MEL GIBSON

Autor: Adolfo Pérez Agustí
Edita: Ediciones Masters

MEL GIBSON

Su presentación al público fue simplemente como un actor australiano, atractivo, de ojos azules, aunque poco después confesó que había nacido en Nueva York y emigrado a Australia en 1968. Olvidado este incidente, su popularidad fue meteórica cuando se puso aquel traje de cuero en “Mad Max” de George Miller, interpretando a un héroe de acción después del Apocalipsis, y en “Tim” (ambas en 1979), como un trabajador retrasado mental enamorado de Piper Laurie. Gibson se convirtió en una estrella rentable en Australia después de interpretar el drama de guerra de Peter Weir, “Gallipoli”, y “El guerrero de la carretera”, (ambas 1981), la continuación trascendental de “Mad Max”. Esta última, una película de acción clásica, fue un gran acontecimiento internacional en 1982 y le convirtió en uno de los actores más taquilleros.
Gibson regresó con Weir en “El año que vivimos peligrosamente” (1983.) Ahora es un reportero australiano que es obligado a permanecer en un país extraño durante los levantamientos políticos de Indonesia en 1960. La interpretación de Gibson demuestra encanto, inteligencia y, más pretenciosamente, incitación al sexo en su primera película como actor romántico. Después realizó su debut como actor americano en un filme menos logrado, como el rebelde Fletcher Christian, opositor al Capitán Bligh (Anthony Hopkins) en “Motín a bordo” (1984) y aparecía también en dos películas más ese año. Volvió a Australia para continuar la serie de “Mad Max” con “Mad Max, más allá de la cúpula del trueno” (1985), una sátira con menos acción y mayor presupuesto, acompañado por Tina Turner, en el cual se asemeja a un profeta errante.

Dos años después volvió a interpretar a un héroe de acción en “Arma letal” (1987), uno de sus personajes más populares, Martin Riggs, un policía de homicidios muy dinámico que se juntaba a Danny Glover. La película volvió a convertir en una gran estrella a Gibson y tuvo varias secuelas en las que creó una extraordinaria caracterización de un héroe de acción moderno. Inmediatamente después realizó un cambio sorprendente en su carrera con su retrato del danés melancólico en “Hamlet” (1990) de Franco Zeffirelli. Aunque la película era problemática, Gibson logró proporcionar un retrato finamente recreado del famoso príncipe. Esta fue la primera película producida por Icon Production.
Después de continuar con una historia más sentimental con “Eternamente joven” (1992), realizó su debut como director con “El hombre sin rostro” (1993), un drama en el que interpretó a una víctima de una quemadura. Después de este esfuerzo ligeramente popular, Gibson volvió a ser un camorrista más comercial en “Maverick” (1994), adaptación de la serie televisiva de los años 60 que astutamente traslucen sus cualidades como pícaro enérgico y que fue un éxito de taquilla.
Volvió a la silla de director con “Braveheart” (1995), ambicioso proyecto en el cual estaba interesado desde hacía muchos años. Vestido con una falda escocesa, luciendo pinturas de guerra azules y manejando una gran espada, Gibson interpretó magistralmente al Señor William Wallace, un noble escocés del siglo XIII que luchó duramente para liberar a Escocia de las leyes inglesas. Después, ese mismo año, puso la voz al señor John Smith en “Pocahontas” de Disney, e hizo también su debut en la pantalla cantando. Con su compañía de cine Icon Production también ha realizado otros proyectos, incluso el biopic de Beethoven “Inmortal Beloved” (1994.)

BIOGRAFÍA

Nacimiento: 3 de enero de 1956, en Peekskill, Nueva York. Nació a las 4:45 pm

Nombre de nacimiento: Mel Columcille Gerard Gibson

Estatura: 5’9’’

Esposa: Robyn Moore, enfermera dental, casados en 1980. Tienen 6 hijos.

Hermanos: Es el sexto de 11 hermanos

Primo: Charles Gibson, uno de los protagonistas de “Good Morning América” (1975)

Religión: Católica

Otros datos abreviados de interés:
En octubre de 1997 fue considerado por la revista Empire (UK) una de las 100 estrellas más taquilleras de todos los tiempos.
En 1990, 1991 y 1996 fue escogido por la revista People como uno de los 50 actores más guapos del cine.

Educado en la Universidad de New South Wales, Australia.
Su primera intervención como actor fue con Judy Davis, donde interpretaron a Romeo y Julieta. Estudió drama en el Instituto de Artes Dramáticas junto a Colin Friels, Dennis Olsen y Judy Davis.

Le han otorgado el AO (Funcionario de la Orden de Australia), el honor más alto en ese país, en 1997.

Tuvo como compañero de cuarto en la Universidad a Geoffrey Rush

UN COMIENZO VIOLENTO

Empleando su mano como si fuera un rastrillo a través de su pelo oscuro puntiagudo, y riendo también con esos ojos azules protegidos por cejas negras, Mel Gibson afirma que durante su juventud en Australia se pasaba todo el tiempo entre las barras de los bares, mientras que algunas personas organizaban luchas simuladas. Era una forma de divertirse limpia y buena. Nadie salía herido, pues había una gran habilidad en ello para que todo pareciera real.

“Una persona tiraba su ponche, pero tocando al tipo realmente en el extremo de su hombro, muy ligeramente, para que él pudiera reaccionar precisamente en el momento correcto. Las miradas deberían aprobar eso. Nosotros teníamos un amigo en la escuela, en el Instituto Nacional de Arte Dramático en Sydney, que nos enseñó posteriormente a realizarlo delante de las cámaras. Era un hombre poco popular en el cine y nunca consiguió enseñarnos algo más durante esas seis semanas que trabajamos con él”.

Pero hubo una noche en la cual la realidad le sacó de su ensueño. Mel estaba en la barra hablando sobre su trabajo cuando tres borrachos, enormes y agresivos, decidieron hacer picadillo de él. Y lo hicieron con eficacia.

“No me pregunten por qué, puesto que nunca lo averigüé. Quizá no les gustó mi cara y decidieron recomponerla a golpes. Aunque yo estaba en buena forma física, no era un rival adecuado para ellos. Simplemente me gustaban las peleas falsas, pero ésta empezó en la barra y una vez herido me tiraron a la calle. ¡Dios!, allí estaban de nuevo aquellos energúmenos. Me pegaron en la cara tanto tiempo que ni siquiera recuerdo, salvo que mis ojos ya no veían nada. Llenos de sangre y con mi nariz aplastada, me dieron puntapiés alrededor de mi cuerpo como si fuera una pelota de fútbol, hasta convertir el lado izquierdo de mi cara en una esponja reventada”.

Esa noche la pasó Mel en un hospital. Los doctores no estaban seguros de que saldría con vida. Nunca en su vida había sentido tanto dolor. El problema añadido era que al día siguiente tenía que realizar una prueba para un filme titulado “Mad Max”. Escondiéndose de los médicos se escapó del hospital y con un aspecto similar a El Hombre Elefante, se presentó en los estudios y allí descubrió que los productores estaban buscando a personas que tuvieran aspecto de malvadas. Cuando le vieron llegaron a la conclusión que no necesitaría ningún maquillaje. La maquilladora se alarmó cuando le miró la parte izquierda de su cara, aunque le dijo que tenía unos bonitos ojos, evitando decirle que su aspecto era horrible. Le sacaron algunas fotos y le dijeron que si cuando se curase un poco de sus heridas seguía teniendo ese aspecto de malo, le contratarían. Curiosa forma del destino, en la figura de unos matones corpulentos en esa barra de Sydney, para convertir en actor a un desconocido Mel Gibson. Gracias a ellos, él había encontrado su destino y realizaría una película que le convertiría en pocas semanas en un popular actor. Pero la fama, como descubriría rápidamente, también tiene su precio, uno de ellos perder el anonimato, aunque a partir de entonces todas las peleas que tenía en una barra eran simplemente simuladas.

Pocas semanas después todo el mundo supo que ese papel de Max Rockatansky se le ajustaba como un traje a medida, consiguiendo dar un aspecto humanizado y creíble a alguien que solamente lucha por sobrevivir en un ambiente hostil.
En el guión de “Mad Max”, una historia ambientada en una zona rural desértica austral, Max apenas logra demostrarnos que es un buen actor. Es solamente una copia, un cliché, especialmente cuando tiene que mantener un diálogo. Simplemente es un policía que batalla contra una banda de motoristas salvajes en algún momento de un futuro cercano, cuando el sistema de gobierno no existe y los locos han tomado el poder. Nuestro héroe sufre grandes pérdidas personales en las figuras de esposa e hijo a manos de los pistoleros a sueldo, y sale en su busca para vengarse.
Es similar a otros personajes, normalmente del viejo Oeste, en donde un hombre solitario debe ponerse en marcha para hacer justicia.

Pero esa película marcaba algunas diferencias. La primera, que estaba interpretada por Mel Gibson, quien lograba dar a su personaje Max Rockatansky una nueva e imprevista dimensión. Gibson era distinto, casi un remake de los grandes actores del pasado, logrando que el espectador se preocupara seriamente del bienestar de ese solitario guerrero de la carretera. Ese fue el detalle que sorprendió a los productores de la película. Apenas pensada para que los actores destacaran, “Mad Max” era una película de acción y terror de bajo presupuesto, diseñada para ser discretamente rentable, con escenas de persecuciones sencillas y empleando coches de desguace.
Pero algo inesperado pasó. La película tomó vida propia, despacio pero de manera firme y encontró a su público, consiguiendo convertirse a nivel mundial, como el mayor éxito de taquilla del cine australiano.
Y dondequiera que “Mad Max” fue mostrada, el éxito comercial estuvo asegurado, alabando todos a ese nuevo actor, un hombre de veintidós años, de quien nadie sabía nada hasta ese momento, pero cuya presencia en la pantalla era ya pura dinamita.

“Hubo un momento en el cual las personas creyeron que venía de ninguna parte, alegando que podía ser americano o australiano”.

Y esta primera estrella australiana (luego se supo que era americana) reconocida internacionalmente, surgió con fuerza en los años ochenta para electrizar a los críticos y al público con sus actuaciones y sensualidad discretamente oculta.
En ambos lados del planeta, los expertos comerciales se apresuraron para profetizar que Mel Gibson sería el descubrimiento masculino de la década. Según ellos, Mel tiene lo que cada actor sueña con tener, con esos grandes ojos azules y esa cara bonita. Era entonces como una cáscara vacía que podría llenarse a voluntad, aunque disponía ya de los modales que le hacían un actor. Bajo esa capa exterior, decían, hay un hombre que se toma muy en serio la vida.
“Mel Gibson, dijo el crítico de cine Rex Reed, está en la tradición de hombres vulnerables, fuertes, llenos de integridad y carisma como antes lo estuvo Gary Cooper o Glenn Ford”.

Anunciando al actor como un hombre de gran personalidad, Vincent Canby de The New York Times definió que su alta calidad como estrella era debida a su extraordinario carácter en su vida privada.
Más tarde, en 1984, las mujeres de la nación tenían también su opinión sobre Mel Gibson. En la votación anual dirigida por Man Watchers, Mel estaba en la cima de la lista de los Diez Hombres más guapos en el mundo, o, más concretamente, como el varón que más fuego interno provoca en las mujeres.
Mientras otras estrellas pueden generar desmayos en las mujeres y cambiar por eso su autoestima, para Mel es solamente un orgullo incomprensible, especialmente cuando se mira al espejo globalmente.

“Creo que en realidad todos persiguen hacer negocio conmigo. Desde que ellos me han puesto la etiqueta de ‘sex symbol’ no me encuentro diferente, aunque no creo que sea la peor calificación que se puede hacer de un actor. En una ocasión, cuando una reportera me entrevistó y escribió que yo era uno los diez hombres más sensuales de hoy, estuve preocupado por si ella quería comprobar personalmente las razones de mi éxito”.

ORÍGENES

Mel Gibson nació en Peekskill, Nueva York, el 18 de enero de 1956 y doce años más tarde emigró junto a sus padres a Australia, en busca de mejores perspectivas laborales. Allí se integra perfectamente en este lejano país, sin problemas de adaptación a unas costumbres con fuertes raíces anglosajonas.
Su padre se llamaba John Hutton Mylott Gibson, nacido en 1918 y cuyos antepasados irlandeses se habían dedicado preferentemente al mundo del arte y la escena. Esa dedicación artística le fue inculcada a Mel desde muy joven, incluso cuando comenzó sus estudios secundarios en 1968, recién llegado a Australia. Allí estudió en el St. Leo’s Christian Brothers School en Wahroonga, un lugar situado al norte de Sidney. Su fuerte acento norteamericano le sirvió de carta de presentación para sus compañeros de colegio y poco después era ya conocido por el apodo de “Mad Mel”, igual que un popular personaje de la radio. Desde ese colegio pasó al Asquith Boys High School, donde los profesores le recuerdan por ser un buen estudiante, alegre, amable y muy educado. En esa escuela comenzó a formar parte del grupo de teatro actuando en obras de Shakespeare, asombrando pronto a sus compañeros por su calidad interpretativa. De esa época, podemos destacar “No names, no pack drill” y “Muerte de un viajante”. Una vez concluidos sus estudios secundarios pasó a estudiar drama en el Instituto Nacional de Arte Dramático de Sidney, en donde comenzó actuando solamente como extra sin diálogos. Poco a poco su participación fue más importante, hasta llegar a ser el actor principal en “Romeo y Julieta”, “Madre e hijo” y “The hostage”, entre otras.

EL CINE

Su primer trabajo fue cuando acababa de cumplir los veinte años, en un papel menor para una desafortunada película australiana, “Summer City”, nunca proyectada en occidente, por lo cual la figura de Mel Gibson no fue tenida en cuenta. En ella es uno más entre unos jóvenes aficionados al surf que practican en las playas australianas. Filmada en 16 milímetros se mostró exclusivamente en clubes deportivos y posteriormente en algunos cines del país. Por este primer trabajo cobró 400 dólares australianos.
Pero alguien debió ver en este joven de cara afeminada y modales delicados un futuro gran actor, puesto que le ofrecieron inmediatamente el principal papel protagonista en un filme dirigido por George Miller que llevaría el título de “Mad Max”. Los exteriores se rodaron en el desierto austral y con un presupuesto de apenas 400.000 dólares comenzaron a rodar este thriller futurista en la ciudad de Melbourne.
Miller era ya un director prestigiado en Australia y quería aportar su visión de James Bond, pero incorporando nuevos elementos más conmovedores y violentos. El problema es que cuando se distribuyó en los circuitos mundiales los organismos clasificadores la consideraron como excesivamente violenta y no permitieron la entrada a los menores de 16 años. Ese detalle debería limitar mucho su éxito, pero “Mad Max” se convirtió en un triunfo total, a pesar de ser estrenada en la temporada de verano.
Este filme convirtió a Mel Gibson, un desconocido y no demasiado buen actor en aquel momento, en un nuevo héroe para los jóvenes. Pero aún no llegaban las ofertas americanas y Gibson acepta trabajar de nuevo en Australia en la película “Tim”, junto a la actriz Piper Laurie. Ahora y aportando un contraste excesivo con su anterior papel, interpreta a un joven disminuido cerebralmente que trabaja como jardinero para una rica señora. Cuando surge el amor entre ambos el joven se recupera de su minusvalía, especialmente cuando debe asumir bruscamente la muerte de su madre.

“Tim” ganó el Primer Premio a la Mejor Película australiana, el equivalente al Oscar, y Mel consiguió el premio al Mejor Actor Revelación otorgado por el instituto Australiano del Cine. Ya convertido en un actor de prestigio interviene en una de sus películas más aplaudidas, “Gallipoli”, del realizador Peter Weir y que tuvo como exteriores las playas de Port Lincoln, paisajes que se parecían sensiblemente a Turquía y Egipto, lugar en el cual transcurre la historia. Una vez estrenada, recibe de nuevo el Premio al Mejor Actor. Sin tiempo para descansar se traslada a Taiwan para interpretar el principal papel en “Fuerza de ataque Z”, un filme bélico que no consiguió traspasar las fronteras de Australia y tuvimos que ver en televisión.

EL TRIUNFO

Unas semanas después vuelve al cine de acción con la segunda entrega de Mad Max titulada “The Road Warrior” (El guerrero de la carretera) una continuación más sangrienta y violenta aún que la primera y que, contra todo pronóstico, volvió a entusiasmar a los públicos del mundo entero. El fenómeno Max ya era un hecho y numerosos cineastas trataron de copiar la idea.
Con “El Año que vivimos peligrosamente”, junto a una joven Sigourney Weaver, el reconocimiento mundial estaba consolidado y ocupaba la lista de los 50 actores mejor pagados del cine americano. Durante los años 1984 y 1985 Mel Gibson protagonizó cuatro de los filmes más costosos, aunque no necesariamente acompañados por unas buenas recaudaciones. Entre ellos pudimos ver “Motín a bordo” con 28.000.000 de dólares, un remake de Dino de Laurentiis sobre “Mutiny on the Bounty”; “The River”, con un costo de 20.000.000 producida por la Universal Picture y que nos contaba la lucha por sobrevivir de un granjero americano, y “Mrs Soffel” de la MGM UA, con 14.000.000 de presupuesto y que hablaba de un drama romántico junto con la actriz Diane Keaton.

“Cuando empecé a trabajar en el cine no pensaba que podía llegar a ser nadie popular y por eso no cuidaba mis interpretaciones ni la imagen. Trabajé en esta profesión porque no tenía ningún otro compromiso y porque era una buena manera de obligarme a mantenerme en forma”

Y en eso tiene razón, puesto que la popularidad le llegó sin realizar ningún esfuerzo, e incluso sin tener una preparación artística sólida detrás de sí. No había planeado nunca en su vida ser un actor de cine y ni siquiera tenía una gran ambición por triunfar en la vida. Cuando era niño, iba al cine y le gustaban las películas de Humphrey Bogart y se imaginaba portando por las calles el sombrero y la gabardina de su ídolo, e incluso su misma personalidad, pero eso era todo lo que sentía sobre el cine.
Gibson recuerda frecuentemente sus días en Peekskill, Nueva York y especialmente la figura de su padre, un trabajador del ferrocarril, y a su madre, una antigua cantante de ópera. Educado junto a los otros diez miembros de su familia en las creencias católicas, rememora sus años en la escuela Christian Brothers de St. Leo en Sydney.

“Dejé de ir a la igle sia porque percibía que las instituciones y los profesores se habían corrompido. Tampoco me gustaba esa idea de amenazarme con el infierno. Si dejaba de ir a la iglesia, pensé, el infierno no me podría tocar puesto que no creía ya en él”.

Ello no quiere decir que no tenga sus propias ideas conservadoras en cuanto a la pena capital y al uso de las armas y, como su padre, es sumamente crítico con las ideas liberales del Papa Juan Pablo II. Está convencido de la existencia en la otra vida y que para alcanzar la gloria es necesario tener un buen comportamiento ahora.
Cuando cumplió los 12 años, su padre, temiendo que sus hijos pudieran tener la edad para ir a pelear a la guerra del Vietnam, decidió usar el dinero conseguido por una lesión laboral, para trasladar a su familia a Australia. Era una experiencia traumática para todos los miembros de la familia verse en un país extraño en una época especialmente difícil.

“Yo era un niño muy tímido, pero sabía comportarme agresivamente cuando me molestaban. Quizá este carácter mío tan cambiante me permitió adquirir algunas de las cualidades que se necesitan para ser actor”.

La iniciativa para trabajar en el cine no vino de él, sino de su hermana Unbe. Ella ya trabajaba en algunas obras del Instituto Nacional de Arte Dramático en Sydney y cuando le pidió que le acompañara para una prueba, justo en un momento en el cual Mel no sabía qué rumbo dar a su vida, simplemente respondió: "Bien, por qué no?, por dos días no va a cambiar mi vida".

“Presentía que cuando sali era a escena la gente se iba a reír de mí, pero encontraba que esa experiencia sería muy valiosa. Mi idea en ese momento era estar abierto a cualquier experiencia y la expectativa de lo desconocido pudo más que mi miedo a salir a escena. Ese miedo se transformó en alegría cuando me di cuenta que podía desarrollar nuevas habilidades”.

Pronto se inscribió en un gimnasio para mejorar su condición física y se dio cuenta que esa fortaleza le sería ya imprescindible para trabajar con eficacia en el cine. En esa época probó una gran variedad de papeles olvidables que le pretendían convertir en un guapo joven afeminado, apto solamente para trabajos como homosexual. Algunos de sus trabajos fueron en culebrones para la televisión en los cuales no había posibilidad de realizar ensayo alguno y se rodaba aún cuando los actores no se sabían su papel. Con solamente dos semanas de trabajo intensivo consiguieron salir en las pantallas todas las noches durante tres semanas.

Su primera experiencia real en el cine fue con un filme de bajo presupuesto titulado “Summer citty” en 1976, en donde interpretaba a Scollop y por el cual cobró 20 dólares. Poco más logró trabajar ese año y tuvo que esperar hasta el otoño de 1997 para que alguien le llevara a efectuar una audición para una película de bajo presupuesto, en la misma línea que las de Roger Corman de los años sesenta y que se titularía “Mad Max”, algo así como Max, el enfadado.

La leyenda que rodea a Mel ya relaciona su pasado, aquella pelea que tuvo en la taberna australiana donde le machacaron la cara, con su papel como Mad Max. Por eso le fue fácil establecer una relación profesional muy adecuada con el director George Miller, a quien comentó cómo se comportaban los bravucones y el resultado de una pelea desigual. Su carisma, podríamos considerarlo así, comenzó el día en que le partieron la cara. En su caso, su aspecto físico fue más decisivo que su calidad como actor y gracias a ello Gibson pudo disfrutar con su profesión, generando una gran cantidad de simpatía hacia su persona. El otro desafío fue cuando tuvo que interpretar personajes no tan similares a su propia existencia y al mismo tiempo ser convincente.
Si “Mad Max” demostró que Gibson era una estrella masculina para el cine de acción, al menos en su país, su próxima película le establecía como un romántico y espiritual actor, algo similar a lo que fue Montgomery Clift. Cuando interpretó “Tim” en 1979, la mejor prueba de su buena adaptación fue ese premio al mejor actor del cine australiano. Basada en la primera novela del escritor Collcen McCullough, “El pájaro espino”, Tim es básicamente la historia de un romance entre una mujer de negocios de 40 años (Piper Laurie) y un especialista tonto pero guapo (Mel Gibson) que viene a ayudarla. A pesar de la gran desigualdad entre una actriz experta y un casi novato actor en películas románticas, el filme funciona principalmente debido al carácter sensible de los actores principales, y al trabajo igualmente bueno de Alwyn Kurts y Patricia Evison como los padres de Tim. (Kurts y Evison también ganaron el premio australiano del Instituto del Cine como los mejores actores de reparto).
Desgraciadamente, la película es superficial y pesada, y la labor del director Michael Paté no consigue mostrar los intensos sentimientos de Tim. El problema principal es el excesivo sentimentalismo de la historia y una concepción demasiado realista que produce en suma una película muy lenta.

UNA PAUSA PROFESIONAL

Mientras trabajaba en esta película, le llegaron ofertas para proyectos como actor principal en filmes con Richard Gere o David Bowie. La mayoría eran muy ambiciosos y el más concreto de todos fue uno junto a la actriz Debra Winger en una película romántica titulada “Shanghai Tango”.
De repente, Mel Gibson se veía ya compitiendo con éxito en las carteleras con los mayores actores de Hollywood, como Robert Redford, Clint Eastwood, Burt Reynolds, Al Pacino, Robert De Niro, Jack Nicholson, Dustin Hoffman, y Sylvester Stallone. Su sueldo, podría llegar ya hasta un millón de dólares por película. Hoy día sabemos ya que Mel tuvo que esperar todavía un poco más para entrar en esa gran lista de celebridades.

Las cualidades particulares que Mel Gibson posee como actor inspiraron una variedad de reacciones entusiásticas en los directores de cine. George Miller, de Australia, que le ha dirigido ya en las tres películas de “Mad Max” ha dicho: “Mel tiene una presencia especial. Parece un joven de la Nueva Generación, pero no está tan limitado como la mayoría de los actores jóvenes. Tiene un buen instinto para mejorar sus papeles en el cine y puede ser agresivo, sensible, romántico, y asustadizo. No obstante, es un actor consumado y posee una obsesión por las películas de acción. La destreza es su vida”.

“Gibson tiene la más intensa s exualidad que yo he visto en mi vida, declara Mark Rydell, director de ‘The River’. He dirigido a muchos grandes actores desde Steve McQueen a Henry Fonda y Mel es el más excitante”.
Cuando le tocó interpretar a Fletcher Christian en “Motín a bordo”, Mike Medavoy, vicepresidente ejecutivo de Orion Pictures, dijo: “Cuando yo lo vi por primera vez en la pantalla, tuve el mismo presentimiento que tuve cuando era niño y vi por primera vez a Errol Flynn. Este actor fue el ídolo de la matiné más importante durante los años treinta y cuarenta”.
Mel Gibson ya estaba en un momento de su carrera que presagiaba grandeza, y los productores sabían que era un actor increíblemente versátil dotado para proporcionar magia en la pantalla. Su presencia era inteligente y exudaba masculinidad, con unos ojos azules que mostraban emociones y chispas que salían de la pantalla. Para los críticos era un actor joven que podía ser comparado con los favoritos de la última década: Douglas Fairbanks en los comienzos del cine, Rodolfo Valentino en los años veinte, Clark Gable en los treinta, Alan Ladd en los cuarenta, Paul Newman en los cincuenta, Steve McQueen en los sesenta y Robert Redford en los setenta.
Aunque no se parece demasiado a ninguno de ellos, Gibson tiene algo en común con cada uno. Su cara es la de un hombre que guarda un secreto. Tiene una gran calidad y misterio, y su presencia genera excitación delante y fuera de la pantalla.

SOBRE “MAD MAX”

Para Mel Gibson “Mad Max” es solamente una película de serie B, o una elegante basura, según con la persona que hable. Según él, en realidad es una película bastante buena si se engloba entre el grupo de malas películas y muy mala si se pretende mostrarla como una gran obra. Al igual que un dibujo animado es bastante desigual y por eso la relación entre hombre y mujer está mostrada muy superficialmente. Mezclando argumentos y estilos cinematográficos, finalmente nadie sabía cuál sería el resultado.
Realizada con un presupuesto sumamente bajo, aproximadamente 400.000 dólares, y contando con dos novatos, el director George Miller y el actor principal Mel Gibson, es casi un milagro que se haya convertido en un éxito de taquilla en el mundo entero. George Miller confiesa que “Mad Max” podía ser todo menos una película alegre. “De hecho, dice, tenía que ser una experiencia terrible, amarga, como cuando la gente muere por falta de organización. Cuando finalizó el rodaje todos sentimos un alivio tremendo y cruzamos los dedos en su estreno. Era como pasear a un perro grande, usted quiere llevarle de una manera y el perro le obliga de otro modo. Finalmente, terminamos aceptando sus deseos. Yo tuve la sensación que no tenía ningún mando durante la realización”. Cuando hizo “El guerrero de la carretera” (Mad Max II), una continuación infinitamente superior, Miller lo consideró como un acto de expiación.

“Mad Max” se trataba de la primera película australiana contemporánea en ser distribuida ampliamente en América, y sorprendió a la productora de varias maneras. Se comercializó en los Estados Unidos para atraer a la gran cantidad de jóvenes que se reunían para ver las peleas de Charles Bronson y Bruce Lee, aunque luego se supo que ese público no acudió, ni lo hizo nadie, por lo menos al principio. Al menos, en los Estados Unidos, los primeros días de exhibición fueron muy flojos.
En el resto del mundo las cosas funcionaron de manera diferente y fue un éxito. En el estreno se recaudaron más de 100.000.000 de dólares y ganó seis premios australianos otorgados por el Instituto del Cine, incluso el Premio del Jurado, mientras lograba otro Premio del Jurado de Avoriaz, en Francia, el festival de cine fantástico y ciencia ficción más prestigiado.
El filme convirtió a Mel Gibson en una estrella internacional, y demostró que también pueden salir de otros países estrellas populares, reconocimiento curioso cuando ya sabemos que nació en Nueva York. El mayor sorprendido fue el propio Mel Gibson, quien ni siquiera había planeado ser actor.

“Esto es solamente un accidente en mi vid a. No tenía ningún plan concreto y ni siquiera lo tenía cuando se estrenó la película. Pero el destino tiene una manera cómica de inclinar las cosas y debo admitir que hay una parte de mí que siempre ha disfrutado entreteniendo a las personas. Siempre he estado actuando desde pequeño, poniéndome en pie y contando chistes. Todo el mundo sabe cómo lo hacen los niños pequeños. Ellos gustan de llamar la atención sobre todo si vienen de una familia grande y yo tengo diez hermanos. Mis padres estaban de acuerdo en emplear el castigo como método educativo, pero yo lograba conmover a todos y ganarme su afecto”.

Antes de entrar en el cine Mel se había graduado recientemente en la escuela secundaria de Sydney y no tenía ninguna idea lo que realmente quería hacer. Ahora ya sabemos que una de sus hermanas, sin su conocimiento, le matriculó a su nombre en el Instituto Nacional de Arte Dramático. Fue aceptado y estudió allí durante tres años.
El día después de graduarse en NIDA en 1977, justo la mañana siguiente de aquella reyerta en un bar de Sydney, Mel dijo tratando de disimular el dolor de los golpes, que iba a realizar una audición para el filme “Mad Max”, pero que sería como extra.

“No sabía que estaba realizando una audición como actor principal. Tampoco s abía en el infierno que me iba a meter. Cuando salí al escenario lo hice con ventaja, puesto que estaba sumamente tranquilo y con pocas ganas de trabajar en el cine. George Miller me pidió que dijera un chiste para una audición y supongo que debió ser muy bueno porque me contrató”.

