JOHN TRAVOLTA

Autor: Adolfo Pérez Agustí Edita: Ediciones Masters edicionesmasters@gmail.com http://www.edicionesmasters.com

JOHN TRAVOLTA

Estrella fulgurante y polémica en el Hollywood de finales de la década de los 70 y principio de los 80, desapareció de la escena cinematográfica con la misma rapidez que se hizo popular. Con una carrera tempestuosa decididamente desacreditada por los profesionales, renace con fuerza en los años 90 demostrando que no hay una sola oportunidad en la vida para triunfar, sino dos, o tres.
De mirada sincera y con ademanes de muchacho alegre, Travolta consiguió su primera fama como Vinnie Barbarino, "Sweathog" en una serie cómica ambientada en una escuela secundaria, titulada “Welcome Back, Kotter”, (ABC, 1975-79.)
Este actor empezó a ser popular en papeles de persona poco inteligente, fanfarroneando como un matón, pero pronto evolucionó con una dulzura natural, convirtiéndose en un ídolo adolescente vulnerable y sexy. Travolta se comportó anteriormente como lo hacen los cantantes jóvenes que llegan al estrellato súbitamente y durante este periodo su imagen fue objeto de deseo e interés por la juventud del mundo entero.
Sus primeros trabajos en el cine fueron como un adolescente sinvergüenza que recibe una lección en “Carrie” (1976), un estupendo thriller de Brian de Palma. No obstante y aunque ya tenía cierta fama por sus trabajos en televisión, su ascenso al estrellato fue con el filme “Fiebre del sábado noche” (1977), en donde interpretó con maestría al tradicional personaje urbano de origen italo-americano, que combinaba sensibilidad y ardor juvenil en las discotecas. Con el éxito de la película los críticos descubrieron sus cualidades como actor y le nominaron al oscar, al mismo tiempo que se generó un culto a su manera de vestir, hablar y, especialmente, andar. Aunque no era un bailarín todo el mundo le imitaba en sus bailes, y aunque no sabía cantar otros cantantes pusieron bellas melodías en sus labios.
Pero después del fracaso crítico y comercial de “Vivir el momento” (1978), un drama romántico insoportable que supuso el descubrimiento de Lily Tomlin, Travolta logró consolidar su popularidad y demostró que todavía era capaz de seguir entusiasmando en comedias románticas, cuando interpretó junto a Olivia NewtonJohn, “Grease” (1978.) Desde ese momento, sus canciones y bailes se convirtieron en uno de los mayores éxitos musicales de todos los tiempos.
A partir de ahí, se originó un lento declive en su carrera totalmente inexplicable. Su siguiente película fue “Cowboy de ciudad” (1980), en la cual le vimos bailando con un sombrero vaquero y botas de montar, al más puro estilo tradicional norteamericano. Posteriormente da un giro total cuando interpreta un thriller titulado “Impacto” de Brian de Palma (1981.) Allí le vemos grabando accidentalmente un asesinato político y aunque todo está realizado correctamente la película tuvo escaso éxito en taquilla. Deseoso de volver a recuperar el público que años antes le había vitoreado, vuelve con el tema discotequero en un filme dirigido por Sylvester Stallone titulado “Staying Alive” (1983), una continuación descarada de “Fiebre del sábado noche”. Pero en solamente cinco años el público ya había cambiado y sus sueños de popularidad quedan atrapados en un nuevo fracaso.

