en taquilla, aunque en Italia consiguió remontarse DOS HOMBRES Y UN DESTINO

Butch Cassidy and the Sundance Kid (1969)

Western

112 minutos

Color

Panavision

Productor: Paul Monash y John Foreman

Director: George Roy Hill

Guión: William Goldman

Fotografía: Conrad L. Hall

Compositor: Burt Bacharach

Efectos especiales: L.B. Abbott y Art Cruickshank

Vestuario: Edith Head

Intérpretes:

PAUL NEWMAN: Butch Cassidy

ROBERT REDFORD: Sundance Kid

KATHARINE ROSS: Etta Place

STROTHER MARTIN: Percy Garris

HENRY JONES: Bike Salesman

JEFF COREY: Sheriff Bledsoe

GEORGE FURTH: Woodcock

Una película que permanece ya en el recuerdo de los aficionados y especialmente en la mente de los fans de Robert Redford y Paul Newman.

Esta combinación como dos bandidos simpáticos y nada sangrientos, aporta una película a camino entre el drama y la comedia que funciona muy bien.

Hay escenas memorables como el asalto al tren y otras en las cuales se demuestra que ellos tienen mucho que aprender como bandidos eficaces, lo que proporciona no pocas risas al espectador.

La película comienza con Sundance Kid (Redford), un experto jugador tramposo que ha conseguido desplumar incluso a sus amigos, obligándoles a expulsarle de su grupo acusándole de timador y retándole a un duelo a muerte. Pero entonces llega su amigo Butch Cassidy (Newman), a quien no le gustan las matanzas y prefiere utilizar la cabeza para solucionar los problemas, recomendando intensamente a Sundance que entregue el dinero y salga corriendo de allí antes de que empiecen los disparos.

Pero ese consejo no es seguido por los demás y un jugador estafado prefiere matar al tramposo Sundance. En ese momento su amigo Butch se encoge de hombros y reconoce que no puede ayudarle y que prefiere mantenerse al margen. Pero alguien ha mencionado el nombre de Cassidy, un pistolero legendario por haber matado a cientos de hombres, y el jugador estafado reconsidera su postura y propone dividir las ganancias, especialmente cuando recibe un tiro en su revólver y se queda desarmado.

Todo habría acabado felizmente allí, pero cuando Butch y Sundance se marchan con el dinero, otro de los pistoleros reta a Butch a una pelea con cuchillos, puesto que está convencido que sin pistolas no es nadie. Ciertamente no es muy eficaz, pero su adversario se olvidó que también era un tramposo crónico y pierde la pelea.

Y ahora es cuando planean ese asalto al tren que les hemos mencionado y para ello se refugian en la granja de la novia de Sundance, una maestra de escuela llamada Etta (Katharine Ross). Allí Butch monta una bicicleta mientras Sundance juega con su amante a lo que todos sabemos.

“Dos hombres y un destino” sigue hoy día considerado como un filme clásico sobre el western, con actuaciones extraordinarias de Redford y Newman, junto con el no menos buen trabajo de Ross como su condiscípulo hembra. George Roy Hill está acertado en la dirección y consigue capturar el sabor de un rápido marchitamiento del viejo western, ayudado por el buen guión de William Goldman que nos aporta esa gran cantidad de ingenio y humor que le convierte en una delicia para los oídos y la vista.

La recreación de Goldman sobre la vida del Butch Cassidy histórico y de Sundance Kid, es asombrosamente exacta y se muestra con toda fidelidad en la pantalla. Aunque la carrera cinematográfica de Newman estaba empezando a vacilar a causa de sus anteriores fracasos, con su extraordinario papel como el inteligente y parlanchín Cassidy consiguió remontarse. Redford, por su parte, debe agradecer también mucho de su posterior éxito a este filme, puesto que hasta entonces sus películas no habían aportado nada bueno a su carrera.

Premios:

Nominada a la mejor película 1969: John Foreman

Nominada al mejor director 1969: George Roy Hill

Oscar al mejor guión 1969: William Goldman

Oscar a la mejor fotografía 1969: Conrad L. Hall

Oscar a la mejor música 1969: Burt Bacharach

Oscar a la mejor música y canciones 1969: Burt Bacharach y Hal David Nominada al mejor sonido 1969: William Edmundson, David Dockendorf

QUINIENTAS MILLAS

Winning (1969)

Deportes/Romance

123 minutos

Color

Panavision

Productor: John Foreman

Director: James Goldstone

Guión: Howard Rodman

Fotograía: Richard Moore

Compositor: Dave Grusin

Efectos especiales: Frank Brendel

Vestuario: Edith Head

Intérpretes:

PAUL NEWMAN: Frank Capua

JOANNE WOODWARD: Elora

ROBERT WAGNER: Luther Erding

RICHARD THOMAS: Charley

DAVID SHEINER: Lee Crawford

CLU GULAGER: Larry Morechek

Parecía raro que Newman no se decidiera a interpretar las hazañas automovilísticas de un piloto de carreras y ya le tenemos nada menos que corriendo en las 500 millas de Indianápolis. Esta es la historia de un piloto que no acepta quedar en segundo lugar ni en las carreras ni en el corazón de la guapa chica Woodward.

KING: A FILMED RECORD… MONTGOMERY TO MEMPHIS

1970

Documental/Biografía

153 minutos

Blanco y negro

Director: Joseph L. Mankiewicz y Sidney Lumet

Intérpretes:

Clarence Williams III

Vida contada en modo documental de gran categoría sobre el Dr. Martin Luther King desde 1955 hasta su muerte en 1968. Realizada con suma sinceridad, solamente queda estropeada parcialmente por el excesivo protagonismo de los personajes invitados, entre ellos Paul Newman, Joanne Woodward, y James Earl Jones. Por otra parte, la recopilación de los hechos biográficos está bien conseguida y logran impactar en el espectador. La versión que se mostró en televisión duró solamente 90 minutos.

Premios:

Nominada al mejor documental 1970: Ely Landau

UN HOMBRE DE HOY

WUSA (1970)

Drama

115 minutos

Color

Panavision

Productor: Paul Newman y John Foreman

Director: Stuart Rosenberg

Guión: Robert Stone

Basado en su novela “Hall of Mirrors”

Fotografía: Richard Moore

Compositor y director musical: Lalo Schifrin

Vestuario: Travilla

Intérpretes:

PAUL NEWMAN: Rheinhardt

JOANNE WOODWARD: Geraldine

ANTHONY PERKINS: Rainey

LAURENCE HARVEY: Farley

PAT HINGLE: Bingamon

CLORIS LEACHMAN: Philomene

DON GORDON: Bogdanovich

Uno de los diversos proyectos cinematográficos de Newman que apenas tuvieron éxito en taquilla, fracaso que alcanzó incluso la carrera de Joanne Woodward.

Nos habla de un locutor cínico que se convierte en un fiero extremista de derechas cuando trabaja en una emisora de radio de Nueva Orleans. Pronto se da cuenta que ha sido manipulado y que los verdaderos culpables son precisamente quienes le han apoyado.

La trama argumental es sincera pero es difícil hacer una buena película de una historia tan simple y tan poco profunda. La acción está uniformemente bien llevada y hay un par de escenas ciertamente interesantes. .

CASTA INVENCIBLE

Sometimes a Great Notion (1971)

Aventuras

114 minutos

Color

Productor: John Foreman

Director: Paul Newman

Guión: John Gay

Música y letras: Marilyn Bergman

Intérpretes:

PAUL NEWMAN: Hank

HENRY FONDA: Henry

MICHAEL SARRAZIN: Dan

LEE REMICK: Esposa de Hank

“Casta invencible” es otro de los intentos de Newman para demostrar su capacidad como director. Ahora nos muestra una historia anticuada sobre unos clanes orgullosos que levantan sus imperios fuera del desierto. Los personajes son similares a los de otras muchas películas y entre ellos están: un patriarca (Henry Fonda), viejo y orgulloso; un hijo (Paul Newman) que se queda en casa pero mantiene una gran diferencia con su familia; y un hermano (Michael Sarrazin) que regresa a la tierra con toda una serie de vivencias adquiridas y muchas deudas que saldar en su casa.

En ese momento la historia queda ya esbozada, pero entonces Newman empieza complicando el material disponible y propone toda clase de cosas realmente inesperadas, aunque la forma en que él las muestra trata de ser lírica y en ocasiones simpática, algo que ya hizo en “Rachel, Rachel”. Raramente muestra una escena totalmente resuelta, con una conclusión obvia, y tiene un interés especial en evitar el melodrama, dejando para el final de la película todas las explicaciones y las mejores escenas.

La historia tiene lugar durante una huelga de madereros en el Noroeste. Los comerciantes locales (sobre todo un compañero neurótico), están preocupados porque se les acaba el dinero. Los obreros de la madera llegan a la oficina principal para hacer presión con sus peticiones, aunque hay una familia, Stamper, que continúan trabajando desafiando a los huelguistas, a pesar de que Fonda ha tenido un serio accidente que casi le impide trabajar.

Sarrazin, el hermano de Newman por parte de la segunda esposa de Fonda, llega a casa para ayudar, aunque no está en su mejor momento y con su postura aumentan los conflictos. Pronto sugiere a la esposa de Newman (Lee Remick) que sería conveniente que ella se marche del clan familiar de Stamper.

Hay otras cosas en esta historia bastante inciertas, como saber qué es lo que pasa por la mente de Remick durante la mayoría de la película. Su personaje está siempre vacilante y nosotros no llegamos a entender la relación que tiene con su marido.

La escena mejor en la película tiene lugar durante un día de trabajo. Los hombres de Stamper parecen muy pequeños cuando ellos traen árboles enormes que empujan a la tierra, cadenas para envolverles, y cuando los cargan en camiones muy grandes, empleando las máquinas y los músculos al límite. La dirección de esta escena es extraordinaria puesto que entendemos la realidad y el peligro que los troncos grandes provocan en los trabajadores.

Otra escena que revela la buena visión de Newman como director tiene lugar durante la huelga de los madereros. Algunos de los huelguistas invitan a miembros de la familia Stampers a un partido de fútbol. El juego degenera en una reyerta, por supuesto, pero de una manera interesante, puesto que no se convierte simplemente en un acto violento.

Newman lo rueda como si fuera un tipo de crepúsculo, como una escena agridulce.

También muestra mucha habilidad cuando evita que los huelguistas tomen el protagonismo de la película, y su odio por los Stampers parece melodramático. En cambio, ellos aparecen como enemigos torpes, resentidos, y cuando intentan sabotear a una balsa de los Stampers, sólo terminan flotando hacia el mar y tienen que ser rescatados por los Stampers.