La rara vivacidad de Mel y su rigurosa cara expresiva (producto de la paliza anterior), tuvieron mucho que ver con su contrato, más que el chiste que contó, al menos así lo dijo Miller. También el hecho de que fuera un desconocido ayudó a contratarle puesto que esa era la idea de los productores; necesitaban un actor que no fuera reconocible por nadie y querían huir especialmente de las caras populares de la televisión.

Pero ese anonimato le duró poco, puesto que la súbita fama y la fortuna aguardaban a Mel Gibson. Entretanto, durante el rodaje de “Mad Max”, la futura estrella estaba cansado por el duro trabajo.
Cuando leyó el guión por primera vez, encontró personajes con nombres como Toecutter, Mudguts, Lobotomy Eyes, Jim Goose, y Nightrider. Descubrió que la historia hablaba sobre la anarquía y el desorden, el caos total de la sociedad en Australia. En las carreteras interminables del Aussie Outback, peleó como un loco con bandas montadas en ciclomotores llevadas por un solo propósito, chocar y matar. La única ley era sobrevivir y evitar ser detenidos por el MFP (Patrulla de Fuerza Principal), unos policías vestidos con cuero y que solían conducir coches muy potentes, como era el caso de Max Rockatansky. Cuando el MFP incineró a uno de esos psicópatas, los miembros restantes de la banda juraron vengar su muerte. Desde ese momento, la película es solamente una batalla entre Max y estos gamberros asesinos.

Un crítico del Newsweek escribiría después: “Incluye un congl omerado de caídas múltiples entre motocicletas, automóviles, barriles de aceite y casas rodantes, más un perro destripado y algunos tiroteos. También hay un muchacho cuyo brazo se rompe cuando un automóvil pasa veloz, y a una madre y su bebé (la esposa de Max e hijo) fallecidos en una matanza de esa horda de motoristas. Estas son algunas de las cosas que muestra Mad Max”.
Desde el momento en que su familia es asesinada, Max está muerto espiritualmente. La única emoción que sentirá de nuevo en su vida es un deseo de venganza. Tomando la ley con sus propias manos, Max, en su negro V-8, el Interceptor, y con una escopeta de cañones recortados en su pistolera, descarga una horrorosa venganza. En la escena final, Max, frenético, le da al asesino la opción de serrar su propia pierna o quemarse hasta morir.

“Mi personaje era esencialmente una persona vestida de negro, que lleva escopetas de caza recortadas y que busca hacer agujeros en los cuerpos de sus enemigos. Pero el mayor problema es que cuando leía el guión apenas si encontré catorce líneas de diálogo para mí. Bueno, como justificación me dijeron que los mejores actores del cine, como Buster Keaton y Harold Lloyd, pertenecen al cine mudo. Ellos entendieron que las imágenes eran el idioma de las películas y nunca confiaron en la palabra hablada. Las películas de Hitchcock y Brian De Palma también siguen esa línea y su idioma es casi completamente visual. Por eso los directores evitaron deliberadamente demasiados diálogos en “Mad Max”. Una película es buena por sus escenas, no por sus diálogos; para esto está el teatro”.

El director Miller no tenía interés en rodar la película con un actor inexperto, puesto que la ausencia de diálogos obligaba a disponer de alguien muy expresivo. Cuando por fin accedió a que fuera Mel Gibson el protagonista se le pidió que se mostrara como un ser oscuro, enigmático y silencioso, un tipo que tenía una fachada en lugar de una personalidad. Su faceta enigmática era para aportar un poco de riqueza a un carácter y dejar en el aire la posibilidad de una personalidad muy compleja.

“Cuando hacemos una película, los personajes tienen conflictos o interacciones con otros personajes y eso le permite demostrar su verdadero carácter. Pero Max no tenía nada de eso. Con mi ridículo diálogo no había manera de decir nada, mucho menos con la cara tan seria que debía mostrar. Ciertamente, he encontrado mi papel muy difícil. En esa época yo era un actor fresco, sin experiencia, casi recién salido de una escuela de actores, y se trataba de mi primer trabajo importante. Hacer esta película fue una experiencia intensa e incierta, nada agradable e incómoda. “Mad Max” era, francamente, un asunto terrible para un novato”.

Habla el director George Miller

“Básicamente, dice George Miller, “Mad Max” es un western. Tiene la misma historia, pero en lugar de montar caballos los protagonistas montan motocicletas y automóviles. Las personas no son el eje de la película, sino la acción que se genera en los automóviles. Lo que hace a “Mad Max” única, es que se trata de una película que mezcla dos géneros del cine: la acción en automóvil y el horror “.
Miller afirma que él siempre había pensado que la película era exclusivamente apta para el mercado local australiano y no algo para la exportación internacional.
“Así como América tiene una cultura relacionada sobre las armas, en Australia nosotros tenemos una cultura del automóvil. Tiene que ver, supongo, con todas esas carreteras anchas y los inmensos espacios”.
En una entrevista para una revista de Australia, Miller explicó cómo se definió la idea original para “Mad Max”: “Yo crecí en un pueblo rural, donde vi muchos accidentes de automóvil. Había una subcultura definida sobre los automóviles que circulaban y la violencia. Perdí a tres amigos por lo menos en accidentes cuando aún era un adolescente. Entonces, cuando me hice médico, trabajé en la sección de accidentes en un Gran Hospital, donde veía a las víctimas de accidentes de carretera todos los días. Estas eran las clases de influencias que germinaron en mí, y finalmente se presentó un día como el mejor material para una película”.

“Lo que hice en “Mad Max”, continuó, fue poner en las pantallas algo para que las personas pudieran ver y experimentar las consecuencias de un accidente de automóvil. La violencia que usted ve en “Mad Max” siempre está allí en nuestra sociedad. Cuando la vemos reflejada en la pantalla nos pone en contacto con nuestras emociones más oscuras y ayuda a que nosotros reconozcamos lo que es inevitable”.
Aunque él y Byron Kennedy habían consagrado tres meses a la preproducción de “Mad Max”, sus dolores de cabeza comenzaron inmediatamente después de empezar a rodar. En el sexto día de rodaje, el coordinador Grant Page, y la actriz originalmente escogida para ser la protagonista, habían tenido un accidente de carretera. Una pierna de la actriz estaba rota y Page también estaba herido severamente. Ni siquiera habían empezado a rodar y Miller pensó que dos heridos antes del rodaje era un mal presagio. Se necesitaron dos semanas para encontrar a otra actriz, Joanne Samuel, para hacer el papel principal. Discutiendo los retrasos causados por este accidente del automóvil, el productor Byron Kennedy dijo a los periodistas que originalmente la producción estaba perfectamente planeada, con un tiempo de rodaje de dieciséis semanas con la primera unidad y cuatro semanas para concentrarse en las escenas de la persecución. Pero el resultado de este accidente era que toda la primera parte de la película tenía que ser reestructurada. Esto tenía repercusiones en todo el proceso de producción, causando, finalmente, llevar dos semanas de retraso.
“La mayoría de las noches, dijo Miller, estábamos hasta la una de la madrugada intentando hacer funcionar lo que habíamos rodado durante el día y planificando el siguiente. Todos estos problemas afectaron a la película y cuando yo vuelvo a ver “Mad Max” ahora solamente veo cosas malas, quizá porque las cosas buenas dejaron de impresionarme hace tiempo”.

Aún admitiendo que tuvo problemas en las primeras escenas, Mel Gibson recuerda que consiguió ese papel cuando el director quiso que Max fuera un hombre con dos personalidades.

“Yo aprendí a rodar mis escenas y a divertirme después. La historia estaba narrada como si fuera un cómic, con muchas escenas de impacto y muy rápidas, con el fin de no dar respiro al espectador. Tenía que ser similar a otras películas anteriores porque si no era así no funcionaría”.

“George Miller es una de esas personas que aman el cine de a cción y hay pocos que puedan superarle en su estilo. Pero no se equivoquen, puesto que si le vieran en persona no corresponde a lo que muestra en la pantalla. Cuando hace un thriller como Max quiere que las cosas sean reales, creíbles, y sabe cómo lograrlo.
Cuando yo trabajo con él no estoy pensando en mí como actor, sino en el impacto que producirá en el público. No hay nada cerebral en ello y más bien se busca llegar a los sentidos”.

Nada ha contribuido tanto en la fama de Mel que la manera en que el director le fotografió y lo presentó al público. En la presentación a la prensa un crítico dijo que lo más fascinante de Gibson no era su habilidad como actor, sino su personalidad, algo que provoca pasiones entre el público y que acrecienta el disfrute de la película. Alegaron que tenía una presencia muy especial y la cámara obviamente lo amaba. “Han conseguido que el público, dijeron, idolatre a Gibson mediante una perfecta fotografía que resaltaba sus raros ojos verdes (realmente son azules), mostrando frecuentemente sus botas negras y su cara contraída por la tensión y el dolor.
Para algunos lectores esto le puede parecer un tratamiento solamente dado a las estrellas de cine femeninas, pero la única cosa remotamente femenina de Gibson es la vulnerabilidad que proyecta, algo que se trasluce al público y que agrada.

EL TRIUNFO EN AMÉRICA

Cuando la película se proyectó finalmente en Estados Unidos, la mirada de Mel Gibson y la virilidad que destilaba en “Mad Max” causaron sensación esa noche, aunque ese día había muy poco público americano en el estreno. Una parte vital de él estaba extrañado por las primeras exhibiciones que sus compatriotas le otorgaban y cuando tuvo que hablar su voz sonó profunda, inimitable.
Alguien en la distribuidora americana estaba convencido de que la forma de contar esa historia no sería entendida por los americanos y pidió que la película se doblara. Pero como no había tiempo para ello, la película se exhibió doblada en Australia y fue una sorpresa para sus nuevos admiradores descubrir que Mel Gibson hablaba en un perfecto inglés occidental.
Los críticos americanos, en general, no estaban encantados con “Mad Max”. Alegaron que tenía un argumento débil y una pesada dosis de sadismo. Le acusaron de falta de credibilidad y de escenas de acción exageradas, recreándose en una historia histérica, fría, sádica y masoquista. En lo único que estaban de acuerdo era en el destino caótico de la humanidad.

Nadie sabe con toda seguridad por qué una película falla o tiene éxito. Puede permanecer varios años en cartel o apenas dos días, y en ello intervienen varios factores: su calidad, la campaña publicitaria, las críticas, el tema, los actores, o la palabra boca a boca. Por eso es difícil entender el rechazo americano inicial a esta película que el resto del mundo había aplaudido.
La mayoría de los profesionales se habían asombrado de ese éxito en un filme realizado por desconocidos. Un chequeo efectuado directamente en taquilla reveló que esas películas de acción con carreras de automóvil no necesariamente tienen éxito en todas partes. ¿Cuál fue el botón mágico para Mad Max?. Según el director Miller: “La película ha tenido éxito en todos los países y ahora vamos a analizar por qué trascendió tantos límites culturales”. La respuesta, finalmente, les llegó por parte de los aficionados. En todos los países alabaron la transformación de Max desde un representante de la ley idealista, al desanimado guerrero, vengador y colérico, invitando a todos cuantos sufrían la violencia a que se convirtieran ahora en los nuevos héroes. En ese momento los directores de cine descubrieron que, por pura casualidad, habían tropezado con un tema universal.

LA RESPUESTA DE MEL GIBSON

Cuando Gibson concedió su primera conferencia de prensa dijo:

“Los japoneses nos han dicho que era como sus películas de samurais, y en Europa la compararon a los espaguetis westerns. Nosotros nos dimos cuenta que la relación entre los samurais y Max son la misma cosa. Ambos estilos se hacen de manera similar y por eso los resultados son iguales. Lo de menos es la historia, ni en qué momento histórico o país esté contada, puesto que la idea central es la misma: alguien tiene que rebelarse en un momento dado contra los violentos”.

La clave de cómo deben hacerse las futuras películas de Max fue expuesta por un crítico cuando afirmó que el protagonista es una mezcla perfecta de nobleza, estoicismo e implacabilidad contra la maldad.
En todos los países en donde se mostró la película tuvo un gran éxito, especialmente en Japón. Mel Gibson tiene su propia teoría acerca de las razones:

“Tiene una apreciación de la violencia en un sentido ritual, no de venganza. Max es un tipo feudal y se asemeja mucho a la dureza del samurai. Cuando hicimos nuestra gira por el Japón la aglomeración de gente llegó a ser un problema de orden público. Los japoneses viven en casas pequeñas y son unos excelentes trabajadores que forzosamente deben vivir en grandes aglomeraciones urbanas. Cuando ven a un héroe solitario, peleando en zonas desérticas inmensas, creo que añoran esa forma de vida”.

Aunque Japón fue el primer detonante del éxito, los demás países no se quedaron atrás y hasta los Estados Unidos se acogieron finalmente en el tren del éxito. Cuando se estrenó la segunda parte, el éxito económico fue aún mayor.
Por supuesto, en ese momento Mel Gibson ya era una estrella consagrada. Antes de que “Mad Max, el guerrero de la Carretera” se estrenara en 1981 y continuara efectuando aún más espectacularmente la carnicería humana en las carreteras, el actor conseguía que le reconocieran su trabajo en “Tim”, “Attack Force Z”, y “Gallipoli”. Ninguna de estas películas fue un éxito comercial, pero en su revisión los críticos fueron generosos en su alabanza hacia “Tim” y mucho más con “Gallipoli”.

SOBRE GALLIPOLI

Mientras que en su anterior filme interpretaba a un sobreviviente, en su siguiente película, también una de guerra, Mel Gibson vuelve a repetir su papel aunque ambos personajes sean diametralmente opuestos. Para muchos “Gallipoli” (1981) es una de las películas épicas más poderosas del cine australiano, y culmina en uno de los episodios más sangrientos de australianos. comete demasiadas atrocidades en nombre de la paz, aunque esto es el objetivo primario de la historia. También muestra interés en los motivos que indujeron a tantos hombres a participar en esta batalla y con esta finalidad explora la amistad particular entre dos combatientes, Archie (Mark Lee), y Frank Dunn (Gibson).
Ambos han sido dos corredores excepcionales que se encuentran por primera vez en una competición, de manera similar a como vimos en “Carros de fuego” también de 1981. Pero el tono de las dos películas es muy diferente, puesto que mientras una muestra el imperialismo nostálgico y la gloria, la otra nos lleva al Holocausto.
la Primera Guerra Mundial en la que murieron miles de jóvenes

La película muestra cierta indignación ante un insensible ejército que En “Gallipoli” el atletismo se convierte en un mercado y en la exaltación de las razas, con personas sumamente amables y humanas que se transforman en malvados cuando están en el campo de batalla

“ Mi personaje no era el de un pragmático cobarde, sino alguien con un instinto de supervivencia muy fuerte. Hay personas que afirman que no son cobardes y que saldrían en defensa de su país y lo hacen. Frank no lo hizo, pero tenía llamaradas de valentía en momentos en los cuales no existe otra opción. Por eso le considero un héroe más creíble, en lugar de alguien que busca que le reconozcan como tal”.

EL RETORNO DEL GUERRERO

Después de “Max Mad” Mel Gibson pensó que ya no volvería a retomar el personaje de Max Rockatansky, especialmente porque todo el equipo se juró no volver a trabajar en una historia similar. Ahora ya sabemos que como todas las promesas realizadas en un momento de tensión, son fáciles de hacer y difíciles de cumplir. Dos años después se estrenaría “Mad Max II”.

Ahora, todos los miembros de la banda llevan adornos sexuales. George Miller dijo que en principio había pensado en protagonistas femeninos en algunos vehículos, pero el resultado fue desastroso puesto que parecía una nueva historia de los Ángeles del Infierno en versión barra de labios. Finalmente, eligió algunos de los actores más feos del entorno. El resultado son los noventa y cuatro minutos más intensos en el cine de acción y una nueva pandilla de malvados que se dedican a asesinar exclusivamente, no hacen rehenes, hasta que llega de nuevo Max para ayudar a los pocos supervivientes. Cuando la derrota parece cierta, incluso para él, su última esperanza es que todos se unan a un pequeño grupo de hombres y mujeres discretamente fortificada. Después de una cruenta batalla tienen que huir y la persecución es uno de los momentos culminantes de la película, especialmente cuando Max persigue a un camión de petróleo. que se defienden en una refinería de aceite provisional

“Cuando se estrenó hubo un reportero que me preguntó si estaba asustado por la violencia de la historia. Le respondí que no era un filme violento, que casi era una comedia, lo cual era cierto puesto que resultaba muy simpática. Incluso la violencia no era tan brutal como en la primera y se había cambiado por momentos emocionantes, tensos y estremecedores. No quisimos tampoco hacer una declaración advirtiendo del holocausto nuclear, puesto que cualquier especulación en este sentido no se puede tomar en serio”.

George Miller, por su parte, dijo que era mejor que la primera parte, más humana, y la historia estaba mucho mejor construida. “Hay más emociones y sentimientos”.

“Miller es un verdadero director de cine con una idea única sobre cómo rodar las películas y sabe utilizar buena técnica para contar una historia. Yo no he visto a nadie más rodar los planos cómo él lo hace. Posee una auténtica destreza para el cine. La película es bastante sincera y simple, y para ello se necesita talento”.

Además del dominio de la técnica, Miller tenía también otras cosas pensadas para esta segunda parte.
Disponía de un presupuesto de 4.000.000 de dólares y en ese momento era la producción más cara en el cine australiano, permitiéndose el lujo de trabajar más lentamente que en cualquier otro filme.

Para lograr una historia profunda, Miller se basó en las teorías de ·Campbell, un profeta que fundó su propia religión. Mientras exploraba las demás religiones de culturas inmensamente diferentes, llegó a la conclusión de que ciertas historias habían salido espontáneamente a la sociedad totalmente separadas por el tiempo y el espacio. La teoría de Campbell es que siempre hay dos mitos idénticos que surgen y sobreviven en dos partes distintas del mundo porque ambas satisfacen las necesidades profundas del ser humano. Mientras intentan explicar lo inexplicable, estas historias nos muestran las esperanzas, anhelos y miedos de toda la humanidad. Uno de los cuentos más famosos de Campbell ha identificado esas circunstancias con la aparición de los héroes clásicos.

“Es que yo creo, dijo Miller, que nosotros no somos solamente directores de cine. Debemos comprender que somos las personas que ahora se dedican a contar cuentos e historias, y mientras la tecnología nos permita realizar nuestro trabajo con precisión debemos continuar en ello. Nuestro objetivo debe ser tejer historias que satisfagan los anhelos de la gente y si es posible les aportemos algún valor o esperanza. Con Max teníamos la fabricación de un héroe real, algo así como el Hombre de las Mil Caras de Campbell”.

Mientras el personaje de Max estaba siendo escrito una llamada de atención llegó, puesto que en esta segunda parte El guerrero de la carretera tenía aún menos diálogos que en la primera.

“Apenas había diálogos, aunque aparentemente no parecían imprescindibles. Mi papel, con todo, es mucho más interesante que el primero. Cuando intentaron introducir más diálogos para Max, la película se estropeó. Además, largas conversaciones hubieran ido en contra de su estilo, puesto que lo único que quería era sobrevivir. Ahora es más frío, no pretende dogmatizar y su única obsesión es comer, vivir y correr cuando hay peligro. Ha perdido el hábito de sonreír y es menos humano que antes, aunque deja entrever que dentro de su mente se esconde un pensamiento profundo. Su intención es que los sobrevivientes piensen un poco más, en lugar de simplemente aguantary pelear”.

Y había otros desafíos.
Su silencioso papel le exigía una alta calidad artística dramática más sutil, con una aproximación a los mejores actores del cine mudo y todo ello dentro de un contexto de acción desenfrenada.
Mel habla de El Guerrero de la Carretera con pasión, defendiéndose de quienes afirman que es solamente una historia de peleas y persecuciones.

“Yo no he encontrado nada sencillo caerme de un automóvil en marcha ni participar en una escena con explosiones y demoliciones. No hay razón para creer que los efectos especiales hacen todo nuestro trabajo mientras nosotros estamos sentados en un cómodo sillón”.

EL ESFUERZO TÉCNICO

La mayoría de las escenas en Mad Max II se rodaron en Colina Rota, un pueblo minero aislado, situado a ochocientas millas al oeste de Sydney, en el lugar más áspero y sucio de Australia.
A este sitio desolado, al que hay que llegar por unos caminos interminables y negros, el director Miller llevó un verdadero ejército de más de 120 miembros, unos cuarenta actores, un equipo de casi cien extras, nueve especialistas para los movimientos de masas y un equipo médico totalmente provisto de personal sanitario. Todo ésto, más una flota de ochenta vehículos, entre ellos máquinas de guerra, motocicletas, grúas remolque, coches y un gigante tractor remolcador de veinticuatro ruedas que llevaba el combustible. También había cuarenta automóviles convencionales debidamente maquillados como tanques, con platos de acero y arietes, un helicóptero que sería destruido y otro helicóptero para la cámara.
Por todo ello, Mad Max II ha sido descrita como la película más compleja en la historia del cine australiano.

“Hubo ciertos momentos, comentaba Byron Kennedy, que la elaboración de Mad Max II era tan complicada y exigía tantos movimientos logísticos, que apetecía abandonar. Daba miedo disponer de tantos medios humanos y tecnológicos juntos y debo confesar que sentí miedo de no poder controlar todo simultáneamente. Afortunadamente, cuando revisábamos las escenas rodadas los resultados eran correctos y poco a poco me sentí encantado de lo que estábamos haciendo. Nosotros hicimos cosas que en ese momento nadie antes había logrado, no tanto por la gran cantidad de vehículos y maquinaria que había en escena, sino porque la acción quedaba perfectamente integrada en la historia, y conseguimos usar las cámaras de una nueva manera”.
Uno de los mejores equipos técnicos de la película fue una cámara Arriflex valorada en 40.000 dólares. Su peculiaridad era que conseguía moverse con la misma facilidad que cualquier actor. En una escena concreta estaba rodando al borde del camino una escena espectacular, y esa cámara pudo ser transportada por un especialista rodeando velozmente toda clase de vehículos, subiéndose a uno de ellos, cayendo al suelo y volando literalmente por los aires; casi como si fuera un actor más.
Debido al gran valor de esa cámara irremplazable, se la metió en un cilindro de acero especialmente construido y una ventana de vidrio reforzado al frente permitió que la lente grabara la acción. Esa protección permitió que pudiera ser montada en el gigantesco camión petrolero que ruge velozmente por la colina y golpea a los vehículos a más de 100 kilómetros por hora, destruyéndolo todo mientras el mastodonte queda aparcado sin problemas.
La Arriflex lo grabó todo perfectamente y captura con igual precisión un trozo grande de metralla que se dirige directamente hacia la lente. Cuando impacta ante los mismos ojos del director no sucede nada, a él, puesto que la protección no aguantó y la cámara quedó totalmente destruida, aunque milagrosamente la película estaba intacta.

También es interesante destacar que durante las más de doscientas escenas de acción del filme participaron unos cuarenta automóviles y muchas motocicletas. Después de diez largas semanas de rodaje nadie había sufrido el menor daño, aunque justo cuando las cosas se relajaron hubo que ingresar a cinco personas en el hospital.
El primer accidente, el más serio, fue el de un especialista de veintiún años que se había reincorporado al trabajo después de pasar un año de baja por haberse roto una pierna rodando otra película.
En una escena en la cual una bala de cañón debía impactar en Mad, Norris puso su motocicleta en el lateral de un vehículo que circulaba a más de 110kph. Según estaba corriendo, se tiraría fuera de la motocicleta, creando la ilusión que el impacto le lanzaría por los aires, y caería unos metros más allá.
Pero pasaron dos cosas inesperadas. Una carga explosiva, detonada para crear un remolino de polvo alrededor del vehículo, impidió ver dónde y cómo caía ese hombre. Entonces la fuerza del impacto lo lanzó contra el vehículo siniestrado golpeándose en el muslo, justo en el mismo lugar en el cual se había herido un año antes.
El siguiente accidente se produjo cuando un automóvil sube velozmente por una rampa, vuela por los aires y choca contra una pared de vehículos destrozados en escenas anteriores. El problema surgió cuando la caída fue lateral y aunque la toma se consideró válida el especialista sufrió un aplastamiento vertebral y un talón roto. La diferencia entre ambos hombres es que este segundo especialista pudo continuar su trabajo en pocos días. Otras escenas no menos delicadas pero que no terminaron en accidente, fue precisamente aquellas que involucraban al doble de Mel Gibson. La escena final, con una larga carrera de automóviles, consistía en hacer derrapar a un gigantesco camión lleno de combustible que circulaba a 120 kph. Cuando alcanzó los 100 kph deberían hacer derrapar al vehículo, justo cuando el chófer recibiría la señal que le enviaría el director, escondido en el arcén entre unos arbustos. El aviso le llegó justo en la curva más cerrada y el especialista se tiró fuera del camión, cayendo al pavimento y rodando con su hombro sin que la cámara le filmara. Segundos después, Williams se levantó sin un solo arañazo y se alejó emitiendo gritos de alegría mientras sus compañeros le aplaudían. Por todo comentario dijo: bueno, yo no soy tan valiente como Mad Max.

COMPAÑEROS DE RODAJE

Y en parte Williams tenía razón, puesto que Mel Gibson es uno de los actores que más arriesgan en su trabajo. Algunas estrellas consagradas evitan salir en escenas con perros y niños, alegando que son imprevisibles y les pueden estropear su trabajo. Mel, desde luego, no está entre ellos, quizá porque comprende que su lado más tierno y humano es cuando está precisamente con niños o perros y Mad Max tenía ambos.
En esta ocasión, su compañero era Emil Minty un niño de ocho años que interpretaba a Feral Kid, un muchacho primitivo de larga cabellera que vestía pieles de animales, y que debutaba con esa película en el cine. Su papel era extraño, puesto que no profería palabras y solamente emitía gruñidos que para los espectadores suponían todo un lenguaje. Cuando le preguntaron si había disfrutado rodando esta película junto a un actor tan famoso como Mel Gibson dijo: Ha sido estupendo puesto que he podido aprender a tirar el bumerang y a pelear con personas mayores sin hacernos daño.

Mel también disfrutó trabajando con su perro, un compañero fiel que solamente consiguió trabajar en esta película porque el director no pudo encontrar a un perro que solamente tuviera tres patas.
Después de examinar a más de cien perros, el adiestrador de animales llevó al director Miller hasta RSPCA en Yagoona, Sydney. Allí encontraron a este heeler azul de dos años que estaba ya destinado a morir en la cámara de gas. El perro parecía comprender su nuevo destino y recogió una piedra y la dejó caer a los pies del director, con lo cual salvó su vida y dejó bien claro lo que se podía esperar de él. Enseguida demostró a todos su gran inteligencia y su cariño con los técnicos, consiguiendo el mejor empleo de su vida. El perro se pasó tres meses entrenándose con Mrs. Aspin para lograr especializarse en moverse en medio de las escenas de acción sin asustarse, aunque durante el rodaje nadie se preocupó excesivamente por su integridad. Concretamente, en el primer día de rodaje, en una escena en la cual hay una persecución por la carretera entre Max y algunos bandidos, el perro se mostró nervioso y estuvo a punto de ser atropellado. Se salvó en el último minuto, cuando un miembro del equipo comprendió que esos sonidos no procedían de ningún vehículo sino del pobre animal a punto de ser aplastado. La solución para que no se volviera a asustar y echara a correr fue sencilla: le taparon las orejas con algodón y nunca más volvió a tener miedo.
Una vez finalizada la película, su destino fue con un actor que vivía jubilado en una zona rural de Australia.

MEL GIBSON VS. MAD MAX

Más que por cualquier otra de sus anteriores películas, Mel fue reconocido como una gran estrella americana por su trabajo en Max Mad y fue la que le convirtió en un ídolo de masas, tanto en Estados Unidos como en el resto del mundo.
Pronto fue creado el Club de Fans de Mel Gibson fundado por Ana Tredway, la misma persona que creó el de Goldie Hawn. Al contrario que otras presidentas dedicadas a labores del hogar, Tredway es una graduada en psicología por Bennington y supervisora de rodaje en unos estudios.
Los miembros del club son hombres y mujeres, procedentes de catorce estados y Canadá, y su edad oscila entre los diecisiete años y los sesenta. La mayoría de sus miembros son adultos, con una preponderancia en el mundo del negocio y titulados.

Mad Max también estableció un club de fans entre los críticos de la nación, algunos de los cuales solamente eran capaces de realizar alabanzas. Hablaban de este Guerrero de la Carretera como un despliegue sin igual de acción y aventuras, aconsejando que fuera incluida como la película del año. Hay más escenas condensadas en cada minuto, dijeron, que en cualquiera de sus otras seis películas anteriores.
Para otro crítico esta segunda entrega es una gran obra de fantasía que mueve a sus personajes a la velocidad del relámpago. Técnicamente inteligente, con una acción desbordante y suficiente, incluso cuando se contemplan multitud de persecuciones, produce un efecto añadido de hacer parecer ridículas otras persecuciones de anteriores filmes.

