MICHELLE PFEIFFER

Autor: ©Adolfo Pérez Agustí

ISBN: 978-84-9827-894-1

Editorial: Ediciones Masters

MICHELLE PFEIFFER

Es una clásica y hermosa rubia cuya llamativa apariencia, elegancia y gran talento, la han convertido en una de las actrices mejor consideradas de Hollywood y casi siempre en un valor seguro en la taquilla.

Pfeiffer comenzó a trabajar en el cine en 1980 y su primer papel importante, o al menos en el cual consiguió llamar la atención, por su desenfado alejado de toda lujuria, fue en

“Grease 2” (1982). Después consiguió alcanzar mejores peldaños en la escalera de la fama al trabajar junto a actrices famosas en “Las Brujas de Eastwick” (1987), con Cher, Jack Nicholson y Susan Sarandon, y “Las amistades Peligrosas” (1988), donde hacía de una estricta esposa que se vuelve una amante apasionada.

Pfeiffer se consolidó como una buena estrella para críticos y público con su papel como la chica que canta en un centro nocturno, en el que también están los hermanos Beau y Jeff de Bridges, en “Los fabulosos Baker Boys” (1989). Un año después, se convirtió en una editora que trabaja en Moscú, implicada en un caso de espionaje con Sean Connery en “La Casa Rusia” (1990).

Su trabajo chasqueando el látigo, pateando y boxeando como Catwoman en “Batman vuelve” la aportó ese tirón que necesitaba como mujer atractiva y sexy. También recibió una gran ovación de la crítica el año anterior por su interpretación como una chica que siente admiración por Jacqueline Kennedy en “Love Field”.

Quizá uno de los papeles de Pfeiffer más profundos fue el de Condesa Olenska en el drama de época de Martin Scorsese, “La Edad de la Inocencia” (1993), interpretando a la seductora mujer casada resentida por haber sido despreciada por la clase social superior de Nueva York, aunque es adorada apasionadamente por Daniel Day Lewis.

Después hay quien opina que estuvo bastante menos acertada cuando se enamoró de un hombre lobo, interpretado por Jack Nicholson, en la desigual “Lobo” (1994), un filme irregular con un amor pasional poco creíble.

Pfeiffer demostró su coraje y valor al golpear a delincuentes en “Mentes Peligrosas” (1995), un buen logrado drama sobre la integración de las minorías en la sociedad, basado en el libro de Lou Anne Johnson “My Posse Don't Do Homework “. Su presencia refinada llena de glamour, una banda sonora de gran efecto y un complicado pero legible manuscrito, ayudaron al triunfo en esta historia de una marine que se convierte en la profesora de una escuela para alumnos rebeldes y violentos.

También está correcta al lado de la gran estrella Robert Redford en “Intimo y Personal” (1996), una versión ficticia y libre sobre la vida de la locutora de televisión Savitch.

BIOGRAFÍA

Nació: el 29 de abril de 1958.

Lugar de nacimiento: Orange County, Santa Ana, California Signo Astrológico: Tauro

Educación: Escuela superior de Fountain Valley, California; Golden West College, California; Whitley College, California.

Relaciones: Su esposo, David Kelley; su ex–esposo, Peter Horton; sus hijos, Claudia Rosa, John Henry.

Michelle Pfeiffer nació el 29 de abril de 1958 en Santa Ana, California. Su padre, Dick, era un contratista de aire acondicionado y calefacción, y su madre, Donna, un ama de casa. Michelle es la segunda de cuatro hijos, tiene un hermano mayor, Rick y dos hermanas más jóvenes, Dedee y Lori.

Como si fuera un niño, ella confiesa que era el matón de la escuela, una chica valiente a la que los otros niños venían cuando querían que golpeara a alguien. Ella nunca se consideró así misma atractiva, y ha dicho que era siempre la niña mayor en su clase, y posiblemente la más fea. Las cosas comenzaron a cambiar para Michelle en el cuarto grado cuando descubrió al muchacho más popular de su clase y tuvo una pelea con él.

Según recuerda:

“Yo no fui nunca una persona extremadamente femenina cuando era pequeña. Nunca he pensado que era atractiva para los muchachos. Recuerdo que cuando un chico era mejor que yo no me lo podía creer. Todas las pequeñas niñas con rizos y vestidos con volantes eran las preferidas de los chicos”.

Nadie quiso darse cuenta de su potencialidad cuando ella era joven. No tenía formas muy femeninas, estaba poco desarrollada en los pechos, y su carácter era con frecuencia violento, fuerte, terco y dramático. Ella recuerda como solía discutir mucho con su madre todo el tiempo, aunque se aseguraba de no hacerlo con su padre y de no ponerse ropas ajustadas delante de él. Su madre escribiría frecuentemente que su comportamiento era como el de una pequeña actriz.

Aunque nació en Santa Ana, la familia pronto se marchó de allí, a Midway City, acabando finalmente en Fountain Valley, donde Michelle se graduaría en la escuela superior en 1976. Su vida como una chica trabajadora comenzó a la edad de 14 años, aunque mintió sobre su verdadera edad para conseguir un trabajo en la sección de ropa de un centro comercial local. Después de la escuela superior, trató de entrar en el colegio de la comunidad, pero lo dejó al poco tiempo para ingresar en el Golden West College durante un año. También asistió a una academia para estudiar taquigrafía con el fin de entrar a trabajar en un juzgado, pero lo abandonó pronto para trabajar como cajera en un supermercado de la cadena Vons. En ese momento es cuando se dio cuenta que tenía que salir de allí y que podría hacer cualquier cosa que la pidieran con tal de alcanzar algo mejor.

“Lo más urgente era quitarme la timidez de encima y mi complejo de que no gustaba a los chicos por mis labios grandes. Imagínense mi sorpresa años después cuando he sabido que algunas mujeres piden a su cirujano plástico que les pongan los labios como los míos”.

Había oído que los buscadores de nuevos talentos eran frecuentemente jueces en los concursos de belleza y a los 23 años se presentó al título de Miss Condado Orange, ganado el primer premio en 1978. En principio parece que no le sirvió de mucho, ni siquiera para que pusieran su foto en la prensa, pero al menos consiguió que un agente de Los Angeles la representara.

Su primer papel era una pequeña intervención como chica que camina en el espectáculo

"Isla de Fantasía", al que siguieron un comercial para televisión y otras pequeñas intervenciones que casi no recuerda.

Cuando dejó Orange County para irse a Los Angeles, comenzó tomando clases particulares de interpretación. Uno de sus compañeros de clase era el actor/director Peter Horton, que posteriormente se haría famoso con la serie de televisión “Treinta y tantos”. Michelle obviamente no tenía todavía el talento de él, pero gracias a las recomendaciones de Horton consiguieron trabajar juntos en alguna escena.

“Yo pensé: esta pobre chica no es muy buena actriz, pero me gusta”.

Su opinión comenzó a cambiar la primera vez que la dirigió. Desde ese día, Horton estaba convencido de que ella podría conseguir un puesto importante en el cine como actriz, aunque no estaba seguro haciendo qué tipo de papeles.

Durante ese tiempo Pfeiffer no estuvo cerca de su hogar, apenas veía a sus padres, no tenía amigos y quizá por ello cayó en las redes de una secta extraña, dedicada a rituales esotéricos. Tenía solamente 18 años cuando se dejó llevar por una pareja joven que la enseñó las ventajas de la alimentación vegetariana, las meditaciones con incienso y la vida nómada. Todo esto que en principio era el sueño para muchos jóvenes, se convirtió en una dependencia emocional, en una religión que terminó esclavizándola.

Y sería Horton quien vendría en su rescate y comenzarían su relación hasta que en 1981

se casaron. Ella tenía 22 años y Peter Horton 26.

“Creo que éramos demasiado jóvenes para casarnos y por eso nos divorciamos en 1987”.

Sus primeros trabajos que ella prefiere ignorar, fueron en “Hollywood Knights”, una historia que pretendía emular una legendaria película de Marlon Brando con motoristas vestidos con cazadoras de cuero negro, así como “La maldición de la Reina Dragón” con Jackie Chan.

En 1982 el público tomó nota que existía una nueva actriz llamada Michelle con la película “Grease II”, continuación del gran éxito de 1978 protagonizado por John Travolta. Pero con una gran pobreza de medios económicos y un manuscrito débil, además de carecer de actores importantes, la película constituyó un fracaso absoluto.

Su primera gran oportunidad llegó con el agente Ed Limato, ahora vicepresidente de ICM, quien conoció a Pfeiffer mediante otro agente cuando ambos estaban en la agencia de William Morris. Su reunión era de trabajo, con Limato todo el tiempo hablando por teléfono, y ninguno de los dos prestó a Michelle una atención especial. La semana siguiente un director llamó a Limato para decirle que estaba buscando una cara nueva para hacer el papel de la esposa drogadicta de Al Pacino en “El Precio del Poder” de Brian de Palma. Él no actuó como representante de Pfeiffer, pero contó a ese director que tenía la actriz que buscaba.

Durante los próximos pocos años trabajó constantemente, pero su matrimonio se disgregó. Después de separarse de Horton, su carrera realmente cambió. Interpretó la comedia “Casada con todos” y posteriormente recibió una nominación al oscar como la mejor actriz secundaria por su representación de Madame De Tourvel en “Las Amistades Peligrosas”. Pfeiffer consiguió en 1989 su segunda nominación al oscar, como mejor actriz, por su trabajo como una cantante de cabaret llamada Suzie en “Los fabulosos Baker Boys”. Posteriormente, en 1992, consiguió su tercera nominación al oscar por “Love Field”, una película de poco éxito entre el público.

En los años siguientes a su divorcio con Horton, Pfeiffer tuvo relaciones sentimentales con Michael Keaton (a quien conocía antes del rodaje de “Batman vuelve”) y con John Malkovich (se conocieron durante el rodaje de “Amistades peligrosas”). Posteriormente parece ser que mantuvo al menos tres años de relaciones serias con el actor Fisher Stevens, mucho más joven que ella y con quien incluso anunció su próxima boda, pero rompieron en el verano de 1992 a causa de una supuesta infidelidad de él con una actriz desconocida. Después que todos ellos desaparecieron de su vida privada, Michelle tomó la seria decisión de formar una familia.

Dos semanas después de entrar en contacto con una agencia estatal de adopción, en 1993 adoptó a una niña recién nacida a quien llamó Claudia Rose, hija de una enfermera de Miami que ya tenía cuatro hijos y no podía mantener dignamente a un quinto.

Pfeiffer llama su hija "un ángel" quien cambió su vida.

“Mucha gente piensa que he adoptado a esta niña porque no soy fértil, pero no es así.

La razón es que quiero ser madre pero no encuentro un padre adecuado con quien compartir mi vida”.

Michelle estableció una relación seria con el productor televisivo David E. Kelley, a quien conoció una tarde durante un partido de baloncesto. Ambos, Pfeiffer y Kelley, son tranquilos y tímidos, y como resultado, los dos apenas hablaron el uno con el otro.

Pero Kelley estuvo muy interesado por ella, y la semana siguiente tuvo el coraje para llamarla y pedirle que fuera con él a ver “Drácula” de Bram toker. Ese día ella le contó lo de la adopción y él se mostró muy comprensivo.

No fue una sorpresa para sus amigos y familia cuando Michelle y David anunciaron que estaban comprometidos, y confirmaron que se casarían durante 1994. En noviembre, Pfeiffer envió muchas invitaciones para el bautizo de Claudia Rosa y entonces el día antes de que todos acudieran les llamó y les dijo: "Sorpresa, es una boda!, venga si usted puede!". El sábado 13 de noviembre de 1993 Michelle Pfeiffer y David Kelley se casaron. Luego esa misma tarde su hija, vistiendo una corona de rosas minúsculas, fue bautizada como Claudia Rosa Kelley. Nueve meses después, el 5 de agosto de 1994, nació su primer hijo biológico, John Henry Kelley.

Pfeiffer continúa con su deseo de equilibrar su vida personal y privada, haciendo de su familia una prioridad. Ella estaba embarazada durante el rodaje de “Mentes Peligrosas”, y ha llevado a sus hijos al lugar del rodaje de “Intimo y Personal”, con Robert Redford, y durante “One Fine Day”, con George Clooney. También realiza un buen trabajo en la película “To Gillian on her 37Th Birthday “, que fue escrita por su esposo, y ha interpretado más recientemente “A Thousand Acress” con Jessica Lange y Jennifer Jason Leigh.

Michelle Pfeiffer ha recorrido un largo camino desde que estaba trabajando en el supermercado El Toro, California, pero esos días todavía permanecen en su mente:

"Cuando era una joven peleadora, todo lo que quería era trabajar de cajera en un supermercado, y en el momento en que yo llegué a ser una cajera, mi único interés estaba en ser un gerente de almacén".

Cuando le preguntaron si hacía mucho tiempo de ello, sonrió suavemente y dijo: “Hace un millón de vidas”.

ENTREVISTA MUY PERSONAL

- Usted y su esposo (David E. Kelley) tienen dos niños pequeños; a estas alturas de su carrera, usted rehusa aceptar cualquier trabajo que la obligue a permanecer lejos de su hogar.

- Sí, yo creo que he conseguido una buena reputación, pero ha sido porque soy una actriz que se entrega duramente a su trabajo. Yo quizá pueda trabajar duramente, pero no permitiré que nadie haga sufrir a mis hijos apartándolos de mí. Por eso he tenido que renunciar a cosas que realmente quería hacer

- ¿Esa fue la razón por la cual no hizo “Evita”?. ¿Fue una decisión dura?.

- Sí lo fue. Debo admitir que yo luché para conseguir el trabajo, aunque siempre tratando de hacerlo compatible con mi vida personal. Cuando estaba embarazada de seis meses, realizaba “Mentes peligrosas”, tomando lecciones de voz, y demostraciones de artes marciales en el fin de semana. Cuando me hablaron de

“Evita” pedí que se realizara aquí, en Los Angeles, pero me dijeron que eso encarecería demasiado la producción. Quizá un día tendré nuevamente la oportunidad de cantar en una película. Me gusta mucho cantar en un filme sin que me doblen. Las anteriores películas en las que yo he cantado no quedaron muy bien.

Esta película, “Evita”, iba a exigir de mí mucho más, y por eso tenía un gran interés en hacerla. Sé que ha sido una decisión muy difícil rechazar el trabajo, pero creo que tengo absoluto derecho a pensar en mi familia. Yo creo que hay otras actrices que ven incomodo el tener que cambiar a toda su familia de lugar durante unas semanas, con los niños, la criada y todo el ajuar, pero creo que en el fondo esto las deja insatisfechas.

- ¿Cuántos años tienen sus hijos?

- Claudia tendrá pronto tres años, y John tiene quince meses. Para mí son... ¿cómo lo diría?, es la mejor cosa que me ha podido suceder y me siento afortunada. Tengo ganas de tener otro hijo, pero para ello necesitaría la ayuda de una niñera que lo cuidase y no me gusta delegar ese trabajo en nadie. No es una decisión fácil y cualquiera de las dos opciones supondrá un duro golpe moral

- ¿Se imagina a sus hijos creciendo junto a los estudios de cine?.

- Sí, ¿por qué no?. David es mi primer hijo y yo he estado siempre con él; no acepto que ninguna persona le cuide. Eso complica las cosas, pero de alguna manera es una bendición porque puedo hacerlo. La mayoría de las madres que trabajan tienen que desprenderse de sus hijos durante su jornada laboral. Ellos vienen siempre conmigo, y la mayor disfruta mucho con los lugares del rodaje. Cuando ellos eran más pequeños todo era más fácil, puesto que se pasaban el día durmiendo y bastaba con mirarles de vez en cuando y luego seguir trabajando. Yo no sé cómo me sentiré cuando ya sean mayores y no puedan venir conmigo o no quieran.

- Pero debe ser difícil lograr que los niños tengan todas las comodidades y que puedan estudiar...

- No demasiado. Es cuestión de organizarse y de adquirir una buena experiencia día a día. No creo que exista una gran diferencia en llevarles a jugar a un lugar determinado que el cambiarles de sitio o de parque continuamente. Para ellos lo importante es estar conmigo y poder jugar.

- ¿Hay alguna regla de trabajo que usted no estaría dispuesta a aceptar?.

- Ninguna. Yo limito mi trabajo a tres o cuatro semanas, y si se prolonga más ya veré como me apaño con mis hijos. Cuando estaba haciendo “Intimo y personal”, durante la tercera semana mi hija quiso ir a casa. Originalmente la película estaba pensada para ocho semanas de trabajo y yo le pedí al director que si la hacía en cuatro semanas seguiría con el trabajo, sino tendría que posponerlo hasta encontrar un modo de solucionar mis cosas. El director Jon Avnet consiguió que mi trabajo se terminase esa misma semana, porque él es un buen hombre y muy profesional. Pero lo más normal es que los directores no tengan en cuenta las necesidades de los actores y por eso siempre estoy discutiendo con ellos. Ellos saben que están tratando con personas pero nos tratan como máquinas y no les importa tenernos fuera de nuestras casas más tiempo del pactado. Ellos hablan con los directores de los estudios, con los técnicos y piensan: “bueno, ella dice que solamente puede trabajar tres semanas, así que lo vamos a hacer en cinco. Yo les odio por no tener más consideración.

-

- “Mentes Peligrosas” han recaudado más de 80 millones de dólares en taquilla,

¿funcionó la película igualmente bien en las ciudades pequeñas?.

- Oh, totalmente. La productora Disney comenzó sus exhibiciones precisamente en pequeñas comunidades y enseguida vio que la película gustaba. Creo que hicieron un trabajo comercial supremo. Por mi experiencia, he visto campañas publicitarias anteriores muy chapuceras, pero esta fue francamente buena. Estoy contenta.

- Su compañía la ayudó mucho en esta película y ahora usted va para producir su primer filme. ¿Será productora y actriz al mismo tiempo?.

- Es interesante trabajar con varios sombreros. A mí me gusta meterme en conflictos que me puedan interesar. (Ríe). Como usted sabe las actrices somos bondadosas y muy emotivas, pero los productores tienen que tener la mente y el corazón fríos.

- Y una buena visión comercial.

- Sí. Las actrices somos más egoístas y pedimos solamente aquello que nos beneficia.

Yo creo que mis necesidades no son siempre lo mejor para la película.

- Usted ha terminado “Intimo y Personal”, un romance con Robert Redford, y quisiera saber su opinión.

- ¿Redford?, bueno, él es un gran profesional. Él es, oh... , es simplemente tan...

generoso y sabio, muy concentrado y comprometido con su trabajo. Es muy sólido.

Realmente es un gran astro del cine.

- ¿Es bueno besando?

- (Risas) ¡Qué le voy a contar! ¿Se lo contará a alguien más?.

- A nadie, yo simplemente pienso que nuestros lectores no quieren oír si él es sabio y generoso.

- Bien, simplemente tendrán que ir ver la película.

- ¿Tiene usted escenas de amor?

- ¡Uff!... bueno, uh, yeah. Debo aclarar que yo no me desnudo, ni siquiera un poco, pero nosotros nos besamos mucho en la película. (Risas fuertes).

- Usted ha hecho muchas historias de amor donde ha compartido cartelera con actores importantes como Redford. En “Mentes Peligrosas” no hay un romance (Andy García hizo escenas de amor con usted pero fueron eliminadas del montaje final), y, sin embargo, triunfó igualmente. Ahora que usted puede escoger las películas en las que va a intervenir, ¿qué es lo que prefiere hacer?.

- Usted ha dicho que le consta que en “Mentes peligrosas” no hay una historia de amor, pero sí la hay. Es mi relación con el aula y con los chicos. Y yo pienso que subestimar el poder de esos chicos y su parte en el éxito de la película es una equivocación. Yo no llevo realmente la película, ellos la llevan conmigo, aunque desde el punto de vista de Hollywood quizá no piensan igual.

- Yo hablo de los intereses de Hollywood.

- Pero es el único que interesa. (Ríe)

- Todavía hay mucha gente que se pregunta cómo esa película ha podido tener éxito.

- Yo sé por qué lo dice usted, y aunque no debería decirlo hay que admitir que se debe a mi presencia. Yo soy una actriz muy comercial y cuando tengo como compañero a un actor como Redford las cosas van aún mejor. Llevar una película es muy estresante y el director se encuentra muy sólo. Es mucho más relajado hacer “Intimo y personal”, donde solamente me tenía que concentrar en mi interpretación. En

“Mentes peligrosas” yo discutía mucho sobre cómo haríamos las tomas y las discusiones con el director John N. Smith eran frecuentes. Cuando descansábamos seguíamos en contacto por teléfono y fax, por lo que no había manera de estar tranquilos ni un minuto.

-

- Bueno, yo nunca había pensado que la vida de un productor era más dura que la de una actriz.

- Hay más responsabilidad. No puede uno ocuparse de descansar ni un momento durante el rodaje como se hace cuando se es actriz solamente.

- Debe ser muy estresante el momento del estreno.

- Da mucho más miedo, pero si todo va bien es mucho más gratificante. Yo nunca estuve interesada antes de “Mentes peligrosas” en la recaudación de la taquilla.

- ¿En serio?

- Lo juro. Yo nunca he comprado un periódico o una revista para saber cómo iba mi última película, pero cuando estrené “Mentes Peligrosas”, compraba la prensa todos los días. Nunca en mi vida había leído tantas revistas y diarios como en ese momento. Creo que hice una inversión enorme.

-

- El pensamiento convencional en Hollywood es que las mujeres no pueden llevar las películas del mismo modo que los hombres. Demi Moore, una de las estrellas femeninas mejor pagadas, busca siempre compartir cabecera con actores muy populares.

- De cualquier manera, ha quedado claro que “Mentes Peligrosas” está bien realizada.

Es muy emocionante pensar que verla les puede hacer bien a los jóvenes de hoy, a quienes no damos nunca el crédito suficiente. Si usted da un buen producto, los espectadores acudirán.

- ¿Qué papel juegan los desnudos?.

- (Sonríe) Son el mejor reclamo para la industria, aunque creo que usted está más interesado en mis desnudos.

- Yo oí que Paul Verhoeven le pidió que interpretara una película sobre una pirata del mar, en la cual la heroína es una mujer que debe aparecer desnuda en algunas escenas.

- Yo he tenido dos reuniones con Paul Verhoeven y él me mostró dos proyectos diferentes y en ambos quedaba bien claro la cantidad de piel que yo mostraría.

-

- ¿Estaba fascinada por la idea de hacer de pirata?

- Cuando leí el primer guión lo medité y luego he pensado que el personaje era el de una mujer en un mundo de hombres que debía comportarse como uno de ellos. Ella es muy poderosa, y usa el sexo de la misma manera que lo hacen los hombres (¡).

Pero cuando yo indagué más en el personaje y vi que la mayor parte del atractivo de esa pirata eran sus desnudos me desilusioné y renuncié al trabajo. Yo soy bastante tímida y no es una cuestión de moralidad, puesto que ya lo he realizado (los desnudos) en otras ocasiones. Es simplemente que me da vergüenza. La gente que no siente vergüenza de mostrarse desnuda ante las cámaras es muy afortunada, pero yo no me siento cómoda. El guión me gustó, pero cuando lo analicé a fondo ya no me gustó tanto. La idea central era la de una mujer que encuentra despreciables a los hombres, pero si las cosas no le salen bien es porque es una mujer. Ambas cosas son inaceptables para mí.

- ¿Leyó usted todo el manuscrito?

- Yo leí la primera versión, entonces supe que estaban intentando otorgar el papel principal a Harrison Ford, tratando de evitar que ninguna de las estrellas masculinas hiciera de segundón para una mujer.

- Yo me pregunto qué hubiera hecho Verhoeven con usted en “Showgirls”. ¿Le gustó “Showgirls”?

- Uhhh... no. No, no me gustó. No quisiera hablar de esto en una entrevista. Creo que es más interesante lo que ocurrió en esa película de piratas que lo sucedido con

“Showgirls”. No creo que exista ningún tipo de conexión entre ambas películas.

-

- ¿Aparte de un musical, hay alguna otra película que le hubiera gustado interpretar?. ¿Le gustaría hacer una película de acción?, aunque a mi me da la impresión que usted no es muy buena con los revólveres.

- No, no lo soy, pero tampoco era una buena Catwoman. Ahora estamos hablando de hacer una nueva película sobre Catwoman y espero que realmente se haga, pero es solo una idea.

- ¿Cuáles han sido sus películas favoritas el año pasado?

- Me gustó “Seven” y “Apolo 13”.

- ¿Pierde usted el sueño de noche pensando sobre los grandes triunfos que ha conseguido?

- Yo pienso en ello y creo que seguirán llegando buenos proyectos. Las películas se siguen rodando y sé que hay abundancia de oportunidades, aunque no puedo hacerlas todas. Simplemente no puedo quejarme sobre mi vida o mi carrera, y estoy satisfecha en ambos sentidos.

- Quisiera saber, por qué usted hizo un trabajo que habla sobre una mujer de la televisión, dónde consiguió sus datos del personaje y quiénes eran los demás.

- Yo miré muchas cintas vídeo sobre las mujeres de este país y estudié la trayectoria de algunas de las más famosas que aparecen en las pantallas de televisión. Al finalizar el día ya tenía suficiente información y entonces traté de centrarlo en la mejor showoman de todas. Pero no traté de emular a ninguna en particular.

- ¿Consiguió reunir los suficientes datos o solamente los favorables?

- Creo que conseguí olvidar algunos malos.

- Bueno, hay quien opina que usted solamente dio una versión diferente de gente famosa, pero que no era toda la verdad sobre ellas. Usted mostró su pelo, su forma de vestir, pero no los datos de su carácter que verdaderamente interesaban. Había gente que opinaba que el papel de la locutora tenía que haber sido para Katie Couric. ¿Hizo alguna cosa en particular para conseguir ese papel?.

- En absoluto y nunca trataría de quitar un papel a otra actriz. Realmente yo también creo que Katie Couric hubiera sido una estupenda Tallie Atwater, y la cinta sería igualmente un éxito. Ella es muy agradable, inteligente y su papel en la película es muy bueno, como una malvada entrevistadora.

- ¿Dónde adquirió ese estilo entrevistando?.

- Tengo que recordarle que yo empleo solamente las palabras escritas y yo no escribí el guión, me lo escribieron para mí. Los guionistas tenían experiencia como periodistas y por eso han podido reflejar lo duro de su profesión.

¿Lo más duro de su papel fue entonces su trabajo como una periodista agresiva?

- Los métodos para escalar peldaños profesionales eran realmente duros. Había que emplear un tipo particular de energía y es realmente duro para describirlo, solamente se puede sentir. La diferencia entre el drama y la comedia está bastante bien descrita, con bastante benevolencia. Se trata simplemente de despreciar a la gente sin escandalizar por ello, sin llamar demasiado la atención para no ser criticados.

- Las diferencias entre ustedes, locutores y actores, es que ustedes nunca miran directamente a la cámara, mientras que los reporteros sí lo hacen. ¿Encontró usted que esto era difícil? .

- Sí, un poco difícil. Y era difícil, porque nosotros, los actores, tenemos a alguien hablando en nuestra oreja y así es fácil entrevistarle y luego mirar a la cámara. Con las noticias es muy diferente, pero en ningún momento me he sentido acobardada por este reto.

- ¿Qué fue la cosa más sorprendente que usted vio o aprendió sobre ser un reportero? ¿Los medios?. ¿Sabía usted mucho sobre ese mundo antes?. ¿Cuál era su opinión sobre la televisión antes de la película? .

- Bien, yo todavía me asusto de los reporteros. Creo que no me doy cuenta cuando un periodista trata de ser amable. ¿Quiere saber lo que más me sorprendió?. Pienso que hay situaciones en las cuales el periodista debe escribir su propio texto, sus propias preguntas, y hay que estar muy bien preparado sobre el particular. Hay que saberse manejar en cualquier circunstancia sin titubear, algo que todavía no he conseguido puesto que me intimido con facilidad.

- ¿Cuáles son las presiones agregadas por ser mujer, como por ejemplo el pelo, el nombre o los vestidos?

- Fue realmente sorprendente para mí que por más éxito que uno tenga, las cartas que le envían hablándole de su pelo o de su físico sobrepasan en número a las demás.

-

- Hemos visto diferentes estilos a lo largo de la película. ¿ Esta su mirada basada en alguien en concreto?

- No entiendo lo de estilo. No, no hay ninguna locutora en la que yo me hubiera basado.

- Usted dijo en una ocasión que nunca se había cortado el pelo para una película, pero en esta película sí lo ha hecho.

- Nosotros miramos la parte del pelo que pudiera estar desgastada, ya que estilísticamente debemos tener en cuenta la iluminación y la cámara. Yo también me quedé sorprendida por mi maquillaje y por lo que hicieron con mi pelo.

- Otra cosa de la película es que ninguna de las mujeres tienen hijos, quizás porque pueden perjudicar algunas profesiones. Yo pensaba que esto es lo mismo en su profesión, pero usted está en la cima de su carrera y tiene hijos.

- Estoy convencida de que la mayoría de las actrices tienen hijos, pero logran mantenerles al margen de su profesión.