Premios:

Nominada al mejor actor secundario 1971: Richard Jaeckel Nominada a la mejor música y canciones 1971: Henry Mancini, Alan Bergman y Marilyn Bergman

THEY MIGHT BE GIANTS (1971)

Comedia

98 minutos

Color

Productor: John Foreman y Paul Newman

Director: Anthony Harvey

Guión: James Goldman

Basado en su obra

Fotografía: Victor J. Kemper

Compositor: John Barry

Vestuario: Ann Roth y Fern Buchner

Intérpretes:

JOANNE WOODWARD: Dr. Mildred Watson

GEORGE C. SCOTT: Justin Playfair - Sherlock Holmes

JACK GILFORD: Wilbur Peabody

LESTER RAWLINS: Blevins Playfair

RUE McCLANAHAN: Daisy

Hemos incluido esta película en la filmografía de Newman por el trabajo que realizó como productor, ya que de no ser así el proyecto se hubiera malogrado. Esta pretendida historia debería ser muy divertida y nos habla de un señor (George C. Scott) quién cree que realmente es Sherlock Holmes y su psiquiatra (Joanne Woodward) es el verdadero Dr.

Watson hecho mujer. Basada en una obra teatral corta, se hizo una versión más extensa para la televisión.

EL EFECTO DE LOS RAYOS GAMMA SOBRE LAS MARGARITAS

The Effect of Gamma Rays on Man-in-the-Moon Marigolds (1972) Drama

100 minutos

Color

20th Century-Fox

Productor: Paul Newman

Director: Paul Newman

Guión: Alvin Sargent

Basado en la obra de: Paul Zindel

Fotografía: Adam Holender

Compositor: Maurice Jarre

Vestuario: Anna Hill Johnstone

Intérpretes:

JOANNE WOODWARD: Beatrice

NELL POTTS: Matilda

ROBERTA WALLACH: Ruth

JUDITH LOWRY: Nanny Annie

RICHARD VENTURE: Floyd

ESTELLE OMENS: Esposa de Floyd

Nuevamente tenemos a

Newman en el doble trabajo de dirigir y producir una película con su mujer de protagonista, con lo cual suponemos que lograron un buen sueldo.

Beatrice (Joanne Woodward), también conocida como Betty la chalada, es una madre frustrada que considera que su vida no tiene ningún aliciente y por ello descarga sus neuras en sus dos hijas (Nell Potts y Roberta Wallach). Aunque la dirección de Paul Newman es sensible y bien equilibrada, la obra de Paul Zindel es esencialmente una versión casi exacta de la obra teatral de gran éxito y nos recuerda demasiado a otras historias de Tennessee Williams y a los métodos interpretativos del Actor’s Studio.

Woodward, con el papel de estrella casi en solitario, tiene la dureza correcta para el papel, pero es bastante difícil cuando intenta convencernos de que tiene, simultáneamente, humildad, ganas de venganza y locura.

EL JUEZ DE LA HORCA

The Life and Times of Judge Roy Bean (1972)

Western/Comedia

120 minutos

Color

First Artists

Productor: John Foreman

Director: John Huston

Guión: John Milius

Fotografía: Richard Moore

Compositor y director musical: Maurice Jarre

Efectos especiales: Butler-Glouner Inc.

Vestuario: Edith Head

Intérpretes:

PAUL NEWMAN: Juez Roy Bean

JACQUELINE BISSET: Rose Bean

AVA GARDNER: Lily Langtry

TAB HUNTER: Sam Dodd

JOHN HUSTON: Grizzly Adams

STACY KEACH: Bad Bob

ANTHONY PERKINS: Rev. LaSalle

VICTORIA PRINCIPAL: Marie Elena

Remake de “El forastero” que tuvo

a Gary Cooper como protagonista, pero estropeado por el sentimentalismo que muestra el personaje escabroso e individualista que encarna Paul Newman. Un western, por tanto, malogrado que trata de recuperar las piezas aprovechables de las viejas películas y que las mezcla con un entusiasmo inadecuado. John Huston dirigió este filme y lo convirtió en una película desagradable y en ocasiones brutal, tomando como base el guión de John Milius, cuya imaginación parece haber sido alimentada por el propio John Ford y cogiendo notas de Kurosawa.

Las escenas más importantes quedan matizadas, y no hay ninguna en especial que podamos destacar. Newman, a su vez, tampoco logró entusiasmar en esta ocasión a sus admiradores en su papel del juez Roy Bean. No obstante, con semejante lista de grandes actores se trata de una película de visión obligada, además de contar con la siempre interesante dirección de Huston el cual, por cierto, también tiene un corto papel como actor.

A destacar, Stacy Keach que tiene un papel cómico como un albino salvaje y Ava Gardner como Lily Langtry. También están acertados Jacqueline Bisset, Roddy McDowall, Anthony Perkins, Tab Hunter, Victoria Principal, Ned Beatty y Anthony Zerbe.

Premios:

Nominada a la mejor música y canciones 1972: Maurice Jarre, Marilyn Bergman y Alan Bergman

LOS INDESEABLES

Pocket Money (1972)

Western

102 minutos

Color

Productor: John Foreman

Director: Stuart Rosenberg

Guión: Terrence Malick y John Gay

Basado en la novela “Jim Kane” de: J.P.S. Brown

Fotografía: Laszlo Kovacs

Compositor: Alex North

Efectos especiales: Don Courtney

Vestuario: Nat Tolmach y Jim Linn

Intérpretes:

PAUL NEWMAN: Jim Kane

LEE MARVIN: Leonard

STROTHER MARTIN: Garrett

CHRISTINE BELFORD: Adelita

KELLY JEAN PETERS: Esposa

FRED GRAHAM: Herb

WAYNE ROGERS: Stretch Russell

Mediocre western sobre un vaquero endeudado y su compañero inquieto que acaban como ganaderos en los años modernos del Far-west. Mezcla de comedia extrañamente suave y escenas tradicionales, la historia se lleva simplemente con resignación gracias a la presencia de Marvin y Newman, además de contar con la buena fotografía de Laszlo Kovacs. El automóvil que conduce Marvin es la cosa más demencial que se haya podido ver en el cine.

EL HOMBRE DE MACKINTOSH

The Mackintosh Man (1973)

Espionaje

105 minutos

Color

Productor: John Foreman

Director: John Huston

Guión: Walter Hill

Basado en la novela “The Freedom Trap” de: Desmond Bagley Fotografía: Oswald Morris

Compositor: Maurice Jarre

Intérpretes:

PAUL NEWMAN: Rearden

DOMINIQUE SANDA: Señora Smith

JAMES MASON: Sir George Wheeler

HARRY ANDREWS: Mackintosh

IAN BANNEN: Slade

MICHAEL HORDERN: Brown

Correcta película de espionaje, considerada reaccionaria por algunos, que tuvo un moderado éxito gracias a la correcta dirección y a sus buenos intérpretes, aunque la historia ya la hemos visto en otras ocasiones. Filmada en Irlanda, Inglaterra, y Malta, es un filme a reconsiderar.

EL GOLPE

The Sting (1973)

Crimen/Comedia

129 minutos

Color

Productor: Tony Bill, Julia Phillips y Michael Phillips Director: George Roy Hill

Guión: David S. Ward

Fotografía: Robert Surtees

Compositor: Scott Joplin y John Philip Sousa

Efectos especiales: Bob Warner y Albert Whitlock

Vestuario: Edith Head

Intérpretes:

PAUL NEWMAN: Henry Gondorff - Mr. Shaw

ROBERT REDFORD: Johnny Hooker - Kelly

ROBERT SHAW: Doyle Lonnegan

CHARLES DURNING: Lt. William Snyder

RAY WALSTON: J.J. Singleton

EILEEN BRENNAN: Billie

HAROLD GOULD: Kid Twist

JOHN HEFFERNAN: Eddie Niles

El binomio Redford-Newman siempre (o casi siempre) ha funcionado bien, especialmente cuando cuenta con un guión ingenioso. En esta ocasión es así y se dispone del aliciente añadido del director George Roy Hill quien conocía perfectamente la forma de sacar el mejor partido de ambos actores. “El Golpe” fue un extraordinario éxito de taquilla y de crítica, y el paso de los años no le ha perjudicado en absoluto. Cada escena la recordamos como algo memorable y forma parte ya de los mejores años de Hollywood.

La historia empieza en septiembre de 1936, en Joliet, Illinois. La ciudad está llena de oficiales corruptos, y la pizarra con los números premiados corre desenfrenada. Cuando el jugador Johnny Hooker (Redford) y su compañero, Luther Coleman (Robert Earl Jones), un artista y veterano vividor, hacen trampas, logran ganancias de hasta 5.000 dólares, aunque ahora se encuentran confundidos por la gente de Chicago y su dirigente, Doyle Lonnegan (Robert Shaw), un gángster temible que mataría a una persona alegremente.

Su lugarteniente es William Snyder (Charles

Durning), quien tiene que acatar sus órdenes porque ha jugado mucho y ha perdido todo su dinero y está amenazado de muerte sino paga su deuda. Luther, que ha decidido retirarse de las trampas del juego y entrar en un negocio legítimo, es asesinado por dos secuaces de Doyle.

Johnny se dirige hacia Chicago para encontrarse con un amigo de Luther, un hombre descrito como “el mayor artista de todos” llamado Henry Gondorff (Newman).

Determinado para vengar el asesinato de Luther, Johnny elabora sus planes para el golpe.

En el sótano de un negocio de Chicago abandonado, Johnny y Henry prepararon una oficina de apuestas falsa. Está llena de hombres que quieren vengar también la memoria de Luther, y por eso están dispuestos a realizar este trabajo. Para anunciar la carrera y los resultados cuentan con el experto J..J. Singleton (Ray Walston), un hombre que posee la misma voz que los comentaristas reales. Johnny y Henry cogen un tren de Nueva York a Chicago en el que Doyle organiza juegos de póker.

En una de las escenas, Henry entra en el juego y se hace pasar por un arrogante personaje que bebe ginebra. Totalmente consciente de la predilección de Doyle por estafar, Henry viene preparado y comienza ganando, primero partidas pequeñas, y luego las grandes. Los demás jugadores caen uno tras otro y dejan sólo a Doyle con Henry.

El juego de ahora no es para demostrar quién es el mejor jugador, sino quién estafa mejor.

Las apuestas se ponen más altas, 15.000 dólares, y cuando Doyle extiende orgullosamente sus cuatro cartas, Henry muestra sus cuatro poderosas sotas. Cuando Doyle intenta pagar descubre que le han robado su billetera (un compinche de Henry) e incapaz de poder pagar le propone algún trato.

En ese momento empieza la gran estafa, cuando Johnny le explica que tiene un sistema por ganar a los caballos que involucran a un amigo que trabaja en el departamento de apuestas y que gracias a él proporciona los resultados un minuto antes del final y así pueden apostar sobre seguro al ganador. Doyle empieza poniendo apuestas para Johnny en el salón falso, y, después de probar que todo funciona según le han dicho, confía en el sistema.

