© Adolfo Pérez Agustí

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Durante sus primeros nueve años en el cine, la figura de Michael Douglas no llamaba la atención de nadie y ni siquiera su padre era capaz de presagiar el posterior triunfo de su hijo. Sus comienzos en el cine datan del año 60, cuando ayudaba en la realización de algunas de las películas en las que intervenía papá Kirk Douglas. Posteriormente le veríamos como un guapo actor en algunas películas sobre jóvenes idealistas que tratan de afrontar los problemas cotidianos. Pero no sería hasta el año 1972, con su papel como coprotagonista junto a Karl Malden en el thriller para la televisión "Las Calles de San Francisco" (ABC, 1972-77), cuando comenzó a brillar con luz propia.
Junto a su trabajo para la televisión, consiguió destacar como productor ejecutivo en la obra de Milos Forman “Alguien voló sobre el nido del cuco” (1975), película de gran impacto que consiguió cinco Oscar, incluso una estatuilla a la Mejor Película compartida entre Douglas y Saul Zaentz. Después se introdujo con fuerza en una película junto a Jane Fonda y Jack Lemmon al co-producir “El síndrome de China” (1979), en la cual denunciaba un escape en una central nuclear, por la cual consiguieron una nominación Jean Fonda y Jack Lemmon.
Con “Tras el corazón verde” (1984), Douglas empezó a ser considerado como un buen productor de películas, lo mismo que como buen actor. Su trabajo como Jack Colton, el simpático aventurero, trataba de emular al popular Indiana Jones, aunque era algo más torpe.
Después se unió de nuevo a Kathleen Turner y Danny De Vito en una película de gran éxito,“La guerra de los Roses” (1989), en la cual dejaba bien claro la maldad de algunas mujeres en caso de divorcio, sin olvidarse de esa secuela titulada “La joya del Nilo” (1985) que le proporcionó mayor popularidad, en la cual trabajó igualmente junto a Turner y De Vito.

Douglas consigue simultáneamente entusiasmar a las mujeres tanto como indignarlas, especialmente por su interés cinematográfico en demostrar que la maldad y la mezquindad no son exclusivas de los varones. Acusado de machista por grupos de feministas radicales, él se defiende alegando que solamente muestra una realidad sobre el comportamiento de las mujeres que nadie se atrevía a exponer en el cine. Arrogante y seguro de sí mismo, expone sin pudor el acoso sexual que padecen muchos hombres, perfectamente plasmado en películas como “Atracción fatal” (1984) y “Acoso” (1994), denunciando la hipocresía de los grupos feministas que insisten en denunciar la maldad de los varones y esconder la de las mujeres.
Anteriormente y como demostrando a quienes le acusaban de machista que era el menos sexista de los mortales, interpretó “Instinto básico”, película escándalo en la cual las mujeres son asesinas, ladronas y malvadas, los mismos defectos que habitualmente se muestran en los varones sin que nadie arme el escándalo.
Es premiado con un Oscar por su trabajo en “Wall Street” (1987) de Oliver Stone y un año después formó la Función Stonebridge, Inc., que produjo “Línea mortal” de Joel Schumacher (1990) y “Radio Flyer” de Richard Donner (1992), consiguiendo revitalizar los Estudios Victorine de Francia.
Sus recientes trabajos han sido casi siempre motivo de comentario y en ocasiones de fuertes controversias, como es el caso de “Un día de furia” (1993), en la cual nos mostraba a un hombre sencillo sometido a una situación crítica. Otro trabajo importante fue “Made in América” (1993), una comedia de gran éxito con Whoopi Goldberg y Ted Danson, lo mismo que un año después consiguió salir en todas las portadas del mundo junto a Demi Moore por su trabajo en “Acoso” (1994). Basada en la novela de Michael Crichton, la película cuenta la historia de un ejecutivo atormentado y acosado sexualmente por su jefa.
Un poco menos polémica fue su película de 1995 “El presidente y Miss Wade”, dirigida por Rob Reiner y con Annette Bening y Michael J. Fox como compañeros de reparto. Douglas consiguió sorprendernos a todos con su papel de Presidente Shepherd, viudo, que intenta equilibrarse emocionalmente manteniendo un bonito romance. En 1994 decidió involucrarse más intensamente en papeles como productor y dos años después nos aportó su versión de una historia real titulada “Los demonios de la noche”.

Datos biográficos

Nombre: Michael Douglas

Nacimiento: 25 de septiembre de 1944

Lugar de nacimiento: New Brunswick, Nueva York

Educación: Choate, Wallingford, CT; Black Fox Academia militar; Universidad de California en Santa Barbara, Santa Barbara (drama); Neighborhood Playhouse, New York; American Place Theatre, Nueva York. Estudió con Handman

Otros datos: Con Brenda Vaccaro, actriz, trabajaron juntos en “Summertree” y vivieron juntos entre 1970-76. Esposa: Diandra Murrell Luker, productora. Se conocieron en Washington, D.C. y se casaron en 1977, separándose en 1995. Está casado con la actriz Catherine Zeta Jones desde el 18 de noviembre de 2000, y tienen dos hijos, Dylan (15 de agosto de 2000) y Carys (20 de abril de 2003).

Familia: Madre: Diana, actriz. Padre: Kirk, actor. Hermano: Joel Douglas, productor, dirige los Estudios Victorine en Niza, Francia. Otros hermanos: Peter Douglas, productor. Hermanastro: Eric Douglas, actor de comedias. Hijo: Cameron Douglas.

Premios: 1975, Globo de Oro por la mejor película dramática “Alguien voló sobre el nido del cuco”.
1975: Oscara la mejor fotografía por “Alguien voló sobre el nido del cuco”. 1980: Premio al mejor Actor Extranjero por “Running”.
1984: Premio del Año al mejor productor.
1987: Oscar al Mejor Actor por “Wall Street”
1987: Globo de Oro al Mejor Actor en el filme “Wall Street”
1987: Premio al Mejor Actor por “Wall Street”
1996: Tributo especial por sus películas y trabajos en la televisión, como actor y productor de películas.
1997: Mensajero de la Paz, por las NACIONES UNIDAS

Premio KCFCC 1988: al mejor actor (Michael Douglas)
Premio National Board of Review 1987: al mejor actor (Michael Douglas) Premio David di Donatello 1988: al mejor actor extranjero (Michael Douglas) Premio Nastro d'argento 1988: al mejor actor extranjero (Michael Douglas) |- |}

Para muchos supone la imagen del perfecto cineasta, puesto que Douglas aporta su trabajo como actor y productor. Sabemos que comenzó como director auxiliar en 1960 en algunas películas con su padre Kirk Douglas y que posteriormente se convirtió en un guapo actor que aparecía en varios papeles típicos que mostraban a jóvenes idealistas que tienen que afrontar los problemas diarios. Entre sus primeras películas hay que destacar “”Hello, Héroe!” (1969), “Adán a las 6 de la madrugada” (1970), “Summertree” (1971), sin olvidarnos de su largo y popular trabajo en el serial de televisión “Las Calles de San Francisco” (ABC, 1972-77.)

Después dio un gran salto en su carrera al debutar como productor ejecutivo en el filme de Milos Forman “Alguien voló sobre el nido del cuco” (1975), un gran éxito en taquilla que proporcionó cinco Oscar, entre ellos uno a la Mejor Película que compartió con Saul Zaentz.
También fue muy importante su aportación como productor y actor en la película con Jane Fonda “El Síndrome de China” (1979), en la cual nos hablaba de un accidente fortuito en una planta nuclear que estuvo a punto de generar un cataclismo. Por este trabajo Jean Fonda y Jack Lemmon fueron nominados al Oscar como mejores actores. Cuando realizó “Tras el corazón verde” (1984), Douglas demostró que podía efectuar conjuntamente labores de actor y productor, y su papel como Jack Colton, el amable aventurero, estaba perfectamente alineado con “Indiana Jones”. En ese filme trabajó junto a Kathleen Turner y Danny De Vito y ese mismo trío demostró ser un magnífico conjunto cuando hizo “La Joya del Nilo” (1985) y, esa comedia negra sobre un divorcio titulada “La Guerra de los Rose (1989.)
Más recientemente, en la película “Crimen perfecto” (1998), Douglas interpreta a un hombre que descubre la infidelidad de su esposa (Gwyneth Paltrow) y en lugar de hablar con ella o pedir el divorcio, contrata a su propio amante (Viggo Mortensen) para que la asesine.

“Es otro de mis papeles oscuros y polémicos, en una línea similar a ‘Wall Street’ y ‘The Game’. Para un actor supone una gran diversión interpretar a esos tiburones humanos que el público termina odiándolos. En esta película prefería dar más viveza a mi carácter y traté de hacer una actuación más teatral”.

“No siento ningún remordimiento por hacer papeles de malo, aunque me siento más cómodo cuando son ellas las perversas, como ocurrió con Sharon Stone en ‘Instinto básico’ y Glenn Close en ‘Atracción fatal’. En estas películas ellas son odiadas y yo soy quien firma los autógrafos”.

Estos siete últimos años no han sido fáciles en la vida de Michael y sabemos que perdió a su mejor ayudante a causa de un súbito ataque al corazón, mientras que su padre, Kirk Douglas, acusa ya seriamente los problemas del envejecimiento. También su hermano Eric está teniendo problemas motivados por el consumo de drogas y su matrimonio con Diandra acabó en divorcio después de 20 años de matrimonio.

“Ahora vivo solo, en Nueva York. Poseo un gran apartamento desde hace muchos años, aunque compré también el piso de al lado y amplié la mayoría de las habitaciones”.

Hay gente que piensa que su vida ha transcurrido siempre plácidamente y que es un niño mimado de Hollywood. Él recuerda que su infancia la pasó exclusivamente con su madre desde que tuvo cinco años, puesto que a raíz del divorcio de sus padres ella se fue a vivir a Nueva York, lo que parece justificar su gran amor hacia esta ciudad.

“Si tuviera que juzgarme podría decir que s oy un poco irresponsable, aunque muy reflexivo. Mi hijo tiene 21 años y vive conmigo en mi apartamento, aunque hemos llegado a un acuerdo para ser individuales y no le vigilo a la hora que llega a casa”.

Hay quien afirma que tuvo un romance con la presentadora de la cadena de televisión ABC Elizabeth Vargas, pero él insiste en que no es una relación seria. Posteriormente se casó con la guapa actriz Catherine Zeta Jones.

“Me ha sido difícil encontrar una pareja adecuada, puesto que mis fans son casi má s viejas que yo. Sé que para algunas mujeres jóvenes soy muy atractivo y les gustaría tener un romance conmigo, pero creo que se fijan más en mi popularidad y en la posibilidad de promocionarse que en una relación sincera. En ocasiones acepto el juego, pero siempre que quede claro que solamente vamos a divertirnos un poco”.

En los últimos años, Douglas ha estado acudiendo a numerosos actos con su padre, puesto que ambos comparten los mismos gustos y aficiones. Reconoce que anteriormente la gran popularidad de su padre le atemorizaba y solamente estaba preocupado por no desmerecer a su lado.

“Hubo un tiempo, cuando era joven, que tenía miedo de tirarme a la piscina delante de él por miedo a hacerlo mal. Ahora ya me siento más seguro de mis propias habilidades y debo reconocer que su influencia ha sido siempre positiva”.

INTRÉPIDO Y CREATIVO

“Serio, bueno, humano y apasionado”, así es como opina una aficionada sobre Douglas, añadiendo que también le considera inteligente y decente, aunque de vez en cuando tienen lapsos morales. “Pero esos hombres inmorales son deslumbradoramente deseables. Como actor sus opciones reflejan intrepidez ante un público que constantemente quiere identificar y definir sus iconos por los personajes que interpretan en las películas. Es un hombre importante que no siempre quiere hacer lo que se supone que un personaje popular tiene que hacer. Es uno de esos hombres, en cualquier categoría de edad, que de forma consistente muestra una sexualidad cruda y ruidosa en sus trabajos increíblemente carismáticos”.

Douglas evita caer en los errores de otros actores en cuanto a dedicarse a otras labores ajenas a su profesión y por eso el público está deseoso de continuar yendo a ver sus películas, sin tener en cuenta el género.

“Me inv olucro totalmente en cada uno de mis papeles y estoy orgulloso de cada uno de ellos. Otros actores siempre están intentando conseguir un éxito con un personaje típico, pero no es este mi caso. Cuando hice la trilogía sobre el sexo, ‘Atracción fatal’, ‘Instinto básico’, y ‘Acoso’, lo hice a conciencia, pero luego me aparté de ese tema e interpreté ‘Wall Street’, ‘The Game’ y ‘Crimen perfecto’. Me considero una persona afortunada por poder efectuar papeles tan diferentes, y estoy orgulloso de que el público me haya aceptado sin problemas en todos ellos. Ninguno de mis personajes son típicos en el cine, son ambivalentes, y en ocasiones se muestran como unos depravados morales”.

“Cuando interpreto a un bicho raro también me considero afortunado por ello. He arriesgado en estos papeles y creo que el público me perdona si me equivoco. Suelo hacer las películas que me gustan y creo que hay muchos espectadores que opinan igual que yo. Una vez que un actor se ha ganado la confianza del público, incluso cuando se hacen películas raras, no hay problema en arriesgarse más con papeles extraños”.

SU CASA

Dos hamacas, amarradas a cuatro palmeras, se mueven suaves durante el crepúsculo de la isla mágica de las Bermudas. Los puros se encienden y el ron Foca negro de las Bermudas encaja perfectamente en esa tarde de viento. Pero nosotros estamos, después de todo, en el paraíso. El paraíso de Michael Douglas, un lugar llamado el Ariel Arenas Playa Club, para ser exactos. En medio de esa pequeña colonia de cabañas pintadas de color coral en la que él ha invertido recientemente (además de varios miembros de su familia), está situada la casa de Douglas, desde la cual se divisa las playas idílicas donde él juega alegremente como un muchacho, y el campo de golf donde también pasa largas horas practicando. Vestido con un pantalón caqui pulcramente apretado y un cómodo suéter de cachemir, parece muy más joven que sus 57 años.
Tiene en la barbilla el mismo hoyuelo hendido de su padre Kirk, así como los ojos de aguamarina chispeantes de su madre, la actriz Diana Dill. Tumbado en una hamaca como si fuera el rey del mundo, Douglas se muestra como un tipo inteligente, de éxito, trabajador, recientemente divorciado, y que tiene ya un gran prestigio como productor y actor ganador de un Oscar. Es una celebridad que amorosamente desea tener más tiempo para escapar al campo de golf y jugar con sus compañeros. Al igual que la mayoría de los hombres que llegan a la mitad de sus vidas, él se pregunta lo que va a hacer para dar sentido al resto de su vida, ahora que su matrimonio ha acabado y su niño está en universidad.

EL ACTOR

Su carrera como actor ha sido manejada por una serie de apasionadas, aparentemente extrañas, opciones. En cierto modo, Michael Douglas ha ayudado a reafirmar nuestra definición de lo que se supone que es un hombre importante. Muy pocas estrellas de cine se permiten permanecer en esa calidad creativa y esa moral ambigua que forman parte habitual en sus personajes. Suponemos que nuestros héroes viven la vida intensamente y que necesitan ser mejores que los demás. Si una estrella de cine no puede acostumbrar su mente o su cuerpo, o su espíritu, a vencer a todos los enemigos en 120 minutos o menos, es que la película no sirve para sus fines.
El cuerpo de Douglas nos muestra que su trabajo de éxito le ha producido simultáneamente una larga serie de transformaciones y defectos, algunos ciertamente desagradables. Pero incluso cuando estaba interpretando al héroe romántico Jack Colton en el éxito de 1984 “Tras el corazón verde” y su continuación, “La joya del Nilo”, conseguía mantener a flote su sonrisa humilde, recalcitrante. Casi era como si tuviera que hacer constantemente movimientos heroicos para lograr sonreír como diciendo: “aquí no ha pasado nada”. Su actuacióngalardonada con un Oscar de la Academia en 1987 por “Wall Street”, nos mostró a un Gordon seductor, arrogante, un diablo con traje bien cortado, cuya amoralidad nos demostraba ese lado perverso que se esconde en todos nosotros. Ese mismo año interpretó al marido que sucumbe a un asunto desagradable de sexo, cuando se convierte en un adúltero con Glenn Close en “Atracción Fatal”. Seis años después, era nuevamente víctima de acoso sexual en las manos de Demi Moore en “Acoso”.

Un cambio sustancial fue cuando abandona su coraza de hielo para tratar de realizar una investigación bajo el nombre de Nick Curran en “Instinto Básico”. Después se comporta como un directivo despiadado con los obreros hasta que se ve involucrado en una serie de acontecimientos que lehacen padecer el día más largo de su vida en “The Game”. Allí realizó la inversión más acertada de su vida como el banquero Nicholas Orton, puesto que consiguió encontrar su corazón y evitar su propio suicidio.
Mucho más tranquilo es su trabajo en la comedia romántica de Rob Reiner, “El Presidente y Miss Wade”, en la cual nos muestra a un hombre que podía dirigir su país, tener un romance con una mujer y mantener una relación sexual en la Casa Blanca. Por supuesto, este Presidente Andrew Shepherd era viudo y podía permitirse esos lujos.

SUS PENSAMIENTOS

Cuando la luz del día empieza a marchitarse despacio, Douglas toma un bollo que moja en su café, mientras nos habla de las películas que hará próximamente.

- “Si pudiera escoger la película que me gustaría hacer ahora, sería una en la cual me enamorase de una mujer”, dice mientras le centellean sus ojos que intentan simplemente disimilar que no está hablando en serio.

- No sé cómo analiza usted las cualidades que debería tener la mujer que está buscando, ni siquiera cómo debe ser físicamente. Cuando nos gusta una mujer nos atrae la idea de ser felices con ella. Usted es ahora un poco más viejo, todos lo somos, y ya no quiere casarse de manera impulsiva y ni siquiera quiere comprometerse. ¿Cuántas veces se encuentra pensando sobre eso? ¿Tiene usted que escribir en un papel por la noche en su cama sobre ello? ¿Se despierta pensando sobre ella, sobre su proyecto? Y si ella se queda con usted, y entonces no consigue de ella lo que quería, entonces lo pasará mal.

- No sé si se refiere ahora a mi vida privada o al papel que me gustaría hacer en el cine. El director es de suma importancia, aunque conozco al menos ocho directores con los cuales podría trabajar sin problemas. Si me propusieran una película con ellos firmaría inmediatamente el contrato, aunque antes tendría que hablar con ellos. Quiero estar seguro que ellos tienen una visión clara, que tienen la película ya en su mente y saben cómo deben hacerla, aunque su idea sea diferente a lo que yo he leído en el guión”.

Hace una pausa para exhalar el humo de su cigarrillo y continúa:

- Aunque es posible que me enamore a primera vista de un proyecto, como de una mujer. He aprendido que, profesionalmente por lo menos, tengo un instinto bastante bueno.

BIOGRAFÍA

Hijo mayor de Kirk Douglas y Diana Dill, nació en New Brunswick (New Jersey), habiendo vivido con sus padres en Nueva York y Connecticut, en un principio lejos de la vida de Hollywood. Su deseo de hacerse actor le llegó cuando estudiaba en la Universidad de California, Santa Barbara, una vez que terminó sus estudios secundarios en la Academia Militar Black Fox y rechazó estudiar en la Universidad de Yale.

“Yo estudié inicialmente en Choate, una escuela secundaria para gente rica y durante algún tiempo me cuestioné la posibilidad de acudir a Yale. Cuando acudí a California para ir a la universidad de Santa Barbara creo que fue la primera decisión real en mi vida. No tenía ninguna idea de lo que quería hacer en la vida. Me consideraba un joven privilegiado y pensé que debería cambiar, aunque deseaba que ese cambio fuera radical. Acudí a mi consejero de la universidad y en el camino de vuelta miré unos folletos de una agencia de viajes y dije: 'quiero ir allí '. Las fotografías mostraban a California en los primeros años de 1960. El sistema de estudios de allí era fabuloso y la cultura simplemente espectacular. Fue una época importante en mi vida y creo que fui muy feliz entonces. Hubo quien me aconsejó que debería continuar mis estudios en la academia militar, puesto que tenía cualidades para ser comandante. Estaba desconcertado porque me consideraba más un hippie que un soldado, y algo en mi interior me decía que debería dedicarme al teatro. Mi padre era actor, mi madre actriz de teatro y mi padrastro un productor de Broadway antes de dedicarse a escritor. Toda esa tradición familiar me hizo ver que entrar en ese mundo me sería fácil, aunque mirando la popularidad que tenía mi padre no veía muchas posibilidades de llegar a ser como él. Decidí empezar en el teatro y pronto pude trabajar como editor auxiliar en la película de mi padre, ‘Los valientes andan solos’. Después trabajé como ayudante de dirección en ‘Los Héroes de Telemark’, y un corto papel en Giant Shadow.”

En 1963 pidió a su pad re que le cediera los derechos de la obra teatral “Alguien voló sobre el nido del cuco”, que Kirk Douglas estaba protagonizando en Nueva York, aunque ningún productor estuvo interesado en ese momento para llevarla a la pantalla. Una vez finalizada su graduación en Arte Dramático en 1968, Douglas se marchó a Nueva York para continuar su entrenamiento dramático, primero con Sanford Meisner en el Neighborhood Playhouse y posteriormente Wynn Handman en el American Place Theater. También participó en esa época con agrupaciones de escritores dramáticos y con el Centro Teatral Eugene O’Neil en Waterford (Connecticut), en donde conocería al actor Danny De Vito. Su debut como actor teatral fue en la obra “City secene”, enlazando inmediatamente con otras muy diversas que demostrarían su gran calidad como actor. Pronto conseguiría su primer galardón al serle concedido el Premio al Mejor Actor del Año por su trabajo en “Cándida” de Bernard Shaw y un año después también sería premiado, ahora como el Mejor Director, porla puesta en escena de “Muzeeka” de John Guare.

“Yo trabajé mucho fuera de los circuitos de Broadway especialmente en verano y posteriormente acepté un contrato con la CBS. Hice tres obras de teatro para la CBS con una actuación que considero totalmente horrorosa, pero que me llevaron a Los Angeles”.

Una vez finalizada esta primera etapa de teatro consiguió algunos trabajos de interés para la televisión en el telefilme “Saturday adoption” y “The experiment”, ambas para la CBS. En 1969 interviene en “El ladrón rebelde” de James Clavell, debutando en el cine con “Hail, hero!” Dirigida por David Miller.

“También realicé algunos episodios de ‘Centro Médico’, ‘FBI’ y por fin la serie ‘Las Calles de San Francisco’ que me proporcionó la gran oportunidad de ser famoso”.

Pero antes de llegar a la popular serie televisiva, Douglas protagonizó el filme “Adán a las seis de la mañana” dirigida por Robert Scheerer , “Where’s Jack?” y “Summertree”, esta última en 1971 y que estuvo producida por su padre Kirk Douglas, en un intento loable de conseguir promocionar a su hijo. Un año después le presentan a una desconocida y joven llamada Jodie Foster para que protagonicen el filme “Napoleón y Samantha”, una película mediocre que ni siquiera llegó a nuestras pantallas y pudimos ver años después en el mercado del vídeo.
En ese mismo año es cuando tiene una entrevista para la televisión, con el productor Quinn Martin, quien le ofrece formar parte del dúo protagonista de una larga serie de televisión que se titularía “Las calles de San Francisco”, junto al actor Karl Malden. Pero antes debe realizar una prueba con el telefilme “When Michael calls” que pasa sin problemas.

LAS CALLES DE SAN FRANCISCO

"Las Calles de San Francisco," que Douglas protagonizó desde 1972 a 1976, se convirtió en uno de los programas más populares de la ABC. Era, en cierto sentido, la mejor escuela para cualquier actor y estaba, además, bien remunerada. El sistema de trabajo tan rápido, con capítulos de una hora de duración, perfeccionó los talentos dramáticos de Douglas y le proporcionó ganar el Premio Emmy en tres ocasiones.

“Lo que pasó con ‘Las calles de San Francisco’ es que aprendí lo que era la responsabilidad de cada actor en un conjunto de profesionales. En mi caso, yo era el segundo actor y Karl Malden el principal, pero ambos éramos los responsables de sacar adelante toda la serie. Cada semana nosotros teníamos una estrella invitada diferente, lo mismo que un director. En total llegamos a realizar 104 capítulos de 52 minutos y cada uno de ellos debería rodarse en apenas una semana de trabajo. No se ponía mucho interés en la estructura, el prólogo, o los epílogos. La única cosa que importaba era, ¿Ha quedado bien este episodio?, pues a emitirlo. Fue una gran experiencia para mí”.

Gracias a la buena voluntad de Malden como actor, el personaje de Douglas funcionó perfectamente, consiguiendo en ocasiones mostrar un buen aspecto dramático. La gran cantidad de capítulos que tuvo que rodar le permitió trabajar sin el miedo que manifestó en su primera fase.

“Karl era increíblemente generoso y estaba siempre de mi parte. Hasta esa serie, yo siempre hice papeles sin importancia, pero él me aseguró que realmente conseguí brillar en la serie. Siempre me estaba diciendo lo que debía hacer, cómo y cuándo. Cualquier temor que yo tenía delante de las cámaras me lo notaba y allí estaba para decirme que todo estaba saliendo bien. Creo que trabajó más ayudándome que en su propio papel”.

DOUGLAS & BIG STICK

Cuando llevaba ya cuatro años en ese telefilme, Douglas se planteó el dejar la serie para tratar de seguir un camino diferente. Durante años, su padre había estado intentando sin éxito producir e interpretar la adaptación para el cine de “Alguien voló sobre el nido del cuco”, justo en el momento en que Michael decidió fundar su propia compañía de producción denominada Big Stick Productions Ltd., aunque inicialmente solo estaba interesado en realizar cortometrajes.

“Todos pensaron que yo estaba bastante loco por dejar la serie después de cuatro años, en pleno éxito, pero cuando mi padre me habló de llevar al cine esa historia comprendí que tenía en mis manos una gran oportunidad. Estaba apasionado sobre ese proyecto, aunque nunca fui consciente de que podría tener tanto éxito. Por supuesto, era impensable que pudiera ganar cinco Oscar y cuatro nominaciones”.

Aún no recuperado de su sorpresa por el repentino triunfo, Douglas se dedicó a viajar durante año y medio por todo el mundo para promocionar esa película dirigida por Milos Forman, y de la cual era productor junto con Saul Zaentz. Pero allí estaba ya, con 31 años y con las puertas totalmente abiertas para otros grandes proyectos. Convertida en una de las películas más taquilleras de ese año, decidió que era el momento más adecuado para seguir siendo un productor independiente. No obstante, ya había probado el dulce néctar que supone ser un actor de cine de prestigio, y acepta interpretar el principal papel masculino en “Coma” (1979), una de las pocas películas dirigidas por el renombrado escritor Michael Crichton, en la cual tendría como compañero al veterano Richard Widmark y a Genevieve Bujold.

“Aunque ‘Coma’ Resultó muy bien en taquilla, estoy convencido que fueron los premios por ‘Alguien voló...’ los que me permitieron ganarme la confianza de todo el mundo y por eso me decidí a producir e interpretar ‘El síndrome de China’.
Los primeros años de mi independencia pasaron como un rayo y no puedo decir que fueran muy tranquilos. A mí me gustaba mucho actuar, tanto como producir, y era consciente de que la popularidad de un actor siempre termina generando más ventajas que cuando se produce. Ser productor genera beneficios económicos muy importantes si las películas triunfan, pero no se recoge una buena popularidad a nivel social”.

El fil me “El síndrome de China” (1979) trataba sobre un tema que estaba en las mentes de todos los habitantes que viven cerca de las centrales nucleares. Realizada en plena fiebre a favor y en contra de esas fábricas productoras de energía, nos mostraba las posibles consecuencias de un escape radiactivo y los intentos de los propietarios y gobernantes por evitar que la población supiera el alcance de la fuga. Y nuevamente la suerte acompañó este trabajo de Douglas, como actor y productor, y junto a las cuatro nominaciones a los Oscar, recibió el aplauso del público y la crítica, consiguiendo ser elegida como la Mejor Película de habla inglesa.
A este filme siguió “El vencedor” (1979) en el cual ejercía como productor ejecutivo y protagonista, ahora ya como un galán enamoradizo, y “Ahora me toca a mí” (1980), además de producir “Three mile island” y “Tell me a riddle” durante los meses siguientes. Deseoso de prepararse perfectamente para poder seguir ejerciendo labores de productor y actor, estudia y se perfecciona durante algún tiempo hasta que le proponen el papel principal en el filme “Los jueces de la ley”, en donde interpreta a un juez que decide ejecutar la pena capital a aquellos criminales a los cuales un jurado a absuelto. Resolviendo su trabajo con habilidad, vuelve a ser noticia en las portadas de las revistas y en 1984 decide dar un gran paso al producir e interpretar “Tras el corazón verde”, el gran suceso cinematográfico de ese año. Contando con el estupendo director Robert Zemeckis y los actores Danny De Vito y Kathleen Turner, consigue emular sin problemas al filme Indiana Jones y conseguir un nuevo triunfo en taquilla.

Ese mismo año de 1984 Douglas también produjo el gran suceso de la Navidad, el filme de cienciaficción “Starman” que catapultó a la fama al actor Jeff Bridges. En 1986, Douglas creó una serie de la televisión basada en la película que se mantuvo durante algunos meses con buen éxito. Dos años después, formó Stonebridge Inc., que produjo “Flatliners” (Línea mortal), dirigida por Joel Schumacher y que fue nominada al Oscar al Mejor Sonido, y “Radio Flyer” (La fuerza de la ilusión), dirigida por Richard Donner.
En 1993, produjo la comedia de Whoopi Goldberg “Made in America” y en 1996, Douglas formó una compañía de producción con Steven Ruether y produjo un nuevo éxito titulado “The gost and the darkenss” (Los demonios de la noche). En 1997, ellos nos dieron la película del verano “Face/Off” (Cara a cara) y la obra de John Grisham “Rainmaker” (El farsante). Recientemente, esta compañía no tiene intención de seguir produciendo filmes y por ello Douglas tiene un trato con la productora norteamericana Universal.