No es sorprendente, desde que los efectos especiales atrajeron la atención de los críticos, que la actuación de Mel Gibson guste tanto. La nota discordante la proporcionó una conocida crítica americana, famosa por su lengua mordaz, quien alegó que Mad Max no tiene apenas interés puesto que muestra poco vigor y mucha blandura en su técnica. Afortunadamente, un año después esa misma mujer reconoció que Mel Gibson era un buen actor de cine, aunque todavía insistió en que le encontraba blando, ligeramente malhumorado, y con poca capacidad para moverse con la misma soltura que en su traje de Mad Max.
Cuando se estrenó la segunda parte se invitó a los críticos a diversas fiestas de presentación, algunas de ellas en Dallas, Seattle, y Denver, así como a los nuevos directivos del New Movies de Nueva York, una asociación patrocinada por la Sociedad de Película del Lincoln Center y el Museo de Arte Moderno.
El éxito en Estados Unidos fue enorme y recaudó más de 24.000.000 de dólares en su primer pase, y este triunfo fue aún más espectacular en su exhibición en Inglaterra, Japón, Suiza y otros países, generando inicialmente un total de 100.000.000 de dólares de beneficio. En Francia ganó el Gran Premio en el Festival de Avoriaz y se convirtió posteriormente en un nuevo éxito con su pase en vídeo.
En América “Mad Max II” vendió más de 50.000 vídeos y por ello consiguió un disco de platino. Con el tiempo, esta dosis de adrenalina cinematográfica se convirtió en una película de culto.
Un comentarista dijo: “Este Guerrero de la Carretera es un buen plato visual para las noches de fin de semana de los hogares y se calcula que en su alquiler para el mercado del vídeo en cincuenta ciudades de EE.UU., ha generado ya 8.000 dólares en un fin de semana y acumulado más de 600.000 durante el año, convirtiéndose en una de las cinco películas más vistas ese año.
Los primeros aficionados eran hombres jóvenes bien vestidos y luego vinieron las personas mayores, los intelectuales y hasta llegar a entusiasmar a las mujeres. En el Teatro de Somerville de Boston, donde se exhibían las dos primeras entregas de Mad Max durante un mes, las mujeres se reunían en el vestíbulo para hablar de Mel Gibson e intercambiar fotos. Según el dueño del teatro, su comentario preferido era quién sería capaz de quitarle su traje de cuero negro.

“Yo creo que una película como Mad Max seguirá teniendo éxito mucho tiempo. Eso es lo mismo que le ha ocurrido a “E.T.”, aunque creo que mi película resiste mucho mejor verla varias veces. Es una película muy entretenida que me gusta mucho y que reserva muchas sorpresas cuando se la ve por segunda vez. Suelo ir a las salas de cine donde se proyecta para observar la reacción del público y escuchar sus comentarios cuando salen”.

AMÉRICA

Al final de “Mad Max, El guerrero de la carretera”, cuando los refinadores de aceite vencen a sus enemigos y se dirigen hacia una nueva base en Paraíso, muchos espectadores especularon sobre si Max volvería a las pantallas como héroe.
Cuando le preguntaron a George Miller sobre ello, dijo: “Max es el tipo de personaje que está condenado a vagar y siempre se verá envuelto en nuevas aventuras para restablecer el orden. No pretende ser el líder, pues todo lo hace por honor. Tampoco mata innecesariamente y, como todos los héroes, su fin es servir a los demás, por eso estoy convencido de que habrá nuevas aventuras de Max”.
En dos ocasiones Mel Gibson fue persuadido por los productores australianos para que se quedase con ellos y no se marchase a América, puesto que dejaría a su país sin su actor principal. Con el tiempo demostró que su idea estaba ya clara y por ello se estableció en Nueva York.

Era la segunda visita de Mel a Nueva York City en los últimos años. Llegó cuando las temperaturas eran gélidas, vistiendo unos tradicionales pantalones vaqueros, mientras que en su anterior visita lo hizo en el mes de agosto, cuando el calor derretía el asfalto. Ahora, junto al frío, una ventisca le saludó desde el aeropuerto hasta el hotel.

“Ahora es verano en Australia, y desearía estar allí. No disfruto con este clima tan extremo y no recuerdo haber pasado tanto frío en toda mi vida. Estas giras promocionales son casi mudas y aún no sé por qué las hago.
Detesto todo el despliegue informativo que se forma a éí alrededor y las conferencias de prensa. Hay ocasiones en que me siento como una prostituta vendiendo mi cuerpo. Me muestro de mil maneras, sonrío y luego paso la factura. Hay momentos en los cuales debo ponerme trajes elegantes que me ahogan y creo que voy a explotar con ellos”.

“No me gusta la popularidad y prefiero el anonimato. Sé que profesionalmente es bueno para mí no prodigarme mucho y a la larga es más interesante ser esquivo. Posiblemente dentro de diez años no seré ya un actor popular y es posible que ni siquiera tenga trabajo. Quizá ni siquiera tenga para un plato caliente. Por eso no me gusta este éxito. Ser actor es un misterio y cuando las personas saben demasiado de nosotros disminuyen su interés. Por eso no entiendo la razón para que el público nos admire tanto, aunque sé que ese cariño es fugaz y que mañana ni siquiera seré ya un recuerdo para nadie”.

Esta proclamación dramática no refleja probablemente su verdadero pensamiento y quizá obedecía a un mal momento en su vida. Ha conseguido llegar a la popularidad con facilidad, y poco a poco admitió las numerosas conferencias de prensa y las largas sesiones fotográficas en los estudios, a las que suele llegar siempre en su costosa limusina. Es posible que después de su primer triunfo haya tenido que contestar a demasiadas preguntas y por eso lo considera ya algo rutinario y en ocasiones insoportable. Cuando alguien le pregunta si se siente un privilegiado por cobrar tanto dinero por un trabajo que no supera los cuatro meses responde:

“El cine es un negocio y la misión de las productoras es promover sus películas y a los actores para ganar dinero. No trabajamos solamente en nuestro propio beneficio puesto que con ese trabajo damos de comer a miles de personas. Somos unos trabajadores que tenemos que hacer muy bien nuestra labor para que el público acuda a las salas de cine y eso tiene un gran mérito. Si nuestro trabajo no fuera visto por nadie no tendría mérito”.

DETALLES PERSONALES

Uno de sus vicios, fumar cigarrillos rubios, no ha conseguido abandonarlo y en el modo de exhalar el humo nos demuestra que disfruta con ello. Cuando sostiene el cigarro entre el dedo pulgar y el dedo corazón, lo hace a estilo vaquero y parece que va a entonar de un momento a otro una balada country tradicional.
Cuando le preguntan las razones para su regreso a Nueva York alega:

“Bueno, he regresado a mi país, como el Hijo pródigo. No, es broma. Yo he sido criado devotamente por una familia católica y me sé perfectamente el Nuevo Testamento. No, no, yo no he hecho nada malo ni me he fugado de ningún sitio. Simplemente es bueno regresar a donde hemos nacido y es bueno hacerlo si es para seguir trabajando. Debo estar aquí para planificar mejor mi trabajo. En América, hay muchas más oportunidades para hacer cine”.

Para los lectores quizá le parezca extraño que una persona con tanto trabajo esté preocupado por encontrar un nuevo trabajo, pero la mayoría de los actores sienten de la misma manera.

“No estoy preocupado por nada e n concreto, ni quiero admitir la primera oferta. Verdaderamente no me preocupa ser famoso como actor, simplemente me gusta hacer este trabajo.
Ahora estoy buscando realizar un papel diferente a los que he realizado. Cuando una persona deja de esforzarse por mejorar, es cuando se le hace insoportable su trabajo. Pero debo insistir en que no persigo el éxito, sino el trabajo. Bueno, si no consigo nada en América, siempre puedo volver a Australia a cuidar ovejas”.

Ese comentario fue realizado en un momento de su carrera en el cual todavía no acababa de creerse su éxito. La probabilidad de que fuera algo fugaz le rondaba continuamente sus pensamientos y consideraba que algo que sube tan rápidamente tiene las mismas posibilidades de bajar igual de rápido. Nada de esto ocurrió, como ya sabemos, y Gibson lleva ya 20 años siendo uno de los actores mejor pagados de Hollywood.

“La velocidad de mi carrera cinematográfica es excitante y ha pasado muy rápido todo. Solamente la experiencia puede preparar a una persona para el éxito y en cierto modo estoy asustado por lo que me ocurre. Me gustaría haber tenido al menos cinco años de preparación pero apenas he contado con dos y a veces me gustaría poder hacer retroceder el reloj. Lo considero algo antinatural y me hubiera gustado poder evolucionar gradualmente. Creo que tengo que frenar, si quiero permanecer muchos años”.

“Cuando me preguntan si me siento americano o australiano solamente puedo decir que en ambos países me encuentro en mi casa y, por tanto, no hay una respuesta concreta. Estoy orgulloso de haber nacido americano, especialmente porque mis padres son americanos, ella es de Brooklyn y él es del Midwest.
Tengo la nacionalidad americana y todavía pago mis impuestos aquí, aunque he vivido muchos años en Australia, más incluso de los que viví en los Estados Unidos, aunque siempre conservé mi pasaporte americano. Todavía no ejerzo mi derecho al voto por no tener una residencia concreta”.

“En Australia tengo mi residencia permanente, aunque nunca m e molesté en nacionalizarme y no sé por qué. Los australianos saben que soy americano, y aun ahora no me consideran uno de ellos, aunque me exigen que me comporte como si lo fuera”. Realmente no pienso si pertenezco a América o Australia, porque considero que pertenezco a ambos. Cuando estoy en América realmente no soy un americano y me siento distante. Y cuando estoy en Australia siento la misma cosa, aunque no tanto porque yo estoy acostumbrado a este país. Pero los elementos de ambos países han hecho de mí una persona curiosa, un híbrido. Esto es algo con lo que simplemente tengo que vivir”.

Esta ambivalencia en Mel Gibson no ha pasado inadvertida para la gente. Peter Weir, quien le dirigió en dos películas, “Gallipoli” y “El Año que vivimos peligrosamente”, dijo una vez en Nueva York que cuando estaba trabajando con él en Australia, pensaba que Mel era americano. “Pero cuando nosotros estábamos juntos aquí en Nueva York, me parecía totalmente australiano. Al parecer, cuando Mel está en un país su personalidad se parece al otro y viceversa. Afortunadamente, esto le da un detalle interesante en su faceta como actor. Esta tensión se fija en su modo de comportarse y le proporciona una energía extra. Por supuesto, esta clase de cosa podría llevar a la incertidumbre, y hacerle sentir siempre como una persona que nunca está en el sitio adecuado. Pero no pienso que eso le puede pasar a él”.

“Bueno, yo no me encuentro dentro de esa tensión. Básicamente, pienso como un australiano. Amo a Australia y estoy conectado allí. Me siento física y emocionalmente ligado a ese país. Me considero más en casa cuando estoy en Australia”. “Los dos continentes son muy parecidos, al menos en la calidad de sus bebidas (ríe). Australia es un país rico, lleno de minerales e industrias, con muchas exportaciones. Esencialmente lo mismo que gusta a uno gusta a los otros. Hablan el mismo idioma y vienen de las mismas raíces.
Históricamente ambos países empezaron por la misma razón. Su lugar de origen es la Madre Inglaterra, aunque también albergaron a indeseables y delincuentes. Ambos continentes eran al principio poco menos que unas colonias con prisiones. Cuando los australianos quisieron liberarse de los ingleses lo hicieron, lo mismo que los norteamericanos. Pero aunque ahora son independientes ambos países, no deben olvidar todo lo bueno que les aportaron esos colonizadores”.

“Creo que Australia entiende a América mucho mejor que los norteamericanos a los australianos. La presencia de América aquí y en el resto del mundo es muy grande y eso lo podemos ver por los programas de televisión y el cine. La televisión termina por modificar los hábitos de los habitantes de un país, que se confunden con los protagonistas de los programas. Hay un momento en que forman parte de la cultura y todos terminan siendo un poco americanos.
Por supuesto, en todo el mundo gustan las películas americanas. Generalmente están bien hechas, creo, aunque ahora el cine ha cambiado y solamente intentan ganar mucho dinero rápidamente, y en ocasiones se pierde calidad a favor de la espectacularidad. Ha habido una pérdida de inocencia, y esa es la razón por la cual la industria del cine ha alcanzado un nivel más bajo que en la época dorada. Pero no hay que preocuparse de momento, puesto que a la gentele siguen gustando las películas de Hollywood”.

En 1984, cuando las dos películas sobre Mad Max arrasaban en taquilla, las tres películas más taquilleras eran americanas: Indiana Jones y el Templo Maldito, Los cazafantasmas y Loca Academia de policía. Junto a ellas salía pujante ese nuevo actor llamado Mel Gibson a quien todo el mundo identificaba por Mad Max y posteriormente por Arma Letal.

“Yo me siento orgulloso de haber contribuido al resurgimiento de la industria del cine australiana, pero aunque han tenido algún éxito, les faltan todavía el dinero y la tecnología para ser muy competitivas. Hay mucha experimentación, no toda buena, y mucho de lo que se hace no entra en la categoría de arte cinematográfico”.

“Los australianos están en lo que podría llamarse "atrévete", puesto que son muy novatos y se consideran inferiores. Si repasamos su historia a través del cine, como en “Gallipoli”, vemos que han intentado encontrar fuera la fuente de su orgullo. Están empezando a no mirar al exterior tanto y algunos están realizando numerosos cambios. Han encontrado lo que ellos piensan es una identidad y quieren identificarse con el resto del mundo”.

Mel Gibson, quizá más que la mayoría de los actores, ha estado definido con papeles que le identifican entre los aficionados. Básicamente, no hay nadie que no le recuerde en particular como Martin Riggs en la serie de “Arma Letal” y en el de Max Mad.

“Yo reconozco que me hice popular con Mad Max, pero de eso hace ya muchos años y no quiero seguir explotando esa imagen, aunque tampoco quiero matar a nadie si solamente se acuerda de mí por ello. También hay quienes me identifican con una persona violenta, y en esto si que no estoy de acuerdo.
En esto existe la paradoja de que a todo el mundo le gusta la violencia en el cine o incluso en la vida real, siempre y cuando no le involucren a ellos”.

También admite que si está en un lugar de privilegio en el mundo del cine es gracias al director George Miller, quien le convirtió en una estrella cuando apenas si era un actor secundario. Con su cuarta película saltó a las páginas de todas las revistas del mundo y se convirtió en poco tiempo en una de las diez estrellas mejor pagadas.
Pero luego el mérito es suyo, puesto que no basta con tener unos bonitos ojos y una piel bronceada para permanecer en los primeros puestos. Desde aquel día en el cual unos bravucones le machacaron la cara en una taberna hasta hoy, han pasado muchos años, pero todavía sigue siendo habitual verle con sus amigos bebiendo en la barra de algún bar.

“Aún no me explico como aquel día, con mis botas negras y mi cara inflada por los golpes que se parecía a una hamburguesa, Miller fue capaz de contratarme. Indudablemente tengo una deuda eterna con él”.

Para el papel principal en e l filme de Richard Donner “Arma Letal”, en donde interpreta a un policía que debe detener a un suicida, no tuvo que realizar ningún cambio en su personalidad. Según dijo, solamente tuvo que imaginarse a Riggs como un Charlot, alguien que no espera nada de la vida e incluso piensa en quitarse la suya.
Pero esa escena es mucho más emocional de lo que aparenta y el espectador es capaz de adivinar todo lo que el propio Gibson trata de expresar en el papel de Riggs. Su interés estaba en que detrás de esa expresión de relax y felicidad se pudiera adivinar una gran tensión interior.

“Algunos actores, especialmente los del Método, suelen permanecer como el personaje que están interpretando durante el día del rodaje. Para mí, el mejor método es alejarme de él. Si estoy disfrutando, entonces hago mejor mi trabajo”.

Cuando Danny Glover observó a su compañero dijo que, “Mel no es solamente un buen actor, es tan modesto y especial que resulta admirable”. Este comentario nos lleva a asegurar que es difícil encontrar a alguien que deteste a Mel, y la magnitud de su potencial como estrella quedó más definida cuando Robert McFarlane, un fotógrafo que conoce a Mel desde sus días de estudiante, dijo:
“Mel estaba interpretando Romeo en un teatro local y el público estaba compuesto básicamente de colegialas, todas ellas esperando en el patio de butacas a que apareciera Mel. Era inaudito. Nada así había pasado antes en un teatro australiano”.

Otro compañero suyo de reparto, Joanne Samuel, quien trabajó en Mad Max, dij o: “Mel no tiene ninguna soberbia. Es muy bueno trabajando porque es normal. No actúa como una gran estrella y tiene la maravillosa cualidad de reírse de sí mismo”.
Era inevitable que, más tarde o más temprano, y particularmente después del gran éxito de Mad Max II, Mel Gibson quisiera probar suerte en Hollywood. Varios de sus posteriores directores eran de origen australiano como Peter Weir, Bruce Beresford, Fred Schepisi y Gillian Arm. Todos le agradecían su contribución al resurgimiento del cine australiano en los años 70, aunque para Mel este tipo de películas le habían encasillado demasiado.

EL CAMBIO QUE NO PUDO SER

Después de su gran éxito en Australia, Gibson quería también dedicarse a labores de dirección, especialmente para poder demostrar cómo era en realidad las gentes y la cultura de Australia. Tenía igualmente una gran ambición por ser una estrella del cine, aunque no tenía claro cómo se podría conseguir ese ascenso. Cuando realizaba una gran variedad de papeles en la Compañía de Teatro Estatal de Australia en Adelaide, en obras como “Romeo y Julieta” y “Muerte de un viajante” se sentía a gusto, aunque ello no le proporcionaba ninguna posibilidad de poder trabajar en América.
Su opción para cambiar de imagen le llegó con “Motín a bordo”, “Cuando el río crece” y “Mrs. Soffel”, las tres en 1984, todas de escaso éxito en taquilla, pero interesantes, aunque no contribuyeron a consolidar su fama. Necesitaba en ese momento un nuevo éxito comercial y para ello tenía que hacer trampa. Ese juego sucio le llegó con “Mad Max, más allá de la cúpula del trueno”, un filme cuyo éxito comercial estaba asegurado desde el comienzo del rodaje. No aportaba nada bueno a la categoría de Gibson como actor, pero le llevó de nuevo a las portadas de todas las revistas.

Una vez finalizada esta última entrega de Mad Max, Mel decidió intentar un nuevo giro a su carrera y encontró el camino rodeándose de actores de gran prestigio en cuanto a su calidad interpretativa. Por ello trabajó junto a Anthony Hopkins, Sissy Spacek y Diane Keaton. También comenzó a realizar algunos papeles como malvado o al menos ya no era un héroe justiciero, y le pudimos ver como un Fletcher Christian delicado e inestable que trataba de parecer simpático al lado del Capitán Bligh, quien a su lado parece un asesino. Después le vimos como un granjero habilidoso para sobrevivir cuando debe hacer frente simultáneamente a sus enemigos y a la propia naturaleza, empeñados ambos en arruinar a su familia. Ambos papeles son ciertamente distintos, pero no le proporcionaron ni un gramo más de popularidad y hasta podríamos considerar que fueron negativos en este aspecto. Mientras ganaba prestigio entre los críticos, el público le daba la espalda.

“Cuando trabajé en la tercera entrega de Mad Max yo n o pretendía demostrar nada. Simplemente quería seguir trabajando y no estar desocupado. Cuando no se tiene claro en qué dirección hay que seguir lo mejor es seguir corriendo. Eso es lo mismo que le ha pasado a Michael Caine quien se ha visto obligado a trabajar en películas poco interesantes. Cuando se está en el cine el trabajo es siempre inseguro y si un actor no trabaja se le olvida pronto y tiene demasiado tiempo para pensar en su infortunio. Si realizamos películas mediocres para seguir en la pantalla los críticos pueden pensar que nos estamos perjudicando, pero eso lo dicen porque no saben lo que supone estar parado. Cualquier película supone un esfuerzo nuevo y una experiencia y eso siempre es bueno para un actor”.

DOS MALOS AÑOS

Lo que poca gente sabe es a lo que se dedicó Mel Gibson durante esos dos años que permaneció apartado de las pantallas. La causa principal estuvo en los días que pasó en prisión por haber conducido borracho y armar un buen alboroto cuando le detuvieron. En esos días solamente sabía escupir en la calle y maldecir a Dios, hasta que totalmente agotado física y emocionalmente decidió dejar de beber y se retiró a su rancho ganadero en Nueva Gales del Sur durante un año. Cuando retornó lo hizo con “Arma Letal” (1987), un trabajo aparentemente mediocre que solamente le aportaría problemas en su carrera. Posteriormente y para demostrar la poca sagacidad de los críticos, la película fue un éxito rotundo de taquilla y le proporcionó a Mel más popularidad que su trabajo como Mad Max.

Su anterior película “Motín a bordo” (1984) fue objeto de una crítica adversa y era la tercera versión de una película que anteriormente habían interpretado Clark Gable y Marlon Brando, dos actores a los que era imposible hacer sombra. Tampoco era un proyecto bien elaborado, aunque en un principio se quería contar con la dirección de David Lean (Christopher Reeve era el candidato para ser Fletcher Christian), hasta que las relaciones entre la productora y Lean se deterioraron y contrataron a Roger Donaldson. La historia esencialmente habla sobre una amistad rota. La amistad inicial es entre Bligh y Christian que se pone en tensión cuando Bligh se vuelve intransigente con las leyes del mar y trata de manera cruel a los marineros. La crisis llega cuando se detienen en la isla de Tahití para entregar su mercancía y allí Christian se embriaga con el espíritu del lugar. Esta parte de la historia en la isla está muy bien lograda y vemos que Bligh se altera ante la falta de disciplina de su tripulación, mientras que Christian y parte de sus compañeros le dan la espalda delirantemente. Pronto, el civilizado Christian se convierte en salvaje, cubierto con tatuajes y pinturas, y decide quedarse allí desobedeciendo las órdenes del capitán.

SOBRE SU ESPOSA

Cuando nació su primera hija Hannah, en 1981, decidió formar una gran familia y luego tuvieron dos hijos gemelos, Edward y Christian, nacidos en julio de 1982, y su hijo William en junio de 1984.

“Mi esposa no es actriz, pero tampoco me importaría que lo fuera. Sobre si a ella le molesta que yo sea un símbolo de sexual para muchas mujeres no puedo contestar nada, puesto que ella nunca habla sobre este tema”.

- ¿A ella le gusta que su marido sea un actor famoso?
- Robyn prefiere quedarse fuera de mi trabajo tanto como le es posible y prefiere que yo no hable de ella en las entrevistas. En cierto modo considera mi profesión muy dura. De cualquier manera, no me gusta hablar sobre mi vida privada porque es posible que diga tonterías.

- ¿Le gusta a usted ser un padre de familia?.
- Efectivamente, ahora estoy disfrutando mucho con ello, aunque en ocasiones añoro mi vida de soltero. Bueno, supongo que es la mejor cosa que he podido hacer con mi vida. Cuando era joven pensaba que nunca me casaría, no tenía ningún interés en ello. Y entonces, de repente, me casé. No hay ninguna explicación para ello.

Al parecer y según sus amigos, sus ataduras matrimoniales no le atan demasiado y todavía encuentra tiempo libre para jugar con sus compañeros. El actor americano Michael Murphy, que trabajó con Mel en “El Año que vivimos peligrosamente” dijo: “Mel no es uno de esos tipos que tienen que ir a casa temprano y poner su cara bonita en la cama. Le gusta disponer de su propio tiempo, y había muchas noches que nos quedábamos bebiendo fuera y nos dedicábamos a jugar hasta el amanecer. Sydney, es muy diferente a Hollywood. Todos los hombres salen fuera y Mel siempre se encuentra dentro de una diversión. Es extraordinario para un actor tan famoso, pero no tiene por ello ninguna vanidad y ningún ego. Es un hombre dulce con una familia estable”.

“Creo que ha habido una gran manipulación sobre la familia, especialmente hacia la mujer, que ha provocado muchos disgustos entre los esposos. No es bueno que alguien que no esté casado dé consejos a los casados, especialmente si son destructivos. La gente no es igual y no todos pensamos lo mismo, aunque en una familia lo principal es tener esperanza en el futuro. En mi caso nunca me considero un miserable que no puede disfrutar de la vida a causa de mi esposa o mis hijos. Prefiero pensar que tengo la suerte de estar casado y tener hijos. Hay una cínica actitud en ciertas personas que no se entregan a nadie porque piensan que el futuro será desastroso, como si fuera a caer una bomba atómica. Lo que trato de explicar es que no se puede planear lo que quizá nunca suceda. Hay gente que ve el futuro con optimismo y otros con pesimismo. Estos últimos son los que dicen que no quieren traer niños al mundo porque no les gusta la sociedad. Son personas incapaces de dar nada a nadie y que pasarán el resto de sus vidas sin nadie que les quiera de verdad. El mundo necesita un cambio, cierto, pero lo debemos lograr entre todos y no solamente quejándonos”.

FILMOGRAFÍA

SUMMER CITY (1978)

Australia 83 minutos

Director: Christopher Fraser

Intérpretes:
JOHN JARRATT
MEL GIBSON: Scollop PHIL AVALON
DEBBIE FORMAN

Filme de bajo presupuesto que no sirve de orgullo a Mel Gibson como su primer trabajo en el cine. Filmada con una rudimentaria máquina de 16 milímetros, nos habla de un grupo de cuatro compañeros que se marchan lejos de Sydney un fin de semana para practicar el surf.
Aunque no se mostró en las pantallas de cine tuvo cierto éxito comercial en su distribución por los gimnasios australianos en formato vídeo. No obstante, la pueden encontrar todavía en alguna tienda de vídeo especializada en cine antiguo.

MAD MAX, SALVAJES DE AUTOPISTA Mad Max (1979)

Australia 93 minutos

Productor: Byron Kennedy
Director: George Miller
Guión: George Miller, James McCausland
Basada en la historia de: George Miller y Byron Kennedy Fotografía: David Eggby
Música: Brian May
Efectos especiales: Chris Murray
Decorados: Grant Page
Maquillaje: Viv Mephan
Vestuario. Clare Griffin

Intérpretes:
MEL GIBSON: Max
JOANNE SAMUEL: Jessie
HUGH KEAYS-BYRNE: Toecutter STEVE BISLEY: Jim Goose
ROGER WARD: Fifi Macaffee VINCENT GIL: Nightrider

El filme es la obra de dos personas amantes del cine, Byron Kennedy y George Miller, y debería recrear algo así como a Harry el Sucio en el futuro. Max Rockatansky (Gibson) era un miembro de la policía, la Patrulla Principal, y para sobrevivir debe matar al líder psicópata de una banda de motoristas violentos. Los compañeros emprenden una vendetta contra Max, matan a su compañero policía más íntimo y atentan contra su familia, su mujer y su pequeño hijo.
Max, a su vez, seguirá con sus planes de venganza contra esa banda de asesinos, hasta que solamente quedan el jefe y Max. Amordazado, y con el fuego a punto de consumirle, el malvado le ofrece una oportunidad de supervivencia a su enemigo: puede ir libre si le libera de la muerte.

Con el fin de lograr unos óptimos resultados para la película, especialmente en las escenas violentas, Byron Kennedy buscó los exteriores en un terreno desierto y áspero, adecuado para sentir soledad y se puso en contacto con personas que habían sobrevivido a accidentes de coches, pero se quedaron traumatizados por ello durante muchos años. La idea central era mostrar las desiertas carreteras como lugares peligrosos, ya sea viajando en automóvil o motocicleta, puesto que la muerte acechaba en cualquier recodo.

“Mad Max” puede considerarse perfectamente como una película de ciencia -ficción en la cual el automóvil forma parte esencial de nuestra cultura. El director George Miller había estudiado medicina y trabajó como doctor mientras realizaba otras películas antes de “Mad Max”, y resumió el tema de la película como: “un cautiverio en un mundo grande y extraño”. Después de ver el estreno, su colega el director Richard Franklin, especialista en películas de terror, comentó proféticamente a Mel: “usted será un día muy rico”. Aunque en algunas escenas la violencia era muy superior a todo lo mostrado con anterioridad, y al igual que ya había ocurrido con “Harry el Sucio”, la película fue vista por algunos como éticamente dudosa y criticada por la violencia del vigilante Max, cuando se podía haber mostrado de manera mucho más suave. Para otros es simplemente una película divertida, una tira cómica anárquica que fustiga los instintos de sangre que todo ser humano, dicen, tenemos.
Gótica y grotesca, también fue una buena contribución en un género cinematográfico que hasta ahora permanecía muy suave, en cuanto a violencia se refiere, como era la cienciaficción. Su visión del futuro, es como una nueva edad oscura en donde la civilización moderna se había quedado estancada, pero con tal cantidad de armamento que impedía un nuevo desarrollo. La nueva sociedad imaginada aquí no estaba remontándose a un futuro demasiado lejano, sino a una nueva alba de barbarismo. Nos ofreció la supervivencia del pacífico mediante la violencia contra el fascismo.

Para quienes no han visto la primera película les recordaremos el monólogo de introducción que efectúa Mad en su mente:
“Mi vida se marchita, la visión se oscurece. Todos estos restos son recuerdos que me devuelven un tiempo de caos... sueños estropeados y la tierra destruida. Pero la mayoría de nosotros recordamos al guerrero de la carretera... el hombre al que llamamos Max. Para entender quién era hay que remontarse a otro tiempo...cuando el mundo estaba impulsado por el combustible negro”.
Desde ese momento el desierto nos acompaña.
Después nos explican que hace tiempo, por razones ya olvidadas, dos tribus de guerreros poderosos se enfrentaron y provocó una llama que abarcó a todos. Con ese holocausto el mundo civilizado quedó destruido y la pesadilla empezó cuando solamente los más fuertes sobrevivieron. En busca de combustible, más precioso ahora que el oro, las bandas brutales, portadoras de máquinas extrañas, vagan por las carreteras saqueando, violando y matando. Y todo por un poco de gasolina.
Max, vistiendo cuero negro y una pistola en la pierna, se encuentra primeramente conduciendo su V8 Interceptor en un paisaje solitario y tenebroso, desértico, mientras la cámara nos muestra una interminable carretera recta.
Para acompañar a este desolado hombre, frecuentado por los demonios de su pasado, hay un perro llamado “Perro” que se parece a un cruce entre un perro ovejero y un coyote. Mientras viaja sin rumbo se topa con una banda compuesta por Humungus (Kjell Nilsson), el malvado asesino, y Wez (Vernon), adornado con su pelo rojo cortado como un apache que nos deja entrever que es el más malvado de la tribu.