Premios:

Oscar a la mejor película 1973: Tony Bill, Julia Phillips y Michael Phillips Nominada al mejor actor 1973: Robert Redford

Oscar al mejor director 1973: George Roy Hill

Oscar al mejor guión 1973: David S. Ward

Oscar a la mejor dirección artística 1973: Henry Bumstead y James Payne Nominada a la mejor Fotografía 1973: Robert L. Surtees Oscar al mejor vestuario 1973: Edith Head

Oscar al mejor filme editado 1973: William H. Reynolds Oscar a la mejor música 1973: Marvin Hamlisch

Nominada al mejor sonido 1973: Ronald K. Pierce, Robert Bertrand EL COLOSO EN LLAMAS

The Towering Inferno (1974)

Desastres

165 minutos

Color

Panavision

Productor: Irwin Allen

Director: John Guillermin y Irwin Allen

Guión: Stirling Silliphant

Basado en la novela “The Tower” de: Richard Martin Stern y “The Glass Inferno” de: Thomas M. Scortia, Frank M. Robinson

Fotografía: Fred Koenekamp, Joseph Biroc y Jim Freeman Compositor: John Williams

Efectos especiales: A.D. Flowers, Logan R. Frazee y L.B. Abbott Vestuario: Paul Zastupnevich

Intérpretes:

STEVE McQUEEN: Jefe de bomberos Michael O'Hallorhan

PAUL NEWMAN: Doug Roberts

WILLIAM HOLDEN: Jim Duncan

FAYE DUNAWAY: Susan Franklin

FRED ASTAIRE: Harlee Claiborne

SUSAN BLAKELY: Patty Simmons

RICHARD CHAMBERLAIN: Roger Simmons

JENNIFER JONES: Lisolette Mueller

ROBERT WAGNER: Dan Bigelow

“El coloso en llamas” fue un éxito de taquilla extraordinario, uno más de aquella moda de cine catastrófico de los años 70 que proporcionó a la industria americana del cine un impulso a su economía. Con una duración de casi tres horas, la película costó 13 millones de dólares pero su recaudación se multiplicó sin problemas en pocas semanas.

Para los críticos esto no fue motivo suficiente y se encargaron de denigrarla con la misma voracidad que el público acudía a verla. Lo cierto es que es una película agradable y relajante para aquellos que no viven en el piso 20 de un gran rascacielos.

La historia nos habla de un nuevo rascacielos

de 135 pisos en San Francisco, que el director y los técnicos de efectos especiales nos lo muestran como si realmente estuviera en el centro de la ciudad. El edificio ha sido diseñado por el arquitecto Paul Newman, una persona honrada y eficaz, y ha sido financiado por el constructor William Holden que deseaba uno de los mejores edificios del siglo XX. El problema es que quien controlaba todo directamente, hasta la compra de los materiales, era su yerno, Richard Chamberlain, un personaje que no sabe lo que quiere decir la palabra honradez.

Por eso a los pocos minutos de inaugurarse las cosas se complican. Todos los personajes principales llegan al edificio para la gigantesca fiesta y luego suben al restaurante de lujo que existe en la azotea. En ese momento el generador principal empieza a recalentarse y un pequeño incendio se declara en un cuarto trastero. Afortunadamente, el edificio tiene una central de comunicaciones de última tecnología y el sistema de seguridad alerta sobre el problema. Cuando avisan a Newman y a Holden, en principio nadie le concede gran importancia, pero recomiendan que abandonen la azotea cuanto antes por motivos de seguridad.

Que el edificio más seguro del mundo esté en peligro no es admisible, ni siquiera cuando la mayoría de los sistemas antifuego fallan y los operarios deben acudir a los tradicionales extintores manuales. El sistema eléctrico comienza a fallar cuando las llamas se propagan, las tuberías del gas estallan y pronto algunos pisos de la gran torre son pasto de las llamas.

En ese momento llega Steve McQueen, el jefe de bomberos, la máxima autoridad en estos casos, quien obliga a desalojar todo el edificio, por si acaso. Él es una persona tranquila, vivaz y valeroso, pero no confía ni en el fuego aparentemente inofensivo de una cerilla, mucho menos cuando algunos de sus hombres empiezan a arder. Manejándose con precisión, se da cuenta que todo el sistema de seguridad está a punto de fallar y si no salen todos al exterior no habrá manera de salvarles. Cuando los ascensores principales se estropean intenta sacarles por el ascensor exterior, pero también se queda sin él a los pocos minutos. No hay escapatoria para la gente que está en el restaurante de la azotea.

En ese momento el espectador está también al rojo, siente que las llamas le rodean y que debe abandonar la sala de proyección, especialmente cuando las explosiones amplificadas del sonido estéreo le aturden aún más.

“El coloso en llamas” es, de hecho, una obra maestra del cine de catástrofes y no nos importa lo que los críticos puedan decir. Pero también es una buena muestra de la maestría de los efectos especiales, cuando todo había que generarlo a pulso, sin ordenadores.

El productor, Irwin Allen, el mismo autor de otra maravilla titulada “La aventura del Poseidon”, también dirigió las escenas más complicadas junto con Guillermin. Debemos reconocer que el mayor interés radica precisamente en estas escenas, tantas y tan seguidas que no hay lugar para el aburrimiento. Junto a todo ello tenemos a una gran cantidad de estupendos actores, algunos pertenecientes a la época dorada de Hollywood, entre ellos Fred Astaire y Jennifer Jones.

El problema es que no tenemos tiempo para preocuparnos de sus problemas personales porque el fuego nos amenaza. La película proporciona cinco escenas extraordinarias: una, cuando Paul Newman intenta salvar a una mujer con sus dos hijos a través de una escalera que no sirve nada más que para dar sustos. Dos, todas las personalidades aguardan aterrorizadas en el restaurante de la terraza del piso 135. Tres, la mezquindad de muchas personas aparentemente encantadoras cuando la vida les pone a prueba. Cuatro, la coordinación del cuerpo de bomberos para apagar lo imposible. Y cinco, la explosión final de los 2 millones de litros de agua que debe apagar el fuego sin más complicaciones.

Todo este conglomerado de elementos son manejados hábilmente por Allen y su director, John Guillermin quienes deben, además, incluir algunas escenas de amor, de ternura, de heroísmo y de maldad, para que no creamos que estamos ante un simple documental de la soberbia humana. Afortunadamente, no caen en la trampa de hacer que estas historias ocupen demasiado tiempo y solamente se mezclan con el tema principal, el fuego, para dar un respiro al espectador y que no se desmaye de la tensión.

El edificio también es otro gran protagonista y ello es un mérito añadido. Al principio nos lo muestran poderoso, casi con inteligencia para solucionar por sí solo los problemas, pero cuando la primera explosión desgarra los suelos y el sistema telefónico comienza a fallar, nos damos cuenta que es un gigante con pies de barro.

Pero hay que agradecer también a la productora el que nos incluya a actores de la categoría de Steve McQueen y Paul Newman, puesto que de ese modo nuestra atención hacia la pantalla es absoluta y sentimos pena por los numerosos problemas que tienen. Cuando ambos desarrollan un compañerismo intenso bajo el fuego nos demuestran que son muy humanos, aunque también nos aclaran que son muy serenos ante la adversidad cuando dicen, al final, aquello de: “Nosotros tuvimos suerte hoy, han muerto solamente 200

personas. Uno de estos días serán 10.000 personas las que van a morir en una trampa como esta”. En ese momento Newman no dice nada, pero asiente con la cabeza.

Premios:

Nominada a la mejor película 1974: Irwin Allen

Nominada al mejor actor secundario 1974: Fred Astaire

Nominada a la mejor dirección artística 1974: William Creber, Ward Preston y Raphael Bretton

Oscar a la mejor Fotografía: 1974: Fred J. Koenekamp, Joseph Biroc Oscar al mejor filme editado 1974: Harold F. Kress, Carl Kress Nominada a la mejor música 1974: John Williams

Oscar a la mejor música y canciones 1974: Al Kasha, Joel Hirschhorn Nominada al mejor sonido 1974: Theodore Soderberg, Herman Lewis BUFFALO BILL

Buffalo Bill and the Indians, or Sitting Bull's History Lesson (1976) Western

120 minutos

Color

Panavision

Director:Robert Altman

Intérpretes:

PAUL NEWMAN

JOEL GREY

KEVIN McCARTHY

BURT LANCASTER

GERALDINE CHAPLIN

HARVEY KEITEL

Versión descafeinada de Altman sobre le legendario Búfalo Bill, recreada bajo un prisma cómico que no le hace justicia y que molestó a más de uno. Solamente soportable por los buenos actores que intervienen

CON EL AGUA AL CUELLO

The Drowning Pool (1976)

Misterio

108 minutos

Color

Panavision

Productor: Lawrence Turman y David Foster

Director: Stuart Rosenberg

Guión: Tracy Keenan Wynn, Lorenzo Semple Jr. y Walter Hill Basado en la novela de: Ross MacDonald

Fotografía: Gordon Willis

Compositor: Michael Small y Charles Fox

Vestuario: Donald Brooks

Intérpretes:

PAUL NEWMAN: Harper

JOANNE WOODWARD: Iris Devereaux

ANTHONY FRANCIOSA: Detective Broussard

MURRAY HAMILTON: Kilbourne

GAIL STRICKLAND: Mavis Kilbourne

MELANIE GRIFFITH: Schuyler Devereaux

LINDA HAYNES: Gretchen

Un intento de Paul Newman para recuperar la figura del detective privado Harper (basado en el personaje de Ross MacDonald) que tanto éxito había tenido anteriormente. Aunque se trata de un filme ingenioso es demasiado lento, tanto como en las mejores películas de Bogard. Buen trabajo de Newman, Woodward y una meritoria Melanie Griffith.

LA ÚLTIMA LOCURA DE MEL BROOKS

Silent Movie (1976)

Comedia

86 minutos

Color

Productor: Michael Hertzberg

Director: Mel Brooks

Guión: Mel Brooks, Ron Clark, Rudy DeLuca y Barry Levinson Basado en una historia de: Clark

Fotografía: Paul Lohmann

Compositor: John Morris

Efectos especiales: Ira Anderson Jr.

Coreografía: Rob Iscove

Vestuario: Patricia Norris

Intérpretes:

MEL BROOKS: Mel Funn

MARTY FELDMAN: Marty Eggs

DOM DE LUISE: Dom Bell

BERNADETTE PETERS: Vilma Kaplan

SID CAESAR: Jefe del Estudio

HAROLD GOULS: Engulf

PAUL NEWMAN

LIZA MINNELLI

BURT REYNOLDS

ANNE BANCROFT

Si ven la película con la pretensión de disfrutar de la presencia de Newman, olvídense de su propósito puesto que su actuación es puramente simbólica. No obstante, si es aficionado a las películas de Brooks no se la pierda, especialmente los primeros minutos cuando Mel Brooks, Marty Feldman, y Dom De Luise corren veloces por las calles de Los Angeles en un automóvil de deportes minúsculo. Cuando ellos pasan delante de una señora embarazada que espera en una parada de autobús, dicen que hay que llevarla en su coche y por eso la ponen en la parte trasera; la suspensión baja tanto que las ruedas delanteras quedan al aire.

Para muchos detractores, las películas de Mel Brooks son pura basura, especialmente porque le consideran un anarquista que se burla de todas las reglas. Sus películas nos muestran un universo en el que todo es posible y este “La última locura de Mel Brooks”, corre el riesgo de ser la cumbre del despropósito. Pero algo bueno debe tener para los espectadores desde aquel inmejorable “El jovencito Frankenstein” y “Máxima ansiedad”.

“La última locura de Mel Brooks” es una obra cómica, y en ocasiones muy divertida.

La historia que nos cuenta ahora nos habla de un director de cine al borde de la quiebra, cuya carrera consiste solamente en pequeños cortometrajes, y que hace una propuesta a los estudios para rodar una película muda con la participación de las estrellas más famosas.