ACTOR Y PRODUCTOR

Durante varias producciones a lo largo de su carrera, Douglas trabajó como productor y actor, pero encontró que hacer ambos trabajos en el mismo proyecto era una mala mezcla.

“Yo no disfruto actuando y siendo productor al mismo tiempo, porque cuando se está produciendo una película en la que se es al mismo tiempo actor, es difícil mantener la vista en todo lo que ocurre alrededor. Eso nos lleva a tener una visión tipo túnel, a llevar puestas unas orejeras y no poder disfrutar el momento. Para no tener la responsabilidad de abarcar varias cosas, prefiero concentrarme solamente en una. Ser productor es ser responsable de todo lo que está sucediendo alrededor de nosotros. Todo. Cuando yo lo hacía tenía éxito, pero necesariamente no estaba disfrutando con ello. Hubo un momento en el cual comprendí que quería ser actor, simplemente”.

Al contrario que muchas estrellas de cine que acostumbran a tener un control total sobre sus películas para asegurarse el éxito en taquilla, a menudo en detrimento de la película, Douglas dice que él trabaja conscientemente contra esta tendencia y usa su conocimiento como productor solamente para calmar su ego como actor.

“Seguro, me gusta producir. Me gusta el proceso del desarrollo de un filme, la dirección, y estar envuelto en él. Lo haré de vez en cuando. Pero soy muy diferente a otras personas. Muchos aman el factor del mando y quieren tener todo en sus manos. Pienso que eso es ser presuntuoso. Suelo dar la bienvenida e intento animar a todos los demás para que hagan mejor su trabajo y procuro guardar mi ego para otro momento. Intento no enterrar a todos los que están a mí alrededor, y procuro no hacer mi presencia inaguantable. Desearía lograr que cada uno pudiera expresar libremente lo que tiene en su interior”.

“Hay algunos actores famosos que están en posición de controlar toda la producción. Ellos cometen el error de confundir su estrellato con la película que están haciendo. Piensan que porque son una estrella, pueden conseguir controlar la labor de los directores y así lograr que su imagen en la pantalla salga más favorecida que el resto del reparto. Debido a mi carrera como productor, todo lo que yo quiero crear son películas mejores. Quiero trabajar con el mejor director posible, y normalmente esa persona no podría enfrentarse a mí porque soy amable y hasta cierto punto afectivo con todos. Los directores quieren tener una visión total sobre la película y yo prefiero dejarles libertad para que lo consigan”.

MIRANDO NUEVAMENTE AL PASADO

Una vez finalizada “La joya del Nilo”, la exitosa continuación de “Tras el corazón verde”, Douglas trató de hacer un papel diferente en un musical pretencioso que debería revitalizar un género aparentemente muerto. Su papel como el director de orquesta Zack, frío y sin escrúpulos, que debe sacar adelante una obra musical aunque sea a costa de la salud y la felicidad de los bailarines, le proporcionó muchos aplausos y el filme fue motivo de tres nominaciones al Oscar.
Después siguió con sus triunfos como actor al protagonizar “Atracción fatal”, junto a Glenn Close. En el filme hacía el papel de un hombre sencillo que tiene un romance esporádico con una mujer, pero que decide dejarla antes de que ella pretenda hacerlo más firme y que su mujer se entere. Pero esa mujer no acepta de buen grado la ruptura y le somete a un acoso implacable para que vuelva con ella. Para Douglas, esta era una oportunidad magnífica para demostrar que el acoso sexual está generalizado en los dos sexos y podemos considerar que realizó su papel con mucho más interés que los anteriores. La película tuvo seis nominaciones al Oscar y una buena crítica, salvo de algunos grupos feministas que le acusaron de misógino. Él se defendió diciendo que normalmente el cine y la prensa muestran el acoso del varón hacia la mujer, nunca al contrario, y que ahora había pretendido mostrar un caso habitual en nuestra sociedad, aunque no salga en las portadas de revistas ni en los telediarios

“Empiezo a darme cuenta que hay mujeres que gustan de criticar a los hombres, pero que no soportan que las critiquen a ellas”

Para calmar un poco los ánimos, pero sin olvidar sus nuevos proyectos relacionados con la maldad de algunas mujeres, se convierte en un sagaz hombre de negocios que sabe moverse muy bien por la bolsa de Nueva York en el filme “Wall Street”. Ahora ya no manifiesta piedad y solamente busca el triunfo económico engañando, presionando y pisando a sus competidores. Arropado con actores de prestigio como Martin y Charlie Sheen, y rodeado por actrices tan guapas como Sean Young y Daryl Hannah, consigue una de sus mejores actuaciones y le premian con un Oscar al mejor Actor.
Su consolidación como actor ya es un hecho y se plantea de nuevo volver a la producción para no perder práctica en un oficio que domina perfectamente. Su nueva película es “Línea mortal”, con Julia Roberts como principal protagonista femenina y de nuevo se encuentra a gusto con ese trabajo que considera tan gratificante.

“Yo tiendo a pensar en todo el conjunto cuando me presentan un proyecto. Quiero hacer buenas películas y eso está al margen de que yo sea uno de los actores también. Lo que ocurre es que siempre pienso que no podré concentrarme si tengo que actuar simultáneamente. Es una cuestión de egoísmo, puesto que quiero hacer cada trabajo perfectamente y ser aplaudido por ello. En este momento de mi vida intento no ser tan egoísta y quiero ser más creativo y aportar alegría durante los rodajes. Creo que esto lo puedo lograr sino me hago responsable de todo”.

En 1989 decide seguir en su línea como un actor maduro enérgico, fuerte y muy eficaz, y protagoniza “Black Rain”, un thriller violento a las órdenes de Ridley Scott que debe filmarse en el Japón, en Osaka, junto al actor japonés Ken Takakura que ni siquiera vería el estreno del filme al fallecer unas semanas después.
Convertido ahora en un policía, como en sus buenos tiempos de “Las calles de San Francisco”, Douglas se dio cuenta de la gran diferencia que existía entre ambas películas, esencialmente en cuanto a mostrar las escenas violentas. Moviéndose en un mundo hostil aún tiene tiempo de mantener un corto romance con una mujer tan malhumorada como él, la actriz Kate Capshaw.

“Soy un apasionado del cine y tengo un gran amor por este trabajo y mucha gratitud al destino por permitirme estar dentro de él. El proceso de fabricación de una película continúa asombrándome y hay mucha magia en todo lo que pasa. Nadie sabe cómo va a resultar hasta que no está terminada. Pero mientras un escritor está solo con su procesador de textos, o un pintor está solo en un estudio, o un músico está trabajando en una canción, en una película todo debe ser una gran familia trabajando al unísono. Ciertamente empieza con la palabra escrita, pero entonces se vuelve un arte en el que colaboran todos y ese proceso nunca deja de asombrarme. Es casi místico. Es algo que está muy vivo y fresco”.

NUEVAMENTE AL ATAQUE

Que Michael Douglas mantiene una actitud polémica sobre las relaciones entre hombre y mujer es algo notorio, aunque en realidad deberíamos decir que no hace nada más que expresar los sentimientos de millones de hombres que se sienten discriminados negativamente por las leyes. Por ello, desde hace años manifiesta un gran entusiasmo por interpretar personajes masculinos sometidos a la violencia de las mujeres, al acoso sexual y hasta la usura de algunas hembras cuando quieren quedarse con todos los bienes en caso de divorcio.
En este caso muestra las pequeñas desavenencias iniciales de un matrimonio, que se transforma paulatinamente en una batalla diaria por lograr una posición de privilegio en caso de divorcio. Poco a poco, la maldad de su compañera de reparto, nuevamente Kathleen Turner, sale a relucir cuando se trata del reparto de los bienes comunes, lo mismo que su impunidad cuando pega soberanas palizas a nuestro sufrido Douglas. En medio de los dos está también su eterno compañero de reparto el actor Danny De Vito, formando así un trío que tantos éxitos había proporcionado anteriormente, aunque fue la última vez que les pudimos ver reunidos.

“Me considero una persona afortunada que a lo largo de mi carrera todas mis decisiones han estado basadas en lo que quiero hacer. Lo que me gusta es ser un barómetro de lo que le gusta al público. Eso supone una gran pasión para mí y todas mis decisiones se hacen con mi corazón. O se realizan las cosas con pasión o suelen salir mal, aunque yo tiendo a hacer muchas opciones peligrosas. Esas opciones no se pueden calcular y hay que arriesgarse. El público tiene que saber lo que he querido hacer en ese momento, aunque en mí favor debo añadir que me considero una persona creativa. Si tengo que repasar mi carrera profesional debo admitir que he sido más un productor que un actor, aunque el público me conozca mucho más por ser una estrella famosa”.

Estando en el mismo negocio que su padre, otra popular estrella, existía la posibilidad de que el público estableciera siempre comparaciones entre ambos y Douglas saliera perjudicado. El tiempo ha demostrado que ambos actores son extraordinarios y aunque existen similitudes entre ellos nunca son negativas y dan prestigio a ambos. Su padre, ya retirado de la escena, asiste contento al éxito profesional de su hijo, aunque no pudo reprimir una lágrima de tristeza cuando le concedieron a su hijo un Oscar al Mejor Actor, algo que él, con sus muchos años de trabajo detrás, aún no había conseguido.

“Cuando un actor pertenece a una segunda generación de profesionales con éxito, dispone de más oportunidades para entrar en el cine, pero también se le exige mucho más. Ciertamente las oportunidades eran mayores, pero si detrás no existen cualidades no hay nada que hacer y todo termina como una historia triste y trágica. Mi éxito no ha sido bien aceptado por muchas personas y creo que ni siquiera han llegado a ver mis mejores trabajos”.

Su siguiente película era ya un romance tradicional, anclado en la Segunda Guerra Mundial. Filmada parcialmente justo al lado del desaparecido muro de Berlín, y tomando como fondo muchas de las hermosas calles de Viena, le vemos convertido ahora en un director de empresa que debe proteger a su amada Melanie Griffith de los pérfidos nazis. Hay momentos sumamente tensos y si no hubiera estado filmada en color, “Resplandor en la oscuridad” la hubiéramos confundido con cualquiera de las películas sombrías de los años 50, cuando los espías y los alemanes nos causaban más terror que algunas de las películas de monstruos actuales.

OTRO FILME CONTROVERTIDO

Pero las ganas de pelear con grupos marginales (nunca marginados), o asociaciones de feministas, nunca han frenado a Michael Douglas y una ver recuperadas las fuerzas decide volver a ser objeto de crítica o controversia y junto a la sexy Sharon Stone y dirigidos por Paul Verhoeven, un director que también disfruta con el escándalo, se embarca en el suceso del año, el filme “Instinto básico”.
La película no hubo manera de que pasase desapercibida para nadie: los grupos feministas le volvieron a acusar de machista y misógino por mostrar nuevamente a las mujeres como malvadas, ignorando, nuevamente, los miles de películas en las cuales el hombre es, cuando menos, hijo del diablo. También le acusaron de atacar a los homosexuales porque, en esta ocasión, el asesino (o asesina, puesto que no les contaré el final), es una persona que gusta de los placeres de su mismo sexo. Anteriormente, el cine siempre les había mostrado como personas marginadas y perseguidas por la incomprensión social y eso les favorecía. Cuando llegó Douglas, y eso que ni siquiera es el autor del guión, todos los palos fueron para él y hasta le exigieron que no les mostrara tan malvados. Finalmente, también fueron objeto de críticas las escenas más osadas de la película, especialmente cuando Sharon Stone muestra su rubio pubis durante unos segundos directamente hacia el objetivo. Parecía que nadie había visto un pubis al natural en su vida.
El rodaje ya fue problemático, especialmente por los grupos gays que buscaban un trato preferencial en la película, a los que se les unieron las lesbianas, no sabemos si revueltos o cada uno por su lado. Lo cierto es que todo esto contribuyó a crear un clima adecuado y en el momento de su estreno la polémica quedó servida en todos los países en los cuales se estrenó en versión íntegra, como es el caso de España. En la mayoría de los países, incluidos los Estados Unidos, se cortaron la escena del pubis y también un desnudo integral de Sharon Stone haciendo el amor con Douglas en la cama. Ambas escenas apenas ocupan unos segundos, los suficientes para que los moralistas tengan tiempo de rasgarse las vestiduras.
Aún así, “Instinto básico” tuvo dos nominaciones al Oscar y se convirtió en el filme más taquillero del año en Francia e Inglaterra.

“Debo recordar a la gente que mi fama ya es anterior a ‘Instinto básico’ y que en este filme ni siquiera actué como guionista y productor. He tenido ya bastantes éxitos anteriores en mi carrera, primero como productor y luego como actor. Fue cuando gané el Oscar al Mejor Actor por “Wall Street” cuando pasé a ser considerado ya uno de los actores más taquilleros. Nuestra profesión no es fácil y no importa cuántos éxitos anteriores hemos tenido ni lo eficaces que seamos. El público no nos permite ningún resbalón. En mi caso es más difícil puesto que al ser hijo de Kirk Douglas debo ser, cuando menos, mejor que mi padre. Yo he crecido prácticamente en este mundo y puedo asegurar que siempre he intentando poner todos los medios para tener éxito. Cuando ocurre así y miro a mi alrededor, suelo ver muchas personas de mi edad que no han conseguido nada en el cine a pesar de trabajar duro y tener cualidades.
Es un campo lleno de minas y tensiones, de carreras rotas y autodestrucción. El público busca siempre una razón para nuestro fracaso, pero no cree que el éxito sea tan difícil de conseguir y encuentra siempre motivos simples. Yo creo que mi éxito ha tenido dos fases muy distintas. Una fue obviamente “Alguien voló sobre el nido del cuco”, ganadora de un Oscar y que potenció mi carrera como productor. Y la otra fue como actor en 1987, cuando interpreté “Atracción Fatal” y se convirtió en un éxito de taquilla. Después vino la consolidación cuando conseguí el Oscar al Mejor Actorpor “Wall Street”.

EL AMOR

Deberíamos pensar que Douglas es algo misógino, aunque creo que la mayoría de los hombres divorciados lo son, pero ello no quiere decir que no sea capaz de enamorarse repetidas veces. Sabemos que tuvo una intensa relación sentimental con la actriz Brenda Vaccaro, una mujer cinco años mayor que él y a quien había conocido durante el rodaje de “Summertree” en 1971. Ella había saltado a la fama por “Cowboy de medianoche” junto a Dustin Hoffman, además de ser nominada al Oscarcomo la mejor actriz por “Jacqueline Susann’s” en 1975, precisamente junto al padre de Douglas, Kirk. Después intervino, entre otros, en “Aeropuerto 77”, “Capricornio uno”, “Supergirl” y “Love Affair”, en esta última junto a Pierce Brosnan, Katharine Hepburn y Warren Beatty.
Esta pareja funcionó bien hasta que en 1977 acuden a una fiesta en Washington y le presentan a Douglas a una mujer más joven llamada Diandra Luker, con la cual inicia una relación que le obliga a romper con Brenda. Se casan en 1977 después de tener una corta relación como solteros y durante muchos años esta unión funciona bastante bien. Tienen a su hijo Cameron y se instalan en un rancho de Santa Bárbara, aunque no abandonan su piso de Manhattan. También compran una casa en Mallorca (España), vendiéndola para adquirir una mejor en Valldemosa que había sido propiedad de la familia real de Austria. Este matrimonio duró hasta 1995, año en que se divorciaron.

SU TRABAJO COMO ACTOR

“Mi profesión tiene diferentes etapas y normalment e trabajo en dosis muy concentradas. Es normal que viaje a cualquier parte del mundo para un trabajo que dura entre dos meses y medio a cinco de intenso trabajo y luego enlace con otro totalmente diferente. Esa es la parte más dura de mi profesión. En ese momento no hay ningún contacto con el público y no hay manera de encontrar satisfacciones personales por lo que estamos haciendo. Hay que poner todo nuestro entusiasmo en cada escena y eso es difícil porque ni siquiera se ruedan en consonancia con el argumento. Pronto estamos haciendo secuencias muy cortas, tan dispares entre sí que es difícil lograr una uniformidad en nuestros personajes”.

Douglas siente que su trabajo más importante es cuando tiene que estar delante de las cámaras. Antes de salir realiza una concienzuda preparación y cualquier detalle lo examina previamente para que todo salga como había planeado, sin opciones a los imprevistos. Si todo está correcto es cuando prueba alguna nueva idea, suya o del director. Una de las lecciones mayores que ha aprendido como actor es que todo debe ser aprovechable y no hay por qué malgastar metros de película inútilmente. Hay directores que no opinan así, quizá porque el dinero no es suyo, y nos les importa hacer docenas de pruebas para escoger finalmente una de ellas, no siempre la mejor. Para Douglas esto es un error e insiste que todo el mundo tiene que hacer lo correcto en cada toma, puesto que es posible que no haya una nueva oportunidad de hacerlo mejor.

“Mis personajes en la pantalla procuro que sean diferentes entre sí. Para ‘El presidente y Miss Wade’ yo examiné muchos documentales sobre nuestro actual presidente, aunque luego pensé que sería más correcto examinar a otros igualmente importantes. Escuché atentamente sus discursos y las expresiones de su cara cuando hablaban en público. Para ‘Wall Street’ tuve que conocer a algunos de los financieros más importantes y saber algo sobre su conducta profesional. Quería comportarme tal y como lo hacen ellos habitualmente. Uno de los papeles más difíciles fue en ‘Un crimen perfecto’, puesto que ahora hago de un bribón inteligente que debe matar a su esposa. Bueno, para mí es lo mismo, siempre que tenga libertad para actuar. No hay ningún límite social y creo que puedo encajar cualquier personaje. Lo que no quiero es que nadie me haga responsable de nada cuando encarno a un malvado, ni que me identifique con ello.
Hay actores famosos que han interpretado personajes malvados, incluso mi padre o Paul Newman. Estos bribones, curiosamente, pueden ser más del agrado del público que uno más romántico, quizá porque les entretiene más”.

SU PADRE, KIRK DOUGLAS

Issur Danielovitch nació en Amsterdam, Nueva York, el 9 de diciembre de 1916, dentro de una de las familias más humildes de su barrio. De padres judíos de origen ruso y una familia compuesta principalmente por campesinos analfabetos, este “hijo de un trapero”, como orgullosamente habla de su padre, fue el único varón en una familia numerosa de siete hermanos.
Pero Kirk Douglas era una de esas personas que no aceptan su destino con facilidad y partiendo de la pobreza más absoluta, se dedicó a estudiar y trabajar simultáneamente hasta llegar a la universidad, en donde además de graduarse consiguió su primer galardón como campeón de lucha libre. Allí mismo se inició en el arte dramático al estudiar en la St. Lawrence University y posteriormente en la Academia Americana de Arte Dramático, debutando como actor en 1940. Interrumpió su trabajo para incorporarse a la marina durante la Segunda Guerra Mundial, consiguiendo el grado de teniente, debutando por fin en el cine a su regreso, en 1946.
En 1996, Kirk Douglas sufrió un serio accidente cuando su helicóptero se cayó al poco de despegar que le obligó a permanecer varios días internado en un hospital. Es ese momento se comprobó que la atadura emocional entre padre e hijo era mucho más intensa de lo aparente y que la adversidad servía para afianzar sus sentimientos. Michael habla con orgullo sobre las últimas lecciones que él está aprendiendo sobre la evolución artística y personal de su padre, una gran figura del cine.

“Encuentro muy acertado que a estas alturas de su vida mi padre continúe creciendo espiritualmente. No es una persona que quiera jubilarse. Para él la jubilación sería la continuación de su trabajo y tiene una gran necesidad de continuar creciendo y vivir su vida. Estoy muy orgulloso de él. Algunas personas no quieren acordarse de su vida pasada y prefieren envejecer sin hacer cosas interesantes el resto de su vida, pero mi padre tiene una obsesión por seguir vivo y activo. Es un hombre muy fresco. Un hombre lleno y completo. Está en paz consigo mismo y esa paz es admirable porque le ayuda a evolucionar. Durante toda su vida ha desarrollado un montón de facetas y ahora, a los 82 años, está nutriendo su espiritualidad”.

La primera mujer de Kirk Douglas fue Diana Dill, la madre de Michael, y en esa época ya empezaba a destacar como malvado en algunas películas de gángsters, hasta que llegó su gran oportunidad con ‘El ídolo de barro’, en la cual pudo poner en escena sus buenas cualidades como boxeador. Junto con su triunfo llegó su divorcio y hay datos que le unen sentimentalmente a Rita Hayworth, Pier Angeli y Marlene Dietrich, aunque la mayoría de los datos es posible que se deban a la imaginación de los periodistas.

“Mi propio éxito ha proporcionado mucha felicidad y orgullo a mi padre, y le da un sentido adicional de inmortalidad. Así como yo he podido aprender de sus errores, espero aprender de sus éxitos. Lo que más me impresiona sobre mi padre, es cómo ha conseguido triunfar partiendo de una situación tan mala económicamente. Lo mejor de él es su manera de hablar, pero para ello se pasa muchas horas leyendo el Torah (¿) que le ayuda a comprenderse a sí mismo. También estudia Talmud con un rabino, para tener un mejor entendiendo de él como judío. Ha escrito ahora un libro sobre toda su experiencia, y creo que su lectura puede beneficiar a muchas personas. De los libros que ha escrito ‘Subiendo la Montaña’ es realmente mi favorito. Le falta redescubrir su espiritualidad, y esa es una parte de mi padre que continuamente me impresiona. Siempre tiene alguna idea nueva, puesto que continúa creciendo. Mi madre es de la misma manera. Es bonito ver a las personas de 70 y 80 años todavía buscando su próximo trabajo. Ellos aman lo que hacen y eso les mantiene vivos y fuertes”.

Murió el 17 de marzo de 2013, a la edad de 96 años.

NUEVAMENTE, MICHAEL DOUGLAS

En 1996 Michael Douglas se divorció de su esposa Diandra, con lo cual, según él, acaba una fase de su vida y empieza otra. Es obvio que él ha examinado los factores que llevaron a la disolución de su matrimonio estrechamente.

“El divorcio es un proceso. Yo pienso que siempre que usted pasa por la pérdida de una relación afectiva, hay una cierta cantidad de auto-análisis involucrada.
Soy afortunado al decir que todavía tengo mucho amor hacia Diandra y que estamos muy bien juntos (esto lo decía antes del divorcio). Odiaba la sola idea de tener que divorciarnos después de tantos años de matrimonio. He tenido mucha suerte de ver que mis padres se divorciaron amigablemente, como buenos amigos y que todavía lo son. Mi padrastro y mi madre, así como mi padre y madrastra, han estado conmigo todas las semanas, preferentemente sin los niños. Esa es la imagen positiva de lo que puede ser un divorcio.
Ciertamente el divorcio no es algo bueno para los hijos, aunque puede ser recomendable para los esposos. Por consiguiente, es muy importante para los niños que vean que sus padres divorciados siguen manteniendo una buena amistad. No tengo ninguna paciencia con el egoísmo de esas esposas y maridos que pusieron sus propios intereses delante y usan a sus niños como armas. Todos nosotros conocemos a muchas personas que lo hacen, y los niños son dañados irreparablemente por este tipo de conducta, sin importar cuántos años tienen”.

“Para mí, teniendo un padre famoso y de éxito, y habiendo entrado en el mismo campo, he identificado siempre éxito con trabajo. He tenido dos carreras que he seguido fuerte y activamente. Una vez que se logra un poco de éxito, nos acostumbramos a cierto nivel de poder en otras áreas de la vida. Pero eso no siempre funciona bien en una relación íntima. Mi trabajo es prioritario, incluso más allá de mi matrimonio, ahora y antes. La diferencia es que cuando yo no estaba trabajando, yo podía dedicarme a mi familia, pero cuando estaba trabajando no había ninguna manera de equilibrarlos. La mayoría de las personas tienen un trabajo de ocho horas y luego retornan a casa, y su familia son la parte más importante de su mundo. Yo conseguí funcionar así durante algún tiempo, consiguiendo al mismo tiempo reconocimiento por mi trabajo. Pero en las relaciones familiares nadie consigue una medalla por ser un buen compañero cada semana. De todas maneras, mi definición del éxito es a estas alturas de mi vida, muy diferente a lo que era hace 20 años”.

Está claro que sus dos matrimonios han sido dolorosos, no sabemos si inevitablemente, pero para Douglas eso no va a ser un inconveniente para que trate de encontrar una nueva oportunidad para mejorar emocionalmente.

SU VIDA SENTIMENTAL

Con este cambio en su vida Douglas ha establecido un juego de prioridades. Sabemos que está tratando de cultivar su alma y desarrollando nuevos hábitos y intereses. Ahora que su matrimonio ha terminado y su hijo Cameron es un adulto, encuentra más tiempo para dedicárselo a él mismo.

“No sé dónde quiero ir, pero encuentro mi vida excitante por ello. Es una época divertida porque no tengo en ningún sitio las responsabilidades personales y obligaciones que he tenido los últimos 20 años. Me hace ser más responsable para mí que para los demás. Yo espero tener la oportunidad de casarse de nuevo, pero no estoy seguro de que ello ocurra. Pienso que las mujeres hacen sus propias conjeturas sobre mí, y que para ellas soy todavía un galán interesante, y esto me mantiene satisfecho y disfruto mucho; es como si me estuvieran dando una nueva oportunidad. En los ratos libres aprovecho para jugar al golf y practicar el esquí. Realmente no estoy buscando una relación.
Creo que esto es una de las cosas buenas sobre el envejecimiento; aprendemos a tomar decisiones sin desesperación. Estoy disfrutando mucho esta época de mi vida y estoy más cómodo conmigo que lo he estado anteriormente. Con suerte, tendré la buena fortuna para devolver esta felicidad a alguien”.

NACIONES UNIDAS

“Lo que yo veo ahora mismo es un nuevo momento en mi vida, una nueva salida. Tengo interés en usar mi habilidad para hacer algunas cosas además de simplemente salir y promover una película. Una prueba de ello es ese premio que me ha otorgado las Naciones Unidas recientemente por mi lucha a favor de la paz mundial y la noproliferación nuclear. La razón por la cual pienso que las Naciones Unidas son tan importantes es porque nosotros debemos ir hacia una forma de gobierno mundial, constitucional, electivo, parlamentario. Las Naciones Unidas son mi esperanza para el próximo milenio, para que nosotros podamos tener una organización que permitiría que todos los gobiernos actuaran como miembros de un congreso mundial. Y como resultado, yo hago una súplica al Fondo Monetario Internacional para que liberen dinero hacia las Naciones Unidas para que nosotros tengamos la oportunidad de corregir las diferencias en el mundo. Odio ver a los políticos discutir asuntos triviales cuando hay tanta gente pasando hambre y dolor. Me ha tomado un rato para definir dónde quiero trabajar y lo que quiero hacer, y ésa es el área que me tiene ahora ocupado”.

Su participación a favor de la no-proliferación nuclear desde los años 70 ha estado centrada en evitar el control de un país sobre el plutonio, imprescindible para fabricar las bombas atómicas y que se emplee como fuente de energía. Cuando realizó el filme “El Síndrome de China” ya habló sobre los peligros de su mal uso.

“Estoy angustiado por la proliferación nuclear, y me preocupa mucho el desorden del ejército ruso. Allí pueden robarse elementos y dispositivos nucleares y usarse como chantaje. Los elementos necesarios para hacer una bomba son muy pequeños y fáciles de esconder, y pueden crear daños que nosotros ni siquiera podemos comprender. Como habitantes del planeta Tierra nosotros hemos sido sumamente afortunados y espero que no arruinemos tantos años de existencia por una insensatez. El final de la Guerra Fría nos hizo pensar que esta amenaza había acabado, pero la realidad es hay todavía aproximadamente 4.400 ojivas apuntando contra nosotros. Por eso es importante seguir hablando sobre el problema de las armas nucleares”.

Douglas también es un portavoz incansable sobre el uso personal de armas. Forma parte de una organización llamada “Alto el fuego” que fue creada por Jann Wenner después de la muerte de John Lennon. En Estados Unidos hay más muertes por armas de mano cada año que en el resto del mundo. La mayoría de esas muertes han sido causadas entre personas que se conocían.
Pero no todo es altruismo e introspección para Michael Douglas. Ahora es un practicante, quizás ligeramente obsesionado, jugador de golf. Con su amigo Jack Nicholson no hace otra cosa que jugar al golf.

“Él empezó a jugar un poco antes de que yo lo hiciera. Acababa de operarme de un accidente de esquí y no podía jugar al tenis. Era un problema en mi vida y pensé que el golf sería una buena opción, algo saludable.
La he convertido en una afición que debo hacer con rapidez, para tratar de recuperar el tiempo perdido en cosas que no necesitaba. Bueno, ahora tengo otra tortura psicológica, que es conseguir hacer 18 agujeros”.

OPINIONES DE SUS ADMIRADORES

Agrietado. Bueno. Humano. Cambiante. Apasionado. Se trata de un hombre inteligente, decente que de vez en cuando tiene un resbalón moral, pero los hombres inmorales suelen ser deslumbradoramente deseables. Como actor, sus opciones reflejan una intrepidez ante un público que constantemente quiere identificar y definir sus iconos por los personajes que ellos interpretan en las películas. Es un hombre importante que no siempre quiere hacer lo que se supone que un hombre tradicional hace. Es uno de los pocos hombres, en cualquier categoría de edad, que de forma consistente emana sexualidad en los personajes tan increíblemente carismáticos que interpreta.
Douglas evita los típicos casting debido a que los considera una trampa para los actores. Afortunadamente para él, ya no necesita pasar por estas pruebas puesto que el público está deseoso de continuar yendo a ver sus películas, sin tener en cuenta el género.

“Yo considero un desafío cada papel que interpreto. Soy una persona orgullosa y no respondo a ningún estereotipo. Las personas siempre están intentando conseguir imitar lo que alguien famoso hace y eso es un error. Cuando yo hice la trilogía del sexo, ‘Atracción Fatal’, ‘Instinto Básico’ y ‘Acoso’, o mi trilogía del hombre de negocios, ‘Wall Street’, ‘The Game’ y ‘Un crimen perfecto’, he sido afortunado por poder escoger esos trabajos tan diferentes y estoy orgulloso de que el público haya respondido tan bien. Esto no es algo habitual en una estrella de cine, aunque considero que esas interpretaciones son similares, especialmente en la depravación moral que muestran. No son unos personajes positivos, ni mucho menos los que pueden hacer aumentar mi club de fans”.