El director: George Miller

Aunque es un hombre con talento para la realización de películas, como más tarde ha demostrado, Miller llegó a su carrera por una ruta poco ortodoxa. No muchos directores han hecho la transición de prácticas de médico a mayordomo detrás de las cámaras. Pero el deseo de hacer cine estaba con él desde que era niño, cuando vivía en el pueblo rural de Chinchilla, Queensland, Australia. Su niñez transcurrió, alrededor de las matinés del sábado en la sala de cine local.
Después escogió la carrera de medicina, graduándose en la Universidad de Medicina de Nueva Gales del Sur, trabajando en el Hospital Residencial de San Vicente, en Darlinghurst, Sydney. Pero en 1971, como su interés apasionado por el cine persistía, se inscribió durante las vacaciones en una escuela de cine perteneciente a la Unión Australiana de Estudiantes, en Melbourne.
Allí asistió a las conferencias de un hombre joven llamado Byron Kennedy. Los dos se hicieron amigos, y finalmente colegas, como consecuencia de su gran afición al cine. Alejándose de su carrera médica, George Miller empezó escribiendo guiones de bajo presupuesto y realizó películas experimentales producidas por Byron Kennedy. También trabajó como editor y operador cinematográfico en documentales y anuncios de Televisión.
A principios de 1977 empezó a desarrollar, con James McCausland, un americano irlandés, un guión anclado en un futuro cercano en donde un agente de policía de carretera tiene que pelear con una banda de motoristas asesinos. Como Miller ha dicho, tenía que hacer una película de ficción de bajo presupuesto, algo en lo que hubiera muchos coches, y en donde se viera a un policía corriendo frenético. Era básicamente una historia sobre una venganza y el resultado es que “Mad Max”, se convirtió en la primera producción de gran éxito de la Kennedy-Miller Entertainment.

TIM (1979)

Australia

108 minutos

Productor: Michael Pate
Director: Michael Pate
Guión: Michael Pate
Basada en la novela de: Colleen McCullough Fotografía: Paul Onorato
Música: Eric Jupp
Vestuario: Pat Forster

Intérpretes:
PIPER LAURIE: Mary Horton MEL GIBSON: Tim Melville ALWYN KURTS: Ron Melville BRENDA SENDERS: Mrs. Parker

Nueva vuelta de manivela, ahora con bastante más sexo que antes, sobre las relaciones amorosas entre una mujer madura (Piper Laurie) y un hombre más joven interpretado por Mel Gibson
Basada en una novela de gran éxito, los exteriores se rodaron en una península al norte de Australia, con hermosas playas como fondo. La propia autora de la novela colaboró en el guión, de quien recordamos la serie de televisión “El pájaro espino”.
Inicialmente la actriz principal sería Julie Harris, pero una súbita enfermedad de su hija obligó a sustituirla por Piper Laurie. Gibson es ahora un joven ligeramente retrasado mental, pero sumamente bondadoso y noble. Cuando una señora rica le contrata para trabajar como ayudante, el amor surge enseguida entre ambos, lo que contribuirá a mejorar la inteligencia atrofiada de Tim. Cuando todo marcha bien, la muerte de su madre le sumerge en el aturdimiento y nadie sabe si será capaz de sobreponerse a ello. Por este filme, Mel obtuvo el premio al Mejor Actor, otorgado por el Instituto del Cine de Australia.

CHAIN REACTION (1980)

Australia 87 minutos

Productor: David Elfick
Director: Ian Barry
Guión: Ian Barry
Fotografía: Russell Boyd, George Greenough Música: Andrew Thomas Wilson

Intérpretes:
STEVE BISLEY: Larry
ANA-MARÍA WINCHESTER: Carmel ROSS THOMPSON: Heinrich
MEL GIBSON

Película de la que apenas tenemos referencias y que nos habla de un accidente en una central nuclear en la cual uno de los empleados (Thompson) resulta contaminado por un escape de radiación. Hay una pareja de inocentes que son acusados del accidente por los dirigentes de la central.
Mel Gibson hace un corto papel como un mecánico de automóviles.

ATTACK FORCE Z (1981)

Australia - Taiwan 84 minutos

Director: Tim Burstall

Intérpretes:
JOHN PHILLIP LAW SAM NEILL
MEL GIBSON: Paul Kelly CHRIS HAYWOOD
JOHN WATERS

La nueva película de Mel Gibson se titulaba “Attack Force Z” (Fuerza de Ataque Z, 1980), y fue un nuevo desastre económico. Para remediarlo, se cambió de título y se la puede recordar como “Hombres Z”, título que no mejoró su aceptación por el público. También se cambió al director original, Phil Noyce, un imaginativo profesional experto en cine de terror, por Tim Burstall, de quien no tenemos más datos. Estos dos cambios, provocaron aún más confusión en el argumento.

El filme está basado en las actividades de una unidad real que opera en el suroeste del Pacífico durante la Segunda Guerra Mundial. La acción se desarrolla durante el 10 enero de 1945 y trataba de ser un documento real.
Lo que sigue, sin embargo, en esta historia sobre una misión para rescatar a un científico japonés cuyos conocimientos podría acortar la guerra, es un catálogo aburrido y triste de escenas de acción, una historia de amor deprimente, con actores demasiado jóvenes y un guión crudo en el cual no hay manera de averiguar la historia central.
Los protagonistas aterrizan en una isla asiática remota, burlando los servicios de vigilancia de las fuerzas invasoras japonesas, y rescatan a los sobrevivientes de un avión accidentado. La misión, aunque finalizada con éxito, produciría la muerte de la mayoría de los miembros del equipo de rescate.

Tiene un comienzo intenso, cuando los miembros de la misión, Gibson, Sam Neill, Chris Haywood, John Waters (quien no vuelve a salir en todo el filme) se unen a John Law Philip, actor que podemos recordar por su trabajo en “Barbarella”. Cuando estos entrometidos vagabundean por un terreno exótico y oscuro que nadie conoce y ponen en peligro las vidas de los nativos, sospechamos que alguien ha querido realizar una alegoría del Vietnam. ¿Son ustedes americanos?, les preguntan cuando se equivocan en su destino. La idea era proporcionar una vista áspera de la guerra, junto con el entusiasmo de los soldados por su misión y la gran brutalidad que es habitual en estos momentos. También es posible que el guionista hubiera querido realizar algo así como Los Siete Magníficos en el Pacífico, en donde un puñado de hombres heroicos vienen en ayuda de lugareños que luchan contra un enemigo cruel.
Mel Gibson interpreta a un capitán que es demasiado joven e inexperto para ese trabajo. Es posible que en ese momento quisieran convertirlo rápidamente en una gran estrella, pero su personaje no le proporciona oportunidades para demostrar su valentía, aunque al menos le podemos ver sensible y vulnerable. No tiene miedo de demostrar las debilidades de su carácter, pero tiene que tomar decisiones.
La película es casi más interesante por lo que aporta de ternura sobre el potencial de Gibson que por lo que tiene que decir sobre su carácter, o sobre la guerra. Lo más interesante es que de todos los actores que intervinieron, solamente Gibson logró convertirse en una gran estrella.

Pero cuando preguntamos a Mel Gibson sobre las películas suyas que menos le gustan, siempre nos mencionará “Attack Forze Z” entre ellas. Con un rastro de amargura en su rostro él suele agregar que supuso un gran esfuerzo realizar esta película de guerra en la cual tuvieron que poner a chinos simulando que eran japoneses.

“No me gusta hablar sobre esta película. Cuando se hace un filme es porque se está convencido de que va a salir bien o al menos que servirá para no pasar hambre una temporada. Pero hay una cosa que he aprendido con ella: nunca volveré a hacer una cosa semejante”.

“Attack Forze Z” tomó su título de una historia real ce ntrada en la Segunda Guerra Mundial, un drama que ocurrió entre finales de 1944 y principios de 1945 en el Pacífico Sur. Contaba la historia de un equipo de cinco equipos especiales de ataque con órdenes muy concretas.
Lo que no sabemos cuáles son las verdaderas causas para ese desprecio que manifiesta reiteradamente Mel Gibson hacia “Attack Forze Z”. Cuando le pedimos detalles no suele agregar ninguna palabra y solamente alega que el filme quedó arruinado por la dirección de Tim Burstall. Está sumamente hostil hacia esta película que se filmó cuando todavía era un desconocido, y que no se estrenó hasta dos años después, justo cuando ya era una estrella consagrada. No sabemos si entonces el público acudió atraído por el reclamo de Gibson o, también porque la película no era tan mala.

Cuando se estrenó, uno de los reporteros dijo: “Es interesante la actitud de Mel Gibson con los medios de comunicación cuando tratamos de sacarle su opinión más amplia sobre “Attack Forze Z”. Cuando el filme se estrenó en Melbourne los anuncios hablaban que el trabajo de Gibson era bastante malo y que no tendría mucho futuro en el cine, aunque cuando la fama de Mad Max llegó, los comentarios fueron totalmente opuestos. Finalmente “Attack Forze Z” fue mostrada en Estados Unidos solamente por los canales de televisión por cable, y nuevamente se promocionó como la mejor película de Mel. El crítico de la revista Variety dijo: “Es una vergüenza que los productores de este filme y sus agentes extranjeros no vieran un gran potencial en esta historia, negándole todo el apoyo publicitario que se merecía. Es un buen ejemplo de cómo se debe realizar una película de guerra correcta, y aunque no es excelente, es bastante mejor que otras más apreciadas”.

Mel, como el valiente capitán Paul Kelly, está a la altura interpretativa del resto de sus compañeros. Aún así, insiste en que:

“Si yo tengo que hablar de cosas horribles, “Attack Forze Z” está en la cima de la lista. Yo he tenido bastante suerte, sin embargo, puesto que inmediatamente conseguí un gran reconocimiento del público con mi película de Mad Max. Una película más como esa y ya estaría apartado totalmente de la escena”.

La película era una coproducción Taiwan-Australia, y los miembros de la unidad de rodaje detrás y delante de las cámaras fueron de ambas nacionalidades. No era una sociedad hecha para que funcionase. El trabajo de la cámara de Lin Hung Chung, por ejemplo, no dependía de las normas occidentales. Los críticos dijeron que ese detalle hizo que la película pareciera una chuleta de cordero aplastada.

“Lo que más me llamó la atención era la mala relación entre las personas del equipo. No me gustó nada cuando la vi por primera y única vez. Espero que se destruyan pronto todas las copias existentes y que no la muestren nunca más por televisión”.

Ciertamente había algún conflicto entre los actores y el director de la película. El director original Philip Noyce desde su primer trabajo en 1977, tenía algunas películas buenas, como “Backroads”, “Newsfront”, y “Heatwave”. Por razones desconocidas se apartó del rodaje, lo mismo que algunos miembros del equipo, y se contrató a Tim Burstall, quien como primera medida recortó drásticamente el presupuesto. En el primer pase se notó que parecía una obra teatral y apenas aguantó unos días en los cines australianos. Afortunadamente para Mel Gibson, desde esa infeliz experiencia pasó a otra más alegre cuando fue contratado para trabajar bajo la dirección de Peter Weir en el drama ambientado en la Primera Guerra Mundial, “Gallipoli”.

GALLIPOLI (1981)

Australia

110 minutos

Productor: Robert Stigwood, Patricia Lovell Director: Peter Weir
Guión: David Williamson Basada en una historia de: Weir Fotografía: Russell Boyd
Música: Brian May

Intérpretes:
MARK LEE: Archy
BILL KERR: Jack
MEL GIBSON: Frank Dunne
JOHN MORRIS: Coronel Robinson RONNIE GRAHAM: Wallace Hamilton

El filme es una buena muestra sobre la historia de esos dos corredores australianos que pierden la guerra y uno de ellos la vida, mostrándonos una gran ironía cuando vemos el dolor de la familia. El fallo, no obstante, estriba en mostrar demasiados estereotipos humanos, especialmente en los bribones británicos. La ancestral hostilidad entre australianos y británicos se muestra aquí exagerada, aunque creemos que fue debida a la necesidad de agradar esencialmente en los mercados australianos.
Mel Gibson logra una buena actuación y en cierto modo impresionante, aunque Mark Lee también efectúa un buen trabajo como co-protagonista, aportando su imagen de galán bueno y valiente.

Hay detalles importantes en la primera parte de la película que aunque no esenciales proporcionan una nota de interés y avalan la sofisticación de la obra en su conjunto. La fusión entre los intereses del ejército y el atletismo, tanto en las primeras escenas como en los momentos finales, cuando el destino de una compañía entera depende de la velocidad a la que Frank pueda correr, es un mensaje vital. También, el momento en el cual los jóvenes australianos dañan la arrogancia militar británica, asume una perspectiva más oscura cuando posteriormente esa misma pomposidad militar pone las vidas de estos hombres jóvenes en un gran riesgo.
Hay también momentos de sátira cuando Frank y Archie encuentran un cronómetro viejo que materializa el abandono por parte de Australia de las hostilidades, en un momento en que ellos ni siquiera saben si la guerra europea sigue adelante. Ambos desean tener una mejor información de lo que ocurre en el mundo y sus pensamientos les lleva hasta Gallipoli, una palabra que apenas pueden pronunciar y que es más una idea que un lugar concreto. La consideran un desafío a su masculinidad y una promesa de alguna aventura exótica.
La primera escena de la batalla es inolvidable, vista por la noche a través de una llovizna azul artificial con sus luces misteriosas que le dan la apariencia de algo fantasmal. Cuando la amistad entre Archie y Frank se desarrolla, aparece el contraste que existe entre ellos. El impacto de la guerra en Frank le obliga simplemente a sobrevivir, mientras que Archie muestra una nobleza arcaica y romántica, viendo el conflicto como la mayor aventura de su vida. La escena final muestra a Frank que corre paralelo a la batalla mientras Archie lo hace recto con él. Éstas son imágenes elocuentes que demuestran la ironía defensiva de Frank y el heroísmo precipitado de Archie.

“Gallipoli” es para los australianos lo que el Alamo es para los tejanos: una derrota militar que se ha convertido en una victoria moral.
En abril de 1915, luchando para la Madre Inglaterra, una fuerza combinada de Australia y Nueva Zelanda consiguieron reunir aproximadamente 35.000 hombres para sumarse a las fuerzas aliadas por controlar el Mediterráneo próximo a Estambul. Mal dirigida esa fuerza por sus generales, la campaña de Turquía falló. Murieron miles de jóvenes en las trincheras, en una batalla condenada de antemano y sufrieron una auténtica carnicería que dejó maltrecho al nuevo cuerpo de ejército australiano.
Incluso hoy, para muchos australianos, el espíritu de ANZAC representa un noble sacrificio de miles de soldados ante una batalla que nadie pudo prever tan dramático final.

“Yo decidí hacer la película después de visitar el campo de batalla, dijo el director Peter Weir. Realmente no sabía mucho sobre esa historia y me preguntaba si había alguien que le gustara”. La historia no era esencialmente sobre la guerra, sino sobre dos jóvenes de ambientes diferentes, rivales al principio, que se convierten en buenos compañeros por la guerra.
Había un muchacho rural idealista llamado Archy Hamilton (Mark Lee) y otro más arrogante de nombre Frank Dunne (Mel), ambos corredores aficionados que solían competir entre sí en una feria rural australiana. Cuando se alistan en el ejército, siguen manteniendo esa confrontación. Finalmente, ambos llegan al desastre de Gallipoli en el que Archy muere y Frank, arriesgando su vida, sobrevive.
La película es un documento denuncia, una acusación contra la guerra, con la idea de que se estropeó lo mejor de la juventud australiana en la matanza de Gallipoli. Si recibieron o no ese mensaje en otros países, nunca se supo.

Un crítico del Newsweek dijo: “La película se siente profundamente y es visualmente bonita. Gallipoli es una película absorbente y un lamento para una generación de valientes”.
Otro, ahora un australiano, confirmó que: “El filme se acerca a la grandeza, tiene fuerza, y ve la guerra como una cosa romántica y bella, seductora, así como destructora de la juventud, ilusionada e inocente. Es una película que sirve para cualquier país”. De las películas que Aussie había hecho anteriormente esta era su favorita, lo mismo que para Mel Gibson.

“Yo me sentí totalmente involucrado en ella. Me siento a gusto cuando interpreto una historia que trata sobre un asunto verdadero o que muestra las relaciones humanas más profundas y esta tenía ambas. Cuando leí el guión simplemente supe que funcionaría. Tiene un tema muy bueno en el que las personas pueden verse reflejadas”.

“Es un tema universal. La guerra es una tarea inse nsata; no resuelve nada. Al mismo tiempo, también muestra el verdadero carácter australiano que es muy accesible a través del tema. Del mismo modo, plantea la pregunta a las personas sobre si creen en un Dios, el honor, y su país. Ellos eran hombres buenos que luchaban por algo que era real para ellos. Esos tipos en Gallipoli eran como los últimos caballeros de armadura brillante”.

“Gallipoli” demostró por primera vez que la unión entre Mel y Peter Weir era favorable, aunque el director llevaba mucho tiempo esperando encontrar un proyecto en el que ambos podrían asociarse. Weir dijo que él sabía que Mel Gibson era una estrella desde el primer momento en que lo vio en una película. “Mel tiene lo que se llama el Factor X. Era la única persona que había visto en Australia que lo tenía. Ese carisma suyo aparece incluso en sus fotografías de bebé. Era como un diamante tallado malamente”.
Preguntado por qué le dieron el papel de Frank Dunne, Mel dice:

“Peter Weir dijo algo sobre mí referente a que era algo duro y afilado que podía cortar perfectamente si me dirigían bien. También dijo que yo parecía ligeramente híbrido, como si hubiera un toque de italiano en mí”.

Sobre su papel como el soldado Frank, Mel dijo a la prensa:

“Frank es una bolsa llen a de trucos. Más complicado que la mayoría de los jóvenes en ese momento. Él es cómico, pero también valiente. Es el tipo de persona que se meterá en un grupo y con una frase o comentario inteligente hará reír a todos. Yo procuré mostrar esta faceta. Cuando se pone cínico parece algo despiadado, pero pronto demuestra que sus sentimientos son nobles”.

MAD MAX, EL GUERRERO DE LA CARRETERA Mad Max 2, the Road Warrior (1981)

94 minutos

Productor: Byron Kennedy
Director: George Miller
Guión: Terry Hayes, George Miller, Brian Hannat Fotografía: Dean Semler
Música: Brian May
Efectos especiales: Jeffrey Clifford, Kim Priest Decorados: Max Aspin
Maquillaje: Bob McCarron
Vestuario: Norma Moriceau

Intérpretes:
MEL GIBSON: Max
BRUCE SPENCE: Gyro Captain VERNON WELLS: Wez
MIKE PRESTON: Papagallo

Realizada en el corto espacio de doce semanas, la mayoría en exteriores, los últimos catorce días estuvieron dedicados exclusivamente a la gran escena final.
Ahora El Guerrero de la Carretera es ya un mito y sigue mostrando sus trajes negros y su mismo código de conducta. Sus enemigos son una versión futurista mezcla de los Ángeles de Infierno, guerreros samurai, pilotos kamikaze, miembros de bandas callejeras y quizá vaqueros, matones, y guardaespaldas. En resumen: muy tenebrosos y personas nada recomendables para pedirles un cigarrillo después de cobrar el salario.
Estas joyas de la sociedad apenas hablan y en eso es lo único que se parecen al héroe de la película, Max, quien no tiene más de doscientas palabras en toda la película. Max está de nuevo interpretado por Mel Gibson, un actor australiano (ya sabemos que en realidad en americano) y que tiene ya cierto reconocimiento como actor desde que hizo “Gallipolli”. Antes de eso, también le vimos en “Mad Max”, del mismo equipo de “Mad Max 2”, aunque aquella primera entrega tenía un presupuesto muy inferior, pero su calidad no difería mucho más.
El papel de Max en “Mad Max 2” es similar a un vaquero heroico igual al de cualquier western clásico. Aunque vive de manera individual, finalmente acepta integrarse en una comunidad de personas que protegen su modesto almacén de gasolina de los ataques de las bandas de maleantes. El combustible es en esa época tan vital como el agua y por eso ese reducto está ahora situado por unos fieros guerreros. Max se ofrece para intentar sacar un gigantesco camión lleno de gasolina a través de ese cerco mortal y llevarlo a unos cuantos cientos de millas de distancia, en la costa, en donde todo el mundo piensa que está la paz y el bienestar. En ese momento se muestran en la pantalla, no solamente carreras y ataques feroces, sino también algo del sentido de la amistad, del compañerismo y, esencialmente, de la capacidad de supervivencia ante situaciones límite.
La violencia está ahora más justificada, pero es más intensa que en la anterior película, aunque pequeños conatos de humor trata de dulcificarla. Como no hay muchos diálogos, o adivinamos lo que está pasando o nos ponemos en manos del director para que nos lo explique. George Miller prefiere que miremos y no pensemos y se convierte en un buen artesano en contarnos historias mudas.
Lo mejor de “Mad Max 2” es la gran cantidad de escenas de persecución, rodadas con bastante maestría y pocos efectos especiales. A destacar, la última media hora de la película en la cual nuestro héroe tiene que llevar el gran coloso con ruedas, mientras pelea eficazmente contra la banda de motoristas que le acosan.

EL AÑO QUE VIVIMOS PELIGROSAMENTE The Year of Living Dangerously (1983)

MGM

115 minutos

Director: Peter Weir
Guión: David Williamson, Peter Weir Basado en la novela de: C.J. Koch Fotografía: Russell Boyd
Música: Maurice Jarre

Intérpretes:
MEL GIBSON: Guy Hamilton SIGOURNEY WEAVER: Jill Bryant LINDA HUNT: Billy Kwan
BEMBOL ROCO: Kumar
DOMINGO LANDICHO: Hortono HERMINIO DE GUZMAN: Oficial MICHAEL MURPHY: Pete Curtis

Esta película catapultó a la fama al director australiano Peter Weir, quien ya había alcanzado cierto renombre con Gallipoli (1981) y La última ola (1978), consiguiendo posteriormente afianzarse como un director de prestigio.
La película se desarrolla en un lugar exótico llamado Yakarta, un lugar de Indonesia dirigido por el dictador Sukarno durante los años 60. En esos años su régimen se tambaleaba y la guerra del Vietnam le ponía más difícil la supervivencia. En el campo dominaban ya los comunistas, mientras que las ciudades estaban bajo la bota férrea de la dictadura militar; ninguna opción válida, pues, para los habitantes de Yakarta, ni para los extranjeros allí residentes.
En esos días llega un corresponsal extranjero, un reportero australiano de la agencia de noticias ABS para la radio, quien descubre nada más llegar que su antecesor se ha marchado rápidamente y que el país respira una atmósfera de sumo peligro. A su llegada es recibido por Kumar, un nativo que le conduce hasta el hotel Indonesia, en donde se hospedan ya forzosamente la mayoría de los extranjeros, en espera de una oportunidad para marcharse del país.

La atmósfera que nos recrea Peter Weir es de tal precisión que parece que somos nosotros los protagonistas y que nuestro compañero de butaca será la próxima víctima de la dictadura militar. Avanzando en medio del conflicto bélico, vemos a los extranjeros tratando de vivir lo mejor posible esa situación y mientras unos, los periodistas, tratan de seguir con su labor sin involucrarse con los comunistas, el personal de la embajada trata de ponerse a salvo de una posible rebelión. Otros beben alegres en la barra del bar, comen en los restaurantes de lujo o especulan continuamente sobre las posibilidades que tendrá Sukarno de ponerse a salvo. Una historia demasiado real como para que no nos emocione y preocupe.
El periodista Hamilton (Mel Gibson), es una persona que no se excita por nada y aunque no está enterado de los problemas internos del país aprende rápidamente y hace amistad con un pequeño hombre llamado Billy, que es muy respetado en su ambiente (Como ya sabrán los lectores, ese actor es en realidad la actriz Linda Hunt). Billy es medio oriental y medio europeo, y sabe los nombres de todas las personas que han muerto en el conflicto. Con su cálida sonrisa y su manera alentadora de ver los acontecimientos, a veces se nos muestra como un cómplice político, aunque sin saber en qué bando se encuentra. Vistiendo llamativas camisas locales consigue que el espectador, en principio más interesado por el romance entre Sigourney y Mel, se quede prendado de tan diminuto e inteligente personaje.
Poco a poco Guy y Billy llegan a ser amigos y su profunda amistad les lleva a compartir respeto y deseo de ayudar. Es en ese momento en el cual Billy le presenta a Jill, una agregada británica que lleva poco tiempo en el país, que lógicamente le seduce y le hace más soportable su trabajo. Simultáneamente, Guy consigue una entrevista con el jefe del Partido Comunista local, quien le pone en antecedentes sobre los verdaderos acontecimientos.

La película se centra ya en los tres protagonistas, Mel, Sigourney y Linda, sirviendo para lanzar a la fama al todavía desconocido Mel Gibson y a Linda Hurt, actriz secundaria por la que nadie daba un duro hasta entonces. Un dato a no olvidar es que dicha actriz ni siquiera figuraba en los títulos de crédito, no por desprestigio, sino para que el espectador no supiera realmente quién era ese pequeño actor.
El filme no pudo realizarse en Indonesia, como era la intención del director, y se hizo en Filipinas, en donde el ambiente político era más tranquilo en esos años. Allí se levantaron los decorados que debían mostrarnos a la Indonesia de 1965 y que tanto éxito consiguieron.
La actriz Linda Hunt fue reconocida con un Oscar a la mejor Actriz secundaria, logrando desbancar nada menos que a Glenn Close, Cher y Barbra Streisand. El director también contribuyó sensiblemente al despegue del cine australiano.
Las interpretaciones en la película están perfectamente ajustadas a los requerimientos y consiguen parecer verdaderamente unos extranjeros en un país en guerra. La recreación de Indonesia es sumamente correcta, lo mismo que los numerosos extras que aparecen, aportando la imprescindible dosis de sadismo y violencia para que no decaiga el dramatismo del argumento.
Billy Kwan y Mel Gibson llevan todo el peso dramático del filme, aunque Sigourney Weaver trata de no quedarse descolgada por su papel menos interesante y profundo.

“Creo que Mel Gibson es uno de los hombres más sexys de la pantalla, comentó Sigourney. Tiene un magnetismo animal, además de un talento extraordinario. Es muy observador, inteligente, rápido y muy sensitivo. Cuando me propusieron trabajar con él pensé lo afortunada que era al tener como compañero a un actor tan guapo y me gustaba la idea de ser su amante en la pantalla, aunque pensé que apenas si me tendría en cuenta”.

“Mel es grande, es simplemente una persona muy especial. Podría ser un gran cómico, aunque nadie es capaz todavía de darle un papel en este sentido. La verdad, es que me gustaría mucho volver a trabajar con Mel”.

Más datos:

Peter Weir hace una película romántica de aventuras en la Indonesia de 1965, durante las revueltas políticas que sacudieron al inestable gobierno del Presidente Sukarno, y se centra sobre la comunidad caucasiana de periodistas y diplomáticos en Yakarta.
Linda Hunt tiene el papel de un varón llamado Billy Kwan, mitad chino, mitad australiano, que maneja una cámara de filmación juntamente con Mel Gibson, quien hace de un corresponsal extranjero australiano. Sigourney Weaver, es la agregada militar auxiliar en la Embajada Británica.
Weir es víctima de su propia habilidad para crear la ilusión de la auténtica miseria del Tercer mundo, ahora amotinado y en caos, con los nativos deseosos de emanciparse de los problemas inventados de los caucasianos. Pero la endeblez argumental de la película tiene su propia fascinación y escena por escena esta película cautiva, a pesar de su entorno místico.
Las aventuras peligrosas entre Gibson y Weaver son las relativas a su propia relación, aunque el director se ha cuidado mucho de no incluir escenas de sexo que pudieran romper el tenso dramatismo que trataba de reflejar. El personaje de Billy Kwan parece ser la conciencia de la película y la que aporta moralidad y lirismo, incluso en los diálogos que emplea.

Premios:

Oscar a la mejor actriz secundaria: Linda Hunt

Su compañera de reparto: Sigourney Weaver

Esta aristocrática y atractiva actriz comenzó usando el nombre Sigourney (sacado de un personaje de “El Gran Gatsby”) en la primera década de 1960. Hija del anterior presidente de la NBC, Sylvester “Pat” Weaver, y la actriz Elizabeth Inglis, se graduó en la escuela de Arte Dramático de Yale un año antes que también lo hiciera Meryl Streep. Su primera salida a un escenario fue en Nueva York en una obra dirigida por Sir John Gielgud titulada “La esposa constante” y que debería haber sido interpretada por Ingrid Bergman. Una vez terminado su contrato realizó su primer pequeño trabajo en el cine, en la película “Madman” (1978), dirigida por Dan Cohen. Casi simultáneamente interpretó, por considerarlo de algún modo, un pequeño papel en “Annie Hall” de Woody Allen (1977), en donde si tenemos buena y sagaz visión la vislumbraremos como una joven que está en la fila de un cine, mientras Woody y Diane discuten sobre los problemas sexuales que la menstruación produce en ella.
Al año siguiente intervino también en cortos papeles en diferentes obras de Broadway, como “Gemini” y en varios otros espectáculos, y apareció en la telenovela "Somerset". Su altura de 1,83 cm. le ha impedido a veces intervenir en determinados papeles.