- ¿Cómo lo consigue usted?

- Es una labor día a día. Todos los días realizo una gran improvisación, aunque tengo que controlar un montón de detalles por ser madre. Como es algo cotidiano me acostumbro sin problemas.

- Sin embargo, yo me lo imagino muy complicado. Quizá por eso los medios de comunicación se interesan por su vida familiar, no solamente por Michelle Pfeiffer, la actriz. ¿Han cambiado mucho las cosas en su vida desde que comenzó con su carrera?

- Desde que llevo trabajando en este negocio, siempre ha sido así. Con anterioridad a mí, en el "viejo Hollywood", ellos simplemente mostraban su vida personal, aunque estoy segura que estaba mucho más protegida que ahora.

- ¿Qué le molesta sobre el sensacionalismo de la prensa y su afán por querer saber todo sobre la vida privada de los famosos?

- Me molesta más a gran escala que simplemente por mi persona. Seguramente yo también he sido perjudicada por esta plaga, pero me siento más molesta por lo que sucede en la sociedad en su totalidad. No estoy segura de que vaya a remitir con el paso de los años y lo único que ocurrirá es que aumentarán las denuncias por intromisión en la intimidad. Las cosas irán hacia donde ustedes quieran que vayan.

- Según mi punto de vista, los periodistas disponemos de poco tiempo para hacer la entrevista y aportar algunos datos de interés, por lo que estamos interesados en todo lo referente a su vida. También nosotros deseamos que nos reciban con amabilidad y hasta con una pizca de cariño. Nos gustaría que nuestra relación no terminase en ese momento. Ustedes los actores suelen trabajar durante unas semanas con alguien muy estrechamente y normalmente acaban amigos. Su esposo también forma parte de ese mundo y quisiera saber si esto les ha servido para acercarse más el uno al otro.

- Usted sabe que mi pasado ha sido duro y que en el futuro posiblemente nunca más lo sea.

- Creo que tanto mi esposo como yo sabemos lo difícil de nuestra profesión y por eso desde el primer momento sentimos una gran afinidad y comprensión. Ahora nuestras prioridades somos nosotros y no nuestro trabajo.

- Usted ha trabajado con Robert Redford y parece que hay una buena química entre ambos. ¿Qué es lo que más le gustó de trabajar con él?

- Yo le veía como un gran mito. He querido trabajar con él desde hace mucho.

Estuvimos a punto de lograrlo un montón de veces, pero siempre falló algo. Mi impresión es que me he encontrado muy segura trabajando con alguien tan profesional y le llegué a considerar como un verdadero socio. Me he sentido protegida, como si hubiera tenido un profesor durante el trabajo. Siempre presentía que allí estaba él para ayudarme.

- Yo sé que todo el mundo le pregunta las mismas cosas pero usted ha realizado escenas de amor con Robert Redford y él ha hecho muchas escenas con otras actrices, ¿Cómo han sido esas escenas de amor entre los dos?.

- Bien, las escenas de amor son realmente torpes. No se extrañe, porque es verdad.

Nuestro trabajo es así y tratamos de hacerlo lo más fácil posible, y para ello es necesario que nos gustemos el uno al otro. A medida en que avanza el rodaje se acaba perdiendo el miedo, hay risas, dejamos de estar incómodos y ya no nos avergonzamos.

- ¿Pero en qué aspecto en particular usted reía con él?

- Él es muy cómico. Tiene un gran sentido del humor y eso ya establece toda la diferencia en la película. Con él la tensión desaparece y nosotros nos hemos reído mucho.

- ¿Hay alguna cosa en particular que usted quiera contarnos? ¿Cómo es fuera del estudio? ¿Algún chiste que recuerde?.

- Me hubiera gustado poder haber apuntado unos cuantos chistes. Me es imposible escoger ahora uno en concreto.

- ¿Realmente fue todo tan bien durante el rodaje?.

- Sí, nosotros lo pasamos bien. Cuando no trabajábamos nos pasábamos mucho tiempo hablando en un rincón, aunque siempre había alguien que llegaba y no nos dejaba en paz.

- Hubo un momento en que nos pusimos a cronometrar cuánto tiempo pasaba hasta que alguien nos interrumpiera. Nunca conseguimos superar los dos minutos

- Usted trabaja ahora en "Un Día inolvidable", con otra estrella como es George Clooney. ¿Le atrae la idea de rodar con él?.

- Claro. Nosotros llevamos ensayando ya unas semanas.

- ¿Era como usted se lo había imaginado?

- Bueno, realmente yo le había conocido antes un poco. Él es uno de los amigos de mi hermana. Ella hizo una película con él hace años, creo que se titulaba "Oleaje Rojo".

Yo había hablado con él un par de veces, hace algún tiempo.

- ¿Qué piensa usted de su trabajo? ¿Pensaba que iba a ser así?

- También tiene un gran sentido del humor y está perfecto en su papel.

-

- ¿Cuándo fue elegido para rodar Batman, estuvo tentada de hablar con él?

- Sí, le llamé y le dije: "He oído que nosotros tenemos Batman y Catwoman en la misma película".

- ¿Tiene Catwoman algún consejo para Batman?

- Cuando usted suda en ese disfraz, tiene dolores, se cansa y usted no puede respirar y ni siquiera ir al baño, simplemente de algún modo lo recuerda como una diversión.

- ¿Volverá en alguna ocasión a ser Catwoman?

- He hablado en otras ocasiones de esto, pero probablemente no lo seré en esta serie, aunque me parece una buena idea.

- Me parece que nos hemos pasado de tiempo. Gracias, ha sido un placer conocerla.

- De nada.

FILMOGRAFIA

THE SOLITARY MAN (1979)

US

100 minutos

Director: John Llewellyn Moxey

Intérpretes:

EARL HOLLIMAN

CARRIE SNODGRESS

DORRIE KAVANAUGH

LARA PARKER

LANE SMITH

NICOLAS COSTER

MICHELLE PFEIFFER

Bien intencionado filme sobre el estudio melancólico de la desintegración de una familia desde el punto de vista del hombre. Fue precedido varios meses antes por el gran éxito de “Kramer contra Kramer”.

THE HOLLYWOOD KNIGHTS

The Holywood Knights (1980)

US

95 minutos

Director: Floyd Mutrux

Intérpretes:

TONY DANZA

MICHELLE PFEIFFER

FRAN DRESCHER

LEIGH FRENCH

RANDY GORNEL

ROBERT WUHL

STUART PANKIN

DEBRA FEUER

Una respuesta a “American Graffiti”, que sigue la línea de una orquesta que se ve metida en un infierno terrible cuando tienen que dormir en un edificio abandonado, durante la noche de Halloween en 1965. Soporífera en su conjunto, solamente se soporta por sus pequeños momentos cómicos.

Supuso el debut de Tony Danza.

VOLVER AL AMOR

Falling in Love Again/In Love (1980)

US

103 minutos

Director

Steven Paul

Intérpretes:

ELLIOT GOULD

SUSANNAH YORK

STUART PAUL

MICHELLE PFEIFFER

KAYE BALLARD

ROBERT HACKMAN

STEVEN PAUL

Superficial y desbordante intento frustrado de mostrarnos a Gould mirando al pasado, en sus años jóvenes, cuando vivía en el Bronx y tenía una novia que era una princesa rebelde. Sumamente artificial, por no decir insignificante, película. Stuart Paul hace aquí las labores de productor, director, escritor y actor, pero quedó demostrado que tanto trabajo aturdió su mente y no le permitió dedicarse a nada en concreto.

Podemos considerarla como el auténtico bautismo cinematográfico de Michelle Pfeiffer, aunque su papel era solamente un poco más extenso que en las anteriores.

LA MALDICIÓN DE LA REINA DRAGÓN

Charlie Chan and the Curse of the Dragon Queen (1981) US

97 minutos

Director: Clive Donner

Intérpretes:

PETER USTINOV

LEE GRANT

ANGIE DICKINSON

RICHARD HATCH

BRIAN KEITH

MICHELLE PFEIFFER

RODDY McDOWAL

RACHEL ROBERTS

Discreta comedia que derrocha actores de gran talento. Ustinov realiza una de las peores películas de su carrera, lo que es extraño teniendo en cuenta que casi siempre está asombroso.

ESPLENDOR EN LA HIERBA (Teatro)

Splendor in the Grass (1981)

US

100 minutos

Director: Richard C. Sarafian

Intérpretes:

MELISSA GILBERT

NED BEATTY

EVA MARIE SAINT

MICHELLE PFEIFFER

JIM YOUNGS

NICHOLAS PRYOR

ALLY SHEEDY

Aunque forma parte de una obra teatral, se ha incluido en la relación de películas puesto que existe una versión en vídeo que se ha publicado en varios países. La escena se basa más en la primera versión teatral que en la película de Natalie Wood, por lo que ni siquiera han conseguido aprovechar los avances de Elia Kazan.

GREASE 2

Grease 2 (1982)

US

114 minutos

Panavision

Director: Patricia Birch

Intérpretes:

MAXWELL CAULFIELD

MICHELLE PFEIFFER

EVE ARDEN

LORNA LUFT

SID CAESAR

DODY GOODMAN

TUB HUNTER

CONNIE STEVENS

La continuación insensata de un éxito musical mundial, pero ahora no tenemos a Tony Manero que nos alegre el espíritu, ni la música de los Bee Gees para pasar a la inmortalidad. La música ramplona, una comedia sin gracia, unos actores sin carisma (Michelle Pfeiffer ha debido sentirse apesadumbrada cada vez que la película se ha visto en televisión), solamente reviste algún interés precisamente por los actores secundarios.

La banda sonora pasó desapercibida, lo mismo que la coreografía de Patricia Birch.

EL PRECIO DEL PODER

Scarface (1983)

US

170 minutos

Panavision

Universal

Productor: Martin Bregman

Director: Brian De Palma

Guión: Oliver Stone

Fotografía: John A. Alonzo

Música: Giorgio Moroder

Vestuario: Patricia Norris

Intérpretes:

AL PACINO: Tony Montana

STEVEN BAUER: Manny Ray

MICHELLE PFEIFFER: Elvira

MARY ELIZABETH MASTRANTONIO: Gina

ROBERT LOGGIA: Frank López

MIRIAM COLON: Mamá Montana

F. MURRAY ABRAHAM: Omar

Es interesante la manera en que

Tony Montana controla sus recuerdos, tomando como base los recuerdos de una persona torturada verdadera. La mayoría de los thrillers usan personajes intercambiables, y muchas de las películas sobre gángsters se interesan más por la acción que por la personalidad. “El Precio del Poder” es una de esas películas especiales, como “El Padrino”, que muestran el cambio que tiene lugar en la personalidad de un hombre perverso, hasta que llega a ser de nuevo un humano bondadoso.

Quizá no es ninguna coincidencia que ese Montana esté interpretado por Al Pacino, el mismo actor que también hizo de Michael Corleone. Montana es un delincuente en Cuba y en las primeras escenas de la película nos informan que existe una nueva ley que permite a todo cubano que tenga algún familiar en Estados Unidos que se vaya a vivir a ese país. Las fronteras están abiertas desde mayo de 1980.

Fidel Castro había manifestado que no quería perjudicar a las familias que estaban divididas desde hacia años, entre Miami y Cuba, y que estaba dispuesto a permitir su acercamiento. Pero detrás de ese gesto humano se escondía también una razón práctica: puesto que durante años había sido criticado internacionalmente por no abrir las fronteras de Cuba a sus propios ciudadanos, ahora era el momento de hacerlo, pero solamente con los indeseables, con los forajidos y los presos comunes. La estrategia era casi perfecta y durante algunas semanas Estados Unidos, los países americanos de habla hispana y también España, se vieron inundados de cubanos que deseaban abrazar a sus familiares y amigos.

Pero un día, alguien dio la voz de alarma: muchas de las personas que estaban siendo recibidas con los brazos abiertos eran delincuentes, no infelices cubanos que huían de Fidel Castro. Rápidamente las fronteras mundiales se cerraron a estos individuos, aunque muchos de ellos ya estaban situados en sus países de destino.

Una de estas personas era Montana, quien es interrogado por los agentes federales de EE.UU, y empleando su mejor habilidad, el engaño, logra que le dejen libre y con todo el mercado americano a su disposición. El no tiene ningún deseo especial y tampoco posee coraje para salir adelante mediante el trabajo honrado, por lo que decide recurrir al fácil y lucrativo negocio de la venta de cocaína.

“El Precio del poder” toma su título de la película de 1932 dirigida por Howard Hawks

“Scarface, el terror del hampa”, y que estaba inspirada en la carrera de Al Capone. Las películas de Hawks solían ser las más violentas de aquellos años, y esta de 1983 filmada por Brian de Palma también ha estado rodeada por una gran controversia a causa de su violencia, pero en ambos filmes la violencia crece fuera de las vidas de los personajes y no es usada para emocionar negativamente al espectador, sino más bien como una denuncia de lo que puede suponer como autodestrucción para quien la ejerce. Ambas películas hablan del ascenso y caída de un gángster, y ambas hacen mucho hincapié en la obsesión neurótica del héroe con su hermana.

“El precio del Poder” no es un remake, y se aproxima más a “El Padrino” que a

“Scarface”, quizá porque Hawks conocía perfectamente el modo de actuar de la Mafia gracias a sus contactos (nunca robados) con el sindicato del crimen, mientras que De Palma se limitó a dirigir sabiamente el guión disponible.

Lo curioso de este tipo de películas, es que cuando el personaje central es un criminal el resultado es un producto fácil de vender y en contra de lo que parecería normal, su comportamiento no es objeto de demasiados reproches. En los días pasados eran personas muy poderosas y admiradas. La familia Corleone se dedicaba al mundo del juego y la prostitución, pero las mafias modernas escogen el mundo más lucrativo de la cocaína. El mensaje para el negociante permanece igual: únicamente un tonto consigue engancharse con su propia mercancía.

Para Tony Montana, las elecciones en la vida parecen simples: puede trabajar duro, ser honrado, y hacer un trabajo humilde como lavaplatos. La otra opción es que puede trabajar para el crimen organizado, hacer un mejor trabajo que sus competidores y así conseguir automóviles grandes, mujeres hermosas, y un montón de lacayos pendientes de él cuando esté en un centro nocturno. Pronto vemos que él no se dedica a lavar platos.

Como Montana trabaja a su manera la distribución de la droga en el sur de Florida, en el filme se nos muestra de manera muy diferente a otros gángsters. No es el jefe, ni el teniente, ni el malo que mata o da palizas. Su comportamiento no responde a un esquema tradicional y tanto De Palma como el escritor Oliver Stone, han creado una galería de individuos específicos y unos atractivos adicionales en la película en la cual nosotros no vemos al crimen, sino a los criminales. La mafia que vemos es la actual, con menos acciones violentas en la calle y más movimientos mercantiles y políticos.

Son el crimen organizado mediante empresas multinacionales, bancos que blanquean el dinero, policías corruptos, narcotraficantes y políticos involucrados en negocios sucios.

Al Pacino no hace de Montana un personaje simpático, pero él lo hace como alguien a quien nosotros podemos identificar en nuestra ciudad, como alguien bastante cercano a nosotros.

Una pregunta que es fácil realizarse es si en verdad no nos gustaría también ser ricos y poderosos, tener muchos socios del otro sexo, vivir en una gran mansión, tener criados fieles y, especialmente, no tener que trabajar nunca más.

Pues parece ser que el negocio de la droga proporciona todo esto y quizá más, por lo que no nos debe extrañar que haya tanta gente involucrada que haya vendido incluso su alma al diablo.

Montana consigue todo eso y luego lo pierde, algo bastante habitual, aunque nadie podrá quitarle ya lo que ha disfrutado. Hay dos escenas para mostrar esto que son muy significativas: en una de ellas él está sentado en un centro nocturno con su chica rubia y su compinche fiel, y está tan lleno de cocaína que lo único que puede sentir es aburrimiento e impaciencia. En otra escena, cuando está ya desesperado y enfermo, mete su cara en un montón de cocaína y la inhala como si se estuviera ahogando.

“El Precio del Poder” muestra a las personas delincuentes, con sus nexos entre la pereza y la crueldad, tratando de aparentar grandeza y dignidad, mientras se dan cuenta de su incapacidad para ser felices.

La película, que inicialmente iba a rodarse en Miami, no contó con los permisos de la comunidad cubana, quienes consideraron que su imagen iba a salir muy perjudicada.

Michelle Pfeiffer, cuya actuación fue muy aplaudida después de la pésima crítica que había recibido por “Grease 2”, no era la actriz adecuada para el filme según el director Brian De Palma, quien se había opuesto firmemente a que hiciera el papel. Solamente la insistencia del resto del equipo técnico le motivó a que realizase un casting y ante los buenos resultados la pidió disculpas por su tozudez anterior.

Compañeros de reparto:

Al Pacino

(1940 - )

Profesión: Actor

Nombre de nacimiento: Alfredo James Pacino

Fecha de nacimiento: 25 de abril de 1940, en Harlem, Nueva York Educación: Escuela superior de arte dramático de Nueva York; Estudio Herbert Berghof. También, Actor’s Studio.

Pasó de ser un desconocido actor galardonado con un premio Tony por “Jo, con los militares” en el decenio de 1970, y con un pequeño papel en el cine como un drogadicto, en “Pánico en Nedle Park” (1971), a ser nominado al oscar en “El padrino”(1972). Su interpretación como Michael Corleone, el héroe de guerra que vuelve a su casa para realizar un ajuste de cuentas, le alzó definitivamente al estrellato.

Con sus hundidos ojos tristes y un estilo muy peculiar en sus interpretaciones, Pacino ha logrado ser una gran figura en el cine desde 1971, haciendo siempre papeles autoritarios, anárquicos, bien vestidos y en ocasiones cínico. Su recreación como Michael Corleone tuvo continuación con “El Padrino, partes II y III” (1974), donde ahora era ya el protagonista principal, consiguiendo ser nominado de nuevo al Oscar como el mejor actor principal. Después alcanzó un nuevo éxito por su interpretación en

“Serpico” (1973), pasando más desapercibida su anterior película “El espantapájaros” (1973), cuando Pacino se quitó las máscaras anteriores para convertirse en un vagabundo junto a un amigo (Gene Hackman).

Un poco más tarde volvió a sus personajes retorcidos, pero igualmente fascinantes y valerosos, como un ladrón de bancos bisexual y ardiente en “Tarde de Perros” (1975), un personaje a ratos trágico e inconscientemente cómico, cuando trata de llamar la atención de la prensa para financiar una operación de cambio de sexo para su amante varón.

Inevitablemente, Pacino tuvo que dar un paso en falso después de tal cantidad de buenas películas, bien escritas y con caracterizaciones enérgicamente logradas. Su primer papel de esta nueva etapa fue en “Un instante, una vida”, cuyo lanzamiento se hizo utilizando exclusivamente su nombre. En ella hace de un corredor de automóviles deportivos que tiene un romance con Marthe Keller. Después hizo “Justicia para todos” (1979) como un abogado de causas perdidas, pero con una cara mezcla de tristeza y sátira no demasiado acertada, con la cual mostraba una gran cantidad de expresiones malhumoradas pero de poco contenido dramático.

“A la Caza” (1980), mientras tanto, fue recibida como un despropósito por el público y la crítica, con su historia ridícula, simplista y odiosa de un policía que debe investigar el asesinato de un homosexual perteneciente al mundo del espectáculo nocturno de Nueva York y que acaba corrompido.

“Autor, Autor” (1982), la primera comedia de Pacino, era un intento levemente agradable de canalizar su intensidad y energía en una nueva dirección, mientras que su trabajo vuelve al mismo rumbo con “El Precio del Poder” (1983) de Brian De Palma, cuya película le permitió recuperarse de sus pequeños fracasos anteriores y volver a la cima del éxito.

Después realizó dos películas menores, ligeramente frustrantes, “Revolución” (1985) con un increíble casting que le perjudicó seriamente, y “Melodía de seducción” (1989).

Pacino no tardó en remontarse de nuevo cuando hizo un asombroso papel tan perfectamente caracterizado que pocos aficionados le identificaron, en “Dick Tracy” (1990) de Warren Beatty, remontándose definitivamente con “El padrino 3” (1990).

Filmografía esencial

“Melodía de Seducción” (1989) de Harlod Becker; “Dick Tracy” (1990) de Warren Beatty; “El Padrino III” (1990) de Francis Ford Coppola; “Frankie y Johnny” (1991) de Garry Marshall; Glengarry Glen Ross” (1992) de James Foley; “Esencia de Mujer” (1992) de Martin Brest.

Premios:

Nominado como mejor actor secundario 1972: El Padrino

Nominado como mejor actor 1973: Serpico

Nominado como mejor actor 1974: El Padrino II

Nominado como mejor actor 1975: Tarde de Perros

Nominado como mejor actor 1979: Justicia para todos

Nominado como mejor actor secundario 1990: Dick Tracy

Oscar al mejor actor 1992: Esencia de Mujer

Nominado como mejor actor secundario 1992: Glengarry Glen Ross Mary Elizabeth Mastrantonio

(1958 - )

Profesión : Actriz y Cantante

Nació: el 17 de noviembre de 1958, en El Roble, Illinois Educación: Universidad de Illinois, Champagne-Urbana

Como una guapa y clásica chica del espectáculo, Mary Elizabeth Mastrantonio hizo su debut en la pantalla como Gina, la hermana de Tony Montana (Al Pacino), en

“Scarface” (1983) de Brian de Palma. Mastrantonio inicialmente era una cantante, no una actriz; una soprano lírica, y ella dedicó sus años de adolescente a cantar ópera en Opryland, un parque temático. Después de trabajar como extra en “Quiero ser libre” (1980), llegó a Nueva York, compareciendo en “Amadeus” (1982), “Un domingo en el parque con George” (1983) de Stephen Sondheim, y varios otros espectáculos. Después de algunos éxitos en el cine, Mastrantonio volvió a su primer amor profesional, compareciendo en el Festival Shakespeare de Nueva York durante los años 80.

Después de su interpretación en “Scarface”, ella comenzó su carrera en televisión como la hija de un dictador en una miniserie titulada “Mussolini: The Untold Story” (NBC, 1985).

Otras experiencias de Mastrantonio en televisión han sido una adaptación para la PBS

de “Uncle Vanya” (1991) y una corta intervención con la voz en la comedia "Frasier" en 1995.

Martin Scorsese, quien la había conocido en “El Rey de la Comedia” en 1983 (su intervención fue cortada), estaba realmente impresionado por su trabajo y por eso la propone hacer de primera actriz en “El Color del Dinero” (1986). Su trabajo al lado de Tom Cruise la hizo ganar una nominación al Oscar como la Mejor Actriz secundaria.

Después realizó dos películas poco interesantes, el thriller “Sin Vía de escape” (1987) y la comedia de acción “El asesino del calendario” (1989). Pero Mastrantonio consecutivamente hizo papeles más serios, como una mujer individualista y como una heroína fuerte de acción en “Abyss” (1989) de James Cameron. También como un abogado sabio en “Acción Judicial” (1991), y una criada feminista llamada Marian en

“Robin Hood: Príncipe de los Ladrones” (ambas en 1991).

Mastrantonio retorna con “Arenas blancas” (1992) y como co-estrella al lado de Kevin Kline haciendo de esposa traicionada en “Dobles Parejas” (1992). Después de una ausencia de tres de años (mientras continuaba viviendo en Londres), ella volvió a la pantalla como una madre en “Three Wishes” y como hija de Al Pacino en “Two Bits” (ambas en 1995).

Está casada con el director Irlandés Pat OĆonnor, quien la dirigió en “The January Man” y “Fools of Fortune” (1990).

Premios:

Nominada como mejor actriz secundaria 1986: El Color del Dinero CUANDO LLEGA LA NOCHE

Into the Nigth (1985)

US

115 minutos

Productor: George Folsey Jr. y Ron Koslow

Director: John Landis

Guión: Ron Koslow

Intérpretes:

JEFF GOLDBLUM: Ed Okin

STACEY PICKREN: Ellen Okin

CARMEN ARGENZIANO: Stan

DAN AYKROYD: Herb

ALI MADANI: Hasi

MICHELLE PFEIFFER: Diana

DEDEE PFEIFFER: Hooker

IRENE PAPAS: Shaheen Parvizi

JOHN LANDIS

“Cuando llega la Noche” es una irregular comedia, y, por tanto, un thriller innecesario, lo que tampoco es suficiente para que sea una mala película. “Beverly Hills Cop” (1984), por ejemplo, es también irregularmente cómica, sin objetivos concretos, pero es

también una buena película porque tiene sentido en su estilo y porque tiene a Eddie Murphy en su centro. Esta película no tiene ningún personaje central, aunque el maravilloso actor Jeff Goldblum estaba disponible para ello.

La película está dirigida por John Landis, quien ha ocupado un lugar importante en el cine como actor invitado, director y actor secundario. Todos saben que en Hollywood muchos de los directores tienen en gran estima a “Cuando llega la Noche”, pero que es simplemente una apreciación muy personal, como la mía.

Todos los actores y su director flotan en esta película y a mí me da la impresión de que todos empezaron a realizarla como si fuera un partido, con un invitado diferente cada día y sin que nadie supiera el final. Landis hizo de anfitrión y trató de hacer que todos sus actores se sintieran cómodos, logrando así que no existiera ninguna tensión. Crear un ambiente de trabajo agradable llegó a ser más importante que hacer la película.

Repasemos la lista de invitados. Entre los directores que aparecen en la película están David Cronenberg, Colin Higgins, Daniel Petrie, Paul Mazursky, Paul Bartel, Don Siegel, Jim Henson, Amy Heckerling, Roger Vadim, Lawrence Kasdan, Jonathan Demme, Carl Gottleib, y Landis mismo. Seguro que reconoce a la mayoría de ellos. La mayoría son muy importantes en la industria del cine y probablemente todos disfrutaron interviniendo a favor de Landis.

Los otros actores que salen durante corto espacio de tiempo incluyen a Dan Aykroyd, Vera Miles, Clu Gulanger, e Irene Papas, el fotógrafo Robert Paynter, el publicista Saul Kahan, el negociante de automóviles Cal Worthington y el cantante David Bowie.

También aparecen brevemente el escritor Waldo Salt, el experto en software para computadoras Hadi Sadjadi, el constructor Jake Steinfeld y el dibujante Bruce McGill (quien es muy bueno como un Elvis monstruo). En papeles menos importantes vemos a el especialista en maquillaje Rick de Baker, el cantante country Carl Perkins, además de David Sosna, Christopher George, William B. Kaplan, y Ws Dawn. Seguro que se me olvida alguno.

¿Cuál es la idea de la película? ¿Hacer una película familiar?. Si yo hubiera sido el agente de una de esas estrellas, como Goldblum, Michelle Pfeiffer, Richard Farnsworth, o Kathryn Harrold, creo que habría protestado a la oficina de Landis por lo poco importante que había sido el trabajo de mi actor.

Lo gracioso de “Cuando llega la noche” es que parece una gran comedia de intriga.

Goldblum hace de un ingeniero aeroespacial que está desdichadamente casado, desdichadamente empleado, deprimido, e inquieto. Cuando él averigua que su esposa tiene una aventura romántica, se levanta a media noche y pasea con su automóvil hasta el aeropuerto, planeando volar fuera en ese mismo momento. En este punto, hay un montón de cosas que podrían suceder.

En lugar de eso, Michelle Pfeiffer aparece perseguida por cuatro árabes asesinos, aunque Goldblum salva su vida y consigue verse metido en una intriga que involucra joyas hurtadas, mercado negro, y una red internacional de ladrones.

Y la película en ese momento empieza a fallar y queda reducida a una insensata serie de secuencias, con los árabes persiguiéndoles en un Mercedes. En ese momento es cuando desaparecen los actores principales y solamente vemos acción, carreras y persecuciones.

Igual que una película de El Gordo y el Flaco pero sin pastel de queso estallado en la cara.

Landis no es un mal director y para afirmarlo basta con mirar “Animal House”, “The Blues Brothers”, y Trading Places”. Algunas de las escenas en esta película, incluyendo una especialmente cómica entre Mazursky y Harrold, otra con Farnsworth tocando como un viejo agonizante, y a McGill's en su divertido papel suplementario como un imitador de Elvis enojado.

Quizá lo que la película necesitaba era más disciplina profesional y menos genialidad.

En general, y como resumen, es una película a considerar, a pesar de sus defectos.

Compañero de reparto:

Jeff Goldblum

(1952 - )

Profesión: Actor

También: Profesor de actores

Fecha de Nacimiento: 22 de octubre de 1952, en Pittsburgh, PA Educación: Universidad Carnegie-Mellon en Pittsburgh, PA; Neighborhood Playhouse, Nueva York.

Este alto, elegante, y algo feo actor ha conseguido destacar en el cine por sus interpretaciones de neurótico y amigo agradable que sin ser demasiado sabio o inocente conseguía sobrevivir en cualquier situación. Goldblum hizo su debut en el cine como un violador en “El Justiciero de la Ciudad” (1974) y seguidamente como un actor frustrado en “California Spliit” de Robert Altman.