“En las películas me comporto en ocasiones como un bicho raro, aunque tamb ién he sido muy afortunado en esa área. Me he arriesgado y hasta ahora el público ha perdonado esas opciones y me han permitido hacer esos tipos diferentes de papeles. Yo hago las películas que me gustan, pero porque me figuro que también gustarán a los aficionados. Una vez que un actor se ha ganado la confianza de los espectadores y ha interpretado algunas películas raras, con papeles muy acertados, puede permitirse el lujo de arriesgarse”.

El amor de Douglas por los negocios está claro, tanto como su gratitud y su temor. Le sigue asombrando el proceso de fabricación de una película y considera que hay cierta magia en ello que imposibilita tener controlado todo el resultado final. Hasta que no se estrena no se sabe el resultado.

Su éxito en el cine estuvo dividido en dos épocas: una, cuando hizo de productor en “Alguien voló sobre el nido del cuco” y otra, cuando interpretó “Atracción fatal”. Una tercera época hay que centrarla en justicia cuando ganó el oscar al Mejor Actor por “Wall Street”.

EL GOLF

“Ahora me gustaría dedicar más tiempo a jugar al golf porque es un deporte que me entusiasma. Me gusta acudir a diferentes lugares del mundo para jugar y encontrarme allí con personas que comparten mi afición. Es un deporte maravilloso y nada violento, puesto que no importa con quién se está jugando, ya que el juego es uno mismo. Cada cual está a su rollo, tratando de pegar bien a la bola y cuando consigue un hoyo lo más importante es la satisfacción personal. Es un juego para la mente y el ritmo. Yo tiendo a apresurarme en todo lo que yo hago y el golf realmente me ayuda a controlar mi tiempo”.

“Es una ironía interesante: yo puedo actuar con 300 personas que me miran detrás de una cámara y no veo realmente a nadie ni me siento cohibido. Pero si en el golf hay más de un conjunto de cuatro jugadores que me miran mi toque, me hace perder la tirada. Puede que esto sea divertido y hay quien me preguntaría por qué practico un juego que me pone nervioso. Pero yo creo que si continúo jugando en torneos me convertiré en un buen jugador. Pienso que una parte importante del juego es conseguir una relajación controlada. Cuando estoy jugando y hago alguna tontería, con un montón de tiradas malas, hay que tratar de serenarse y no explotar. Estoy aprendiendo a tardar más en llegar al agujero, pero solamente para ganar paciencia”.

EL TABACO

Afortunadamente, un buen puro a veces puede neutralizar los efectos de una mala ronda de golf. Douglas empezó fumando puros precisamente en un campo de golf por las razones anteriormente mencionadas. Reconoce que fumó puros para ayudarle a dejar de fumar los cigarrillos que él mismo hacía. Pero lo que le gusta realmente de los puros es que son fáciles de encontrar cuando coge sólidamente los palos de golf y se concentra en el juego. Cuando fumaba cigarrillos, solía pegar a la pelota y luego vagabundeaba tratando de buscar un cigarrillo en su bolsillo o en el de los amigos. Finalmente, decidió que no debía contaminar el campo con las colillas y se pasó a los puros, que suelen durar hasta que acaba la partida.
Como coleccionista de vinos, Douglas disfruta de un buen vino tanto como de un puro. Ambas cosas suelen ir unidas a una gran comida. Manifiesta que le gustan los puros porque le dan una oportunidad a las personas para hacer una pausa en su trabajo, ocio o conversación. Es un ritual. Les proporciona una oportunidad para preparar sus pensamientos y pensar un poco antes de seguir. Insiste en que realmente disfruta fumando con otras personas porque el sentimiento de compañerismo es muy bueno. Recientemente, Douglas encontró uno de sus puros favoritos que decidió saborear solo. Un amigo le dio un Upmann y se lo fumó en solitario. Al final del día, se sentó en su balcón y lo disfrutó como si fuera lo más interesante que había efectuado en el día. La mayor parte del tiempo disfruta compartiendo esa experiencia con otras personas y se establece entonces una jornada de reflexión muy interactiva. Un puro, según su opinión, proporciona unos minutos adecuados para ser filosófico y al mismo tiempo relaja. Para él y quienes comparten su afición, les proporciona algo que tener en las manos sin inhalar un manojo de nicotina. Este proceso solamente se puede lograr con un gran puro, puesto que su consumo total lleva varias horas.
Douglas acostumbra en sus frecuentes viajes al extranjero a explorar y extender su afición a fumar puros.

“Intento viajar tan ligero como es posible y no traigo puros conmigo porque prefiero consumirlos allí, en el lugar de origen. Simplemente encuentro que hay muchos grandes puros para ser probados en el extranjero, aunque no puedo recordar ya cuáles eran los mejores. Con el vino no me ocurre lo mismo y reconozco los que más me gustan sin vacilar. Debería haber guardado las fundas de los puros más raros o esotéricos que he fumado. Me gusta el Cohibas dominicano, el Romeo y Julieta, y por supuesto, el Monte No. 2”.

SU CASA DE RECREO

Caminando por la Ariel Arenas Playa Club, Douglas nos explica por qué ha escogido invertir en ese lugar:

“Yo venía a la Bermu das cuando era niño, y tengo un libro entero lleno de recuerdos y personas de mi familia que estaban aquí. Ariel Sands era ya una colonia que poseía mi familia. Todos han contribuido económicamente en este lugar y son ya como socios del mismo lugar de recreo.
Al final de los años setenta, el mundo cambió. El Caribe se hizo más popular y las tarifas aéreas se pusieron más baratas y las Bermudas cambiaron dramáticamente. Se convirtió en un lugar difícil de conservar y como resultado no se realizó el trabajo de conservación que requería. Mi familia me llamó entonces y cuando vi el lugar supe que era un sitio magnífico. Al mismo tiempo, pude volver a ver a muchos miembros de mi familia a quienes no veía desde hacía años y en una familia relativamente grande esto suponen muchas personas”.

“Dado mi lado egoísta, yo veo este lugar como algo que realmente podría ser una gran diversión. Tiene el tamaño correcto y es el lugar donde se pueden traer amigos y llevarlos a los alrededores. Por otro lado, he visto una gran oportunidad para que junto a mis otros dos primos, Seward Johnson y Elaine Wald, podamos devolverle algo a la familia y al mismo tiempo lograríamos mantener unida toda la familia. Para que esto suceda debo reunir a una familia que hace casi 10 años ha permanecido alejada entre sí. Con poco dinero nosotros podríamos arreglar el lugar, traer algo de comodidad y divertirnos todos aquí. Esto es algo que conseguirá reavivar nuestra imagen de familia. Por supuesto, podría traer puros cubanos aquí, y quizá intentaría poner un despacho de puros para la comarca”.

LA PRENSA

Una de las trampas de ser célebre es esa prensa basura insaciable e intrusa. Recientemente, la vida privada de Douglas ha sido su blanco. Afortunadamente, los Estados Unidos son ya pioneros en este tipo de situaciones y una nueva ley, apoyada por varias sentencias, deja bien claro que nadie, mucho menos los periodistas, pueden inmiscuirse en la vida privada de las personas, sean célebres o no. Desde ese momento, no se podrá sacar ninguna fotografía, filmar o grabar conversaciones, en los lugares considerados privados, en los que se incluyen piscinas, hoteles o restaurantes.

"Yo intento protegerme un poco de esa gran cantidad de malos periodistas que buscan asombrar al público con alguna fotografía inédita. Pero cuando usted se protege, usted paga un precio, particularmente de esos mismos periodistas, quienes no soportan que se les dé con la puerta en las narices. Nosotros tenemos un fenómeno hoy que no existió en la generación de mi padre. Ellos tenían redactores de la chismografía corteses, nada parecido a lo que hay ahora. Había una calidad en la prensa y los periodistas solían ser civilizados, por lo que los actores no se sentían prisioneros en su propia casa. Es algo que perturba seriamente la vida personal de cualquier persona popular y aunque apoyo la Primera Enmienda, no queremos que nuestras fotografías aparezcan empapelando cualquier portada, especialmente si pertenece a nuestra vida íntima.
Nosotros pagamos por leer información, pero la mala prensa pagará dinero a cualquier persona que aporte información falsa, inventada o que denigre a la celebridad. Encuentro que eso es algo muy grave. Si alguien quiere ganar dinero conmigo no debe ser gratuitamente, ni con mentiras, ni a traición. Las estrellas del cine solemos colaborar sin problemas con la prensa amable y nunca hemos puesto pega alguna a ser entrevistados. Pero a la prensa canalla no les sirven estas entrevistas y quieren seguirme, perseguirme, acercarse furtivamente, y utilizando un teleobjetivo de 600 milímetros acercarse hasta mi cuarto de baño si es posible. No les importa revolver en mis cubos de basura ni chantajear a mis sirvientes, si con ello obtienen algo que les suponga mucho dinero. Serían capaces de vender un pedazo de papel higiénico utilizado por mí si eso se lo comprara alguien. Bueno, si eso es lo que quieren yo les puedo dar unos cuantos al día”.

Otro inconveniente de la fama es que aísla a una celebridad y le impide hacer nuevos amigos. La mayoría de los amigos de Michael Douglas han estado cerca de él durante más de 30 años y hablan muy bien de él, pero ahora tiene miedo de hacer nuevas amistades.

“Es duro en mi negocio encontrar a nuevos amigos porque ellos son siempre sospechosos de esconder algún periodista. A mí no me gusta eso, pero tiendo a ponerme un poco más cauto cada vez en eso de hacer nuevos amigos. Para las personas que empezaron conmigo hace años en el cine o en la universidad, mi éxito no les supone nada especial y siguen siendo mis amigos. Ellos son personas sencillas a quien quiero y doy mi confianza. Me gustaría estar más abierto para encontrar a más personas, pero es duro no poder hacerlo”.

DE NUEVO, SU PASIÓN POR LOS PUROS

Douglas comparte su pasión por los puros con su amigo y colaborador, el actor y director Danny DeVito quien orgullosamente afirma que se inició al mismo tiempo que Douglas en el consumo de los puros.
“Michael y yo nos conocemos desde 1963 o 1964, por lo que nosotros realmente somos lo que se llaman viejos amigos. Yo pienso que todo lo que he hecho en mi vida, Michael lo ha imitado. Una de las cosas más increíbles que ha hecho es cuando empezó a fumar puros. Él no puede admitirlo, pero yo presenté a Michael fumando puros. Como ya sabemos, Michael se mueve en círculos muy buenos donde puede conseguir los mejores puros. Cuando yo necesito una marca especial ya sé dónde acudir”.

DeVito aprovecha la oportunidad de seguir recordando acontecimientos. “Yo quiero que Michael sepa cuánto me acuerdo de aquél primer día en que llegué a su casa”. ¿Por qué un hombre que viaja tanto como Douglas tiene que sostener una costumbre tan poco habitual como mantener la humedad de sus puros?

“Básicamente yo tengo puros en Punto A y puros en Punto B y uno de los requisitos previos para mis ayudantes personales es asegurarse que la humedad es correcta. Eso es ciertamente un problema de calidad y aunque no estoy angustiado sobre la calidad de los puros que fumo, simplemente estoy angustiado sobre cómo de seco está mi puro. Al nivel que estoy viviendo mi vida ahora mismo, es bastante raro que me fume un puro malo. Puedo conseguir un puro seco, pero nunca un puro malo”.

SUS PENSAMIENTOS

Douglas es consciente del peaje que las películas le exigen y eso lo asume en cuerpo, mente y espíritu, aunque está buscando alternativas saludables para regenerar y crear equilibrio en su vida.

“Pienso que parte del motivo por el cual estoy haciendo menos películas no es por el envejecimiento, sino por esas cosas que llegan a mi alma. Usted da, da y da, y básicamente está vaciando su tienda de poder y energía. Hay que encontrar maneras para ver los deterioros y restaurarlos. Si está aprendiendo más sobre puros, o vino, o comida, también debe viajar más y leer religión. Hay que cultivar y nutrir el alma, su estómago, su mente y todas las otras cosas”.

Cuando las primeras estrellas de la tarde empiezan a brillar débilmente en el horizonte, Douglas toma el último trozo de su puro y nos recuerda que:

“La cosa más dura para mí es encontrar la próxima película que quiero hacer. Nunca sé cuál es mi próximo trabajo. La mayoría de los actores tienen una pizarra y en ella sus películas están alineadas. Ahora mismo no tengo absolutamente ninguna idea de lo que voy a hacer luego. Deseo ser una de esas personas que pueden planificar sus películas, pero en mi caso no puedo hacerlo. Soy bastante afortunado por vivir así porque me permite seguir mis instintos. Yo amo actuar y mi trabajo es darle algo de lo que quiere el público. No sé lo que va a venir luego y a veces me pone muy nervioso vivir así, pero creo que forma parte de mi forma de vivir”.

Motivado por la culpa o el fastidio que vienen con una vida de privilegio o intentando establecer su propia identidad fuera de la sombra de su padre el legendario Kirk Douglas, ahora sabemos que intentó subir a los árboles más altos, montar las bicicletas más rápidas, y asumir los riesgos mayores. Es como si en su vida hubiera estado colgando de un puente con un río a 30 metros.
De alguna manera, él está saltando todavía fuera de ese mismo puente y la diferencia es que lo único que ha arriesgado en su carrera, no su cuello. Y, lo más importante, es que parece haber disfrutado mucho con ello.

“Estoy seguro que alguna parte de mi paseo por tener éxito era una necesidad para demostrarme que valgo debido a los triunfos de mi padre”.

Este comentario lo efectuó en una ocasión cómodamente sentado en un sofá durante una recepción en un hotel de lujo. Bien aseado y vistiendo impecablemente con unos pantalones oscuros y una camisa tejana, este actor de 54 años estaba hablando sobre su última película "The Game", que acababa de estrenarse con gran éxito. Hizo una pausa para mirar un torneo de golf en televisión y buscar desesperadamente una caja de pequeños puros para llevársela al coche después de un día completo de entrevistas.

“Pero todo eso ha cambiado ahora. A esta edad ya no tengo que demostrar nada a nadie, y en esto me incluyo. Ahora solamente quiero que pase el tiempo lo mejor posible”.

Cuando habla de que le gusta pasar el tiempo se refiere también a interpretar papeles que otras estrellas de su categoría nunca aceptarían. Douglas se ha ganado una reputación como uno de los actores más audaces de Hollywood con una serie de papeles que pueden haber parecido nefastos para otro actor pero que de algún modo, en Douglas se convirtieron en favoritos del público.
Cuando aparecía como el adúltero en "Atracción Fatal" o el policía desagradable en "Black Rain" o el ejecutivo de cuello blanco en "Acoso", Douglas ha estado buscado papeles que suponen un desafío como actor. Es una estrategia en su carrera que ha funcionado: ganó un Oscar para su retrato de Gordon Gekko en "Wall Street" y se ha establecido como uno de los actores más taquilleros de Hollywood.
"The Game" es una película similar. En ella Douglas interpreta a un frío banquero, a un inversor cruel miembro de una de las familias más poderosas de San Francisco. En la víspera de su 48 cumpleaños, el mismo cumpleaños en el que su padre de ficción murió, recibe un regalo especial de su hermano, interpretado por Sean Penn. El regalo es una invitación para formar parte de un juego detallado creado por una compañía misteriosa que está especializada en paseos emocionantes y muy realistas. Douglas, ya sabemos que es un malvado cuando ejerce el mando, es un tipo muy nervioso cuando se encuentra como un perdedor de su propia vida. La película fue dirigida por David Fincher cuya anterior obra había sido "Seven", y que sabe encontrar siempre a un público a pesar de sus historias sumamente oscuras.

Douglas insiste que la perspectiva comercial de una película es la última cosa en su mente cuando él considera un papel.

“Lo primero que hago es leer el guión en conjunto, sin pensar sobre el papel particular que me quieren otorgar. Lo que yo quiero saber es si la historia puede funcionar y si funcionará en una película. No tiene sentido tener un buen papel en una película que no funciona. Me gusta también ser sorprendido. Quiero empezar a pasar páginas y páginas y no saber dónde voy. Si yo siento que sé dónde va la historia, me parece una pérdida de tiempo. Para mí, la excitación de cualquier película está en la incertidumbre. Las expectativas comerciales no son nada por lo que yo me preocupe. Si me preocupara por eso, nuncahabría hecho ‘Instinto Básico’ o ‘Acoso’ o ‘La Guerra de los Roses’. Por poner un ejemplo, los dos principales personajes mueren en ‘La Guerra de los Roses’, que ciertamente no parecía muy comercial. Pero parecía peligroso, y eso es por lo que me gustó. Mis preferencias siempre han ido hacia lo extraño y macabro”.

Cuando ganó el Oscar al mejor actor por “Wall Street” su vida cambió sensiblemente.

“Ése fue el momento en que yo me convertí en mi propio hombre. Ése era el momento en que inauguraba una segunda generación de actores. Yo no era ya el hijo de Kirk Douglas. Mis padres, mis compañeros, me habían felicitado porque ellos respetaron mi trabajo. En la Academia no reparten Oscars sólo porque les gusta usted o admiran a su padre. Ese era un tremendo momento para mí y cambió para siempre el lugar donde yo colocaría mi tótem”.

A PROPÓSITO DE ‘THE GAME’

- ¿Se siente inmerso en algunas de las fantasías paranoicas que interpreta en el cine?
- Creo que a veces. Hay momentos en los cuales empiezo a ver fuerzas poderosas por todas partes, más allá de mi control. [risas] En ese momento empiezo a preguntarme si son reales a me estoy volviendo loco.

- Pero usted todavía sigue interpretando ese tipo de películas.
- Bien, sí, yo las hago de nuevo, pero en esta ocasión (se refiere a The Game) vi que era un buen guión y muy original. Nunca se está seguro de lo que realmente está pasando, y casi al mismo tiempo se encuentra uno seducido por la novedad y le gusta ir en una dirección diferente. Yo no sé usted, pero yo no veo muchos guiones interesantes estos días. La mayoría de lo que se encuentra en mi escritorio ya lo he visto con anterioridad en otras películas.

- Hablando de su escritorio: Usted ha sido productor así como actor durante mucho tiempo y ha conseguido ganar un Oscar por estos dos trabajos, aunque ahora se limita a dejarse contratar en películas como The Game.
- Pero es que ahora necesito precisamente eso. Es bueno poder concentrarse simplemente en la acción. En este caso, nosotros rodamos durante 103 días, y estuve allí cada uno de esos días. He podido trabajar en mi personaje y pude disfrutar trabajando con los otros actores, como Sean Penn. Era tan bueno que fue un placer trabajar juntos.

- Yo no conozco muy bien a Sean, exceptuando por su reputación. Cuando le entrevisté estuve sorprendido al encontrarme a un tipo serio, sensible, que realmente se preocupaba de su trabajo.
- Y ése es el mismo actor que yo encontré. Quiero decir que le gusta aprovechar el tiempo, y que se toma su trabajo muy en serio. Cuando le miro me recuerda a mi hermano, con esa hendidura en su barbilla, y me quedo pensando si no será en verdad hijo de mi padre.

- Bueno, yo nunca he pensado una cosa así (risas).

A Michael le llevó mucho tiempo salirse de la sombra de su padre. Llevaba ya mucho tiempo permaneciendo junto a Karl Malden en la serie de televisión “Las Calles de San Francisco”, durante los años 70, y su primer triunfo en Hollywood ya sabemos que fue como productor en “Alguien voló sobre el nido del cuco”, en el cual era el protagonista Jack Nicholson.
No fue hasta mitad de los 80 en que Michael Douglas consiguió demostrar que también era un buen actor, primero en el filme “Atracción Fatal”, en donde hacía de un marido infiel que no puede desligarse de su amante, y posteriormente con ese trabajo como un ejecutivo codicioso en “Wall Street” de Oliver Stone. Como el financiero Gordon Gekko, Michael ganó un Oscar al Mejor Actor, el espaldarazo que necesitaba para que ya nadie le mencionara como “el hijo de Kirk Douglas”. Cuando continuó con las denuncias hacia algunas mujeres en “Instinto Básico” y “Acoso”, su nombre empezó a sonar con fuerza como el actor más taquillero, afianzando su popularidad cuando encarnó al presidente de los Estados Unidos en “El presidente y Miss Wade”.

- ¿Cómo creció usted siendo un niño que pertenecía a una segunda generación de actores de Hollywood?
- Bien, la ventaja es que mis padres se divorciaron cuando yo tenía cinco o seis años, y crecí fuera de Hollywood. Viví con mi madre en Nueva York, y cuando ella volvió a casarse nos fuimos a Connecticut. Una vez que mis padres se divorciaron siguieron manteniendo una buena amistad, lo mismo que sus respectivas parejas. Por eso yo nunca he tenido esa tensión directa de una familia divorciada.

- ¿Recuerda la primera vez que vio a su padre en la pantalla grande?
- Fue en “20.000 leguas de viaje submarino”. Hablaba de un submarino y recuerdo que gustó mucho a mis amigos.

- ¿Le han ofrecido alguna vez realizar un remake de ese filme?
- Espero que no, porque no sería capaz de besar a una foca como él lo hizo. ¿Ha olido alguna vez a una foca?

- ¿Cómo encajó ver a su padre realizando algunas escenas de amor cuando era niño?
- La primera vez fue en “El loco del pelo rojo”. En ese momento comprendí que era un maravilloso actor. Recuerdo viéndolo en Connecticut con mi hermano Joel, y en ese momento me olvidé que era también mi padre. Joel y yo nos sumergimos en el hecho de que ese hombre era Van Gogh, el artista; así de eficaz estaba en su actuación. Cuando le vimos rodar la escena en la cual se corta la oreja con el espejo llegué a creer que se había cortado de verdad. Mi hermano gritó pidiendo ayuda y durante algún tiempo estuvo traumatizado por haber visto a mi padre herido.

- ¿Cuándo van hacer una película juntos?
- Llevamos tiempo intentándolo. Este último año es la única cosa que he estado intentando: encontrar un guión para mi padre y para mí juntos. Nosotros hemos tenido varios guiones, pero ninguno le ha gustado. Él dice básicamente que nosotros tenemos una relación maravillosa, que nos llevamos muy bien, que nos queremos y no hay que estropearla con una mala película. Si alguna vez lo hacemos, que sea por una buena historia.

- Hay un asunto que no entiendo: ¿cómo es posible que dos actores como Danny De Vito y usted que se conocieron y trabajaron juntos en los años sesenta hayan logrado triunfar al mismo tiempo?

- Yo me marché a Nueva York después de haber terminado la universidad y Danny y yo compartimos un apartamento. Él ya estaba haciendo películas en super-8, algunas muy buenas. Si usted me hubiera preguntado entonces, le habría dicho que él iba a ser un gran director. No supe cuánto iba a evolucionar como actor. No hay muchos compañeros de profesión con los cuales se pueda mantener una amistad después de varios años, pero a ambos nos alegran los éxitos del otro. También es una suerte que las tres películas que hemos interpretado juntos, “Tras el corazón verde”, “La joya del Nilo” y “La guerra de los Roses”, sin olvidar “Alguien voló sobre el nido del cuco”, hayan sido todas éxitos en taquilla.

- Si nosotros fuéramos a preguntarle a Danny qué tipo de compañero de cuarto era usted, ¿qué diría?
- Seguro que diría que soy un enfermo, desordenado y pervertido. Nosotros hemos preferido olvidar esos años que compartimos juntos.

- Danny De Vito ha conseguido dirigir algunas buenas películas, ¿por qué no le hemos visto a usted dirigir todavía una?
- Yo he estado ocupado como actor. Después de haber tenido mis primeros éxitos como productor, incluso haber ganado un Oscar por ello, no lograba el mismo reconocimiento como actor y por eso preferí dedicarme más intensamente a ello. Ahora estoy aprovechando la oportunidad que tengo para conseguir buenos papeles que antes me estaban vetados. Estoy ahora al mismo nivel de actores como Robert Redford y Paul Newman. Desde que he entrado en los 50 y ahora que mi vida es ya un crepúsculo, creo que es el momento de empezar a dirigir. El hecho de haber sido productor y poder trabajar con los directores muy intensamente me facilitará las cosas. Nunca me he sentido frustrado por no haber sido director anteriormente. Siempre he podido hablar con ellos tanto como actor y productor y sé perfectamente lo qué piensan y cómo trabajan.

- Al ser una estrella internacional, ¿cómo le consideran en el extranjero?
- Todas mis películas han sido también grandes éxitos en el extranjero. Yo pienso que ellos, los extranjeros, no establecen ninguna comparación entre mi padre y yo.

- ¿Hay alguna diferencia en el modo en que las personas le tratan en el extranjero y aquí?
- En Europa supone todavía una sorpresa verme por la calle o dando conferencias de prensa. Ellos se excitan por ver a sus ídolos. En los Estados Unidos la gente es más respetuosa.

NOTICIAS

Después del gran éxito de "L.A. Confidencial", el drama negro mundialmente aclamado, todos los estudios están intentando conseguir la próxima película de Curtis Hanson. El vencedor podría ser la Paramount que está negociando para hacer con Michael Douglas "The Wonder Boys", una adaptación de la novela de Michael Chabon. Hanson también ha mantenido conversaciones serias sobre otro proyecto, "Family Man" que interpretará Nicolas Cage para la Universal. Pero Cage se reserva para interpretar a las órdenes de Martin Scorsese "Bringing out the Dead", aunque todavía no hay ningún contrato por medio.

En "The Wonder Boys" Douglas interpretará al autor de una novela de gran éxito que está intentando escribir otra. Su éxito anterior es tal que tiene serios problemas para empezar a escribir su próxima novela y piensa que no podrá ser mejor que la primera.

Venecia.
Steven Spielberg y Tom Hanks han estado allí, aunque los reflectores prefirieron enfocar a la gran estrella Sophia Loren, quien acababa de reponerse de una enfermedad. Otras estrellas importantes que acudieron fueron Sean Penn, George Clooney, Michael Douglas, Denzel Washington, Jim Carrey, Ed Harris, James Caan y Kenneth Branagh.

Michael firmará un contrato para rodar el thriller “Deep Sea”. -
Un periodista ha informado que Michael Douglas se propone interpretar el papel del comandante de un submarino de la Segunda Guerra Mundial U-571 para la Universal. El actor, quien anteriormente ha interpretado personajes en cierto modo desagradables, está muy interesado en ser ahora un héroe. Jonathan Mostow ("Breakdown") dirigirá esta producción de Dino De Laurentiis y el rodaje comenzará en el gigantesco tanque acuático instalado en la isla de Malta, realizándose los exteriores en Roma.

Praga.
En la 55 edición del festival el actor Michael Douglas ha dicho que ha decidido dejar su papel en la próxima película de acción submarina de Jonathan Mostow “U-571”. Su salida de la película fue ocasionada por diferencias serias antes de comenzar el rodaje que le entristecieron mucho.
Agregó que su retiro precipitado abre nuevas y variadas posibilidades, incluso una continuación de “Tras el corazón verde”, secuela de la cual ya dispone de un guión. Douglas habló de estas noticias después de su abandono prematuro de “U-571”, durante una entrevista privada ante unos periodistas que habían acudido al festival. La prensa informó al día siguiente que Douglas mencionó estar tratando de realizar una película junto a su padre Kirk Douglas, quizá el próximo año.

Douglas ha sido nombrado "Mensajero de Paz" el 6 de agosto de 1998 por las Naciones Unidas a requerimiento del Secretario General Kofi Annan. El sábado anterior Michael Douglas habló en una conferencia presidida por Annan en Viena, sobre la continuación de la amenaza por la proliferación nuclear.
El ex-presidente Jimmy Carter, el Arzobispo Desmond Tutu, y el anterior presidente de Irlanda, estuvieron allí, lo mismo que el Alto Comisionado para los Derechos Humanos Mary Robinson, el Laureado Wole Soyinka de Nigeria y Eleanor Bonner, viuda de Andrei Sakharov.
Por su parte, Víctor Klima, Canciller de Austria, pidió una reunión privada con Douglas con respecto al uso de las armas personales después de leer sus declaraciones en Viena.

Los 70 acres de terreno que tiene en Hendry's Beach tendrán nuevo nombre.Michael Douglas dio mucho dinero ($600.000) para comprar este lugar y ahora quiere cambiarle el nombre. En el 80 cumpleaños de su padre, Kirk Douglas, Michael anunció el nuevo nombre, la "Douglas Family Preserve". La propiedad pertenece ahora a la Trust Public Land que usó donaciones de la comunidad (incluso el dinero de Douglas) para comprar la propiedad por más de 3.000.000 de dólares. Ahora el desafío es conseguir que la SB City Council acepte la tierra como regalo. Ellos están preocupados por esto, principalmente porque el Arroyo Burro Creek a veces está contaminado y corre a lo largo del borde de la propiedad.
El actor Michael Douglas recibió el premio cultural más alto del gobierno francés: La Orden de las Artes y las Letras. Este premio es el equivalente al Oscar americano.

Douglas trata de realizar una película con su familia.
Su hermano Joel será el productor, y su hijo Cameron, de 20 años, también intervendrá en el rodaje. Hablando de su familia, Douglas recuerda que su padre sirvió como oficial durante la Segunda Guerra Mundial, y él relaciona una historia que Kirk y la tripulación tuvieron en una ocasión cuando tenían que navegar por aguas poco profundas persiguiendo a un barco enemigo.
Antes de empezar este rodaje en el mar, deberá primero promocionar la obra del director Andy Davis "Un crimen perfecto", un remake de la película de Alfred Hitchcock "Crimen perfecto", en la cual interpreta a un marido que quiere asesinar a su adúltera esposa Gwyneth Paltrow.

Michael Douglas ha sido nombrado Mr. Big en Littlesville.
O por lo menos le gustaría serlo. El actor está trabajando de volver a realizar el filme de 1945 basado en una obra de Sturges Preston que ha estado coleccionando polvo en la bóveda de la MGM. Esta comedia romántica se centra alrededor de un magnate que es esclavo de su trabajo y que es instruido por su doctor para conseguir una vida mejor. Marshall Brinkman está puliendo la historia en la que Douglas tendrá el principal papel y será el productor.