La buena fama de que dispone Brooks en Estados Unidos logró el milagro de reunir a unas cuantas superestrellas en su película, y además de las cuatro que mencionamos en el cast hay otras muchas que dejamos que las descubran poco a poco. Todo el argumento gira en torno a una gran cantidad de gags que, milagrosamente hilvanados, logran un argumento coherente.

Hay chistes que no funcionan, especialmente después de una hora de proyección, pero creo que se debe ya al agotamiento de nuestra reserva de risas y no porque no tengan gracia.

También hay escenas normales, como en las películas clásicas, como la que involucra a una máquina de Coca-cola, el comportamiento del caballo del tiovivo, la mosca en la sopa y la escena en la sala de fiestas.

EL CASTAÑAZO

Slap Shot (1977)

Deportes

122 minutos

Color

Productor: Robert J. Wunsch y Stephen Friedman

Director: George Roy Hill

Guión: Nancy Dowd

Fotografía: Victor J. Kemper

Compositor: Elmer Bernstein

Vestuario: Tom Bronson

Intérpretes:

PAUL NEWMAN: Reggie Dunlop

STROTHER MARTIN: Joe McGrath

MICHAEL ONTKEAN: Ned Braden

JENNIFER WARREN: Francine Dunlop

LINDSAY CROUSE: Lily Braden

JERRY HOUSER: "Killer" Carlson

ANDREW DUNCAN: Jimm Carr

“El Castañazo” es una película de violencia, ambientada en el mundo violento del hockey, en donde hay tanto lugar para el juego como para los golpes. También hay palabrotas y obscenidad, algo que el cine asimiló como normal y que ya nos muestra en cualquier película. La mayoría del público acaba riéndose y hasta alegrándose por el equipo de hockey que lleva Newman y espera pacientemente a que machaque sin piedad a su adversario.

Newman interpreta al veterano jugador de los Jefes de Charlestown, un equipo menor en la liga nacional. Los Jefes han estado perdiendo mucho, y hay rumores que serán vendidos o, peor aún, desaparecerán para siempre. Los pocos entusiastas que consiguen atraer se entretienen abucheándoles y tirando cosas contra ellos. Todos están dispuestos a tirar la toalla, excepto Newman.

Si Los Jefes empiezan ganando, razona, sería mejor

vender que desaparecer. Es necesario que permanezcan juntos, y así él podría seguir jugando al hockey algunos años más, ahora que el final está ya cerca.

¿Pero cómo pueden empezar los Jefes a ganar? Jugando un hockey agresivo, alega, aunque eso significa luchar mucho. Por eso el gerente general del equipo trae a tres jóvenes extraños conocidos como los hermanos Hanson que tienen narices grandes y lentes porque son miopes. Newman se los encuentra en la estación, mientras golpean furiosamente una máquina de Coca-cola, y los lleva a su hotel, donde se asombra que en sus maletas solamente lleven juguetes.

Los Hansons siempre hablan al mismo tiempo, y la mayoría de las veces ni se les entiende, pero en el hielo son increíbles. Son tan agresivos que apenas empiezan a jugar ganan.

Atacan a los jugadores en el banco, y también a los aficionados que están en las gradas.

Pronto los Jefes empiezan ganando, y consiguen su propio club para promocionarse, aunque en ese momento su jefe (Newman) está distraído un poco porque su esposa se quiere divorciar.

En el momento de su estreno, hubo miembros del público que encontraron “El Castañazo” una de las películas más ofensivas de la historia. Trajo un idioma de barrios bajos, impropio de un deporte y lo incluyó como habitual, como algo a imitar. Trajo a los oídos de los espectadores palabras que antes nadie había oído en el cine y quizá ni siquiera en la vida real.

El director George Roy Hill, tiene una buena técnica para contar historias en un tiempo determinado y el guión de Nancy Dowd le proporciona mucho material para trabajar.

Muchas de las risas llegan justo en los momentos más violentos, como cuando los hermanos Hanson empiezan su matanza. Hay también un improvisado desnudo sobre el hielo, hacia el final de la película, que aunque es de agradecer para aliviar la tensión nos parece poco adecuado.

QUINTETO

Quintet (1979)

Ciencia Ficción

110 minutos

Color

Productor: Robert Altman

Director: Robert Altman

Guión: Patricia Resnick, Robert Altman y Frank Barhydt Intérpretes:

PAUL NEWMAN: Essex

VITTORIO GASSMAN: St. Christopher

FERNANDO REY: Griger

BIBI ANDERSSON: Ambrosia

BRIGITTE FOSSEY: Vivia

“Quinteto” de Robert Altman es una obra pretenciosa, con un buen argumento que no funciona en la pantalla. Aunque Altman ha conseguido hacer casi siempre buenas películas y en ocasiones obras maestras, ahora logra un perfecto fracaso.

La historia es un juego de fantasía sobre el futuro, en un mundo en el cual los hielos han invadido toda la tierra y las ciudades. Los continentes y las casas permanecen enterrados en la nieve, y los humanos supervivientes viajan grandes distancias para encontrar restos de civilización. La trama, en sí, parece buena, pero todo empieza a tambalearse cuando el futuro está centrado en un hotel habitado por personas de muchas nacionalidades y presidido por el misterioso St. Christopher, a quien consideran como un Mesías.

Los asesinatos son dictados por Quinteto, un juego terrible en el cual perder significa morir y que sus órganos sean utilizados para comerciar con ellos.

Lo mejor del filme debería estar en los actores, en especial en Paul Newman, ahora como un trampero que sale del frío y le vemos metido en las intrigas de ese hotel. Otras personas, sobre todo Bibi Andersson, Vittorio Gassman y Nina Van Pallandt, aportan esa nota de interés que mencionamos. La acción comienza cuando vemos esos cuerpos muertos.

Una de las estrellas de la película, Fernando Rey, dijo en una entrevista que Altman estaba nervioso por acabar la película cuanto antes y que en ocasiones la dirección parecía en manos de los actores, y no del director. Incluso, añadió, tuvo problemas con la producción y ni siquiera vio la película una vez terminada.

Por eso es posible que “Quinteto” no represente una película terminada, y ni siquiera sea la versión que pretendía Altman.

LA CAJA DE LAS SOMBRAS

The Shadow Box (1980)

100 minutos

Color

Director

Paul Newman

Intérpretes:

JOANNE WOODWARD

CHRISTOPHER PLUMMER

VALERIE HARPER

JAMES BRODERICK

SYLVIA SIDNEY

Nuevamente Newman dirigiendo a su mujer Woodward en esta obra de Michael Cristofer ganadora de un Premio Pulitzer y un Tony. El guión nos lleva a tres pacientes enfermos terminales y sus familias durante un día, en una casa rústica experimental en California.

Una historia poderosa y profunda, a la medida de sus protagonistas.

EL DIA DEL FIN DEL MUNDO

When Time Ran Out… (1980)

Desastres

121 minutos

Color

Panavision

Director

James Goldstone

Intérpretes:

PAUL NEWMAN

JACQUELINE BISSET

WILLIAM HOLDEN

JAMES FRANCISCUS

EDWARD ALBERT JR.

RED BUTTONS

BARBARA CARRERA

“El día del fin del mundo” debería haber sido una buena película de catástrofes de Irwin Allen pero se quedó en una muy mediocre historia con malos efectos especiales que ni siquiera la traca final, la erupción del volcán, consiguió mejorar. Existe una versión extendida en vídeo de más de 140 minutos que les recomendamos solamente si son fans de Paul Newman o de William Holden. Tampoco se la deben perder los admiradores de Jacqueline Bisset y Bárbara Carrera, quienes rivalizan por ser las actrices más guapas del cine.

Premios:

Nominada al mejor vestuario 1980: Paul Zastupnevich

AUSENCIA DE MALICIA

Absence of Malice (1981)

Drama

116 minutos

Color

Productor: Sydney Pollack

Director: Sydney Pollack

Guión: Kurt Luedtke

Fotografía: Owen Roizman

Compositor: Dave Grusin

Vestuario: Bernie Pollack

Intérpretes:

PAUL NEWMAN: Michael Gallagher

SALLY FIELD: Megan Carter

BOB BALABAN: Rosen

MELINDA DILLON: Teresa

LUTHER ADLER: Malderone

BARRY PRIMUS: Waddell

JOSEF SOMMER: McAdam

Hay dos maneras de ver “Ausencia de malicia” por lo menos, y yo propongo hacerlo con la segunda. La primera opción sería criticar la exposición en esta película sobre un reportero de un periódico investigador, en la cual nos dicen que ningún periodista respetable haría las cosas que Sally Field hace en la vida, y más estando Paul Newman en esta película.

Ella es una desgracia para su profesión y su comportamiento parece indigno, especialmente cuando tiene que hacer una investigación confidencial. En ese momento se involucra personalmente con la investigación y por eso se enamora de Paul Newman.

Cuando le sucede esto escribe en su periódico una historia muy diferente a la real y por ello un espectador inocente se suicida.

El asunto que nos planteamos es si en verdad los reporteros que investigan suelen cometer los mismos errores que Sally Field, tantas indiscreciones, y tanta carencia de ética en su profesión. Nosotros creemos, sinceramente, que sí, que es algo habitual con tal de ganar dinero o fama con un reportaje. Por eso no encontramos extraño su comportamiento y sabemos que es más habitual de lo que parece, puesto que a muchos periodistas no les interesa investigar la verdad, menos rentable que la mentira.

Y eso nos lleva ahora a lo segundo, a lo socialmente responsable, a lo romántico y a lo honrado. La película es correcta aunque plantea numerosos problemas éticos que interesan a los espectadores. Si nos dedicamos al periodismo podemos saber con rapidez dónde radica el fallo de una película sobre periodistas, pero ahora es posible que nos encontremos más perdidos que cuando intentamos juzgar la capacidad de Indiana Jones como arqueólogo.

Por eso le recomendamos que juzguen a la película no como algo que cuestiona la honestidad y honradez de los periodistas, sino una historia sobre el coraje de una mujer y la venganza de un hombre común. Si lo hace así es cuando disfrutará de ella. El reportero femenino es Sally Field y tiene una buena actuación como una mujer seria, nerviosa y amable que comete errores cuando escucha demasiado a su corazón, a su ambición, o a su editor, o sea, casi siempre.

El personaje de Paul Newman es el de un distribuidor de licores que parece totalmente inocente del asesinato que se está investigando. Pero como su padre era un Mafioso, su nombre aparece en la prensa, y le fuerza a vengarse de manera inteligente y perversa, pero que satisface al público.