Travolta languideció posteriormente durante casi una década en películas casi desconocidas, aunque no por ello dejó de trabajar puesto que consiguió volver a la televisión, destacando especialmente durante 1987 en un programa de la ABC titulado “The Dumbo Waiter” de Harold Pinter. Después vuelve de nuevo al cine para interpretar un papel secundario en “Mira quién habla”, (1989), en donde los intérpretes principales son unos bebés a los que hay que poner las voces. Increíblemente el público se fija de nuevo en Travolta, se da cuenta que aún está vivo para el cine, y esta comedia romántica dirigida a un público infantil triunfa en taquilla y su imagen sale de nuevo en las portadas.
El éxito fue tan grande que hubo dos secuelas más, “Mira quien habla también” (1990) y “Mira quien habla ahora” (1993), sorprendiendo con posterioridad al mundo entero cuando hizo un papel magnífico en “Pulp Fiction” (1994) de Quentin Tarantino. Ese año volvió a ocupar el número uno en las listas de Hollywood.
Esta estrella resucitada encontró de pronto su mejor puesto en el cine en sus papeles de malvado, mientras trataba de ocultar su cara de buen chico tras un comportamiento degenerado e inhumano. Desde ese momento le hemos podido ver como Chili Palmer en la obra de Barry Sonnenfeld “Como conquistar Hollywood”, y en “Atrapado” (ambas en 1995), junto a otro actor rescatado del olvido, Harry Belafonte. Siguió luego con el thriller “Alarma nuclear” (1996) de John Woo, en la que interpreta a un piloto que intenta extorsionar al gobierno americano y un año después efectúa un nuevo giro en su carrera cuando hace de un hombre dotado de poderes paranormales en “Phenomenon” (1996), por la que cobra 8 millones de dólares.

BIOGRAFÍA

John Travolta nació el 18 de febrero de 1954. Era el más joven y el único varón de los seis hijos del matrimonio Salvatore Travolta y Helen. Su abuelo era un emigrante que había llegado a América en busca del trabajo que en su país no existía y allí tuvo a su hijo Salvatore, quien conoció a la joven Helen cuando ambos estudiaban en la escuela secundaria. Cuando se casaron, su padre alternaba su trabajo como propietario de una tienda de repuestos de coches, un negocio que tenía con su hermano, un jugador de fútbol semiprofesional.

Cuando John llegó a la vida de ese matrimonio lo hizo ya muy tarde, en un momento en el cual nadie esperaba ni deseaba un miembro más en la familia. Solamente el hecho de que fuera un varón, el único, en una familia compuesta casi exclusivamente por mujeres, motivó que fuera mimado por todos. A los pocos meses, ese niño no deseado se convirtió en un milagro para esa familia de católicos no practicantes y todos colaboraron en darle un trato exquisito y una educación esmerada.
Su madre había sido actriz y profesora de arte dramático en su época de soltera, y daba rienda suelta a su gran afición dirigiendo e interpretando modestas obras en el pequeño teatro de la localidad. Animado John por su madre a que mostrara sus cualidades creativas, pronto formó parte de algunas obras teatrales diversas que la familia montaba en el sótano de su casa de Nueva Jersey, lugar en donde no faltaban ni las luces, ni los decorados.

Todos estos juegos cambiaron o al menos influyeron decididamente en la forma de pensar de John, quien pronto se unió a un taller de actores jóvenes de Englewood. Para conseguir mejorar sus cualidades como bailarín, se inscribió en la escuela de danza de Fred Kelly, hermano del popular actor Gene Kelly, con quien practicaría baile desde los seis a los doce años de edad.

Broadway

Cuando abandonó la escuela secundaria tenía 16 años, y aunque comenzó realizando pequeñas intervenciones como actor y bailarín suplente, pronto consiguió su primer trabajo como profesional en un teatro-club que formaba parte del espectáculo de un restaurante, ganado 50 dólares por cada actuación. Después de un corto periodo con esta obra titulada “Lluvia”, la cual sirvió solamente como un entrenamiento para su gran salto a la profesionalidad, se trasladó a Nueva York en donde el único trabajo que consiguió fue realizando anuncios. Desilusionado se fue a Hollywood donde al menos consiguió unos pequeños papeles para la televisión hasta que, por fin, cuando tenía 18 años, le proponen formar parte de un musical juvenil titulado “Grease”, haciendo el papel de Doody. Con esta obra de gran éxito recorre durante diez meses todos los Estados Unidos, enlazando con otra no menos exitosa obra musical titulada “Over here on Broadway” (1973) de las hermanas Andrews, ambientada en la Segunda Guerra Mundial. Allí estuvo trabajando hasta 1975, momento en el cual se incorpora a la serie de Televisión “Welcome back Kotter” (1975-1979)), en el papel del atontado pero amable Vinnie Barbarino. Este personaje era el líder de una pandilla de delincuentes en la escuela secundaria y aunque la violencia estaba presente en muchas de sus actuaciones, pronto se convirtió en el sueño de los adolescentes de esa época. Ellos querían imitarle, y ellas querían amarle.
Aunque su trabajo en la serie era secundario, consiguió alcanzar una gran popularidad inmediatamente y pronto se convirtió en una de las estrellas de la televisión, llegando a grabar un disco que fue todo un éxito, aunque el nombre de Travolta fue reemplazado por el de Vinnie Barbarino.