Michael habla de un nuevo problema.
Michael ha sido portada en una revista para aficionados en la cual se le declara como uno de los 100 actores más importantes de Hollywood. Esa misma revista advierte de un cambio generacional en esa lista, en la cual la mayoría de los actores más importantes y poderosos tienen más de 40 años, y menciona ya a una nueva generación de jóvenes actores. Michael figura en el puesto número 54 de esta lista, bajando 3 puestos con respecto al año pasado.

Michael es invitado al Show de Rosie O'Donnell.
Michael hizo su aparición en el Show de Rosie O'Donnell y allí habló sobre su última película “Un crimen perfecto”. Los que le vieron dicen que Douglas estuvo muy serio, aunque ella comentó que la película era excelente y que Michael estuvo como siempre estupendo interpretando a un tipo malo. La película ha sido producida por la Warner Bros.

Comunicado de la Casa Blanca.
Michael ha sido por fin invitado a participar en la White House Correspondent's Dinner. Después del éxito que está consiguiendo con “Un crimen perfecto” Douglas ha sido reconocido como el Mejor Actor del Año, un nuevo premio que recoge después de “Wall Street”.

Continuación de “Instinto básico”. -
Sí, se nos ha informado que una continuación a la película de Michael "Instinto Básico" está ya en fase de pre-producción, aunque él todavía no ha firmado el contrato.

El yate de Douglas en Comoros.
Las autoridades del puerto de Comoros entraron al yate de lujo que el actor Michael Douglas posee, en donde se organizaba una fiesta privada.
Los oficiales dijeron después que tuvieron que interrogar a los miembros de la tripulación durante varias horas. En su comunicado a la prensa dijeron que el yate llegó a Moroni, la capital de las Islas de Comoro sin avisar, y después se pusieron en la zona izquierda del puerto sin pedir autorización.
Los políticos locales dijeron que las autoridades habían puesto el yate bajo arresto debido al miedo que tenían sobre los problemas que se estaban generando en esa zona a causa de la declaración de las islas Moheli como una República islámica Federal.
Ellos dijeron que Michael Douglas y otro pasajero habían planeado desembarcar y coger un vuelo en Comoros, pero se quedaron a bordo del yate para hablar con las autoridades. El mes pasado las fuerzas de seguridad de Comoran retuvieron a un avión de la South African y un helicóptero que aterrizaron al parecer sin la autorización correspondiente. Los aviones obtuvieron el permiso de salida después de que sus ocupantes hubieran declarado.

NOTICIAS CORTAS

“Tras el corazón verde”, la continuación. -
Douglas miembro de honor por su contribución al Medio ambiental.Michael estrella en “Misterio en el Ejército”.-
Douglas y Sean Connery interpretarán la película de acción “El equipo A”.- "The game" ahora en DVD.
Rosie O'Donnell con Michael Douglas.
Michael Douglas y su hermano crean la Compañía NewMedia.Michael Douglas es Miembro de Honor en el festival de cine de Chicago.

Como sabemos, en la película “The Game” Douglas interpreta a un bil lonario solitario que para dar aliciente a su vida se involucra en un terrorífico juego que termina despojándolo de su riqueza y poder. Al mismo tiempo que se rodaba el filme, la esposa de Douglas, Diandra de 39 años, acababa de pedir el divorcio después de 20 años de matrimonio. Su hijo de 19 años, Cameron, entró en una clínica para ser tratado de su abuso de drogas, mientras que su hermano Eric Douglas, de 38 años, fue arrestado por conducir bajo la influencia de alcohol y drogas. Un año antes, Eric Douglas había sido encarcelado por detener un vuelo de California a Nueva Jersey.

Su padre Kirk Douglas, de 80 años, un veterano y popular actor, continúa recuperándose de los efectos del accidente que sufrió en enero de 1996.

"He recibido llamadas muy misteriosas”, dijo al director David Fincher (“Seven” y “The Game”).

"Me he pasado muchos días hablando por teléfono desde mi remolque con los abogados, dice Michael, para tratar los asuntos de mi esposa, hijo y hermano, y hablando con mi padre.
Esto supone un gran dolor para un actor como yo. No hay nada peor en la vida como una crisis familiar, sobre todo un divorcio, que obliga a una persona a reevaluar su vida. Mi divorcio era mi juego y puso mi vida ciertamente en un dilema”.

Aunque tuvo sus momentos amargos, Douglas insiste en que ahora ambos realizan sus operaciones con amistad.

“Diandra y yo estamos una vez más en buena armonía. Ella está en España, en la casa que teníamos allí y yo vivo en Nueva York. Tengo planeado visitar a Diandra después en España este año y jugar un poco al golf allí”.

Douglas dice que su hijo Cameron lo está haciendo sumamente bien.

“Yo me pasé toda mi vida esperando una oportunidad para ayudarle. Intenté estar a su lado y darle tanto cariño como podía. Es algo que yo he aprendido de mi padre durante mi vida junto a él. Desde que tuvo el accidente también hemos estado mucho tiempo juntos y creo que ahora somos mucho más padre e hijo que antes”.

Kirk Douglas se divorció de la madre de Michael, la actriz británica Diana Dill, cuando el hijo tenía cinco años.

“Mi madre se volvió a casar con un gran hombre durante 36 años. Yo crecí con ellos en Connecticut y sólo visité a mi padre durante mis fiestas por lo que no dispusimos de mucho tiempo para estar juntos”.

Douglas dice que entiende ese interés de su hijo Cameron que quiere ser un disc-jockey.

“Cuando yo era adolescente solamente era el hijo de Kirk Douglas. Tenía que luchar por mi propia identidad. Aunque yo tuve algunos éxitos en los años 70 con la serie de televisión ‘Las Calles de San Francisco’, no tuve identidad propia hasta que en 1975 produje ‘Alguien voló sobre el nido del cuco’.

“Cameron es la tercera generación. Es aún más duro para él encontrar un lugar en el mundo sin la sombra de su familia”.

Michael es el que más éxito ha tenido de los cuatro hijos de Kirk Douglas. Él dice que se ha preguntado a menudo las causas para que él triunfase en la vida en lugar de otro de sus hermanos.

“Puede ser porque el primer niño en cualquier fami lia tiende a ser el dominante. También pienso que me ayudó el hecho de que en los años 60 fuera un hippie. Crecí no obsesionándome con el dinero y el éxito”.

“Era un tiempo maravilloso, mágico para cualquier joven. No me sentía presionado por tener éxitoy, por consiguiente, yo nunca estuve preocupado por fracasar”.

En “The Game”, Sean Penn interpreta al hermano más joven de Douglas como un tipo con problemas y celoso del triunfo de su hermano mayor. Las comparaciones con la vida real de su hermano Eric no pasaron desapercibidas.

“Usted intenta separarse del dolor y los problemas de sus hermanos pero es imposible. Yo pienso que esa es la razón por la cual mi personaje en “The Game” está de acuerdo en jugar. Trata de agradar a su hermano quien insiste en que participe en un juego que puede cambiar su vida. Nosotros siempre queremos que nuestros familiares tengan éxito en la vida y estén felices”.

El divorcio de Douglas y los recientes problemas de su hijo, no lo han alejado de formar pareja y ser padre.

“Yo me casaría de nuevo en un segundo si encontrase a la mujer correcta y me gustaría tener más niños. He aprendido tanto que estoy seguro que sería un buen padre y marido”.

Cuando Douglas cumplió los 50 años en 1994, empezó a pensar sobre su mortandad.

“Yo me pregunté cómo quería invertir el resto de mi vida. Si los genes de mi padre significan algo, tengo todavía unos 40 años de buena vida. Estoy maravillado del crecimiento espiritual de mi padre estos últimos 10 años desde que tuvo ese accidente”.

“Su vida no acabó cuando su carrera finalizó y eso es una gran inspiración para mí. Esto me ha enseñado que hay innumerables maneras de tener una vida en lugar de retirarse a vegetar”.

“He decidido que voy a hacer menos producciones y más actuaciones. Me gustaría también probar mi habilidad para dirigir”.
“Cada vez disfruto más actuando. Las productoras me pagan bien y me miman. Realmente es el mejor de todos los posibles mundos”.

Fue noticia por un cáncer avanzado de garganta, fase 4, que aparentemente se curó. La noticia incluye que el actor volvió a fumar.

FILMOGRAFÍA

WHERE’S JACK? 1969
UK
119 minutos

Productor: Stanley Baker
Director: James Clavell
Guión: Rafe Newhouse, David Newhouse Música: Elmer Bernstein
Efectos especiales: Ferdie Bellan
Maquillaje: Wally Schneiderman, Jill Carpenter Coreografía. Malcolm Goddard
Vestuario: Cynthia Tingey

Intérpretes:
TOMMY STEELE: Jack Sheppard STANLEY BAKER: Jonathan Wild FIONA LEWIS: Edgworth Bess Lyon ALAN BADEL: Lord Chancellor MICHAEL DOUGLAS
Buenos actores y una correcta producción que no aportaron, sin embargo, los resultados apetecidos. Nos resulta poco atractiva esa aventura sobre un histórico bandolero famoso en Inglaterra y que fue un experto en fugas. Buenas interpretaciones de Stanley Baker como un mercenario y poco menos que anecdótica la presencia como extra de Michael Douglas.

LA SOMBRA DE UN GIGANTE Cast a Giant Shadow 1966

142 minutos

Director: Melville Shavelson

Guión: Melville Shavelson, basada en la obra de Ted Berkman

Intérpretes:
KIRK DOUGLAS: David Marcus JOHN WAYNE: Mike Randolph FRANK SINATRA: Vince
YUL BRYNNER: Asher
ANGIE DICKINSON: Emma MICHAEL DOUGLAS

Biografía de un héroe de la guerra árabe-israelita, Mickey Marcus, quien en ocasiones cambia la Iglesia por la cama compartida con Angie, antes de unirse con otros luchadores, menos sexys, por la libertad. Interesante reparto que no fue premiado con el esperado éxito comercial.
La película estuvo a punto de suspender el rodaje a causa de multitud de problemas, hasta que John Wayne y su productora Batja se hicieron cargo del proyecto. La historia se centra en el entrenamiento que realiza el coronel David Marcus en una división israelí que tiene que pelear con las fuerzas palestinas.

¡HAIL, HÉROE! Hail, heroe! 1969

97 minutos

Director David Miller
Basada en la novela de: John Weston Guión: Robert Auser
Productor: John Weston

Intérpretes.
MICHAEL DOUGLAS: Carl ARTHUR KENNEDY: Albert TERESA WRIGHT: Santha PETER STRAUSS: Frank

Presuntuoso drama sobre un hippie (Douglas) bien alimentado por su familia, quien mantiene un enfrentamiento con ellos cuando reniega de la guerra del Vietnam y hace todo lo posible para eludir el reclutamiento forzoso. Él trata de explicar que no es un cobarde, pero que no quiere considerar a una persona como enemigo solamente porque pertenezca a un país hostil. Quiere ir al Vietnam, pero para confraternizar con los enemigos. Obviamente, para eso es mejor que no vaya.
Película a revisar solamente por la presencia de Douglas y Strauss, aunque también habrá que tener en cuenta la música de Gordon Lightfoot quien compuso y canta dos canciones.

ADAN A LAS SEIS DE LA MADRUGADA Adam at 6 am. 1969

100 minutos

Productor: Rick Rosenberg, Robert Christiansen Director: Robert Scheerer
Guión: Stephen Karpf, Elinor Karpf
Música: Dave Grusin

Intérpretes:
MICHAEL DOUGLAS: Adam Gaines LEE PURCELL: Jerri Jo Hopper JOE DON BAKER: Harvey Gavin CHARLES AIDMAN: Mr. Hooper

Película desestimada en su momento sobre un joven profesor de la universidad de California que se pasa los veranos en Missouri trabajando como un obrero. Sus padres son ricos pero él no mantiene buenas relaciones con su familia y al igual que otros jóvenes, encuentra a su generación precedente vacía y falsa. Cuando muere un antiguo amigo suyo se pone triste y cree llegado el momento de tomar decisiones en su vida.
Mala realización para una buena base argumental, con numerosos pasajes lentos y que incitan al sueño. A revisar solamente por la correcta actuación de Douglas y Purcell.

SUMMERTREE Summentree 1971

88 minutos

DirectorAnthony Newley
Basada en la obra de: Ron Cowen Guión: Edward Hume, Ron Cowen Música: David Shire

Intérpretes:
MICHAEL DOUGLAS: Jerry JACK WARDEN: Herb
BRENDA VACCARO: Vanetta ROB REINER

Película excesivamente valorada, aunque válida, en el cual se vuelve a tocar el tema que más preocupaba a la juventud norteamericana: la marcha hacia el Vietnam. Adaptada de una obra de Broadway e interpretada por Michael, quien sustituyó a su padre Kirk, nos habla de un joven estudiante de música que conoce a una guapa enfermera, justo cuando tiene que partir hacia la guerra. Como datos de interés, hay que mencionar que en esta película se conocieron Douglas y Brenda, surgiendo entre ambos el romance que ya sabemos, y que fue producida por la empresa de Kirk Douglas. Como es lógico, las mejores escenas son cuando están juntos los dos enamorados, puesto que son las más creíbles.

EL SILENCIO
When Michael calls 1971

73 minutos

Guión: James Bridges, John Farris Director: Philip Leacock

Intérpretes:
ELIZABETH ASHLEY: Helen BEN GAZZARA: Doremus MICHAEL DOUGLAS: Craig KAREN PEARSON: Peggy

Película de miedo y misterio en la cual una madre recibe llamadas telefónicas extrañas de una voz que parece la de un hijo muerto, justo en el momento en que se encuentra inmersa en trámites para su divorcio. Con un final absolutamente predecible, y empleando recursos muy habituales, nos muestra una historia en la cual el mayor interés estriba en la presencia como actor secundario de Michael Douglas.

LA MONTAÑA DE LA AVENTURA Napoleon and Samantha 1972

92 minutos Color

Productor: Winston Hibler
Director: Bernard McEveety
Guión: Stewart Raffill
Fotografía: Monroe Askins
Compositor: Buddy Baker
Vestuario: Chuck Keehne y Emily Sundby

Intérpretes:
MICHAEL DOUGLAS: Danny
WILL GEER: Grandpa
ARCH JOHNSON: Jefe de policía JOHNNY WHITAKER: Napoleón Wilson JODIE FOSTER: Samantha
HENRY JONES: Mr. Gutteridge
JOHN CRAWFORD: Sargento
Un cuento de Disney sobre dos niños que se van lejos con su querido león. Una correcta película para la familia que solamente podemos ver en televisión por satélite y que supuso el debut en el cine para la joven Jodie Foster. Un pequeño accidente con el león alejó a Jodie algunos días de su trabajo.

Premios:

Nominada a la mejor música 1972: Buddy Baker

Su compañera de reparto: JODIE FOSTER

Nombre de nacimiento: Alicia Christian Foster
Fecha y lugar de nacimiento: 19 de noviembre de 1962, Los Angeles, California Educación: Liceo Francés; Yale (literatura)

Excepcionalmente madura, y actriz de gran talento desde niña en los años setenta, logró una buena transición como actriz cuando se convirtió en adulta. Inicialmente tuvo como agente artístico a su propia madre Brandy, convirtiéndose la joven Foster en el principal sostén económico de toda la familia. Pronto tomó el mando de su propia carrera y gradualmente elaboró su desarrollo de manera meticulosa a través de una cuidadosa selección de sus proyectos, adquiriendo una gran experiencia para conseguir una imagen pública a su medida. Su ascenso como gran estrella adulta lo tuvo cuando fue nominada al Oscar a la Mejor Actriz Secundaria por “Taxi Driver”, aunque no se detuvo en sus galardones y nos ha proporcionado una gran sorpresa por sus trabajos como directora y productora.
Foster empezó su incursión en el mundo artístico realizando anuncios desnuda para una empresa de bronceadores cuando tenía tres años. Este anuncio, que la mayoría todavía recuerda, era para Coppertone y pudimos ver a la niña Jodie enseñando su pequeño trasero cuando un perro intenta quitarle su bañador. Posteriormente trabajó de manera más regular en otros anuncios y como invitada en varias series de televisión hasta que la productora Disney le ofreció un contrato para el cine.
Su paso al mundo de adultos fue especialmente brusco con su actuación polémica en “Taxi Driver” (1976), como la prostituta adolescente que inspira a Robert De Niro a realizar una cruzada personal poco acertada. Foster consiguió una nueva nominación al Oscar por sus diversas caracterizaciones, incluso como un gángster, en el musical “Bugsy Malone, nieto de Al Capone” (1976), con el desconcertante papel de Srta. Tallulah, la reina de una taberna clandestina obscena. También fuepolémico su trabajo en “The Little Girl Who Lives Down The Lane” (1976), y en “Carny” (1980), como una adolescente que se une en su huida a unos chicos.
Incluso cuando su carrera era muy fructífera, Foster seguía siendo una estudiante excelente, y se graduó en el Liceo Francés de Los Angeles en 1980 y continuó estudiando literatura en la Universidad de Yale. También sobrevivió al intenso aluvión de noticias cuando su nombre estuvo involucrado en un intento de asesinato al presidente Reagan en 1981 por parte de John Hinckley Jr., quien pretendía impresionar con ello a Foster. Mientras estudiaba en Yale, siguió efectuando apariciones en cine y televisión, destacando como un miembro de una original familia en la película “El Hotel New Hampshire” (1984), consiguiendo ya el salto definitivo a papeles como adulta cuando interpretó “Cinco esquinas” (1986).
Foster consolidó su reputación cuando le premiaron con un Oscar por su trabajo como víctima de una violación en “Acusados” (1988), afianzando aún más si cabe su prestigio como el neófito agente del FBI en la película de miedo psicológico de Jonathan Demme, “El silencio de los corderos” (1991). Para su debut como directora escogió “El Pequeño Tate” (1991), en donde realizó una historia sobre un niño prodigio que vive una intensa vida junto a su madre, una mujer trabajadora (interpretada por Foster), y su maestra (Dianne Wiest).
En 1992, Foster firmó un contrato de producción por tres años con Polygram Filmed Entertainment, en el cual se comprometían a financiar tres películas (bajo su estandarte de Egg Pictures), por las cuales ganaría 25 millones de dólares, más un extra de 10 millones que se destinarían a la promoción. Una de las condiciones era que Foster podría escoger si quería trabajar como intérprete o, simplemente, producir y dirigir estas películas, puesto que no tenía aún muy claro si quería destacar más como directora o como actriz. El trabajo como intérprete de Jodie Foster durante este tiempo ha sido muy diverso y podemos verla como una prostituta en “Sombras y nieblas” (1992) de Woody Allen, en el intenso drama de “Sommersby” (1993) con Richard Gere, y junto a Mel Gibson en la parodia del Western “Maverick” (1994), su primera comedia en esa década. Con su primer trabajo para la Egg Pictures, Foster consiguió bastante éxito con “Nell” (1994) como una ermitaña del bosque que habla en una lengua inventada. Una vez más, Jodie Foster consiguió una nominación al Oscar a la Mejor Actriz, galardón que le sirvió para llegar con aplomo hasta “Contact”, una historia sobre contactos con otros mundos.

LAS CALLES DE SAN FRANCISCO The streets of San Francisco 1972

ABC TELEVISION 98 minutos

Basada en la novela: Poor, poor Ophelia Productor: Quinn Martin
Director Walter Grauman

Intérpretes:
KARL MALDEN: Mike Stone
MICHAEL DOUGLAS: Steve Keller
ROBERT WARNER
MAKO
Apariciones esporádicas de: Arnold Schwarzenegger, Brenda Vaccaro, Leslie Nielsen, Don Johnson, Vera Miles, Nick Nolte y Edmond O’Brien.

Larga y popular serie de televisión, basada en unos anteriores personajes de Peter Gunn, quien escribió una novela policíaca prácticamente igual, en donde nos muestran las aventuras y desventuras de los detectives Stone y Keller que deben pelear duramente para mantener el orden en las calles de su ciudad. En un momento en el cual la televisión proporcionaba más popularidad que el cine, Douglas decide acabar su participación en la serie en 1976, después de haber interpretado 96 episodios. El sucesor fue Richard Hatch durante 18 capítulos más.

ALGUIEN VOLÓ SOBRE EL NIDO DEL CUCO One flew over the cuckoo’s nest 1975

133 minutos

Productor: Saul Zaentz, Michael Douglas
Director: Miloš Forman
Guión. Lawrence Hauben, Bo Goldman
Basada en la novela de Ken Kesey y Dale Wasserman Música: Jack Nitzsche
Maquillaje: Fred Phillips
Vstuario: Aggie Guerard Rodgers

Intérpretes.
JACK NICHOLSON: Randle Patrick McMurphy LOUISE FLETCHER: Nurse Ratched
WILLIAM REDFLIED: Harding
MICHAEL BERRYMAN: Ellis
DANNY DE VITO: Martini
CHRISTOPHER LLOYD: Taber

"Escape" es el nombre de una clínica psiquiátrica que se parece demasiado a una prisión. Hasta allí llevan a Randall Patrick McMurphy (Nicholson), quien acaba de ser sacado de la cárcel porque alguien piensa que está loco por no ser capaz de llevar una vida feliz y tranquila en la prisión. Es enviado a un manicomio, y aunque le han cambiado el nombre por el de “asilo mental” es el mismo perro con distinto collar. Cuando llega trata de ser amable y no crear problemas, pero pronto se hace odioso, especialmente para una enfermera llamada Mildred Ratched (Louise Fletcher). Ella parece amable, cariñosa, pero en realidad es una malvada, déspota y resentida mujer, que saca las uñas cuando alguien no se comporta como ella quiere, dócil y sumisamente.
Pronto el amigo McMurphy encuentra que sus compañeros enloquecidos son en realidad presos de un sistema médico que gusta de aturdir, atar y sedar a los enfermos para que ellos y los guardianes puedan trabajar relajados. Nuestro amigo pronto aclara que allí no hay más loco que los que están fuera de las celdas. Cuando intima con ellos encuentra que todos tienen personalidades distintivas con algunas chifladuras extrañas y patéticas, aunque la mayoría se han vuelto verdaderamente locos desde que llegaron allí. Para traer un poco de vida a esa atmósfera muerta, McMurphy introduce juegos de cartas (con una baraja que alberga fotos de chicas desnudas), organiza juegos de béisbol, e incluso trata de sacar al exterior a sus compañeros. Pero detrás de todos sus movimientos está la malvada enfermera Ratched, quien disfruta administrando castigos y tratando de romper el espíritu independiente de McMurphy.
Hay una gran fiesta en el manicomio y en un momento dado McMurphy pasa de contrabando a dos chicas, Honey (Marya Small) y Rose (Louisa Moritz), lo que ocasiona una gran alegría a los enfermos varones que ocasionan una fiesta que termina en una fenomenal borrachera. Todo ello contribuye a que los enfermos mejoren su estado mental y uno de ellos, Billy Bibbit, se atreve a realizar el amor con una de las chicas. Pero la enfermera Ratched encuentra Billy en la cama con una de las muchachas y vengativamente dice que ella informará a su madre de ese acto tan abominable. Nadie sabe dónde radica el error pero para Billy supone un nuevo trauma imposible de superar y se suicida. Cuando McMurphy se entera intenta estrangular a la enfermera Ratched, quien estamos seguros hace años que no ha mantenido relaciones sexuales.
Es detenido justo a tiempo de hacer justicia y para remediar sus deseos de convertirse en juez de ese desquiciado centro mental, le someten a una lobotomía, una de las operaciones más crueles de nuestra época. Él no quiere porque sabe lo que significa, pero sus derechos humanos están por detrás del derecho de los médicos para decidir su futuro y le operan. Cuando es devuelto a su cama es ya una piltrafa humana. En ese momento llega ese gigantesco indio llamado Bromden (Will Sampson), quién también ha falsificado su locura para escapar de un mundo brutal, y realiza la eutanasia a McMurphy para evitar que pueda ser consciente del mal irremediable que le han hecho los médicos. Después, enjuaga sus lágrimas y se suicida para poder recuperar por fin la libertad. Cuando sus compañeros se enteran aplauden en su memoria.

Película dramática y especialmente sensitiva para quienes no acabamos de creer en los beneficios de la medicina psiquiátrica actual. Pero más allá de producir un efecto desagradable y provocar el lloro, “Alguien voló sobre el nido del cuco” es un estudio desnudo contra el maltrato en los hospitales mentales, maravillosamente denunciado y expuesto por personas no médicas. Nicholson está muy adecuado en su papel como el preso dotado de una gran personalidad y sentido de la independencia, quien pronto se da cuenta que allí no se cura a nadie, sino más bien se les aturde hasta que enloquecen por el aislamiento y la soledad. Si no supiéramos que esto ocurre todavía hoy en día, saldríamos del cine solamente con la satisfacción de haber visto una buena película. Fletcher realiza un papel extraordinario como la enfermera de sonrisa aparentemente amable que en realidad solamente esconde odio y desprecio para sus enfermos, impidiéndoles hacer otra cosa que no sea su propia voluntad. Su papel es patético y habla con una insultante monotonía, con su cara inmóvil, y su cuerpo tan rígido como el almidón, adecuadamente oculto por su uniforme inmaculado. Una estupenda actuación, en suma, aunque no firmó ningún autógrafo.
Lógicamente, el trabajo de Nicholson fue merecedor de un Oscar al Mejor Actor con una actuación que no es memorable pero que casi es perfecta en algunos momentos. Para él supuso el espaldarazo que necesitaba para triunfar y aún hoy se le puede recordar por esa postura psicológica, en ocasiones tan traumática o quizá desagradable, como el preso que no entendía las razones para estar allí. Poco a poco logra que aborrezcamos a los médicos del lugar y nos lleva a ejercer como denunciantes contra esos médicos que tienen el dominio en los hospitales, hasta el punto de buscar su felicidad y no la de los enfermos que pretenden curar.

El actor Kirk Douglas adquirió los derechos sobre la obra de Wasserman (originalmente escrita por Ken Kesey como una novela) y consiguió bastante éxito con ella en los teatros de Broadway en los años sesenta. Cuando llegó el momento de llevarla al cine era ya demasiado mayor para interpretar el principal papel y cedió gratuitamente los derechos a su hijo Michael, un novato entonces como actor y productor que tuvo la habilidad de contratar a Miloš Forman como director.
Esta película atrajo también la atención de ese gigante indio llamado Sampson, además de un meritorio Danny De Vito y el también espléndido Christopher Lloyd.

Su compañero de reparto: Jack Nicholson

Nombre real: John Joseph Nicholson
Nacido: el 22 de abril de 1937 en Neptuno, Nueva York Educación: la escuela secundaria de Manasquan, Nueva York

Jack Nicholson llevaba trabajando 32 años como un veterano de películas de bajo presupuesto, la mayoría de ellas producidas por Roger Corman, cuando llamó la atención de Hollywood y el público en la película de culto “Buscando mi destino” (1969). En un papel por el que fue nominado al Oscar, Nicholson retrató a un abogado del sur que encuentra un tipo de libertad temporal junto a dos melenudos. La característica que dio origen al descubrimiento de Nicholson fue precisamente su papel de varón clásico, sin refinamientos, y un amante de las mujeres que no tenía razón alguna para ser romántico o tierno. Su aspecto de maniaco le daba el suficiente atractivo.
En “Mi vida es mía” (1970), Nicholson retrató un alma rebelde que manda lamentos de dolor sobre una vida trivial sin ambiciones artísticas o sentimentales. La actuación tan natural de Nicholson, con sus peculiares gestos y las explosiones ocasionales de su temperamento, parecían re-definir el cinismo en la pantalla durante muchos años. Una serie de colaboraciones extraordinarias fueron con directores importantes como Mike Nichols en “Conocimiento carnal” (1971), con Hal Ashby en “El último deber” (1973) y con Román Polanski en “Chinatown” (1974). En este papel en el cual tuvo que permanecer durante al menos la mitad de su actuación con una venda alrededor de la nariz, incluso cuando ocurrían escenas de amor intensas.
Las nominaciones al Oscar en dos películas lo llevaron poco a poco hasta conseguir el premio por su trabajo en el filme de Milos Forman “Alguien voló encima del nido del cuco” (1975). Como de costumbre, en un mundo de locos, el personaje de Nicholson fue visto como una muestra de su personalidad.

Nicholson es conocido como el actor que se interpreta así mismo, un profesional que asume improbables y desafiantes papeles. Con Stanley Kubrick, interpretó a un escritor bloqueado por la locura en la película “El resplandor” (1980) y para Michelangelo Antonioni, retrató a un reportero americano que vive a través de una revolución, en “El reportero” (1975).
Ahora exige escoger sus papeles tanto para conseguir tener la oportunidad de trabajar con ciertos actores como en relación con los directores. Por eso ha efectuado algunos giros extraños en sus personajes, como un ladrón de ganado con Marlon Brando en “Missouri” (1976); como Eugenio O'Neill en “Rojos” de Warren Beatty (1981); como un ex- astronauta con Shirley MacLaine en “La fuerza del cariño” (1983); como un profesional de la televisión con el veterano William Hurt en “Al filo de la noticia” (1987); y como un vago torpe con Meryl Streep en “Tallo de hierro” (1987).
Los papeles de Nicholson como el demonio risible en “Las brujas de Eastwick” (1987) o como El Joker en el “Batman” de Tim Burton (1989), reforzó su cotización y le permitió explorar sus talentos de comediante. A pesar de la aclamación que la crítica le dispensa, que él almacenó por sus personajes contradictorios como en la película de Rob Reiner en “Algunos hombres buenos” y su actuación más ambiciosa con Danny De Vito en “Hoffa” (ambas en 1992), Nicholson parece haber abandonado los papeles que "hacen que sus sentimientos estén a flor de piel".
Cuando se acercó a la madurez, empezó a ensayar caracteres que confrontan la crisis de esa edad y las repercusiones consecuentes. Ciertamente, su giro como un editor de libros que gradualmente se convierte en un hombre lobo en el filme de Mike Nichols “Lobo” (1994), es un ejemplo. Al comienzo de la película, cuando el editor es mordido por un lobo, él es una persona débil y pasiva. Cuando se transforma en el hombre lobo, se pone viril y gana confianza en sí mismo.
Posteriormente fue cambiando nuevamente sus matices interpretativos y le hemos visto exagerando su amaneramiento, como un hombre amargo que confronta las heridas del pasado una vez más, y en el papel de un joyero cuya hija había sido asesinada por un automovilista. Nicholson entrega una parte de su propio carácter cuando expresa culpa y pesar por su comportamiento.
Las escenas que él comparte son en ocasiones tan reales como su vida, especialmente cuando trabaja con Anjelica Huston (su ex novia). Ha estado casado con Jennifer Warren y en los últimos años le hemos visto unido a Rebecca Brousard.