Weaver alcanzó bruscamente su categoría de gran estrella como la heroína tenaz del thriller de Ciencia Ficción de Ridley Scott, “Alien”(1979), y pudo revivir su personaje en “Aliens” (1986) y “Alien 3” (1992). En 1996 anunció que ella volvería a interpretar el mismo personaje, con la joven actriz Winona Ryder, en el filme titulado, “Alien: Resurrección”.
Weaver probó sus credenciales dramáticas serias haciendo pareja con Mel Gibson en el drama político “El Año que vivimos peligrosamente” (1983), y consiguió poco a poco llegar a ser una de las estrellas femeninas de Hollywood más destacadas de la década de 1980. Alcanzó un auditorio diferente como una guapa chica que es poseída por el demonio, dando la réplica a Bill Murray, en el enorme éxito “Los Cazafantasmas” (1984) y su menos bien recibida continuación en 1989.

Weaver ha ganado tres nominaciones al Oscar: Mejor Actriz por “Alien” en 1986 y dos en 1989 como Mejor Actriz Secundaria en su trabajo como una ejecutiva snob y yuppie, con Melanie Griffith, en “Armas de Mujer”. También fue nominada a la Mejor Actriz, por su retrato de una científica y activista ecológica en el filme “Gorilas en la niebla”, en donde encarna a Dian Fossey, quien murió en circunstancias nunca aclaradas.
A principios de la década de los 90, Weaver interpretó películas que, en su mayoría, cambiaban el aspecto que había desempeñado anteriormente en la pantalla, demostrándonos su gran versatilidad. Hizo un corto pero significativo papel como la Reina Isabel de España en la desastrosa obra de Ridley Scott “1492: La Conquista del Paraíso” (1992), y se enganchó con cierto éxito a la popularidad en su secundario papel de Primera Dama en la comedia política “Dave, presidente por un día” (1993).
Ella adopta posteriormente un papel menos encantador, como la víctima vengativa de una tortura política en el filme de Román Polanski “La Muerte de la Doncella” (1994), y como una psicóloga de delitos especialmente sangrientos que sufre terribles crisis fóbicas a salir al exterior, en “Copycat” (1995), junto a Holly Hunter.
Weaver también interpretó a una nueva evangelista madura en la comedia “Jeffrey” (también en 1995), donde Paul Rudnick nos realiza una recreación agradable de los homosexuales.
Después de una larga relación sentimental con el actor/dramaturgo James McClure, Weaver se casó con el director Jim Simpson en 1984, quien la dirigió en las obras de teatro “Old Times” (1981) y “El mercader de Venecia” (1986-87). En mayo de 1990 nacería su hija Charlotte.

Filmografía esencial:

1977 Annie Hall
1979 Alien, el octavo pasajero
1981 El ojo mentiroso
1983 El contrato del siglo
1983 El año que vivimos peligrosamente
1984 Los cazafantasmas
1986 Aliens
1986 La calle de la media luna
1988 Gorilas en la niebla
1988 Armas de mujer
1989 Los cazafantasmas II
1992 1492: la conquista del paraíso
1992 Alien III
1993 Dave, presidente por un día
1994 La muerte de la doncella
1995 Copycat
1995 Jefferey
1996 Tormenta de hielo
1997 Alien, resurrección

MOTIN A BORDO The Bounty (1984)

130 minutos

Productor: Bernard Williams Director: Roger Donaldson
Guión: Robert Bolt
Basada en la novela: Captain Bligh Fotografía: Arthur Ibbetson
Música: Vangelis
Efectos especiales: John Stears Vestuario. John Bloomfield

Intérpretes:
MEL GIBSON: Fletcher Christian
ANTHONY HOPKINS: William Bligh LAURENCE OLIVIER: Administrador Hood EDWARD FOX: Capitán Greetham
DANIEL DAY-LEWIS: Fryer
BERNARD HILL: Cole
PHILIPS AVIS: Young

Cada película que habla de aquel supuesto motín en la Bounty nos muestra una personalidad de ese tal Fletcher Christian totalmente distinta, dependiendo del actor que la interprete. El Christian de Clark Gable era un hombre de acción, lleno de fuerza física y aficionado al alcohol.
Brando era introvertido y torturado en su interior por unos ademanes amanerados que no encajaban entre rudos marinos. Y ahora Mel Gibson es el más difícil de encajar de los tres. Parece que nos lo muestran como un hombre de pensamiento profundo, aunque el guión no aporte diálogos filosóficos en este sentido, y le vemos por ello sosegado, atento, y muy enigmático. Solamente en los brazos de la mujer que ama, esa muchacha de Tahitiana llamada Mauatua, se muestra totalmente sencillo como cualquier mortal que está a punto de entrar en el Séptimo Cielo. En esos momentos tampoco tiene ningún diálogo intenso y profundo, aunque por lo menos funciona como amante.

“Motín a bordo” para muchos es una buena película y para otros un mal intento de mejorar algo de lo que todos guardábamos buen recuerdo. Su visión es agradable y notamos retazos de inteligencia en la realización y especialmente en la producción. Aunque esta tercera versión para el cine de “Motín a bordo” estaba pensada para una obra de alto presupuesto, e incluso se intentó contratar al experto David Lean para que la dirigiera, la versión final tuvo el presupuesto muy recortado. Para empezar a disminuir gastos se buscó a un director más económico, un tal Roger Donaldson, a quien hemos visto recientemente dirigiendo “Species”. Antes de tener en sus manos esta aventura marina había sido el autor de “Smash Palace” una película que fue un total fracaso de crítica y taquilla. Lo más interesante en esta película de Donaldson es que no la percibimos como si fuera un remake, aunque quizá sea un fallo en lugar de un acierto. En resumen, una correcta película, en algunos momentos ingeniosa, y con algunas escenas espectaculares cuando el barco se ve inmerso en una tormenta. Otro mérito es que los efectos especiales no quitan el protagonismo a los actores.

Sus compañeros de reparto: Anthony Hopkins

Nombre real: Phillip Anthony Hopkins
Nacido el: 13 de diciembre de 1937, en Port Talbot, South Wales
Estudios: Cowbridge Grammar School, Glamorgan, Wales; Welsh College de Música y Drama, Cardiff, Wales; Real Academia de Arte Dramático, Londres, Inglaterra.

Considerado a menudo como el sucesor de Richard Burton, Hopkins era ya un actor famoso en el teatro Nacional británico mucho antes de dedicarse al cine. De la mano de otro no menos magnífico actor, Sir Laurence Olivier, consiguió interpretar las obras de Shakespeare durante los años 60. En 1964 hizo su primera aparición con “Julio César” y posteriormente alcanzó gran éxito en “Pravda”, “Madame Butterfly” y “El rey Lear”. Durante tres años de trabajo intenso se dedicó al teatro británico, consiguiendo gran renombre cuando hizo “Marco Antonio y Cleopatra”.
Antes de hacer su debut en el cine había pasado por largos años de aprendizaje en el Cardiff College of Drama, en la Real Academia de Arte Dramático de Londres y el Welsh College of Music and Drama. Su primera película fue “El león en invierno” en 1968, junto a Peter O’Toole y Katharine Hepburn, interpretando el personaje de Ricardo Corazón de León, aunque en esta ocasión el popular rey se mostraba débil y con ciertas dosis de homosexualidad.
Hopkins ganó varios premios en 1975 durante su paso por los teatros de Broadway con la obra “Equus”, en la cual interpreta a un psiquiatra que cuestiona el significado de su propia vida cuando él trata a un hombre joven, apasionado y perturbado, que además de asesino siente una pasión enfermiza por los caballos.
Irónicamente, Burton tuvo más éxito en el cine con esta película, que Hopkins en la producción de Broadway, la cual sirvió para promocionar el filme.

Hopkins ha interpretado personajes volátiles, obsesionados, como el ventrílocuo de “Magic” en 1978 o el Capitán Bligh en “Motín a bordo” de 1984. También le vimos en papeles de hombres reprimidos y poco habladores, y como personas apacibles y ciertamente amanerados. En televisión alcanzó igualmente grandes éxitos con obras como “Guerra y paz”, “El búnker” y “Mussolini y yo”.
Su gran salto a la fama lo consiguió con el papel de Hannibal Lecter, el asesino en serie inteligente, en la película dirigida por Jonathan Demme “El silencio de los corderos” (1991), que le proporcionó su primer Oscar como el Mejor Actor del año. Hopkins siguió ya imparable su ascenso al prestigio como actor cuando interpretó al mítico caza vampiros Val Helsing en la adaptación de Ford Coppola de la obra de Bram Stoker “Drácula” (1992), una versión con mucho lujo y efectos especiales que rompía todos los moldes sobre el célebre vampiro. Tanto del filme “El silencio de los corderos”, como de “Drácula”, existen proyectos para una segunda parte.
Actuación igualmente importante y que proporciona una gran solidez al filme, fue como el padre herido en la epopeya familiar norteamericana “Leyendas de pasión” (1995), junto a Brad Pitt, filme que realizó unas semanas antes de encarnar al 37th Presidente norteamericano, Richard Nixon, en la polémica obra de Oliver Stone “Nixon” (1995). Hopkins dirigió con bastante acierto “August” (1996), una adaptación del “Tío Vanya” de Chekhov y más recientemente le hemos visto encarnando al pintor español Pablo Picasso, en el biopic “Sobrevivir a Picasso” dirigido por James Ivory en 1996. Realizó igualmente una interpretación memorable en “El balneario de Battle Creek” (1996), en donde interpreta la vida real del inventor de los célebres cereales “Kellog”, además de ser autor también de la manta eléctrica y la mantequilla de cacahuete. Acompañado en esta ocasión por Bridget Fonda y Matthew Broderick, nos recrea las propiedades curativas de los métodos del doctor John H. Kellogg en su Instituto del Oeste para la recuperación de la Salud.

Filmografía esencial:
“El león en invierno” (1968)
“Hamlet” (1969)
“El joven Winston” (1972)
“Chantaje contra una esposa” (1973) “El enigma se llama Juggernaut” (1974) “Las dos vidas de Audrey Rose” (1977) “Un puente lejano” (1977)
“Sólo para adultos” (1980)
“El hombre elefante” (1980)
“Motín a bordo” (1984)
“El silencio de los corderos” (1991) “Freejack, sin identidad” (1991) “Regreso a Howard’s End” (1992) “Drácula” (1992)
“Chaplin” (1992)
“Leyendas de pasión” (1995)
“El desafío” (1997).
“Amistad” (1997)

MRS. SOFFEL (1984)

110 minutos

Productor: David A. Nicksay, Scott Rudin Director: Gillian Armstrong

Intérpretes:
DIANE KEATON: Kate Soffel MEL GIBSON: Ed Biddle
MATTHEW MODINE: Jack Biddle EDWARD HERRMANN: Peter Soffel JENNIE DUNDAS:
TRINI ALVARADO:
DANNY CORKILL:
TERRY O´QUINN:

No es fácil ver reunidas a dos estrellas tan dispares como Diane Keaton y Mel Gibson en un mismo filme. Ahora la protagonista es ella, como Kate Soffel, la esposa de un vigilante de la prisión en Pittsburgh. Mel Gibson interpreta a un asesino declarado culpable que permanece en el Pasillo de la Muerte en la prisión de su marido, y Matthew Modine interpreta al hermano de Gibson.
Ellos dos han sido encontrados culpables de asesinato, pero pronto nos damos cuenta que Gibson no puede ser culpable, que es inocente, y que el verdadero asesino es otro que está muy cerca. La señora Soffel empieza su labor como misionera leyéndoles la Biblia a los presos durante sus visitas diarias para reconfortarles y prepararles para morir, aunque esos momentos se aprovechan para pasarse sierras y cuchillos para romper los barrotes. Mientras el plan de fuga se perfecciona, nos muestran algo de información sobre el marido de la señora Soffe. Este hombre, interpretado por Edward Herrmann, es un poco distante y bastante frío, por eso su hija adolescente quiere independizarse y vivir su vida. Poco a poco, nos van contando los pormenores de la vida de cada protagonista, no de una manera muy profunda, pero lo suficiente para que comencemos a sentir simpatía por algunos y odio hacia otros.

“Mrs. Soffel” no es una película de Mel Gibson y aún no sabemos que hacía aquí, puesto que está construida exclusivamente para el lucimiento de Diane Keaton. Gibson, por su parte, logra captar también el resto de la atención empleando diálogos interesantes y mucha sutileza para convencer a la chica que es inocente.

Este es un tipo de filme dramático en el cual lo principal son los protagonistas y su carisma en el público. Por eso las estrellas ocupan siempre el primer plano y las otras personas son solamente telones de fondo. Este es el destino de Matthew Modine, el hermano de Gibson en la película. Modine es un buen actor a quien los lectores recordarán en “El último gran héroe”, junto a Arnold Schwarzenegger. Está dotado de una gran naturalidad y una correcta presencia física, aunque en esta película no consigue destacar de entre los dos protagonistas.
Muchas de las escenas más importantes en la película recuerdan a “Bonnie and Clyde”. Por ejemplo, hay una escena donde los fugitivos son alojados por una buena familia que tienen una granja y también cuando el guionista nos demuestra que el sexo entre ellos es menos importante que su pasión por la delincuencia.
El guión un poco más elaborado hubiera proporcionado una buena historia y echamos en falta algo de sentimientos y humanidad. También nos gustaría saber las motivaciones importantes que llevaron a la sobria señora Soffel para decidirse a abandonar a su familia y ayudar a escapar a un convicto. Nadie en su sano juicio lo haría y esperábamos al menos que hubiera una intensa pasión amorosa entre ambos.

Su compañera de reparto: Diane Keaton

Diane es una nativa de California que estudió Arte Dramático en el Colegio Santa Ana, antes de irse fuera para estudiar en el colegio Playhouse de Nueva York. Después de actuar en obras menores durante varios meses, consiguió su primer papel importante en la obra musical de Broadway "Hair". Como suplente de la actriz principal, ganó un gran prestigio por no haberse desnudado nunca. En el 1970, Woody Allen la lanza a la popularidad en Broadway con la película "Sueños de seductor", que tuvo un gran éxito. Estuvo durante este tiempo manteniendo un romance sincero con Allen y de ahí en adelante apareció en un número importante de sus películas.Después de “Sueños de seductor (1972), que era una adaptación para el cine de la obra teatral, se pone a las órdenes de Coppola en la película “El padrino” (1972), ganadora de un oscar a la mejor película y gracias a ello su cotización subió mucho. Dianevolvió a interpretar su papel de Kay en “El padrino II” (1974), aunque anteriormente había intervenido en la comedia de Woody Allen “El dormilón (1973). Posteriormente filmó con Allen “La última noche de Boris Gruschenko” (1975).

En 1977, rompió su image n de actriz de comedia para aparecer en el filme “Buscando al Sr. Goodbar (1977), que le daría una nominación para el Globo de oro. Era el mismo año en que aparecería con Woody Allen en la película “Annie Hall” (1977) y que haría un fuerte impacto en su carrera. Keaton ganó el Oscar y el Premio Británico a la Mejor Actriz y Woody ganaría el de mejor director, así como otro similar otorgado por la Dirección General de Autores.

Diane comenzaría una tendencia a marcar su propia moda unisex, con ropas que hacían las delicias de las chicas y los varones jóvenes. Sus amaneramientos y su forma de hablar torpe llegarían a ser muy populares. Pero la pregunta que siempre flotaba en el aire es si ella era simplemente una superficial mujer o había más profundidad en su personalidad. Por alguna razón, Keaton solamente apareció en una película cada año, siempre a las órdenes de Allen. Durante dos años esta fue su trayectoria cinematográfica, pero cuando ambos rompieron ella tenía ya un romance con Warren Beatty y había trabajado con él en la película “Rojos” (1981), en donde hacía el papel de una periodista bohemia llamada Louise Bryant. Por su interpretación, Diane recibiría una nominación para el Oscar y un Globo de Oro.
Durante el resto de los 80 aparece infrecuentemente en el cine, aunque conseguiría volver a ser nominada en tres ocasiones al Oscar. Para tratar de romper su imagen tradicional, llegó a ser la herramienta de un terrorista en la película “La chica del tambor” (1984). Pero como el trabajo como actriz escaseaba para ella, contrarrestó su carencia comenzando a dirigir películas. Dirigió algunos documentales, así como también algunos videos de música. Para la Televisión dirigió un episodio de la popular, pero extraña serie, "Twin Peaks" (1990).
En 1990, se consolidó como una actriz de la cultura dominante y realiza nuevamente su papel como Kay en la tercera película de “El padrino” y como Nina en “El Padre de la Novia (1991), y “El Padre de la novia, II” (1995).
En 1993, volvería nuevamente con Woody Allen (cuando éste rompió con Mia Farrow) en “Misterioso asesinato en Manhattan” (1993), papel que sería muy bien recibido por público y crítica. En 1995, Diane iniciaría una nueva etapa como directora de cine.

Agente artístico:
Diane Keaton
2255 Verde Oak Drive
Los Angeles, CA 90068, USA

Filmografía esencial:
Other Sister (1998)
La habitación de Marvin (1997) de Jerry Zaks, como Bessie The Only Thrill (1997) como Carol Fritzsimmons.
El club de las primeras esposas (1996) como Annie MacDuggan Paradis El padre de la novia II (1995) como Nina Banks
Misterioso asesinato en Manhattan (1993) como Carol Lipton El Padre de la novia (1991) como Nina Banks
El Padrino III (1990) como Kay Adams
Días de Radio (1987) como New Year's Singer
Baby, tú vales mucho (1987) como J.C. Wiatt
Crímenes del corazón (1986) como Lenny Magrath
La Chica del tambor (1984) como Charlie
Mrs. Soffel (1984) como Kate Soffel
Después del amor (1982) como Faith Dunlap
Rojos (1981) como Louise Bryant
Manhattan (1979) como Mary Wilke
Interiores (1978) como Renata
Annie Hall (1977) como Annie Hall
Buscando al Sr. Goodbar (1977) como Theresa Dunn
La última noche de Boris Gruschenko (1975) como Sonia El Padrino II (1974) como Kay Corleone
El Dormilón (1973) como Luna Schlosser
El Padrino (1972) como Kay Adams
Sueños de Seductor (1972) como Linda
Lovers and Other Strangers (1970) como Joan Vecchio

CUANDO EL RÍO CRECE The River (1984)

122 minutos

Productor: Edward Lewis, Robert Cortes Director: Mark Rydell
Guión: Robert Dillon, Julian Barry Basada en la historia de: Dillon
Fotografía: Vilmos Zsigmond
Música: John Williams
Efectos especiales: Ken Pepiot, Stan Parks Vestuario: Joe I. Tompkins

Intérpretes:
MEL GIBSON: Tom Garvey SISSY SPACEK: Mae Garvey SHANE BAILEY: Lewis Garvey BECKY JO LYNCH: Beth Garvey SCOTT GLENN: Joe Wade

La película contiene una correcta interpretación por parte de Sissy Spacek como la esposa que lleva una granja de Tennessee, lo mismo que la actuación adecuada de Mel Gibson como su marido. También hay que destacar la interpretación de Scott Glenn como el banquero local que quiere comprar toda la tierra en el valle, construir una presa, y generar trabajos mediante una central hidroeléctrica. Aunque el argumento nos muestra a Scott Glenn como el malo de la película, nosotros, como espectadores, no lo vemos tan claro. Cuando la película comienza, Gibson está luchando contra el río y casi se ahoga bajo una excavadora.

Después vemos la vida habitual en la granja, y conseguimos conocer mejor al matrimonio Spacek, la personalidad de los esposos y a sus hijos pequeños. Estas escenas de la vida doméstica son correctas, lo mismo que esa escena de amor en la cocina entre Gibson y Spacek, tan intensa y pasional.
Después la granja empieza a tener problemas, y Gibson se tiene que marchar a trabajar duramente en una fundición de acero situada en Birmingham, Alabama. En ese momento la historia se hace pesada hasta que un simple ciervo que vaga asustado en el molino, mientras las aguas le impiden salir de su trampa mortal, nos sacan de nuestro pequeño tedio. El animal se salva e inmediatamente vemos ya a los obreros en huelga. También nos muestran una subasta en la cual los granjeros gritan que no hay que vender y en ese momento nos recuerda ya a otras muchas películas anteriores de granjeros tratando de ser eliminados por las nuevas industrias. Ahora, no obstante, el problema no es tan sencillo, puesto que es el río el que terminará inundando la granja y dejando a todos arruinados.

Esta película supuso para Mel Gibson una gran alegría, puesto que en cierto modo le recordaba su pasada vida en Australia como granjero. Aunque no tuvo un gran éxito en taquilla, para los dos actores principales, Gibson y Spacek, es una de las mejores películas que han interpretado y siempre la recuerdan con especial cariño.

Premios:
Nominada a la mejor actriz 1984: Sissy Spacek
Nominada a la mejor fotografía 1984: Vilmos Zsigmond
Nominada a la mejor música 1984: John Williams
Nominada al mejor sonido 1984: Nick Alphin, Robert Thirlwell, Richard Portman, David Ronne
Oscar Especial: Kay Rose por los Mejores Efectos de sonido

MADA MAX, MÁS ALLÁ DE LA CÚPULA DEL TRUENO Mad Max Beyond Thunderdome (1985)

Australia
106 minutos Panavision

Productor: George Miller, Doug Mitchell, Terry Hayes Director: George Miller, George Ogilvie
Guión: Terry Hayes, George Miller
Fotografía: Dean Semler
Música: Maurice Jarre
Efectos especiales: Mike Wood
Vestuario: Norma Moriceau

Intérpretes:
MEL GIBSON: Mad Max
BRUCE SPENCE: Jedediah
ADAM COCKBURN: Jedediah, Jr. TINA TURNER: Aunty Entity FRANK THRING: The Collector ANGELO ROSSITTO: El Amo PAUL LARSSON: The Blaster ABGRY ANDERSON: Ironbar ROBERT GRUBB: Pigkiller

Con un presupuesto de 12 millones de dólares y con escenarios naturales situados a ocho kilómetros de Sidney, en las montañas Azules y la zona minera de Coober Oedy, se realizó esta tercera parte de Mad Max, largamente esperada por todos los aficionados. La historia trataba de aportar algunas novedades, aunque no siempre acertadas. La secuela de un gran éxito no tiene que ser necesariamente mejor que las anteriores, aunque los espectadores esperan al menos que aporte nuevas situaciones y aumenten las escenas espectaculares. En este caso concreto, “Mad Max, más allá de la cúpula del trueno”, pudiera ser la mejor de las tres historias, aunque contenga fallos enormes.

Las primeras escenas nos muestran a un raro vehículo siendo tirado por camellos a través del desierto, y pronto sabemos que está dentro de un mundo postnuclear apocalíptico. Nos sitúan algunos años adelante, sin especificar cuantos, aunque por los vehículos y los trajes suponemos que no son demasiados. Aunque los vehículos están camuflados de manera extraña, sabemos que son chatarra por fuera y motores convencionales por dentro. Hay una nueva sociedad que está tratando de formarse y a causa de los bombardeos los suministros de petróleo en el mundo entero han desaparecido, mientras que en los desiertos de Australia la humanidad ha encontrado un nuevo tipo de reglas para vivir, o malvivir. El chófer de los camellos es Mad Max (Mel Gibson), un antiguo policía, ahora convertido en un nómada. Cuando le roban su vehículo y se encuentra moribundo en el desierto, llega a Bartertown, un reducto en donde viven personas violentas. Bartertown es también un lugar para comprar, comerciar, o vender personas. Está dirigido por un hombre gordo llamado El Coleccionista (Frank Thring), y gobernado por una reina llamada Entity Aunty (Tina Turner).
Todo es impulsado por una fuente de energía que es, según nos explican, una idea diferente y eficaz a la energía nuclear. Bajo esa ciudad de Bartertown, hay innumerables cerdos que viven, comen y defecan, y con cuyos residuos los soldados de Turner generan gas metano. En ese momento la película es cuando adquiere una gran categoría, como cuando Mad Max y otros se meten en esa pestilente masa fecal llena de cerdos. Tina Turner vive lejos de esa guarrería, en un cuarto bien acondicionado en el cual existe hasta un trono que está debidamente adornado a su categoría. Cuando Mad Max visita por primera vez el palacio de Turner, nos tenemos que imaginar que así será el mundo futuro que nos tocará vivir algún día. Nos muestran un montón de detalles mezclados, a la gente viviendo apiñada, pero también a personas que cuidan sus trajes y peinados, como si estas criaturas desesperadas sólo pudieran hacer una pausa en su trabajo diario y durante ellas se dedicasen a pelear por la supervivencia o inventar nuevas modas punk.
Además de la ropa, el pelo, la actividad incesante, y la manera en que George Miller se empeña en mostrarnos los mil y un detalles, Bartertown es algo más que un simple decorado metido para contarnos una historia. Contando con una dirección asombrosa y una gran imaginación, el lugar es tan real como lo podría ser cualquier otro mostrado en el cine realista. Eso sin contar con esa escena épica en las arenas de Bartertown donde se celebran las peleas a muerte.

Thunderdome es la idea más original de la película y nos recuerdan las peleas de gladiadores de la antigua Roma, aunque también se asemejan a cualquier torneo de Artes Marciales al K.O. La bestia es ahora un gigante envuelto en un armazón que aún no ha sido nunca derrotado. Cuando hay una pelea, los espectadores se ponen cerca de las alambradas de separación, y miran ansiosos a los luchadores. Pero los combatientes no se limitan a luchar en el suelo del ring, puesto que también colaboran con los peleadores mediante correas elásticas largas, para que puedan brincar desde lo alto para pasar de un lado a otro y hacer todo aún más peligroso y complicado. En Thunderdome todo es como un inmenso ajedrez, pero aunque los peleadores disponen de armas terribles, como patines, puños de hierro, lanzas, trineos, martillos y armaduras, el final contra ese gigante es siempre el mismo: la muerte.
Pero eso era hasta que Mad Max llega para enfrentarse a ese monstruo propiedad de Aunty, y George Miller nos muestra que en realidad está compuesto por dos personas. Blaster es un casco gigante que alberga a un hombre que lleva una máscara de hierro, y Amo es un enano que lo monta como un carro y está de pie entre una armadura de hierro en sus hombros. La lucha entre Mad Max y Amo-Blaster es una de las mayores escenas de acción creadas en el cine.

También hay otras cosas interesantes en “Mad Max, más allá de la cúpula del trueno”. El descenso a la mansión donde viven los cerdos, y la visita a una clase de comunidad hippie regida por jóvenes y niños, y por supuesto la inevitable escena de la persecución final que involucra automóviles, camiones de transporte, explosiones y numerosas peleas. Aunque la película es más infantil que las anteriores y debería haberse suprimido precisamente esas escenas en la ciudad de los niños, el conjunto es muy bueno, aunque no tanto como para que los aficionados estuvieran dispuestos a ver una cuarta entrega, que nunca llegó a realizarse. El filme fue un éxito de taquilla, el mayor de las tres, y debemos destacar también la buena labor de Dean Semler en el montaje y la correcta interpretación de Tina Turner.

ARMA LETAL
Lethal Weapon (1987)

110 minutos

Productor: Richard Donner, Joel Silver Director: Richard Donner
Guión: Shane Black
Fotografía: Stephen Goldblatt
Música: Michael Kamen, Eric Clapton Efectos especiales: Chuck Gasper
Vestuario: Mary Malin

Intérpretes:
MEL GIBSON: Martin Riggs
DANNY GLOVER: Roger Murtaugh GARY BUSEY: Joshua
MITCHELL RYAN: El General
TOM ATKINS: Michael Hunsaker DARLENE LOVE: Trish Murtaugh TRACI WOLFE: Rianne Murtaugh JACKIE SWANSON: Amanda Hunsaker DAMON HINES: Nick Murtaugh

Esta película fue el comienzo de una larga secuela que sorprendió por su éxito a todos. “Arma letal” es otro de esos sucesos inesperados, en los cuales nadie puso un interés especial en el momento de su realización, pero que contó con el apoyo incondicional del público. El argumento es previsible apenas comenzados los primeros minutos de proyección, las escenas de lucha y persecuciones son las habituales, pero, aún así, enganchan inmediatamente y nos obligan a mirar la pantalla y sonreír de satisfacción. El argumento nos muestra a dos policías, aparentemente antagónicos, que deben trabajar como compañeros en la caza de una banda de narcotraficantes de California del sur, algo habitual y que ya hemos visto cientos de veces. La fórmula, por asombroso que nos parezca, funciona casi siempre. Basta con el requisito de contar con unas buenas escenas de acción.

Los policías están interpretados por Danny Glover, como un hombre maduro y curtido, que acaba de celebrar su quincuagésimo cumpleaños, y Mel Gibson, como un loco, un rebelde algo salvaje y mal vestido, que ha desarrollado una conducta suicida como consecuencia de que su esposa se mató en un accidente de automóvil. En el espacio de menos de cuarenta y ocho horas, ellos se convierten en compañeros, comparten una cena familiar, matan a varias personas y sobreviven a unos disparos en el exterior. También pelean con helicópteros y ametralladoras, granadas de mano, saltan por las azoteas de los edificios, secuestran a la hija de Glover y la rescatan, manejan automóviles a través de las paredes, soportan la tortura mediante cables eléctricos, toman cervezas, y reparan el barco de Glover.
La película está herméticamente filmada, como si pusiéramos una venda delante de nuestra cámara de fotos. Richard Donner, el director, es bastante hábil con las escenas de acción, especialmente cuando las balas silban alrededor de la cabeza pelada de Glover. Todos los elementos de esta película se han visto muchas veces en otras películas: las explosiones, las negociaciones para soltar al rehén, y hasta la posibilidad de que el policía bueno siempre acierte con su pistola, mientras los malos no dan una a pesar de disponer de modernas ametralladoras. Bueno, lo de menos es el estilo de la película, sino que entretenga al público y en eso hay que admitir que es difícil aburrirse. Aunque usted haya visto ya cientos de persecuciones en el cine, no habrá visto de todo hasta que no las vea aquí.