En esa época aprovecha para ganar unos buenos dólares realizando numerosos anuncios publicitarios para la televisión, entre ellos algunos para la Pepsi-Cola, para una marca de gasolina y hasta para una empresa farmacéutica que anunciaba unas nuevas tiritas impermeables. Con este trabajo consiguió ganar el suficiente dinero como para no necesitar trabajar en el cine.
En medio, estuvo su debut cinematográfico en 1975 en la película de terror “La lluvia del diablo”, en donde compartía cartelera con el veterano y eficaz Ernest Borgnine y la actriz Ida Lupino. Su fama en los medios artísticos empezaba a ser notoria y la televisión le ofrece el papel principal en el telefilme “El chico de la burbuja de plástico” (1976.) Esta obra está basada en una historia real, en la cual el protagonista no puede salir de una sofisticada y estéril burbuja de plástico ya que su sistema defensivo no le funciona y cualquier germen externo le puede matar. Buscando conmover al espectador, la película logra su objetivo y las lágrimas fueron tan abundantes como las cartas de sus admiradoras, aliviadas finalmente porque al menos Travolta pudo salir de esa burbuja y conocer el mundo.

En esta película conoció a su primer gran amor, la actriz Diane Hyland, una mujer que tenía 19 años más que John y que en el filme hacía de su madre. Ambos tuvieron un idilio que en principio fue muy criticado por todos, pero que se convirtió en ternura cuando ella enfermó de cáncer y murió bruscamente apenas unos meses después de conocerla. El impacto emocional que sintió fue inmenso, aunque él la acompañó durante todos los días y hasta el mismo día de su muerte, confesando posteriormente que nunca había amado a una mujer como a Diane. Cuando murió de leucemia dijo a la prensa que nunca se había arrepentido de haberla amado tanto, puesto que cuando una relación es correcta y las intenciones de ambos son honestas, el amor es lo único que importa.

El cine

Como resultado de ese telefilme el productor Robert Sitgwood pone su mirada en este joven de ojos azules, barbilla hundida y muecas deslumbradoras, y le ofrece un contrato para rodar tres películas: “Fiebre del sábado noche”, “Grease” y “Momento a momento”. En medio de ello, una corta intervención en la historia de terror dirigida por Brian de Palma “Carrie”, basada en un relato de Stephen King, e interpretada por Sissy Spacek y Piper Laurie.

Cuando Travolta llega por fin a la Paramount no era consciente del éxito que iba a tener, puesto que la primera de las historias era tan simple en el argumento que no presagiaba nada importante. La historia de un muchacho italiano, que sueña con triunfar como bailarín discotequero no daba para mucho, aunque por lo menos la banda sonora era obra del grupo musical Bee Gees. Y así, casi sin darse cuenta, su personaje de Tony Manero se convierte en una guía para los millones de jóvenes que acuden los fines de semana a las discotecas mundiales, al mismo tiempo que impone una nueva imagen del macarra nocturno mucho más seductora, simpática y menos violenta. La explosión de fans en todo el mundo es absoluta, no tiene precedentes, aunque hay quien le acusa de no saber bailar ni siquiera un rock and roll.
En su defensa sale el mítico Fred Astaire, el mejor bailarín, junto con Gene Kelly, de la historia del cine, diciendo de Travolta que puede ser su sucesor y que se ha sentido cautivado por esa manera tan personal de bailar.
Su trabajo como rey de las discotecas de Brooklyn apenas es recompensado por los 300.000 dólares que le pagaron, pero quizá inspirado por un ángel financiero acepta esa pequeña remuneración a cambio de un porcentaje de los beneficios en taquilla y vídeo. Cuando la película se estrena y arrasa en taquilla, Travolta se convierte en uno de los actores con más ingresos de toda la historia del cine, beneficios que aún hoy sigue recaudando.