COMA 1978

113 minutos

Productor: Martin Erlichman
Director: Michael Crichton
Guión: Michael Crichton
Basada en la novela de: Robin Cook Música: Jerry Goldsmith
Efectos especiales: Joe Day, Ernie Smith Vestuario: Eddie Marks, Yvonne Kubis

Intérpretes:
GENEVIÈVE BUJOLD: Dra. Susan Wheeler MICHAEL DOUGLAS: Dr. Mark Bellows ELIZABETH ASHLEY: Mrs. Emerson RIP TORN: Dr. George
RICHARD WIDMARK: Dr. Harris
TOM SELLECK: Murphy
ED HARRIS:

Entre el guionista y el escritor, quienes gozan de relatar historias tensas y diferentes, nos llevan ahora a un thriller de ficción y terror en el cual no hay demasiadas peleas ni persecuciones. El argumento nos lleva ahora a analizar ciertas prácticas de los médicos que están por encima de los derechos del ser humano a ser manipulados, ni siquiera en bien de la ciencia. Como antes ya hiciera en “Alguien voló sobre le nido del cuco”, Douglas ahora nos lleva de nuevo a un hospital, en el cual se realizan trasplantes de órganos y se hacen vivisecciones en enfermos terminales para aprovechar sus órganos.
La denuncia del escritor está clara: con frecuencia se manipulan a los seres humanos para lograr solamente prestigio médico o dinero. Pero como siempre, la denuncia cinematográfica fue considerada solamente como ficción, y ningún médico u hospital se dio por aludido.
La mayoría de las escenas más intensas están centradas en los quirófanos, cuando el cirujano pide el bisturí y los espectadores tiemblan por su víctima adormilada. “Coma” no muestra la mejor cara de los médicos, como en “Urgencias” o “Centro Médico”, sino la otra, la malvada. Ahora manejan sin piedad las agujas hipodérmicas para curar a los toxicómanos, y mueven más riñones e hígados que un carnicero cualquiera. En medio del ambiente de sangre y dolor de ese hospital, hay una película de miedo bastante buena. La obra, curiosamente, fue escrita por el doctor Robin Cook, y dirigida por Michael Crichton, quien estaba graduado por la Escuela Médica de Harvard. Por eso las escenas del hospital son reales, aunque nos queda la sospecha de si en realidad pretendieron realizar alguna denuncia contra sus colegas. El sentimiento de realidad es ineludible, como cuando un veterano anestesista habla con dos estudiantes sobre la posibilidad de un error médico, y nosotros, como hipotéticos pacientes, sentimos horror de que esas cosas nos puedan llegar a suceder a nosotros y queden impunes.
Lo que vemos en las operaciones quirúrgicas debe ser cierto, aunque nos aterrorice, y sabemos que fueron rodadas en el hospital "Boston Memorial," un lugar al cual esperamos no acudir nunca, aunque creo que ya lo han cambiado de nombre después del estreno de “Coma”. Para que nadie me acuse de catastrofista, les diré que solamente el último año doce personas jóvenes absolutamente saludables han entrado en coma irreversible durante el curso de operaciones menores.

El argumento se centra en un amigo de la doctora Susan (Geneviève Bujold), quien entra en coma después de una operación sencilla, después de que ello le haya ocurrido también a otros pacientes. Bujold intenta encontrar una causa en esas muertes que involucran a muchos doctores diferentes, anestesistas, y funcionarios, y todo le lleva una y otra vez a la sala de operaciones.
Nadie la cree, salvo su novio el Dr. Mark (Michael Douglas). El problema es que si él no se anda con cuidado y crea problemas, perderá su plaza de residente. En eso aparece su jefe de personal el Dr. Harris (Richard Widmark), quien mantiene desde entonces multitud de llamadas con los médicos, senadores y políticos. Pronto contratan a alguien para que mate a Susan y la acorralan, aunque ella consigue esconderse metiéndose en la sala de cadáveres como si fuera un muerto más. Allí hace un poco de frío, pero no más que los escalofríos que pasan los espectadores cuando tratan de descubrirla.

Este tipo de películas sabe jugar con el miedo del espectador, pero eso tiene el peligro de provocar risas en lugar de pánico. En “Coma” se juega con el tema de los hospitales, que eso siempre da un poco de miedo y respeto, especialmente cuando el autor de la historia es también un entendido en la materia como ocurre con Crichton, un técnico de primera categoría. También es un acierto la presencia de Geneviève Bujold. Se trata de una experta y correcta actriz que sabe jugar adecuadamente entre la sensualidad y la seriedad, consiguiendo que cada escena en la que aparezca tenga solidez. Este tipo de papeles podría haber estado interpretado por un hombre, pero Bujold no es una mujer vulgar y nos creemos perfectamente su trabajo como doctora. Ahora el cine gusta de poner a las mujeres en situaciones críticas y ellas deben resolver los problemas como los hombres, lo que nos parece adecuado sin el resultado es creíble. Eso da una oportunidad para agregar un nivel más interesante al material en cuanto al miedo se refiere.
En la historia el psiquiatra dice que es una histérica debido a la muerte de su amigo y también la considera una paranoica por inventarse esas historias sobre los cadáveres. Mientras que Douglas explica de una manera improvisada los problemas a Widmark, ella lo hace de un modo más emocional.
Pronto dispone de una prueba absoluta sobre lo que ocurre en la sala de operaciones No. 8, pero en ese momento el guionista parece borracho. Douglas se comporta estúpidamente con los malvados, y ella acaba siendo narcotizada y desvalida, a punto de ser operada de ninguna enfermedad, salvo de su osadía por tratar de descubrir a los enemigos. Douglas quiere ayudarla, pero en ese momento Richard Widmark pide que le den el bisturí para comenzar a operarla.

EL SÍNDROME DE CHINA The China syndrome 1979

123 minutos

Productor: Michael Douglas
Director: James Bridges
Guión: Mike Gray, T.S. Cook, James Bridges Efectos especiales: Henry Millar
Vestuario: Donfeld

Intérpretes:
JANE FONDA: Kimberly Wells JACK LEMMON: Jack Godell
MICHAEL DOUGLAS: Richard Adams SCOTT BRADY: Herman DeYoung LEWIS ARQUETTE: Hatcher

Kimberly Wells (Jane Fonda) es una reportera de televisión que está intentando llegar la primera a cualquier noticia incipiente que pueda interesar al telespectador. Siente preferencia por las noticias duras, polémicas, y trabaja junto a Stan Bohrman (Peter Martin), haciendo entre ambos un buen trabajo. Richard Adams (Michael Douglas) es el operador cinematográfico de Kimberly, quien trabaja de manera independiente y acude a la llamada de ella cada vez que tiene en sus manos una noticia interesante. En el comienzo están de visita en una central nuclear para realizar un reportaje aparentemente rutinario, en el cual hay que demostrar que esas centrales son seguras. Justo durante esa visita suena la alarma y aunque el director de la central aparentemente trata de estar tranquilo, lo que ocurre a continuación le pone nervioso.
Ellos, los de la televisión, siguen emitiendo sin que los ejecutivos se den cuenta que están siendo grabados en vídeo y perciben claramente el nerviosismo y el miedo del ingeniero jefe Jack Godell (Jack Lemmon). Richard lo graba todo y trata de salir rápidamente de la central para montarlo y emitirlo en las noticias de la noche. Cuando lo presentan en la emisora la dirección no lo pondrá en el aire por miedo a la posible reacción del público y al pánico que se generaría. Esa noche, Richard habla discretamente con algunos empleados de la central nuclear, recupera la grabación y planea mostrársela a algunos expertos nucleares que están en ese momento intentando decidir si hay que continuar con el programa de nuevas centrales.

Jack se pone furioso cuando se entera de la magnitud del fallo y de que las autoridades de la central han impedido que se divulgue la noticia. Empieza investigando la planta para encontrar el fallo y finalmente lo localiza: no saltaron los relés de sobrecarga porque las soldaduras se hicieron de muy mala calidad para ahorrar costos.
Jack ve que no hay nada que impida que este problema se repita y como sus jefes no le hacen caso acude a Kimberly y Richard y les da las radiografías del equipo estropeado. Esta información llega a un tal Héctor (Daniel Valdez) y dos hombres tienden una trampa a nuestros amigos.
Jack comprende que su vida está en peligro y que, de hecho, sus propios compañeros de la central pueden ser los responsables del fallo. Coge un revólver y se encierra en el cuarto de control, exigiendo ser entrevistado ante las cámaras de la televisión para comunicar lo ocurrido. Los locutores deben ser Kimberly y Richard, las únicas personas en las que confía. Pero los directivos han hecho correr el rumor que Jack se ha vuelto loco, que pretende volar toda la central, y hay que detenerle. La grabación comienza a realizarse, justo en el mismo momento en que entran los guardias de seguridad y disparan a Jack.

El problema de esta historia es que busca descaradamente criticar a las centrales nucleares, algo tan fácil como criticar al Ku-Klux-Klan. Saben que cualquier espectador no entendido aplaudirá cualquier película que critique eso que se considera máquinas destructoras de la vida. Eso no es cierto, al menos tan crudamente, pero es fácil hacer un argumento sobre ello. Un argumento un poco menos oportunista hubiera proporcionado una estupenda película.
Pero hay cosas interesantes en la película, como la iluminación, el sonido (con ausencia total de música) y por supuesto la interpretación. Tanto Jean Fonda como Michael Douglas hacen lo que pueden para no desmerecer al lado de Jack Lemmon, esfuerzo inútil pero loable puesto que consiguen una de sus mejores interpretaciones.
El escritor de la obra original Mike Gray, estuvo propuesto como director del filme, pero los directivos de la Columbia persuadieron a Douglas que contratase a Bridges. Richard Dreyfuss era originalmente el actor que interpretaría al operador cinematográfico, pero su precio en esta época era demasiado alto para el presupuesto disponible y se pensó en Douglas como sustituto. Como curiosidad, hay que mencionar que Stan Bohrman, después de terminar su papel como periodista, regresó a su trabajo en un periódico e informó a los pocos días de un accidente nuclear real.

Premios:
El filme fue nominado a cuatro Oscar: Mejor Actor Jack Lemmon, Mejor Actriz Jean Fonda, Mejor guión y Mejor Dirección Artística.

EL VENCEDOR Running 1979

Canadá-Estados Unidos 103 minutos

Director: Steven Hilliard Stern Guión: Steven Hilliard Stern Fotografía: Laszlo George Música: Kurt Hirschler

Intérpretes:
MICHAEL DOUGLAS: Michael SUSAN ANSPACH: Janet LAWRENCE DANE: Walker EUGENE LEVY: Richard CHARLES SHAMATA:

Como el título inglés declara, el filme nos habla de un corredor que sueña con participar en las Olimpiadas de Montreal en la gran Maratón, aunque no parece tener cualidades especiales para ello. Con sus 32 años, a punto de divorciarse de su mujer, y ganado una miseria como un simple lavacoches, encuentra aún el suficiente entusiasmo para entrenarse para la gran prueba.
Como vemos se trata del esfuerzo de un iluso, quien sueña con convertirse en el atleta más importante de ese año, aún cuando no tiene las cualidades adecuadas para ello. Aunque el final es impredecible, asistimos a su lucha personal por demostrar a los demás que puede lograrlo y a un entrenamiento que debe conducirle a la victoria. Michael Douglas realiza una estupenda interpretación sobre este veterano corredor y en ocasiones nos gustaría estar allí para aliviarle un poco su agotamiento. Su preparación para el papel incluía dominar la técnica del corredor de fondo y debemos reconocer que asume perfectamente todo el entrenamiento físico y mental de estos deportistas. El problema es que la historia no podía disponer de muchos alicientes y llegan a ser algo monótonas las largas horas de preparación para participar en la Olimpiada.

AHORA ME TOCA A MÍ It’s my Turn 1980

91 minutos

Productor: Martin Elfand Director: Claudia Weill Guión: Eleanor Bergstein Música: Patrick Williams Vestuario: Ruth Myers

Intérpretes.
JILL CLAYBURGH: Kate Gunzinger MICHAEL DOUGLAS: Ben Lewin CHARLES GRODIN: Homer
DIANNE WIEST: Gail

Comedia dramática con un fuerte contenido romántico, sobre una mujer de buena posición laboral y social, casada, que conoce a un atractivo joven en la nueva boda de su padre. Ella está más interesada en su carrera pero su actual marido tiene una posición social inferior a la suya y eso la hace pensar en el divorcio. Esta duda, que se nos antoja mezquina y egoísta, se nos presenta ahora como válida, creemos porque la directora del filme es una mujer. Por ese mismo motivo, los hombres aquí son inferiores a las mujeres y ellas son las triunfadoras y las sensatas. De igual modo, el personaje principal es ella, Jill Clayburgh, mientras que Douglas es casi un comparsa guapo.
Buen trabajo de ambos actores principales y estupendo el debut en la pantalla de Dianne Wiest.

LOS JUECES DE LA LEY The star chamber 1983

109 minutos

Productor: Frank Yablans
Director: Peter Hyams
Guión: Roderick Taylor, Peter Hyams Basada en la historia de: Taylor Música: Michael Small

Intérpretes.
MICHAEL DOUGLAS: Steven Hardin HAL HOLBROOK: Benjamin Caulfield YPHET KOTTO: Detective Harry Lowes SHARON GLESS: Emily Hardin DIANA DOUGLAS: Adrian Caulfield

Ahora nos plantean la solución ideal contra tanto delincuente que se queda en libertad solamente por disponer de unos buenos abogados o porque las leyes no están adecuadamente definidas. Nuestro joven juez Douglas intenta poner remedio a tanta injusticia y en unión a otros jueces decide implantar su propia sentencia y ejecución a violadores y asesinos que siguen en libertad. Como el tema es algo que todos tenemos en la mente nos predisponemos a que nos guste la historia, a poco que se cuide la realización. Todo está llevado correctamente de la batuta de Peter Hyams, a lo que ayuda sensiblemente la buena actuación de Michael Douglas. Como en este caso el justiciero es un juez, pocos espectadores le podrán acusar de fascista, como es habitual cuando se trata de Charles Bronson o Silvester Stallone. Bien realizada y con el final adecuado, es una interesante película.

TRAS EL CORAZÓN VERDE Romancing the stone 1984

105 minutos

Productor: Michael Douglas Director: Robert Zemeckis Guión: Diane Thomas
Música: Alan Silvestri
Coreografía: Jeffrey Hornaday Vestuario: Marilyn Vance

Intérpretes.
MICHAEL DOUGLAS: Jack Colton KATHLEEN TURNER: Joan Wilder DANNY DE VITO: Ralph
ZACK NORMAN: Ira
Tratándose esencialmente de una película de aventuras y romance, en línea directa con el gran éxito de “Indiana Jones”, nos llevan a un recorrido delirante por América del Sur y Manhattan, mientras nos aportan un poco de sentido del humor.
El productor es Michael Douglas, totalmente animado a ello después de “Alguien voló sobre el nido del cuco” y no muy seguro de su triunfo como actor. Pero en este caso su participación como protagonista evitaba tener que contratar a un actor y pagarle un suculento sueldo, aunque no por ello escatimó otros gastos. La presencia de la popular Kathleen Turner y la del director Robert Zemeckis, un experto en acción y humor, más los exteriores rodados en escenarios naturales y salvajes de México, proporcionaron un filme entretenido y válido.
La película comienza con una novelista de Nueva York que escribe historias de miedo románticas en las que hay mucha truculencia y asesinatos por medio. Deseosa de seguir en esa línea, decide inspirarse más directamente cuando el destino le lleva a ser protagonista de una historia similar. Su hermana Elaine es secuestrada porque alguien piensa que posee un plano para encontrar un valioso diamante verde y ella quiere ayudarla, empleando sus conocimientos sobre malhechores y ladrones que ha reflejado en sus novelas. Los ladrones ya han dejado el aviso: o viaja a Cartagena con el mapa del tesoro o matarán a su hermana.
Inmediatamente comienza la aventura, tan similar a otras películas anteriores que se nos antoja familiar, pero de ninguna manera desagradable. Todo en esta película de aventuras es emocionante, simpático y con abundante sentido del humor. Cuando Turner aterriza en Colombia se da cuenta que ella en solitario no puede solucionar el secuestro y protegerse al mismo tiempo de los malhechores que abundan en el país. Cuando aparece la policía local, los gamberros del lugar y los bandoleros, sabe que necesita un héroe a su lado que sea más fuerte que ella. Y allí está Jack Colton que es interpretado por Michael Douglas.

Películas como esta ya sabemos que son abundantes en la oferta cinematográfica, antes un poco más que ahora, por lo que no podemos encontrar demasiadas situaciones originales y solamente esperamos que todo nos entretenga adecuadamente. El requisito es que el héroe sea guapo pero no afeminado, que la chica también sea guapa pero fuerte y que los malos sean tremendamente torpes.
El final debe ser estupendo y con beso incluido, pero en el camino pueden poner caimanes hambrientos, bribones simpáticos como Danny De Vito, puentes colgantes que se rompen justo cuando nuestros amigos acaban de pasar y algo de choques espectaculares con coches y camiones.

Estas películas tienen una gran tendencia a convertirse en una larga serie de escenas donde el hombre termina protegiendo a la malhumorada chica guapa que se empeña en solucionar los múltiples problemas que la atenazan. Para algunos esto no debería ser así, pero todos sabemos que una mujer no puede tumbar a puñetazos a una pandilla de asesinos y por eso deben poner en medio al héroe. Éste suele recibir todos los palos que estaban destinados a ella, para eso es el hombre, pero finalmente encuentra siempre una solución que pone en fuga a los malvados. A los espectadores les gusta así y por eso han fracasado otras películas en las cuales las mujeres salvan a su hombre del peligro. Lo importante, para todos, es que antes de la palabra fin nuestra pareja se dé un enorme beso ante las cámaras. Esa vieja fórmula, amor y aventuras, sigue funcionando hoy tan perfectamente como desde los comienzos del cine.
La escena más importante, justo aquella que figura en todos los traylers, es aquella en la cual Turner cae a una ciénaga, seguida por Douglas, quien acaba justamente con la boca puesta en su pubis, suponemos tapado por algo de ropa.

STARMAN 1984
Columbia 110 minutos

Productor ejecutivo: Michael Douglas Efectos especiales: Stan Winston Director: John Carpenter

Intérpretes:
JEFF BRIDGES: Starman
KAREN ALLEN: Jenny Hayden
CHARLES MARTIN SMITH: Mark Shermin

Rotundo éxito de público, que no de crítica, el cual dio lugar a una serie de televisión con otros actores.
Aunque quizá excesivamente sensiblera, la película cuenta con la habilidad de Carpenter, quien es capaz de sacar partido a cualquier idea y de llevarla a buen fin con pocos medios económicos. Jeff Bridges consiguió una nominación al Mejor Actor.

Starman empieza recordándonos que él es un viajero del espacio que llega a la Tierra en una nave espacial, procedente de un planeta situado más allá de nuestro sistema solar. No es una idea nueva pero es siempre agradable saber que alguien allí fuera se acuerda de nosotros. Y es que hemos enviado ya tantos mensajes al espacio que lo raro es que aún no lo haya cogido nadie. Bueno, pues pudiera ser que este viajero del espacio por fin haya recogido alguno de estos mensajes, puesto que al llegar sabe decir “Hola”. Nuestro entrañable Klaatu en “Ultimátum a la Tierra” sabía decir más cosas pero por eso le dispararon un tiro nada más empezar.
Nuestro amigo extraterrestre está rodeado habitualmente por una aureola de luz, muy bonita, por lo que le suponemos cargado de mucha energía. Es una buena persona pero para las fuerzas aéreas es solamente un intruso a quien hay que perseguir y matar. Por eso suelen hacer como todos los malvados: disparar sin avisar y como emplean cohetes el peligro es muy grande.
Cuando nuestro amigo aterriza en la Tierra lo hace en un pueblo de Wisconsin, y allí decide adoptar la forma exterior de un pintor muerto, quien dejó una viuda guapísima. Ella no puede creer lo que ve delante de sus ojos, puesto que estaba convencida que su marido estaba muerto y bien enterrado. Pronto comprende, aunque apenas si logran entenderse, que ese hombre no es su marido, pero como es igual de guapo, bueno e inteligente aprovecha para llevárselo a la cama para comprobar sus otras virtudes. Cuando pasa la prueba de la pasión con sobresaliente (nos gustaría haberla visto para aprender) ella se da cuenta que para sobrevivir en la Tierra tiene aún mucho que aprender. Aunque sabe hacer el amor, suponemos que por instinto más que por práctica con una terrestre, anda vacilando y sus razonamientos son ingenuos.
Y entonces aparecen los malos, los oficiales gubernamentales dirigidos por Richard Jaeckel quienes están buscando al extraterrestre por razones de seguridad. Junto con ellos está el científico Charles Martin Smith, una persona honrada que desea llegar allí el primero para grabar el momento histórico de ese hombre encontrándose con otro mundo.

Todos esto parece encajar dentro de una película de ciencia-ficción sin naves espaciales ni efectos visuales, pero lo más interesante es la manera en que director, John Carpenter, sabe marcar la diferencia y nos muestra casi una historia de amor entre seres de planetas diferentes. El visitante (interpretado por Jeff Bridges) llega hasta Allen después de que su nave haya ocasionado un gran cráter al aterrizar. No tiene rumbo fijo pero el destino posee caminos extraños para unir a las personas y le pone frente a una guapa chica; si hubiera sido fea o vieja no sabemos qué hubiera pasado.
Desde ese momento ambos se comportan como dos refugiados de guerra o como inmigrantes ilegales, aunque en un principio ella estaba recelosa, cosa lógica porque él no tenía ninguna carta de presentación previa. Cuando hacen el amor ya sobran las palabras entre ellos y la película deriva peligrosamente hacia la dulzura. Por eso Starman navega entre dos aguas demasiado diferenciadas: la historia de amor y la ciencia-ficción, aunque finalmente Carpenter logra unir todo hábilmente. Hay también mucha denuncia racista inmersa, como el mal trato que le dan al forastero, aunque afortunadamente nuestro amigo es más listo de lo que aparenta tras esa sonrisa perenne.
Lo más interesante de Starman pudiera ser la interpretación de Jeff Bridges como el alienígena. Para algunos puede ser excesivamente estúpida, pero para la mayoría estuvo muy acertada. Su personaje se hace más humano, más terrestre, a medida en que la película avanza, pero siempre conserva esa atmósfera de misterio que le hace diferente. Cuando mueve la cabeza como si fuera un robot y camina vacilante, parece algo estúpido, salvo cuando le escuchamos una corta frase que denota mucha sabiduría. El resto de los actores intentan no desmerecer al lado de él, no por falta de calidad sino solamente porque sus personajes no son tan carismáticos como el suyo.

Sobre Jeff Bridges

Nacido: el 4 de diciembre de 1949 en Los Angeles, California Educación: Herbert Berghof Estudio, Nueva York,

Hizo su primera aparición en la pantalla a la edad de cuatro meses como el niño que tiene en los brazos Jane Greer en “The company She Keeps” (1950). Jeff aparecía después, como extra, cuando tenía ocho años en el telefilme la "Caza del Mar" con su padre Lloyd Bridges, y con su hermano Beau en "El Show de Lloyd Bridges" en 1962. La familia Bridges permanecieron durante los años setenta como un grupo pueril y encantador, consiguiendo ganar una nominación al Oscar por su atractiva actuación en “La última película” (1971). Jeff es conocido principalmente por su caracterización en “Ciudad dorada” (1972), una persona de clase media en “Cutter’s Way” (1981), y un extraterrestre en “Starman” (1984).
Posteriormente Jeff conseguiría otra nominación al Oscar por su papel como un empresario optimista, adelantado a su época, en “Tucker, el hombre y su sueño” de Francis Ford Coppola. Bridges también tuvo una buena actuación como Jack Baker, un pianista famoso con alma de niño, reducido a entretener en los salones de descanso de un hotel con su hermano (en el papel de Galán) en “Los fabulosos Baker Boys” (1989). La película tuvo como co-estrella a Michelle Pfeiffer, siendo esta su segunda nominación al Oscar, aunque algunos encontraron a Bridges más impresionante.
Bridges continuó interpretando buenos papeles, aunque para ello tuviera que desestimar ofertas que luego resultaron muy acertadas. En los años noventa cambia algo de rumbo para conseguir trabajos diferentes y hace “Texasville” (1990), en el papel de Duane Jackson, un hombre que intenta reafirmar su juventud perdida.
Después le vimos como el subestimado Jack Lucas en el filme de Terry Gilliam “El rey pescador” (1991), teniendo como eficaz oponente a un exuberante Robin Williams. Alterando su apariencia una vez más hizo “Corazón roto” (1993), en donde se dejó crecer el pelo, se puso un bigote, y esculpieron su físico para que interpretara el papel de un padre que trata de reconciliarse con su hijo.
Tuvo una actuación muy aclamada por la crítica en el filme de Peter Weir “Fearless” (1993), como el sobreviviente traumatizado de un accidente, cuya perspectiva de vida cambia radicalmente por haber vivido una experiencia al borde la muerte. En 1994, Bridges participa en una película de persecuciones tradicionales titulada “Volar por los aires”, como un experto policía en explosivos que trata de evitar una catástrofe generada por el terrorista interpretado por Tommy Lee Jones.

A CHORUS LINE 1985

113 minutos

Productor: Cy Feuer, Ernest Martin
Director: Richard Attenborough
Guión: Arnold Schulman
Basada en una obra de: Nicholas Dante y James Kirkwood

Intérpretes:
MICHAEL BLEVINS: Mark YAMIL BORGES: Morales SHARON BROWN: Kim GREGG BURGE: Richie MICHAEL DOUGLAS: Zack ALYSON REED: Cassie

Película en principio musical, aunque sin ningún parecido con las clásicas de la Metro, entrando más directamente en la línea de “Fama”. El argumento básico nos muestra a un casting que se realiza para seleccionar los bailarines que deberían formar parte de un gran musical moderno. La selección es dura y despiadada, sin concesiones a la debilidad o los sentimientos. Este tema no es nuevo, es real, y nos demuestra que entrar a formar parte de alguna compañía profesional no es tarea fácil y que en ocasiones no compensa los beneficios recogidos con el destrozo moral que ocasiona.
En la película nos movemos siempre entre los bastidores para ver la vida personal de los bailarines, algunos de ellos con tan pocas cualidades que seguramente recibirán un desprecio de los demás opositores por ocupar su tiempo. Llegar a Broadway implica muchos años de duro trabajo, lo mismo que convertirse en buenos bailarines. Cuando son rechazados no reciben un no, sino "gracias" y eso indica que deben marcharse cuanto antes a sus casas sin el trabajo soñado. Por eso, ser artista en Broadway implica primeramente no desanimarse cada vez que alguien diga gracias, puesto que eso indica que hay que volver a empezar.
En “A chorus line” vemos que han ocurrido muchas cosas en el mundo desde que la Metro tuvo sus grandes éxitos con Fred Astaire. Un coreógrafo moderno necesita ocho bailarines para un nuevo musical que está organizando, y durante un largo día observa un montón de audiciones efectuadas por docenas de bailarines algunos de los cuales pasarán a la selección final. El modo de narrar esta historia es muy seco y en ocasiones triste, y difiere bastante de la obra original que ya se había estrenado en Broadway. Muy avanzada la película podemos, por fin, asistir a los detalles sobre el romance del coreógrafo, aunque creemos que se han omitido algunas canciones originales para no prolongar en demasía el metraje.
El resultado no agradó a casi nadie, mucho menos a los aficionados al musical tradicional, quienes esperaban, cuando menos, una película en la línea de “West side Story”. La diferencia es que se han eliminado detalles con glamour y se cambian por problemas más reales, menos agradables, y nos muestran el destino de la mayoría de esos entusiastas del baile moderno que deben ponerse a trabajar cuanto antes en empleos más normales, salvo que pretendan acabar mal en su vejez.

La mayoría de las escenas están rodadas en el mismo teatro. Zack (Michael Douglas), el coreógrafo, siempre está sentado en alguna butaca del patio, mientras mantiene el guión de la obra en sus manos. Prefiere estar siempre a la sombra, no sabemos si es para no poner nerviosos a los participantes o para que no le ataquen cuando les diga que no sirven. De vez en cuando enciende un cigarro, y eso nos demuestra que no tiene respeto con los pulmones de los candidatos. Esa es una muestra más de su falta de sentimientos y por eso cuando habla por el micrófono prefiere parecer inflexible y poco amable. Los candidatos lo tienen difícil, puesto que no pueden ensayar, están nerviosos, los focos les deslumbran y no tienen oportunidad de repetir si se equivocan. No obstante no protestan, puesto que este casting es habitual en los teatros y no hay otra manera de ser admitido.
Inicialmente hay una gran cantidad de aspirantes, pero después el número se reduce a dieciséis, y entonces Zack prefiere hablar personalmente con cada uno de ellos. Les pregunta dónde nacieron, su edad y sus preferencias, así como el tipo de sueños que tienen. Muchos de los bailarines no son hábiles en esta segunda selección y prefieren leer un guión a hablar sobre su vida privada. En ese momento el director considera necesario introducir un nuevo aliciente y nos muestra a la guapa chica que deberá suavizar al inflexible y desagradable Douglas. Ella se llama Cassie (Alyson Reed), y resulta ser una antigua novia de Zack. Se habían enamorado años atrás cuando él buscaba trabajo y ella era ya una estrella del baile, aunque ahora el destino ha cambiado las cosas y es ella la que necesita trabajo.
En ese momento nos muestras escenas retrospectivas sobre su idilio y sobre las ilusiones que tenían en esos días por triunfar. No son nada importantes en la historia, pero al menos nos rompen la monotonía de seguir viendo esa selección de bailarines. Una vez que llegamos de nuevo a los días actuales, la duda es si ese antiguo amor es suficiente como para que él dé trabajo a la chica. Ella necesita ese trabajo, es muy experta y domina bien su profesión, pero los años no han pasado en balde por su cuerpo y ha permanecido demasiado tiempo sin practicar. Le falta resistencia y en ocasiones agilidad, aunque conserva su antigua maestría.
Zack no quiere darla trabajo solamente por ser su antigua chica y no quiere demostrar debilidad delante de los otros trabajadores. Aunque está deseando abrazarla, disimula y prefiere mantenerse déspota.
La selección comienza, Cassie logra pasar la prueba, y se junta con un grupo de solamente ocho bailarines.
Ellos son los elegidos y se felicitan por su triunfo, aunque parece ser que no están entre ellos los mejores y que algunos se han quedado fuera por una preferencia personal de Zack.