Premios:

Nominada al mejor actor 1981: Paul Newman

Nominada a la mejor actriz secundaria 1981: Melinda Dillon Nominada al mejor guión 1981: Kurt Luedtke

DISTRITO APACHE

Fort Apache, The Bronx (1981)

Crimen

125 minutos

Color

Productor: Martin Richards y Tom Fiorello

Director: Daniel Petrie

Guión: Heywood Gould

Sugerido por las vivencias de: Thomas Mulhearn y Pete Tessitore Fotografía: John Alcott

Compositor: Jonathan Tunick

Vestuario: John Boxer

Intérpretes:

PAUL NEWMAN: Murphy

EDWARD ASNER: Connolly

KEN WAHL: Corelli

DANNY AIELLO: Morgan

RACHEL TICOTIN: Isabella

PAM GRIER: Charlotte

KATHLEEN BELLER: Theresa

TITO GOYA: Detective Jumper

“Distrito apache” es una sencilla historia sobre un sencillo policía, basada, dicen, en un personaje real que solía trabajar en la peor área del Bronx, en Nueva York. Ese lugar parece siempre una bomba a punto de explotar o de un fuego que arrasa edificios y personas, aunque los autores del guión trataron de mostrarnos más intensamente a las personas que viven y sufren en ese distrito. Pero esa buena intención no tuvo su premio y el resultado es simplemente una exposición de los problemas que tienen los policías cuando intentan solucionar algo imposible.

No obstante, si la mira con detenimiento, es posible que encuentre buenas ideas entremezcladas. Por ejemplo, hay momentos intensos cuando se hace investigación por la ciudad, lo mismo que cuando vemos a una persona pegando y riñendo a sus muchachas, o cuando un policía persigue a un ladrón y hace una pausa para tomar aliento y fumarse un cigarrillo.

Pero después las cosas son

similares y hay demasiadas escenas prescindibles y que suponemos se han incluido para rellenar los minutos del filme y no como parte esencial. Nosotros comprendemos que de algún modo en Hollywood no han podido o no han querido conseguir un buen material y en cambio han escogido el camino más sencillo.

Paul Newman soporta toda la película y está muy acertado en su personaje. Su papel consiste en un policía llamado Murphy, quien se enamora de una enfermera, y al mismo tiempo se ve inmerso en un asesinato que compromete a uno de sus compañeros y por eso encuentra muchos problemas adicionales. También aparece Pam Grier, una prostituta toxicómana que vaga por las calles y que mata a un par de policías.

Hay varias escenas enteras que parecen haber sido puestas sin ningún propósito especial y que incluyen una en la que Newman y su compañero intentan hablar a un travestido que termina saltando desde una azotea, y otra en la que Newman entrega a un bebé. La escena culminante es cuando unos narcotraficantes son agujereados por las balas de los agentes del SWAT.

VEREDICTO FINAL

The Verdict (1982)

Drama

129 minutos

Color

Productor: Richard D. Zanuck y David Brown

Director: Sidney Lumet

Guión: David Mamet

Basado en la novela de: Barry Reed

Fotografía: Andrzej Bartkowiak

Compositor: Johnny Mandel

Vestuario: Anna Hill Johnstone

Intérpretes:

PAUL NEWMAN: Frank Galvin

CHARLOTTE RAMPLING: Laura Fischer

JACK WARDEN: Mickey Morrissey

JAMES MASON: Ed Concannon

MILO OŚHEA: Juez Hoyle

LINDSAY CROUSE: Kaitlin Costello Price

EDWARD BINNS: Bishop Brophy

Hay un momento en “Veredicto final”, cuando

Paul Newman entra en un cuarto, cierra la puerta y comienza a temblar con ansiedad, en el cual sabemos que esa persona tiene un grave problema. Cualquier persona que hay tenido serios problemas en la vida y que haya necesitado una bebida para soportarla, se reconocerá inmediatamente. Esta es la esencia del filme, una historia sobre un alcohólico que intenta salir adelante para recuperar su autoestima.

Newman interpreta a Frank Galvin, un abogado de Boston que ha tenido problemas durante algunos años, cuando se quedó sin trabajo, su esposa se divorció quizá por ello, y ninguno de sus amigos le ayudó, salvo dándole consejos gratis.

Dicen que tiene un problema con la bebida, pero en realidad su problema es otro. Para no hundirse, pasa sus horas libres (casi todas) jugando al billar y bebiendo cerveza, y en ocasiones whisky irlandés en solitario, pues no hay una sola mujer en el mundo que esté interesada en una persona así. El compañero de Galvin, un abogado llamado Mickey Morrissey (Jack Warden) intenta conseguirle trabajo en un caso sencillo, un caso de negligencia contra un hospital católico en Boston donde una mujer joven se convirtió en un vegetal debido a una equivocación médica. El caso parece sencillo de resolver y si todo sale bien podrá ganar el suficiente dinero para brindar por su futuro.

Cuando Galvin acude al hospital para ver a la víctima del error, donde se encuentra en coma, algo cambia en su interior. Está determinado a probar esa negligencia, y para demostrar que los doctores que la trataron son culpables de incompetencia y deshonestidad, se enfrenta a casi todos. En la mente de Galvin, está el verse así mismo en un coma alcohólico similar y sabe que solamente encontrará su redención en la sala del tribunal.

El guión de David Mamet aporta muy buenos diálogos y personajes habituales en los tribunales, pero el drama expuesto supone un buen trabajo.

Tanto el director Sidney Lumet, como la estrella Paul Newman, parecen querer algo más y por eso “Veredicto final” es más un estudio de sus personajes que una película de intriga.

Frank Galvin le proporciona la ocasión a Newman para uno de sus mejores trabajos. Esta es la primera película en la que Newman aparece ya envejecido, cansado y hay momentos en los cuales le vemos su cara marchita y con los ojos cansados, tal y como los hombres de su edad suelen estar. Newman no por ello está menos atractivo y metido en su personaje nos aporta una fuerte vitalidad y viveza de movimientos, aunque debe disimular su entusiasmo para que su personaje sea creíble. Como en tantas otras películas, debe reprimirse para no parecer tan grande, tan magnífico.

Otras buenas actuaciones las tenemos en Jack Warden como su compañero de trabajo, en Charlotte Rampling la mujer igualmente alcohólica de quien Galvin se enamora imprudentemente, en James Mason como el abogado del hospital y Milo O'Shea, como el juez políticamente aprisionado.

Para algunos “Veredicto final” puede ser algo lenta, quizá porque no siempre hay escenas intensas o de acción, como es habitual en los thrillers. Pero lo más importante es lo que Frank Galvin está pasando, y no hay un momento en esta película en que no lo veamos o percibamos. La película tiene mucha verdad en el tema que plantea y hay una escena final intensa cuando Newman, todavía bebiendo, considera que su victoria es simplemente una derrota.

Premios:

Nominada a la mejor película 1982: Richard D. Zanuck y David Brown Nominada al mejor actor 1982: Paul Newman

Nominada al mejor actor secundario 1982: James Mason

Nominada al mejor director 1982: Sidney Lumet

Nominada al mejor guión 1982: David Mamet

HARRY E HIJO

Harry and Son (1984)

Drama

117 minutos

Color

Productor: Ronald L. Buck y Paul Newman

Director: Paul Newman

Guión: Paul Newman

Intérpretes:

PAUL NEWMAN: Harry

ROBBY BENSON: Howard

ELLEN BARKIN: Katie

WILFORD BRIMLEY: Tom

OSSIE DAVIS: Raymond

JOANNE WOODWARD: Lilly

MORGAN FREEMAN

Para muchos, esta historia es una autobiografía de Paul Newman, conmocionado por la muerte prematura de su hijo por sobredosis de drogas. Nos aporta datos sobre sus relaciones, sus problemas, sus riesgos emocionales y sus vivencias, datos todos que conocemos superficialmente por las declaraciones que la familia Newman realizó en el momento de la muerte del joven.

“Harry e hijo” debería haberse titulado sin pudor Newman e hijo. En este caso el protagonista es un obrero de la construcción y su trabajo le absorbe totalmente su tiempo libre y por tanto su vida familiar, hasta tal punto que la familia está a punto de naufragar.

Un día, se pone furioso y no es consciente de lo que está haciendo y pierde el control, marchándose de casa.

Su hijo, Howard, tiene la ambición de ser escritor. Otras personas en la vida de Harry incluyen a su hermano (Wilford Brimley), quien lleva una tienda de artículos del Ejército, y su hija, que no se lleva bien con él porque éste odia a su marido a quien considera un calzonazos. A veces Harry visita una tienda de la localidad, donde la dueña, una viuda amable (Joanne Woodward), ha estado enamorada de él durante años.

Esa mujer tiene una hija, novia anterior de Howard, y ahora embarazada, pero no de Howard. Éste, mientras tanto, tiene un asunto con una ninfómana, que estaciona su automóvil en el garaje del chico. Ella suele tener orgasmos intensos cuando oye ruidos y por eso necesita siempre varones que la hagan vibrar. A Howard se le ocurre la feliz idea, para quitársela de encima (o debajo) de emparejarla con Harry. Cuando se ven, ella le dice que le gustaría hacerse fotos en el momento del delirio.

Howard consigue un trabajo pero pronto se lo arrebatan y coincidentemente Harry también se queda sin empleo. Intenta conseguir trabajo, pero tiene miedo a una desconocida enfermedad que le atormenta. Ahora se siente un fracasado, se emborracha y termina enfadado con su familia.

La película podría haber funcionado bien si los personajes menos importantes no ocuparan tantos minutos y se hubiera concentrado el peso de la historia en Harry y su hijo. Podría haber sido también una buena sátira de los problemas tradicionales en las familias, pero al no existir notas cómicas desemboca en un melodrama con poco interés.

EL COLOR DEL DINERO

The Color of Money (1986)

Deportes/Drama

119 minutos

Color

Productor: Irving Axelrad y Barbara De Fina

Director: Martin Scorsese

Guión: Richard Price

Basado en la novela de: Walter Tevis

Fotografía: Michael Ballhaus

Compositor: Robbie Robertson

Consejero técnico: Michael Sigel

Efectos especiales: Smith Corto

Composición: Monty Westmore

Vestuario: Richard Bruno

Intérpretes:

PAUL NEWMAN: Eddie

TOM CRUISE: Vincent

MARY ELIZABETH MASTRANTONIO: Carmen

HELEN SHAVER: Janelle

BILL COBBS: Orvis

KEITH McCREADY: Grady Seasons

BRUCE A. YOUNG: Moselle

Si esta película hubiera sido dirigida por otro director, quizá la acogida hubiera sido diferente porque nadie hubiera esperado tanto. Pero

“El Color del dinero”, dirigida por Martin Scorsese, uno de los directores americanos más excitantes del momento, nos deja un poco fríos.

No tiene la emoción, ni la tensión de otros de sus anteriores trabajos, y como resultado la historia se nos muestra muy sencilla y sin pretensiones.

Scorsese puede haber pensado que esta película, con este argumento, no era apta para nada revolucionario y que para lograr éxito tenía que hacer algo deliberadamente convencional, con actores importantes y un tema popular; y quizá tenga razón.

Pero quienes admiramos a Scorsese, y sabemos que él tiene alma de artista, esperamos que ponga su corazón en cada película. Y su trabajo ha sido, hasta ahora, crear nuevas películas, historias completamente personales sobre personajes que aunque son de ficción se nos antojan sumamente conocidos.