El éxito

Aunque los críticos no comprenden su éxito y son despiadados con su interpretación, la academia de Ciencias y Artes Cinematográficas le otorga una nominación al Oscar en 1977 por su trabajo en “Fiebre del sábado noche”, perdiendo a favor de Richard Dreyfuss. Después, el éxito se hace aún mayor si cabe con su trabajo en la obra de Randal Kleiser, “Grease”, en la que aunque un poco pasado de años interpreta a un joven estudiante de un colegio que se enamora de una compañera de mirada dulce.
Ella es Olivia Newton-John y junto a un casi desconocido Lorenzo Lamas y al cantante Frankie Avalon, nos cuentan una historia tan romántica y edulcorada que entusiasma a las generaciones de esa época. Desde ese momento, Danny desbancaba a Tony Manero, y arropados por la estupenda banda sonora de Barry Gibb logra convertirse en un suceso solamente parecido al de “West Side Story”.
Sobre esta película, con un argumento tan sencillo que hace imposible justificar su tremendo éxito, debemos recordar que fue interpretada en los escenarios de Broadway inicialmente por el mismo John Travolta y posteriormente por Richard Gere, quien consiguió mantenerla en escena durante dos años consecutivos. El éxito de este musical ha sido tan increíble y resiste tan perfectamente el tiempo, que en Londres lleva ya cuatro años mostrándose en un teatro y su éxito no parece tener final.
El último dato es su reposición en las carteleras mundiales, con un remasterizado de la imagen y la digitalización de la banda sonora, que ha supuesto un nuevo triunfo para “Grease” y obviamente para John Travolta. Como curiosidad, hay que decir que existe todavía una recopilación de toda la banda sonora de la película interpretada casi exclusivamente por el propio Travolta y que recomendamos a todos los aficionados a que la compren.

El fracaso

Y en ese año ocurre algo que desconcierta totalmente a público y productores: John Travolta fracasa rotundamente con su tercera película, “Momento a momento” en la que tiene como compañera a Lily Tomlin y su descenso es tan meteórico como su anterior ascenso al estrellato. Inexplicablemente pasa a ser considerado un actor fracasado, un fuego de artificio de verano, y la productora se niega a renovarle su contrato. Travolta no está arruinado, sigue siendo uno de los actores más ricos del momento, pero su cotización como actor está al mínimo y su agente no encuentra una película digna para retomar su éxito pasado.
Desilusionado por su rotundo fracaso, por la muerte casi simultánea de su amor Diane Hyland y de su propia madre, rechaza las nuevas ofertas que le proponen, entre ellas algunas tan interesantes como “Oficial y caballero”, “En busca del arca perdida”, “American Gígolo” y “El padrino”. Todas ellas fueron rotundos éxitos de taquilla y de crítica, y podrían haber supuesto mayores triunfos para Travolta que sus dos anteriores musicales, pero mal aconsejado y deprimido por su vida privada, decide refugiarse en la Cienciología, una rama religiosa fundada por L. Ron Mubbard, que pregona la felicidad mediante la potenciación de nuestras cualidades intelectuales. Aunque para sus detractores esta secta es sumamente peligrosa, para John Travolta supone un soporte moral imprescindible y se convierte en uno de sus máximos defensores y propagadores.

Dos años después retorna al cine con una obra de pretendida calidad artística titulada “Urban Cowboy”, a medio camino entre la comedia musical ambientada en la juerga nocturna y el western, que tampoco consigue recuperar su prestigio, aunque al menos no supone un fracaso comercial. En esos días tuvimos oportunidad de conocer en persona a Travolta y hacerle una entrevista que les mostramos en otro capítulo de este libro. Su imagen era igual a la de la pantalla y nos cautivó a todos por su simpatía, sencillez y ganas de confraternizar.
Decidido ya a volver a ser un personaje popular, estudia con esmero sus nuevos papeles y acepta trabajar en un thriller junto a uno de los directores más prestigiados, Brian de Palma, en la película “Impacto”, nueva versión del filme de Antonioni “Blow up”. Pero a pesar de todo, la película tampoco es un éxito e intenta, junto a su amigo Silvester Stallone, recuperar el personaje de Tony Manero con el filme “Staying Alive” (1983.) Para conseguir recuperar la buena forma física de años atrás (tenía ya 31 años), se somete a un duro entrenamiento en un gimnasio de culturismo, además de aprender nuevas técnicas de baile más modernas. Si el lector ha visto la película tendrá que reconocer que la transformación física es impresionante, quizá demasiado, y la cámara no pierde ninguna oportunidad para mostrar a Travolta con el torso desnudo para que luzca sus buenos pectorales.