Entonces empieza la comedia musical que nos habían prometido, quizá un poco tarde, y entre canción y baile seguimos con la historia de amor. La coreografía es correcta, lo mismo que las canciones, hasta llegar a la apoteosis final en la cual todos los bailarines se mueven juntos en un baile que ya habíamos visto parcialmente en los ensayos. Podemos considerar, con un poco de esfuerzo, a este filme como una película musical puesto que su banda sonora fue promocionada en este sentido, pero ante todo es una obra dramática sobre los sueños de unos cuantos bailarines. La historia romántica no es profunda y nosotros estamos más interesados en ver el estreno de la obra, antes que el beso de los protagonistas. Por si fuera poco, o para romper el ritmo, nos ponen a una huelga de actores en medio para que no sepamos hasta el final si se estrenará la gran obra. Mientras esto ocurre, vemos a los perdedores, los que no consiguieron el trabajo, explicando a sus familiares y amigos las injusticias que se hicieron con ellos, mientras les preguntan dónde es la siguiente audición.

LA JOYA DEL NILO The jewel of the Nile 1985

104 minutos

Productor: Michael Douglas
Director: Lewis Teague
Guión: Lawrence Konner, Mark Rosenthal Fotografía. Jan De Bont
Música: Marvin Hamlisch

Intérpretes:
MICHAEL DOUGLAS: Jack Colton KATHLEEN TURNER: Joan Wilder DANNY DE VITO: Ralph
AYNER EISENBERG: Holy Man
SPIROS FOCAS: Omar
THE FLYING KARAMAZOV BROTHERS

Parece ser que ella, Kathleen Turner, no querí a hacer esta continuación de “Tras en corazón verde”, quizá porque no le gustó la imagen tan poco sexy que daba en la pantalla con su ropa manchada, despeinada y cubierta de sudor. Pero para Douglas era jugar sobre seguro y no podía dejar pasar esta oportunidad para afianzarse como productor. El asunto se resolvió cuando alguien sacó a relucir el contrato original en el cual se especificaba que si la película tenía éxito comercial ciertas personas deberían hacer una continuación. El resultado es que “La joya del Nilo” intenta reproducir todos los ingredientes del primer filme, evitando introducir elementos nuevos que hagan peligrar el éxito comercial. Pero como suele ocurrir con las secuelas, si se hace todo igual el elemento sorpresa, la novedad, desaparece, y si se cambia demasiado puede que no sea lo que el público esperaba ver. Por eso lo que primero falla es el romance entre los protagonistas, puesto que ya lo habíamos visto en la primera entrega.
Cuando les vemos de nuevo ya no parecen una pareja de enamorados; son simplemente amigos. Ahora están en Cannes hablando sobre su pasado aventurero, los buenos tiempos que se dice, y añoran las tierras de América del Sur. Ellos se dan cuenta que su relación no es sólida, aunque no abandonan la idea de volver a vivir una intensa pasión. En ese momento aparece un rico árabe (Spiros Focas), quien invita a Turner a viajar con él a su patria, empleando la excusa que quiere que le escriba una biografía. Parece ser que necesita un escritor experto y si es tan guapo como Turner, mejor. Douglas no se apunta a seguir a su antiguo amor, especialmente después de pelearse nuevamente con ella, y la deja marchar rumbo a tierras africanas. Pero nuestra amiga es experta en meterse en problemas y pronto se ve envuelta en nuevos peligros, más que nada porque su anfitrión es un sádico que pretende otras cosas menos literarias que su biografía. Pretende, nada menos, que reencarnarse en un antiguo y venerado profeta y para ello necesita un gigantesco diamante. Douglas acude en auxilio de su amada y se une a una persona conocida como Ralph (Danny De Vito).

La película se rodó con más dificultades que las anteriores, y eso que inicialmente todo parecía más fácil una vez abandonadas las selvas anteriores. Pero ahora estaba el desierto, aparentemente solitario pero con muchos más problemas que la vegetación. Rodada en los alrededores de Marruecos, nos proporciona algunas escenas verdaderamente interesantes, incluida una reunión espiritual gigantesca en el desierto que nos recordaba algunos de los conciertos de música rock actuales.
La ventaja es que las películas ambientadas en el Medio Oriente casi siempre funcionan, puesto que el lugar proporciona siempre intriga y cierto temor a lo desconocido. La participación del trío protagonista era imprescindible para asegurarse el éxito, al que se une Ayne Eisenberg que es un verdadero descubrimiento cómico.
Entretanto, Douglas y Turner se divierten jugando a aventureros un poco torpes, mostrando de nuevo el papel que ya conocíamos. Pronto les vemos pelear y realizar escenas arriesgadas que son mucho más interesantes porque sabemos que en la mayoría no admitieron dobles. También aprovechan para hacer chistes y muchas insinuaciones sexuales. Como pareja funcionan muy bien y hasta creemos que se odian tanto como se aman, puesto que si no se amasen no podrían gastarse tantas bromas, algunas muy desagradables. Las aventuras en las que están inmersos son muy absurdas y es casi imposible que puedan ocurrir en la realidad, pero qué más da si con ello podemos llegar al final casi sin enterarnos.

Hay escenas muy interesantes, por lo bien realizadas y por la novedad, como cuando ambos están colgados por sus manos justo encima de una guarida de ratas, las cuales miran nerviosas a nuestros héroes porque saben que las cuerdas están siendo corroídas por un ácido. No hay que tratar de buscar similitud con otras películas similares, puesto que es casi imposible que en el cine se puedan hacer cosas inéditas.
La novedad principal está, sin embargo, en los diálogos, y en las numerosas bromas que se incorporan, sencillas pero eficaces. Cuando la película decae parcialmente ellos confiesan que se aman, lo que nos hace vibrar de emoción, justo cuando aparece Danny De Vito y les salva de la manera más torpe posible. No emplea ninguna solución sencilla y racional y prefiere complicarse la vida buscando escaleras y haciéndonos creer que todos acabarán en la cueva de las ratas, tan grandes que parecen cocodrilos.
En resumen, hay que considerar que “La joya del Nilo” es una película agradable, simpática y muy entretenida, tal y como tenía que ser.
Mantiene algunas diferencias con “Tras el corazón verde” y trata de no parecerse a las aventuras de Indiana Jones, aunque ambas utilizan el truco de los diálogos cómicos intercalados en las escenas de más tensión.
Respecto a los actores tampoco hay novedades, puesto que tanto Douglas, como Turner y De Vito, logran que les apreciemos como actores. Ahora sabemos que no hubo una continuación (aunque nunca se sabe), pero por lo menos pudimos verles de nuevo peleando en “La guerra de los Roses”.

ATRACCIÓN FATAL Fatal attraction 1987

119 minutos

Director: Adrian Lyne
Guión: James Dearden
Fotografía: Howard Atherton Música. Maurice Jarre Vestuario: Ellen Mirojnick

Intérpretes:
MICHAEL DOUGLAS: Dan Gallagher GLENN CLOSE: Alex Forrest
ANNE ARCHER: Beth Gallagher ELLEN HAMILTON: Ellen Gallagher

Ya hemos explicado que Michael Douglas mantiene un gran interés en demostrar que la maldad de las mujeres no es inferior a la de los hombres, aunque ello le ocasione no pocas críticas de las feministas, poco habituadas a que nadie hable mal de las mujeres. En esta historia Michael Douglas interpreta a un abogado que lleva casado felizmente nueve años, que tienen una hija de seis años, que ambos esposos están muy enamorados, y no él tiene ningún problema particular en su trabajo. Pero un día se encuentra con una guapa rubia, sospechosamente soltera y sin novio (Glenn Close), en una fiesta comercial. Ella mantiene un gran interés por conocerle, y un fin de semana, cuando la esposa de Douglas y su hija están fuera del pueblo visitando a sus suegros, él invita a la rubia a cenar. Ella no desaprovecha la ocasión para seducirle y le ofrece sexo salvaje, apasionado. Sus primeros acoplamientos tienen lugar en un ascensor, en el fregadero de la cocina, y, posiblemente, en la cama. Como la película estuvo dirigida por Adrian Lyne (el mismo de “Nueve semanas y media”), las escenas de amor se muestran bastante reales, aunque con algunas acrobacias en las posturas que se nos antojan para musculosos y no entendemos la razón para no escoger preferentemente la cama.
Douglas, una vez finalizado, le dice que lo ha pasado muy bien, que ella es fenómena (lo que se suele decir), pero como es un hombre felizmente casado no tiene ninguna intención de que esa escena sexual se vuelva a repetir. Esto es algo muy habitual en hombres y mujeres, “felizmente casados”, pero Close no opina igual. A ella le gusta el sexo, es obvio, pero quiere continuar y le exige que rompa con su mujer y su hija, así de sencillo. Ella no es virgen, tampoco una niña, pero impone sus condiciones después de hacer el amor, no antes. Cuando él amablemente se niega, comienza la persecución, el acoso, aunque como la víctima es un hombre nadie se rasga las vestiduras.
En la medida en que Douglas quiere mantener firme su posición de no continuar, ella se desquicia y le acosa más. Como no puede decirle que le dedicó los mejores años de su vida, como es habitual, dice que para ella ese coito fue algo sagrado, aunque no nos explica qué significaron los que tuvo antes de conocer a Douglas.
El acoso comienza con llamadas a la oficina, con citas imprevistas, con lloros y amenazas y hasta llamadas a su propio domicilio. Le acosa en su automóvil, le amenaza con mil cosas, le pide nuevas relaciones sexuales y cuando todo fracasa se presenta en su casa. A su esposa le dice que está interesada en comprar su casa, pero en realidad está esperando que él regrese del trabajo y vea de lo que es capaz si no vuelve a sus brazos. Pero esos brazos son como tenazas que hacen daño y desesperado porque su esposa no se entere de su desliz, intenta razonar con Close, la amenaza y hasta busca un abogado que le ayude.

La historia sorprendió al público, especialmente a las mujeres, acostumbradas a ver solamente el acoso sexual en un solo sentido. Afortunadamente el guión está tan correctamente expuesto que las situaciones son creíbles y en ocasiones terribles. Los diálogos de James Dearden son estupendos, especialmente en la manera en que él justifica su pequeña infidelidad y en el modo en que intenta librarse de esa malvada mujer que quiere retenerle a cualquier precio. Si acertado es el personaje de Dan (Douglas), no menos es el de Alex (Close), uno como un hombre sencillo y feliz hasta que comete el primer (y creemos único) adulterio en su vida, y el de la psicópata y absorbente mujer que quiere decidir cuándo y cómo continuar sus relaciones amorosas.
Lo mejor, las escenas de celos y el carácter posesivo de ella, escenas que aumentan su clímax cuando ella le dice que está embarazada. Ningún hombre en su sano juicio se casaría con una mujer así, por eso está soltera, pero en ese momento él empieza a sentir remordimientos por no haber tenido un preservativo a mano.

Con un sorprendente final, que no les voy a contar, vemos a un matrimonio tradicional entre Michael Douglas y Ana Archer, y una correcta Glenn Close como la malvada amante, papel que continuó realizando en la mayoría de sus películas, por lo que podemos considerarla una reencarnación de Bette Davis.
Lo mismo que en otras películas similares, como “Acoso” y “Una proposición indecente”, cuando los espectadores salen del cine se someten entre ellos a una larga polémica sobre lo qué harían si se encontrasen en una situación similar. Como muchos de los espectadores seguramente han mantenido o mantienen una relación adúltera, creemos que habrán temblado durante la proyección y al salir es posible que quisieran romper cuanto antes su relación. Lo que no sabemos es si todas las esposas reaccionarán como la hace Archer en este filme. Es posible que más de uno se encontrase con un abogado esperándole en el salón, en lugar de su esposa.
La película trata de hacer un estudio psicológico de las relaciones esporádicas en las parejas y casi es una advertencia para que no nos metamos en camisa de once varas. Empleando con inteligencia el guión, el director nos va introduciendo poco a poco en una trama cada vez más compleja, en la cual nadie siente pena por esa desquiciada mujer. El problema es que para aumentar el interés se cae deliberadamente en el melodrama, que como sabemos es un drama venido a menos.
Lo que no queda bien resuelto es la relación entre Douglas y su esposa, y nos parecen desacertadas las escenas sensibleras con su hija.

Película a medio camino entre el terror y el thriller, podrían haber derivado hacia ambos caminos sin ningún problema, aunque el director escogió mezclar todas las opciones disponibles para asegurarse el éxito.
Producida por Stanley R. Jaffe y Sherry Lansing, encontramos referencias a otras anteriores películas de ellos mismos, pero creemos que el tema de las mujeres acosadoras se ha tocado muy pocas veces con precisión en la pantalla. Lo mejor del filme es la primera mitad, puesto que nos muestra una situación bastante frecuente y lógica, cuando a un hombre casado felizmente se le pone cerca una mujer dispuesta a una aventura sexual intensa y gratuita. El final puede ser exagerado, pero no había otra escapatoria para Douglas, salvo una segunda parte. Lo curioso es que ella es tan malvada que casi aplaudimos por esa solución tan radical, que no les contamos.

Premios:
Nominada a la mejor película 1987: Stanley R. Jaffe
Nominada a la mejor actriz: Glenn Close
Nominado a la mejor actriz secundaria: Anne Archer
Nominado al mejor director: Adrian Lyne
Nominado al mejor guión: (Basado en la obra de Another Medium): James Dearden Nominada al mejor filme editado: Michael Kahn, Peter E. Berger

Su compañera de reparto: Glenn Close

Fecha de Nacimiento: 19 de marzo de 1947
Educación: Rosemary Hall, Greenwich, CT; College de William y Mary, Williamsburg, VA (antropología)

Esta mujer rubia, aclamada por la crítica, de carácter fuerte y aspecto fríamente aristocrático, comenzó su carrera en 1974 con la Compañía de Teatro Fénix de Nueva York y su carrera en el cine cuando el director George Roy de Hill la observó en el musical Broadway Barnum y la contrató para “El mundo según Garp” (1982). Ella tiene establecida desde hace algunos años su presencia habitual en las películas de Hollywood, como una mujer que hace papeles de dama de fuerte carácter. La hemos visto como la esposa del médico cálidamente sabio Kevin Kline en “Reencuentro” (1983); como el abogado románticamente enredoso en el thriller, “Al filo de la sospecha” (1985); y como la amante rechazada y vengativa en la discutible película de Adrian Lyne “Atracción fatal” (1987).
También demostró su versatilidad haciendo otro monstruo de la manipulación sexual en “Amistades peligrosas” (1988) y ha hecho de una matrona dentro de una sociedad vana y patética en el filme de Barbet Schroeder”El misterio Von Bulow” (1990), sorprendentemente simpático.

Además de haber sido cinco veces nominada al Oscar, Close ha recibido un premio Tony otorgado por sus papeles dramáticos en las obras teatrales de Tom Stoppard “La verdad” (1984) y “La muerte y la doncella” de Ariel Dorfman (1992). Su mejor interpretación para ella misma ha sido como Norma Desmond en la obra de Andrew Lloyd Webber “El crepúsculo de los dioses” (1995). Close logró afianzar su condición de diva cuando reencarnó la trágica vida del personaje anteriormente creado por la memorable Gloria Swanson en el clásico de Billy Wilder de 1950.
En ese mismo año, Close ganó un Emmy por su fuerte interpretación como el Coronel Magarethe Cammermeyer, quien pleiteó con los mandos militares al ser despedido por admitir su homosexualidad. “La historia de Margarethe Cammermeyer”, fue un telefilme para la NBC que ella también co-produjo con Barbra Streisand.
Close también recibió nominaciones al Emmy por diversas películas para la televisión, Como “Algo sobre Amelia” (1984) y “Sarah” (1991), así como un reconocimiento por su larga carrera cinematográfica salpicada de éxitos. Close ha sido co-estrella con Christopher Trek en una producción para la televisión que triunfó durante dos años, titulada “Skylark” (1993).

Premios:
Nominada como mejor actriz secundaria 1982: El mundo según Garp Nominada como mejor actriz secundaria 1983: Reencuentro Nominada 1984: El mejor
Nominada como mejor actriz 1987: Atracción fatal
Nominada como mejor actriz 1988: Las amistades peligrosas

WALL STREET 1987

124 minutos

Director: Oliver Stone
Guión: Oliver Stone, Stanley Weiser Fotografía. Robert Richardson Música: Stewart Copeland Vestuario: Ellen Mirojnick

Intérpretes.
CHARLIE SHEEN: Bud Fox
MICHAEL DOUGLAS: Gordon Gekko MARTIN SHEEN: Carl Fox
TERENCE STAMP: Sir Larry Wildman SEAN YOUNG: Kate Gekko
DARYL HANNAH: Darien Taylor SYLVIA MILES: Realtor
MILLIE PERKINS:

Es difícil saber cuándo una persona es avariciosa o cuando simplemente necesita cubrir sus necesidades económicas. Para quien apenas le llega el sueldo a final de mes le bastaría con disponer del dinero suficiente para llegar con holgura, mientras que para un ejecutivo esa misma cantidad sería insuficiente para cubrirle sus gastos de ropa. Para un habitante del Tercer Mundo comer es lo único esencial y para un neoyorquino lo será cambiar de coche o de casa. Por eso, el problema que se plantea en “Wall Street” habla sobre eso, la diferencia entre avaricia, poder y necesidad.
Para otras personas, sin embargo, como ocurre en esta película, ganar más dinero no es una necesidad, puesto que ni siquiera desean gastarlo o guardarlo; solamente es un símbolo de poder o de ser más listos que los demás. Lo importante es aumentar dividendos, vender acciones en le momento justo y ver como el competidor se hunde quizá por ser demasiado humano. Como cualquier jugador, para estos hombres de cuello blanco ganar a la bolsa es simplemente un juego, aunque los millones nos bailen ante nuestros ojos. Nuestro personaje principal es un millonario muy sagaz, alguien que sabe hacer pactos y que se mueve igual que un tiburón en alta mar. Se llama Gordon Gekko, y pudiera haber estado emparentado en otra vida con las alimañas. Interpretado por Michael Douglas, suele dar todos los pasos adecuados detrás de su escritorio de esa lujosa oficina situada en un rascacielos, a golpe de teléfono y de puro habano. También tiene un terminal informático muy potente para saber los movimientos de la bolsa, y desde allí compra y vende como si se tratara de periódicos.
Su vida personal aparentemente es perfecta, con esposa guapa y buena, una bonita casa, una limousine, y mucho lujo a su alrededor. Parece feliz pero en el fondo no lo es, aunque ya lo presentíamos porque hace años alguien nos dijo que el dinero no da la felicidad. Hay un joven llamado Bud que se mueve muy bien en esa empresa, a base de golpe de teléfono y buscando nuevos clientes, ofreciendo consejos de segunda mano, comprando, vendiendo y soñando. Dice que alguna vez le gustaría estar detrás, justo en el asiento del jefe. Para él Gekko es su héroe. Todos los días durante treinta y nueve días, él llama la oficina de Gekko para una cita y en el cuadragésimo día, el cumpleaños de Gekko, aparece con una caja de puros habanos comprados en Davidoff en Londres, y a Gekko eso le gusta. Quizá es que Gekko ve algo que él reconoce.
Bud Fox (Charlie Sheen), viene de una familia de trabajadores y su padre (Martin Sheen) es mecánico de avión y líder de la unión de trabajadores. Bud estudió en una universidad popular y desesperado por impresionar a Gekko, busca un poco de información interior que él ha conseguido de su padre. Gekko gana algún dinero con esa información y abre una cuenta con Fox. Le pide que obtenga más información de la persona que le proporcionó la primera y que espíe a su competidor. Fox dice que le está pidiendo algo ilegal, aunque su protesta no suena como tal y parece un comentario.
Luego aparece una guapa chica rubia (Daryl Hannah), quién decora el nuevo apartamento de Fox y aprovecha para compartir la cama con él, suponemos que para probar el colchón y la insonorización del cuarto.

“Wall Street”, de Oliver Stone, podría ser una crítica radical a esa mentalidad comercial tan inhumana, la cual se llega a convertir solamente en un juego en el cual las personas malvadas saben hacer daño y hundir a los mejores. La película parece decirnos que la mayoría de los inversores pequeños son víctimas, y que las grandes quiebras del mercado de la bolsa son realizadas deliberadamente por grandes hombres como Gekko que saben mover el dinero en la dirección justa y en el momento adecuado.
Todo lo que estas personas hacen aparentemente es legal, pero es inmoral, aunque se justifican alegando que si los demás tuvieran el poder y el dinero harían lo mismo. Como nosotros no tenemos ni una cosa ni otra no lo sabemos, pero podemos quedar muy bien diciendo que no seríamos tan malvados.
La película tiene una estructura tradicional: hay un joven hambriento de poder y de dinero que se siente impresionado por otro mayor y millonario. Quiere ser como él, hasta que se siente traicionado. Los detalles de la historia no son tan importantes como el modo de contarla y la interpretación de los actores. La mayoría son fríos, duros y en ocasiones crueles, como es el caso de Michael Douglas, el más convincente de todos. Charlie Sheen está mejor que en la mayoría de sus anteriores películas, pero queda absorbido por la maestría del resto de los actores.

Lo mejor de la película, además de la interpretación, es la exposición de ese mundo financiero que conocemos solamente de lejos, por películas como ésta, y que se nos antoja complicado y poco atractivo, salvo por los millones. Podría ser una exposición de lo que significa la codicia y la usura, pero como es algo que se mueve a nuestro alrededor no queremos insultar a nadie. Lo único que nos planteamos es si el fin justifica los medios Aunque Gekko nos demuestra que no piensa nada más que en ganar más dinero con un simple golpe de teléfono, creemos que todas aquellas personas que trabajan en Wall Street, en la Bolsa, son similares, y suelen aplaudir más al ganador que al que tiene buenos sentimientos. Su escala de valores empieza y termina con las acciones y el truco es ganar dinero sin ser ilegal. El dinero en sí no les interesa mucho, tienen más de lo que se podrían gastar si vivieran tres vidas, pero lo que desean es ganar y poder demostrarlo. No están interesados en crear empleo o hacer empresas humanitarias, solamente quieren que suban sus acciones y bajen las de sus competidores.
Aparentemente todos nos parecen delincuentes, pero las leyes amparan esta usura y si tienen buenos asesores y abogados podrán dominar hasta el mundo de la política. Esta película, pues, es una crítica clara sobre ese mundo de las finanzas en el cual la competitividad es tan feroz que la ética está fuera de lugar.

Premios:

Oscar al mejor Actor 1987: Michael Douglas

El director: Oliver Stone

Nacido el: 15 de septiembre de 1946 en Nueva York
Educación: Hill School, Nueva York; Yale Haven Universidad, Nueva CT; Universidad de Nueva York.

Desde la mitad de los años 70, Stone ha evolucionado desde director de géneros modestos que terminó por hacerse proyectos ambiciosos. En la actualidad es uno de los directores más polémicos y prestigiosos de Hollywood. Curiosamente, su popularidad se la debe esencialmente a las películas que ha realizado sobre la guerra del Vietnam, el asesinato de Kennedy, y el movimiento terrorista en El Salvador, géneros que normalmente no producen beneficios en taquilla.
Pero Stone también es un productor de éxito y ha realizado proyectos interesantes, como “El misterio Von Bulow” de Barbet Schroeder, “Acero azul” de Kathryn Bigelow (ambos 1990), y “El club de la buena estrella” (1993). También fue productor ejecutivo en "Palmas Salvajes" (ABC, 1993), una miniserie de ciencia-ficción para la televisión. Su primer reconocimiento popular fue como escritor galardonado con un Oscar, además del Globo de Oro y el Premio del Gremio de escritores cinematográficos, por su guión de “El expreso de medianoche” (1978). Antes de eso, cuando tenía 25 años, escribió, dirigió, y revisó “Seizure” (1974), una elegante película de bajo presupuesto (150.000 dólares), que luego se ha convertido en una película de culto para los aficionados al cine de terror. Stone volvió al género deterror con “La Mano” (1981), un remake de “La bestia con cinco dedos” de 1946, protagonizada por Michael Caine como un dibujante que pierde su mano en un accidente y su vida se complica cuando su extraviada mano se dedica a matar personas. Los trabajos como guionista le lleva a intervenir en “Conan el bárbaro” (1982), colaborando con el director John Milius, así como en el filme de Brian de Palma “Scarface” (1983), y “El año del dragón” (1985), co-escrito con Michael Cimino. un guionista respetado a un

sumamente prestigioso con Con el estreno de “Salvador” (1986), Stone estaba intentando lograr un puesto entre los mejores directores de Hollywood, mostrando temas sociales y políticos con habilidad y compromiso. Sus películas eran normalmente pesadas y simplistas, aunque proporcionaron cierta emoción entre los espectadores. Después recibió su segundo Oscar y el Premio del Gremio de Directores, por “Platoon” (1986), uno de los tratamientos más severos de la guerra del Vietnam, y que aportó una crítica inflexible sobre esa guerra. También influyó en el mundo de la Bolsa con “Walt Street” (1987), un lugar donde su propio padre trabajó.

“Nacido el cuatro de julio” (1989), entretanto, basada en la verdadera historia del soldado Ron Kovic, y con Tom Cruise ofreciendo su primer papel dramático, consigue ganar un Oscar al mejor director
El trabajo más ambicioso y polémico de Stone fue “JFK” (1991), una dramatización de los esfuerzos de Jim Garrison (Kevin Costner) para destapar la conspiración que hubo detrás del asesinato del Presidente John F. Kennedy. Un logro artístico importante que trajo multitud de comentarios a todos los medios periodísticos del mundo. La película fue llevada incluso al Congreso para que se abrieran de nuevo los archivos relativos al asesinato. Stone alcanzó un nuevo nivel denotoriedad con “JFK”, más que ningún otro director, llegando a ser considerado por algunos como una figura política que hace cine. Pero simultáneamente, recibió críticas de algunos políticos, aunque fue aplaudida por escritores y redactores de los periódicos del país.

Stone volvió al Vietnam con “El cielo y la tierra” (1993), pero esta historia se contó desde la perspectiva de una mujer asiática. Basado en dos libros autobiográficos de Le Ly Hayslip, nos cuenta cómo la guerra impactó en la vida de una mujer joven vietnamita, casada con un hombre americano. Algunos vieron la película como una expiación para el "varón americano", quien había expresado su punto de vista ya en dos películas anteriores. De cualquier manera, la película tuvo poco éxito de público y crítica.
También consiguió una gran controversia con “Asesinos natos” (1994), una historia escrita por Quentin Tarantino, en la cual nos habla de la (Woody Harrelson y Juliette Lewis), quienes se espectacular. Inspirada en vídeos musicales y anuncios, “Asesinos natos” fue una película distinta, tanto en el argumento como en el montaje y la dirección. Público y críticos, estuvieron divididos a la hora de juzgar los méritos de este filme.
Posteriormente, Stone vuelve a la política con una historia sobre el 37 Presidente de los Estados Unidos, “Nixon” (1995). Con una duración de más de tres horas, llena de artefactos visuales (escenas retrospectivas, escenas en blanco y negro), y aplicando conceptos psicológicos, “Nixon” (interpretado por Anthony Hopkins) intenta mostrar al hombre, pero le falta humanizarlo convenientemente. Hubo críticos que la consideraron como una obra maestra, aunque la mayoría la encontraron pretenciosa.
visión alucinógena de dos amantes ven involucrados en un asesinato

BLACK RAIN 1989

126 minutos

Director: Ridley Scott
Guión: Craig Bolotin, Warren Lewis Fotografía: Jan De Bont Vestuario: Ellen Mirojnick

Intérpretes:
MICHAEL DOUGLAS: Nick Conklin ANDY GARCÍA: Charlie Vincent KEN TAKAKURA: Masahiro Matsumoto KATE CAPSHAW: Joyce Kingsley YUSAKU MATSUDA: Sato

El actor Michael Douglas interpreta ahora a un detective que trabaja de manera poco ortodoxa, y que ha logrado capturar a un gángster japonés después de que se le haya encontrado culpable de un doble asesinato sangriento en Nueva York. Douglas y su compañero (Andy García) son asignados para escoltar al asesino (Yusaku Matsuda) hasta Osaka, donde ellos lo entregan sin darse cuenta a sus propios compinches, unos gángsters que visten ropas de policía. Ahora ya no se trata de un delincuente que se les ha escapado de la manera más infantil, sino de su propio orgullo, por lo que deciden asociarse con un policía de Osaka (Ken Takakura) para entre todos lograr detener al peligroso asesino. La acción comienza, pues, con esa pareja de policías que deben hacer una complicada captura en un país extraño, con una lengua desconocida y con unos modos de vivir totalmente diferentes a los propios. Pronto vemos a la compleja metrópoli que es Osaka, un país en el cual llueve mucho, hace frío y junto a los miles de trabajadores hay también miles de delincuentes por las calles. Después de una persecución con motocicleta por una autopista de Nueva York, hay una persecución a pie a través de un callejón sombrío, terminando todos corriendo por los aparcamientos subterráneos. El título del filme “Lluvia negra” refleja perfectamente el ambiente de esa ciudad, sin ningún parecido a aquél que nos muestran las postales turísticas o los documentales sobre la idiosincrasia de los japoneses.
Por eso lo mejor son los efectos visuales, la iluminación y la fotografía, puesto que nos ofrecen una visión de los suburbios muy tenebrosos e inquietantes. Otros elementos también parecen añadidos solamente para agobiar al espectador y por eso son menos acertados, como tampoco acaba de encajar la actriz Kate Capshaw, una camarera de Osaka que al parecer conoce la mayoría de los secretos de los gángsters y se los pasa a Douglas por razones poco convincentes. Quizá a alguien se le ocurrió la idea de mezclar a una rubia americana residente en Japón para demostrarnos que los compatriotas se ayudan, pero su papel de confidente no encaja. Es totalmente inadmisible que una mujer, por muy americana que sea, posea tantos secretos vitales de las principales mafias del Japón, ni siquiera gracias a su trabajo como barman o geisha particular.