“El color del dinero” no es una película habitual en Scorsese, pero al menos nos encontramos con detalles de su inspiración más reciente. La historia se parece a “Fast Eddie” Felson, el personaje interpretado por Paul Newman en “El buscavidas” (1961) de Robert Rossen, hace ya veinticinco años. Ahora Eddie es un vendedor de licores, tiene éxito y maneja un Cadillac blanco muy grande que exhibe con mucho orgullo. Una noche, él ve a un chico que está en el salón, y el chico es tan bueno que los recuerdos de Eddie se materializan.

Pero este chico no es absolutamente bueno. Según observa Eddie, tiene ciertas habilidades y eso le da una idea: con ambos en su negocio, este joven podría conseguir muchos clientes y jugadores. Su desafío consiste en entrenar al joven para que actúe como señuelo y tentación, mientras él gana dinero.

El joven se llama Vincent (Tom Cruise), y Eddie le conoce a través de la novia de Vincent, Carmen (Mary Elizabeth Mastrantonio). Ella es algo mayor que Vince y mucho más dura. Le gusta la excitación de estar junto a Vince y alrededor del juego, pero Eddie nota que ella se aburre. Pronto se le ocurre la idea de hacer un trato con la muchacha. Los dos juntos controlarán a Vince y lo dirigirán para que atraiga el dinero.

Muchas de las primeras escenas que preparan esta situación están muy bien manejadas, sobre todo los momentos cuando Eddie trata de que Carmen vuelva celoso a Vince y conseguir minar así su autoconfianza. Todas estas escenas están correctas y forman parte tanto de la historia como de la propia sensibilidad de Scorsese. En todas sus mejores películas, nosotros podemos ver esta misma ambigüedad sobre el papel de las mujeres que son mostradas como objetos de consuelo y temen que sus héroes las desprecien al mismo tiempo que las desean.

La película parece encajar menos dentro del carácter de Newman, quizás porque este personaje está prácticamente completo cuando la película empieza. Eddie sabe quién es él, lo que piensa, y cuales son sus valores.

Hay algunos momentos en que la historia se descompone, pero eso no va a cambiar mucho su personaje durante la historia.

La mayor debilidad de “El color del dinero” está en que parece una historia de un pequeño pueblo, pero aquí vemos que se genera dentro de situaciones normales de Hollywood.

Primero tenemos la historia básica del profesional viejo pero experto y el jovenzuelo con talento. Después, una nueva historia sobre un joven que quiere sacar al amo fuera de su trono, para ponerse él.

Muchas de las escenas en esta película están demasiado vistas, a pesar de la energía que la dirección de Scorsese imprime en ellas y las buenas actuaciones. Finalmente, los protagonistas entran en los mismos lugares que nosotros esperamos que entren, como es habitual en otras películas, y hacen casi las mismas cosas.

Poco a poco, a medida en que se acerca el final, nosotros sabemos que tendrá que haber un enfrentamiento entre Eddie y Vince, entre Newman y Cruise. Pero cuando esta escena llega, sentimos una gran desilusión. Quizá Scorsese pensó que la película trataba realmente sobre las personalidades de sus dos héroes, y que era innecesario mostrar quién ganaría en un duelo entre ellos. El problema es que todo el argumento parece estar basado en el inevitable duelo entre el maestro y el alumno. Es como cuando el protagonista muestra un arma desde el comienzo de la película y el espectador se pregunta cuándo hará uso de ella.

Como en la mayoría de las historias, también aparecen otras vidas laterales que dan soporte al filme. Hay una relación calurosa, bastante agridulce, entre Newman y su antigua novia, maravillosamente interpretada por Helen Shaver. También se genera una gran energía en la historia entre Cruise y Mastrantonio quien, con su rostro duro y su cinismo innato, impide al joven sentirse muy seguro en la vida. Pero cuando la película está a punto de finalizar, la tensión entre ambos se evapora, y Cruise y la muchacha están más juntos que nunca, hablando de las mismas cosas, como si ella fuera una novia de una película normal y no lo que en realidad nos han dicho que era.

Capítulo aparte es el trabajo de Paul Newman, siempre interesante, siempre cautivador.

Con el paso de los años se ha convertido en una verdadera estrella, bastante mayor para seguir siendo el galán indiscutible, pero con una calidad artística cada vez más intensa.

Scorsese siempre ha sido el tipo de director que permite que la cámara muestre de los actores sus mejores facciones, no recreándose en los defectos sino acentuando sus virtudes.

Pocos directores manejan las sombras con tanta originalidad.

En muchas de las escenas rodadas en planos altos, Newman muestra un poder enorme, una concentración y un enfoque que demuestran su gran categoría como actor. Paul Newman, por supuesto, sabía que esta película no podría haberse rodado sin su presencia, y el instinto de Scorsese fue certero cuando le escogió. Los únicos problemas están en la historia, cuando alguien decidió que allí tenía que haber un hombre joven a su lado, como si no confiasen ya en la presencia de Newman para llenar las salas de cine. Por eso la introducción del personaje de Cruise abre la puerta para todos los clichés conocidos sobre la relación maestro y alumno. A nuestro entender, el argumento debería girar simplemente alrededor de Newman, y permitirle estar siempre en el centro de la historia. Entonces el personaje de Newman habría sido libre, tanto como lo es el actor Robert de Niro cuando trabaja con Scorsese. Pero para aportar pasiones y sensualidad, la presencia de Cruise se hacía imprescindible y creemos que este binomio funciona bastante bien.

Premios:

Oscar al mejor actor 1986: Paul Newman

Nominada a la mejor actriz secundaria 1986: Mary Elizabeth Mastrantonio Nominada al mejor guión 1986: Richard Price

Nominada a la mejor dirección artística 1986: Boris Leven y A. O'Hara EL ZOO DE CRISTAL

The Glass Menagerie (1987)

Drama

134 minutos

Color

Productor: Burtt Harris

Director: Paul Newman

Guión: Tennessee Williams basado en una obra de: Williams Fotografía: Michael Ballhaus

Compositor: Henry Mancini

Vestuario: Tony Walton

Intérpretes:

JOANNE WOODWARD: Amanda

JOHN MAKOVICH: Tom

KAREN ALLEN: Laura

JAMES NAUGHTON: Gentleman Caller

Nuevamente unidos, en cuerpo y alma, el matrimonio Newman, en una nueva obra de Tennessee Williams, tan melodramática como las anteriores. La película es correcta, lo mismo que la dirección y la interpretación de Joanne Woodward como Amanda Wingfield y John Malkovich como Tom.

HELLO ACTORS STUDIO (1988)

Paul Newman, Ellen Burstyn y Rod Steiger intervinieron en este documental no visto en España y realizado por varias de las personas que había formado parte del Actor’s Studio en 1994. Según palabras de Newman, cuando acudía al Studio simplemente se sentaba allí y veía asombrado cómo legendarios actores hacían un ensayo extraordinario. Así aprendió sus mejores técnicas de interpretación.

JOHN HUSTON (1988)

Director: Frank Martin

Productor: Paul Newman

Intérpretes:

LAUREN BACALL

BURGESS MEREDITH

MICHAEL CAINE

Apoyado por algunos admiradores del fallecido director y actor, Newman produjo este documental inédito en nuestro país.

EL ESCANDALO BLAZE

Blaze (1989)

Biografía

119 minutos

Color

Productor: Gil Friesen y Dale Pollock

Director: Ron Shelton

Guión: Ron Shelton

Basado en la autobiografía de Blaze Starr: “My Life as Told to Huey Perry” por: Blaze Starr y Huey Perry

Fotografía: Haskell Wexler

Director musical: David Anderle

Compositor: Bennie Wallace y Wayne Peet

Vestuario: Ruth Myers

Intérpretes:

PAUL NEWMAN: Gobernador Earl K. Long

LOLITA DAVIDOVICH: Blaze Starr

JERRY HARDIN: Thibodeaux

GAILARD SARTAIN: LaGrange

JEFFREY DeMUNN: Tuck

GARLAND BUNTING: Doc Ferriday

La historia entre un político popular y una guapa chica no es nueva, aunque nunca entenderemos qué importancia pueden tener estos asuntos en los tribunales de justicia. En estas relaciones, y la película lo deja bien claro, no hay amor y ni siquiera intención de destrozar ninguna familia; solamente hay una pequeña historia de sexo en la cual cuenta mucho el tamaño de las tetas de la protagonista y el dinero del político.

La historia es sencilla: Earl, el gobernador de Louisiana, y Blaze, una pueblerina que se convirtió en una popular strip-tease gracias a sus bien formadas tetas, mantienen una relación de sexo intensa por corto tiempo. Eso es algo que hace mucha gente, hombres y mujeres, políticos y funcionarios, pero por alguna razón oculta en Estados Unidos es motivo de sanción.

“Blaze” está basada en la autobiografía de Blaze Starr una chica que trabajó durante bastante tiempo en Baltimore, y la pregunta que nos podemos hacer es si ella era simplemente una ninfómana ingenua o buscaba el ascenso rápido a la fortuna y la popularidad usando su vagina. Pero no importa, puesto que la película prefiere escoger el camino hablándonos de una mujer poco respetable y un hombre que no se merecía el daño que la sociedad le hacía.

Paul Newman es una buena opción para interpretar a Earl K. Long, un gobernador ya entrado en años, bien conservado “para su edad”, y aunque con algunos kilos extras en su abdomen, su voz sigue siendo potente, salvo cuando bebe bastante whisky. En “Blaze” nos lo muestran como un tipo de hombre cómico adecuado a su personalidad, una persona que mezcla la hipocresía con la carcajada

Aunque ver a Newman siempre es un deleite, la mayor sorpresa en la película es la actuación de esa nueva actriz llamada Lolita Davidovich que interpreta a Blaze Starr. La chica asume perfectamente su papel de come-hombres, y al contrario de otras actrices que proyectan tensión en sus personajes, tratando de impresionar con su actuación, ella lo hace de una manera tan sencilla que nos entusiasma.

La historia parece centrada en la Louisiana de finales de los 50, cuando la hipocresía moral y los adulterios abundaban tanto como la cerveza. La gran amenaza a la soberanía de Earl es que se descubra su relación con Blaze, agudizado por su interés en proteger a la comunidad negra, algo que en esos años era sumamente peligroso para un político. Hay una escena en la película donde él da empleo en un hospital estatal a médicos negros y enfermeras, con la excusa de que los enfermos negros prefieren ser asistidos por especialistas de su mismo color.

Parece ser que en realidad el gobernador no ocultó nunca su relación sexual con Blaze, y de hecho a menudo parecía confundir política y sexualidad, especialmente en una escena donde está aquejado de una impotencia sexual temporal y dirigiéndose a su pene le acusa de ser la oposición, instándole a que le obedezca.

“Blaze” es, en resumen, la historia afectuosa de dos personas que tuvieron el valor para estar juntos aunque eso no gustaba a la sociedad. No es una historia política, y ni siquiera una aproximación al asunto Clinton, sino, casi, casi, una historia de un amor incomprendido. De todas maneras y tomando una de las frases de la película: “Tú no me querrías si mis tetas no fueran tan hermosas” a lo que él le responde: “y tú no estarías gratuitamente conmigo sino fuera el gobernador”.