Otra parte interesante son los personajes. Glover ha tenido papeles importantes durante varios años, pero esta película le convirtió en una estrella. Su trabajo es proporcionar el centro de la película, mientras que todos los problemas y las peleas giran alrededor de él. Él es un hombre de familia, involucrado ya con su futura jubilación y no tiene ningún interés en arriesgarse ya por nada ni por nadie.
Gibson es el contrapunto perfecto, con su pelo salvaje, su forma de vestir horrorosa, y su miseria emocional. Hay una escena importante en el filme cuando nos muestran que Gibson es un suicida potencial y que por eso no tiene ningún reparo en arriesgar su vida y ni siquiera se ocupa de protegerse adecuadamente. Hay momentos decisivos en su trabajo que demuestran esto, como cuando se encuentra en una azotea con otro suicida y le dice que lo mejor que puede hacer es tirarse de una vez y no dar más problemas a la gente de abajo. No son muy buenos los diálogos en ese momento, pero debemos reconocer que la escena es original y nos muestra que la película nos puede proporcionar no pocas sorpresas.

Los demás actores son igualmente buenos y entre ellos hay que destacar a Gary Busey, un delgado personaje que hace de asesino odioso muy apropiadamente. También Traci Wolfe, como la guapa hija de Glover, quien consigue que Mel la comprenda mejor que su propio padre. Pero lo mejor de todo es el binomio entre Glover y Gibson, y vemos que ambos trabajan fácilmente juntos, como si estuvieran divirtiéndose, aportando su excéntricas personalidades que proporcionan un contrapunto a la gran cantidad de escenas violentas de la película.
Pero también debemos admitir que no es una buena película. En cierto sentido, una película como “Arma letal” no es un documento sobre la violencia. Nos habla sobre las carreras, las persecuciones y la coreografía de cuerpos y armas moviéndose. En otras películas, las personas están de pie y disparan a sus rivales, ellos también, mientras nosotros estamos aburridos. En una película con tanta energía como esta, nos alegramos por la gran libertad de movimiento que tienen los protagonistas. La violencia alcanza entonces matices surrealistas y es menos importante en el contexto general que en otras similares.

Premios:

Nominada al mejor sonido 1987: Les Fresholtz, Dick Alexander, Vern Poore, Bill Nelson

CONEXIÓN TEQUILA Tequila Sunrise (1988)

116 minutos

Productor: Thom Mount Director: Robert Towne Guión: Robert Towne Fotografía: Conrad Hall

Intérpretes:
MEL GIBSON: Dale McKussic
KURT RUSSEL: Nick Frescia
MICHELLE PFEIFFER: Jo Ann Vallenari RAUL JULIA: Escalante
J.T. WALSH: Maguire
ARLISS HOWARD: Gregg Lindroff ANN MAGNUSON: Shaleen

En la mente de Robert Towne debe haber muchas fisuras, muchos senderos ocultos para las mismas conclusiones. Antes de resolver un problema él debe cavilar primero, analizar las posibilidades, y proyectar todo el desenlace en la pantalla de su imaginación. Yo dudo que él sea el tipo de persona que usted habría escogido como amigo.
En las películas, las situaciones vuelven y se tuercen sobre sí mismas. Nada es como parece. Ningún personaje puede tomarse como una referencia para la realidad. Nosotros aprendemos más sobre los personajes cuando ellos no están en la pantalla que cuando los vemos allí. Y al mismo tiempo, cuando nosotros pensamos que hemos conseguido todo bien encajado, él tira otro conejo fuera de su sombrero, y con su exhibición nos demuestra que nunca podemos confiar en un mago.

Su obra anterior más famosa es el guión para “Chinatown”, una película tan laberíntica que es difícil explicar cabalmente qué ha sucedido allí, razonamiento que hemos vuelto a sacar después de haber visto “Conexión Tequila”. Escrita y dirigida por Towne, contiene tantos desarrollos equivocados en su argumento que a veces nosotros nos extrañamos sobre lo que estamos viendo en la pantalla, porque todavía tratamos de deducir qué es aquello que la escena anterior quiso mostrarnos.
El actor Mel Gibson como Dale McKussic, es el negociante más guapo de droga que usted haya podido conocer. Él vive sobre la playa con un hijo joven que adora, y lo que más teme en la vida es que pueda perder la custodia del niño a favor de su ex-esposa. ¿Por qué perderá la custodia? ¿ Por qué él es un negociante de droga?. No hay ninguna explicación, porque sabemos que no es un drogadicto, y su esposa le abandonó porque no tenía trabajo ni dinero. Unicamente en el Sur de California usted puede perder la custodia de un hijo si le pillan vendiendo droga.
Pero no importa. McKussic parece haber sobrevivido con una larga carrera como distribuidor de narcóticos sin hacerse ningún daño psíquico permanente a sí mismo. No es agresivo, no es un chulo, ni es un depravado fuera del mundo de las drogas, y cuando cae en el amor por una mujer se convierte en un hombre tierno. La pregunta central en la película, sin embargo, es si ha dejado realmente su pasado detrás.
Su mejor compinche y su peor enemigo no piensa eso. Este es Nick Frescia (Kurt Russell), la cabeza del clan de la droga que anteriormente había trabajado juntamente con McKussic. Frescia conoce mediante un agente federal (J.T. Walsh) que un embarque enorme de droga llega al pueblo, personalmente escoltado por el jefe mexicano de la droga Escalante (Raul Julia). Escalante y McKussic han sido amigos íntimos desde hace años. ¿Tratará McKussic de lograr con ello un gran negocio?.
La tensión personal y profesional entre los dos compinches viejos se complica porque ambos están enamorados de la misma mujer, Jo Ann Vallenari (Michelle Pfeiffer), quien suele ir al restaurante Italiano donde ellos comen y beben.
El triángulo más intrigante en la película comprende, no el mundo de la droga, sino este asunto amoroso romántico que involucra a tres personas que viven con la mirada puesta en tres direcciones distintas. Jo Ann, como amiga de ambos hombres, ¿A quién escogerá? ¿El hombre honrado que parece falso? ¿O el forajido que es sumamente sincero?.

Cuando nosotros descendemos en las profundidades algo lóbregas del guión de Towne, estas y otras preguntas nos pueden confundir.“Conexión Tequila” teje una tela enredada, y hay veces que nosotros no estamos seguros cuándo suceden, o por qué. Hay momentos en que la cronología en sí misma parece confusa, cuando los personajes parecen saber cosas que aparentemente no deberían saber, especialmente cuando llegan a lugares que no deberían reconocer, puesto que nunca estuvieron allí.
Towne es un escritor de gran talento, y ha creado algunas personas interesantes aquí. El personaje de Gibson es especialmente intrigante porque presenta algún misterio, pero al final de la película, nosotros no estamos bastantes seguros si había participado realmente en el negocio de la droga, o no. Pero hay veces, cuando la película empieza a ser complicada, en que asistimos a escenas que nos dejan perplejos, cuando los elementos adicionales que se incluyen, no tienen nada que ver con el conjunto.
Y la sorpresa central en la película es una gran revelación final tan asombrosa que aturde a todo el mundo; es tan inverosímil que usted comienza a rascarse la cabeza. “Conexión Tequila” es una película de intriga con personajes interesantes, pero podría haber resultado mejor si hubiese encontrado una línea narrativa más sencilla desde el comienzo al final. Es duro admitir que el guionista ha logrado juguetear con el espectador.

Su compañera de reparto: Michael Pfeiffer

Nació: el 29 de abril de 1958.
Lugar de nacimiento: Orange County, Santa Ana, California
Signo Astrológico: Tauro
Educación: Escuela superior de Fountain Valley, California; Golden West College, California; Whitley College, California.
Relaciones: Su esposo, David Kelley; su ex–esposo, Peter Horton; sus hijos, Claudia Rosa, John Henry.

Michelle Pfeiffer nació el 29 de abril de 1958 en Santa Ana, California. Su padre, Dick, era un contratista de aire acondicionado y calefacción, y su madre, Donna, un ama de casa. Michelle es la segunda de cuatro hijos, tiene un hermano mayor, Rick y dos hermanas más jóvenes, Dedee y Lori.
Esta clásica y hermosa rubia cuya llamativa apariencia, elegancia y gran talento la han convertido en una de las actrices mejor consideradas de Hollywood, es casi siempre en un valor seguro en la taquilla.
Pfeiffer comenzó a trabajar en el cine en 1980 y su primer papel importante, o al menos en el cual consiguió llamar la atención, por su desenfado alejado de toda lujuria, fue en “Grease” 2 (1982). Después consiguió alcanzar mejores peldaños en la escalera de la fama al trabajar junto a actrices famosas en “Las Brujas de Eastwick” (1987), con Cher, Jack Nicholson y Susan Sarandon, y “Las amistades Peligrosas” (1988), donde hacía de una estricta esposa que se vuelve una amante apasionada.
Pfeiffer se consolidó como una buena estrella para críticos y público con su papel como la chica que canta en un centro nocturno, en el que también están los hermanos Beau y Jeff de Bridges, en “Los fabulosos Baker Boys” (1989).
Un año después, se convirtió en una editora de Moscú que está implicada en un caso de espionaje con Sean Connery en “La Casa Rusia” (1990).
Su trabajo chasqueando el látigo, pateando y boxeando como Catwoman en “Batman vuelve” le aportó ese tirón que necesitaba como mujer atractiva y sexy. También recibió una gran ovación de la crítica el año anterior por su interpretación como una chica que siente admiración por Jacqueline Kennedy en “Love Field”.
Quizá uno de los papeles de Pfeiffer más profundos fue el de Condesa Olenska en el drama de época de Martin Scorsese, “La Edad de la Inocencia” (1993), interpretando a la seductora mujer casada y resentida por haber sido despreciada por la clase social superior de Nueva York, aunque es adorada apasionadamente por Daniel Day Lewis. Después hay quien opina que estuvo bastante menos acertada cuando se enamoró de un hombre lobo, interpretado por Jack Nicholson,en la desigual “Lobo” (1994), un filme irregular con un amor pasional poco creíble.
Pfeiffer demostró su coraje y valor al golpear a delincuentes en “Mentes Peligrosas” (1995), un buen logrado drama sobre la integración de las minorías en la sociedad, basado en el libro de Lou Anne Johnson “My Posse Don't Do Homework “. Su presencia refinada llena de glamour, una banda sonora de gran efecto y un complicado pero legible manuscrito, ayudaron al triunfo en esta historia de una marine que se convierte en la profesora de una escuela para alumnos rebeldes y violentos.
También está correcta al lado de la gran estrella Robert Redford en “Intimo y Personal” (1996), una versión ficticia y libre sobre la vida de la locutora de televisión Savitch.

ARMA LETAL II
Lethal weapon 2 (1989)

113 minutos

Productor: Richard Donner, Joel Silver, Steve Perry Director: Richard Donner
Guión: Jeffrey Boam
Basada en la historia de: Shane Black y Warren Murphy Fotografía: Stephen Goldblatt
Música: Michael Kamen, Eric Clapton Sonido: George Harrison
Maquillaje: Scott Eddo
Vestuario: Barry Delaney

Intérpretes:
MEL GIBSON: Martin Riggs
DANNY GLOVER: Roger Murtaugh JOE PESCI: Leo Getz
JOSS ACKLAND: Arjen Rudd DERRIT O'CONNOR: Pieter Vorstedt

Los héroes son una vez más un par de policías que forman una pareja increíble: Riggs (Mel Gibson), que vive en un remolque en la playa y se deleita haciendo que las personas piensen que está loco, y Murtaugh (Danny Glover), un hombre de familia de clase media que sigue pensando exclusivamente en sus planes de jubilación.
En la primera entrega de “Arma letal”, la relación entre ambos era el centro de la historia, y en esta continuación ellos definen esa relación como un acto equilibrando mezcla de la exasperación y la confianza.
Pero las continuaciones a veces no logran repetir las mismas escenas y situaciones que hicieron triunfar a la primera película. Ahora trata de aportar nuevos matices a las personalidades de estos extravagantes policías, aunque sea a costa de mostrarlos como unos bravucones. También se incorporan nuevos villanos, más malvados que Al Capone, y en ellos sí vemos una gran imaginación en los guionistas, aunque se apartan totalmente de cualquier situación real o creíble. Afortunadamente, los actores encargados de interpretar a la nueva pandilla de maleantes lo hacen francamente bien.

En esta ocasión, nuestros amigos Riggs y Murtaugh tropiezan con una trama compleja, aunque nunca nos llegan a explicar realmente por qué los diplomáticos africanos están repartiendo ilegalmente oro y otro tipo de contrabando. Sabemos que su plan es incierto, pero como ellos son crueles en su ejecución, seguramente conseguirán su propósito. Joss Ackland es el embajador de cabellos blancos con ojos de acero, y Derrit O'Connor como su conciencia. Riggs y Murtaugh vuelven a recrear a los mismos personajes anteriores empleando el mismo esquema, pero su anterior experiencia les ayuda mucho a hacerlo más sólido y creíble.
También está un tal Leo (Joe Pesci), un contable que ha conseguido manejar de una manera segura las inmensas cantidades de dinero que proceden de la droga: casi mil millones dólares. Y como es muy hábil, encuentra una manera de usar esas ganancias para obtener deducciones de impuestos por estos ingresos ilegales.

Pronto ya tenemos expuesta y clarificada la esencia de la historia, puesto que sabemos que hay un testigo vital para descubrir esa trama y que los agentes del gobierno deben protegerlo para que pueda testificar. Lo mismo que en otras películas, pero ahora los policías son tan atrevidos que en lugar de protegerlo lo arrastran a peligros sin fin. El resto del filme trata de buscar maneras para evitar que maten al testigo y, simultáneamente, proporcionar mucha diversión a los espectadores.
Situaciones desafortunadas, o cuando menos forzadas, hay muchas, por ejemplo, cuando Murtaugh se encuentra sentado en un retrete (haciendo lo que es habitual) y descubre que si él se pone de pie, explotará una bomba. También hay una extraña llamada cuando el remolque de Riggs es atacado por cañones montados en un helicóptero y varias escenas de persecuciones asombrosas que logran entusiasmar a los aficionados y que contribuyeron a entretener con éxito a los millones de espectadores que disfrutan con esas escenas tan rápidas y delirantes.

Premios:

Nominada a los mejores Efectos Sonoros: Robert Henderson, Alan Robert Murray

AIR AMÉRICA (1990)

112 minutos

Basada en la historia de: Christopher Robbins Director: Roger Spottiswoode

Intérpretes:
MEL GIBSON: Ryan
ROBERT DOWNEY JR. NANCY TRAVIS
DAVID MARSHALL GRANT LANE SMITH
ART LA FLEUR
TIM THOMERSON

Los pilotos Mel y Robert son parte de la C.I.A. y deben averiguar quién pasa contrabando a Laos durante la Guerra de Vietnam. Ellos no son muy hábiles y es difícil encontrar a alguien más torpe para poder llevar con éxito esa misión.
Esta película, encuadrada con problemas en el género de comedia de acción, tiene muchas escenas de risa y bastantes de acción, aunque ninguna de ellas grandiosa. Ni siquiera la jactancia habitual y atractiva de Gibson logra que nos interesemos por la historia.

La película es cómicamente incongruente pero a su manera también es dramática, especialmente cuando nos muestran que los protagonistas tienen pocas posibilidades de salir bien parados. “Air América”, de 1990, resultó ser un fracaso en taquilla y algo defraudante para los aficionados, aunque la culpa no la tuvo Mel Gibson personalmente. Sabemos que recibió 7 millones de dólares por su trabajo y que también aprendió a volar en avión. Por ese altísimo presupuesto nos defrauda aún más.
El rodaje comprendió cinco meses en Thailandia y el montaje del sonido se hizo en Londres.
“ Air America” nos trata de explicar con todo detalle ese negocio habitual del tráfico de armas y drogas que todo el mundo dice que es normal en Laos, al menos en la época que nos muestran, 1969, y parece ser que contaba con el apoyo tácito de la CIA y el Ejército de los EE.UU.
Gibson interpreta a Ryack, un piloto de transporte para la compañía Aérea Americana (el mismo nombre del título), quién está esperando un nuevo cargamento que le proporcionará unos cuantos dólares. Si todo sale bien, pronto se hará millonario y podrá retirarse con su esposa y los dos niños. Las cosas se complican cuando tiene que tomar la responsabilidad de llevar un nuevo compañero (Robert Downey Jr.). Su colaboración en este trabajo queda también complicada cuando aparece una guapa mujer para ayudarles (Nancy Travis), quién está intentando ayudar a los refugiados atrapados en medio de ambos lados.

La película está adaptada de un libro escrito por el periodista británico Christopher Robbins, una historia basada en una larga investigación personal y no un cuento de ficción. Curiosamente, en “Air America” el funcionamiento es similar a “Arma Letal”, cuando Hunsaker, el padre de la muchacha asesinada, está explicando a Murtaugh cómo se involucró con el General McAllister y su comercio de drogas. “Yo terminé trabajando con un grupo llamado Air America. Era un frente de la CIA, dice Hunsaker. Ellos fueron los responsables de la guerra fuera de Laos”. Luego sigue explicando que existen unas compañías secretas y que disponen de una lista de fuentes en Asia para los embarques de heroína.
Toda esta carrera sobre antiguos agentes de la CIA, soldados, mercenarios y los grandes negocios que mueven la droga, intrigaron a Mel Gibson, así como el hecho, como luego explicaría, que era un aspecto de la Guerra de Vietnam sobre el que la mayoría de los americanos no sabían nada.

“Con ‘Air America’ nosotr os presentamos la verdad sobre la guerra y el negocio que inseparablemente va unido a ella. Ahora sabemos que muchas personas se han hecho ricas y siempre son personas que deberían estar en la cárcel”.

“Se trataba de hacer, pues, una película con mensaj e, aunque no todo el mundo nos iba a creer, ni deberían tomarnos al pie de la letra lo que les contamos. La película se basa en un hecho real y por eso la consideramos como un mensaje, más que un documento de denuncia. Nos interesa llegar a los comentaristas políticos, a los que escriben en ambos bandos, y desearíamos que escribieran las cosas reales, sin mentiras. La historia hay que contarla con veracidad”.

Hay algunos momentos interesantes en especial. Como en la caracterización de la senadora (Lane Smith), quien es enviada para inspeccionar el funcionamiento en Laos. La película está intentando jugar con dos barajas. En una mano pretende criticar el funcionamiento ilícito, pero en la otra, ridiculiza al investigador de ese comercio corrupto. La confusión que se percibe en la película nos lleva a que la veamos como una comedia negra o una película de acción divertida, cuando en realidad sabemos que quisieron hacer una historia sobre una denuncia. Probablemente el argumento original, que no hemos leído, era mejor que este guión adaptado, pero no podemos juzgarlo. Parece ser que llevaba planificándose desde 1978, y el guión se había vuelto a escribir tres veces. Durante los siguientes años tres directores diferentes: Richard Rush, Bob Rafelson, y finalmente Roger Spottiswoode (quizá el más adecuado, porque había hecho en 1984 la película política “Bajo el fuego” en la cual hablaba sobre la política americana en Nicaragua), se hicieron cargo del filme. Finalmente, la película se narró de manera similar a esa serie de televisión titulada M.A.S.H. (1970), con similares personajes anárquicos y estrafalarios y mezclando eso con retazos de una comedia sentimental.

Como es su costumbre, Gibson intentó inyectar un poco más de humor en la película de manera consciente.

“Yo pensé que podría ser mejor que contáramos la historia de manera desenfadada, evitando un dramatismo exagerado. Sin embargo, no era suficiente con aportar humor en una película de acción para que triunfe económicamente y mucho menos para conseguir la aprobación de los críticos”.

DOS PÁJAROS A TIRO Bird on a Wire (1990)

110 minutos Super 35

Productor: Rob Cohen
Director: John Badham
Guión: Eric Lerner, Louis Venosta, David Seltzer

Intérpretes:
MEL GIBSON: Rick Jarmin
GOLDIE HAWN: Marianne Graves DAVID CARRADINE: Eugene Sorenson BILL DUKE: Albert Diggs
STEPHEN TOBOLOWSKY: Joe Weyburn HARRY CAESAR: Marvin
JEFF COREY: Lou Baird

Cualquier parecido entre esta película y algunas otras del mago Alfred Hitchcock es pura coincidencia, aunque percibimos que a los realizadores les gustaba en especial este experto en cine de suspense. Pero el espectador encontrará muchas, demasiadas, similitudes con un cine que en otro tiempo tuvo gran éxito. Lo habitual es poner a la pareja de protagonistas, dos ciudadanos aparentemente normales e inofensivos, en una situación límite, peligrosa y sumamente pintoresca. Pero eso que en el cine antiguo daba un resultado extraordinario, mucho más cuando estaba bien dirigido, puede que no resulte en manos de otro director, como es el caso de John Badham con “Dos pájaros a tiro”.

Mel Gibson interpreta adecuadamente esta película en su eterno papel de héroe amable, bueno, complaciente y guapo, pero que sabe ponerse duro cuando las circunstancias lo requieren. En las primeras escenas nos lo muestran trabajando en una estación de gasolina en Detroit, y enseguida nos damos cuenta que es el último eslabón en esa empresa, más que nada desde que se unió al Programa de Protección de Testigos Federales. Después nos cuentan que hace quince años testificó contra un traficante de drogas del gobierno, y sus compinches están buscándole desde entonces.
En su solitaria vida hay también espacio para el amor en la persona de Goldie Hawn, quien trabaja como una experta abogada en Nueva York. Ella llega a esa estación por accidente, reconoce a nuestro héroe, y no le cree cuando Rick dice que no la había visto anteriormente. Pero ella recuerda que tiempo atrás, una noche tenebrosa, tuvo que salvar a Gibson (Rick) de ser asesinado por los tipos que le están buscando. Con unas pocas explicaciones pronto sabemos que hace quince años ambos eran amantes, hasta Gibson de repente desapareció, y ahora ella ya sabe por qué.

La idea central parece sencilla pero sólida, pero pronto deja de ser creíble, especialmente cuando vemos una persecución de automóviles donde Hawn conduce el vehículo mientras Gibson trata de mantener apretado el acelerador con su mano. Los realizadores consiguieron transformar una persecución bien lograda en una payasada más propia de una película cómica intrascendente.
La película en ese momento se sale de su carril y se transforma en una estúpida comedia con muchas escenas pretendidamente tensas y dinámicas. Uno de los mayores errores y no forzosamente el peor, es cuando vemos a nuestra pareja de enamorados al borde de la crisis, tratando de llamar al FBI pidiendo ayuda, justo cuando el espectador empieza ya a sospechar que hay alguien infiltrado en esa oficina federal. Cuando les piden su dirección no tienen ninguna duda y sin sospechar se quedan esperando a que les envíen a los Harrelson en persona. Pero está claro que los asesinos han estado recibiendo cotidianamente información sobre Rick y que solamente esperan la confirmación para liquidarle.

Por todo ello, la película hay que verla exclusivamente por sus actores, Gibson y Hawn, siempre atractivos y eficaces, puesto que en este caso son los que consiguen que esta comedia desafortunada no zozobre inmediatamente. Bueno, lo que tampoco acabamos de creernos es que Marianne (Goldie Hawn) pueda ser una abogada poderosa, dinámica y eficaz.
Estas sospechas quedan confirmadas cuando la vemos hablando sobre la necesidad de llamar a su oficina para conseguir dinero y ayuda. Después deja su máscara de abogada eficiente y se nos convierte en la más torpe de las víctimas, aunque afortunadamente está a su lado nuestro hombre listo que la pondrá a cubierto, entre beso y beso. La escena final se realiza en un zoo, justo para dar un poco de emoción a tantos animales aburridos como allí están, hartos de aguantar las bromas de los visitantes. Cuando llegan Gibson y Hawn se ponen contentos, aunque nerviosos, especialmente los cocodrilos y las serpientes. Como si se tratara de unos actores candidatos al Oscar, las cámaras filman con gran precisión la naturalidad y espontaneidad de los animales, quienes roban todo el protagonismo a nuestra pareja. El guionista no dudó en poner a nuestros héroes al borde del peligro empleando el tradicional puente de cuerda a punto de romperse, mientras abajo les esperan para cenar una familia de cocodrilos. No tienen muchas salidas, puesto que allí cerca están los malvados con sus ametralladoras.
Afortunadamente el cine nos tiene acostumbrados a que los tipos malos sean torpes, y cuando les vemos disparando miles de balas sabemos que ninguna de ellas matará a nuestros héroes, puesto que tienen que seguir vivos para darse el beso final. En una comedia, ya lo sabemos, los protagonistas nunca pueden morir.
Otro de los fallos de la película estriba en el montaje o en la situación de las cámaras. Todo está tan confuso que nunca sabemos dónde están situados los buenos con respecto a los malos. Lo único que deducimos es que el peligro no ha pasado y que está al acecho. Todavía hoy no sabemos dónde radicaba la habilidad de los grandes realizadores del cine de suspense, pero debieron guardar muy bien sus secretos porque no hay manera de imitarles, ni siquiera mediocremente. Mel Gibson podría ser Cary Grant y Goldie Hawn quizá pasase por Doris Day, pero el director John Badham con toda seguridad no podría emular a Hitchcock. No basta con poner a los protagonistas al borde de situaciones exóticas, ni proporcionar muchas persecuciones adornadas con ironía y dosis de humor, para que todo salga bien.

HAMLET (1990)

135 minutos

Productor: Lovell Dyson
Director: Franco Zeffirelli
Guión: Franco Zeffirelli, Christopher DeVore Basado en la obra de: William Shakespeare Fotografía: David Watkin
Música: Ennio Morricone
Vestuario: Maurizio Millenotti

Intérpretes:
MEL GIBSON: Hamlet
GLENN CLOSE: Gertrude
ALAN BATES: Rey Claudius
PAUL SCOFIELD: El fantasma IAN HOLM: Polonius
HELENA BONHAM CARTER: Ofelia STEPHEN DILLANE: Horacio
NATHANIEL PARKER: Laertes Meterse en camisa de once varas, como es el caso de este “Hamlet” de Franco Zeffirelli, es tan arriesgado que no entendemos las razones para ello. Mel Gibson en el papel principal, es uno de esos actores que han sentido la necesidad de demostrar que son capaces de interpretar a los clásicos de la literatura. Aunque en apariencia su físico no es el más adecuado, una vez caracterizado entra perfectamente en la historia.
Gibson no interpreta un Hamlet tradicional, un danés melancólico acechando en las sombras y lamentando su destino. Pronto el director nos indica, sin lugar a dudas, que no vamos a ver una versión de Hamlet tradicional y mucho menos una obra de teatro adaptada al cine.
Nos cuentan que a Hamlet se le trastocó su vida cuando su padre murió y su madre se casó rápida y sospechosamente con su tío. Hasta ahora era un príncipe que vivía una vida saludable y feliz, y podría haber sido larga y fructífera si las cosas no hubieran cambiado tan radicalmente.

La idea de cambiar drásticamente el argumento original se debe esencialmente a Zeffirelli, quien ya nos había obsequiado con una nueva versión del popular “Romeo y Julieta”, un tema en el cual unos jóvenes ven alterada dramáticamente sus vidas, justo en un momento en el cual su romance estaba a la máxima temperatura.
El problema también podría estar en el propio Gibson, un actor que suele aportar una enorme cara burlona y gran sentido del humor, incluso en escenas profundamente dramáticas. Por eso en cada escena nos esperábamos verle sonreír para desviar con un chiste ese momento tenso y dramático. En lugar de ello, se nos convierte en un sufridor en el cual aparece distorsiones de la personalidad con matices de autocompasión y masoquismo malhumorado. Gibson, nos proporciona un Hamlet intenso, pero que le pesa como una enorme losa.

Zeffirelli rueda la película en un castillo espectacular situado en la costa norteña de Escocia, justo encima de una piedra rodeada por el mar. Alrededor hay barro, lluvia y con personajes que llevan ropas muy pesadas. La historia, no obstante, no nos muestra demasiado los exteriores y se concentra en los protagonistas y en los extras, aunque hay numerosos detalles en el argumento que no estaban en la historia original de Shakespeare. El guión fue escrito junto con Zeffirelli y Christopher De Vore, tomándose ambos la libertad de alterar el Hamlet auténtico, cambiando algunos diálogos y agregando palabras para crear escenas que no existen en el original.
La escena con los personajes principales delante del ataúd dejan el problema central de Hamlet absolutamente claro y fortalece todo lo demás. Prepara no sólo la angustia de Hamlet, sino también la atracción real entre su madre y su tío que se ven en esta versión algo menos sexual y más política.

Los protagonistas son actores de gran prestigio, aunque no necesariamente de ascendencia y maneras británicas. Alan Bates, es Claudius; Ian Holm, como Polonius, y Paul Scofield, como el fantasma del padre de Hamlet. Holm es especialmente eficaz cuando realiza su discurso sobre el ego, y nos recuerda anteriores trabajos en el cine muy logrados. También está correcto Bates como un hombre de acción que tendrá lo que él desea y no el fastidio, como ocurre con Hamlet.
Las mujeres de la película, Glenn Close, como Gertrude, y Helena Bonham Carter, como Ofelia, también están adecuadas, aunque a Close le falta un poco más de pasión como madre. Ella ama a su hijo y le cuida, pero es una esposa infiel con poca memoria. Su comportamiento nos indica que ha amado a su hijo demasiado estrechamente, con demasiada pasión, creando sentimientos incestuosos ocultos que condicionan todo su comportamiento. Pronto nos preguntamos las razones para que se haya vuelto a casar con tanta prisa, aunque lo más aparente es que ha sido por el vacío de poder del reino. Su actitud es sensata, y de hecho todos en esta versión parecen bastante normales.