En “Nashville” (1975) de Altman, interpretó su papel más importante hasta entonces como un motociclista silencioso con dotes de mago. Goldblum también hizo un corto trabajo en “Annie Hall” (1977) de Woody Allen, como el nervioso invitado que celebra su triunfo riendo por teléfono. Después aparece en televisión con “Tenspeed” y “Brown Shoe” (ABC, 1980), una buena comedia sobre un detective junto a Ben Vereen.

También trabajó como narrador en una serie de televisión. Un actor muy ocupado, Goldblum alternaba entre la televisión y el teatro, alcanzando gran fama durante los años 80. Hizo un papel como el vil periodista de People en “Reencuentro” (1983) de Lawrence Kasdan.

Los capacidad de Goldblum para transmitir inteligencia, cierta arrogancia, locuaces disertaciones y cierta intensidad en su alma, le sirvió bien en papeles que tocan personalidades complejas, como el del pistolero en “Silverado” (1985) de Kasdan, a su angustiosa representación, fuertemente aclamada, como el científico que se volvió un insecto en el remake de “La Mosca” (1986) de David Cronenberg.

En su intensiva transformación, consiguió llenar el corazón de los espectadores por su amor imposible hacia Geena Davis, con quien estuvo casado en la vida real.

Goldblum ha aparecido en varias películas francesas, inglesas y españolas, en excéntricas co-producciones, incluyendo la comprometida comedia británica “The Tall Guy” (1989), en donde él hizo de un actor estadounidense inseguro que pugna por entrar en el teatro de Londres.

En 1992 volvió a Hollywood con un aparatoso papel como un Judío yuppie que se convirtió en un gran negociante de droga en “La Cara Sucia de la Ley” de Bill Duque.

También hubo un pequeño trabajo como él mismo en “El Juego de Hollywood” de Altman, y un cambio sobrio como un padre que ayuda a un hijo adolescente en “Padres e Hijos”.

Perfectamente integrado como el excéntrico matemático Ian Malcolm en “Parque Jurásico” (1993) de Steven Spielberg, Goldblum consiguió colocarse como una de las estrellas de mayor prestigio. Pero en lugar de aprovechar agresivamente su incomparable éxito, él continuó tomando una trayectoria bastante poco convencional para una celebridad de su estatura.

Goldblum prestó su voz distintiva a tareas narradoras en varios documentales de ciencia para PBS y actuando para una película de televisión titulada “Lush Life” (1994), como un músico de jazz neoyorquino llamado Forest Whitaker. Después, en 1995, volvió como actor principal en “Hideaway”, un papel como actor secundario en “Nine Months” y como un profesor en la comedia de fantasía “Powder”.

Premios:

Nominado por Short Films - Live Action 1995: Little Surprise LADY HALCON

Ladyhawke (1985)

US

124 minutos

Technovision

Productor: Richard Donner y Lauren Shuler

Director: Richard Donner

Guión: Edward Khmara, Michael Thomas y Tom Mankiewicz

Basado en la historia de: Edward Khmara

Fotografía: Vittorio Storaro

Compositor: Andrew Powell

Intérpretes:

MATTHEW BRODERICK: Phillipe Gaston

RUTGER HAUER: Navarre

MICHELLE PFEIFFER: Isabeau

LEO McKERN: Imperius

JOHN WOOD: Bishop

ALFRED MOLINA: Cezar

NANA CECCHI: Mujer de Bishop

Ambientada en la Edad Media, la historia

nos habla del romance entre la Princesa Isabeau (Michelle Pfeiffer) y el noble Navarre (Rutger Hauer), los cuales son objeto de una maldición por parte de un hechicero y obispo perverso llamado Bishop (John Wood). Cada amanecer, Isabeau se convierte en un halcón; cada anochecer, Navarre vuelve como un lobo negro.

Las escenas y el vestuario tienen mucha grandeza y todo parece bien conectado salvo el estilo narrativo de su director Richard Donner. Como espectadores podríamos esperar un poco de sorpresa o misterio, que han sido escamoteadas deliberadamente por Donner. El resultado es una película melancólica y falta de garra.

Los amantes son ayudados por un muchacho ladrón, interpretado por Matthew Broderick, quien es como un contemporáneo urbano estadounidense adolescente puesto en la Francia medieval, cuyo efecto es algo así como poner a un joven Woody Allen con Robert Taylor codeándose en “Ivanhoe”. El conjunto no parece unido y el muchacho parece demasiado cariñoso y afeminado, demasiado cerca de la imagen real que tenemos de Broderick.

Sobran los detalles cómicos en este cuento de hadas, lo mismo que ciertas escenas crueles.

Buena interpretación de Leo McKern como el sacerdote Imperius y solamente correcta Michelle Pfeiffer.

El guión es demasiado minucioso, demasiado alejado de otras historias similares como

“Un Yanqui en la Corte del Rey Arturo” de Mark Twain.

Premios:

Nominada al mejor sonido 1985: Les Fresholtz, Dick Alexander, Vern Poore, Bud Alper

Nominada al mejor efecto de sonido 1985: Bob Henderson, Alan Murray Compañero de reparto:

Matthew Broderick

(1962 - )

Profesión: Actor

Fecha de Nacimiento: 21 de marzo de 1962, en Nueva York Educación: En la escuela Walden , de Nueva York

Afable, este actor juvenil consiguió destacar en comedias durante los años 80 y 90, aunque anteriormente Broderick ganó cierto prestigio en los teatros de Nueva York.

Posteriormente saltó a la fama en la pantalla grande con una película que hablaba de una computadora gigante que está a punto de provocar un conflicto mundial, en la intriga nuclear de “Juegos de Guerra” (1983).

También aportó colaboraciones importantes en obras de Neil Simon, quien se dio cuenta que el actor estaba perfecto en papeles cómicos, y con Horton Foote, que le permitió afilar sus habilidades dramáticas.

Matthew Broderick debutó en la escena a los 17 años en una producción de Foote “On Valentineś Day” con su padre, James Broderick. Consiguió un gran éxito por su representación de David, el hijo adoptivo de Harvey Fierstein en la producción de Broadway “Trilogía de Nueva York”.

La rápida carrera de Broderick fue debida a los dos proyectos de Neil Simon “Brighton Beach Memoirs” (1982 - 83), el primero como una semi–autobiografía en tres partes, en donde Broderick hizo el papel de Eugene, un individuo basado en la juventud de Simon, y en “Max Dugan Returns” (1983). Ganó un premio Tony por su interpretación y grandes perspectivas de futuro. Broderick volvió a interpretar el papel de Eugene en

“Biloxi Blues”, la segunda entrega de la trilogía, en una producción de Broadway que se llevaría al cine con una adaptación de Mike Nichols en 1988.

Broderick también ha trabajado sobre diversos proyectos, apareciendo en 1986 en la película “On Valentineś Day” (emitida por la PBS como "Historia de un casamiento, parte 2"), en el filme 1918 (1984) y en un teatro de Broadway con “Widow Claire” (1986-87).

Broderick es ahora más conocido por su trabajo en la obra de John Hughes “Todo en un Día” (1986), una comedia popular sobre adolescentes. Su transición subsiguiente a los personajes de adulto ha sido vacilante y desigual. La primera comedia romántica fue como Harvey Fierstein en la versión para el cine de “Trilogía de Nueva York” (1988), ahora ya no como el hijo sino como el amante.

También ha estado convincente como el joven comandante de la Unión Negra en la película sobre la guerra civil “Tiempos de Gloria” (1989). Broderick unió sus fuerzas con Dustin Hoffman y Sean Connery en “Negocios de Familia” (1989) de Sidney Lumet, un pequeño resbalón crítico y comercial.

Volviendo a su papel de adolescente cómico, tuvo mejor suerte en el filme “El Novato” (1990) con Marlon Brando. Después, con barba, intervino junto a una serie de actores jóvenes en la comedia romántica “The Nigth We Never Met” (1993), que fracasó en taquilla. Irónicamente, Broderick consiguió un gran éxito en el cine, mediante un anonimato relativo, como la voz del Simba adulto en la película de Disney “El Rey León” (1994).

Broderick ha vuelto a sus raíces teatrales para ser aclamado en 1995 en los teatros de Broadway con la obra “How to Succeed in Businee Without Realy Trying”. En la producción original, Robert Morse Interpretó de manera sencilla a su personaje, pero en contraste, Broderick hizo su papel con una pizca dramática más intensa y abiertamente ambicioso, aunque sin olvidar su carácter amable. Su temple vocal encontró confirmación oficial cuando fue premiado con un Tony al Mejor Actor Principal en un Musical.

DULCE LIBERTAD

Sweet Liberty (1986)

US

107 minutos

Productor: Martin Bregman

Director: Alan Alda

Guión: Alan Alda

Intérpretes:

ALAN ALDA: Michael Burgess

MICHAEL CAINE: Elliott James

MICHELLE PFEIFFER: Faith Healy

BOB HOSKINS: Stanley Gould

LISE HILBOLDT: Gretchen Carlsen

LILLIAN GISH: Cecilia Burgess

SAUL RUBINEK: Bo Hodges

“Dulce Libertad” cuenta la historia de una compañía de películas de Hollywood que llega a un colegio de un pueblo pequeño del sudeste, para rodar una película sobre una revolución. En ella se cuentan simultáneamente tres o cuatro historias personales, y ahí está el problema: la película quiere escamotear muchos personajes de un golpe, pero va soltando el más interesante alternativamente.

El actor Alan Alda, interpreta a un profesor local de historia que vendió su libro para el cine.

Aunque él no esperaba que la reprodujeran exactamente como si fuera un documental, se quedó escandalizado cuando vio que la habían convertido en una historieta de lujuria, traición, intriga, y violencia. Él hace una fuerte amistad con el guionista (Bob Hoskins), quien le frena sus impulsos recomendándole actuar con cinismo, y juntos tratan de cambiar algunas de las peores partes.

Mientras tanto, el pequeño pueblo se vuelve así mismo en una comunidad de lujuria, de traición, e intriga.

Alda ha logrado contactar con otro miembro de la comunidad (Lise Hilboldt), pero entonces él se enamora de la erótica actriz principal de la película (Michelle Pfeiffer). Otro de los personajes, Hilboldt, se une al actor principal (Michael Caine) y realizan un complot involucrando al director, los extras locales, y hasta a la madre de Alda (retratada por Lillian Gish, quien todavía realiza papeles en el cine con personajes aún más viejos que ella).

Estas son muchas historias juntas para lograr unirlas, y “Dulce Libertad” no triunfa siempre. Yo acudí al cine creyendo que o bien había menos material o la duración del filme sería más larga. También estaba interesado en ver de nuevo a Michael Caine como un actor cómico. Su personaje, un mujeriego desvergonzado con una racha de poesía en su alma, nos parece sumamente patético e impropio de su categoría.

Alda escribió y dirigió la película, así como también la protagonizó, y consigue algunas buenas escenas con su presencia. Especialmente interesante la escena en que Caine se vio sorprendido por la llegada inesperada de su esposa, y también otra escena donde ellos caminan ebriamente por el pueblo una noche, mientras hablan de cosas románticas que olvidan por la mañana.

Lo mejor de Alda es el personaje que escribió de Fe Healy, la actriz erótica interpretada por Michelle Pfeiffer, con algunos momentos verdaderamente hermosos y sutiles, cuando ella se mueve a caballo entre su personaje histórico y su más real carácter de mujer cínica moderna. Es en este momento en que la película se acerca más al tema central, que no es otro que el modo en que los adultos se engañan así mismos pensando que son plenamente conscientes de sus móviles mentales.

El personaje de Lillian Gish es una distracción. Su obsesión por la intriga de su viejo amigo está muy lograda, sin embargo, quizá esta particular historia debería haber sido extraída del guión de “Dulce Libertad” y hacer con ella una película propia.

Hay también una gran escena donde Alda e Hilboldt van a visitar al viejo amigo, el cual se queja de su vida miserable. Esta escena es tan fuerte que, paradójicamente, no pertenece a esta película; su tono es también tema para otra película.

“Dulce Libertad” quedará probablemente mejor en televisión y vídeo e incluso en el teatro, donde su estructura episódica es muy adecuada para el hogar, en donde la publicidad separa las historias. De esa manera la gran cantidad de material no aparecerá todo junto y se asimilará mucho mejor.

Aunque nos gusten la mayoría de las películas que hablan de rodajes de películas, esta no es demasiado realista.

Es inverosímil que un gran película histórica de gran presupuesto utilice telones de fondo pintados de manera andrajosa, y completamente incorrectos en la escena culminante, una batalla con sabotaje, o al menos es incorrecto mostrarlo así.

Pocas películas han tenido la paciencia para mostrar la fase de producción de la manera tan real como se hace aquí (“Day for Night” de Truffaut también lo hizo de manera similar), pero hay veces en que la interpretación del director (Saul Rubinek) no se parece en nada a la labor real de un director de cine.

Director y compañero de reparto:

Alan Alda

Nacido el 28 de junio de 1936 en Nueva York e hijo del actor de origen italiano Robert Alda, conoció la popularidad después de su aparición en la serie de televisión M.A.S.H.

Comenzó su carrera como actor, director y guionista, tras haber permanecido una larga temporada formándose en el teatro. Los argumentos que utiliza para sus guiones están basados en hechos de la vida real y tratados con un sentido del humor tragicómico, dando un mensaje final, que casi siempre consiste en que no hay que tomarse nada demasiado en serio.

Tras haber demostrado con su buena actuación como preso en “La casa de cristal”, su gran capacidad para crear personajes dramáticos, Alan Alda ha preferido seguir desarrollando su faceta como actor de comedia, trabajando en los últimos años junto a Woody Allen. Ambos han logrado desarrollar una buena comunicación, como se demuestra con su interpretación en “Misterioso asesinato en Manhattan”. También hay que destacar su papel como director, ya que con esta labor ha conseguido éxitos como

“Las cuatro estaciones” película que más tarde se emitió como serie televisiva, o “Dulce Libertad”, divertida película sobre Hollywood y sus estrellas.

Otro compañero de reparto:

Michael Caine

(1933 - )

Profesión: Actor

Nombre de Nacimiento: Maurice Joseph Micklewhite

Fecha de Nacimiento: 14 de marzo de 1933 en Bermondsey, Inglaterra Altamente versátil, prolífico, con su pelo rizado y ligeramente cínico, consiguió ser reconocido por primera vez por su interpretación en “Alfie” (1966). Después Caine selló su fama con tres películas menores como “Ipccress” (1965), “Funeral en Berlín” (1966) y “Un cerebro de un billón de dólares” (1967), como Harry Palmer, el espía de clase obrera poco dispuesto a este trabajo.

Caine ha interpretado desde algunos memorables papeles en películas de misterio, “La Huella” (1972) y “La Trampa de la Muerte” (1982), a otros papeles indelebles que incluyen héroes en el clásico “El Hombre que pudo Reinar” (1975) de John Huston, o un moderno hombre llamado Henry Higgins en “Educando a Rita” (1983). También trabajó junto a Bob Hoskins en “Mona Lisa” (1986) y en la comedia de Woody Allen ambientada en Manhattan “Hannah y sus Hermanas” (1986).

Caine parece disfrutar siendo un

actor capaz de hacer cualquier papel, incluso en una comedia tan superficial pero de tanto éxito como “Lío en Río” (1984), o en la insufrible “Tiburón 4: La Venganza” (1987). Ha mostrado también un sentido del humor poco sutil en “Un par de Seductores” (1988) y “The Muppet Christmas Carol” (1992). Su trabajo ha incluido una intervención para la televisión estadounidense como Joseph Stalin en la miniserie World War II: When Lions Roared” (1994).

Sin considerar el material en el cual ha trabajado, las interpretaciones de Caine son coherentemente capaces y frecuentemente válidas. Además de su contribución al teatro, el cine y la televisión, Caine ha escrito tres libros y hecho un vídeo titulado: “Michael Caine Action on Film”.

Parece ser que cambió su nombre de pila por el actual después de interpretar “The Caine Muting” (1954).

Premios:

Nominado como mejor actor 1966: Alfie

Nominado como mejor actor 1972: Sleuth

Nominado como mejor actor 1983: Educando a Rita

Oscar al mejor actor secundario 1986: Hannah y sus Hermanas

AMAZONAS EN LA LUNA

Amazon Women on the Moon (1987)

US

85 minutos

Productor: Robert K. Weiss

Director: Joe Dante, Carl Gottlieb, Peter Horton, John Landis y Robert K. Weiss Guión: Michael Barrie

Intérpretes:

ROSANNA ARQUETTE

RALPH BELLAMY

CARRIE FISHER

GRIFFIN DUNNE

STEVE GUTTENBERG

MICHELLE PFEIFFER

PETER HORTON

La televisión por sí misma es tan extraña que

sobrepasa lo razonable. Hoy casi nada es imposible en la pequeña pantalla, desde ver a un escritor de comedias presentando un programa, una mujer inculta conduciendo un concurso, o un torero en un magazine de fin de semana. Lo importante es romper moldes, aunque con ello rompamos el buen gusto.

¿Cómo es posible que tal cantidad de actores y realizadores de prestigio hayan intervenido en esta comedia elaborada para la televisión?.

La película debería ser una crítica sobre el cine fantástico y los seriales televisivos (véase “Star Trek”, “Star Wars”), mostrados en forma de skechts, pero termina siendo una parodia sin gusto, que ni siquiera se estrenó en la pantalla grande en la mayoría de los países.

La película toma la forma de un paseo aleatorio por los concursos televisivos, a veces reproduciendo la sensación surrealista de cabalgar entre los canales, en un juego que muestra a los contrincantes comenzando con frases que son completadas por dibujos animados.

“Amazonas en la Luna” cuenta con varios directores. Robert K. Weiss, consigue cierto éxito por los detalles físicos. Por ejemplo, los actores andan muy lentamente cuando caminan entre las rocas, y la sala de control de su cohete tiene sillas iguales a cualquier oficina bancaria. ¿ Pero es esta sátira realmente necesaria?. Las películas de ciencia-ficción de esa época ya son suficientemente aclaratorias sobre su técnica, y en muchos casos muy convincentes.

En la película salen chicas tan guapas que parecen extraídas de las páginas del Playboy, versión vídeo para adultos, de la telenovela “Hospital”, o de una de esas asociaciones de solteras que hacen obras de caridad para entretenerse. Hay de todo.

El episodio más cómico probablemente es "El Hijo del Hombre Invisible," dirigido por Carl Gottlieb, en que Ed Begley Jr. hace de un hombre que piensa que es invisible pero no lo es. En el estilo de la película original, el hombre invisible asombra a los espectadores por su forma de descubrirse la cara mientras toma una taza de café que parece sostenerse en el aire. En esta película podemos ver claramente al hombre que la sostiene y por eso no acabamos de comprender el chiste.

Si consideramos a esta película como un nuevo enfoque de Joe Dante, encontraremos que trató de satirizar los espectáculos en directo más cretinos y las series de televisión.

Un enfoque que nos gusta es cuando muestra a los críticos peleándose y estrangulándose el uno al otro.

El episodio que dirige Dante se refiere a la vida tan miserable que llevan muchos de los espectadores, quienes prefieren morir viendo la televisión antes que dedicarse a otra cosa más productiva. En su episodio aparecen Henny Youngman, Rasgón Taylor, y Charlie Callas, quienes cuentan bromas sobre su féretro.

Aunque muchos de los esbozos contengan algo original, y eso va unido a cierta dosis cómica, el problema es la falta de contenido argumental.

John Landis dirige “El rey reconoce”, que es también una sátira sobre el cine, interpretada por el actor David Alan Grier como una especie de negro sin alma, un cantante tan malo que sus más grandes éxitos incluyen “ Tie a Yellow Ribbon Round the Old Oak Tree” y “Ballad of the Green Berets”. La idea es correcta para provocar una risa fácil, pero entonces Landis no profundiza en el tema y cada repetición es simplemente más del mismo.

Había quizá un tiempo, hace 20 años, cuando las parodias como “Amazonas en la Luna” podrían haber parecido débilmente osadas, pero la revista “Mad” ha aportado ya la suficiente sátira sobre el cine como para que no haga falta que nadie lo añada en una película.

Los guionistas satíricos son un peligro cuando sus temas son más cómicos que ellos mismos. Mi idea para una película cómica sobre la televisión estadounidense sería, bastante simplemente, una compilación en una película sobre momentos verdaderos desde programas verdaderos, presentada sin comentario alguno. Solamente con ver con nuestros propios ojos lo que se hace diariamente, será suficiente para que nos hundamos en un mar de carcajadas.

LAS BRUJAS DE EASTWICK

The Witches of Eastwick (1987)

US

118 minutos

Panavision

Warner Bros.

Productor: Neil Canton, Peter Guber y Jon Peters

Director: George Miller

Guión: Michael Christopher

Basado en la novela de: John Updike

Director de Música y Compositor: John Williams

Vestuario: Aggie Guerard Rodgers

Efectos especiales: Rob Bottin

Intérpretes:

JACK NICHOLSON: Daryl Van Horne

CHER: Alexandra Medford

SUSAN SARANDON: Jane Spofford

MICHELLE PFEIFFER: Sukie Ridgemont

VERONICA CARTWRIGHT: Felicia Alden

RICHARD JENKINS: Clyde Alden

KEITH JOCHIM: Walter Neff

En un principio, la película se rodaría en un

pueblo cerca de Rhode Island llamado Little Compton, pero allí dominaba (eclesiásticamente hablando) la Iglesia de la Congregación Unida, quienes no vieron de buen grado que se mencionase su pueblo como acogedor de demonios y brujas.

Por eso los realizadores aceptaron el ofrecimiento del alcalde de Cohasset, en Massachusetts, quien con 2.000 parroquianos como extras aportaron un ambiente perfecto al filme. Una vez iniciado el rodaje y conscientes de lo que la película podía suponer de promoción turística, el cercano pueblo de Sciutate también ofreció su colaboración, así como el gestor de la Academia de Milton.

Desde los primeros días de rodaje los habitantes del pueblo aprendieron, gracias a Jack Nicholson, a elevar alternativamente una y otra ceja, dependiendo de si estaban dudosos de tomar una decisión (la ceja derecha), si necesitaban meditar un negocio (ceja izquierda), o si tenían ante sí a Michelle Pfeiffer (las dos cejas al unísono). Desde los tiempos en que Clark Gable se hizo famoso frunciendo el ceño para conquistar a las damas, no se había conocido otro alarde de expresión corporal igual. Pero no interpreten esto como una crítica a las habilidades de Nicholson, sino solamente para avisarles a quienes aún no hayan visto el filme.

En “Las Brujas de Eastwick, él interpreta al diablo: un papel para el cual creemos había nacido. Un día se encuentra en el pueblecito de Eastwick, un pacífico y tranquilo lugar de Nueva Inglaterra, no por propia voluntad sino porque ha sido convocado por tres amas de casa aburridas, quienes no logran encontrar allí un varón que las saque de su sopor. Nicholson, obviamente, no es exactamente lo que ellas buscan, pero al menos las dará emociones durante unos días y hasta un poco de éxtasis sexual.

Ese diablo ha comprado una casa grande que hay al final del pueblo, y como buen solterón sabe cocinar, hacer las camas e ir de compras. Nadie sabe de qué vive, ni de dónde vino, pero lo que sí saben es que tiene un atractivo magnético para las mujeres.

Su forma de vestir es extraña, se oyen ruidos extraños en su casa y a través de las ventanas se ve un juego de luces aterrador.

El problema empieza cuando las mujeres que le visitan cambian su comportamiento y no pueden evitar acudir a esa mansión a horas extrañas. Ellas son las únicas que no se quejan del extraño, pero sus maridos sí.

Las mujeres están interpretadas en la película por Cher, Michelle Pfeiffer, y Susan Sarandon, y las tres tienen una interpretación deliciosa. Ellas tienen una participación doble en el filme, antes y después de ser seducidas por Nicholson, y por ello su mérito es mayor. Cuando las tres están juntas, una noche de tormenta, nos aportan una riqueza verbal inconsciente que nos lleva a disfrutar de una gran comedia cinematográfica, hasta que aparece Nicholson y nos saca de nuestro goce. Estábamos disfrutando tanto en ese momento de la película que nos habíamos olvidado de que no estaban solas; que Jack nos amenazaba con alguna mueca.

Por si aún no había quedado claro, ellas son el disfrute y él el espectáculo. Cuando viste su largo pijama de satén que hace de colcha matrimonial, y lo estira discretamente ante su amada, quiere mostrarnos que está seduciendo, que es un demonio muy sexy. Este es uno de los momentos más cómicos de la película.

Después hay otras escenas interesantes, como la fiesta que organiza en su casa, en la cual suceden cosas increíbles y que dan rienda suelta a la fantasía inconsciente de las mujeres, pero que Nicholson se encarga de aguarnos paseándose entre los invitados con su movimiento de cejas incontrolado. Si digo que su actuación raya en el ridículo sus fans pueden sentirse ofendidos, por lo que prefiero no decirlo Las Brujas de Eastwick está basada en la novela de John Updike, publicada en 1984, y con ella realizó un buen guión el premio Pulitzer Michael Christopher, que debe sentirse orgulloso de haber presentado una mina de oro a George Miller, el director. Las fantasías normalmente quedan mejor sobre una novela (el lector pone su imaginación) que sobre la pantalla, porque al menos en su imaginación el diablo (Nicholson) no aparece tan ridículo como en las imágenes reales. Hay momentos en “Las Brujas de Eastwick” que nos dan la impresión de estar viendo una buena película, una buena comedia fantástica, pero en ese momento aparece nuestro diablo con sus muecas y su creencia de que es irresistible para las mujeres, y nos saca de nuestro sueño.

Los productores asociados habían conseguido anteriormente grandes éxitos con “El color púrpura”, “Desaparecido” y “Un hombre lobo americano en Londres”, por lo que no dudaron en asociarse al productor de “Regreso al futuro” ni en comprar por 250.000

dólares la obra de Updike.

Los efectos especiales fueron obra de Bottin, quien también había realizado los de

“Legend” y “Los Goonies”.

Premios:

Nominada a la mejor Música 1987: John Williams

Nominada al mejor sonido 1987: Wayne Artman, Tom Beckert, Tom Dahl, Art Rochester

Sus compañeras de reparto:

Cher

(1946 - )

Nacida en: El Centro, California

Profesión: Actriz y Cantante

Nombre de nacimiento: Cherilyn Sarkisian

Fecha de nacimiento: 20 de Mayo de 1946, El Centro, CA Primeramente consiguió una gran popularidad cantando en el dúo "Sonny y Cher", teniendo como oponente a su entonces esposo Sonny Bono. Su sonido mullido, sólido, en un estilo que antes se denominaba como psicodélico, logró alcanzar un gran prestigio en los ambientes juveniles de la década de los 60. Su popularidad les permitió tener su propio programa de televisión, “The Sonny and Cher Comedy Hour” (1971-74) que llegó a ser un éxito.

Cher hizo su estreno en el cine con la película “Wild on the Beach” (1965), pero comenzó a tener un serio reconocimiento durante los años 80, con una nominación al Premio de la Academia como mejor actriz secundaria por “Silkwood” (1983). Después consiguió el premio a la mejor actriz concedido en Cannes por “Máscara” (1985) y el Oscar a la mejor actriz por “Hechizo de Luna” (1987).

Cher tiene una hija, Chastity, con Bono, y un hijo, Elijah, con su segundo esposo, el cantante de rock Greg Allman, de quien también está divorciada.

Sus numerosas operaciones de cirugía estética, que nunca ha negado, le han proporcionado un físico envidiable a pesar de tener más de cincuenta años. También es famosa por sus numerosos romances y por declarar en público que cuando un hombre le gusta se lo lleva a la cama, aunque sea pagándole

Premios:

Nominada como mejor actriz secundaria 1983: Silkwood

Oscar a la mejor actriz 1987: Hechizo de Luna

SUSAN SARANDON

(1946 - )

Profesión: Actriz

Nombre de Nacimiento: Susan Tomaling

Fecha de Nacimiento: 4 de octubre de 1946, en Nueva York Educación: Universidad Católica, Washington, CC (drama e Inglés) Quizá el autor Gore

Vidal puso lo mejor de sí cuando refiriéndose a su amiga, realizadora y actriz de cine Susan Sarandon, dijo: "Si las películas se hicieran con mujeres interesantes como protagonistas, ella tendría el mismo rango y apelación comercial igual al que Bette Davis ha disfrutado durante décadas".

Los primeros trabajos de Sarandon en el cine nos la muestran en papeles mezcla de talento y erotismo. Después se ha especializado en encontrar la belleza y dignidad de las mujeres de clase obrera ejerciendo la violencia en Thelma & Louise (1991), y como profesionales independientes en Light Sleeper, the Client (1991).

Sobrepasando ya los 50 años, ella sobresalió como una madre anegada en “Mujercitas”.

Todavía enérgica y hermosa, Sarandon cada vez más sorprende a los aficionados por su fortaleza y honradez, mientras con sus enormes ojos marrones y luminosos, expresan una aguda inteligencia que la ha llevado a efectuar labores de dirección.