Una película de acción y detectives debe tener un argumento muy elaborado y creíble, puesto que de no ser así solamente podemos mostrar interés en las persecuciones y las carreras de automóviles. El segundo error del guionista, además de la presencia de esa confidente americana, es el mismo comienzo, en el cual la policía norteamericana permite y facilita la expatriación de un peligroso delincuente japonés que ha asesinado a dos mafiosos americanos. Lo habitual, y eso es algo que ya sabemos, es que se le juzgue y encarcele en el propio país del crimen. Tampoco es creíble que, en el supuesto de tener que llevarle a su propio país, se lo lleven personalmente dos policías americanos en lugar de delegar esa responsabilidad a la policía nipona.
Tampoco sabemos cómo es posible que cuando el avión americano llega a Osaka con el asesino, la verdadera policía llegue muy tarde y en su lugar estén los mafiosos. Lógicamente, un país tan moderno como Japón debería disponer de unas medidas de seguridad muy eficaces.
Lo mejor del filme es la correcta exposición del Japón moderno, sus costumbres y el lógico enfrentamiento entre las formas de comportamiento y de pensar de ambos países. En este caso los policías japoneses no son tontos, tampoco los americanos, y finalmente encuentran una buena solución para colaborar sin que nadie se sienta dolido en su orgullo patrio.
Ridley Scott es un buen director acostumbrado a manejar multitud de ingredientes y mezclarlos adecuadamente sin aturdir excesivamente. Ya lo demostró con “Alien” y “Blade Runner” sabiendo aportar fugazmente elementos de terror que sobresaltar al espectador, pero nunca insistiendo en ellos. La tensión se mantiene intensa y súbitamente desaparece con otra secuencia interesante, nunca relajante, pero que nos permite disfrutar, y no sufrir, con la película.
Muy correcta la interpretación de Michael Douglas, quizá con un interés desmedido por mantener siempre la mandíbula apretada para demostrar que es duro y eficaz. Frío y distante, no logra relajarse ni siquiera cuando está junto a la guapa Kate.

Premios:
Nominada al Mejor Sonido 1989: Donald O. Mitchell, Kevin O'Connell, Greg P. Russell, Keith A. Wester
Nominada a los mejores efectos de sonido: Milton C. Burrow, William L. Manger

El director:
RIDLEY SCOTT

Nacimiento: 30 de Noviembre de 1937, en Northumberland, Inglaterra Estudios: Hartlepool Oeste, Colegio de Arte

Hacia mediados de 1960, Ridley Scott trabajó para la BBC de Televisión como un diseñador de escena, una experiencia que ha coloreado muchos de sus trabajos posteriores como director. Desde su primera película, “The Duels” (1977), y posteriormente con “Black Rain” (1989), Scott ha resultado ser muy coherente con los aspectos visuales más espectaculares.
Scott comenzó su carrera de director en la televisión, trabajando en episodios de las series “Z Cars” y “ The Informer”. En 1967, dejó la BBC y gastó sus siguientes diez años haciendo centenares de anuncios de TV, mediante su compañía comercial de producción, RSA (Ridley Scott Asociados).
Scott dedicó un total de cinco años, desde la concepción, la financiación y la producción, a su primera película, The Duels (1977) y aunque ganó un premio especial del jurado en Cannes, recibió muchas críticas por su visión superficial de los dos personajes centrales (Keith Carradine y Harvey Keitel).
La siguiente película de Scott tuvo bastante éxito, tratándose de un tenso thriller de cienciaficción titulado “Alien” (1979). La película consiguió una buena recaudación e hizo una estrella de Sigourney Weaver (a partir de 1996), realizándose posteriormente dos secuelas, “Aliens” de James Cameron (1986) y “Alien 3” de David Fincher (1992), habiéndose estrenado ya la cuarta entrega.

“Blade Runner” presentaba una visión futurista, saturada y violenta de Los Angeles en el año 2019. La historia, sobre un cazador de recompensas (Harrison Ford), que investiga a una pandilla de androides forajidos, ofrece un tratamiento extraordinariamente simpático de los "replicantes" en busca de su creador, tratando de prolongar sus únicos cuatro años de vida. La película ha desarrollado un culto importante, aunque algunos críticos fueron severos con la dureza de Ford.
La reacción de los críticos con “Legend” (1985) fue generalmente pobre, centraliza sobre una débil historia de hadas, amparada en una producción demasiado suntuosa (la película entera fue rodada en los estudios Pinewood de Londres). “Someome To Satch Over Me” (1987) era un bien estructurado thriller de suspense, interpretado por Tom Berenger y Mimi Rogers, mientras que “Black Rain” (1989), una película sobre la corrupción de la policía, rodada en Nueva York y Japón, consiguió también una buena taquilla. Aunque la narrativa es algo confusa y la parte romántica, entre el detective (Michael Douglas) y la anfitriona de un centro nocturno (Kate Capshaw), poco elaborada, algunas de las confrontaciones urbanas estaban francamente bien.
Scott disfrutó de uno de sus mayores éxitos comerciales ycríticos con el filme “Thelma y Louise” (1991). La película también engendra un alto nivel de controversia cuando juzga las costumbres sociales de Hollywood. Escrita por Callie Khouri, y con las actrices Susan Sarandon y Geena Davis como protagonistas, indignó al espectador varón y encantó a las mujeres.
Los posteriores trabajos de Scott consistieron en la epopeya de Colón, con “1492: La conquista del paraíso” (1992), una estupenda película que nos ofreció algunos placeres visuales, aunque los resultados en taquilla fueron muy pobres, quizás porque no siguió fielmente la biografía del descubridor.
Una de sus últimas películas fue “Tormenta blanca” (1996) bien realizada, pero un fracaso para la prensa y el público. La película estaba interpretada por actores jóvenes, atractivos, y nos contaba la historia de unos estudiantes privilegiados que se ven obligados a madurar sobre la cubierta de un buque escuela privado. Jeff Bridges recibió bastantes elogios por su interpretación y Scott ganó cierta celebridad por las hermosas imágenes náuticas y su dinámico montaje de la tormenta en el mar.
En 1995, Scott y su hermano Tony compraron los estudios Shepperton de Londres para que Scott rodara sus propias producciones.

LA GUERRA DE LOS ROSES The war of the roses 1989

116 minutos

Director: Danny De Vito
Guión: Michael Leeson
Basada en la novela de: Warren Adler Fotografía: Stephen H. Burum Música: David Newman
Maquillaje: Stephen Abrums
Vestuario. Gloria Gresham

Intérpretes:
MICHAEL DOUGLAS: Oliver Rose KATHLEEN TURNER: Barbara Rose DANNY DE VITO: Gavin D'Amato MARIANNE SAGEBRECHT: Susan SEAN ASTIN: Josh

Nuevamente unidas, es un decir, una de las parejas más taquilleras de los 80, Michael Douglas y Kathleen Turner, ahora como dos esposos que están condenados a vivir juntos aunque no lo desean. Anteriormente ya se habían peleado en “Tras el corazón verde” y “La joya del Nilo”, aunque finalmente se reconcilian y se dan unos cuantos besos. Ahora es al revés, puesto que se casan muy enamorados y así siguen hasta que ella monta un negocio en solitario y decide que ya no necesita a su marido. En medio está Danny De Vito, pero como es tan bajito sus consejos ni siquiera son escuchados. “La guerra de los Roses” es, aparentemente, una comedia negra y amarga sobre un divorcio y una intensa pelea matrimonial. No obstante y conociendo a Douglas, sabemos que ha tratado de nuevo de denunciar el comportamiento de muchas mujeres en caso de divorcio: quieren perder de vista al marido justo cuando ellas ganan dinero, pero no quieren repartir los bienes conyugales y prefieren quedarse también con la parte de él.
Por eso en la película la más malvada es ella y nos demuestra que no tiene sentimientos nobles, especialmente cuando trata de quedarse con la casa de ambos, una casa que él había pagado con su trabajo. Ellos habían funcionado muy bien como pareja y hasta hacían el amor muchas veces a la semana según ella (dos días, no más). Se habían conocido en una subasta y el amor y la pasión surgió pronto, lo mismo que los dos hijos. Ella parece feliz pero tienen miedo que un día esa relación termine y como atraviesa eso que se llama crisis decide que debe independizarse cuanto antes del marido; al principio económicamente pero también afectivamente.
Anteriormente ambos eran felices con sus respectivos papeles: él ganado dinero y ella gastándolo, por lo cual al cabo de los años esa casa era un palacio lujoso. Oliver ganaba mucho dinero y por ello no podía pasar muchas horas en su casa, pero ella encontraba siempre un lugar adecuado para gastarse ese dinero. Pero cuando sus dos hijos han crecido y se independizan, Bárbara decide que ella quiere algo más en la vida que dedicarse a administrar los bienes que gana su marido. Por eso, el día en que logra vender una tarrina de pâtè a un amigo comprende que posee cualidades para poder ganar dinero por sí misma después de diecisiete años sin dar golpe. Se siente tan bien que pide el divorcio, aunque no olvida pedir también la casa.

Ella es lista, pero él no quiere que le quiten lo que es suyo, por lo que estalla la guerra. Afortunadamente el guionista debería ser algo misógino y nos pone a Douglas como la víctima de una ingrata y ladrona mujer que quiere destrozar y robar a su marido. Anteriormente el cine ha mostrado otras batallas entre esposos, en las cuales él acaba cediendo cuando ella se pone a llorar, como con Rock Hudson y Doris Day, o Spencer Tracy y Katharine Hepburn, pero ahora Turner demuestra que también gusta de emplear los puños.
Por eso la película debería ser analizada también como un estudio psicológico de la realidad diaria y no aportar elementos graciosos en momentos sumamente trágicos. La guerra de este matrimonio no empieza en la oficina de un abogado, puesto que había comenzado meses antes entre ellos, pero allí se establecen las bases de lo que será la batalla. Cada uno se hace fuerte, busca sus armas y se fortifica contra los ataques del otro. Igual que la vida misma. Por desgracia, no solamente se hacen daño en sus almas, sino que la casa objeto de las peleas empieza a ser destrozada sin piedad.
La mayoría de los momentos cómicos son de agradecer y están puestos adecuadamente, salvo algunas excepciones, pero los mejores son aquellos en los cuales ambos demuestran una gran habilidad para romper lo que más gusta al otro.
Hay momentos de gran ferocidad que nos hacen reír, especialmente cuando aparece DeVito tratando de aportar elementos de humor en situaciones delicadas, sin olvidar su personal filosofía, y otros que casi son una denuncia contra ese tópico del “sexo débil”. Para quienes piensan que la película es exagerada y que las disputas matrimoniales no pueden suceder así, les recomendaría que preguntan a cualquier persona divorciada, para que les relate los meses anteriores al divorcio. Es posible que les quede claro que lo que han visto en “La guerra de los Roses” es algo habitual en nuestra sociedad. Por eso las escenas finales nos parecen demasiado dramáticas y nos secaron nuestro arsenal de risas.

LINEA MORTAL Flatliners 1990

Columbia

108 minutos

Director: Joel Schumacher

Intérpretes:
JULIA ROBERTS: Rachel Mannus KIEFER SUTHERLAND: Nelson Wright KEVIN BACON: David Labraccio

Con una base argumental en sí interesante, como es el paso previo de la vida a la muerte y sobre lo que sienten los que se encuentran en ese umbral, se realiza esta película la cual contaba con el aliciente añadido de la delicada Julia Roberts en pleno apogeo. Pero lo que arranca de una manera razonable y hasta lógica, se va poco a poco por caminos psicológicos que entran en el más espantoso de los ridículos. Que nuestros fantasmas de la niñez vengan al presente a fastidiarnos la vida (y la muerte) es demasiado.
Este viaje al mundo que envuelve la otra vida, justo después de la muerte, se nos muestra inicialmente muy correcto, lógico, pero poco serio y muy moralista. Es casi como una fiesta de estudiantes, un experimento, en el cual están inmersos Kiefer Sutherland, Julia Roberts, Kevin Bacon, William Baldwin, y Oliver Platt. Ellos son unos estudiantes de medicina en Chicago que quieren realizar unos experimentos para averiguar qué hay en la otra vida, justo nada más morir. Tienen algunos conocimientos sobre congelación y reanimación, pero no son unos expertos y alguno de ellos tiene miedo sobre las consecuencias.
Junto a este juego mortal, cada uno tiene sus propios problemas personales, como esos vídeos que graba Baldwin cuando está haciendo el amor con sus chicas. Ellas no lo saben, pero él los enseña luego a sus amigos.
El director, Joel Schumacher, tomó la idea inicial con bastante entusiasmo aunque sin demasiado rigor científico, y nos muestra la posibilidad de matar voluntariamente a una persona y luego reanimarla a los pocos minutos sin consecuencias para ella. Pero posteriormente nos lleva por caminos estúpidos, culpa ahora del guionista, y la película degenera en una historia de terror sin credibilidad alguna. Finalmente, vemos muchos juegos de luces y trucos con humo y fondos digitalizados, para mostrar la vida en el otro mundo de manera poco seria y en ocasiones risible.

INSTINTO BÁSICO Basic Instinct 1991

Carolco y Le Studio Canal+ 127 minutos

Productor: Alan Marshall Director: Paul Verhoeven Guión: Joe Eszterhas
Fotografía: Jan De Bont Compositor: Jerry Goldsmith Vestuario: Ellen Mirojnick

Intérpretes:
MICHAEL DOUGLAS: Detective Nick Curran SHARON STONE: Catherine Tramell GEORGE DZUNDZA: Gus
JEANNE TRIPPLEHORN: Dr. Beth Garner DENIS ARNDT: Lieutenant Walker
LEILANI SARELLE: Roxy
BRUCE A. YOUNG: Andrews
CHELCIE ROSS: Capitán Talcott

“Instinto básico” ta rdó 89 días en rodarse, bastantes más de los planeados, a causa de las protestas de grupos de homosexuales y lesbianas que no aceptaban que su imagen se mostrara tan depravada. Por ese motivo, el coste final se elevó hasta 43 millones de dólares, aunque solamente en la primera semana de exhibición en los Estados Unidos recaudó 15 millones. Y siguiendo con el baile de los millones, el guionista se embolsó 2 millones de dólares por elaborar un guión que inicialmente provocó el vómito del director Paul Verhoeven, mientras que Michael Douglas alcanzó los 10 millones de dólares. La película estuvo marcada desde el principio por los problemas y el productor Irwin Winkler fue sustituido unos días antes de comenzar el rodaje por Alan Marshall, lo mismo que la actriz Kathleen Turner que debería interpretar el papel de la escritora bisexual y que había sido recomendada especialmente por el propio Michael Douglas. La decisión final la tomó Verhoeven, quien ya conocía a Sharon Stone desde “Desafío total” y se había quedado entusiasmado por la violencia que había ejercido en su pelea contra Arnold Schwarzenegger.

La película no pasó la calificación inicial para ser mostrada en los circuitos de cine tradicionales y hubo que suprimir un total de 45 segundos, según dicen de una violencia inédita hasta entonces. También estuvo a punto de ser censurada por sus escenas de sexo oral y por la exposición que hace de gays y lesbianas.
Con posterioridad a su estreno los colectivos feministas también se cebaron contra Sharon Stone, a la que acusaban de misógina, comentario tan estúpido como el resto de sus críticas contra la película. Afortunadamente todas estas controversias fueron muy favorables para el lanzamiento publicitario del filme, convirtiéndole en un objeto de deseo semanas antes de su estreno.
La expresión “el polvo del siglo” corrió de boca en boca, lo mismo que la abertura de piernas de Stone delante de la policía fue mencionada como “el pubis más hermoso de la historia del cine”.
Cuando las críticas cayeron en todas las direcciones, todos se excusaron alegando que se habían limitado a realizar lo que había en el guión, el cual describía con todo detalle (al igual que el storyboard), cada momento erótico y violento de la película.
Después surgió la leyenda de que en Europa habíamos podido ver las escenas mucho más reales y ampliadas que en América, en donde se había proyectado una segunda versión, más suave, de la película. En concreto, se refieren a la escena en la cual nuestro privilegiado Douglas navega ansioso hacia el frondoso bosque que Sharon posee entre las piernas. Todo lo que acontece cuando por fin llega al paraíso, queda parcialmente tapado por el muslo de ella en la versión americana, pero a nosotros nos tocó el privilegio de aprender cómo hay que realizar una adecuada inmersión.
Hay también otras dos escenas objeto de interés y son el famoso cruce de piernas durante el cual la cámara había descendido justo al nivel preciso para que viesen que Sharon no llevaba bragas, y otra, nuevamente con Douglas de afortunado mortal, cuando recorre ansioso los pechos de ella. Yo no he visto la supuesta versión americana, pero mucho me temo que no exista esa doble versión y que el bulo nos haya llegado para motivarnos a verla.

Desde luego, los colectivos feministas han sido los más agresivos a la hora de calificar la película, a su director y a los dos actores principales. Afortunadamente, su labor de censura sobre el cuerpo femenino las hace quedar en ridículo y solamente sirve de estímulo para llenar aún más las salas de cine. Acusar a Douglas de simular una violación con la psicóloga, alegando que ese comportamiento es denigrante para ella, es tratar de inculcar a todas las parejas del mundo que las fantasías sexuales no deben existir en las relaciones de pareja. Para disculparse o justificarse por esta escena, Verhoeven dijo que aunque un hombre tenga una fantasía sexual que incluya la violación, no quiere decir que si tuviera la oportunidad la fuera a realizar, del mismo modo que una mujer que se imagina seduciendo a su jefe no termina realmente proponiéndole hacer el amor.
Verhoeven no trató nunca de justificar la violencia, sino solamente de mostrarla bajo un prisma inaceptable, para que el espectador viera hasta donde pueden ser capaces los seres humanos paradar satisfacción a sus instintos. “El pecado, según sus palabras, no puede existir si no hay ocasión de pecar, y mostrando a los humanos en su posición más depravada estamos criticándoles, nunca aplaudiéndoles. La ignorancia de lo que ocurre a nuestro alrededor nunca nos llevará a ser mejores, sino más estúpidos”.
También aportaron su crítica los grupos de gays, quienes tampoco se sentían bien tratados en el filme, quizá porque deseaban dar una imagen como en otros anteriores filmes, en donde eran considerados poco menos como los únicos cuerdos en materia sexual. Pero al ver que sus demandas no serían aceptadas, pidieron que al menos se incluyeran frases como que “las mejores personas de la ciudad son gays”, estupidez que por fortuna no fue aceptada.

El argumento nos habla de una escritora, Catherine Trammel (Sharon Stone), sospechosa del asesinato de una estrella del rock y que cuando es investigada por la policía seduce a uno de ellos, el detective Nick Curran (Michael Douglas). Ese mismo policía tiene un pasado delicado y por eso cae víctima de los encantos de una mujer que no duda en acostarse con hombres y mujeres, si con ello consigue mejores personajes para sus novelas.
Pero Catherine no es la única sospechosa y entre las interrogadas están una amiga de ella sumamente celosa, Roxy (Leilani Sarelle), y una funcionaria del departamento de psicología policial de Los Angeles, Beth (Jeanene Triplehorn), quien por cierto había mantenido relaciones sentimentales con el detective Nick.

Premios:
Nominada al mejor filme editado 1992: Frank J. Urioste Nominada a la mejor música 1992: Jerry Goldsmith

Su compañera de reparto: SHARON STONE

Stone, procede de una familia numerosa del Noroeste de Pennsylvania, y sus primeras profesiones fueron como cajera en un MacDonald, incorporándose rápidamente como modelo publicitaria para periódicos y anuncios en la televisión. Posteriormente, en los años 80 consiguió su primer papel como secundaria en el filme de Wes Craven “Bendición mortal” (Deadly Blessing”), en donde hacía de una rubia atemorizada, papel tan poco elogiable como el que hizo en “Diferencias irreconciliables” (1984) o en “Las minas del rey Salomón” (1985) y su continuación, “Quatermain en la ciudad perdida del oro” (1987). También la pudimos ver en películas tan dispares como “Loca academia de policía IV” (1987), “Acción Jackson” (1988) y el enésimo remake de “Sangre y arena” (1989). Todas ellas han pasado con justicia a la historia de películas olvidables. En esa misma época aprovechó cualquier oportunidad para adquirir experiencia y popularidad y participó en series de televisión como “Not just another affair” (CBS, 1982) y “Bay City Blues” (NBC, 1983). Con una intervención más importante en “Calendar girl murders” (ABC, 1984), “The Vegas strip war” (NBC, 1984), “Hollywood Star” (ABC, 1985), “Mr and Mrs. Ryan” (ABC, 1986), “Badlands 2005” (ABC, 1988) y “Tears in the rain” (Showtime, 1988). Ninguno de estos trabajos han aportado nada bueno a su curriculum, salvo un pequeño papel que hizo como nuera de Robert Mitchum en “War and remembrance” (ABC, 1988-89).

Y fue precisamente gracias a su odiado director Paul Verhoeven, cuando consiguió ser tenida en cuenta por público y crítica por su trabajo como la traidora y pérfida esposa de Arnold Schwarzenegger en el filme “Desafío total” (1990), en donde, además, logra derrumbar a puntapiés al coloso del culturismo. Después seguiría trabajando en comedias y películas de menor importancia, hasta que nuevamente Verhoeven la llama para realizar el controvertido filme erótico, “Instinto básico”, junto a Michael Douglas. Su trabajo como mujer malvada, sexualmente provocativa con los hombres, y con apetencias lésbicas importantes, fue objeto de tanta polémica en el mundo entero como la maravillosa exposición ante las cámaras de su pubis abierto. Aunque ella renegó de esa escena y dijo que fue un truco del director, lo cierto es que en sus posteriores películas siguió provocando las pasiones sexuales de millones de hombres e incitando a las mujeres a que lograsen sus fines mediante el uso adecuado de sus atributos sexuales.
Sus siguientes películas iban siempre en la misma dirección, y con “Acosada” (1993) consiguió demostrar que un cuerpo desnudo era capaz de generar tantos delirios como psicopatías, apuntándose otro éxito comercial que no pudo ser igualado con su papel de esposa frígida en “Entre dos mujeres” (1994).
Cuando se incorporó al thriller cargado de explosivos “El especialista” (1994) con Sylvester Stallone, no consiguió que su imagen lograra imponerse a la del fornido actor. Eso la obligó a cambiar de rumbo y tratar de emularle como heroína en “Rápida y mortal” (1995), en donde además de trabajar como productora consiguió darse cuenta de lo que nunca más debería realizar. Este fracaso comercial, en donde trataba de imitar a Clint Eastwood en cualquiera de sus westerns, fue el primer aviso para que no probase tantos temas y se dedicase a aquellos que verdaderamente le podían seguir dando prestigio. Por ese motivo volvió posteriormente a su papel de mujer fatal y de gran atractivo sensual, en el filme “Casino” (1995), junto al popular Robert De Niro, a quien pone los cuernos con la misma facilidad que se cambia de ropa.

Considerada como una de las actrices mejor pagadas de Hollywood, y dueña ya de su propia productora cinematográfica llamada Chaos, sus siguientes interpretaciones no han logrado darla ese soporte de popularidad que sus 41 años la exigen. Después de los fracasos en “Diabólicas” con Isabelle Adjani y Chazz Palminteri y “Condenada”, en donde hizo de presidiaria enamorada de su abogado (Rob Morrow), necesita con urgencia un nuevo éxito que la permita mantenerse en el estrellato, antes de que las primeras arrugas la conviertan en un recuerdo de mejores épocas.

Stone, todavía hoy, es una gran estrella que se puede permitir el lujo de trabajar una vez al año, pero cuya imagen erótica ha sido tan utilizada (la mayoría de las veces bajo su aprobación), que puede suponer su retirada del cine definitivamente. En la actualidad cuida mucho más su imagen y antes de cada entrevista requiere que le muestren las preguntas y se asegura que no se manipularán sus respuestas, del mismo modo que supervisa todas las fotos que se van a publicar. Su deseo es convertirse en la nueva Sharon Stone y para lograrlo estudia minuciosamente todos los guiones que le llegan a sus manos. .

REGRESO A LAS CALLES DE SAN FRANCISCO Back to the streets of san Francisco 1992

100 minutos

Director Mel Damski

Intérpretes.
DEBRAH FARENTINO WILLIAM DANIELS PAUL BENJAMIN
KARL MALDEN
DARLEEN CARR
CONOR O'FARRELL MICHAEL DOUGLAS

Nuevo intento por sacar a la pequeña pantalla a los viejos policías Malden y Douglas, justo veinte años después del comienzo de la serie. Con el fin de eliminar de la serie a Michael Douglas buscaron la solución elemental de hacer que un delincuente le mate, mientras Malden se dedica a buscar afanosamente al asesino. Para apoyar la historia, nos muestran escenas retrospectivas de ambos actores trabajando juntos y así podemos justificar las lágrimas de Karl Malden. Desgraciadamente este fue solamente un episodio piloto que no tuvo la aceptación esperada.

LA FUERZA DE LA ILUSION Radio Flyers 1992

120 minutos

Productor: Lauren Shuler-Donner Productor ejecutivo: Michael Douglas Director: Richard Donner
Guión: David Mickey Evans
Fotografía. Laszlo Kovacs
Música: Hans Zimmer

Intérpretes:
LORRAINE BRACCO: Mary JOHN HEARD: Daugherty ADAM BALDWIN: El rey ELIJAH WOOD: Mike
JOSEPH MAZZELLO: Bobby BEN JOHSON: Geronimo Bill TOM HANKS: Narrador

Dos hermanos jóvenes deben encontrar una manera de sobrevivir el matrimonio de su madre con un borracho abusivo y su salvación parecen encontrarla en Radio Flyer. “La fuerza de la ilusión” toca tantos temas que es difícil encontrar el argumento central y ni siquiera sabemos a qué tipo de público quiere agradar. Pudiera ser que quisieran denunciar los abusos a menores, o los problemas de los niños en hogares destrozados por padres malavenidos, aunque también podría ser que nos hablasen de la fantasía de los niños.
La película comienza mostrándonos a unos niños que viven en un mundo cruel y sin corazón. Como todos aquellos personajes de los dibujos animados que pierden a sus padres, bien sea por secuestro, porque se les quema la casa, o porque se caen al mar, en este caso prefieren utilizar la forma más habitual: un divorcio. Bueno, esto siempre es algo triste para un niño, y nuestros personajes centrales, Mike y Bobby, son recogidos por su madre en California, donde ella se casa con un matón sádico, ebrio, que quiere ser llamado El Rey. Cuando la madre no está con ellos, a El Rey le gusta pegar al pequeño Bobby.

La madre (Lorraine Bracco) es un caso extraño, pues aunque la muestran inteligente y trabajadora, no nota que está casada con un monstruo y ni siquiera se da cuenta de los moratones de su hijo. Los niños tampoco la avisan de ello, pero empiezan a escapar equipando su carro Radio Flyer con alas y un artefacto para que vuele, y así el pequeño podrá dejar el pueblo para siempre.
Ellos están seguros de que este plan resultará. Un niño llamado Fisher navegó en una ocasión cerca de la costa con su carro corriendo cuesta abajo y volando después a través del cielo, tan alto que casi pudo tocar la cola de un avión que volaba por el valle. Por supuesto, Fisher también sufrió una caída terrible, y cuando nosotros nos lo encontramos, al final de la película, estaba inválido, pero esto no lo sabían los chicos.
Lógicamente el vuelo de los niños tiene lugar y ya vemos a Bobby lanzado colina abajo en su artilugio patético. Todos sentimos pena por él, y si muriera en el intento no nos extrañaría. Lo que sí nos dejaría perplejos es que llegara hasta la Luna, porque creemos que esta no es la manera más adecuada para escaparse de una familia horrenda.

La película, pues, ya lo dijimos, es extraña, y no sabemos a quién va dirigida, si a niños o a los adultos. A los niños no les gusta ver madres que se divorcian y se casan con monstruos, y a los adultos no les parece muy entretenido que nadie haga nada por ayudar a esos dos niños.
“La fuerza de la ilusión” parece ser que era una novela muy famosa antes de convertirse en un guión de David Mickey Evans. Para los profesionales era un buen guión, dada la incongruencia de sus elementos. Si alguien en una conferencia sobre las familias nos describiera esta película como "los abusos a un niño que se creía Peter Pan", seguro que hubiera conseguido aplausos. Pero no se puede reforzar el idealismo de los niños con quimeras imposibles de realizar. Los sueños hay que alentarlos siempre que exista una posibilidad, por pequeña que sea, de poder llegar a ellos.
Luego supimos que la historia era real, aunque en la película se cambian las cosas y se las exagera. Parece ser que la contó su hermano Mike cuando era adulto, pero no sabemos si realmente el niño voló, si murió en su intento de volar, y ni siquiera sabemos si la policía detuvo a ese padrastro por pegarle y a su madre por no ocuparse de él.

RESPLANDOR EN LA OSCURIDAD Shining Through 1992

127 minutos

Director: David Seltzer
Guión: David Seltzer
Basada en la novela de: Susan Isaacs Fotografía. Jan De Bont
Música: Michael Kamen
Vestuario. Marit Allen

Intérpretes.
MICHAEL DOUGLAS: Ed Leland
MELANIE GRIFFITH: Linda Voss
LIAM NELSON: Franze-Otto Dietrich
JOELY RICHARDSON: Margrete Von Eberstien

No fue la mejor película de Douglas aunque para sus más fervientes admiradores ha sido la peor, con gran diferencia. Personalmente, debo suavizar las malas críticas y sacar a relucir lo que de bueno tiene el filme.
La historia central nos lleva a una secretaria sencilla, que trabaja con un prestigioso abogado en Nueva York, mientras llegan noticias sobre el imparable avance de las fuerzas de Hitler en Europa. Para ella todo esto ocurre demasiado lejos y no la preocupa, prefiriendo dejar volar su imaginación para verse dentro de sueños románticos y en ocasiones eróticos.
Ella es una eficaz y sencilla secretaria de ascendencia judía que domina bastante bien el idioma alemán y por eso empieza a sospechar que su jefe (Douglas) está metido en algún asunto extraño. Pronto saca la conclusión que en realidad es un espía, especialmente cuando lee a hurtadillas unas cartas que parecen estar redactadas en algún código secreto. Pero en lugar de asustarse decide enamorarse de él, quizá para poder vivir así una aventura que rompa su monotonía. Después de alguna noche de pasión debajo de las sábanas él tiene que marcharse a Alemania para seguir trabajando como espía y ella le espera impaciente a que vuelva puesto que tiene una idea clara: también quiere ser espía. Bueno, en realidad la cosa no es tan simple puesto que aprovecharía su estancia en Berlín para rescatar a unos parientes de su padre, judíos para más señas.