Como actriz secundaria, Bonham Carter es una pequeña y guapa actriz que está muy eficaz en mostrarnos lo que ve en su interior. Como Ofelia, tiene un papel más difícil que los demás, porque su personaje hostil no parece tener ninguna relación extensa con los otros personajes, por lo que debe convertirse en una solitaria.
Horacio (Stephen Dillane), no está satisfecho con el estado de las cosas en el reino, pero logra ser un buen compañero para Gibson. Como todo lleva a la escena final de la lucha con espadas, con el resultado que ya sabemos, la película transcurre tal y como los aficionados desean.
Como espectadores experimentados, sabemos que nada en una película está puesto al azar y es fácil deducir que esta nueva versión de Hamlet es un intento de Zeffirelli por popularizar uno de los clásicos más famosos, o al menos aclarar de manera sencilla algunas de las interrogantes que plantea la novela.

Lo curioso, o al menos esa es nuestra opinión, es que la actuación de Mel Gibson no es la mejor de todas, aunque estoy seguro que sorprenderá a todos con su fuerza y seguridad. Podemos percibir que no ha sido intimidado por Shakespeare, no ha entrado en una trampa cinematográfica demasiado solemnemente y que se encontraba tranquilo en su papel. Se muestra especialmente eficaz en las primeras escenas de su personaje, cuando todavía no está lleno de problemas, y comienza posteriormente a dramatizar permitiendo que cada matiz salga solamente en su momento justo. En conclusión, su actuación es fuerte, inteligente y llena de vida, aunque se percibe que no se encuentra en su mejor elemento.

Premios:
Nominada a la mejor dirección artística 1990: Dante Ferretti, Francesca Lo Schiavo Nominada al mejor vestuario 1990: Maurizio Millenotti

Su compañera de reparto: Glenn Close

Profesión: Actriz
Fecha de Nacimiento: 19 de marzo de 1947
Educación: Rosemary Hall, Greenwich, CT; College de William y Mary, Williamsburg, VA (antropología)

Esta mujer rubia, aclamada por la crítica, de carácter fuerte y aspecto fríamente aristocrático, comenzó su carrera en 1974 con la Compañía de Teatro Fénix de Nueva York y su carrera en el cine cuando el director George Roy Hill la observó en el musical Broadway Barnum y la contrató para “El mundo según Garp” en 1982.
Ella tiene establecida desde hace algunos años su presencia habitual en las películas de Hollywood, como una mujer que hace papeles de dama de fuerte carácter. La hemos visto como la esposa del médico cálidamente sabio Kevin Kline en “Reencuentro” (1983); como el abogado románticamente enredoso en el thriller, “Al filo de la sospecha” (1985); y como la amante rechazada y vengativa en la discutible película de Adrian Lyne “Atracción fatal” (1987).
También demostró su versatilidad haciendo otro monstruo de la manipulación sexual en “Amistades peligrosas” (1988) y ha hecho de una matrona dentro de una sociedad vana y patética en el filme de Barbet Schroeder”El misterio Von Bulow” (1990), sorprendentemente simpático.

Además de haber sido cinco veces nominada al Oscar, Close ha recibido un premio Tony otorgado por sus papeles dramáticos en las obras teatrales de Tom Stoppard “La verdad” (1984) y “La muerte y la doncella” de Ariel Dorfman (1992). Su mejor interpretación para ellamisma ha sido como Norma Desmond en la obra de Andrew Lloyd Webber “El crepúsculo de los dioses” (1995). Close logró afianzar su condición de diva cuando reencarnó la trágica vida del personaje anteriormente creado por la memorable Gloria Swanson en el clásico de Billy Wilder de 1950.
En ese mismo año, Close ganó un Emmy por su fuerte interpretación como el Coronel Magarethe Cammermeyer, quien pleiteó con los mandos militares al ser despedido por admitir su homosexualidad. “La historia de Margarethe Cammermeyer”, fue un telefilme para la NBC que ella también co-produjo con Barbra Streisand.
Close también recibió nominaciones al Emmy por diversas películas para la televisión, Como “Algo sobre Amelia” (1984) y “Sarah” (1991), así como un reconocimiento por su larga carrera cinematográfica salpicada de éxitos. Close ha sido co-estrella con Christopher Trek en una producción para la televisión que triunfó durante dos años, titulada “Skylark” (1993).

Premios:
Nominada como mejor actriz secundaria 1982: El mundo según Garp Nominada como mejor actriz secundaria 1983: Reencuentro Nominada en 1984: El mejor
Nominada como mejor actriz 1987: Atracción fatal
Nominada como mejor actriz 1988: Las amistades peligrosas

ETERNAMENTE JOVEN Forever Young (1992)
Warner Bros.
102 minutos

Productor: Bruce Davey Director: Steve Miner Guión: Jeffrey Abrams Fotografía: Russell Boyd Música: Jerry Goldsmith

Intérpretes:
MEL GIBSON: Daniel
JAMIE LEE CURTIS: Claire ELIJAH WOOD: Nat
ISABEL GLASSER: Helen GEORGE WENDT: Harry JOE MORTON: Cameron

Mel Gibson es un piloto de pruebas en el año 1939. Es uno de los mejores de su promoción y por eso es el instructor de los nuevos pilotos de los B-25. Su vida transcurre plácida, sin sobresaltos y en compañía de su mujer Helen logra alcanzar casi la plena felicidad. Súbitamente ella tiene un accidente y muere, quedándose Daniel en una desolación total, sin deseos de vivir.
En ese momento su amigo, el científico Harty, le propone ser el conejillo de indias para un nuevo experimento relacionado con la hibernación. Si todo sale bien, Daniel dormirá muchos años, olvidará su pasado, y renacerá en el año 1992.
Pronto es sumergido en esa máquina y congelado, donde permanece más de 50 años, hasta que es despertado accidentalmente por dos hermanos pequeños que juegan en un almacén militar donde está depositada la cápsula. En ese momento el argumento queda sin resolver, puesto que no sabemos por qué la cápsula está allí, por qué no ha sido abierta con anterioridad y por qué unos simples muchachos han sido capaces de hacer algo que nadie antes logró: reactivar a Daniel.
Gibson sale de su ataúd helado y sin comprender nada es llevado por los chicos a su casa, donde le espera una guapa chica llamada Claire (Jamie Lee Curtis). Como es lógico, Daniel llega al corazón de ella mediante el simple acto de hacer amistad con su pequeño hijo, especialmente cuando le enseña cómo se puede pilotar los viejos bombarderos de las Fuerzas Aéreas.

Según Gibson, el argumento le atrajo fuertemente desde los comienzos, especialmente por el tono nostálgico y romántico de la historia, debidamente adornado con un oportuno sentido del humor por el choque entre las distintas generaciones. El final es tan predecible que casi resulta pueril contarlo, pero lógicamente Mel besa a la chica guapa, aunque también ocurren otras cosas un poco más tristes cuando Daniel envejece.
El argumento, sencillo, pero correcto, es obra de Jeffrey Abrahams, a quien conocemos por “A propósito de Henry” y los productores tenían claro que no la rodarían si Mel no participaba como protagonista.

Uno de los jóvenes es Elijah Wood, a quien le recordamos por “Radio Flyer” (1992), donde se construyó un avión rudimentario y salió volando por el cielo para escaparse de las palizas de su padrastro. En esta película, Gibson toma cariño a este joven, y le enseña cómo volar un viejo bombardero de las fuerzas aéreas, empleando para ello trozos de cartón y pedazos de mdera.
Toda la historia nos lleva a un clímax extraño, difícil de aclarar, en donde una persona tiene miedo de realizar preguntas obvias, pero que pueden conmocionar a otra persona. Pero no importa, puesto que la fuerza del amor es tanta que traspasa la frontera del tiempo y logra que dos personas pertenecientes a diversas épocas se enamoren.
Es una idea original pero que el cine ha mostrado repetidas veces de diferentes maneras. “Eternamente joven” no es la mejor de todas, ni la más original, aunque la historia está correcta y logra emocionar sin problemas.
Mel Gibson y Jamie Lee Curtis tienen juntos algunas escenas de dulzura, no demasiadas y creemos que Gibson está particularmente acertado cuando encuentra su equilibrio entre la inocencia y la travesura, no defraudando a sus entusiastas que esperan una escena sensual de su ídolo.

Un problema principal, y por la cual no funcionó muy bien en taquilla, es que no sabemos a qué tipo de público va dirigida. Si miramos a los niños protagonistas, con sus juegos iniciales, podríamos pensar que es una película familiar con niños y para los niños. Pero luego, cuando nos ponen a ese espíritu del pasado en nuestra época, vemos su drama interno. Y es que el problema de esta confusión es el modo en que arranca la película, con los niños jugando y entrando donde no deben. Cuando esos chicos encuentran un cadáver helado en un almacén y deciden llevarlo a casa la historia parece concluida, aunque luego vemos que también aparece una mamá hermosa que quiere que su casa esté limpia, y un señor extraño que enseña al niño la historia de los bombarderos de la pasada Guerra Mundial.
La historia de amor, lo que parecía que iba a ser el eje del filme, es superficial aunque conmovedora, llevándonos poco a poco a un clímax nuevo. Los muchachos de la historia contienen elementos similares a E.T. puesto que también esconden inicialmente su descubrimiento, aunque poco a poco los adultos les quitan el protagonismo.

La película parece dividida en dos partes, o al menos en dos historias diferentes. Cuando se mezclan ambas le falta ritmo y las emociones nos las reservamos para las escenas finales. El clímax creado para que poco a poco vayamos entendiendo el rompecabezas, se desvanece y en su lugar nos muestran una fábula de ciencia-ficción con un hombre puesto en un tiempo que no es el suyo, y que envejece rápidamente. “Eternamente joven”, como casi todas las películas sobre máquinas del tiempo, nos quieren mostrar las paradojas mediante notas cómicas, aunque nunca supimos la razón para no mostrarlas con seriedad. Y una vez más, nos hacemos la pregunta sobre qué hubiéramos hecho nosotros si nos despertáramos cincuenta años en el futuro y nos pusieran delante a una mujer tan guapa como Jamie Lee Curtis. Si fuéramos tan guapos como Mel Gibson la respuesta es fácil, pero ¿y si no es así?.

Su compañera de reparto: Jamie Lee Curtis

Fecha y lugar de nacimiento: 22 de noviembre de 1958, Los Angeles, California Estudios: Universidad del Pacífico, Stockton California (leyes y drama)

Esta larguirucha estrella del cine, sumamente eficaz, es hija de las estrellas Tony Curtis y Janet Leigh. Realizó su debut y consiguió cierto éxito, como la adolescente estudiosa que se ve involucrada en una historia de terror en la historia de John Carpenter, “La noche de Halloween” (1978). Con anterioridad a esta experiencia había realizado algunas suplencias en las series de televisión “Columbo” y “Fantasy Island”, así como en un pequeño papel secundario como una de las cinco enfermeras de un submarino de la Armada en la serie cómica “Operation Petticoat” (1977-78).

Esta actriz ha conseguido reunir el suave encanto de su madre, y la sensualidad de niño bonito de su padre, al que ha unido una mirada de buena chica. Jamie ha tenido siempre una mirada torpe, algo andrógina, con la cual ha conseguido una combinación de marimacho, con un formidable atractivo sexual.
Su carrera en el cine surgió a muy temprana edad cuando fue elegida como sucesora más moderna de algunas de Halloween”, que son ya clásicos del cine.
Afortunadamente, Curtis también consiguió triunfos un poco más serios y durante algún tiempo se la conoció como "Reina de Creepies" y "Reina de Crud," cuando efectuó un giro romántico a su carrera con “Cartas de amor” (1983). Otro nuevo giro lo daría cuando hizo de prostituta buena en “Entre pillos anda el juego” (1983).

Fay Wray y Evelyn Ankers, para papeles de heroína en películas de terror, ellas de pésimo recuerdo y otras, como “La niebla” y “La noche de

En los últimos años ha conseguido tener un buen olfato para la comedia y aunque hay algunos críticos que ya se refieren a ella como “El Cuerpo” (refiriéndose a su figura curvilínea que los productores gustan de mostrar con poca ropa o con desnudos esbozados), lo cierto es que su atractivo físico está ya unido a su calidad como actriz.

“Death of centerfold: The dorothy stratten story” (1981), fue una película para la televisión que usó esa virtud anatómica suya apropiadamente y en ocasiones conmovedoramente, éxito que no fue revitalizado por el fracaso crítico y popular de “Perfect” (1985), la cual perjudicó seriamente su carrera ascendente durante unos años. Curtis continuó, no obstante, muy ocupada con su trabajo y aportó personajes muy extraños en “La voz del silencio” (1987) y “La fuerza de un ser menor” (1988), antes de dedicarse ya por entero al género de la comedia cuando se convirtió en la más seductora de las actrices con “Un pez llamado Wanda” (1988).
También consiguió bastante respeto por su trabajo en la agradable serie cómica junto a Richard Lewis, “Anything But Love” (1989-92), que aunque nunca consiguió un triunfo de público espectacular, fue suficiente para que fuera repuesto varias veces en la cadena ABC.
Acercándose un poco al estilo de las comedias de los años treinta, emulando a sus padres, Curtis hizo de una madre joven y amable en “My girl” (1991) y “Eternamente joven” (1992). En 1994 su trabajo, que parecía estancado, tuvo un giro inesperado y muy beneficioso cuando interpretó “Mother´s boys”, de escaso reconocimiento en taquilla, y continuó con el gran éxito de “Mentiras arriesgadas”.
En estos momentos es ya una actriz de valor seguro en taquilla, como lo demuestra su película “Criaturas feroces”, afianzándose como una estupenda actriz de comedia que dispone, además, de una figura envidiable a sus cuarenta años.
Está casada con el actor y director Christopher Guest.

Filmografía esencial:

1977 Operation Petticoat
1978 La noche de Halloween
1980 La niebla
1980 Prom Night
1980 El tren del terror
1981 Death of a centerfold
1981 Sanguinario
1981 Juegos de carretera
1983 Cartas de amor
1983 Entre pillos anda el juego
1984 Las aventuras de Buckaroo Banzai
1984 Grandview, U.S.A.
1985 Perfect
1986 Aa summer die
1987 La voz del silencio
1987 Un hombre enamorado
1988 La fuerza de un ser menor
1988 Un pez llamado Wanda
1990 Acero azul
1991 Mi chica
1991 Queens logic
1992 Eternamente joven
1994 Mother boys
1994 Mi chica 2
1994 Mentiras arriesgadas
1994 The Heidi chronicles
1997 Criaturas feroces

ARMA LETAL III Lethal Weapon 3

Warner Bros. 118 minutos Panavision

Productor: Richard Donner, Joel Silver
Director: Richard Donner
Guión: Jeffrey Boam, Robert Mark Kamen
Desde la historia de: Boam y basado en los caracteres creados por: Shane Black Fotografía: Jan De Bont
Música: Michael Kamen, Eric Clapton, David Sanborn

Intérpretes:
MEL GIBSON: Martin Riggs
DANNY GLOVER: Roger Murtaugh JOE PESCI: Leo Getz
RENE RUSO: Lorna Cole
STUART WILSON: Jack Travis STEVE KAHAN: Capitán Murphy DARLENE LOVE: Trish Murtaugh TRACI WOLFE: Rianne Murtaugh

Quizás y como un motivo para que reflexionemo s, debemos admitir que “Arma letal 3” depende más de las persecuciones, explosiones, y los efectos especiales que de sus personajes. La historia nos muestra de nuevo a Riggs y Murtaugh (Gibson y Glover), unos compañeros de larga tradición en la policía. Ahora Danny Glover está a punto de jubilarse, pues le faltan sólo ocho días, un dato que obligaría a cualquier policía en el mundo a apartarse de los problemas, salvo que su vida esté en peligro. Y nuevamente, Mel Gibson es el policía desgarbado, chistoso y valiente que no tiene miedo al peligro. Ambos siguen teniendo el mismo deseo de vivir sin problemas, despreocupadamente, pero la historia y los malvados no se lo van a permitir.
Para que les comprendamos un poco más la película hace una pausa para mostrarnos sus pequeños problemas caseros, como la cena en casa de Murtaugh que vimos en la primera película, o las diversas escenas que obligaron a Riggs a vivir en un remolque como casa. Aunque Joe Pesci regresa de nuevo como Leo Getz, con sus espasmódicos movimientos musculares, en esta ocasión su trabajo está muy limitado. Tiene algunas escenas cómicas, aunque nos da la impresión que está puesto de manera forzada.

Hay elementos en la película que le proporcionan algún valor añadido, y es ese interés en apartarse de las películas más habituales en este género. Una opción estupenda es Rene Russo como Lorna Cole, la sargento de Asuntos Internos que sospecha siempre que Riggs y Murtaugh no emplean métodos ortodoxos para efectuar su trabajo. Ella es una mujer dura, experta en karate, que puede despachar a tres tipos duros solamente con unos golpes certeros. Todos sabemos que en realidad eso es imposible pero en la película nos quieren demostrar que ella es tan dura como sus compañeros. En una escena, Russo y Gibson tratan de comparar las cicatrices de la batalla y se muestran orgullosos el volumen de alguna de ellas.

Richard Donner siempre ha estado experimentado con los efectos especiales y la mayoría de sus producciones son películas de acción. En esta película hay una persecución sensacional en una autopista entre dos camiones blindados, y un enfrentamiento en una construcción que termina ardiendo mientras un malvado alterado persigue a los héroes con una excavadora.
Ese tipo malo es Jack Travis (Stuart Wilson), un ex-policía que parece existir para que nuestros amigos den algún sentido a su vida. No es un villano tradicional y por eso logra dar a sus peleas una dimensión extraordinaria y novedosa. Estas escenas son lo mejor de la película.
El guión se adapta perfectamente a las características interpretativas de Mel Gibson, aunque ahora sabemos que él modificó bastantes escenas y diálogos. Ahora le vemos como una persona aficionada al juego de palabras, enamorado, y su diálogo es más animado y variado que los habituales discursos de otros policías famosos de la pantalla. Él y Glover están en un momento muy alto en su carrera, al menos en cuanto a popularidad se refiere. Los espectadores estamos ya familiarizados con ese dúo de policías y por eso somos menos exigentes, aunque seguimos necesitando que nos entretengan, pero si “Arma letal 3” fuera la primera película en de la serie, no sería un principio muy prometedor. Consigue empezar a entretener hacia la tercera parte de la película, justo cuando empezábamos a sospechar que nos habíamos equivocado en nuestra elección cinematográfica.

EL HOMBRE SIN ROSTRO The Man Without a Face (1993)

Majestic

114 minutos

Productor: Bruce Davey
Director: Mel Gibson
Guión: Malcolm MacRury
Desde la novela de: Isabelle Holland Fotografía: Donald McAlpine Música: James Horner
Vestuario: Shay Cunliffe

Intérpretes:
MEL GIBSON: Justin McLeod MARGARET WHITTON: Catherine FAY MASTERSON: Gloria
GABY HOFFMANN: Megan
GEOFFREY LEWIS: Capitán Stark RICHARD MASUR: Carl
NICK STAHL: Chuck
MICHAEL DE LUISE: Douglas Hall

En la película, Gibson interpreta a McLeod, un carácter de gran complejidad, un antiguo maestro, con su cara y cuerpo horriblemente quemado en un accidente automovilístico. Ahora vive exclusivamente en una gran casa en una isla de Maine y trabaja como un ilustrador independiente. Los habitantes de la isla y las personas que veranean allí, le llaman "Pez martillo" y otros apodos crueles, y aunque trata de permanecer al margen circulan numerosos rumores sobre él. Dicen algunos que mató a su esposa, y otros que a un muchacho joven. Por uno de esos crímenes le metieron en la cárcel.
A su casa llega un día un adolescente llamado Chuck (Nick Stahl), quién desea ir a la escuela preparatoria y le pide a McLeod que sea su tutor. Al principio McLeod está distante y desagradable con él. Las tareas que le pone suelen ser sin sentido y en ocasiones demasiado complejas para su edad. Pronto ese chico le demuestra que no está con él para pasar el rato y cuando McLeod se relaja se hacen amigos.

Chuck viene de una familia desorganizada. Su madre (Margaret Whitton) ha tenido tres niños, cada uno con un marido diferente, y ha estado saliendo con otro hombre a quien Chuck llama despectivamente “Hairball”. Chuck está a menudo peleándose con sus hermanas, y a veces también con su madre, pero la película evita mostrar la tradicional casa desgraciada y muestra simplemente a una familia que es casi igual que las demás, especialmente aquellas en las que hay broncas frecuentemente.
La sociedad, las gentes de los alrededores, no ven con agrado esa relación tan profunda entre maestro y joven, y sospechan cosas escabrosas, especialmente cuando se difunden un montón de rumores sobre su pasado y las circunstancias de su lesión. Pronto, el jefe de policía local (Geoffrey Lewis) le sigue los pasos, y le molesta. En ese momento Chuck sabe que está a punto de perder a su mejor maestro y amigo.

Ahora la trama de la película se hace mucho más intensa y vemos un hecho tan real como frecuente: la imposibilidad de que un hombre pueda mantener una relación intensa con un joven. El sexismo se hace patente, puesto que todos sabemos que las maestras pueden mantener relaciones con sus alumnos sin ningún problema o censura. Pero ahora el guionista nos demuestra que los varones tenemos muy difícil mantener buenas relaciones, puesto que podemos acabar en los tribunales acusados de corrupción de menores. Las preguntas que le hacen a McLeod en la sala del tribunal son tan sumamente inmorales que no tienen una contestación sencilla.
Pero en lugar de profundizar en las relaciones maestroalumno, “El hombre sin rostro” se preocupa demasiado de temas superfluos y el mejor tema lo aparca a un lado. El argumento deriva a fórmulas menos conflictivas y procura no herir la sensibilidad de ningún grupo, aunque sabemos ya que ese maestro es totalmente inocente y que solamente debe demostrarlo. La conclusión para nosotros, es que un buen maestro debe estar más cerca de un buen alumno.

La película supuso el debut de Gibson como director, y no sólo lo hace con un buen sentido visual, sino demostrándonos que sabía perfectamente lo que estaba haciendo, cómo debería contar esa historia, y lo que pretendía demostrar con ella. El misterio del pasado de McLeod, por ejemplo, queda deliberadamente incierto, justo hasta que el muchacho lo averigua cerca del final de la película. Entonces el maestro nos proporciona una lección importante: “Nosotros debemos estar deseosos de decir la verdad por nosotros mismos, basándonos en lo que nosotros creemos y hemos experimentado, en lugar de permitir que otros lo hagan por nosotros”.
Una de las mejores cosas de la película es la actuación de Nick Stahl, como el muchacho. En el guión de Malcolm MacRury, basado en la novela de Isabelle Holand, nos lo muestran como un niño inteligente, intrépido con bastante auto-confianza y por eso presentimos que todo le resultará bien en su vida.
Sus primeras reuniones con McLeod son interesantes porque aunque está frente a un hombre aparentemente temeroso, habla firmemente, y le permite saber lo que está en su mente. Stahl es mucho más interesante que la mayoría de los actores su edad, porque sabe algo que muchos actores nunca aprenden: cómo no sobreactuar. Este joven actor no cree que su cara tenga que reflejar cada emoción y hace su trabajo sin ninguna técnica especial, pero mostrando finalmente naturalidad y frescura.

La actuación de Gibson es interesante como un recordatorio de su versatilidad. No es frecuente que un actor pueda interpretar con igual maestría “Arma letal” y “Hamlet”, y aquí logra encontrar simplemente la nota correcta para McLeod. No hace de su personaje una caricatura, ni una víctima patética, pero de una manera furiosa demuestra que su vida es correcta aunque difícil. Hay momentos en la película donde McLeod podría hacer las cosas más fáciles para él simplemente hablando, pero su orgullo y su ética no se lo permiten. No habla enfurecido cuando le atacan, quizá porque sabe que no es cierto lo que le dicen. Eso es admirable en cualquier hombre, pero es aún más admirable en Gibson como director, puesto que no abusa de discursos largos y filosóficos para ensalzar a su personaje. Su intención es que seamos los espectadores los que deduzcamos lo que piensa.

MAVERICK Maverick (1994)

Warner Bros. 129 minutos Panavision

Productor: Richard Donner y Bruce Davey
Director: Richard Donner
Guión: William Goldman
Fotografía: Vilmos Zsigmond
Compositor: Randy Newman
Efectos especiales: Matt Sweeney, Industrial Light and Magic y Steve Price Vestuario: April Ferry

Intérpretes:
MEL GIBSON: Bret Maverick
JODIE FOSTER: Annabelle Bransford JAMES GARNER: Zane Cooper GRAHAM GREENE: Joseph
ALFRED MOLINA: Angel
JAMES COBURN: Commodore DUB TAYLOR: Room Clerk
GEOFFREY LEWIS: Matthew Wicker

La película está basada en un personaje popularizado por la televisión en los años 60, en la cual el éxito estuvo asegurado esencialmente por el encanto de sus protagonistas. Ahora, en su recreación al cine, y a pesar de los buenos actores, la historia se nos muestra muy débil y demasiado larga. Gibson está muy acertado y divertido como un tramposo que sabe jugar perfectamente sus cartas, mientras que vemos pasar ante nuestros ojos a numerosas caras familiares del mundo del western, así como podemos oír numerosas melodías correspondientes a la música rural contemporánea. El actor James Garner, quien también intervino en la serie de televisión, realiza una buena interpretación como el sheriff Cooper. En medio de Gibson y Garner está la atractiva Foster, por cuyo amor pelean los dos apuestos galanes.

La historia nos muestra a un jugador experto en el póker, cuya habilidad para ganar depende de la observación de sus contrincantes. Les mira a la cara, el pelo, los ojos y hasta les escucha la respiración. En pocos minutos ya sabe cuándo tienen una escalera de color, un trío o unas dobles parejas. Pero a su lado está siempre una guapa chica, aficionada también al póker, no tan hábil analizando a las personas pero sumamente sagaz empleando su atractivo físico. Su profundo escote obliga a que los confiados varones la miren justo allí y en ese momento aprovecha para quitarles la cartera.
También hay un sheriff que parece torpe con las pistolas, lo mismo que Maverick, pero cuando su vida está en peligro dispara tan rápido que la única opción posible es la muerte. El trío parece llegar a un acuerdo para participar en el gran campeonato del póker, puesto que el medio millón de dólares de beneficio es suficiente para vivir el resto de sus vidas sin trabajar. Maverick gana, es el mejor, aunque los espectadores sospechamos que en realidad tenía un as guardado en la manga. En ese momento el sheriff se lo piensa mejor y roba el botín, aunque luego lo reparte con su hijo, Maverick.

Premios:

Nominada al mejor vestuario 1994: April Ferry

Su compañera de reparto: Jodie Foster

Nombre de nacimiento: Alicia Christian Foster
Fecha y lugar de nacimiento: 19 de noviembre de 1962, Los Angeles, California Educación: Liceo Francés; Yale (literatura)

Excepcionalmente madura, y actriz de gran talento desde niña en los años setenta, logró una buena transición como actriz cuando se convirtió en adulta. Inicialmente tuvo como agente artístico a su propia madre Brandy, convirtiéndose la joven Foster en el principal sostén económico de toda la familia. Pronto tomó el mando de su propia carrera y gradualmente elaboró su desarrollo de manera meticulosa a través de una cuidadosa selección de sus proyectos, adquiriendo gran experiencia para conseguir una imagen pública a su medida. Su ascenso como gran estrella adulta lo tuvo cuando fue nominada al Oscar a la Mejor Actriz Secundaria por “Taxi Driver”, aunque no se detuvo en sus galardones y nos ha proporcionado una gran sorpresa por sus trabajos como directora y productora.
Foster empezó su incursión en el mundo artístico realizando anuncios desnuda para una empresa de bronceadores cuando tenía tres años. Este anuncio, que la mayoría todavía recuerda, era para Coppertone y pudimos ver a la niña Jodie enseñando su pequeño trasero cuando un perro intenta quitarle su bañador. Posteriormente trabajó de manera más regular en otros anuncios y como invitada en varias series de televisión hasta que la productora Disney le ofreció un contrato para el cine.
Su paso al mundo de adultos fue especialmente brusco con su actuación polémica en “Taxi Driver” (1976), como la prostituta adolescente que inspira a Robert De Niro a realizar una cruzada personal poco acertada. Foster consiguió una nueva nominación al Oscar por sus diversas caracterizaciones, incluso como un gángster, en el musical “Bugsy Malone, nieto de Al Capone” (1976), con el desconcertante papel de Srta. Tallulah, la reina de una taberna clandestina obscena. También fue polémico su trabajo en “The Little Girl Who Lives Down The Lane” (1976), y en “Carny” (1980), como una adolescente que se une en su huida a unos chicos.