Sarandon hizo su película como la rebelde hija hippie en “Joe” (1970) y posteriormente mejoró su currículum con “Lovin Molly” (1974), y “Primera Plana” (1974). Un año después trabajó como oponente femenino de Robert Redford en la obra de George Roy Hill “El Carnaval de las águilas” (1975) y su nombre permanece en la memoria de los aficionados al cine cutre de culto por su trabajo en “The Rocky Horror Pictur Show” (1975). En esta obra musical y de terror se encuentra con diversos monstruos que viven en Transilvania. La película fue estrenada el mismo año que se casó con Chris Sarandon, a quien ella había conocido en la Universidad Católica. Chris ha sido nominado al oscar como el mejor actor secundario por su papel de transexual en “Dog Day Afternoon”.

Ella era todavía la señora Sarandon cuando comenzó a cosechar los primeros aplausos de la crítica durante los últimos años 70 y primeros de los 80. Después aceptó una serie de papeles que hicieron olvidar su nombre, como el de una madre con una hija de 12

años (Brooke Shields) en “La Pequeña” (1978) de Louis Malle, director de cine con quien tuvo un corto romance.

También ha aportado candidez y decisión por su nominación al Oscar como la camarera de un casino en la aplaudida “Atlantic City” (1980). Las lesbianas escenas de amor con la vampira Catherine Deneuve levantaron críticas en “El Ansia” (1983), y más tarde realizó “The Budy System “ y “In Our Hands” (ambas en 1984); trabajando después en la comedia “Compromising Positions” (1985).

Su primera aparición en televisión como actriz fue en el drama de la ABC "Un Mundo Aparte" (1970-71), y después apareció en un gran número de películas de televisión y miniseries, incluyendo “June Moon” (PBS, 1974), Kurt Vonnegut, Jr.'s Whi Am I this Time (PBS, 1982), con Christopher Walken, “La antigua Roma” miniserie (NBC, 1985), y como una rehén del ejército en “Women of Valor” (CBS, 1986).

También ha prestado su voz inteligente y distintiva y su presencia en un gran número de documentales, narrando o compareciendo, como en “Your Water, Your Life” (PBS, 1988), “Postpartum: Beyond the Blues” (1989) y “Living in America”. También intervino en uno sobre la censura, (VH-1, 1991), en “From Fury to Forgiveness”, en una denuncia sobre las víctimas de crímenes (The Discorery Channel, 1994), y “One Woman, One Vote”, sobre el movimiento Sufragista (PBS, 1995).

Otros filmes importantes son: “Las Brujas de Eastwick” (1987) de George Miller; “Los Búfalos de Durham” de Ron Sheton, “Los enredos de la vida” de Robert Greenwalt, y

“El Asesino del Calendario” de Par OĆonnor, (todas es en 1988). Después hizo “Una Árida Estación Blanca” (1989) de Euzhan Palcy; “Pasión sin Barreras” (1990) de Luis Mandoki; “El Juego de Hollywood” de Robert Altman, “El Aceite de la Vida” de George Miller, y “Ciudadano Bon Roberts” de Tim Robbins (todas en 1992).

Premios:

Nominada como mejor actriz 1981: Atlantic City

Nominada como mejor actriz 1991: Thelma & Louise

Nominada como mejor actriz 1992: El aceite de la Vida

Nominada como mejor actriz 1994: El Cliente

Oscar a la mejor actriz 1995: Pena de Muerte

LAS AMISTADES PELIGROSAS

Dangerous Liaisons (1988)

US

120 minutos

Warner Bros.

Productor: Norma Heyman, Hank Moonjean y Christopher Hampton Director: Stephen Frears

Guión: Christopher Hampton

Basado en el argumento de la novela “Les Liaisons Dangereuses” de: Choderlos de Laclos

Compositor: George Fenton

Vestuario: James Acheson

Decorados: Gerard James

Intérpretes:

GLENN CLOSE: Marquesa de Merteuil

JOHN MALKOVICH: Vizconde de Valmont

MICHELLE PFEIFFER: Madame de Tourvel

SWOOSIE KURTZ: Madame de Volanges

KEANU REEVES: Chevalier Danceny

MILDRED NATWICK: Madame de Rosemonde

UMA THURMAN: Cecile de Volanges

Choderlos de Laclos publicó su novela “Las

Amistades Peligrosas” en 1782, y con ella pretendía escribir un libro que hablase de las intrigas amorosas que mueven el mundo y que continuarían haciéndolo cuando él se muriera.

Este deseo no es nada nuevo en un escritor, puesto que todo el mundo le gustaría pasar a la inmortalidad y que sus obras fueran leídas cientos de años después. Cuando se publicó fue objeto de escándalo puesto que se mostraba al gran público los entresijos amorosos de la aristocracia, algo que todo el mundo hablaba en las tertulias, pero que nadie se había atrevido a publicar. Laclos insistió en aquellos años que su interés nunca estuvo en denigrar el comportamiento sexual de los ricos, sino más bien en advertir de los peligros de los juegos de seducción y de que, incluso en el amor, “el que a hierro mata, a hierro muere”. Cuando Laclos se murió en 1803, su obra empezó a ser criticada hasta que fue prohibida por peligrosa e inmoral en 1824.

La novela, sobre la que el director británico Stephen Frears realizó esta película rodada en América, no fue la primera vez que se llevó al cine. Anteriormente fue en 1959 con Roger Vadim como director, aunque solamente aportó una versión moderna sobre la depravación sexual de nuestra época. En la cinta intervinieron Jeanne Moreau, Gerard Philippe y su esposa Anette Stroyberg, llegando a prohibirse en algunas provincias y por supuesto en España. En defensa de ella, o de la libertad de expresión, hablaron André Malraux, Ministro de Cultura, y Francois Mitterrand, por entonces un simple abogado socialista.

Curiosamente, en 1987 la novela de Laclos todavía creaba alguna conmoción, aunque no era ya motivo de escándalo, y fue escogida para una obra teatral que se mostró en la Royal Shakespeare Company de Londres, en una adaptación más dramática de Christopher Hampton. Parece ser que fue un gran éxito.

Durante 1988 dos producciones cinematográficas basadas en la novela se realizan casi simultáneamente. Una, por parte de Milos Forman y dirigida por Jean-Claude Carriere, que se exhibió con el título de “Valmont” (el nombre del seductor), y que con un presupuesto de 35 millones de dólares se estrenó en 1989, y esta versión de Frears que apenas consiguió cinco millones de presupuesto.

Un drama social conmocionó a las personas de la pre-revolución francesa, cuando la novela “Las Amistades Peligrosas” mostraban el gran poder que tiene el sexo especialmente cuando es depravado, cruel y falaz. La Marquesa de Merteuil (Glenn Close) y el Vizconde de Valmont (John Malkovich) son los monstruos de la aristocracia, dos amantes anteriores que gastan sus días planificando venganza y seducciones sexuales. Valmont es un alcahuete rastrero profesional muy conocido en Francia, un jugador del arte de la seducción que analiza cada seducción como una conquista en la que él es el único vencedor y que el valor está en lo difícil de la conquista.

Merteuil hace a Valmont una propuesta: si él puede desflorar a la futura esposa Cecile (Uma Thurman), una jovencita de apenas 16 años, antes de que se case con Chevalier (Keanu Reeves), le premiará con una noche de pasión con ella. Para muchos hombres esto sería un castigo pero para Valmot, increíblemente, le supondrá conseguir los placeres del éxtasis.

Convencido de su reputación, Valmont inicialmente rehusa tal conquista fácil, prefiriendo dedicarse a un desafío mayor, como es conquistar los favores sexuales de Madame Tourvel (Michelle Pfeiffer), una mujer de gran moralidad, casada, y criada en un convento cuando era joven. En este momento empezamos a darnos cuenta que el tal Valmont tiene buen gusto.

Desde ese momento elabora sus mejores estrategias de seducción, con habilidad y sutileza, creando pronto brechas en las férreas convicciones de Tourvel.

La carrera de Valmont como un don Juan sin escrúpulos toma un nuevo rumbo cuando él se encuentra así mismo auténticamente enamorado de Tourvel.

Así como la relación ha hecho que la chica buena Tourvel se transforme en mala, Valmont ha pasado de amoral a moral. Cuando Valmont cuenta a Merteuil sus sentimientos hacia Tourvel (aunque confiesa que nunca se ha dejado dominar por ella y que no ha perdido el control), Merteuil se enfada. Ha quedado bien claro que el amor de Valmont hacia Merteuil, en otro tiempo muy fuerte, no se puede comparar al amor tierno y afectuoso que tiene hacia Tourvel. Por eso ella le exige que rompa esa relación y le pone como excusa que todo está ya fuera de control.

Temiendo que su nombre como seductor quede arruinado, lo que le haría perder prestigio entre la aristocracia, Valmont escucha los deseos de Merteuil y la pide que mantenga su promesa de acostarse con él, pero después de que consiga poseer a la joven Tourvel. Ella rehusa, porque quiere que él mantenga su pasión por ella y así asegurarse el control de su amor.

Todos ellos se declaran la guerra y organizan un conflicto que amenaza destruir a todos los que están implicados en él. Como resultado de la batalla, Valmont es asesinado por Danceny, y Tourvel se marcha lejos con el alma en pena. Antes de morir, Valmont afirma que está enamorado de Tourvel y entrega las cartas privadas de Merteuil a Danceny, para que todas sus maquinaciones puedan exponerse.

Mucho del éxito de “Amistades Peligrosas” es consecuencia de la interpretación de Malkovich y Close, con el aliciente añadido de la posterior popularidad que alcanzó Pfeiffer. En lugar de mostrarnos el lujo de la vida de la aristocracia, con los estereotipados amaneramientos que el cine nos ha proporcionado, se han centrado en narrarnos un drama amoroso. Malkovich y Close están más cerca de personajes actuales que en caracteres del pasado siglo. Como resultado, la película puede fácilmente conectarse con enredos presentes, con infidelidades y políticos que anhelan el poder.

La interpretación obliga a reconsiderar a los por entonces actores secundarios Michelle Pfeiffer y Swoosie Kurtz, además de una jovencita Uma Thurman de 18 años que hace un papel de chica inocente que hoy día puede parecernos increíble, especialmente cuando decide perder su virginidad. Keanu Reeves, el adolescente candoroso, se ha transformado posteriormente en un rudo personaje del cine de acción, cambio que todos celebramos.

El fallo más importante en la película es el interés por concentrar todo el argumento en el plan perverso de Close y Malkovich, mostrándolos como los arquitectos principales de la depravación. Al hacer esta elección, el guionista Christopher Hampton ha perjudicado la estructura original, mucho más brillante, y nos ha convertido a sus personajes en villanos y víctimas, cuando en realidad todos gustaban de practicar el sexo libre.

Con todo, y a pesar de la separación argumental del texto original de Laclos, “Las Amistades Peligrosas” se puede considerar una película bien realizada, ingeniosa, y que proporciona un ataque despiadado a la falta de moralidad de una época y un país.

El director Stephen Frears no había trabajado nunca en Estados Unidos y era conocido por sus películas basadas en problemas raciales y económicos de Inglaterra, mostrándonos sin tapujos sus ideas izquierdistas y de oposición exagerada a la política de Margaret Thatcher. Entre sus títulos están: “My Beautifull Laundrette” 1985, “Prick Up Your Ears” 1987, y “Sammy and Rosie Get Laid” 1987, lo que le hacía un candidato inverosímil para un drama amoroso basado en el siglo 18 y tomando como punto de partida una prestigiosa novela de un francés.

A pesar de los vestuarios pomposos, la película de Frears está más cerca de la crítica al sistema político de entonces que a enredos de amor.

“Las Amistades Peligrosas” habla menos de la moral y el comportamiento sexual que de la política y el poder. Cuando intenta hacer un estudio psicológico sobre la dominación sexual y psicológica de una persona por otra, fracasa estrepitosamente y nos da la impresión de que habla según su propio criterio, pero sin ninguna base cierta. Su dependencia y gustos políticos, parecen que le han influido demasiado.

La actriz Glenn Close acababa de tener a su hija Annie cuando comenzaron a filmar la película, por lo que el rodaje tuvo que amoldarse a su estado de salud y a las necesidades de la pequeña. Ella se incorporó cuando el rodaje estaba muy adelantado y por eso en muchas escenas no acababa de encajar. Era como si no supiera verdaderamente todo lo que había sucedido con anterioridad y que el guión lo había mantenido apartado en una estantería de su habitación, mientras se ocupaba de dar el pecho a su pequeña. No nos debe extrañar, por tanto, la exuberancia pectoral que mostraba a través de su generoso escote, producto de la abundancia de leche materna y no de trucos del vestuario.

Cuando consiguió ver la película terminada manifestó que por fin entendía la trama y su propio personaje, pero que le había encantado. Según ella, era una película de época sin la grandiosidad de los vestidos, opinión que nadie más compartía.

Premios:

Nominada a la mejor película 1988: Norma Heyman

Nominada a la mejor producción: Hank Moonjean

Nominada a la mejor actriz 1988: Glenn Close

Nominada a la mejor actriz secundaria 1988: Michelle Pfeiffer Oscar al mejor guión adaptado 1988: Christopher Hampton Oscar a la mejor dirección artística 1988: Stuart Craig, Gerard James Oscar al mejor vestuario 1988: James Acheson

Nominada a la mejor Partitura Original 1988: George Fenton Su compañera de reparto:

Glenn Close

(1947 - )

Profesión: Actriz

Fecha de Nacimiento: 19 de marzo de 1947

Educación: Rosemary Hall, Greenwich, CT; College de William y Mary, Williamsburg, VA (antropología)

Esta mujer rubia, aclamada por la crítica, de carácter fuerte y aspecto fríamente aristocrático, comenzó su carrera en 1974 con la Compañía de Teatro Fénix de Nueva York y su carrera en el cine cuando el director George Roy de Hill la observó en el musical Broadway Barnum y la contrató para “El mundo según Garp” (1982).

Ella tiene establecida desde hace algunos años su presencia habitual en las películas de Hollywood, como una mujer que hace papeles de dama de fuerte carácter. La hemos visto como la esposa del médico cálidamente sabio Kevin Kline en “Reencuentro” (1983); como el abogado románticamente enredoso en el thriller, “Al filo de la sospecha” (1985); y como la amante rechazada y vengativa en la discutible película de Adrian Lyne “Atracción fatal” (1987).

También demostró su versatilidad haciendo otro monstruo de la manipulación sexual en

“Amistades peligrosas” (1988) y ha hecho de una matrona dentro de una sociedad vana y patética en el filme de Barbet Schroeder ”El misterio Von Bulow” (1990), sorprendentemente simpático.

Además de haber sido cinco veces nominada

al Oscar, Close ha recibido un premio Tony otorgado por sus papeles dramáticos en las obras teatrales de Tom Stoppard “La verdad” (1984) y “La muerte y la doncella” de Ariel Dorfman (1992). Su mejor interpretación para ella misma ha sido como Norma Desmond en la obra de Andrew Lloyd Webber “El crepúsculo de los dioses” (1995).

Close logró afianzar su condición de diva cuando reencarnó la trágica vida del personaje anteriormente creado por la memorable Gloria Swanson en el clásico de Billy Wilder de 1950.

En ese mismo año, Close ganó un Emmy por su fuerte interpretación como el Coronel Magarethe Cammermeyer, quien pleiteó con los mandos militares al ser despedido por admitir su homosexualidad. “La historia de Margarethe Cammermeyer”, fue un telefilme para la NBC que ella también co-produjo con Barbra Streisand.

Close también recibió nominaciones al Emmy por diversas películas para la televisión, Como “Algo sobre Amelia” (1984) y “Sarah” (1991), así como un reconocimiento por su larga carrera cinematográfica salpicada de éxitos. Close ha sido co-estrella con Christopher Trek en una producción para la televisión que triunfó durante dos años, titulada “Skylark” (1993).

Premios:

Nominada como mejor actriz secundaria 1982: El mundo según Garp Nominada como mejor actriz secundaria 1983: Reencuentro Nominada 1984: El mejor

Nominada como mejor actriz 1987: Atracción fatal

Nominada como mejor actriz 1988: Las amistades peligrosas

CASADA CON TODOS

Married to the Mob (1988)

US

103 minutos

Columbia

Productor: Kenneth Utt y

Edward Saxon

Director: Jonathan Demme

Guión: Barry Strugatz y Mark R. Burns

Editor: Craig McKay

Compositor: David Byrne

Fotografía: Tak Fujimoto

Intérpretes:

MICHELLE PFEIFFER: Angela DeMarco

MATTHEW MODINE: Mike Downey

DEAN STOCKWELL: Tony "The Tiger" Russo

MERCEDES RUEHL: Connie Russo

OLIVER PLATT: Ed Benitez

ALEC BALDWIN: Frank "The Cucumber" DeMarco

ANTHONY J. NICI: Joey DeMarco

La esposa de un conocido gángster llamado

Frankie DeMarco se ve continuamente involucrada en los negocios sucios de su marido, el cual, además, tiene un romance con una camarera con la que se cita en una casa de baños.

Esa chica es muy cariñosa y por eso tiene simultáneamente un romance con el jefe mafioso de Frankie, el malvado y poderoso Tony Russo. Un día ocurre lo esperado: el marido y su chica son encontrados muertos y aunque Angela (Michelle) debe abandonar la buena vida (económicamente hablando) que disfrutaba con su difunto marido, se encuentra ilusionada con su recién estrenada libertad.

Cuando el hambre empieza a dar señales de impaciencia, ella acude a pedir ayuda al mafioso Tony (el presunto asesino de su marido) quien lógicamente se enamora inmediatamente de ella. Ese interés es compartido por un agente federal, aunque por motivos diferentes.

La película toca nuevamente el poder de las mafias americanas, aunque ahora trata de añadirle un tono más cómico o al menos de quitar crudeza a las escenas violentas. El director Demme, quien ya tenía gran reputación por “Algo salvaje”, pretendía dar una visión distinta de los gángster habituales como Edward G. Robinson o Humphrey Bogart, en la creencia de que en realidad los verdaderos mafiosos nunca fueron así. Para Demme debieron estar más cerca del personaje de Tony Russo, con su comportamiento típico italiano, aunque se le exigió que mostrase la arrogancia que proporciona el poder y el dinero.

Rodada en Williamsburg, se incluyeron datos sobre las andanzas reales de la Mafia, aunque se enmascararon lo suficiente para que nadie se pudiera dar por aludido.

La labor del decorador fue muy importante, al tener que reproducir ambientes de Nueva York, mezclados con paisajes auténticos, incluyendo una reproducción exacta de la habitación del hotel Fantasy donde murieron DeMarco y su novia.

Premios:

Nominada al mejor actor secundario 1988: Dean Stockwell

Entrevista a propósito de la película

- ¿ Qué la influyó para que quisiera hacer el papel de Angela DeMarco en “Casada con todos?”.

- Yo siempre he querido trabajar con Jonathan Demme. Esto fue lo primero que me llamó la atención e, inmediatamente, me identifiqué con mi personaje. Había muchas cosas en Angela que se parecían a mí y que me atraían mucho. Es una cosa difícil de explicar. En ocasiones los actores no deseamos trabajar con alguna persona en concreto, pero ahora por fin podría desmelenarme y ser como ella era. El único problema es que tuve que trabajar con un profesor de dicción para lograr el mismo acento italiano que tenían en Isla Larga.

- ¿Por qué hizo su papel con el pelo moreno en lugar de rubia?.

- Realmente yo quise trabajar con largas mechas oscuras dentro de un pelo rubio, pero al final me di cuenta que de morena podrían identificarme mejor como italiana. Sé que mi aspecto físico era vital para mi personaje y me arreglé de acuerdo a mis preferencias, pero siempre bajo la supervisión del director. Si yo hubiera hecho de rubia, seguramente los espectadores no me hubieran tomado en serio.

- ¿Considera que su papel es el de

una chica sexy?. ¿Era ese el aspecto que pretendía dar?

- Realmente sí. Yo no trato conscientemente de evitar papeles donde estoy erótica o con glamour, simplemente trato de evitar cualquier papel donde no haga algo importante.

Creo que los papeles desatinadamente eróticos no tienen mucho contenido y esos trato de evitarlos, como aquellos que me obligan a poner posturas obscenas. Un ejemplo de ello era Ann-Margret en “Conocimiento carnal” que era un papel muy apasionado y profundo. Pero esos papeles son raros y a veces pienso que los productores en realidad quieren ver desnudas delante de ellos a las actrices más famosas.

- ¿Está usted satisfecha entonces de los papeles que le ofrece Hollywood?

- No. Yo he trabajado con guiones muy malos. Ahora trato de escoger las películas en función del guión y del director. Hay directores con los cuales trabajé con mucho cariño y que luego han demostrado que eran horrorosos; por supuesto, no he vuelto a trabajar con ellos. De todas maneras, creo que lo más importante es el texto. Un buen director no puede hacer nada sin una buena historia que contar.

- ¿Cómo piensa que deberá evolucionar su carrera después de “Las amistades peligrosas” y “Casada con todos?

- Llevo en este trabajo diez años y he aprendido a no pensar demasiado en el futuro. Si hubiera sido así nunca me podría haber imaginado como artista de cine y quizá hubiera sido un agente de ventas de automóviles Ford.

- ¿Ofrece algún tipo de dificultad para conceder entrevistas?

- Sí, evito absolutamente aquellas que tratan de preguntarme sobre mi vida personal.

- ¿Tiene algún consejo para aquellas actrices que quieren iniciarse en el mundo del cine o que buscan la popularidad?

- Que no hagan mala televisión, porque luego no se podrán remontar nunca.

Su compañero de reparto:

Alec Baldwin

(1958 -)

Ocupación: Actor

Nacido: el 3 de abril de 1958 en Amityville, Nueva York Educación: Universidad George Washington, Washington, DC (ciencias políticas); Universidad de Nueva York (drama); el Instituto Lee Strasberg, Nueva York.

Como un actor versátil, de físico agraciado que consiguió sus primeros triunfos en la serie de televisión “Nudos que Aterrizan", Alec Baldwin ha demostrado ser sumamente responsable con sus trabajos. Logró destacar ampliamente en la comedia igual que en el thriller (“La caza del Octubre Rojo” 1990), y también aportó nuevos detalles sobre su capacidad profesional en buenas actuaciones en obras de Broadway, como el miembro de una sociedad en la sátira grotesca de Caryl Churchill, “Dinero Serio”. Al margen de Broadway le vimos como un hombre que pierde el sentido en el cuento de hadas de Craig Lucas, “Preludio a un beso”.

Es hermano de los actores William, Daniel, y Stephen Baldwin.

CONEXIÓN TEQUILA

Tequila Sunrise (1988)

US

116 minutos

Productor: Thom Mount

Director: Robert Towne

Guión: Robert Towne

Fotografía: Conrad Hall

Intérpretes:

MEL GIBSON: Dale McKussic

KURT RUSSEL: Nick Frescia

MICHELLE PFEIFFER: Jo Ann Vallenari

RAUL JULIA: Escalante

J.T. WALSH: Maguire

ARLISS HOWARD: Gregg Lindroff

ANN MAGNUSON: Shaleen

En la mente de Robert Towne debe haber muchas fisuras, muchos senderos ocultos para las mismas conclusiones. Antes de resolver un problema él debe cavilar primero, analizar las posibilidades, y proyectar todo el desenlace en la pantalla de su imaginación. Yo dudo que él sea el tipo de persona que usted habría escogido como amigo.

En las películas, las situaciones vuelven y se tuercen sobre sí mismas. Nada es como parece. Ningún personaje puede tomarse como una referencia para la realidad.

Nosotros aprendemos más sobre los

personajes cuando ellos no están en la pantalla que cuando los vemos allí. Y al mismo tiempo, cuando nosotros pensamos que hemos conseguido todo bien encajado, él tira otro conejo fuera de su sombrero, y con su exhibición nos demuestra que nunca podemos confiar en un mago.

Su obra anterior más famosa es el guión para “Chinatown”, una película tan laberíntica que es difícil explicar cabalmente qué ha sucedido allí, razonamiento que hemos vuelto a sacar después de haber visto “Conexión Tequila”. Escrita y dirigida por Towne, contiene tantos desarrollos equivocados en su argumento que a veces nosotros nos extrañamos sobre lo que estamos viendo en la pantalla, porque todavía tratamos de deducir qué es aquello que la escena anterior quiso mostrarnos.

La estrella de cine Mel Gibson como Dale McKussic, es el negociante más guapo de droga que usted haya podido conocer. Él vive sobre la playa con un hijo joven que adora, y lo que más teme en la vida es que pueda perder la custodia del niño a favor de su ex-esposa. ¿Por qué perderá la custodia? ¿ Por qué él es un negociante de droga?. No hay ninguna explicación, porque él no es un drogadicto, y su esposa le abandonó porque no tenía trabajo ni dinero. Unicamente en el Sur de California usted puede perder la custodia de un hijo si le pillan vendiendo droga.

Pero no importa. McKussic parece haber sobrevivido con una larga carrera como distribuidor de narcóticos sin hacerse ningún daño psíquico permanente a sí mismo. Él no es agresivo, no es un chulo, ni es un depravado fuera del mundo de las drogas, y cuando cae en el amor por una mujer él se convierte en un hombre tierno. La pregunta central en la película, sin embargo, es si él ha dejado realmente su pasado detrás.

Su mejor compinche y su peor enemigo no piensa eso. Este es Nick Frescia (Kurt Russell), la cabeza del clan de la droga que anteriormente había trabajado juntamente con McKussic. Frescia conoce mediante un agente federal (J.T. Walsh) que un embarque enorme de droga llega al pueblo, personalmente escoltado por el jefe mexicano de la droga Escalante (Raul Julia). Escalante y McKussic han sido amigos íntimos desde hace años. ¿Tratará McKussic de lograr con ello un gran negocio?.

La tensión personal y profesional entre los dos compinches viejos se complica porque ambos están enamorados de la misma mujer, Jo Ann Vallenari (Michelle Pfeiffer), quien suele ir al restaurante Italiano donde ellos comen y beben.

El triángulo más intrigante en la película comprende, no el mundo de la droga, sino este asunto amoroso romántico que involucra a tres personas que viven con la mirada puesta en tres direcciones distintas. Jo Ann, como amiga de ambos hombres, ¿A quién escogerá? ¿El hombre honrado que parece falso? ¿O el forajido que es sumamente sincero?

Cuando nosotros descendemos en las profundidades algo lóbregas del guión de Towne, estas y otras preguntas nos pueden confundir. “Conexión Tequila” teje una tela enredada, y hay veces que nosotros no estamos seguros cuándo suceden, o por qué.

Hay momentos en que la cronología en sí misma parece confusa, cuando los personajes parecen saber cosas que aparentemente no deberían saber, especialmente cuando llegan a lugares que no deberían reconocer, puesto que nunca estuvieron allí.

Towne es un escritor de gran talento, y él ha creado algunas personas interesantes aquí.

El personaje de Gibson es especialmente intrigante porque presenta algún misterio, pero al final de la película, nosotros no estamos bastantes seguros si él había participado realmente en el negocio de la droga, o no. Pero hay veces, cuando la película empieza a ser complicada, en que asistimos a escenas que nos dejan perplejos, cuando los elementos adicionales que se incluyen, no tienen nada que ver con el conjunto.

Y la sorpresa central en la película es una gran revelación final tan asombrosa que aturde a todo el mundo; es tan inverosímil que usted comienza a rascarse la cabeza.

“Conexión Tequila” es una película de intriga con personajes interesantes, pero podría haber resultado mejor si hubiese encontrado una línea narrativa más sencilla desde el comienzo al final. Es duro admitir que el guionista ha logrado juguetear con el espectador.

Sus compañeros de reparto:

Kurt Russell

(1951 - )

Ocupación: Actor

También: Guionista, productor

Nacido:

el 17 de marzo de 1951 en Springfield, MA

Este actor que se comporta como un niño, encontró pronto una carrera en el cine como un adulto que juega a héroes atléticos duros y anti-héroes durante la década de los 80.

Kurt Russell comenzó actuando a los nueve años de edad como un extra en diversos proyectos de Disney para televisión y cine.

Después de varios papeles menores en televisión, consiguió un trabajo más destacado en una serie titulada: "Los Viajes de Jaimie McPheeters" (ABC, 1963-64), actuando junto con Charles Bronson y su hermano Osmond.

Russell hizo su estreno como actor en un acreditado papel en la película de Disney “Un sabio en las nubes” (1961), y desempeñado papeles de un joven miembro de una familia muy curiosa en “Veinte docenas de hijos (1966), como un boy-scout. También hizo “El caballo de franela gris” (1968), “Mi cerebro es electrónico” (1970), “Un ejecutivo muy mono” (1971), y “El hombre más fuerte del mundo” (1975).

Durante su larga y restringida, aunque generalmente agradable, carrera como actor de Disney, Russell también tuvo tiempo para algunas adicionales intervenciones como invitado en televisión ("Perdidos en el Espacio," "Gilligan’s Island") y otros trabajos independientes de Disney, incluyendo “Cerco de fuego” (1971), junto a James Stewart.

En la mayoría de estas películas, Russell no era el típico niño encantador, sino que se mostraba como un duro, y atento jovenzuelo a veces belicoso. También estuvo algunos años como un jugador aficionado al ballplayer.