El argumento parece ya centrado y nos disponemos a ver una de esas tradicionales películas de espías ambientadas en la Alemania nazi, que tanto nos han hecho temblar hace años. El ambiente de guerra y de temor se filtra hasta las butacas y vemos a los dos enamorados tratando de darse besos bajo la sombra de la cruz gamada.
Después al guionista le llegaron nuevas ideas y hace que ella se infiltre nada menos que como cocinera de un jefe nazi. No sabe cocinar y cuando lo intenta lo hace fatal y hay momentos en los cuales sentimos pena por ese oficial alemán que tiene que comer esa basura. También sabe tirar con gran habilidad la sopa encima de los comensales, hasta que alguien se le ocurre que lo mejor es despedirla en lugar de mandarla a un campo de concentración, por si acaso se le ocurre seguir cocinando allí.
Pero es tan guapa que otro oficial nazi se enamora de ella, así de rápido, y la pone a trabajar como niñera. Este hombre no es malo, puesto que es fiel a su país y su ejército, aunque para ella signifique solamente un miembro más del infierno. En estos momentos sentimos miedo por esos niños, inocentes de una situación bélica de la que no son responsables y siempre pensamos que ella les hará daño. Ese oficial, Franz (Liam Neeson) , está enamorado de ella y la quiere sinceramente, por lo que se mantiene ciego ante la evidencia.

El filme tiene tantas irregularidades, entre fallos y aciertos, que resulta difícil establecer una categoría. Hay una escena, por ejemplo, cuando Ed (Michael Douglas), vistiendo como un oficial nazi, con una venda ensangrentada alrededor de su cuello, intenta llevar a Melanie Griffith inconsciente más allá de un punto de control fronterizo aunque él no habla nada de alemán. La venda es para explicar con gestos las razones por las cuales no puede hablar, pero lo insólito es que tampoco les entiende, aunque en la película todo se resuelve con bastante facilidad. Esos soldados alemanes se tragan todo y llegan a aceptar que verdaderamente es un oficial con dolor de garganta. Cuando alguien desconfía demasiado saca su salvoconducto que dice: este oficial es un veterano de guerra que no puede hablar. Nadie se creería una excusa tan infantil, salvo esos alemanes. Pero cuando llega a la frontera ese truco ya no le sirve o es posible que haya perdido su tarjeta mágica. Allí empiezan las cosas raras, puesto que ese policía le hace nada menos que nueve preguntas, una tras otra, y Ed solamente sabe señalarse la herida y poner ojos asustados. Si esto nos hubiera ocurrido a nosotros seguramente habríamos pasado tres años y un día en un campo de concentración alemán, pero a nuestro héroe le suele dar buen resultado. Finalmente, las cosas se complican y como sabe que detrás de esa frontera le esperan sus amigos, los ingleses, dispara algunos tiros y con Melanie en su regazo (se nos olvidaba decir que sigue desmayada) sale rápidamente hacia la puerta de la gloria. En su recorrido, que se nos hace más interminable que a él, le disparan muchas balas y del otro lado le jalean para que siga corriendo.
Nadie sabe entre los espectadores cómo es capaz de llevar a esa guapa chica de al menos 60 kilos de peso tanto tiempo, mucho menos cuando ya ha recibido algún balazo, pero debe ser que esos actores famosos comen mejor que nosotros.
Pronto nos ponemos tristes porque vemos a Douglas caer bajo unos cuantos disparos certeros, aunque el guionista se tenía reservado un as en la manga. Inmediatamente nos llevan al mismo lugar del comienzo de la película, cuando una envejecida Melanie Griffith responde a las preguntas de un entrevistador de la BBC sobre esos días intensos de su pasado como Mata-Hari. Allí se aclaran todas las dudas y nos muestran el final, pero evitaremos contárselo.

UN DÍA DE FURIA Falling down 1993

115 minutos

Director: Joel Schumacher Guión: Ebbe Roe Smith
Fotografía: Andrzej Bartkowiak Vestuario. Marlene Stewart

Intérpretes.
MICHAEL DOUGLAS: D-Fens
ROBERT DUVALL: Prendergast
BARBARA HERSHEY: Beth
RACHEL TICOTIN: Sandra
TUESDEY WELD: Mrs. Prendergast FREDERIC FORREST: Surplus Store Owner LOIS SMITH: D-Fen's Mother

Michael Douglas trata ahora de mostrarnos algo que nos puede suceder a cualquiera de nosotros, en esta ocasión no por culpa de una mujer sino a causa de una serie de infortunios en cadena. económicamente sólida, felizmente, que tiene un guapo hijo y que todas las mañanas saluda al nuevo sol agradeciéndole por haberle tocado con la varita de la fortuna. Pero el peligro le acecha, y se le complica especialmente cuando tiene una fuerte discusión con su mujer, se divorcia y una orden judicial le impide acercarse a su casa. Súbitamente, ese hombre bien asentado en la vida, se encuentra en la calle a causa de un divorcio. Si no supiéramos que esto es muy frecuente, disfrutaríamos más de la película.
Ahora estamos en Los Angeles, una ciudad moderna y en la cual vive D-Fens un ejecutivo bien pagado, casado

Todo empezó una mañana en la cual nuestro amigo se encuentra metido en un fenomenal atasco de tráfico. No hay posibilidad de eludirlo y solamente un kilo de paciencia puede evitar el infarto. Pero allí todo se empieza a complicar, puesto que no solamente él pierde la paciencia. Pronto le vemos saliendo furioso de su automóvil y marchándose a pie hasta Los Angeles. No es una buena opción para un hombre que viste impecablemente y lleva en la mano un maletín de lujo.
En el largo camino, como haríamos cualquiera de nosotros, entra en una tienda de comestibles para llamar por teléfono, pero el propietario no tiene cambio, ni está dispuesto a prestarle una moneda.
Para solucionarlo compra una lata de cerveza, pero cuando le dan el cambio no le basta para la llamada telefónica. En pocos minutos todo se complica y con un bate de béisbol destroza parte de la tienda. No es lógico, pero tampoco lo era que en una tienda no le puedan dar cambio para llamar por teléfono.
Luego se marcha, y en su largo camino hacia su casa, se topa con los miembros de una banda de latinos que quieren robar su cartera y debe enfrentarse desigualmente a ellos. También lo hace con unos empleados de un lugar de comidas rápidas que le dicen que ya no hay desayunos, que es demasiado tarde, y hasta se pelea con el dueño de una tienda de armas que parecen puestas allí para que la aventura continúe con fuego.
Nuestro pobre hombre no lo acaba de creer, especialmente cuando empieza a ser buscado por la policía, en concreto por un tal Prendergast (Robert Duvall), quién efectúa su último día de trabajo, y que debe realizar un informe sobre ese hombre que viste camisa blanca y corbata y que está armando un jaleo enorme allá por donde va. Se trata de un perturbado, dicen, por lo tanto hay que coger la artillería por si acaso.
Ese policía no es un tío tranquilo, puesto que se considera ya obsoleto y totalmente prescindible para su comisaría. Cuando su superior le dice que ese hombre al que debe detener es un enfermo peligroso, solamente piensa en acabar cuanto antes con el problema.

Esta película cuenta lógicamente con el apoyo de los espectadores, puesto que es raro encontrar a alguien que no se haya visto inmerso en algunas de las situaciones que se muestran. La diferencia es que ahora se juntan todas y es lógico que nos pongamos ya sin reparos de su parte. Cuando le vemos haciendo frente a los malvados, disparando y efectuando sin reparos su venganza, casi le aplaudimos. Pero el acierto del guionista es que no nos lo pone como un justiciero local, sino solamente como una persona normal sometida a una situación límite que él no ha provocado. En las películas del Far-west es habitual que el héroe pierda ya la paciencia cuando le presionan demasiado y nos gusta que dispare ya sin reparos a los bandidos. Por eso ahora la situación se torna más real, puesto que los malvados son muy diversos, incluido el destino cruel.

MADE IN AMERICA 1993

110 minutos

Productor: Michael Douglas, Rick Bieber
Director: Richard Benjamin
Guión: Holly Goldberg Sloan
Basada en una historia de: Sloan, Marcia Brandwynne y Nadine Schiff Música: Mark Isham
Vestuario: Elizabeth McBride

Intérpretes:
WHOOPI GOLDBERG: Sarah Matthews TED DANSON: Hal Jackson
WILL SMITH: Tea Cake Walters NIA LONG: Zora Matthews
PAUL RODRÍGUEZ: José
JENNIFER TILLY: Stacy
La popular Whoopi Goldberg interpreta a Sarah Mathews, quien dirige una librería afroamericana en Oakland y tiene a una hija llamada Zora (Nia Long) que estudia en la universidad. El marido de Goldberg ha muerto hace ya algunos años y Zora siempre ha asumido que era su padre. Entonces ella descubre por accidente que no es así, puesto que ha sido engendrada mediante inseminación artificial. Angustiada por el descubrimiento, decide saber el nombre de su verdadero progenitor y acude al banco de datos del banco de esperma (creíamos que era un secreto), donde descubre que su padre biológico es un hombre blanco. Siguiendo con sus investigaciones averigua horrorizada que se trata de un bribón muy rico, un tal Hal Jackson, que es el distribuidor de automóviles que suele salir diciendo tonterías en los anuncios de la televisión.
Zora se desmorona, puesto que Sarah especificó cuando acudió al banco de esperma que su padre debería ser negro. Cuando ella averigua que es ese Hal Jackson (Ted Danson), un soltero con novia, empieza a investigar quiénes son los miembros de su familia biológica.

El argumento parece razonable, aunque los psicólogos nos avisan que es mejor no averiguar quiénes son los verdaderos padres en casos similares. Solamente trae problemas a hijos y progenitores. Pero en la película nos muestran a madre e hija desquiciadas por un hecho irreversible y las lleva a montar en bicicleta dentro de una calle llena de automóviles y tener un accidente. Eso la conduce a un hospital, aunque por poco tiempo. En ese momento la situación inicial, con el problema psicológico que proporciona conocer a un padre después de tantos años, nos lleva a situaciones mucho más intensas. El personaje de Danson, alguien que promueve a la risa en la primera impresión, nos lleva a cambiar nuestra opinión puesto que se trata de una buena persona. Por fin el guionista se centra en la historia y nos ayuda a que empecemos a ver una solución afectiva al problema. Como siempre, la actriz Whoopi Goldberg exagera sus gestos, tanto como lo suele hacer Jack Nicholson. Cambiando de registro de voz y moviendo sus manos tanto como su boca, pasa de una situación melodramática a una cómica, casi sin intervalo para que cojamos aliento. La imagen de la chica afectada tremendamente por el descubrimiento sobre su verdadero padre blanco es intensa, lo mismo que cuando Danson descubre que tiene una hija secreta. Desde ese momento la historia nos trata de hacer reflexionar sobre cuál sería nuestra propia conducta en un caso similar, aunque nos lleva más por el camino de la comedia que por la reflexión, lo que desaprovecha bastante la esencia de la historia producida por Michael Douglas.

ACOSO
Disclosure 1994

127 minutos

Productor: Barry Levinson, Michael Crichton
Director: Barry Levinson
Guión: Paul Attanasio
Basada en la novela de: Michael Crichton
Fotografía: Tony Pierce-Roberts
Música: Ennio Morricone
Efectos especiales: Eric Brevig, Industrial Light and Magic Maquillaje: Cheri Minns, Tom Lucas
Vestuario: Gloria Gresham
MICHAEL DOUGLAS: Tom Sanders DEMI MOORE: Meredith Johnson DONALD SUTHERLAND: Bob Garvin ROMA MAFFIA: Catherine Alvarez CAROLINE GOODALL: Susan Hendler DENNIS MILLER: Mark Lewyn DYLAN BAKER: Philip Blackburn NICHOLAS SADLER: Don Cherry

La película nos lleva a un lugar de Seattle, en la oficina principal de la empresa R&D dedicada a la investigación de nuevas tecnologías relacionadas con los microchips. Los empleados masculinos no suelen tener buena opinión de Tom Sanders, un ejecutivo que está dedicado en cuerpo y alma a la fabricación de un nuevo producto para los ordenadores que abaratará los costes y proporcionará mucha mayor rapidez en los procesos de datos. El problema es que hay una reunión que puede estropear ese proyecto sino se realiza una fusión con otra empresa.
Para evitar que alguien le copie su proyecto, Douglas usa un equipo de realidad virtual que le sirve simultáneamente para perfeccionar su invento. Este programa permite precisar que su nuevo software funciona perfectamente y es viable económicamente. Cuando emplea este equipo permanece en pie, mientras viaja en el interior de las imágenes. Lleva un casco y unos auriculares que crean la ilusión de estar dentro de un enorme archivo y eso le permite guardar mejor sus secretos. Como si de una oficina real se tratase, solamente tiene que alargar la mano, abrir un cajón y sacar una carpeta para acceder a la base de datos. No es un sistema muy práctico y ahora sabemos que cualquier ordenador dispone de códigos secretos y llaves de accesos que impiden su lectura, pero en ese momento es probable que el guionista siguiera aferrado a su máquina de escribir.
La compañía tiene que ser adquirida por una empresa mayor, y el jefe (Donald Sutherland) ganará con ello 100 millones de dólares, por lo que no quiere escuchar noticias malas. Entretanto, Douglas espera un ascenso que deberá ser avalado por una anterior amante llamada Meredith Johnson (Demi Moore). El día que ella hace el informe, le llama a su oficina a última hora de la tarde, para hablar. Pero la chica tiene cierto ardor uterino en ese momento y le propone sexo instantáneo. Douglas se niega prudentemente, con sonrisas, puesto que le gusta ser fiel a su mujer, pero ella va directa al asunto, se lo coge (¿saben ya de qué hablamos?) y casi le viola. Parece increíble, puesto que ella es tan guapa que le bastaría una mirada para tener a veinte hombres dispuestos a hacer el amor con ella sin problemas, pero Tom (Douglas) no acepta esa imposición y se establece una ligera pelea hasta que él logra marcharse del despacho. Aunque da por concluido el combate, al día siguiente se encuentra con la denuncia de ella por acoso sexual.
Bueno, esto es algo habitual en las mujeres con respecto a sus jefes, y por eso la novedad es demostrar que también ellas, con menos frecuencia, realizan actos iguales con los varones que tienen a su mando. La obra de Michael Crichton no sabemos si pretendía ser sensacionalista o suponer una denuncia contra una situación existente pero nunca denunciada. A mí, como hombre, me parece muy bien que se hable de ello y que se denuncie cuando ocurran casos similares.
El asunto empieza a trascender en toda la oficina, hay enfrentamientos verbales, aunque la compañía trata de evitar que salga fuera de ese lugar para no estropear la venta. Douglas es defendido por un abogado luminoso, una mujer llamada Catherine Alvarez, quien precisamente por su condición de mujer le comprende mejor que nadie.
Sabe la humillación que supone un acoso en el trabajo y no quiere que se establezcan discriminaciones contra los hombres acosados. El asunto se complica cuando hay personas que hacen falsos testimonios y cuando la ejecutiva se pone a llorar como suelen hacer algunas mujeres en los juzgados. Cuando habla ya no es sexy, sino una pobre e infeliz mujer que quiere justicia.

Ya sabemos que el tema debería sembrar polémica, lo mismo que ocurrió con “Una proposición indecente”, aunque ahora es mucho más grave puesto que supone una película que denuncia unos hechos habitualmente ocultos. La esencia de la historia no es tanto el acoso sexual como la igualdad que ambos casos debe tener ante la ley. El novelista trata de demostrar que el daño que se le hace a un varón acosado es tan grave como el que se le hace a una mujer, especialmente si se trata de un hombre felizmente casado. El personaje de Douglas encuentra serias dificultades para defenderse, puesto que le han denunciado a su vez por acosador, pero como la ley dice que el acoso es solamente de un superior a un inferior, no prospera la malévola intención de ella de dar la vuelta a la tortilla. Luego, vemos a Douglas averiguando una conspiración para estropear su invento mediante una fabricación defectuosa oculta y también unas advertencias realizadas mediante su correo electrónico que le advierten del grave peligro en el cual está metido.

EYES OF AN ANGEL 1994

91 minutos

Productor ejecutivo: Michael Douglas Director Robert Harmon

Intérpretes:
JOHN TRAVOLTA ELLIE RAAB
TITO LARRIVA
JEFFREY DEMUNN

Cuando papá Travolta y su hija huyen de los gángsters que les amenazan, el perro de presa que la chica había alimentado tiempo atrás en secreto hasta que se puso bueno, hace un viaje cruzando todo el país hasta que la encuentra. Esta película, que debería ser una bella historia para niños es demasiado violenta y para los adultos muy infantil, por lo que termina aburriendo a unos y otros. Llevaba cuatro años sin poderse estrenar y solamente el éxito de “Pulp Fiction” consiguió sacarla de las estanterías.

EL PRESIDENTE Y MISS WADE The american president 1995

115 minutos

Productor. Rob Reiner Director: Rob Reiner Guión: Aaron Sorkin MICHAEL DOUGLAS: Andrew Shepherd ANNETTE BEING: Sydney Ellen Wade MARTIN SHEEN: A.J. MacInerney
MICHAEL J. FOX: Lewis Rothschild ANNA DEAVERE SMITH: Robin McCall RICHARD DREYFUSS: Senador Rumson JOHN MAHONEY: Leo Solomon

La película es, ante todo, un romance ingenioso y bien aceptado, pero sumamente superfluo. El presidente de los Estados Unidos, Andrew Shepherd (Michael Douglas), lleva viudo varios años. Un día, se encuentra a una experta en temas medioambientales, Sydney Ellen Wade (Annette Bening), recientemente llegada a Washington. Entre ambos se establece una atracción poderosa a primera vista, y como él no quiere cometer errores pregunta a sus ayudantes lo que ocurriría si la invitase a cenar en la mesa presidencial. El ayudante le dice que lo mejor es hacer una encuesta sobre esa reunión amorosa, pero eso es precisamente lo que el Presidente quiere evaluar: la necesidad que tiene de pedir permiso cada vez que quiera mantener alguna relación con una mujer.
Andrew coge el teléfono y llama a Sydney, quien no puede creer que realmente sea el presidente de los Estados Unidos quien la llame. Ella se acaba de instalar con su hermana y aún no tiene un teléfono propio. Lo que no sabe es que el presidente ha pedido su número de teléfono a sus amigos del FBI. Como no está segura de la llamada, cuelga. Bueno, esto es lo que haría cualquier persona en su caso, pero el Presidente insiste hasta que ella, convencida de que es un bromista, le llama asno.

Por eso el comienzo es agradable, especialmente porque es creíble. Nosotros esperamos frecuentemente una llamada de Hacienda, pero nunca del presidente del gobierno y en este caso la chica tenía sus motivos para colgar el teléfono indignada. Después comienza a relucir la burocracia y el poder que está sentado fuertemente en la Casa Blanca, y aunque parezca lógico que sea así por cuestiones de seguridad, ahora se nos muestra como muy cómico.
La película, pues, es una comedia, más que un romance entre un príncipe y una cortesana. No hay momentos de tensión y todos los actores procuran ser simpáticos ante las cámaras. En esos momentos vemos que ser presidente de un país no es difícil y hasta tienen sus ventajas, porque al menos se te acercan muchas chicas guapas. En la medida en que pasan los minutos, solamente esperamos que se reúnan de nuevo para saber si van a enamorarse. He mencionado que es ante todo una comedia porque la abundancia de risas está en las cosas cotidianas que ocurren al presidente, especialmente cuando intenta comportarse y vivir como un ciudadano normal. Él pretende que su personal privado no revise sus cosas particulares y por eso se encuentra en un apuro cuando tiene que llamar por teléfono para encargar un ramo de flores. Curiosamente, no dispone de una tarjeta de crédito cercana para tan sencilla operación. Tampoco sabe cómo traer a una chica hasta su cuarto sin que se entere la prensa que monta guardia las 24 horas del día ante la verja de entrada.

Para mantener aún más el interés de los espectadores el guionista nos muestra primero la relación personal entre los nuevos amantes. Después nos habla del trabajo tan dispar de cada uno y lo difícil que es mantener una relación personal cuando se es presidente. Finalmente, está el asunto político, puesto que Andrew es un liberal que debe hacer campaña contra un poderoso conservador (Richard Dreyfuss) quien está intentando demostrar que el actual presidente tiene un pasado muy turbio.
Ahora que los presidentes norteamericanos han ocupado las páginas de los periódicos más que el hambre mundial, esta película nos lleva a un terreno normal, en donde los aspectos políticos ocupan un segundo plano y se muestran como poco importantes, y se centran más en los sentimientos de las personas. Hay también algunas conferencias presidenciales que tratan de problemas reales y actuales, por lo que nos gusta escucharle.

LOS DEMONIOS DE LA NOCHE The ghost and the drakenss 1996

Director: Stephen Hopkins
Guión: William Goldman
Productor ejecutivo: Michael Douglas, Steven Reuther.

Intérpretes:
MICHAEL DOUGLAS: Remington VAL KILMER: John Patterson TOM WILKINSON: Beaumont JOHN KANI: Samuel
BERNARD HILL: Dr. Hawthorne BRIAN McCARDIE: Starling

Estos animales eran lo contrario a cualquier otro león conocido. Habitualmente no comen a las personas, pero aquellos que disfrutan matando por placer suelen esperar pacientemente a que algún ser humano esté solo e indefenso para comérselo. La noticia de su presencia extendió el terror durante las noches africanas y detuvo muchos planes de los habitantes. Los nativos llegaron a creer que no eran leones, sino demonios.
La historia nos habla de su caza, una de las historias verdaderas más emocionantes que se han dado, por lo que puede resultar una de las películas más excitantes del año. “Los demonios de la noche”, es una película de miedo convertida en una gran aventura gracias a su director Stephen Hopkins y a los protagonistas, entre ellos Val Kilmer y Michael Douglas. El guión fue escrito por el dos veces galardonado con el Oscar de la Academia William Goldman, y producida por Ana Hurd, Paul Radin y A., Kitman Ho, mientras que Michael Douglas es el productor ejecutivo junto con Steven Reuther.

En realidad, parece ser que dos leones que se habían extraviado detuvieron la construcción del puente del ferrocarril por el Río Tsavo y aterrorizaron a los constructores que acampaban por las noches, llegando a asaltarles incluso de día. Desarmados y sin apenas darse cuenta del drama, algunos hombres fueron devorados. No había nada premeditado en ese ataque y ni siquiera los leones estaban hambrientos. Se trataba de una casualidad macabra, de una aberración natural espectacular, en donde los leones querían parte de la comida que había en el campamento. Cuando terminaron su incursión, aproximadamente habían matado ya a 130 hombres.
La actitud cruel de los ejecutivos británicos de ese puente, al menos según el escritor William Goldman, nos habla de que abandonaron a su suerte a los constructores del puente, dejando al Teniente Coronel John Patterson (Val Kilmer) el desafortunado deber de manejar el problema de los leones a su modo.
Para solucionarlo cuenta con el apoyo de un cazador de grandes excursiones y safaris llamado Remington, Michael Douglas, de pelo largo y grasiento, quien lleva un distrito electoral de guerreros Masai.

THE GAME 1997

Propaganda Films

Productor: Steve Golin, Ceán Chaffin Guión: John Brancato, Michael Ferris Música: Howard Share
Director: David Ficher

Intérpretes:
MICHAEL DOUGLAS: Nicholas Van Orton SEAN PENN: Conrad
JAMES REBHORM
DEBORAH KARA UNGER

Un poderoso ejecutivo, divorciado y muy déspota, no acaba de encontrar la felicidad y para desahogarse maltrata a todos cuantos dependen de él. Solitario y deseoso de encontrar un aliciente en su vida que le proporcione al menos algo de interés, acepta una extraña proposición de su hermano Conrad. Debe participar en un juego real que organiza una extraña empresa dedicada a dar emociones a los millonarios. Nicholas no es amante de los juegos, salvo el de la bolsa, y no quiere entrar en algo que considera infantil, pero su deseo de salir de la monotonía es tal que se involucra en ese juego, pero teniendo bien claro que lo abandonará pronto.
Pero hay algo detrás de esa empresa que no es lo que aparenta y pronto los acontecimientos se complican, se hacen tenebrosos y su vida corre peligro, lo mismo que la de su hermano. Cuando avisa a la policía para que cierre ese negocio tan peligroso, solamente encuentran un viejo local vacío. Pero el juego sigue.
Con cierto parecido a “Desafío total”, vemos ahora a Douglas en un papel que nos recuerda al que realizó en “Wall Street”, malvado y déspota, aunque pronto empezamos a sentir pena por este hombre que lo tenía todo y no era capaz de darse cuenta. La transformación de Douglas es adecuada y vemos cómo suaviza su mandíbula fuertemente apretada y su mirada fría, para pasar a mostrar estupor, incredulidad y en muchas ocasiones terror. Todo ello hace que el espectador se involucre en la acción y que no pueda predecir el final, aunque esperamos que nuestro héroe acabe vivo, feliz y convertido en una buena persona.

UN CRIMEN PERFECTO A perfect crime 1998
Warner

Guión: Patrick Smith Kelly
Director: Andrew Davis
Productor: C. Mankiewicz, Arnold Kopelson

Intérpretes:
MICHAEL DOUGLAS: Steven Taylor GWYNETH PALTROW: Emily VIGGO MORTENSEN: David Shaw DAVID SUCHET:

Difícil reto tanto para el director como para los actores el recrear de nuevo una de las películas más aplaudidas de Alfred Hitchcock. Quizá el trabajo más cómodo ha sido precisamente el de Douglas, puesto que Ray Milland, aún siendo un buen actor, no poseía la gran variedad de matices que Michael Douglas puede otorgar a su personaje. En ese caso, consigue encarnar a la perfección al sereno y malvado marido que decide vengarse de su esposa, la guapa Paltrow, quien obviamente no puede hacer nada para que olvidemos ni un momento a Grace Kelly.
Pero ya que hablamos de retos, mucho más difícil lo tenía el director Davis para superar el trabajo de Hitchcock, tan perfecto como el título de la película, y ni siquiera la gran diferencia tecnológica nos consigue que seamos benevolentes con esta nueva versión. Para quienes no han visto la primera versión puede suponer un thriller interesante en el cual se nota aún su procedencia teatral y el intento por aportar detalles adicionales al guión que no debieron incluirse nunca.
La historia es similar a la que nos mostraron anteriormente, pero con algunas variantes. La esposa ya no es tan buena ni tan infeliz, puesto que mantiene una relación adúltera con un joven. Ellos se quieren, pero no desean hacer daño a Steven, aunque él ya tiene un plan perfecto para librarse de ella. La empresa de Steven está en bancarrota y necesita mucho dinero para sacarla a flote, justo el que le pagaría el seguro si su mujer muriese accidentalmente. Como no quiere mancharse las manos con la sangre de su esposa, contrata a un asesino, precisamente el joven amante, quien ante la posibilidad de ganar medio millón de dólares no tiene ninguna duda entre el amor y el dinero.

JÓVENES PRODIGIOSOS Wonder boys 2000

Música: Christopher Young
Fotografía: Dante Spinotti
Basada en la novela de: Michael Chabon Director: Curtis Hanson

Intérpretes:
MICHAEL Douglas
TOBEY MAGUIRE
FRENCES MCDORMAND

No es una película recomendable para fans del atractivo Michael Douglas, pues es casi imposible mostrarlo más desgarbado, desaliñado y ojeroso. Indudablemente, con este aspecto no acudió a su última boda, pues aquí debería aparecer como dicen que son los escritores. Ya sabemos que no todos los escritores son unos bohemios, pero cuando una persona ha sido abandonada por su mujer y no es capaz de terminar una novela que debía haber entregado años ha, lo más comprensible es que ni siquiera le apetezca lavarse. Buen guión, buenos actores y una acertada dirección, nos proporcionan un filme agradable con final feliz y hasta romántico.

Otros filmes

And So It Goes (pre)
Reykjavik (pre)
Las Vegas (pre)
Detrás del candelabro (2013) Behind the candelabra TV Indomable (2011)
Phineas and Ferd TV series (2011)
Wall Street 2 (2010)
Solitary Man (2009)
Más allá de la duda (2009)
Los fantasmas de mis ex novias (2009)
El rey de california (2007)
Tú, yo y ahora… (2006)
La sombra de la sospecha (2006)
Hasta que la muerte nos separe (2003)
Cosas de familia (2003)
Freedom: A History of Us (2003-2002) TV serie documental. Libertad o muerte (2002)
Will y Grace (2002) (TV series)
Divina pero peligrosa (2002)
Ni una palabra (2001)
Trafiic (2000)

Frases de Michael Douglas

“La verdad es que a mí no me ha interesado casi nunca el cine, quizá porque lo tenía en mi propia casa. De niño, apenas si acudía una vez al mes a ver alguna película”.
“Siempre he sentido una inclinación especial por el deporte, pero intenté ser un buen profesional y no lo conseguí”.
“Ahora es cuando me doy cuenta lo mucho que me parezco a mi padre Kirk Douglas”.

“No me molest a la popularidad pero me da miedo. La gente sabe quién eres cuando pasas a su lado, pero yo no. Hubo una época en la cual tuve que ir con chaleco antibalas por la calle a causa de unos anónimos”.

“Hay países en los cuales es imposible salir a la calle o vivir en ellos a causa de la prensa. Uno de ellos es España, donde todo está permitido a los periodistas”.
“Ahora prefiero ser solamente actor, es mucho más descansado que producir”.
“La prensa basura no está interesada en la noticia, sino en la mentira, puesto que esto les proporciona más dinero”.