Premios:

Nominada a la mejor fotografía 1989: Haskell Wexler

CAZADORES DE SOMBRAS

Fat Man and Little Boy (1989)

Histórica/Drama

126 minutos

Color

Productor: Tony Garnett

Director: Roland Joffe

Guión: Bruce Robinson y Roland Joffe

Basado en la historia de: Robinson

Fotografía: Vilmos Zsigmond

Compositor: Ennio Morricone

Coreografía: Marilyn Corwin y Kurt Kaynor

Vestuario: Nic Ede

Intérpretes:

PAUL NEWMAN: Gen. Leslie R. Groves

DWIGHT SCHULTZ: J. Robert Oppenheimer

BONNIE BEDELIA: Kitty Oppenheimer

JOHN CUSACK: Michael Merriman

LAURA DERN: Kathleen Robinson

RON FRAZIER:

Peer de Silva

JOHN C. McGINLEY: Richard Schoenfield

Una casi desconocida película de Newman,

ambientada durante los días de la guerra de 1942, en la cual el gobierno de los Estados Unidos reunió a un grupo de científicos de la nación y les envió a vivir en el polvo y barro de Los Alamos, Nuevo México, donde el ejército había destruido un pueblo. Su misión en esta base secreta era diseñar y construir una bomba atómica.

Allí estaban intelectuales de Berkeley y Chicago, refugiados de Hitler, y artesanos que construirían la bomba, además de sus esposas, niños, amantes, animales domésticos, bibliotecas, pianos, y otras excentricidades. Para controlarlos a todos, el ejército asignó al General Leslie R. Groves cuya tarea anterior había sido construir el Pentágono.

Su esfuerzo era conocido como el Proyecto Manhattan, y les dijeron que ellos estaban intentando construir junto con Alemania la primera arma del día del juicio final. Alemania se rindió antes de que la bomba se hubiera terminado, pero fue usada, por supuesto, en el Japón, y la sombra de su nube en forma de hongo todavía cubre nuestras cabezas.

“Cazadores de sombras” es una ficción basada en el Proyecto Manhattan, pero es correcta porque nos obliga a meditar sobre las motivaciones que tienen algunos científicos para hacer cosas que van contra los seres humanos.

La película trabaja bajo un problema: anteriormente se había proyectado una película titulada “El día después”, un documental de la televisión que también nos hablaba de los horrores de esas bombas y de los científicos que las habían construido. Por eso, la historia sobre la construcción de esas bombas es siempre motivo de dolor, pero ahora el drama es más intelectual, porque los científicos se preguntan, en conversaciones y pesadillas, por qué están liberando ese horror. Pero “Cazadores de sombras” reduce sus debates a un nivel infantil y nos da un conflicto de personalidad muy simple entre los Generales Groves (Paul Newman) y J. Robert Oppenheimer (Dwight Schultz), el líder científico. Groves nos muestra una versión más sensata, más pacífica, (obedece órdenes) mientras que a Oppenheimer se le ve como un intelectual inteligente.

La historia romántica adicional no es importante. Oppenheimer se muestra como un izquierdista, mientras que su señora (Bonnie Bedelia), piensa que él es el hombre más importante de la Tierra y merece que le quiera. El personaje de Cusack también tiene una mujer que le adora, una enfermera local (Laura Dern) quién le dice que le ama profundamente cuando él se muere por la radicación. Pero la película se estropea en esa escena de la muerte de Cusack, intercalada con la primera prueba de la bomba, y queda así eclipsada sin proporcionarnos la intensidad emocional adecuada.

Si “Cazadores de sombras” hubieran mostrado simplemente los diálogos y los increíbles eventos de ese día, habría tenido un buen final. En cambio, el director Ronald Joffe es incapaz de aportarnos un clímax adecuado cuando la bomba explota, mutilando incluso los efectos especiales sobre la explosión nuclear.

Mucha de la historia de “Cazadores de sombras” está evidentemente inspirada por una gran cantidad de material documental e incluye numerosos detalles sobre la primera bomba atómica. Por eso la película se puede ver con agrado y la fotografía de Vilmos Zsigmond proporciona un color adecuado para esa zona de Nuevo Méjico, plagada de castaños dorados.

La interpretación de Paul Newman no es de las mejores y creemos que se muestra incapaz de generar el carácter real de ese General Groves, y se asemeja más al de un maestro de escuela. Respecto a Oppenheimer (Dwight Schultz), creemos que le faltan la rapidez y el fuego de una persona real, y parece demasiado suave para la responsabilidad que tiene en sus manos. Muchos de los científicos en Los Alamos eran jóvenes, es verdad, pero no tanto como los actores que aparecen aquí. Algunos de ellos, con sus sombreros y sus gafas de sol, nos parecen más jóvenes de una escuela secundaria que disfrutan fumando cigarrillos mientras hacen sus tareas, que auténticos profesionales.

ESPERANDO A MR. BRIDGE

Mr. & Mrs. Bridge (1990)

Drama

124 minutos

Color

Productor: Ismail Merchant

Director: James Ivory

Guión: Ruth Prawer Jhabvala

Basado en las novelas “Mrs. Bridge and Mr. Bridge” de: Evan S. Connell Fotografía: Tony Pierce-Roberts

Compositor: Richard Robbins

Vestuario: Carol Ramsey

Intérpretes:

PAUL NEWMAN: Walter Bridge

JOANNE WOODWARD: India Bridge

ROBERT SEAN LEONARD: Douglas Bridge

MARGARET WELSH: Carolyn Bridge

KYRA SEDGWICK: Ruth Bridge

BLYTHE DANNER: Grace Barron

SIMON CALLOW: Dr. Sauer

Como si de un buen pastel de cumpleaños se tratase, Newman y Woodward vuelven a mostrase juntos en las pantallas, ahora en esta comedia titulada “Esperando a Mr. Bridge”, una historia sobre una pareja mayor que ha perdido casi su capacidad de entusiasmo por la gran cantidad de años que han permanecido juntos.

La película se narra en Kansas City, en un barrio de clase pudiente en los años treinta. Con los jardines como si hubiera sido tratado por una manicura (¿existe alguna decoración más artificial?), que rodeen a las blancas casas colmadas de contraventanas verdes, vemos que dentro de esas casas las vidas no tienen más alicientes que en las clases pobres, pero todo el mundo tiene bien claro cómo le gustaría vivir, aunque siempre están demasiado condicionados a la familia.

El Sr. Bridge es un abogado, interpretado por Paul Newman en una de sus actuaciones más atrevidas. La Señora Bridge (Joanne Woodward) es un ama de casa sumamente dominante pero que no le gusta que la dominen a ella, por lo que pasa su vida con gran resignación.

Es difícil saber qué es lo que pasa por la mente del señor Bridge porque le asusta la intimidad y se aleja de ella, por lo que su conducta no encaja en ninguna otra tradicional en un varón. Cualquier problema desequilibra a esa pareja y supone un duro trauma psicológico, aunque en el fondo están agradecidos porque les rompe la rutina. Ambos han aprendido a expresar lo que quieren decir con sumo cuidado, siguiendo fórmulas que involucran lo que puede decirse, y cómo, y cuándo.

La pasión sexual quizá no ha existido nunca entre ellos, o sí, pero por lo menos tienen cierta alegría en sus relaciones íntimas. Ahora su vida se ha convertido en una rutina y ambos culpan al otro. Los hijos han crecido y apenas conocen a su padre. Su madre los conoce mejor, pero tiene miedo de revelar todo lo que ella sabe, y por eso solamente dice lo que ellos quieren oír.

La película está basada en dos novelas distintas de Evan S. Connell, adaptadas en una sola por otro novelista, Ruth Prawer Jhabvala, colaborador antiguo del director James Ivory y el productor Merchant Ismail. También ha realizado “Una habitación con vistas” y “Las bostonianas”. La película no tiene una historia concreta que contarnos, quizá porque el señor Bridge no tiene un mundo claro en su mente y hace las cosas porque el destino le ha empujado a ello.

El matrimonio Bridge tiene niños que quieren llevar una vida que no se corresponde con los valores familiares tradicionales. Eso les obliga a que se rebelen de una manera u otra, porque dentro de la familia no hay ninguna otra posibilidad. La señora Bridge tiene una amiga llamada Grace (Blythe Danner), quién está sumamente afectada por su alcoholismo, afición que ejerce porque es el único sistema que tiene para sobrevivir. Para la señora Bridge, esta amiga es una señal externa de lo que le pasa a ella. Su propia vida parece serena, plácida y feliz al mundo, pero en cierto modo ella está tan desesperada como su amiga.

El malo del filme es el Sr. Pontee. Está tan amargado en este mundo como todos, aunque de vez en cuando se permite el lujo de esbozar alguna sonrisa, solamente empleando los labios, aunque los endereza al poco tiempo. Pero esencialmente también está cautivo de su trabajo, de su deber como un profesional en Kansas City, que hace siempre lo que se espera de él, presenta la apariencia adecuada, y tiene cuidado en no mostrar ninguna debilidad que le hiciera perder el mando.

Mucho se ha dicho y explicado sobre la vida en los años sesenta, y con frecuencia por personas que ni siquiera habían nacido, pero ello es debido a que en aquellos años el mundo familiar era muy diferente y merece la pena que las personas de hoy lo sepan. En esos años los padres eran los dueños de la familia, pero debían ser personas intachables, honestas y respetables, y no podían mostrar ni sus sentimientos ni sus apetencias sexuales.

Eso agotaba sus emociones o cuando menos les aburría. Los niños de entonces estaban acostumbrados a tener a unos padres que, aparentemente, carecían de emociones.

Pero la película “Esperando a Mr. Bridge” no es ni mucho menos soñolienta o depresiva.

Es un buen filme, gracioso y en ocasiones sumamente alegre. Nos muestra a los personajes con tanto detalle y cuidado que siempre está absorbiendo nuestra atención y terminamos por solidarizarnos con ellos. La interpretación de Woodward y Newman es un poco mejor, si cabe, que en años anteriores, con una modulación perfecta en sus gestos, miradas y movimientos corporales.

Premios:

Nominada a la mejor actriz 1990: Joanne Woodward

WHY HAVEL? (1991)

Documental

Dirigido por: Vojtech Jasny

Narrado por: Milos Forman

Sin más datos

EL GRAN SALTO

The Hudsucker Proxy (1994)

Comedía

111 minutos

Color

Productor: Ethan Coen

Director: Joel Coen

Guión: Ethan Coen, Joel Coen y Sam Raimi

Fotografía: Roger Deakins

Compositor: Carter Burwell

Efectos especiales: Michael J. McAlister

Coreografía: Wesley Fata

Vestuario: Richard Hornung

Intérpretes:

TIM ROBBINS: Norville Barnes

JENNIFER JASON LEIGH: Amy Archer

PAUL NEWMAN: Sidney J. Mussburger

CHARLES DURNING: Waring Hudsucker

JOHN MAHONEY: Jefe

BRUCE CAMPBELL: Smitty

PETER GALLAGHER: Vic Tenetta

Con numerosas referencias al cine más emblemático, los hermanos Coen realizan una de sus complicadas comedias que tanto agradan a sus admiradores. “El gran salto” podría ser una de las mejores comedias de los últimos años, una fiesta para los ojos y la imaginación, con una acertada dirección y un sentido del humor que recrean adecuadamente el mundo de los años 1930, en el cual los rascacielos dominaban a los habitantes de las grandes ciudades y les daba la impresión de ser tan poderosos como ellos.