Incluso cuando su carrera era muy fructífera, Foster seguía siendo una estudiante excelente, y se graduó en el Liceo Francés de Los Angeles en 1980 y continuó estudiando literatura en la Universidad de Yale. También sobrevivió al intenso aluvión de noticias cuando su nombre estuvo involucrado en un intento de asesinato al presidente Reagan en 1981 por parte de John Hinckley Jr., quien pretendía impresionar con ello a Foster. Mientras estudiaba en Yale, siguió efectuando apariciones en cine y televisión, destacando como miembro de una original familia en la película “El Hotel New Hampshire” (1984), consiguiendo ya el salto definitivo a papeles como adulta cuando interpretó “Cinco esquinas” (1986).
Foster consolidó su reputación cuando le premiaron con un Oscar por su trabajo como víctima de una violación en “Acusados” (1988), afianzando aún más si cabe su prestigio como el neófito agente del FBI en la película de miedo psicológico de Jonathan Demme, “El silencio de los corderos” (1991). Para su debut como directora escogió “El Pequeño Tate” (1991), en donde realizó una historia sobre un niño prodigio que vive una intensa vida junto a su madre, una mujer trabajadora (interpretada por Foster), y su maestra (Dianne Wiest).

En 1992, Foster firmó un contrato de producción por tres años con Polygram Filmed Entertainment, en el cual se comprometían a financiar tres películas (bajo su estandarte de Egg Pictures), por las cuales ganaría 25 millones de dólares, más un extra de 10 millones que se destinarían a la promoción. Una de las condiciones era que Foster podría escoger si quería trabajar como intérprete o, simplemente, producir y dirigir estas películas, puesto que no tenía aún muy claro si quería destacar más como directora o como actriz. El trabajo como intérprete de Jodie Foster durante este tiempo ha sido muy diverso y podemos verla como una prostituta en “Sombras y nieblas” (1992) de Woody Allen, en el intenso drama de“Sommersby” (1993) con Richard Gere, y junto a Mel Gibson en la parodia del Western “Maverick” (1994), su primera comedia en esa década. Con su primer trabajo para la Egg Pictures, Foster consiguió bastante éxito con “Nell” (1994) como una ermitaña del bosque que habla en una lengua inventada. Una vez más, Jodie Foster consiguió una nominación al Oscar a la Mejor Actriz, galardón que le sirvió para llegar con aplomo hasta “Contact”, una historia sobre contactos con otros mundos. Recientemente ha saltado a las páginas de los periódicos por ser una madre soltera, sin que nadie sepa quién es el padre.

BRAVEHEART (1995)

20th Century Fox
Icon productions/Ladd Company
177 minutos

Productor: Mel Gibson, Alan Ladd Jr, Bruce Davey Director: Mel Gibson
Guión: Randall Wallace
Fotografía: John Toll
Música: James Horner
Panavision

Intérpretes:
MEL GIBSON: William Wallace SOPHIE MARCEAU: Princesa Isabelle PATRICK McGOOHAN: Rey Eduardo I CATHERINE McCORMACK: Murron BRENDAN GLEESON: Hamish JAMES COSMO: Campbell
DAVID O´HARA: Stephen

Nuevo intento, después de “El hombre sin rostro” de Mel Gibson para demostrarnos que puede ser también sumamente hábil detrás de las cámaras. Ahora nos cuenta la historia de un rey de Escocia, en el siglo XIII, que muere sin heredero, lo que origina que Eduardo I reclame el trono y logre instalar allí a un virrey que le apoya incondicionalmente. Paralelamente a ello, un desconocido llamado William Wallace ve horrorizado cómo ese nuevo mandatario mata a su familia y desde ese momento jura venganza y muerte contras los asesinos. Apoyado por las gentes más pobres y demostrando gran habilidad para la batalla, gana sin problemas a los ingleses en la batalla de Stirling. Ensalzado ya como un libertador, los escoceses le agradecen su valentía nombrándole noble y poniéndole al frente de un gran ejército. Cuando los ingleses ven peligrar su trono y su permanencia en Escocia, deciden parlamentar con el nuevo rebelde y para ello envían a una bella princesa. La traición empieza a rondar junto a Wallace, tanto por parte de los supuestos parlamentarios ingleses, como por parte de sus amigos los escoceses, y pierde la batalla de Falkirk, al no contar con el apoyo previsto. Poco después, una nueva traición le lleva hasta la muerte.
El filme tenía un presupuesto de 60 millones de dólares, aumentados pronto hasta los 70, lo que obligó a Mel Gibson a renunciar a su salario como actor y director para poder seguir financiando la película. No obstante, la bancarrota era ya inevitable y Gibson tuvo que prestar de su propio patrimonio nada menos que 15 millones de dólares.
El estreno en Estados Unidos fue también muy problemático puesto que fue retirada bruscamente de las salas de cine para ser recalificada de nuevo por su excesiva violencia, y repuesta un mes después con el cartel de no-recomendada para menores.

Un crítico escribió:

“Mel Gibson generalmente es conocido solamente por el cine de acción, pero con este proyecto demostró que también tiene talento para ser un director popular. El guión, la cámara y la dirección demuestran que es un gran profesional del cine. Braveheart es una obra de arte, una experiencia magnífica para la vista, el oído y los sentidos. Es muy difícil realizar una película con grandes movimientos de extras, mucho más cuando esas escenas deberán conmover al espectador”.

La mayoría de los espectadores van a recordar esta película por las frecuentes escenas de batalla, sangrientas y violentas. Simplemente desde un punto de vista técnico, Braveheart muestra un trabajo inteligente en el manejo de hombres y caballos para esta tremenda guerra. Gibson despliega lo que parecen miles de hombres montados a caballo, así como soldados de a pie, arqueros y elementos de asalto, aunque su habilidad es suficiente para que no confundamos las escenas y veamos con claridad las batallas. La estrategia militar que nos muestran es fácil de entender, y por ello disfrutamos de las tácticas militares, aunque deberíamos poner algunas objeciones históricas.

No obstante, Gibson no ha filmado un hecho histórico real, sino solamente un mito. William Wallace puede haber sido una persona real, pero Braveheart se parece más al Príncipe Valiente, a Rob Roy y en ocasiones a Mad Max. Una vez que asimilamos que este filme no es una reconstrucción histórica (y eso en ocasiones es lo de menos), podemos aceptar los diálogos expresados según nuestro lenguaje actual, como cuando Braveheart emite su ultimátum al inglés: "Los términos de Escocia son que su comandante se presente delante de nuestro ejército, ponga su cabeza entre sus piernas, y bese su culo". En ese momento sus amigos dan gritos de entusiasmo.
En la película, el antagonista de Wallace es el Rey Eduardo, interpretado por Patrick McGoohan con cierta habilidad. Su trabajo se parece demasiado a la interpretación que habitualmente realizan nuestros propios políticos en sus discursos actuales, y por eso es normal que nos diviertan sus gestos y palabrería. El hijo de Edward, el Príncipe de Gales (Peter Hanly), es un petimetre estéril, tal y como los historiadores nos le han descrito infinidad de veces, que solamente se casa con una mujer francesa por razones políticas. Cuando llega la noche de bodas, la ansiada noche de bodas, la dice que él tiene que engendrar un hijo y con ello deja bien claro que el derecho de pernada le corresponde exclusivamente a él.

La princesa, interpretada por la actriz francesa Sophie Marceau, tampoco admira mucho a su marido y dedica su tiempo libre, o sea, todo su tiempo, a mirar la Luna con su mejor amigo. Su esposo tiene mucha paciencia para ese adulterio, pero el Rey no y tira al guapo amante por la ventana del castillo. Edward, molesto por las derrotas, envía a la princesa para que ofrezca una alternativa de paz a Braveheart, pero ella no puede soportar la mirada cautivadora del rebelde y le termina contando todos los secretos estatales. La princesa es el segundo amor en la vida de Wallace; el primero, es su novia de la niñez Murron (Catherine McCormack), con quien está casado en secreto para evitar que el señor feudal quiera tener una noche de pasión privada con ella.
Ambos pasan su noche de bodas de noche, en pleno campo, y allí viven una gran pasión mientras sus amigos se excitan solamente de pensarlo. Estos amigos suyos parecen muy leales y se alegran por él, pero no son tan rudos y valientes como aparentan.

Normalmente, cuando un actor se mete a director es frecuente que tenga los mejores planos y que termine llevándose a la cama a la chica más guapa, pero ahora Gibson prefiere un mal final para que no le acusen de ególatra. No obstante, sus delirios le llevaron a gastar 53 millones de dólares y con ese dinero es muy fácil realizar una buena película. Afortunadamente las cosas le salieron bien, como lo demuestra ese Oscar a la Mejor Película. Gibson ordena con precisión los movimientos de su ejército, así como controla el trabajo de los demás actores y los efectos especiales, creando un mundo de ficción que entretiene, pero que fue criticado por la excesiva violencia, totalmente innecesaria.

Premios:
Oscar a la mejor película 1995: Bruce Davey, Alan Ladd, Jr., Mel Gibson Oscar a la Mejor Dirección 1995: Mel Gibson
Nominada al mejor guión 1995: Randall Wallace
Oscar a la Mejor Fotografía 1995: John Toll
Nominada al Mejor Vestuario 1995: Charles Knode
Nominada al Mejor Filme Editado 1995: Steven Rosenblum
Oscar al Mejor maquillaje 1995: Peter Frampton, Paul Pattison, Lois Burwell Nominada a la Mejor Música Original 1995: James Horner
Nominada al Mejor Sonido 1995: Andy Nelson, Scott Millan, Anna Behlmer, Brian Simmons
Oscar a los Mejores Efectos de Sonido 1995: Lon Bender, Per Hallberg

POCAHONTAS 1995

Voz de: John Smith

RESCATE
Ramshon (1996)

Touchtone Picture

Productor: Scott Rudin, Brian Grazer y B. Kipling Hagopian Co-productor: Adam Schroeder y Susan Merzbach Director: Ron Howard
Guión: Richard Price, Alexander Ignon
Historia: Cyril Hume, Richard Maibaum
Fotografía: Piotr Sobocinski
Música: James Horner
Vestuario: Rita Ryack

Intérpretes:
MEL GIBSON: Tom Mullen RENE RUSSO: Kate Mullen BRAWLEY NOLTE: Sean Mullen
GARY SINISE: Jimmy Shaker
DELROY LINDO: Agente Lonnie Hawkins LILI TAYLOR: Maris Connor
LIEV SCHREIBER: Clark Barnes
DONNIE WAHLBERG: Cubby Barnes EVAN HANDLER: Miles Roberts

Mel Gibson cobró veinte millones de dólares por interpretar esta película, remake de aquella otra de Glenn Ford del año 1956. Antes estuvo pensada para Tom Cruise y Harrison Ford, pero dado que la actriz principal era Rene Russo, con la cual Gibson había trabajado ya anteriormente en “Arma letal”, los productores encontraron mucho más comercial volver a unirles de nuevo.

“Rescate” es un thriller sobre un secuestro infantil realizado de manera inteligente, aunque usual, que proporciona a Mel Gibson una buena oportunidad para un papel más serio que los anteriores. Ahora es el dueño de una compañía aérea cuyo hijo es secuestrado, y que en lugar de desmoralizarse intenta ser más listo que los secuestradores con un plan arriesgado que podría tener éxito, o provocar la pérdida de su hijo. Todo depende de su habilidad para moverse entre policías y secuestradores.
Gibson había sido anteriormente un eficaz piloto que ha construido con grandes esfuerzos y astucia una aerolínea, aunque ahora está sometido a una investigación por sobornar a diversos oficiales. Vive con su esposa (Rene Russo) en Central Park, donde ellos recogen a su pequeño hijo (Brawley Nolte) en una feria sobre ciencias. El muchacho es secuestrado, y pronto les llega una nota anónima pidiendo un rescate. El FBI pronto se pone en contacto para resolver el caso, pero Mullen (Gibson) desconfía de su eficacia para mantener a salvo a su pequeño.
La película mantiene un buen misterio sobre la identidad de los secuestradores, aunque a los espectadores les gustaría saber su identidad para poder saber quién persigue a quién. La banda está dirigida por Gary Sinise, un detective muy desagradable, e incluye a su novia (Lili Taylor), una chica que una vez trabajó para Gibson y sabe la rutina de la familia. Otros miembros incluyen a una computadora y un par de gamberros de la calle. El agente del FBI que llevan el asunto del secuestro (Delroy Lindo) quiere que Gibson pague el rescate. Cuando lo intenta un inoportuno helicóptero del FBI interrumpe la operación, y Gibson se convence entonces que los miembros de la banda no tienen ninguna intención real de devolverle vivo a su hijo. Entonces es cuando él inventa un plan en solitario que horroriza a su esposa y enoja a los inútiles miembros del FBI.

El problema en esta película es que en lugar de desarrollar esta historia como si fuera una sencilla película de angustia y tensión, “Rescate” nos muestra una gran cantidad de elementos que consideramos innecesarios. Por ejemplo, sabemos que Gibson sobornó a un oficial y que por eso convierte a ese hombre en uno de los sospechosos del secuestro. Cuando en un momento dado habla con el jefe de la banda y le pregunta las razones para haberle escogido a él y no a otro, le contestan: “Porque usted suele comprar su tranquilidad con dinero. Estamos convencidos de que usted es una persona que pagaría sin rechistar para volver a recuperar su alegría. Ya lo hizo en una ocasión y lo volverá a hacer”. Bueno, esto es algo que nos gustaría poder hacer a todos y no por eso somos más interesantes.
La película dedica demasiado tiempo para mostrar el modo de actuar y el carácter de los personajes de la banda, pero creemos que hay demasiados detalles en este sentido y que faltan otros más cruciales que nos ayudarían a despejar nuestras dudas. Cuando Sinise, el jefe de la banda, y Lili Taylor aparecen al final de la película, nos habría gustado saber más sobre su verdadera relación.

El guión, escrito por Richard Price y Alejandro Ignon, ya sabemos que está basado en una película de 1956 protagonizada por Glenn Ford, Donna Reed y Leslie Nielsen, con el mismo título, lo que nos obliga a establecer comparaciones. Ahora también es un hombre hecho a sí mismo y que necesita controlar sus emociones para triunfar, aunque en este remake se añaden elementos nuevos.
En la escena final, cuando hay el enfrentamiento entre Gibson y Sinise, es cuando la película alcanza su mayor interés. El director, Ron Howard, quien es un experto manejando a Mel Gibson, también sabe manejar adecuadamente este thriller angustioso, pero lo hace demasiado esquemáticamente y con poca espontaneidad. No hay nada dejado al azar, pudiera ser algo bueno, pero se pone demasiado interés en Mel Gibson, con excesivos planos de sus ojos, y están sobrando las numerosas ironías que relajan al espectador.
Mel Gibson, como siempre, trata de aportar una interpretación distinta a las anteriores y nos muestra a un hombre que intenta pensar de manera individual en un momento de crisis, mientras que el trabajo de Gary Sinise es igualmente correcto. La conclusión es que hay dos actores eficaces e inteligentes que tienen que hacer papeles opuestos con igual precisión.
Howard es un director especializado en películas sobre historias tensas, aunque también sabe manejar comedias como “Cocoon” y “Splash”, sin olvidarnos de “Apolo 13”. Aquí nuevamente maneja sin problemas esta historia, y deja cierto margen de libertad para que los actores aporten su personalidad. La mayor pega la encontramos en un guión con numerosas lagunas, y la mayor virtud en la actuación de Mel Gibson.

UN LÍO PADRE Father’s Day
1997

Director: Ivan Reitman
Fotografía: Stephen H. Burum Música: James Newton

Intérpretes:
ROBIN WILLIAMS: Dale Putley
BILLY CRISTAL: Jack Lawrence
NASTASSIA KINSKY: Collette Andrews JULIA LOUIS-DREYFUS: Carrie Lawrence MEL GIBSON: Scott (cameo)

Una mujer engaña a sus dos antiguos novios para que le ayuden a buscar a su hijo desaparecido, alegando que son el padre del chico.

CONSPIRACIÓN The conspiracy theory

Warner

130 minutos

Director: Richard Donner Guión: Brian Helgeland
Fotografía: John Schwartzman Música: Carter Burwell

Intérpretes:
MEL GIBSON: Jerry Fletcher JULIA ROBERTS: Alice Sutton PATRICK STEWART: Dr. Jonas

Nuestro protagonista es un excéntrico que trabaja como taxista en Nueva York, a quienes aprovecha para contarles los problemas que dominan el mundo. Insiste en que todos los asuntos son motivados por conspiraciones ocultas que tratan de hacerse con el poder, militar o financiero, y que nunca son del dominio de los políticos. Todos los ciudadanos están inmersos en esa trama tan extendida, aunque no son conscientes de ello. Pero algo ocurre en la vida de Jerry cuando a su mente llegan escenas extrañas, con imágenes espantosas que son tan reales como para hacerle pensar que algo grave está sucediendo a su alrededor. Cuando termina su jornada laboral se esconde en su casa y trata de almacenar y clasificar todos los datos que le llegan, aunque solamente los puede explicar a una persona de su confianza, su amiga Alice, quien, afortunadamente, trabaja como abogada en el departamento de Justicia. La chica, guapa y lista, no le cree o al menos se muestra escéptica, pero tratará de ayudarle.
Pronto ambos se ven envueltos en un asunto tenebroso y deben protegerse mutuamente.

Ya sabemos que nuestro amigo dedica sus horas de trabajo a manejar un taxi en Nueva York y habla compulsivamente sobre las conspiraciones que supone se esconden detrás de todo. Desde la fluoración del agua a la política monetaria internacional, Jerry Fletcher tiene una opinión de que todo está perfectamente controlado por fuerzas poderosas y que nosotros somos las víctimas de alguna trama importante, terrible.
Pero Jerry no es un chalado ignorante. Tiene una memoria extraña y en alguna parte de ella le salen chispas cuando recopila datos y se asusta por lo que sabe, tan real y tan siniestro que ya no tiene duda de que no son imaginaciones suyas. Hay personas malas a su alrededor y trabajan juntos. Pero ellos tienen sus ojos puestos en Jerry y quieren algo de él, aunque no acierta a saber lo que es.
Cuando Jerry no está conduciendo su taxi, está en casa reuniendo toda la información recabada ansiosamente en busca de posibles conspiraciones. Entonces toma sus archivos y sus teorías y se las expone a la única persona que le considera simpática y que cree en sus advertencias, aunque también ha logrado ser expulsado ocho veces de la oficina de Alice Sutton.

Alice (JULIA ROBERTS) es una abogada especializada de la Sección de Justicia que trabaja en Nueva York. Tiene ciertos traumas propios desde que su padre, un popular juez federal, fue asesinado misteriosamente hace varios años y Alice ha sido incapaz de aceptar la explicación oficial de su muerte, o la identidad del asesino. A cambio, se ha enterrado en el trabajo e investigación sobre la muerte de su padre.
Alice tiene poca paciencia (aunque lo reconoce y trata de cambiar) para con Jerry y sus excentricidades. Pero entonces, un día, Jerry es raptado por el enigmático Dr. Jonás (PATRICK STEWART), un psiquiatra del gobierno que está decidido a averiguar lo que se esconde en la memoria de Jerry.
Después de un encuentro horrendo que casi lo mata, Jerry escapa del Dr. Jonás y desesperadamente busca a Alice para convencerla de su gran verdad. La abogada y el taxista tienen pocas probabilidades de escapar con vida y menos de que alguien les escuche, pero se ponen en marcha. En el proceso, descubren la verdad en un acontecimiento extraño que revela secretos que ambos ya pueden entender. Jerry protegerá a Alice con su vida si necesario, ¿pero por qué?, ¿de quien?, y ¿dónde está el Dr. Jonás y qué pinta en todo?. ¿Es esta la conspiración que él espera destapar desde el principio?. Jerry no lo sabe, pero su corazón le dice que Alice le ayudará a descubrir todo.

El productor Joel Silver preguntó al escritor Brian Helgeland, autor de "Asesinos", si tenía cualquier otra idea en la que estuviera trabajando y Helgeland le dijo que, "hay un tipo paranoico que tiene su propia conclusión sobre la Teoría de la Conspiración y trata de encontrar a alguien que le crea. ¿Qué pasaría si ciertamente él tuviera razón? Se trata de un pobre hombre que cuando consigue por fin demostrar que está en lo cierto los malvados le persiguen”.
Al mismo tiempo, Helgeland tenía otra idea para una película, una historia de amor entre dos personas que aparentemente nunca podrían terminar juntos. "Un día descubrí que podría combinar las dos historias. Lo que funciona bien en la película es que ese hombre tiene una buena teoría sobre la conspiración mundial y, simultáneamente, se enamora de una mujer socialmente más alta”.

Después todos los ejecutivos estuvieron de acuerdo en que Mel Gibson era la persona perfecta para interpretar perfectamente a Jerry Fletcher.
"Aparte del hecho que Mel, Joel y yo trabajamos muy bien juntos y tenemos muy buenas experiencias en películas anteriores, afirma Richard Donner, la verdad es que Mel tiene la rara habilidad de ser al mismo tiempo fuerte y vulnerable. Él puede atraer mucho público solamente por su presencia, a pesar de que ahora es un héroe con la mente un poco perturbada".

Donner estaba dispuesto a ser muy persuasivo con Gibson para que aceptase el trabajo, pero cuando Mel Gibson leyó el guión respondió inmediatamente:

“Es una historia extraña y creo que es un material muy interesante. Incluso yo mismo doy mucho crédito a esas teorías sobre conspiraciones. Usted oye algo que podría ser y es fascinante pensar que hay algo de verdad en eso. No tengo ninguna duda que hay una fuerza escondida en alguna parte que guarda cosas secretas y admite solamente algunas en público”.

Después de que Gibson estaba de acuerdo en interpretarla, sugirió a Donner que el papel de Alice Sutton era perfecto para Julia Roberts.
"Yo tenía en mi mente a muchas personas, alega Donner, pero en algún lugar de mi mente estaba ya buscando a Julia Roberts. Ella está encantada, alegre y muy radiante y podría compaginar perfectamente con esa confusión de Mel".
“Para mí era muy fácil decir sí, dice Julia Roberts, pero acababa de terminar una película y no quería trabajar. Pero Joel, Richard y Mel me citaron en un cuarto de hotel y no me permitieron salir hasta que yo dijera sí. En cuanto yo estuviera de acuerdo, ellos tenían ya a todo el equipo fuera preparado y me cantaron una canción de victoria. En ese momento estaba segura de que había tomado una decisión que no sería aburrida “.
Poco después, los actores empezaron a ensayar y preparar sus papeles y estaban de acuerdo que el centro de la historia descansaba en las caracterizaciones fuertes y creíbles de Alice y Jerry.

“Jerry es la víctima de un experimento que él no puede recordar. Es esta persona incompleta que sería, bajo las circunstancias normales, bastante inteligente. Pero ahora está moviéndose en un alto nivel de ansiedad, miedo y paranoia y se encuentra en lo que nosotros llamamos una alarma continuada y urgente”.

"Está convencido de que ve y oye cosas extrañas y se esfuerza porque encuentra obstáculos para que le crean, al mismo tiempo que es consciente de las limitaciones que su inteligencia y profesión le producen. Está seguro que hay un eslabón en su pasado que no puede recordar. Trata de superar esa laguna de manera complicada y encuentra relajante tomarse todo con cierto sentido del humor”.

Según Julia Roberts, "yo puedo decir que el personaje de Mel es muy raro y su caracterización me tenía fascinada. Trabajaba y vivía de un modo tranquilo y tradicional, aunque no demasiado vulgar, y trataba de dar a su vida un fuerte sentido. Sabe lo que está haciendo exactamente y cree en sí mismo. Su descubrimiento puede parecer tonto y sencillo, pero es bastante complejo".
Según explica el Helgeland, "Jerry no es como Arma Letal, donde aunque está loco todavía puede ser eficaz y atractivo para las mujeres. Aquí está loco y emocionalmente dañado y a un tipo así nadie daría su hija en matrimonio y ni siquiera le dejaría entrar en casa. Mel era la única persona que podría interpretarlo bien y podría ser al mismo tiempo simpático y atractivo."
"La historia es fascinante en todos los niveles. Hay fuerte intriga y razonamientos provocadores, dice Julia Roberts. En Alice hay dos mundos diferentes y Jerry podría ser la pareja perfecta, pero el tiempo y las circunstancias impiden que ese buen potencial sentimental se pueda materializar en una relación sólida. Él sufre por ello, puesto que sabe que es imposible que pueda mantener una relación normal con una mujer de prestigio, algo que ella también sabe. Ella es abogada en Connecticut, heredera del trabajo de su fallecido padre, pero está centrada en su profesión, es muy solitaria, y vive a su modo en un buen apartamento. No mantiene relaciones sentimentales con nadie, pero está descubriendo que debe quitarse el velo y tratar de conectar con personas como ella".

ARMA LETAL 4 Lethal Weapon 4

Warner Bros

Director: Richard Donner
Guión: Channing Gibson, Jonathan Lemkin Fotografía: Andrzej Bartkowiak

Intérpretes:
MEL GIBSON: Martin Riggs
DANNY GLOVER: Roger Murtaugh JOE PESCI: Leo Getz
RENE RUSSO: Lorna Cole
CHRIS ROCK: Lee Burtters

Nuevamente la popular pareja de policías patrulla Los Angeles, ahora en busca de peligrosas mafias asiáticas. La muerte de algunos inmigrantes chinos le llevará a tener que combatir a peligrosos delincuentes.

COMENTARIOS MUNDIALES DE “ARMA LETAL 4”

“Lo tiene todo, explosiones, persecuciones, mal argumento y romance. Arma letal es una película típica y creemos que no habrá más secuelas” (Inglaterra).

“Esta película es muy buena. Es la mejor película de acción de los últimos años y constituye la mejor de las cuatro. Aporta buenos efectos especiales y gran dosis de humor” (Estambul).

“Si les ha gustado las anteriores también le agradará ésta. La mayor pega es que se incorporan unidos las escenas de acción con los chistes” (Alemania).

“Aunque no es la mejor de las cuatro películas, los dos protagonistas son más eficaces. Sabíamos que los guionistas estaban buscando una buena historia, aunque desde los primeros momentos nos dimos cuenta que no lo habían logrado. Hay menos acción, demasiado humor y mucho romance. Si a usted le gusta la acción simple, el humor y el amor, aunque sin demasiada calidad, deberán verla. Si, por el contrario, desea ver una buena película de acción, olvídela” (Países bajos).

“Arma letal 4 tiene todos los elementos habituales en el cine de acción dramático. Las risas suelen ponerse al final de las escenas y en ellas se involucran adecuadamente Mel Gibson y Danny Glover, así como Renee Ruso. La mayoría de los críticos dicen que las otras tres son mejores pero no estoy de acuerdo (Ohio).

“Arma letal 4 no es una obra de arte y ni siquiera da una visión profunda sobre los seres humanos. No sorprenderá a nadie ni ganará ningún premio a la Mejor Película, pero como espectáculo de entretenimiento le gustará. Probablemente ya ha visto películas similares, pero esta también esagradable” (Noruega)

“Casi me averguenza decir que disfruté con esta película. Quizá es que no tengo una buena cultura cinematográfica, o que soy poco profundo, pero tengo derecho a decir que me gustó. La ví un sábado por la noche con un grupo de amigos y aunque no esperábamos gran cosa lo pasamos bien, nos reimos y disfrutamos enormemente. La compraré cuando salga en vídeo. (Midland, Michigan).

OTRAS PELÍCULAS
CHICKEN RUN (2000)

Producida por: Animaciones Aarman, Dreamworks Pictures

Director: Peter Lord, Nick Park Guión: Karey Kirkpatrick, Peter Lord

Intérpretes:
PHIL DANIELS: voz LYNN FERGUSON: voz MEL GIBSON: voz

PAYBACK (1998)

Icon Entertainment International

Director: Brian Helgeland
Guión: Brian Herlgeland, Donald E. Westlake Basada en la novela de: Richard Stark Fotografía: Ericson Core
Producida por: Mel Gibson, Bruce Davey

Intérpretes:
MEL GIBSON: Porter MARIA BELLO: Rosie JAMES COBURN: Fairfax

FAIRY TALE: TRUE STORY 1997

Paramount Pictures

En 1917 dos niños toman una fotografía, logrando convencer a algunos que es una prueba de la evidencia científica sobre la existencia de las hadas. Basada en una historia real.

Director: Charles Sturridge Guión: Albert Ash
Fotografía: Michael Coulter Música: Zbigniew Preiser

Intérpretes:
PETER O’TOOLE: Sir Arthur Conan Doyle HARVEY KEITEL: Harry Houdine FLORENCE HOATH: Elsie
MEL GIBSON: padre francés

OTRAS INTERVENCIONES:

CASPER (1995): como él mismo POCAHONTAS (1995): voz John Smith EARTH AND THE AMERICAN DREAM (1993): voz PUNISHMENT (1981) Serie TV Australia
Mel Gibson: Rick Monroe

COMO PRODUCTOR
Ordinary Decent Criminal (1999)

FAHRENHEIT 451 (2000)

Icon Entertainment International Notes/Status

En una época futura, los bomberos se dedicarán a quemar libros prohibidos.

Director: Mel Gibson

Guión: Ray Bradbury, Terry Haves

Además:

EL HOTEL DEL MILLÓN DE DÓLARES (2000) EL PATRIOTA (2000)
¿EN QUÉ PIENSAN LAS MUJERES? (2000) CUANDO ÉRAMOS SOLDADOS (2002) SEÑALES (2002)
EL DETECTIVE CANTANTE (2003)
LA PASIÓN DE CRISTO (2004)
AL LÍMITE (EDGE OF DARKNESS) (2010) EL CASTOR (2011)
VACACIONES EN EL INFIERNO (2012) UNDER AND ALONE (2010)
SAM AND GEORGE (2010)
COLD WARRIOR (2011)
SLEIGHT OF HAND (2012)
MACHETE KILLS (2013)

Cómo director:
LA PASIÓN DE CRISTO (2004) APOCALYPTO (2006)
APARICIONES EN TELEVISION
Saturday Night Live (1975)

episodio “Host” The Sullivans (1976)“Australian Naval Officer” Sesame Street (1969) Hamlet, Prince of Denmark