Cuando cumplió los 21 años Russell llegó a ser consciente que él no podía continuar interpretando papeles de adolescente o de varón ingenuo. Trabajó en dos series para la televisión, "La Nueva Tierra" (ABC, 1974) y "La Búsqueda" (NBC, 1976) y en 1975, consiguió un buen impacto como un chico malvado en la película de televisión “La torre mortífera” (NBC).

Unos años después, Russell comenzó la colaboración más importante de su carrera al trabajar por primera vez con el escritor y director John Carpenter en el biopic televisivo,

“Elvis” (ABC, 1979), que le proporcionó una nominación al premio Emmy.

Russell finalmente llegó a ser un actor muy rentable para Hollywood durante sus trabajos de los 80. Comenzó la década con un trabajo correcto como un rápido corredor y hábil charlatán en la película de Zemeckis “Frenos rotos, coches locos” (1980).

Posteriormente experimentó una gran popularidad, también al lado de John Carpenter, en la obra de ciencia-ficción “1999, Rescate en Nueva York” (1981), teniendo como opositor a un malvado Lee Van Cleef. La trama nos muestra a una ciudad oscura, futurística y violenta, en la cual solamente sobreviven los más fuertes.

Después hizo el estupendo remake de “El enigma de otro mundo” con John Carpenter, titulado “La cosa” (1982), como un tipo duro que lucha contra un alienígena, y “Golpe en la pequeña China”, también a las órdenes de Carpenter, un filme cargado de efectos especiales, fantasía y Kung fu.

Russell probó su suerte como actor experto en la comedia más convencional de Jonathan Demme “Chicas en pie de guerra” (1984), como el trabajador de un avión que corteja a Goldie Hawn cuando su marido Ed Harris está fuera, y para la compañía Touchstone en “Falsa seducción” (1992) como Martin.

También intentó un papel hondamente dramático al lado de Meryl Streep, como el compañero de trabajo y amante en el filme de Mike Nichols “Silkwood” (1983), y como un forzudo bombero en “Llamaradas” de Ron Howard (1991). Después Russell continuó convenciendo a todos como un personaje decisivo en “Conexión tequila” (1988), al lado de Mel Gibson y Michelle Pfeiffer, así como Ray Liotta en “Falsa seducción” (1992).

Como Wyatt Earp en “Tombstone” (1993), y posteriormente en la fantasía galáctica

“Stargate, puerta a las estrellas” (1994), como el militar James Spader explorando mundos paralelos en la máquina del tiempo, Russell ha conseguido ya ser un actor de éxito casi seguro en taquilla.

Después le vimos junto a Steven Seagal en “Decisión crítica” (1996), un thriller sobre un avión secuestrado y en la continuación de “Rescate en Nueva York” de John Carpenter, nuevamente como Serpiente, en “Rescate en L.A.” (1996), en la que también intervino como guionista y co-productor.

Anteriormente casado con la actriz Season Hubley, Russell ha trabajado en dos ocasiones con Goldie Hawn, su compañera desde 1982, habiéndose conocido en 1968

cuando Hawn era una bailarina de los estudios Disney.

LOS FABULOSOS BAKER BOYS

The Fabulous Baker Boys (1989)

US

113 minutos

Productor: Paula Weinstein, Mark Rosenberg, William Finnegan Director: Steve Kloves

Guión: Steve Kloves

Editor William Steinkamp

Intérpretes:

JEFF BRIDGES: Jack Baker

BEAU BRIDGES: Frank Baker

MICHELLE PFEIFFER: Susie Diamond

XANDER BERKELEY: Lloyd

DAKIN MATTEWS: Charlie

KEN LERNER: Ray

ALBERT HALL: Henry

Hay una escena en “Los Fabulosos

Baker Boys” donde Michelle Pfeiffer, vistiendo un ajustado vestido rojo, se sube en lo alto de un piano mientras canta "Makin Whoopee", y que justifica por sí sola pagar por verla, aunque el resto también aporte bastante interés.

Pfeiffer es la estrella en la película con Jeff y Beau unidos, quienes hacen un dúo de pianistas en una sala de un bar. Su trabajo marcha francamente mal hasta que ellos deciden contratar una chica cantante. La cantante es Pfeiffer y las cosas se animan desde entonces.

“Los Fabulosos Baker Boys” es una nueva versión de un espectáculo viejo, con dos socios muy antiguos cuya relación se ve amenazada en el momento en que ambos se enamoran de la misma chica guapa.

“Young Man With a Horn” fue la primera versión que se hizo sobre este tema, y posteriormente fue copiado en muchas películas, pero rara vez con tanta intriga por averiguar cómo terminará el “menage a troi”. Hay quien está seguro que en el argumento de la película hay mucho de la verdadera autobiografía de los dos hermanos Bridges, sacando a la luz viejas heridas desde que tenían veinte años. Pfeiffer tiene un sencillo papel como una chica con cara de inocente que pretende llegar a ser un suceso importante como cantante.

La película tiene lugar en cierta área sombría del negocio del espectáculo, donde la gente parece vivir muy intensamente, aparentar incluso que tienen un trabajo decente, pero en realidad solamente malgastan su tiempo de vida. Una noche tras otra, los hermanos Baker se sientan delante de sus pianos idénticos en las afueras de Seattle, cerca de lugares de citas y moteles presuntuosos, tocando mientras sueñan en una vida mejor. El auditorio bebe tratando de mitigar su melancolía, no reparando en absoluto en los dos pianistas.

El problema es que “Los fabulosos Baker Boys” consiguen poco éxito con sus canciones, y aunque hacen arreglos y aportan material renovado, el ruido del ascensor del fondo es todo el sonido que llega al espectador. Sus trabajos no motivan el menor interés. Deciden un día agregar una cantante a su número y para ello conceden a una larga serie de audiciones, durante las cuales esperan encontrar a una mujer del pueblo que no quiera esperar triunfar en el mundo de la canción, solamente cantar allí. Y

entonces llega Pfeiffer.

Ella no es una cantante experimentada y no sabe lo bastante como para subirse a un escenario. No domina ni su cuerpo, ni su voz. Pero ella tiene una inefable calidad vocal que ocasiona que la gente quiera escucharla porque encuentran rara su voz y estilo. Ella está interesada en ganar millones de dólares, en triunfar y como tiene un corazón bueno todos esperamos que lo consiga y que el malvado no se lo pueda impedir.

Trabajando con la chica cantante, “Los fabulosos Baker Boys” comienzan a interpretar nuevamente buena música, aunque esto les reabre una vieja herida. Jack Baker (Jeff Bridge) es, de hecho, un pianista brillante de jazz, quien ha vuelto la espalda a la música que él adoraba a causa de un viejo amor en el cual se interpuso su hermano Frank (Beau Bridge).

Frank maneja con facilidad la parte económica del negocio, y podría hacerlo fácilmente durante muchos años más sin problemas, pero inevitablemente la chica se interpone entre ambos y Jack se enamora de ella.

“Los Fabulosos Baker Boys” no hacen nada muy original, pero lo que hacen lo hacen bien. Fue escrita y dirigida por Steve Kloves, y aunque los guiones dependen de ciertas fórmulas, nos damos cuenta pronto de todo lo que podemos esperar del resto del filme, centrado en las necesidades afectivas de ambos hermanos.

Esta es una de esas películas donde los críticos tomarán referencia para hablar de la evolución de Michelle Pfeiffer como estrella y quizá la mencionen como la primera más importante de su carrera. Lógicamente, nadie puede reconocer que el éxito le vino gracias a “Grease 2”, y ni siquiera cuando hizo “Lady Halcón”. Tendríamos que tener en cuenta “Conexión Tequila”, “Las Amistades Peligrosas”, y “Casada con Todos”, para saber que verdaderamente nos encontrábamos ante una buena actriz y no solamente ante una mujer hermosa.

Todas esas alabanzas para Pfeiffer abarcar su papel en “Los fabulosos Baker Boys”, especialmente en el número "Makin Whoopee", que para muchos es tan memorable como lo fue el de Rita Hayworth en “Gilda” y Marilyn Monroe en “Con faldas y a lo loco”.

Premios:

Nominada por la mejor actriz 1989: Michelle Pfeiffer

Nominada por la mejor fotografía 1989: Michael Ballhaus Nominada al mejor Filme editado 1989: William Steinkamp Nominada por la mejor música 1989: Dave Grusin

Su compañero de reparto:

Jeff Bridges

(1949 -)

Nacido: el 4 de diciembre de 1949 en Los Angeles, CA,

Educación: Herbert Berghof Estudio, Nueva York,

Hizo su primera aparición en la pantalla a la edad de cuatro meses como el niño que tiene en los brazos Jane Greer en “The company She Keeps” (1950). Jeff aparecía después, como extra, cuando tenía ocho años en el telefilme la

"Caza del Mar" con su padre Lloyd Bridges, y con su hermano Beau en "El Show de Lloyd Bridges" en 1962.

La familia Bridges permanecieron durante los años setenta como un grupo pueril y encantador, consiguiendo ganar una nominación al Oscar por su atractiva actuación en

“La última película” (1971). Jeff es conocido principalmente por su caracterización en

“Ciudad dorada” (1972), una persona de clase media en “Cutter’s Way” (1981), y un extraterrestre en “Starman” (1984).

Posteriormente Jeff conseguiría otra nominación al Oscar por su papel como un empresario optimista, adelantado a su época, en “Tucker, el hombre y su sueño” de Francis Ford Coppola. Bridges también tuvo una buena actuación como Jack Baker, un pianista famoso con alma de niño, reducido a entretener en los salones de descanso de un hotel con su hermano (en el papel de Galán) en “Los fabulosos Baker Boys” (1989)..

Bridges continuó interpretando buenos papeles, aunque para ello tuviera que desestimar ofertas que luego resultaron muy acertadas. En los años noventa cambia algo de rumbo para conseguir trabajos diferentes y hace “Texasville” (1990), en el papel de Duane Jackson, un hombre que intenta reafirmar su juventud perdida.

Después le vimos como el subestimado Jack Lucas en el filme de Terry Gilliam “El rey pescador” (1991), teniendo como eficaz oponente a un exuberante Robin Williams.

Alterando su apariencia una vez más hizo “Corazón roto” (1993), en donde se dejó crecer el pelo, se puso un bigote, y esculpieron su físico para que interpretara el papel de un padre que trata de reconciliarse con su hijo.

Tuvo una actuación muy aclamada por la crítica en el filme de Peter Weir “Fearless” (1993), como el sobreviviente traumatizado de un accidente, cuya perspectiva de vida cambia radicalmente por haber vivido una experiencia al borde la muerte.

En 1994, Bridges participa en una película de persecuciones tradicionales titulada

“Volar por los aires”, como un experto policía en explosivos que trata de evitar una catástrofe generada por el terrorista interpretado por Tommy Lee Jones.

LA CASA RUSIA

The Russia House (1990)

US

123 minutos

Technovision

Pathe Entertaiment

Productor: Fred Schepisi y Paul Maslansky

Director: Fred Schepisi

Guión: Tom Stoppard

Basado en la novela de: John Le Carré

Música: Jerry Goldsmith

Decorados: Simon Wakefiewld

Vestuario: Ruth Myers

Intérpretes:

SEAN CONNERY: Barley Blair

MICHELLE PFEIFFER: Katya

ROY SCHEIDER: Russell

JAMES FOX: Ned

JOHN MAHONEY: Brady

KLAUS MARIA BRANDAUER: Dante

KEN RUSSELL: Walter

J.T. WALSH: Quinn

Requiere mucha paciencia mirar “La Casa

Rusia”, pero toma aun más paciencia por tratarse de tan buenos actores. Para juzgar esta película, la vida de un espía de la guerra fría, hay que sentarse tranquilamente en una sala bien insonorizada y esperar que algo de interés suceda.

Los espías de alto nivel en esta película se enganchan en algún tipo de red electrónica de alta tecnología que les permite saber en todo momento lo que hace su gente. Pero esas personas frecuentemente no hacen mucho, y entonces usted puede divagar y especular sobre lo que espera ver durante el resto de la película. Si tiene la suerte de estar viéndola en un vídeo entonces le recomendamos que beba café o jerez, lea un libro o hable con alguien mientras espera que suceda eso tan interesante que desea.

La película, basada en el best-seller de John Le Carré, tiene lugar en el mundo de la guerra fría, con sus espías y todo. Cuenta la historia de un editor londinense (Sean Connery), muy amante del jazz y las mujeres (denota buen gusto por ello), a quien una bella mujer rusa (Michelle Pfeiffer) le entrega un manuscrito que podría cambiar el curso de la historia si es publicado. El manuscrito es interceptado por la inteligencia Británica, quienes examinan el libro y a la mujer, lo que provoca el enfado del editor que decide acudir a Moscú para conseguir su publicación.

Las preguntas claves son: ¿quién es el autor?, ¿qué dice el libro?, ¿por qué quieren impedir su publicación?. Aparentemente parece ser un trabajo altamente técnico que pone en duda la calidad del armamento de la Unión Soviética. Pero si esto es cierto, no sabemos por qué alguien de ese país quiere divulgarlo en occidente.

Su nombre es Katya, interpretado por Michelle Pfeiffer, y ella es, además de hermosa, una chica muy seria. Por eso ningún espectador se extraña de que nazca un romance entre ella y Connery, y la intriga solamente está en adivinar dónde y cómo. El científico es Klaus María Brandauer, quien está también enamorado de Michelle, como tantos otros lo estamos.

La historia también nos cuenta la tristeza de tantas personas que han trabajado en la sombra para el servicio secreto soviético y ahora se encuentran desorientados cuando las relaciones con occidente ya son casi normales.

La película ha sido perfectamente interpretada. Habiendo leído el libro, cualquiera hubiera dado el papel a Connery o a Michael Caine, mientras que Michelle Pfeiffer hace una Katya espléndida, con su pelo estirado que acentúa vagamente sus pómulos eslavos.

El rodaje se hizo en las principales y auténticas calles de Leningrado, rodándose también en un tren moscovita y en plena plaza Roja, con la catedral de San Basilio al fondo. Se incorporaron también escenas de Peredelkino, lugar de residencia de muchos artistas, los exteriores del cementerio, el metro de Moscú, y los alrededores de la cabaña de Pedro el Grande, así como en la posesión campestre de los Zares en Kolomenskoye.

Hay algunas escenas sentimentales que sirven para romper la monotonía de la vieja fórmula de las películas de espías, aunque el romance de Connery, declarando su amor a Pfeiffer, se hace de manera muy superflua.

Su compañero de reparto:

Sean Connery

(1930 - )

Ocupación: Actor

Nombre: Thomas Sean Connery

Nacido: el 25 de agosto de 1930, en Edimburgo, Escocia Vistoso y carismático, se trata de un actor que sin apenas esfuerzo ha conseguido ser el hombre más importante en Escocia, después de haber logrado liberarse de su lucrativa camisa de fuerza de James Bond. En la actualidad, es una de las más admiradas y respetadas estrellas del Hollywood contemporáneo.

Connery ha sido un culturista, un muchacho de coro y modelo de publicidad antes de empezar su trabajo de actor en teatro, televisión y cine en el decenio de 1950.

Abandonó la escuela a los 13 años de edad, aunque posteriormente invirtió mucho de su tiempo libre en las bibliotecas y en viajar por el mundo. Connery consiguió una gran popularidad como el mejor y más caro actor que interpretó el personaje de Ian Fleming, el super espía James Bond, en la película Dr. No en 1962, que supuso su mayor icono en los años 60. Él salió bien parado en esta aparente serie de violencia, aportando su carácter, mezcla de sofisticación, sensualidad y humor.

Connery consiguió salirse periódicamente de su cautiverio como agente secreto para abordar una gama más amplia de papeles en otros aspectos, tales como la obra de Alfred Hitchcock “Marnie, la ladrona” (1964), “Un loco maravilloso” (1966) y “Odio en las entrañas” (1970), pero aún no conseguía alcanzar el éxito que quería, salvo haciendo de 007.

Su mejor trabajo en esos años fue con motivo de una colaboración importante con el director Sidney Lumet en “The Hill” (1965), como un presidiario en una prisión militar.

En “Supergolpe en Manhattan” (1972), como un ex-convicto que debe dirigir magistralmente un robo a gran escala, y en “La ofensa” (1973), en la que hace de un detective de Londres quien golpea a un sospechoso de asesinato, le sirvieron para enlazar con “Asesinato en el Orient Express” (1974), como parte de una extensa lista de actores famosos.

Después le vimos en “Negocios de familia” (1989), una fallida película, tanto comercialmente como por parte de la crítica, en que hace el papel de un patriarca orgulloso de un clan de delincuentes, con Dustin Hoffman y Matthew Broderick como su hijo y nieto respectivamente.

Connery intentó abandonar varias veces su personaje de 007, pero nuevamente el público y su éxito le obligó a reconsiderar su postura y embarcarse en nuevas aventuras.

“Diamantes para la eternidad” (1971) debería ser su retirada definitiva, después de nueve años con el mismo personaje y aprovechó esta ausencia para interpretar películas con una gama mucho más amplia de personajes, quizá más interesantes, incluyendo el filme John Boorman “Zardoz” (1974). También hizo la obra de John Huston “El hombre que pudo reinar” (1975), “El viento y el león” (1975) de John Milius, “Robin y Marian” (1976) de Richard Lester, y en un papel suplementario crucial, en la delirante película de fantasía “Los héroes del tiempo” (1981), de Terry Gilliam.

Casi calvo, un poco panzudo, pero todavía guapo y carismático, Connery reconsideró su promesa y volvió a su papel más celebrado de James Bond para interpretar la película

“Nunca digas nunca jamás” (1983), con un éxito arrollador.

Connery siguió posteriormente, ya alejado definitivamente de Bond, con la película fantástica “Los inmortales” (1986), y el gran éxito internacional de “El nombre de la rosa” (1986), para continuar con otro gran éxito mundial que le proporcionó su primer Oscar, “Los intocables”(1987) de Brian De Palma. En ella interpreta el papel del veterano Malone, un irlandés viejo, astuto y taimado, aunque fácilmente eclipsado por Kevin Costner, como el personaje principal de la película. El éxito de esta película supuso para Connery afianzarse definitivamente como una leyenda viva de Hollywood, lo que constituye todo un logro en una industria donde los éxitos son para los jóvenes y las leyendas son actores ya fallecidos.

Más viejo, canoso y con papeles cada vez más fraternales como corresponde a su edad, e incluso interpretando personajes más viejos que él mismo, su estrella renovada brilló con particular brillantez en la película de Steven Spielberg, “Indiana Jones y la última cruzada” (1989). En esta tercera entrega de la popular serie, interpreta al padre distante e irascible de Harrison Ford.

Aunque él es una presencia perdurable que responde al sistema de grandes mitos de Hollywood, Connery es también un actor serio que prepara meticulosamente sus papeles, aunque en la pantalla nos dé la impresión de que se lo toma a broma. Él ha entrenado ampliamente su profesión de actor y ha explicado en más de una ocasión que no puede aceptar ningún papel en el cual no pueda aportar su propio carácter. Por ello sus interpretaciones están siempre llenas de sutilezas impresionantes con unos caracteres que aportan una gama muy amplia de matices en sus personajes.

Ahora sigue siendo uno de los actores más buscados por las grandes productoras y consigue mantenerse feliz en este mundo conflictivo permaneciendo al margen del éxito o el fracaso de sus películas. Puesto que no se siente el responsable, sino solamente un trabajador del cine, el éxito o el fracaso deben asimilarlo los ejecutivos.

Convertido con frecuencia en un mecenas de causas justas, ha donado grandes sumas de dinero al Teatro Nacional Escocés, una de las mejores escuelas de actores de Europa.

Los éxitos de la década de los 90 incluyen películas como “La caza del Octubre Rojo” y

“La Casa Rusia” (ambas de 1990), y “Los últimos días del Edén” (1992).

Posteriormente consiguió bastante éxito como productor ejecutivo y actor en “Sol naciente” (1993) y puso su voz a un gigantesco dragón generado por ordenador en

“Dragonheart” (1996).

Premios y honores:

- Presidente Mundial de la asociación Juntos por la Paz.

- Doctor Honoris causa

- Tiene la medalla de la Legión de Honor Francesa

- Oscar al mejor actor secundario

- Premio especial de la Academia británica del Cine y la Televisión FRANKIE Y JOHNNY

Frankie and Johnny (1991)

US

118 minutos

Productor: Garry Marshall

Director: Garry Marshall

Guión: Terrence McNally

Basada en la obra teatral: Frankie and Johnny

Música: Marvin Hamlisch

Intérpretes:

AL PACINO: Johnny

MICHELLE PFEIFFER: Frankie

HECTOR ELIZONDO: Nick

NATHAN LANE: Tim

KATE NELLIGAN: Cora

Hay un gran peligro que no puede negarse cuando se filma una historia de amor entre dos personas atractivas y que pretenden demostrarnos que no son atractivos. “Frankie y Johnny” es una original producción que nos habla de dos personas que se sienten afortunadas por tener los mismos pensamientos y encontrase enamorados.

“Frankie y Johnny”, interpretada por Al Pacino y Michelle Pfeiffer, son dos personas con quienes cualquiera de nosotros se sentiría afortunado si nos sonrieran personalmente. Por eso, la base de la historia nos pasa ligeramente desapercibida.

La película tiene lugar alrededor de un restaurante Griego en la Ciudad de Nueva York, donde Frankie (Pfeiffer) es una camarera y Johnny (Pacino) es contratado para un trabajo de pinche de cocina, después que él es puesto en libertad condicional. Él se ha movido anteriormente en círculos de gran poder y dinero, y su máximo interés está centrado en lograr que su esposa e hijos vivan en una buena casa. Pero toda su vida pasada ha desaparecido para él ahora, y es feliz con lograr ganar para sobrevivir y no tener que volver a la prisión. En lo que concierne a Frankie, ella vive sola en su apartamento y está sumida en una profunda depresión, viviendo solamente esperanzada en que algún día mejorará su vida para siempre.

Al Pacino hace el papel de un buen hombre, guapo,

en una película agradable, solitario y triste, aunque nosotros no podemos comprender por qué Pfeiffer no se enamora de él inmediatamente y ni siquiera por qué le rechaza sus primeras insinuaciones de amor.

El director ha tenido que realizar un esfuerzo para no aportar demasiados datos similares con “Los fabulosos Baker Boys”, y parece que se han concentrado en darle un toque con menos glamour y mucho menos sexo. Un maquillaje que acentúa las ojeras y una piel más pálida parecen obrar el milagro.

Hay también menos violencia, ella mira sugestivamente en todas las ocasiones, con sus pómulos y labios sumamente insinuantes, y con un tipo de vestido que solamente busca que esté atractiva y deseable. Por eso durante la mitad de la película todo pasa demasiado superficialmente, no hay un argumento con garra y casi podemos pensar que el guionista trataba de reservar lo mejor para el final.

Pero la película pasa lentamente y no aporta nada nuevo, ni situaciones más diferentes.

Dirigida por Garry Marshall desde un guión de Terrence McNally, basada en la obra de McNally “Frankie y Johnny”, nos muestra más a los actores que su comportamiento, y la satisfacción del público vendrá precisamente en ese sentido, entreteniéndose en contemplar a dos de sus actores preferidos unidos que para no aburrirnos tratan de aportar algún dato de excentricidad.

Mientras tanto, dentro del restaurante Griego, la vida sigue. Hector Elizondo interpreta al propietario, un hombre con una clara y equivocada filosofía de vida. Kate Nelligan tiene un complicado papel suplementario como Cora, una camarera quien soñaba con Johnny antes que Frankie, y asegura una mañana que él no es "un buen negocio", aunque ella quiere encontrar motivos por no ser amada por él.

El estilo del director Marshall está en proporcionarnos pequeños y breves alicientes, de vez en cuando, sobre las vidas privadas de los otros personajes, quien mayormente parecen vivir solos, esperando una felicidad que no vendrá nunca.

El espectador cae en la trampa y termina amando a los personajes, convencido que la película no aporta datos de mayor interés, a excepción de esa empatía piadosa por su soledad. Nosotros estamos todos solitarios, parece querer decirnos el guionista, y por eso la película parece quedar atrapada en una caja de tiempo y espacio. Si a veces nuestros ojos encuentran los ojos de un forastero y mostramos interés, entonces deberíamos tomar esa oportunidad, porque podría resultar ser simplemente lo que nosotros necesitamos.

Pfeiffer y Pacino no necesitan hacer nada para estar atractivos, aunque los cineastas deberían haber intentado que la historia que nos cuentan fuera tan atractiva como ellos mismos. Creemos que han desaprovechado el carisma personal de cada uno y nos han dado solamente pequeñas parcelas de su encanto.

Pacino aporta un humor en cada oportunidad verbal que tiene, y Pfeiffer muestra una vez más que ella es mucho más que una belleza, y puede actuar en papeles importantes.

Esto es simplemente todo lo que se puede decir sobre la película.

BATMAN VUELVE

Batman Returns (1992)

US

126 minutos

Warner Bros.

Productor: Denise DiNovi, Tim Burton

Guión: Daniel Waters y Sam Hamm

Basada en la historia de: Waters y Hamm

Basada en los caracteres de: Bob Kane

Maquetas: Stan Winston

Director: Tim Burton

Música: Danny Elfman

Fotografía: Stefan Czapsky

Intérpretes:

MICHAEL KEATON: Batman/Bruce Wayne

DANNY DE VITO: El pingüino Oswald Cobblepot

MICHELLE PFEIFFER: La mujer gato/Selina Kyle

CHRISTOPHER WALKEN: Max Shreck

MICHEL GOUGH: Alfred

MICHAEL MURPHY: El alcalde de Gotham

CRISTI CONAWAY: La princesa de hielo

ANDREW BRYNIARSKI: Chip Shreck

PAT HINGLE: Policía Comisario Gordon

El lúgubre escenario del Batman que vemos en el cine es como una cadena de remolque, sosteniendo toda la película, guardando lo mejor entre tinieblas para que sea mostrado poco a poco. “Batman vuelve” de Tim Burton, aun más que el Batman original, se desarrolla también en la oscuridad, como si fuera un protagonista más, llenando de miedo e intriga al espectador, especialmente a los niños, y provocando resentimientos por no poder ver tantos detalles.

“Batman vuelve” es también una película de intriga, un espectáculo para los ojos y una gran diversión para todos los públicos. No hay duda de que Burton es un director con talento, aunque tenemos nuestras dudas de que sea el mejor director para plasmar a Batman.

La película comienza con

escenas de crueldad y vergüenza, cuando los padres de un bebé deforme lo ponen en su silla de paseo y lo empujan en dirección al río para que muera, en una noche fría y nevada de Navidad. La silla del bebé flota en las aguas del río y corre hacia las alcantarillas de la ciudad de Gotham, donde el niño es rescatado y cuidado desde entonces por unos pingüinos que nadie sabe porqué viven allí. Cuando se hace adulto, sus manos tienen forma de pinza de cangrejo, aunque el Pingüino (Danny De Vito) aprende a ser muy parecido a los humanos escudriñando fuera mediante las rejas del alcantarillado. Su alma está triste por la necesidad de descubrir quiénes son sus padres, y por qué ellos lo trataron tan mal.

En otra parte de Gotham, el alcalde (Michael Murphy) preside el árbol municipal de Navidad que ilumina ante la gente de la ciudad, que permanecen tan frías como el tiempo. Está junto a un magnate soez y malvado llamado Max Shreck (Christopher Walken), quien tiene un plan para construir una planta de energía que dejará a la ciudad sin su propia energía. Cuando esto ocurra, será el dueño absoluto de la ciudad, puesto que todos deberán acudir a él y pagar el precio que les pida.

Su secretaria (Michelle Pfeiffer), descubre su plan, pero antes de que tenga tiempo de avisar a la policía el malvado Max la tira por la ventana y la deja muerta allí en la calle.

Al cadáver llegan multitud de gatos quienes le transmiten las siete vidas que ellos tienen mediante sabios lametones al rostro. Cuando se recupera, la guapa pero tímida secretaria trama un plan de venganza contra su antiguo jefe. Con gran habilidad se fabrica un sugestivo, ajustado, sexy y fetichista disfraz negro, y se aventura en la noche como Catwoman. Mientras tanto, en su morada lúgubre llamada Batcave (Batcueva), Batman (Michael Keaton) cavila cuáles son los motivos que le condujo a esta existencia suya tan peculiar.

Siempre hemos sabido que en las aventuras de Batman que habíamos leído en los cómics su mundo era sumamente oscuro, al menos más que el de Supermán. Había siempre una presencia sombría similar a las películas de serie negra en esa ciudad de Gotham, en contraste con el optimismo del decenio de 1930 que se mostraba en la ciudad de Metrópoli, donde vive Supermán.

Las aventuras de Batman siempre han estado ligadas a la noche, a la penumbra, pero esto llevado al cine llega a ser angustioso para el espectador que desea ver con claridad a sus personajes. Burton no era ajeno a este problema y para solucionarlo, sin quitarle su ambiente de tinieblas, realizó las fotografías en lugares convenientemente iluminados, procurando que los actores estén casi siempre dentro del campo de acción de los focos de luz. Esto se nota demasiado en los actores, demasiado preocupados de no salirse del campo de acción de esos destellos de luz.