Pero el problema con la película es que es que casi todo se queda en la superficie y no llega más al fondo. No hay ni el más mínimo esfuerzo que sugiera que se han tomado esta historia en serio y en lugar de una buena crítica ha logrado una mala sátira.

Los intérpretes salvan en parte el filme y vemos a Tim Robbins como un empleado de la oficina de correos que se encuentra en la presidencia de la gigantesca Hudsucker S.A. Paul Newman es la eminencia que hay detrás de las escenas y está convencido de que ese Robbins es desesperadamente incompetente.

Jennifer Jason Leigh, por su parte, tiene el mejor papel: una reportera rápida y habladora que se sienta en su escritorio y fuma con deleite un cigarro.

No es una historia que dé para muchos delirios, pero al menos toma ciertos aspectos de la vida que conocemos. Como una comedia que se desarrolla correctamente y con cierta soltura, tal y como el espíritu anárquico de los hermanos Coen, Joel y Ethan, suelen hacer.

Ambos parecen eternamente enamorados de las viejas películas, aunque ellos forman sus propias ideas sobre una época en la cual ni siquiera habían nacido.

Hay también cierta grandeza en la concepción misma de “El gran Salto”, especialmente cuando en las primeras escenas hay alguien que se tira desde lo alto de un rascacielos y la cámara lo precede en su caída. Aunque es similar a cientos de escenas parecidas tiene algo que... bueno, que le hace diferente. Es como si hubieran mezclado el estilo de los años 30, con el de los 50 y los unieran con el actual.

Este material puesto en los años cincuenta hubiera sido un éxito rotundo y les hubiera permitido a los Coens divertirse mucho más con él, especialmente con el personaje de Robbins.

Para muchos, las películas de los Coens son todo técnica y nada de corazón, pero ¿cuántas películas tienen corazón estos días? No muchas. La mayoría de las películas reciclan viejas fórmulas ya agotadas e incluso las que se consideran de la Generación X son solamente recauchutadas de los éxitos de los años 30.

NI UN PELO DE TONTO

Nobody's Fool (1994)

Drama/Comedía

110 minutos

Color

Productor: Scott Rudin y Arlene Donovan

Director: Robert Benton

Guión: Robert Benton

Basado en la novela de: Richard Russo

Fotografía: John Bailey

Compositor: Howard Shore

Efectos especiales: Tom Ryba

Vestuario: Joseph G. Aulisi

Intérpretes:

PAUL NEWMAN: Donald "Sully" Sullivan

JESSICA TANDY: Miss Beryl

BRUCE WILLIS: Carl Roebuck

MELANIE GRIFFITH: Toby Roebuck

DYLAN WALSH: Peter

PRUITT TAYLOR VINCE: Rub Squeers

GENE SAKS: Wirf

Cuando estaba en la sala de cine viendo a Paul Newman en “Ni un pelo de tonto”, la primera palabra que me vino a la cabeza fue “humildad”, cualidad de la que carecen la mayoría de las estrellas de Hollywood.

Él logra llenar la pantalla en cada escena de la película y consigue que con sus casi setenta años sea el hombre ideal para varios millones de mujeres, algunas de ellas con edades que no superan los 20 años.

En su personaje de Sully, quien ha dedicado la mayoría de su vida a beber cerveza y evitar toda responsabilidad, se encuentra ahora en contacto diario con un hijo que no confía en él y un nieto que no le conoce. Sully decide que es el mejor momento para hacer un cambio.

Quien tenga una edad cercana a la de Newman seguramente le habrá visto en la pantalla durante toda su vida y por tanto se dará cuenta que es ya un paisaje habitual en las películas americanas, pero, al mismo tiempo, sigue formando parte del paisaje moderno.

Consigue hacer las cosas que a otros les supone un esfuerzo, con una gran naturalidad, gracia y un mínimo de alboroto, y es por eso que nos gustaría que los actores modernos se fijaran en él.

En “Ni un pelo de tonto”, Newman interpreta a otro gran bebedor, el tipo débil con un espíritu libre igual a muchos hombres que nos encontramos en nuestra vida. Gente que nunca ha crecido, y que son para el resto de la sociedad personas extrañas, inadaptadas y en ocasiones insociables, aunque en realidad son encantadoras, inocentes y suelen perdonar nuestros pecados más estúpidos. Sully ha conseguido encontrar una posición económica que apoya su estilo de vida y trabaja para un constructor local. Para vivir, dispone de un cuarto alquilado en la casa de un maestro.

Por supuesto, la libertad tiene un precio. Por eso ha prescindido hace tiempo de su matrimonio, y su hijo ha crecido casi como un extraño para él. Su familia consiste en las visitas habituales a una barra del barrio en donde suelen estar un abogado viejo, la camarera y un compañero de trabajo que es algo tonto. En un momento dado de la película habla sobre su ex-esposa con su hijo que le dice: “el miedo más grande de mamá es darse cuenta que en su vida anterior era feliz”. A lo que él suele contestar honestamente: “dila que no se preocupe”.

Sully es contratado por Carl Roebuck (Bruce Willis) y parece ser que ha mantenido algún tipo de relación con la esposa de Carl, Toby (Melanie Griffith), por lo que ella es objeto de deseo para ambos. Su mejor amigo es Rud Squeers (Pruitt Taylor Vince), un trabajador que ayuda en los trabajos. Un día, la apacible vida de Sully se interrumpe cuando su hijo, Peter (Dylan Walsh), regresa a su vida. Peter es un maestro de la universidad. Su matrimonio está rompiéndose (como casi todos), y vuelve a su casa paterna con uno de sus dos niños (su esposa se queda con el otro, de momento), pero no tiene ningún plan claro.

Quizá trabajará con Sully en la construcción durante un tiempo.

En cierto sentido, no pasan muchas cosas importantes en “Ni un pelo de tonto”, pero también hay grandes cambios. Sully es un hombre que ha puesto sus problemas verdaderamente importantes en espera durante un tiempo muy largo, mientras se ha dedicado a cosas triviales. Pero ahora, con Peter a su lado, renacen todos los problemas grandes de su matrimonio, y se encuentra mirado con lupa por su familia, por eso acepta ser responsable de su nieto.

En el centro de todo está Paul Newman. Es un contemporáneo exacto de Marlon Brando y hay quien afirma que ambos han inventado el cine moderno. Probablemente es así, ya que ambos despojan a todos sus personajes de cualquier artificio y crean un realismo todavía no mejorado.

Premios:

Nominada al mejor actor 1994: Paul Newman

Nominada al mejor guión 1994: Robert Benton

SUPERESTARS OF ACTION (1995)

Narrado por: Robert Wagner

Paul Newman

Vídeo de solamente 30 minutos de duración, y que no contiene ninguna nueva información que podamos considerar. Aporta algunas de las escenas desestimadas de “Butch Cassidy y Sundance Kid”, pero no es nada que no este disponible ya en la versión láser conmemorativa del 25 Aniversario. Paul Newman nos demuestra que todavía está en una forma física excelente y aunque no tenía ninguna misión en la producción de este vídeo, creemos que ha aportado alguna idea.

AL CAER EL SOL

Twilight (1998)

Director: Robert Benton

Guión: Robert Benton y Richard Russo

Fotografía: Piotr Sobocinski

Intérpretes:

PAUL NEWMAN: Harry Ross

GENE HACKMAN: Jack Ames

SUSAN SARANDON: Catherine

JAMES GARNER:

STTOCKARD CHANNING: Verna

Ciertos rumores rodean esta película que se debería haber estrenado unos meses antes. Se supone que es un misterio sobre un asesinato elegante, filmada para recordarnos las películas de años atrás como “El Halcón Maltés”, “El sueño eterno”, e incluso “Harper” de Paul Newman. Lo que pasa sin embargo es un interesante desastre, o quizá... un enredo.

Apenas logra disimular que ni siquiera todo el talento del mundo puede recuperar un débil guión.

Los directores Robert Benton y Richard Russo escribieron el guión, extraído de una historia que se traduce literalmente como “Nadie el Necio”, pero aunque esperaban triunfar, tristemente fracasaron. Russo parece ser que ha escrito algunas de las novelas más hilarantes del momento, y probablemente está pagando por ello. Mirando esta película, con sus diálogos endebles, nos da la impresión de una falta total de inspiración.

No es que no sea cómica, sino que esa comicidad nos parece fuera de lugar. La historia también nos habla de unos misterios del pasado, pero todo parece anticuado y en la primera media hora de película ya sabemos todo lo que va a suceder.

Paul Newman interpreta a Harry Ross, un policía jubilado, un detective privado y bebedor, que ahora tiene que acudir a hacer trabajos para las estrellas de cine casadas como Catherine (Susan Sarandon) y Jack Ames (Gene Hackman). Después de intentar hacer un encargo para Jack, Harry se involucra en el asesinato de un ex-policía, mientras intentaba investigar la muerte misteriosa del primer marido de Catherine.

Harry se intriga por

este misterio, pero no se siente capaz de resolverlo. Por si fuera poco, Harry está enamorado de Catherine, y Jack está muriéndose de cáncer.

La película dura hora y media, pero parece más larga. La historia desconcierta algo, pero es agradable, aunque sabíamos que podía haberse realizado algo mejor. Todos los actores aportaron un buen trabajo, especialmente James Garner, el personaje que mejor se entiende de todos.

RESUMEN PROFESIONAL

Director de:

On the Harmfulness of Tobacco, (1959).

Rachel, Rachel (Rachel, Rachel, 1968).

Sometimes a Great Notion (Casta invencible, 1971).

The Effects of the Gamma Rays on Man-in-the Moon Marigolds (Los efectos de los rayos

,gamma sobre las margaritas, 1972).

Teatro

Picnic (1953).

The Desperate Hours (1955).

Sweet Bird of Youth (1959).

Baby Want a Kiss (1964).

Televisión:

The Aldrich Family (1949).

The Bells of Damon, episodio de The Web (1953).

One for the Road, episodio de The Web (1953).

Party Night, episodio de The Mask (1954).

Guilty Is the Sttranger, episodio de Goodyear Playhouse (1954).

Knife in the Dark, episodio de Danger (1954).

Five in Judgment, episodio de Appointment with Adventure (1955).

Bridge of the Devil, episodio de Appointment with Adventure (1955).

The Death of Billy the Kid, episodio de Philco Playhouse (1955).

Our Town, episodio de Producers Showcase (1955).

The Battler, episodio de Playwrights'56 (1955).

They Army Game, episodio de Kaiser Aluminiun Hour (1955).

The Five Fathers of Pepi, episodio de U. S. Steel Hour (1956).

Bang the Drum Slowly, episodio de U. S. Steel Hour (1956).

The Rag Jungle, episodio de Kaiser Aluminiun Hour (1956).

The 80 Yard Run, episodio de Playhouse 90 (1958).

Bridge to the Batrrios, como narrador (1963).

From Here to the Seventies (1969).

Once Upon a Wheel (1971).

The Wild Places, como narrador (1974).

All Star Tribute to Elizabeth Taylor (1978).