El conjunto de la película no se desarrolla como una perfecta máquina y podemos apreciar continuos ajustes y cambios, dentro de una misma acción. Dentro del intenso drama que se respira en el argumento, el niño abandonado, la secretaria arrojada a la calle y el pobre Batman cansado de su soledad, el personaje que más nos conmueve es El Pingüino. Con su ansioso deseo de salir de sus guaridas subterráneas y ser aceptado como uno más de la población, aunque para ello tenga que matar a sus enemigos, es verdaderamente triste.

Mientras tanto, el perverso Max Shreck, dirige a sus secuaces en una conspiración para entregar Gotham a sus megalomaníacas manos, y Murphy, como un alcalde servicial, se comporta como un inútil mientras El Pingüino monta su campaña particular contra él.

Batman entretanto es convocado mediante la Batiseñal por el comisario Gordon (Pat Hingle), para plantar cara a la ola de crímenes que asolan la ciudad. Cuando empieza a poner todo en orden se cruza en su camino una belleza vestida de negro, llamada Catwoman, cuyas garras pueden rasgar la piel, y que es tan diestra como Batman en ascender a edificios altos, balancearse en el aire, y emplear las artes marciales, especialmente un látigo destructor. Vestida con un traje tan ajustado que deja sin aliento a los varones, ellos caen rendidos ante ella antes de ser abatidos mortalmente, porque ella es guapa y eficaz, pero bastante malvada. Sus pocos momentos eróticos son de una intensidad tan alta que han pasado a la historia, especialmente cuando le da a Batman unos lengüetazos en pleno rostro que para nosotros quisiéramos.

Es inútil tratar de recordar los viejos cómic que hemos leído en nuestra niñez y compararlos con la película. Y no porque los guionistas hayan pretendido masacrar el argumento original, sino porque el estilo narrativo debe ser diferente, tanto por época como por el público a quien va dirigido. Ahora una película sin violencia y sin sexo parece que no gusta a nadie y nuestro antiguo Batman era casi asexuado, benévolo con los malvados y no tan guapo como Keaton.

Estoy convencido de que quienes critican a estos superhéroes es porque en realidad tienen envidia. Comparar a un ejecutivo moderno metido en su coche en un fenomenal atasco de tráfico, con nuestro Batman y su gran capa que le permite viajar por los tejados, es como comparar a una top model con la madrastra de Blancanieves.

Tim Burton puso como condición para hacerse cargo del rodaje de la película una total independencia para hacer y deshacer, asumiendo incluso la labor de producción junto con Denise Di Novi. Estuvo de acuerdo desde un principio en no incorporar a Robin en esta segunda parte, quizá para no dar lugar a malentendidos sexuales, y lo cambió por una exquisita Catwoman que dejaba las cosas bien claras en cuanto a las apetencias sexuales de Batman.

Michael Keaton no debería haber interpretado a Batman por segunda vez, ya que el aluvión de cartas pidiendo su dimisión fue muy grande, aunque posteriormente se demostraría que ha sido el mejor de todos.

Para el papel de la mujer gato se pensó en principio en Julia Roberts. Ellen Barkin y Cher, pero una por una fueron rechazadas por el director, quien puso sus ojos en Melanie Griffith, Madonna, Sean Young y Annette Bening, siendo esta última la seleccionada. El embarazo de Annette dejó las cosas como al principio hasta que un día apareció Michelle Pfeiffer en los estudios y realizó una demostración eficaz del personaje que convenció a todos.

El rodaje no se hizo en los estudios londinenses de Ponewood, desaprovechando así todos los enormes y costosos decorados de la primera versión que habían sido guardados pensando en una segunda parte. La causa parece estar en el repentino fallecimiento del creador de los decorados que imposibilitaba acoplarlos con efectividad en el nuevo guión. Finalmente, se escogieron unos estudios de Los Angeles y se reconstruyó de nuevo toda la ciudad de Gotham.

Todo el filme de Tim Burton, como sus anteriores películas “Eduardo manostijeras” y

“Beetlejuice”, está basado en personajes extraños, nada comunes, cuyo comportamiento diferente los ponen siempre al margen de la sociedad vulgar. Su intento por sobrevivir en un mundo que no les comprende proporciona siempre la nota sentimental en sus películas.

Quizá mucha gente disfrutaría más de Batman si fuera un héroe más todopoderoso, no tan humano y con tantos fallos, pero para otros es precisamente su vulnerabilidad lo que le hace más atractivo. Se puede admirar esta película desde diversos puntos de vista, pero de entrada tiene que gustar el personaje de Batman. De no ser así es mejor que no acudamos al cine, a no ser que nos centremos en Michelle Pfeiffer.

La pregunta que todo el mundo se hace es: ¿cuál de las cuatro películas es la mejor?. No hay respuesta.

Es una teoría comúnmente aceptada que cuando tenemos un superhéroe, como James Bond, Supermán, o Batman, en una serie continuada, es el villano de cada película lo que da el sabor y establece la diferencia. Batman primeramente peleaba contra el Joker, interpretado por Jack Nicholson, y no sentimos ninguna pena cuando lo mató y dejamos de soportar sus muecas. Luego lo hizo con este Pingüino gordo, feo y con la cintura mayor que hemos visto nunca, pero sentimos pena por él y su destino. Era gracioso pero más que risa nos compadecimos de él. También estaba Catwoman y percibimos que todo el auditorio estaba rezando pidiendo que Batman no la matara para así poder disfrutar de ella en una tercera entrega, pero los rezos no llegaron a Dios.

Posteriormente tuvimos a Dos Caras, Enigma, Hiedra venenosa y Mister Free.

Sinceramente, los cambiamos a todos juntos por una nueva película con Michelle –

Catwoman – Pfeiffer.

Batman ha ido perdiendo interés para los buenos aficionados y ganado adeptos entre los niños, pero quizá así este superhéroe no consiga pasar de una quinta secuela y deba acudir a las filas del desempleo. Creo que los devotos del cómic auténtico nos merecemos un nuevo Batman, más cerca del primero, lo mismo que esperamos ansiosos de nuevo a Supermán

“La verdad – afirma Tim Burton – es que me sentí como un idiota rodando la primera película de Batman y por eso no estaba dispuesto a repetir la experiencia. Luego me di cuenta que el personaje me fascinaba y que podía añadir nuevos elementos en la segunda parte que le dieran aliciente y energía”.

“Lo que me gusta de Catwoman es que bajo la apariencia de Selina tiene que aguantar un montón de desprecios y abusos. De repente, cuando se transforma en ese misterioso personaje vestido de negro, se puede manifestar como en realidad es. No es una superfeminista que se comporta como los hombres, ni tampoco la chica que está al lado del superhéroe. Con su ajustado traje negro puede que esté muy erótica, pero no era esa mi intención”.

“Tim Burton – aclara Michelle Pfeiffer – no es un director normal. Es inocente, malévolo e infantil que gusta de mostrar las cosas bajo su lado oscuro”.

“Algo muy humano de Batman vuelve es que Selina es una mujer que puede representar a muchas en el mundo. No es considerada en el mundo del trabajo, nadie la escucha, está aterrorizada porque la despidan. Hay miles de mujeres, y por supuesto de hombres, que están sometidos todos los días a estas presiones y que deberían tener su oportunidad en algún momento”.

“El trabajar al lado de Michael Keaton, con quien había tenido una relación sentimental hace años, no fue un inconveniente, sino una ventaja – comentó Pfeiffer. .

Era muy reconfortador tener alguien familiar muy cerca y sabía que si tenía algún problema podía contar con él”.

Premios:

Nominada a las mejores maquetas 1992: Ve Neill, Ronnie Specter, Stan Winston Nominada a los mejores efectos visuales 1992: Michael Fink, Craig Barron, John Bruno, Dennis Skotak

Sus compañeros de reparto:

Michael Keaton

(1951 -)

Ocupación: Actor

Nombre: Michael Douglas

Nacido: el 5 de septiembre de 1951 en Coraoplis,

Educación: Universidad del estado de Kent, OH

Intenso, parecido a un payaso simpático y guapo, este actor empezó su carrera como si fuera un personaje de cómic. Sus primeros éxitos parten de los años setenta como uno de “Los Hermanos del Calabacín Volante” en la serie de televisión para niños, "Sr.

Roger Neighborhood".

Keaton posteriormente hizo un impresionante debut en el cine como un sirviente alcahuete del depósito de cadáveres en “Nigth Shift” de Ron Howard (1982). Después estuvo varios meses parado hasta que consiguió un agradable papel como Mr. Monm en “Las locas peripecias de un señor Mamá”(1983), como un papá que se convierte en amo de casa a causa de un despido profesional.

En 1984 interpretó la comedia de gángsters titulada “Johnny peligroso”, dando vida al personaje del título y haciendo una personificación similar a James Cagney, teniendo como oponente a Danny De Vito.

En “Pisa a fondo” (1986), una segunda excursión con el director Howard, nos habla del propietario de una empresa de automóviles en quiebra, que convence a una compañía japonesa para que abra una sucursal en su ciudad, aunque este empeño es ciertamente laborioso por la forma de trabajar tan dispar de ambos países.

Keaton se anotó dos triunfos en 1988 con sus papeles en “Clean and Sober” y

“Beetlejuice” que juntamente le proporcionaron un premio al mejor actor por la Sociedad Nacional de Críticos de Cine. “Clean and Sober” una interpretación dramática y seria de Keaton, es una historia finamente expuesta sobre un adicto a la cocaína que se mortifica por su adicción. En “Beetlejuice”, Keaton es un personaje destacado como una especie de cucaracha fantasmagórica que vive en un mundo de muertos y espíritus, en donde se mezclan el horror con la risa, unión que supuso un extraordinario éxito en taquilla.

Su caracterización en este filme es tan asombrosa como el cambio de imagen en

“Batman” (1989), la obra que le catapultó definitivamente al estrellado y sirvió para afianzar aún más el prestigio de su director Tim Burton. Tres años después retornó en

“Batman vuelve” (1992), siendo ambas películas una muestra decisiva de la capacidad de Keaton para interpretar toda clase de papeles. Pero deseoso de no encasillarse en un personaje de cómic rechazó volver a vestir las ropas de hombre murciélago en “Batman forever” (1995), dejando el papel a Val Kilmer.

Keaton demostró ser un bribón formidable en “De repente, un extraño” (1990), como un misterioso inquilino que con su comportamiento aterroriza a sus confiados propietarios, y supo tener un buen olfato recitando versos de Shakespeare en la obra de Kenneth Branagh “Mucho ruido y pocas nueces” (1993). En “Mi vida” (1993) Keaton volvió a cambiar de rumbo en un retrato conmovedor de un hombre agonizante que hace vídeos de su vida para que su niño recién nacido sepa cuando sea mayor cómo era su difunto padre.

Últimamente puso sus habilidades interpretativas al servicio de un agresivo editor poco escrupuloso, en “Paper” (1994), su tercera excursión con el director Howard, pero ni siquiera sus regalos como buen comediante nos consiguió impresionar cuando actuó conjuntamente a Geena Davis en “Dumb” (1994), como un par de escritores de discursos que se encuentran y se enamoran, pero descubren que ellos trabajan para candidatos rivales.

POR ENCIMA DE TODO

Love Field (1992)

US

104 minutos

Orion Pictures

Productor: Midge Sanford y Sarah Pillsbury

Director: Jonathan Kaplan

Guión: Don Roos

Compositor: Jerry Goldsmith

Intérpretes:

MICHELLE PFEIFFER: Lurene Hallett

DENNIS HAYSBERT: Paul Cater

STEPHANIE McFADDEN: Jonell Cater

BRIAN KERWIN: Ray Hallett

LOUISE LATHAM: Mrs. Enright

PEGGY REA: Mrs. Heisenbuttal

BETH GRANT: Hazel

JOHNNY RAY McGHEE: Mechanic

COOPER HUCKABEE: Deputy Swinson

Ella es un ama de casa que vive en Dallas y que adora

a Jacqueline Kennedy. Está casada con un hombre vulgar cuya mayor preocupación en la vida es que no le falte nunca en la nevera su botellín de cerveza negra bien fría.

Cuando ella se entera que el matrimonio Kennedy planifican visitar la ciudad de Dallas, comprende que está a punto de realizar el sueño de su vida: ver en persona a Jacqueline.

Mediante la colaboración de una amiga suya que pasea en una silla de ruedas, traman entrar al aeropuerto donde aterrizará el avión presidencial y así poder verles muy de cerca. La silla de ruedas será su excusa para poder acercarse. Todo está a punto para lo que ella considera que es el día más importante de su vida.

Pero todo se complica y vemos entonces el momento del asesinato de Kennedy, mezclando documentos verdaderos y partes filmadas, mientras observamos a Lurene corriendo por las calles de Dallas y dándose cuenta que algo grave ha sucedido. La gente está toda alterada, hay mucha gente mirando los televisores de los comercios y las sirenas de la policía suenan sin cesar.

Cuando la mujer se da cuenta que el presidente ha muerto, su corazón se pone de parte de la primera dama y se identifica tanto con ella que se olvida de sí misma para pensar en ese matrimonio roto tan bruscamente. Ese día decide que ella debe asistir al funeral, pero cuando se lo cuenta a su esposo la dice que está loca, un diagnóstico que él emplea para juzgar cualquier postura de su esposa.

A pesar de todo ella toma el autobús a Washington y durante el trayecto, se encuentra con un hombre negro (Dennis Haysbert) y su joven hija, quienes se ven inmersos en un drama mucho más grave que el suyo. Pero Lurene tiene una imaginación muy activa y ve fantasmas donde solo hay sábanas blancas. Está convencida de que ese hombre ha raptado a la niña y lo denuncia a la policía. Cuando ella se da cuenta de su tremendo error quiere enmendar el mal que ha ocasionado a padre e hija (buscados por la policía sin motivo), y los tres acaban huyendo en un coche que no es suyo, mientras el hombre negro maldice a los cielos por haberle puesto en su camino a una mujer que no sabe mantener la boca quieta.

Parece obvio que la película “Love Field” acumula más argumento del necesario e incluso es fácil deducir que esta historia podría dar lugar a dos o tres historias diferentes: la pasión por los Kennedy, el matrimonio aburrido, y el negro perseguido por la policía injustamente. Pero es que todo está mezclado hábilmente y hasta aceptamos que sea así.

Ya tenemos el punto de partida dramático como es el asesinato del Presidente más joven de los Estados Unidos, a la joven esposa que termina enamorándose de un hombre perseguido por la policía, y a una niña sumamente sagaz que aporta una nota agradable dentro del dramatismo. También hay, por supuesto, un alegato contra el racismo, la intolerancia policial, una crítica a los maridos que beben cervezas frías mientras ven el partido, y una excusa para las mujeres de cabeza hueca, amantes de las revistas del corazón, pero que en realidad son un pedazo de pan.

Quizá soy algo exagerado, pero si la historia hubiese sido llevada de una manera más sencilla, sin incluir cada minuto personajes nuevos, y relatando una simple historia humana, el resultado hubiera sido hasta correcto.

Hay escenas como el robo del automóvil y la persecución policial que trata de imitar malamente a “Bonnie and Clyde”, pero los gritos de Pfeiffer no son precisamente dramáticos, y quizá ahí la culpa no sea del guionista.

Hay algunas cosas buenas en la película, entre ellas la interpretación de Michelle Pfeiffer, que hace el papel de una tonta mujer que grita y hace el ridículo, aunque con bastante dignidad.

Dentro de sus limitaciones y casi contra su propio carácter, ella trata de adaptarse al personaje. Lo curioso del caso es que cuando el director Kaplan la propuso interpretar el personaje de Lurene, ella aceptó el papel solamente leyendo un esbozo del guión, algo no muy habitual en una actriz que había sido nominada por segunda vez al Oscar por su trabajo en “Los fabulosos Baker Boys”. Pfeiffer pensaba que este personaje aportaba un nuevo giro a su carrera, que era mucho más dramático y que al estar alejado de cualquier implicación erótica, le beneficiaría.

El personaje de Haysbert está tratado con más meticulosidad, como un hombre negro del Sur de 30 años, quien es plenamente consciente del racismo aún imperante en su país y del peligro que supone la presencia de esa estúpida mujer a su lado.

La película es extraña, porque en realidad habla de una persecución policial hacia una pareja que llevan una niña que no debería estar con ellos, y por eso es extraño que el guionista haya incluido el asesinato de Kennedy al principio. Tampoco es correcto el topicazo del marido bebedor de cerveza y devorador de televisión, mientras que su mujer es guapa, alegre, inquieta y capaz de hacer la vida agradable a cualquier hombre.

“Yo siempre pensé que la historia de ”Por encima de todo” era una gran idea, aunque luego las cosas no salen como uno las veía en la imaginación. Todos los que participamos pusimos mucho cariño en esta historia, en la que, además, estaban involucrados dos personajes de la política muy emblemáticos para Estados Unidos”.

“La película tuvo varios problemas, primero por la retirada a última hora de Denzel Washington, además de los problemas financieros de la productora Orion que obligaron a retrasar el estreno. Quizá todo ello influyó en que la película no produjera beneficios económicos”.

Premios:

Nominada a la mejor actriz 1992: Michelle Pfeiffer

LA EDAD DE LA INOCENCIA

The Age of Innocence (1993)

US

133 minutos

filmada en Super 35

TriStar

Productor: Barbara De Fina

Director: Martin Scorsese

Guión: Jay Cocks y Martin Scorsese

Basado en la novela de: Edith Wharton

Música: Elmer Bernstein

Vestuario: Gabriella Pescucci, Tirelli Costumi Roma y Barbara Matera Ltd.

Narrada por: Joanne Woodward

Intérpretes:

DANIEL DAY-LEWIS: Newland Archer

MICHELLE PFEIFFER: Condesa Ellen Olenska

WINONA RYDER: May Welland

ALEXIS SMITH: Louisa Van Der Luyden

GERALDINE CHAPLIN: Sra. Welland

MARY BETH HURT: Regina Beaufort

ALEC McCOWEN: Sillerton Jackson

RICHARD E. GRANT: Larry Lefferts

MIRIAM MARGOLYES: Sra. Mingott

ROBERT SEAN LEONARD: Ted Archer

DOMENICA SCORSESE: Katie Blenker

CATHERINE SCORSESE:

CHARLES SCORSESE:

MARTIN SCORSESE:

Nosotros vivimos en una era de comportamiento

brutal, cuando la gente dice crudamente lo que opinan, ya sea en televisión, en los periódicos, o el Parlamento. La burla y el chiste se utilizan como forma de insultar a alguien y cuanto más insultante es más aplausos provoca entre el auditorio. La obscenidad forma parte del espectáculo y cualquier premio a las buenas maneras se considera una estupidez.

El filme “La Edad de la Inocencia” de Martin Scorsese, que tiene lugar en la década de 1870, parece una fantasía desarrollada en un país inexistente. Hay un código social rígido que influye en las conversaciones de las personas, su comportamiento, sus encuentros y separaciones, en el modo en que comen, en el amor y en el casamiento. No existe un código escrito sobre el comportamiento, pero la gente lo aprende desde el momento en que nacen.

La película está basada en una novela de Edith Wharton, que murió en el decenio de 1930. “La edad de la inocencia”, como ella la llamó con desprecio y burla, estaba muy inculcada entre la población antes de que ella decidiera escribir el libro. Edith sabía que la gente de su tiempo tenía las mismas historias lujuriosas en sus vidas que los protagonistas de su historia, y solamente observando su comportamiento podría describir una novela sincera.

La novela y la película tienen lugar en el ambiente educado de las familias más viejas y más ricas de la Ciudad de Nueva York. Los casamientos son como los tratados entre naciones, y su propósito no es solamente para afianzar un romance o engendrar hijos, sino que es básico para la transmisión ordenada de la riqueza entre las generaciones de dos familias. Cualquier cosa que amenace este proceso sereno es motivo de odio y peleas. Se decía que no era apropiado que los hombres y las mujeres pusieran en primer término sus deseos egoístas de amar a una persona, antes que las necesidades de sus propias familias. La gente desde luego se casa por amor, pero esta práctica se desaprueba como vulgar y peligrosa.

En la película encontramos a un hombre joven llamado Newland Archer: (Daniel Day Lewis), quien está comprometido para casarse con la joven y bonita May Welland (Winona Ryder). Él siente mucho afecto por ella, aunque ella parece estar más influida por su buen comportamiento y educación que por motivos más íntimos. Todos están de acuerdo en que este es un buen casamiento entre familias distinguidas, y Archer está satisfecho hasta que una noche, en un espectáculo de ópera, él ve a una prima de May que está casada y vive en Europa desde hace años. Ella es la Condesa Ellen Olenska, (Michelle Pfeiffer), una mujer asombrosa que tiene ideas propias muy sólidas. Ellen mira el mundo como un lugar de diversión.

La condesa es muy hermosa, sí, pero esto no es lo que más atrae a Archer. Su cuerpo entero vibra de pasión ante la presencia de una mujer que descaradamente piensa por y para sí misma.

Ella no es una mujer respetable y su primera equivocación fue la de casarse con un hombre que no pertenecía a su círculo social, tomando como esposo a un rico financiero y viviendo en Europa. Después ella hizo otra transgresión social aún mayor, separándose de su esposo y volviendo a Nueva York, donde ahora acude a reuniones sociales como una mujer extraordinaria de indudable fascinación, aunque nadie sabe lo bastante de ella y de qué es lo que quiere. Ante todos, su presencia es una amenaza para el futuro casamiento entre Archer y May.

Este tipo de historia se ha filmado anteriormente con bastante acierto por el equipo Merchant-Ivory. Sus

“Regreso a Howards end”, “A Romm With a View” y “The Bostonians” describen este mundo con acierto. Todas parecían de poco interés para Martin Scorsese, un director de grandes pretensiones y energías, cuyos anteriores títulos ya hablaban negativamente de esa edad de la inocencia: “Mean Streets”, “Taxi Driver”, “Raging Bull” o “Goodfellas”.

Aún cuando su amigo y co-escritor Jay Cocks entregaron a Scorsese la novela de Wharton, él no podría poner todo el trabajo, necesitaba colaboración, por lo que de algún modo la película es una mezcla entre Wharton, y Scorsese.

La historia contada aquí es brutal y sangrienta, al describir la vida apasionada de un hombre normal y correcto, al que su corazón destrozó.

Pero también es mucho más, y la última escena de la película, que se muestra demasiado rápida, es sumamente intensa porque da a conocer que no era la única persona que sufría y que otros también se habían sacrificado por él. Su tragedia más profunda no era que él había perdido a su amor, sino que nunca la tuvo.

“La edad de la Inocencia” está filmada con elegancia. Los aristócratas ricos se mueven en sus círculos dorados desde la ópera a la cena para buscar amigos, con un disfraz para cada papel y uno diferente cada hora del día. Scorsese observa los menores momentos sociales, el declive de una cabeza, el ángulo de una mirada, la inflexión sutil de una palabra o frase. Poco a poco nosotros comprendemos qué está sucediendo: Archer considera necesario romper su compromiso con May, a fin de salir corriendo con la condesa, y todos están preocupados por impedírselo, aunque en ningún momento nadie sabe cómo hacerlo.

Se pueden ver escenas de amor en que los cuerpos desnudos vibran con la pasión amorosa, pero rara vez los hemos visto tan apasionados como en esta película, donde todos se mueven dentro de las costumbres represivas de la era Victoriana. Los grandes momentos eróticos tienen lugar en público, entre la gente totalmente vestida que habla perfectamente, modulando sus frases, pero que están tan llenos de libido y pasión que sus mentes se desquician y están aterrorizados por lo que su cuerpo siente.

Scorsese, ese artista de gran temperamento, aquí manifiesta una gran paciencia.

Nosotros estamos agradecidos que la voz de un narrador (Joanne Woodward), nos haga comprender mejor todo lo que sucede, nos guíe durante la historia, y nos proporcione datos sobre los pensamientos de los personajes.

Nosotros aprendemos las reglas de esa sociedad y encontramos a una mujer anciana llamada Sra. Mingott (Miriam Margolyes), que tiene sumas extensas de dinero y funciones importantes, por lo que se puede permitir todo tipo de apelaciones y comentarios sobre lo que es correcto y lo que no es.

También vemos la atención y cuidado infinito con que May Welland defiende su relación con Newland Archer. Aunque sabe o sospecha todo lo que sucede entre Newland y la condesa, ella escoge admitir solamente aquella información que parece segura, y trabaja con gran inteligencia para conservar su casamiento, mientras demuestra a los demás que no está afectada por nada.

Cada interpretación se modula para conservar el balance delicado de la guerra romántica. Daniel Day Lewis ocupa la posición central, encadenado en una época en la cual no existe el libre albedrío. Michelle Pfeiffer, como la condesa, es una mujer que vive en una sociedad que no le gusta pero sin rechazarla, y tiene un gran placer sensual al ver cómo seduce a Archer con el poder de su mente.

A muchos puede parecer que May es una pobre víctima inconsciente, pero Winona Ryder gradualmente da a conocer la profundidad de su inteligencia y carácter, y en la última escena todo se da a conocer y el final queda perfectamente aclarado.

Scorsese es famoso por su cámara inquieta y rara vez permite una escena estática. Pero aquí nosotros hemos tenido suerte y nos concede la gracia y la grandeza de no marearnos con su estilo visual. Aunque la cámara se sigue moviendo incesantemente, lo hace muy sutilmente, como si fuera una persona que trata de averiguar qué es lo que hablan los demás.

Al principio de “La Edad de la Inocencia”, parece que estamos contemplando un mundo totalmente ajeno al nuestro, pero poco a poco nos damos cuenta que esa gente tienen todas las mismas emociones, pasiones, temores y deseos que nosotros. La diferencia es que ellos los valoran mucho más, son menos severos con ellos, y prefieren dar a sus vidas amorosas un ambiente más romántico.

En la película vemos numerosos vestidos blancos de Sargent, salones de baile de Tissot y lámparas de gas de la ópera de Whistler, además de las pinturas de Ferretti, todo ello reproducido con acierto por el equipo de Scorsese. Dado que hay nada menos que siete encuentros gastronómicos en la película, el ambiente ha tenido que cuidarse especialmente, sin olvidar que en aquellos años se solían comer exactamente trece platos, lo que explica la tendencia al vómito de entonces, las indigestiones y las numerosas lavativas que recetaban los médicos.

“Lo que pretendía –dijo Scorsese – era relatar una sencilla historia de amor, que podía acabar mal o bien, como cualquiera. En esta ocasión se trata de una pérdida”.

“Me fijé en Michelle Pfeiffer después de verla en “Casada con todos”, en la que había logrado dar una gran veracidad a su papel de una viuda italiana. No es fácil que una norteamericana encaje bien en un papel de latina, mucho menos si es rubia, pero Michelle llegó a convencerme que había nacido allí”.

“Sobre el personaje de Winona, necesitaba una chica joven que pudiera dar todavía cierta inocencia, parecida a una niña, pero al mismo tiempo con una gran sensibilidad”.

Premios:

Nominada a la mejor actriz secundaria 1993: Winona Ryder Nominada por el mejor guión 1993: Jay Cocks, Martin Scorsese Nominada por la mejor dirección artística 1993: Dante Ferretti, Robert J. Franco Oscar al mejor vestuario 1993: Gabriella Pescucci

Nominada a la mejor música 1993: Elmer Bernstein

Su compañera de reparto:

Winona Ryder

(1971 -)

Ocupación: Actriz

Nombre: Winona Laura Horowitz

Nacida: el 29 de octubre de 1971 en Winona, MN

Educación: escuela secundaria de Petaluma; Teatro del Conservatorio americano Escalando lentamente peldaños en el cine, esta pálida actriz, con cara de no haber roto un plato en su vida, tiene una larga serie de éxitos con papeles de adolescente que no comprende el mundo de los adultos.

Ella recibió una clásica educación, pasando algunos años de su niñez en una comuna de chicas del norte de California, en donde estaban dirigidas por un gurú llamado Timothy Leary que ejercía las veces de padre. A los 13 años de edad Ryder fue descubierta por un caza talentos durante una actuación en el Teatro del Conservatorio americano de San Francisco.

Acogiendo definitivamente el nombre de Winona, la ciudad donde nació, Ryder hizo su primera intervención en el cine como una novia en el filme “Lucas” (1986). Después volvió a tocar el personaje de una adolescente de Tejas en “Square Dance” (1987).

Ryder consiguió su primer triunfo por su retrato de una adolescente muy mórbida en la comedia de horror de Tim Burton “Beetlejuice” (1988). Su interpretación no era buena y parecía imposible, además, que pudiera destacar al lado de estrellas tan prestigiosas como Michael Keaton, Geena Davis, y Alec Baldwin, pero no pasó desapercibida para nadie. Después cambió de rumbo y se decidió por dar vida a Verónica, una adolescente de 1969, que se convierte en una asesina adolescente accidental, en la comedia de culto de Michael Lehmann, “Escuela de jóvenes asesinos” (1989).

El modelo de la carrera de Ryder quedó establecido: un par de películas pequeñas o infructuosas, esparcidas con un gran éxito cada dos o tres años. En la categoría anterior la pudimos ver en la biografía del cantante de Rock and Roll Jerry Lee Lewis en “Gran bola de fuego” (1989) y en la comedia “Aquí te pillo, aquí te mato” (1990).

En la última categoría hay una fantasía romántica de Tim Burton titulada “Eduardo manostijeras” (1990), co-protagonizada por su entonces novio Johnny Depp. En ella Ryder entregó una actuación sorprendentemente madura, sólo estorbada por una peluca rubia mal aconsejada.

Los públicos no se mostraron tan entusiastas por su trabajo en “Sirenas” (1990), una comedia dramática de los años 60 compartiendo cartelera con Cher y Christina Ricci, ambas tratando de anular a la joven Ryder.

Ningún triunfo consiguió con la obra de Jim Jarmusch “Noche en la Tierra” (1991) en la cual Ryder interpretó a una pasajera de un taxi en Los Angeles.

Pero ella todavía nos daría una nueva sorpresa cuando con sus apenas 20 años consiguió hacer el papel de la amante del vampiro más famoso de la historia, en la película de Francis Ford Coppola “Drácula, de Bram Stoker” (1992). Proporcionando el centro emocional sólido de la película, consiguió no ser anulada por los fantasmagóricos efectos especiales, parte esencial del filme, y actuar al lado de prestigiosos actores.

También fue la víctima Victoriana (adecuado a su rígida educación social), en la adaptación visualmente impresionante de Martin Scorsese, basada en la novela de Edith Wharton, “La edad de la inocencia” (1993), compartiendo reparto con Daniel Day Lewis y Michelle Pfeiffer. Ryder consiguió destacar por méritos propios y ganó su primera nominación al Oscar como la Mejor Actriz de reparto.

Después de un desvío muy infructuoso en América del Sur (en 1994 con “La casa de los espíritus”), regresó a sus tradicionales papeles de jovencita inocente en el remake

“Mujercitas” de Gillian Armstrong (1994), por el cual consiguió una nueva nominación al Oscar como la Mejor Actriz .

También la hemos visto como Señora Ana al lado de Al Pacino en la tragedia de Shakespeare “Ricardo III”, y junto a Daniel Day Lewis en la adaptación para el cine de la obra de Arthur Miller “El crisol”, dirigida por Nicholas Hytner, así como dando la réplica a Sigourney Weaver en la cuarta entrega de “Alien”.

LOBO

Wolf (1994)

US

122 minutos

TriStar

Productor: Douglas Wick

Director: Mike Nichols

Guión: Jim Harrison y Wesley Strick

Compositor: Ennio Morricone

Maquillaje: Rick Baker

Intérpretes:

JACK NICHOLSON: Will Randall

MICHELLE PFEIFFER: Laura Alden

JAMES SPADER: Stewart Swinton

KATE NELLIGAN: Charlotte Randall

RICHARD JENKIS: Detective Bridger

CHISTOPHER PLUMMER: Raymond Alden

EILEEN ATKINS: Mary

JENNIFER NICHOLSO: Young Publishing Executive

Tensa e imaginativa historieta del hombre-lobo metido en una aventura urbana moderna, con Nicholson como un amable editor de libros, quien es mordido por una loba justo cuando está inmerso en una crisis personal y profesional.

Cuando los productores anunciaron que Nicholson sería

el próximo hombre-lobo los aficionados temblaron, no de terror sino de pena. La idea de ver al mítico monstruo gesticulando y haciendo muecas con la boca nos parecía sencillamente denigrante y esperábamos una rectificación en esa elección. Pero Jack nos sorprendió a todos gesticulando mucho menos que en el resto de sus películas.

Ya tenía cierta experiencia en el cine de terror cuando trabajó con Roger Corman en esa discreta película titulada “El terror” (que solamente salió al mercado del vídeo cuando Nicholson alcanzó cierta fama), además de su corto pero interesante papel como dentista sádico que martiriza al masoquista Bill Murray en “La pequeña tienda de los horrores”. También hizo un pequeño papel secundario en “Yo fui un hombre-lobo adolescente” al lado de Michael Landon (el de “La casa de la pradera”), y alcanzó su mayor prestigio cuando trabajó como hombre enloquecido en la película de Stanley Kubrick “El resplandor”.

En esta película vuelve a tener la oportunidad de estar al lado de Michelle Pfeiffer después de “Las brujas de Eastwick”, nuevamente como amantes.

El guión de “Lobo” se aparta esencialmente de otras versiones más lúgubres, quizá porque uno de los guionistas, Jim Harrison, había tenido una experiencia tenebrosa mientras permanecía en un refugio de alta montaña. Allí parece ser que fue mordido por un perro y horas después notó que le crecía vello en la cara, el torso y los brazos, aunque afortunadamente fue desapareciendo con la misma rapidez que se curaba la mordedura.

Will Randall (Nicholson) es una persona normal, pero que ahora tiene problemas en el trabajo y con su mujer. Una noche tiene un accidente, atropella a un animal, y cuando va a auxiliarle es mordido en un brazo por una especie de perro lobo. Desde ese momento, su vida cambia, cobra nuevas energías y manifiesta una agresividad a veces incontenida contra sus enemigos.

Su agudo sentido del oído, del olfato y su instinto para presentir al enemigo, le llevan a conocer ahora mejor a sus compañeros de trabajo y pronto descubre que Stewart, un joven con cara de buen chico, es realidad es un frío y malévolo ejecutivo que quiere quedarse con la dirección de la editorial. Para que todo quede bien claro, cuando están en el servicio Will le mea encima de sus preciosos zapatos de ante, advirtiéndole que está definiendo su territorio, como cualquier lobo.

Después conoce a Laura, una guapa chica que trabaja en un zoológico, pero que anteriormente ha tenido problemas con la policía. Ellos se enamoran y cuando se acuestan juntos no sabemos quién de los dos es más fiero. Cuando las cosas se complican para los dos, ella decide que su mejor destino es convertirse en una mujer-lobo.

Lo que Jim pretendía no era mostrar una historia básica de terror, sino al monstruo que parece ser que todos llevamos dentro y que solamente se puede liberar si la vida nos da esa oportunidad. La conclusión del guionista es que el hombre es agresivo por naturaleza y que las leyes y la cárcel es lo único que nos impide manifestarnos tal cual somos.

Los productores del filme no deseaban un hombre que se fuera transformando ante las cámaras en una horrible bestia, así que eligieron una transformación paulatina a lo largo del filme. Esos cambios iban siendo notados por los personajes, pero en ellos no se iban a incluir látex, pelucas enormes, ni dilataciones de cara o cuerpo. La transformación debería ser muy diferente a “Un hombre lobo americano en Londres”, obra también de Rick Baker, quien había sido el artífice del vídeo-clip de Michael Jackson “Thriller”.

Ahora había que aprovechar la felina y angular cara de Nicholson, y perfilar su nariz en el nacimiento, agudizar los ojos y ponerle algo más de pelo.

Sus compañeros de reparto:

Jack Nicholson

(1937 -)

Ocupación: Actor

También: Productor, guionista, director,

Nacido Como: John Joseph Nicholson

Nacido: el 22 de abril de 1937 en Neptuno, Nueva York

Educación: la escuela secundaria de Manasquan, Nueva York Jack Nicholson llevaba trabajando 32 años como un veterano de películas de bajo presupuesto, la mayoría de ellas producidas por Roger Corman, cuando él llamó la atención de Hollywood y el público en la película de culto “Buscando mi destino” (1969). En un papel por el que fue nominado al Oscar, Nicholson retrató a un abogado del sur que encuentra un tipo de libertad temporal junto a dos melenudos. La característica que dio origen al descubrimiento de Nicholson fue precisamente su papel de varón clásico, sin refinamientos, y un amante de las mujeres que no tenía razón alguna para ser romántico o tierno. Su aspecto de maníaco le daba el suficiente atractivo.

En “Mi vida es mía” (1970), Nicholson retrató un alma rebelde que manda lamentos de dolor sobre una vida trivial sin ambiciones artísticas o sentimentales. La actuación tan natural de Nicholson, con sus peculiares gestos y las explosiones ocasionales de su temperamento, parecían re-definir el cinismo en la pantalla durante muchos años.

Una serie de colaboraciones extraordinarias fueron con directores importantes como Mike Nichols en “Conocimiento carnal” (1971), con Hal Ashby en “El último deber” (1973) y con Román Polanski en “Chinatown” (1974), un papel en el cual tuvo que permanecer durante al menos la mitad de su actuación con una venda alrededor de la nariz, incluso cuando ocurrían escenas de amor intensas.

Las nominaciones al Oscar en dos películas lo llevaron poco a poco hasta conseguir el premio por su trabajo en el filme de Milos Forman “Alguien voló encima del nido del cuco” (1975). Como de costumbre, en un mundo de locos, el personaje de Nicholson fue visto como una muestra de su personalidad.

Nicholson es conocido como el actor que se interpreta así mismo, un profesional que asume improbables y desafiantes papeles. Con Stanley Kubrick, él hizo un escritor bloqueado en la locura en la película “El resplandor” (1980) y para Michelangelo Antonioni, retrató a un reportero americano que vive a través de una revolución, como el forastero de “El reportero” (1975).

Él exige escoger sus papeles tanto para conseguir tener la oportunidad de trabajar con ciertos actores como en relación con los directores. Por eso ha efectuado algunos giros extraños en sus personajes: como un ladrón de ganado con Marlon Brando en

“Missouri” (1976); como Eugenio O'Neill en “Rojos” de Warren Beatty (1981); como un ex-astronauta con Shirley MacLaine en “La fuerza del cariño” (1983); como un profesional de la televisión con el veterano William Hurt en “Al filo de la noticia” (1987); y como un vago nublado con Meryl Streep en “Tallo de hierro” (1987).

Los papeles de Nicholson como el demonio risible en “Las brujas de Eastwick” (1987) o como El Joker en el “Batman” de Tim Burton (1989), reforzó su cotización y le permitió explorar sus talentos de comediante. A pesar de la aclamación que la crítica le dispensa, que él almacenó por sus personajes contradictorios como en la película de Rob Reiner en “Algunos hombres buenos” y su actuación más ambiciosa con Danny De Vito en “Hoffa” (ambas en 1992), Nicholson parece haber abandonado los papeles que

"hagan que sus sentimientos estén a flor de piel".

Cuando se acercó a la madurez, empezó a ensayar caracteres que confrontan la crisis de esa edad y las repercusiones consecuentes. Ciertamente, su giro como un editor de libros que gradualmente se convierte en un hombre lobo en el filme de Mike Nichols

“Lobo” (1994), es un ejemplo. Al comienzo de la película, cuando el editor es mordido por un lobo, él es una persona débil y pasiva. Cuando él se transforma en el hombre lobo, se pone viril y gana confianza en sí mismo.

Posteriormente fue cambiando nuevamente sus matices interpretativos y le hemos visto exagerando su amaneramiento, como un hombre amargo que confronta las heridas del pasado una vez más, y en el papel de un joyero cuya hija había sido asesinada por un automovilista. Nicholson entrega un parte de su propio carácter cuando expresa culpa y pesar por su comportamiento.

Las escenas que él comparte son en ocasiones tan reales como su vida, especialmente cuando trabaja con Anjelica Huston (su ex novia). Ha estado casado con Jennifer Warren y en los últimos años le hemos visto unido a Rebecca Brousard.

MENTES PELIGROSAS

Dangerous Minds (1995)

US

99 minutos

Productor: Jerry Bruckheimer y Don Simpson

Director: John N. Smith

Guión: Ronald Bass

Música: Wendy & Lisa

Fotografía: Pierre Letarte

Intérpretes:

MICHELLE PFEIFFER: Lou Anne Johnson

GEORGE DZUNDZA: Hal Griffith

WADE DOMINGUEZ: Emilio

BRUKLIN HARRIS: Callie

COURTNEY B VANCE:

Mr. George Grandey

ROBIN BARLETT: Ms. Carla Nichols

BEATRICE WINDE: Mary Benton

JOHN NEVILLE: Waiter

LORRAINE TOUSSAINT: Irene Roberts

“Mentes Peligrosas” cuenta entre otras cosas, la historia de una ex-marine llamada Lou Anne Johnson (Michelle) quien después de nueve años de carrera militar decide abandonar este trabajo para dedicarse a dar clases de inglés, su más antiguo sueño. Pero el destino le tiene reservado una sorpresa cuando el trabajo que la ofrecen es el de dar clases a un grupo de jóvenes agitadores y gamberros que han sido ya expulsados de multitud de colegios. Según parece, la historia está “basada en un hecho real”, truco publicitario empleado con demasiada frecuencia para lograr que el espectador se tome en serio el argumento.

Michelle Pfeiffer, la ex-marine Lou Anne Johnson, trata de aplicar en su trabajo su propio concepto de la pedagogía y para ello emplea un método que describe como

“enseñar una escuela dentro de una escuela”, concepto que termina defendiendo con total pasión a quienes divulgan otros métodos más tradicionales. Uno de los profesores del instituto (George Dzundza) es más directo y la informa adecuadamente: “Estos son niños muy especiales, con pocas o ningunas habilidades educativas, y que nosotros gentilmente referimos como con problemas sociales”.

Lou Anne pronto aporta una nueva opinión: “Las rebeldías se generan en los infiernos”.

Pero esa buena intención suya puede venirse abajo inmediatamente el primer día de clase, cuando entra en su aula y es abucheada inmediatamente por una clase despreciativa de estudiantes negros e hispanos. Ellos la llaman “el pan blanco” y de esa manera tan sencilla la explican lo que es el racismo hacia los blancos.

Pero ella vuelve el próximo día con un enfoque más directo: “Yo soy un marine de los EE.UU.. ¿Alguien sabe algo de karate?”. Los chicos lo saben, pero principalmente basándose en las películas de Kung-Fú, por lo que en su primer enfrentamiento con ella acaban por los suelos. Desde ese momento ella consigue su respeto y atención, aunque nosotros, como espectadores empezamos a pensar que nos han engañado con aquello de

“basada en un hecho real”.

Sus métodos pedagógicos son igualmente diferentes, inventados sobre la marcha. Ella los soborna con barras de caramelo y viajes libres a los parques de atracciones, y los involucra en las palabras de un poeta cantante importante, como Bob Dylan, quien afirma en una de sus canciones que cualquier hombre importante puede ser un narcotraficante. Su éxito con los chicos es tal que hasta consigue que vayan a la biblioteca de la escuela para que consigan establecer una relación entre Bob Dylan y Dylan Thomas, algo que ninguno de nosotros lograría. Si lo consiguen, el premio será extraordinario: una cena con ella en el mejor restaurante de Palo Alto.

Nosotros hemos visto esta historia básica antes, en “Stand and Deliver” (1987), “Lean on Me” (1989), “Teachers” (1984), y “El club de los poetas muertos” (1989), pero esta versión está mucho menos lograda. Hay un chico llamado Emilio (Wade Domínguez), que ejerce obligatoriamente el papel de líder fascista, y Raúl (Renoly Santiago), obsesionado por el sexo; los demás también lo están pero no lo manifiestan tanto.

También está Callie (Bruklin Harris), la niña rebelde que está embarazada y que asiste a una clase para madres solteras y cuando Lou Anne lo sabe le dice que si quiere puede abandonar la escuela.

Pfeiffer, a quien consideramos una buena actriz, hace con este material lo que puede.

Existe una escena agradable cuando ella cuenta a los padres de Raúl que ellos pueden estar orgullosos de su hijo. Pero nosotros desde lejos no estamos muy seguros que los métodos que la profesora emplea con los chicos sean adecuados. ¿Es correcto sobornar la voluntad de chicos pobres mediante barras de caramelos?. ¿Bob Dylan verdaderamente debe ser un líder para ellos?. ¿Les está enseñando algo tan imprescindible como saber leer y escribir?. ¿Pueden con sus rudimentarios conocimientos competir en el mercado de trabajo?. Un sistema educativo que en los primeros minutos de clase les enseña las virtudes del karate y que pronto les premia con el parque de atracciones o la exquisita compañía de su profesora en una cena, no creemos que sea algo para aplaudir ni divulgar.

Preguntar sobre la conexión entre Dylan y Dylan nos parece un acertijo imposible para cualquiera. Para tratar de entender lo que el guionista quiso demostrar, mediante las páginas de Internet accedí al libro original titulado algo así como “Mi cuadrilla armada no hace su tarea escolar”, publicado en 1992 y que parece estar basado en las reales experiencias de Lou Anne Johnson. Pronto he averiguado lo que deseaba: en la verdadera historia de Lou Anne no se hablaba de ningún Dylan, y fue incluido como parte del guión de Ronald Bass porque querían promocionar una canción del cantante.

El guionista Ronald es bastante popular en Hollywood por sus obras que dieron lugar a películas como “El club de la buena estrella”, “Cuando un hombre ama a una mujer”,

“Durmiendo con su enemigo”, “El caso de la viuda negra” y “Esperando un respiro”, todos ellos con protagonistas femeninas al frente del reparto.

“Yo no estaba convencida – explicó la verdadera Lou Anne- que mi experiencia fuese lo suficientemente importante como para ser contada en un libro y luego al cine. Creí que era muy presuntuoso por mi parte afirmar que mi sistema era el mejor para educar y ayudar a chicos violentos. Posteriormente me di cuenta que en esta historia se podían ver reflejados otros jóvenes y que quizá podría ayudarles si tenían problemas parecidos. Cuando alguien a quien todos han dicho que es un inadaptado se ve reflejado en un personaje de novela, seguramente se sentirá aliviado al saber que no es el único, que hay muchos como él. Me gustaría que mi experiencia sirviera para aquellas personas que creen que el éxito en la vida les está vedado por no adaptarse a las normas establecidas y que sepan que podrán triunfar incluso siendo diferentes. Lo que si me gustaría que entendieran, especialmente, es que la violencia hay que canalizarla y no emplearla contra los demás”.

En el libro también se explica lo que ha sucedido en la vida de Lou Anne Johnson después de esta experiencia, significativamente alejada del final de la película.

“A mí me fascinó el personaje - dijo Pfeiffer – porque no solamente la historia era apasionante, sino porque también lo era la mujer protagonista. Sabía que estaba basada en un personaje real, aún vivo, y eso da mucha responsabilidad al actor, especialmente cuando sabías que el guión cinematográfico debería cambiar algunas partes no esenciales de la historia. Yo traté de no apartarme demasiado de la verdadera personalidad de Lou Anne, ni de la historia. Creo que esa mujer fue bastante objetiva con su trabajo y durante el rodaje mantuve muchas conversaciones telefónicas con ella para asegurarme que todo iba bien. Para ella la mayor prioridad siempre estuvo en sus alumnos, nunca en su ego personal”.

Claro que posteriormente en la película las cosas no son tan maravillosas, especialmente cuando quieren que los chicos negros se queden impresionados por la cultura de Dylan a base de barritas de caramelo, cuando sabemos que fue un cantante idealizado casi exclusivamente por las generaciones blancas de los años 60. Otros desatinos incomprensibles nos muestran a Michelle Pfeiffer hablando a los chicos de la lírica que poseen los cubitos de hielo y el perrito Snoopy. La presunción sobre la maravillosa filosofía de Bob Dylan llega a su cenit cuando el rebelde Emilio finalmente oye una canción de Dylan y le gusta, pidiendo que le dejen escucharla de nuevo.

“Los demás compañeros de reparto eran la mayoría jóvenes sin experiencia en el cine y fueron seleccionados durante un largo casting por todos los Estados Unidos. Los realizadores quisieron que su actuación fuese muy sencilla, espontánea, sin que ni ellos mismos supieran cómo lo estaban haciendo”

El rodaje se desarrolló en Los Angeles, mientras que la escuela elegida fue la Washington Middle School de Pasadena, con lo cual se consiguió una ambientación auténtica, bastante cercana a la realidad. Para lograr que tuviera un aspecto global de escuela no demasiado limpia y cuidada, se empleó un grano en la película que proporcionó una textura diferente a los vestidos de los chicos, además de aumentar el colorido.

“Lo que poca gente sabe es que en el filme yo tenía un novio, Andy García, pero después de unos pocos preestrenos los productores decidieron eliminar ese personaje porque afirmaron que no parecía existir entre nosotros dos la química necesaria”.

INTIMO Y PERSONAL

Up Close and Personal (1996)

US

124 minutos

Cinergi

Productor: Jordan Kerner, David Nicksay y Jon Avnet

Director: Jon Avnet

Guión: John Gregory Dunne y Joan Didion

Fotografía: Karl Walter Lindenlaud

Música: Thomas Newman

Intérpretes:

ROBERT REDFORD: Warren Justice

MICHELLE PFEIFFER: Tally Atwater

STOCKARD CHANNING: Marcia McGrath

JOE MANTEGNA: Bucky Terranova

KATE NELLIGAN: Joanna Kennelly

GLENN PLUMMER: Ned Jackson

“Intimo y Personal” me recuerda una de esas novelas para estudiantes adolescentes que buscan animarles en su búsqueda del primer empleo, mientras les advierten de lo difícil que es llegar a la cima sin una recomendación.

Cuenta la historia de una mujer joven pobre (Michelle Pfeiffer) procedente de Reno con unos antecedentes tristes, que tiene que falsificar su currículum para conseguir un trabajo en una emisora de televisión, luchando contra todos los obstáculos para conseguir un buen puesto. Durante sus años de trabajo, que a ella le parecen más como semanas o meses, es orientada por un guapo director de las noticias locales (Robert Redford), quien había sido una vez un corresponsal de la Casa Blanca antes que él cometiera la equivocación de confiar en la mujer que amaba.

Si esto suena a poco ingenioso es que lo es y nadie espere encontrar un romance distinto a otros, aunque ello no quiera decir que sea una mala película. Puede ocurrir que algunas personas al encontrarse con un guión tan manido den por hecho de que se trata de un mal filme, pero el director trabaja correctamente con las armas de que dispone, que no es otra cosa que una sencilla historia de amor.

La historia hay quien la relaciona con la vida real de la locutora de televisión Jessica Savitch, quien tuvo un ascenso meteórico, muy aplaudido, que trabajó muy duro y que murió cuando el automóvil en el que viajaba se cayó a un río. Los escritores Joan Didion y John Gregory Dunne, fueron acusados de utilizar su biografía para elaborar este guión, aunque posteriormente el director Jon Avnet se encargó de demostrar que no era cierto.

“Se trata solamente de una historia de nuestros días, centrada en el mundo de la televisión, y nunca he pretendido hacer la biografía de nadie”.

“El periodismo televisivo me ha fascinado desde siempre, por lo actual y personal que es. Después pensé que se podía buscar un romance dentro de ese mundo, aunque estaba seguro que se tendrían que dar enfrentamientos profesionales. Cuando la relación es de jefe-empleada, aparentemente siempre funciona, pero ahora hemos visto que no es tan fácil”.

“Intimo y Personal” es tan diferente de los

hechos de la vida de la locutora Savitch que si Didion y Dunne todavía son objeto de crítica, podrían vender probablemente esta película bajo un ángulo diferente.

La periodista Atwater, el personaje de Pfeiffer, no es muy alegre, no toma drogas, y no muere, por lo que cualquier parecido con Savitch forzosamente es pura coincidencia.

En los comienzos de la película, el personaje de Redford, sutilmente denominado Warren Justice (Justicia), es un director de noticias en una emisora de televisión en Miami. Observa una cinta demostrativa enviada por Atwater, y aunque presiente que está falsificada decide darla una oportunidad porque quizá ella valga más de lo que aparenta.

Atwater llega a Miami vistiendo el vestido y pelo equivocado, como una provinciana inexperta. En su primera entrevista con Justice se le abre el bolso con las compresas incluidas, lo que para los demás resulta gracioso y para ella es un horror. Pero ella decide seguir adelante y trabajar duro, sin importarle hacer recados como traer un café o ir a la lavandería. Él también es muy ambicioso y no está seguro ahora de las cualidades de Atwater, especialmente en lo mal que se comporta delante de las cámaras.

Poco a poco la relación entre ambos se va dulcificando, mediante piropos cortos y una gran cantidad de consejos sobre cómo dar las noticias. Y sucede lo que todos estábamos esperando: que ellos se enamoran, aunque no quiere decir que todo comience a funcionar mejor. Este es el momento en el cual la película se desmarca de otras similares, puesto que la relación amorosa no va por buen camino, especialmente cuando a él empieza a marcharle mal su trabajo. Ellos son buenos y atractivos, a los espectadores nos gustan y desearíamos que se den un fuerte abrazo en la cama, pero el director ha pensado las cosas de otro modo.

Cuando habla de los problemas de las emisoras de televisión y de cómo manejan las noticias, la película es muy superficial, quizá porque el director no quería buscarse enemigos. Todo el mundo sabemos sobre el comportamiento de ciertas cadenas de televisión y de su interés en dar noticias falseadas, si con ello logran audiencia. Lo importante no es la verdad, sino la noticia en sí y cuanta más sangre exista, mejor para el noticiario. Deberían tomar ejemplo de “Euronews” o “Network”.

Pero esta no es realmente una película sobre la televisión, es una película sobre el amor.

Podríamos cambiar a Pfeiffer y Redford por otros actores y la película sería esencialmente la misma. El director, Jon Avnet, quien había hecho “Tomates Verdes Fritos”, no ha querido disimular que su única intención era hacer un romance.

Redford está correcto en su papel, brusco al principio y amable después, para mostrar su sinceridad hacia Pfeiffer, no dándola más esperanzas que las justas para que no abandone. Ella es una guapa rubia, tiene algo de experiencia, pero esto ya no basta para ser una profesional en la televisión.

Con el fin de hacerlo todo un poco más romántico se incluyen decorados frondosos en sus conversaciones, olas del mar, puestas de sol y líneas del horizonte de varios colores.

Hay suficientes detalles suplementarios para que el romance sea agradable, aunque también se incluye algo de tristeza. Los realizadores son conscientes que hay público que saldrá más satisfecho si ha derramado lágrimas viendo la película que si ha reído.

Kate Nelligan (quien puede haber sido la mejor elección para una película sobre la verdadera Jessica Savitch), hace el papel de una de las esposas anteriores de Redford, lo mismo que Bárbara Walters. Joe Mantegna es el malvado productor que usa su influencia y conexiones para ganar negocios mejores por su "talento", y Glenn Plummer hace el papel obligado del amigo que admira a la chica y que es su amigo leal. Él es el cámara que permanece encerrado en la prisión con la chica cuando estalla el motín, aunque ella no logra proporcionar una buena noticia a pesar de estar en el centro del volcán. Estas escenas fueron rodadas en la auténtica cárcel de Philadelphia, y los presos son auténticos, no eran extras, aunque colaboraron extraordinariamente.

Los distribuidores de “Intimo y Personal” son sabios. En sus anuncios para la película, ellos han mantenido al margen la vida de la televisión y han subrayando el romance.

Cuando rodaron el filme, Redford ya era una gran estrella que había triunfado como galán en “Una proposición indecente”, por lo que a nadie le extrañó que le emparejaran con una actriz mucho más joven que él. Pfeiffer, por su parte, acababa de estrenar

“Mentes peligrosas” con un éxito mediocre, quizás por ser la única estrella importante en el filme, por lo que trabajar al lado de Redford era casi un éxito asegurado. Durante el rodaje, estuvo siempre acompañada por sus dos hijos y su hermana, quien también sale en la película interpretándose así misma.

El rodaje se hizo en Los Angeles, Philadelphia y Florida y en los primeros días hubo una conmoción entre todos al saber que uno de los hijos de Robert Redford estaba gravemente enfermo.

“En la película hago el papel de un hombre rudo, intransigente y que está harto de dar oportunidades a gente nueva. Mi personaje es un ejecutivo bastante crudo pero muy noble en su trabajo”.

“Yo creo que ella – dice Pfeiffer – es muy ambiciosa pero bastante honesta. No cree que para llegar al éxito haya que ser agresiva o pisar el trabajo de nadie. Procede de los barrios bajos, pero es muy íntegra”.

Su compañero de reparto:

Robert Redford

(1937 -)

Ocupación: Actor, director,

También: Productor

Nombre: Charles Robert Redford, Hijo,

Nacido: el 18 de agosto de 1937 en Santa Monica, California Educación: Universidad de Colorado; Pratt Institute, Brooklyn, Nueva York; Academia americana de Artes Dramáticas

Una vez, según el escritor William Goldman,

Robert Redford fue llamado como "uno de los seis hombres rubios más importantes en California". Es improbable, sin embargo, que cualquiera de los otros cinco lograse combinar el encanto de Redford, su inteligencia, talento y forma de mirar.

Él asistió a la Universidad de Colorado con una beca para jugar al béisbol, pero lo abandonó en 1957 para pasarse un año viajando y pintando en Europa. Anteriormente había estudiado teatro y actuado en los teatros de Nueva York.

En los últimos años de los 50 y los primeros de los 60, Redford aparecía en cientos de programas de televisión, incluido un concurso cómico denominado algo así como

"Toque Su Joroba". Entre sus primeras apariciones están "La Zona del Crepúsculo,"

"Alfred Hitchcock Presenta" (en tres episodios diferentes), "Maverick," "La Ciudad Desnuda," "Ruta 66" y "Dr. Kildare".

Ganó bastante prestigio de la crítica con "En presencia de mis enemigos" un episodio de la serie "Teatro 90" (CBS, 1960) y consiguió una nominación al Emmy como el Mejor Actor secundario por su actuación en “La voz de Charlie Pont” (ABC, 1962).

Redford había hecho su debut en la escena de Broadway con un papel pequeño en

“Historia Alta” (1959), siguiendo con “El Árbol más Alto” (1959) y “Domingo en Nueva York” (1961). Consiguió su mayor éxito en Broadway como el marido con problemas al lado de Elizabeth Ashley en la popular obra de Neil Simon “Descalzos por el Parque” (1963).

Redford hizo su presentación en la pantalla grande en “El que mató por placer” (1962), co-protagonizada por Tom Skerritt y Sydney Pollack en una película anti-belicista sobre el conflicto coreano. Después de sus éxitos en Broadway, él empezó a ser llamado para papeles más importantes.

Le pudimos ver como una estrella del cine bisexual que se casa con una actriz principiante, Natalie Wood, en “La rebelde” (1965) y en el remake de Pollack

“Propiedad condenada” (1966), de nuevo como su amante. El mismo año llegó su primer triunfo con Jane Fonda y Artur Penn como director en “La jauría humana” en la que él era un fugitivo que se refugia en un pequeño pueblo. Después Fonda y Redford se volvieron a juntar en una estupenda versión para el cine de la obra teatral “Descalzos por el parque” (1967) y de nuevo volvieron a ser co-estrellas en la cinta de Pollack “El jinete eléctrico” (1979).

No sabemos los motivos por los cuales Redford rechazó ser el principal personaje masculino en papeles tan importantes como “¿Quién teme a Virginia Woolf”? y “El graduado”, ofreciendo a cambio el enorme éxito “Dos hombres y un destino” de George Roy Hill (1969), con Paul Newman. Esta película le convirtió ya sin lugar a dudas en una estrella muy rentable y consolidó su imagen en la pantalla como un inteligente, fiable, y a veces buena persona.

Como suele suceder, sus próximos filmes le apartaron de su escala de éxitos y metido a productor de películas no consiguió los mismos reconocimientos que como actor. “El descenso de la muerte” (1969) en que trabajó como productor ejecutivo, era una mirada interesante al mundo del esquí competitivo, pero “El valle del fugitivo” (1969), ”El precio del fracaso” (1970), “Un diamante al rojo vivo” y el drama rural “Las aventuras de Jeremias Johnson” (ambos 1972), hicieron poco para afianzar la fama de Redford. Su próximo éxito real vino con la sátira política “El candidato” (1972), que comerció con escándalos políticos en Washington.

El año 1973 fue muy importante en la carrera de Redford cuando alcanzó un gran éxito con “Tal como éramos” y “El golpe”. En la primera unido a una resplandeciente Barbra Streisand en una comedia socio-política con un exquisito romance de fondo, mientras que en la segunda película se une a Paul Newman para dar un espectacular robo en las apuestas de caballos. Sobre la primera película, Redford dijo en broma que, "la muchacha judía buena consigue un rubio bueno" y sobre la segunda afirmó que, "el muchacho judío bueno consigue una rubia buena".

Desde entonces, Redford es conocido por sacar lo mejor de sus compañeros de reparto y gracias a él Paul Newman, y Jane Fonda trabajaron extraordinariamente; y actrices como Streisand, Faye Dunaway, Meryl Streep y Michelle Pfeiffer, consiguieron también buenas interpretaciones a su lado.

Durante los años 1974-76, los distribuidores de películas votaron a Redford como el actor más popular de Hollywood, y sus éxitos incluyeron el impresionante “El Gran Gatsby” (1974), “El carnaval de las águilas” y “Los tres días del Cóndor” (ambas de 1975). Otra popular y aclamada película, de Alan J. Pakula, fue “Todos los hombres del presidente” (1976), una película que consolidó su gran prestigio.

No sólo era el productor ejecutivo y la estrella, sino que permitió definir un poco más sus implicaciones políticas.

En 1980, la primera excursión de Redford como director fue en “Gente corriente”, un drama sobre la desintegración lenta de una familia de clase media, que le hizo ganar un Oscar. En ella Redford manejó hábilmente la interpretación dramática de la Novia de América, Mary Tyler Moore, así como el trabajo extraordinario de Donald Sutherland y Timothy Hutton.

Su segunda intervención detrás de la cámara no sería hasta ocho años después en 1988, reincidiendo en 1992 y 1994.

Además de su labor como director y productor, Redford no dejó de actuar cuando él entró en la madurez. Él hizo de oponente a Meryl Streep en una historia romántica de Sydney Pollack titulada “Memorias de Africa” que ganó un Oscar a la mejor película (1985). Aunque muchos críticos se quejaron que su retrato del amante de Isak Dinesen no era particularmente realista, la caracterización de Redford era más sustancial que la figura fantasmal del libro de Dinesen.

Después del desastre de “Habana” (1990), Redford volvió a actuaciones sencillas como el mundo de las escuchas por computadora en “Los fisgones” (1992), el drama del sexo polémico en “Una proposición indecente” (1993), con Demi Moore, y con Michelle Pfeiffer en el romance del mundo de las noticias “Intimo y personal” (1996).

Sus ojos tiernos y dulces habían cambiado considerablemente después de pasar muchos años tomando el sol en Utah, pero con lentes adecuadas él pudo lograr un bonito romance con Moore y Pfeiffer.

Desde fundar el Sundance Institute, una sociedad no lucrativa en Ciudad del Parque, Utah, en 1981, Redford ha estado activamente envuelto en cada aspecto de esa sociedad.

A través de sus varios programas y la Fiesta Popular del Cine, Sundance Institute ha proporcionado mucho apoyo para la producción de películas independientes. En 1995, Redford firmó un trato con Showtime para poner en marcha un canal 24 horas de televisión por cable, dedicado exclusivamente a las películas independientes. El Sundance Channel comenzó a emitirse el 29 de febrero de 1996.

TO GILLIAN ON HER 37TH BIRTHDAY

Director: Michael Pressman

Guión: Michael Brady, David E. Kelley

Fotografía: Tim Suhrstedt

Música: James Horner

Intérpretes:

MICHELLE PFEIFFER: Gilliam

PETER GALLAGHER: David

CLAIRE DANES

LAURIE FORTIER

WENDY CREWSON

BRUCE ALTMAN

KATHY BAKER: hermana de Gilliam

FREDDIE PRINCE JR.

¿Qué hace usted con películas

donde la esposa llama a su esposo Sr. Drive? Con este ingrediente ya tenemos motivos para sospechar del resto de la película. El director Michael Pressman se inspiró en una historia que hablaba del 37th cumpleaños de A. Gillian, la esposa en cuestión ya muerta, aunque no en la mente de su profesor y esposo.

Gillian (Pfeiffer) malgasta su gran talento como actriz en esta empalagosa historia, haciendo de un fantasma que incluso habla sin problemas y es capaz de decir cosas como, "Usted no es la primera persona que pierde a alguien que ama”. El resto de los personajes son igualmente irritantes, lo mismo que la dirección.

Dos años han pasado desde que Gillian (Michelle Pfeiffer) murió mientras alardeaba de sus habilidades manejando un buque de vela, aunque se asegura que su esposo David (Peter Gallagher), todavía puede encontrarse con ella durante la medianoche en la playa de la Isla de Nantucket, junto al rompeolas. Por lo que sabemos, Gillian tiene una gran memoria, y aunque su marido la puede ver nadie más lo consigue.

Ahora es un fin de semana veraniego, y por eso Gillian puede hacer cosas extrañas para un espíritu, como castillos en la arena y cantar karaoke.

El personaje de Gillian ha sido adaptado por David E. Kelley, basándose en una historia de Michael Brady, y los otros actores del reparto incluyen a Kathy Baker y Bruce Altman como la hermana de Gillian y su cuñado. También están Claire Danes como una Gillian 16 años más vieja, y Wendy Crewson como una reciente mujer divorciada que quiere (literalmente) "tirar a David fuera de su cáscara."

Entre quitar la cáscara y el karaoke, nuestra fantasma Gillian retoza por las noches sin problemas. Por supuesto hay otros ingredientes argumentales, como la hija que se encuentra así misma y los enfrentamientos melancólicos interminables.

UN DIA INOLVIDABLE

One fine day (1996)

20th Century Fox

Productora: Linda Obst y Michelle Pfeiffer

Director: Michael Hoffman

Fotografía: Oliver Stapleton

Guión: Terrel Seltzer y Ellen Simon

Música: James Newton Howard

Intérpretes:

MICHELLE PFEIFFER: Melanie Parker

GEORGE CLOONEY: Jack Taylor

MAE WHITMAN: Maggie

ALEX D. LINZ: Sammy

CHARLES DURNING

JON ROBIN BAITZ

ELLEN GREENE

JOE GRIFASI

PETE HAMILL

ANNA MARIA HORSFORD

En medio de esta temporada de alta tecnología

cinematográfica, es raro encontrar un gran proyecto de prestigio en una simple comedia romántica y encantadora que nos recuerdan aquellas protagonizadas por Rock Hudson y Doris Day hace ya tres décadas. Lo que no sabemos es cómo encaja en la cultura de los 90, aunque tanto George Clooney como Michelle Pfeiffer, son elecciones razonables para tal ambición y “Un Día Inolvidable”, es una amena y desenfadada película.

Pfeiffer representa a la madre Melanie Parker, una arquitecto que escamotea su trabajo de alta categoría por cuidar de su hijo Sammy (Alex D. Linz). Clooney es Jack Taylor, un columnista político de las noticias de un diario de Nueva York, quien repentinamente tiene que cuidar de su hija Maggie (Mae Whitman), cuando su ex-esposa se vuelve a casar y se va fuera en luna de miel.

Maggie y Sammy necesitan que alguien les cuide, pero ambos padres tienen dos problemas laborales que se lo impiden. Melanie, preocupada por un trabajo que tiene que hacer esa tarde, trata de conseguir que Jack se ocupe de ambos niños, pero Jack tiene que hacer un trabajo urgente para confirmar un escándalo. Él ha expuesto ya el escándalo en su columna, pero su única fuente de información le falla y si no consigue respaldar su información perderá el trabajo.

Ambos padres tienen un plan para cuidar de los niños a lo largo del día y también analizan la posibilidad de tener siempre disponibles los teléfonos móviles.

Al igual que en muchas películas clásicas de los años 50 y 60, “Un día inolvidable” establece las diferencias entre las pretensiones profesionales de la pareja, aunque todo el público ya sabe que finalmente acabarán enamorados el uno del otro. La película es tan previsible que no hay manera de mantener cierta intriga o interés y llega un momento en el cual lo único importante es disfrutar de las situaciones de enredo.

La compañía productora de Pfeiffer desarrolló el proyecto, simplemente como una historia romántica sin pretensiones y nosotros esperábamos de ella que tratara de aportar nuevas ideas al mundo del cine. No basta con que nos gusten ambos protagonistas, Michelle y George, para que el filme nos agrade. Hemos visto demasiadas buenas películas de este tipo en el cine del pasado y cualquier comparación con ellas la destrozará. Howard Hawks ya hizo películas similares en los años 30 y tanto Katharine Hepburn como Cary Grant nos entusiasmaron, lo mismo que Doris Day y Rock Hudson.

Además, la idea central de que al final siempre gana la sensatez de la mujer, nos parece ya demasiado cargante y destinada exclusivamente a agradar al público femenino.

El director Michael Hoffman, quien anteriormente había estado involucrado en proyectos más ambiciosos, se mueve ahora en un terreno más seguro y más fácil. Narra la historia muy velozmente, agregando elementos y personajes poco a poco para que no decaiga el interés, aunque el empeño en demostrarnos las complicaciones como algo insoportable es cuando menos una torpeza. El pequeño Sammy es un portentoso cargante y desearíamos que lo ataran durante unos minutos. Pfeiffer da vida al personaje de Melanie exactamente en la medida deseada, no demasiado filosófico, mientras que Clooney aporta un encanto inédito hasta ahora.

El romance entre ambos es tan casto que nos sorprende, quizás con la pretensión de alcanzar la clasificación moral de “apto para todos los públicos”.

Si las pretensiones del espectador no son muchas, encontrará a “Un día inolvidable” como una película divertida.

Sus compañeros de reparto:

George Clooney

(1961 -)

Ocupación: Actor

Nacido: el 6 de mayo de 1961 en Lexington, Kentuky

Educación: Escuela secundaria Independiente Augusta; Universidad norteña de Kentucky

Clooney comenzó su carrera de actor en algunas series de televisión, generalmente en papeles mediocres, hasta que finalmente logró un buen reconocimiento como un médico con problemas en la serie médica “Urgencias” (NBC, 1994), dando vida al Dr. Doug Ross y por la cual fue considerado “hombre del año”.

Su tía es la veterana cantante Rosemary Clooney (a quien vimos en “Navidades Blancas”) y su primo es el actor Miguel Ferrer. Por tanto, Clooney creció dentro del mundo del cine y la canción desde muy pequeño.

Cuando se hizo adulto Clooney hizo pequeños papeles como extra y como suplente de otros actores en el teatro hasta que llegó esa serie de televisión que le daría el respaldo necesario, junto al actor Elliot Gould. Otros papeles que realizó también para la televisión incluyen “Saturday night life” (NBC, 1985-86) como un carpintero; como gerente de una fábrica en "Roseanne" (ABC, 1988-89); como un obrero de la construcción en la efímera "Mira quien habla" (ABC, 1991); y como detective en

"Cuerpos evidentes" (CBS, 1992-93). También trabajó en "Hermanas" (NBC, 1993-94), en la serie "Muchachas Doradas" "El cazador" y algunas otras películas para la televisión.

También consiguió buenas críticas por su actuación en el teatro Steppenwolf con la obra “Vicious” (1987). Ha trabajado con su primo Miguel Ferrer en 1982, en la fracasada “El regreso de los tomates asesinos” (1988), y en una película de Robert Rodríguez, “Abierto hasta el amanecer” compartiendo cartel con Quentin Tarantino.

También ha interpretado “Grizzly II: the predator” (1982), “Return to the horror high” (1987), “Abierto hasta el amanecer” (1995) y “Peacemaker” (1996) de Steven Spielberg.

Su triunfo definitivo le llegó sustituyendo a Val Kilmer en la cuarta entrega de

“Batman” para la Warner Bros.

HEREDARÁS LA TIERRA

A Thousand acress

104 minutos

Director: Jocelyn Moorhouse

Guión: Laura Jones, Jane Smith

Fotografía: Tak Fujimoto

Música: Richard Hartley

Productores: Jessica Lange y Michelle Pfeiffer

Intérpretes:

MICHELLE PFEIFFER Rose

JESSICA LANGE: Ginny

JASON ROBARDS: Larry

JENNIFER JASON LEIGH: Caroline

COLIN FIRTH: Jess

KEITH CARRADINE: Ty

KEVIN ANDERSON: Peter

Para una película con alta categoría estelar y

con un pedigrí literario prestigioso, “Mil Acres” se nos muestra más como una de esas películas destinadas a ser pasadas un domingo de noche por televisión. Adaptada desde la aclamada novela de Jane Smiley, quien ganó un premio Pulitzer, la película tiene una calidad peculiarmente diluida, como si el guión no hubiera estado inspirado en la novela. Se trata de una película con matices íntimos, con algunos detalles ásperos suavizados para adaptarla a los requerimientos de un melodrama agradable.

Con una duración de 104 minutos es el tiempo apenas suficiente para establecer la profundidad necesaria de la dinámica familiar, imprescindible para conseguir que la novela de Smiley pueda ser traspasada a la pantalla. Describiendo lentamente las rivalidades, los resentimientos maritales, y reprimiendo la memoria de actos indecibles, todas estas sutilezas que demandan un diálogo y que forman parte de la riqueza del argumento original, son reemplazadas por la dirección y la interpretación. Con un gran interés por mostrarnos los problemas del corazón, “Mil acres” logra esta sutileza en sus momentos más interesantes, pero no tienen un gran impacto para el espectador.

El modelo narrativo de Smiley está basado en “El Rey Lear” de Shakespeare, con un irascible pero bien respetado patriarca llamado Larry (Jason Robards), un viudo quien posee unos 1.000 acres de terreno en Iowa y que tiene que convivir con sus hijas adultas: Ginny (Jessica Lange); Michelle Pfeiffer; y la más joven, Caroline (Jennifer Jason Leigh). Las hijas mayores y Larry viven en un pequeño grupo de ajustados cortijos de su propiedad, junto con el esposo de Ginny, Ty (Keith Carradine), y con Peter (Kevin Anderson). Caroline, que vive y practica la ley de Moisés, no ha conseguido independizarse ni siquiera afectivamente de su padre.

Cuando Larry impulsivamente anuncia que su tierra se dividirá igualmente entre sus hijas, él abre una caja de Pandora de rivalidades y lealtades entre sus hijas, sacando viejos fantasmas a relucir. Cada hermana ha adoptado una defensa diferente contra las memorias del pasado y muestran un enfado muy arraigado sobre su vida pasada. Ginny sobrevive tratando de reprimirse el secreto más oscuro de la familia. Rose habla del cáncer de mama que tuvo su madre, mientras Caroline, quien ha preferido mantener ciertas cosas en secreto, soporta con su padre el enfrentamiento entre Ginny y Rose por el control legal de la granja familiar.

Esto sería una gran cosecha para una película dramática, pero “Mil acres” debe tratar también de mostrar la rivalidad sentimental entre las hermanas y la tensión que surge cuando Ginny y Rose están interesadas por Jess (Colin Firth), un chico guapo que ha regresado a la localidad. Su larga ausencia y sus revelaciones posteriores, han provocado importantes choques emocionales.

La granja tiene serios problemas financieros, y la tensión monetaria agrega aun más leña a unas relaciones ya infernales y disgregadas.

Dado el ritmo apresurado con el cual se nos muestran las escenas más importantes, es destacable señalar que los personajes de “Mil acres” consiguen, aún así, establecer sus personalidades y gradualmente dar a conocer sus demonios interiores. Conjuntamente producida por Lange y Pfeiffer, las dos actrices principales del filme, era lógico que ellas comenzaran y sellaran la historia de esta familia.

Carradine también brilla como un hombre bueno con unos límites de tolerancia considerables, aprovechado algunas pausas preciosas que aportan suficientes detalles sin necesidad de palabras. Estos momentos son vitales pero lamentablemente raros, y el director Jocelyn Moorhouse repite experiencias suyas anteriores frustradas, utilizando el sermón como medio para criticar el drama.

Destinada a agradar a un público femenino y tratando de provocar la lágrima fácil, “Mil acres” seguramente tendrá una buena audiencia, aunque con el tiempo no dejará ninguna huella en nuestros recuerdos.

EN LO PROFUNDO DEL OCÉANO

The deep end of the ocean

Director: Ulu Grosbard

Guión: Jacquelyn Mitchard

Intérpretes:

MICHELLE PFEIFFER

WHOOPI GOLDERG

TREAT WILLIAMS

Otros filmes:

HISTORIA DE LO NUESTRO

SUEÑO DE UNA NOCHE DE VERANO

LO QUE LA VERDAD ESCONDE

Gat lies beneath 2000

Director: Robert Zemeckis

Guión: Clark Gregg

Fotografía: Don Burgess

Música: Alan Silvestri

Intérpretes:

MICHAELLE PFEIFFER

HARRISON FORD

DIANA SCARWID

Con los maravillosos exteriores del lago de Vermont, idóneos para esta historia de misterio, nos hablan de un profesor de genética y su esposa, ella clarividente y capaz de ver fantasmas bien ocultos. Curiosamente, uno de ellos es el de una antigua amante de su marido, y cuando la desconcertada esposa se quiere dar cuenta es poseída por ese espíritu con ganas de complicarla la vida. Pronto su apacible y amante marido cambia su aspecto y un nuevo y tenebroso misterio queda al descubierto.

La historia es de Steven Spielberg, aunque le podemos considerar inspirado en

“Vértigo”, aunque con más sexo, tensión y carga psicológica oculta. Indudablemente, los efectos especiales tienen aquí un papel importante, pero la tecnología digital ha conseguido mostrarnos las apariciones fantasmales más creíbles que nunca.

ACTUACIONES EN TELEVISION

THE SOLITARY MAN (CBS, 1979)

THE B.A.D. CATS (ABC, 1980)

CALLIE AND SON (CBS, 1981)

SPLENDOR IN THE GRASS (NBC,1981)

THE CHILDREN NOBODY WANTED (WARNER TV, 1981)

ONE TOO MANY (ABC, 1985)

NATICA JACKSON (PBS, 1987)

MUPPETS TONIGHT!

THE SIMPSONS

PICKET FENCES

Curiosidades

 Michelle fue la ganadora en el concurso de belleza del Condado Orange en 1978.

 Michelle Pfeiffer actuó en 1989 en la producción "Duodécima Noche" durante el festival Anual Shakesperae de la Ciudad de Nueva York, junto a Jeff Goldblum.

 Michelle Pfeiffer puso la voz de Mindy Simmons en la temporada 5 en el episodio de Los Simpsons, "La Ultima Tentación Doméstica".

 En la escuela superior, Michelle fue más conocida por su apodo que podría traducirse como “la surfista”, por su afición para hacer novillos e irse a la playa.

 Michelle recibió su diploma de la escuela superior un año después por dedicarse a trabajar más intensamente en sus estudios de teatro que en los académicos.

 Cuando Jonathan Demme asumió la dirección como director en "El Silencio de los Corderos", le ofreció primeramente el papel de Clarice a Michelle Pfeiffer.

 Michelle Pfeiffer fue nombrada “La hembra más deseable” y “La mejor actriz” en 1996 por la MTV.

 Michelle Pfeiffer es mencionada en una canción de los “Brandon Walsh”, un grupo local de Ottawa, como la “Chica de los pezones ardientes”.

 Michelle Pfeiffer tuvo que llevar sesenta prótesis de látex durante su rodaje de

“Batman”. Una persona tuvo que permanecer continuamente a su lado para reparar todas las fisuras que se producían en su delicado traje de Catwoman.

 Michelle Pfeiffer fue considerada en primer lugar como la mejor opción para el musical “Evita”, pero los exteriores del rodaje la impedirían tener a sus hijos con ella, rechazando el proyecto.

 La mujer acróbata que dobla a Michelle Pfeiffer en las escenas más complicadas como Catwoman en “Batman” era Kathy Eager, una cinco veces campeona de boxeo thailandés.

ENTREVISTA PARA LA NBC

Realizada en Los Angeles cuando Michelle atravesaba una época emocional muy peligrosa.

- En su película "Mil Acres" usted trabaja al lado de Jessica Lange en una ambiciosa adaptación de la obra del premio Pulitzer Jane Smiley, un prestigioso best-seller. En ella hace de la esposa de un granjero que padece cáncer y tiene detrás de sí una vida de desilusiones amargas. Esta película parece ser que la supuso un gran esfuerzo al tener que despojarse de su tradicional fascinación y belleza, dos cualidades que son normalmente muy apreciadas por las actrices.

- Yo no había hecho nada que realmente me asustase tanto, pero lo tenía que hacer ahora. La película entera me asustaba y ese miedo permaneció durante todo el rodaje e incluso ahora que se estrena.

- La historia es una moderna versión de “El Rey Lear”, una historia épica sobre un patriarca poderoso cuyo regalo de su reino, en este caso una granja, es legado a sus tres hijas que terminan separándose y finalmente destruye a la familia. Usted hace el papel de la hija mayor, cuyo enfado permanece en cada escena, y cuyo consentimiento para sacar a la luz los malos secretos de la familia, son el catalizador para las líneas maestras de la película.

- Creo que nunca tuve antes otra oportunidad para conseguir un personaje que pudiera mantener la atención del espectador tan intensamente sobre mí, especialmente ahora que hacía de perversa. Lo considero como un gran desafío para mi carrera y rompe con todos los esquemas anteriores que el público pudiera tener sobre mi persona.

- Habiendo completado esta película a los 39 años de edad, ha vuelto rápidamente a su acostumbrado papel de estrella, dejando ya de un lado la ropa sencilla que llevaba en este filme, con faldas y suéter. Desearíamos saber qué es aquello que le atrajo tanto del argumento como para embarcarse como productora.

- Yo me enamoré de esa novela, y me enamoré del personaje de Rose. Fue completamente una reacción visceral. Sabía que era un personaje incómodo para ser interpretado y debo asegurar que precisamente por eso deseaba hacerlo. Yo tengo este abatimiento por las mujeres como Rose, quienes pugnan por superar todas las dificultades y tratan de empujar a los demás para que las superen sin convertirse en héroes. Lo importante es pelear y perseverar.

- Usted tiene una serie de papeles muy diferentes en su curriculum, como en

“Intimo y Personal” con un personaje del mundo de las noticias que trata de triunfar. También la vimos como una profesora de una escuela marginal que debe demostrar que tiene valor y fuerza para que sus alumnos la respeten en

"Mentes Peligrosas". Y en un papel más equilibrado, más sencillo, en la comedia romántica "Un Día inolvidable", sin olvidar su memorable trabajo como Catwoman en "Batman Vuelve”. Creemos que tanta diversidad no tiene nada que ver con su vida personal y quisiéramos saber si alguno tiene alguna conexión con su verdadero carácter. También quisiéramos saber si existe alguna coincidencia entre usted y el personaje que encarna Jessica Lange en

“Mil acres”.

- Hay una parte de mí (en este personaje). Yo sé que a veces soy demasiado sincera y en la película Rose habla antes de pensar. Probablemente yo fui así cuando era más joven, aunque ahora creo que me acerco más a una combinación de las tres hermanas.

- Como es frecuente, la versión de la película "Mil acres" se ha cambiado considerablemente desde la novela de Smiley, y no siempre para mejor. Por su parte, sabemos que usted había sido considerada en un principio solamente como una actriz y que en el momento del rodaje no existía un productor que quisiera hacerse cargo del proyecto. Pero mientras consideraba su decisión de ser una productora comenzó a trabajar ya con el director Jocelyn Moorhouse para asegurarse un buen resultado.

- En realidad, yo no aporté demasiado como productora. Elaboré algunas notas, unas indicaciones, pero muy pequeñas, ya que ellos estaban solamente interesados en mi trabajo como actriz. Les indiqué algunas cosas sobre la fotografía y sobre mi propio trabajo como actriz. Soy muy consciente de lo mal que sienta a los directores que alguien les diga: “Yo sé, yo pienso, yo quiero” o “En mi otra película hice esto, aquello y de esta manera”. Creo que por no caer en esos errores es por lo que simpaticé desde el primer día con Moorhouse.

- Mucho se ha dicho ahora sobre el trabajo de usted como cabeza de una compañía propia de producción. Pero usted afirma que la tarea de producir no ha sido una transición dramática y ha predominado su sentido de la responsabilidad sobre cualquier otra consideración más personal o de prestigio.

- Es que mi trabajo de producción es muy sencillo. La gente llega a mí y me dicen:

“¿Qué piensa usted de esto? Si le gusta esta idea, quisiéramos hacer una película”.

Y entonces ellos consiguen una financiación para su idea, antes incluso que sepan cómo soy como productora. Pero si yo no tuviera una estructura bien formada para apoyarles, esto no podría llevarse a cabo o sería muy difícil. Mi compañía es la que apoya los proyectos y el proceso para llevarlos a cabo.

-

- También forma parte de su compañía de producción su próximo proyecto, adaptado de una novela, el filme “The deep end of the ocean”. La historia central gira entorno a los sucesos que involucran un secuestro, y según parece a usted, madre de dos hijos, la novela le produjo un impacto emocional profundo.

- Cuando yo leí “The deep end of the ocean” era consciente de la época que nos ha tocado vivir, en la cual las madres nunca podemos perder de vista a nuestros hijos pequeños. Eso por supuesto afecta mucho y en muchas ocasiones he sentido deseos de abandonar el rodaje e irme a mi casa para ver a mis niños durmiendo en su cama.

- Usted está casada con el productor de televisión David Kelley ("La Esperanza de Chicago"), y ha hecho de su familia la prioridad en su vida. Parece ser que ha conseguido tener una carrera que la apasiona, al mismo tiempo que una vida familiar bastante tradicional. Ahora sabemos que planea su futuro profesional unido al de su familia y que cuando le han pedido que haga obras teatrales ha respondido que no está dispuesta a sacrificar las tardes en su casa con su familia. ¿Estas prioridades se extienden también a las películas?.

- Espero que sí. En un futuro quisiera dar un nuevo rumbo a mi vida y en este sentido mi esposo me preguntó por qué no hago simplemente películas de acción y aventura. Él piensa que este tipo de películas consigue mucho más éxito que las comedias de amor, quizá porque proporcionan mucha más diversión al público. Yo estoy dispuesta a realizar películas de acción cuando la protagonista sea una mujer.