Pero nuevamente las cosas fallan, o quizá es que el público ya no disfrutaba con ese personaje, y lo cierto es que a pesar de la buena publicidad y del esfuerzo de todos, el filme apenas logra salir de la mediocridad. Por si fuera poco, la actriz Cythia Rhodes, su pareja en la película, se muestra tan terriblemente inepta para el baile que hasta un pato es capaz de hacerlo mejor, sin que nadie se explique las razones para incluirla como actriz de reparto. Torpe, frágil, y con unos músculos tan flácidos que presagiaban romperse, es la antítesis de la prestigiada Olivia Newton-John, quien por cierto nunca se explicó la razón para excluirla en esta secuela de “Fiebre del sábado noche”.
En 1983 rechaza un proyecto para hacer una comedia casi infantil, un cuento de hadas titulado “Un, dos, tres...¡Splash!, cuando uno de sus agentes artísticos le avisa de que es una idea demencial, especialmente porque el actor Warren Beatty está rodando una película similar. El filme, que fue un éxito protagonizado por Tom Hanks, estaba dirigido por su amigo Ron Howard, quien siempre le había aconsejado acertadamente sobre los proyectos que debería aceptar.

Pero alguien debió pensar que el secreto para el relanzamiento de Travolta estribaba en volver a emparejarle con Olivia, y bajo la dirección y guión de John Herzfeld, un desconocido antes y ahora, nos vuelve a protagonizar una historia de amor y canciones, ayudados por sus compañeros de reparto Oliver Reed y Charles Durning. Nuevo fracaso, aún más espectacular que el anterior, que le obliga a mantenerse apartado de la pantalla durante más de un año, hasta que alguien le saca de su aturdimiento para que trabaje en otra película dirigida al público juvenil titulada “Perfect” (1985.) Ambientada ahora en el mundo popular de los gimnasios, en pleno furor del aeróbic, vemos a Travolta moviéndose con cierta precisión a las órdenes de la profesora Jamie Lee Curtis, quien nos muestra igualmente las ventajas de hacer gimnasia, al menos en cuanto a estética corporal. Esta actriz logra absorber el interés de los espectadores y la figura de Travolta queda totalmente oculta ante su presencia.

Ante estos nuevos fracasos su agente artístico le recomienda que desaparezca durante una temporada de la escena, hasta que les llegue un nuevo proyecto que le asegure su retorno triunfante. Pero este propósito no es algo que se pueda lograr con una simple intención ni con una planificación de marketing, y al menos para reflexionar John Travolta decide refugiarse en su vida privada del rancho Carmel. Allí hace unas declaraciones a la prensa muy emotivas, en las cuales manifiesta que ser popular es solamente una cuestión de moda y que puede desaparecer en cuestión de días. También aprovecha para quejarse de la prensa y de los críticos que nunca tuvieron en cuenta el gran triunfo de algunas de sus películas, y les acusa de decir que era un pésimo actor y un mal bailarín.

“Se olvidan, alegó, que he sido nominado al Oscar como el mejor actor por “Fiebre del sábado noche” y que he practicado baile durante años en la academia de Gene Kelly”.

Existe un hecho oculto en su biografía que hasta ahora nunca se había mencionado y es el relativo a su trabajo como publicista, al haber intervenido en un anuncio para una empresa japonesa anunciando un champán de gran prestigio. Afortunadamente ese anuncio nunca fue visto en occidente, y el prestigio de Travolta quedó a salvo.

Años de incertidumbre

Decididamente, Travolta tenía que abandonar para siempre su personaje de bailarín de discoteca, no tanto por lo reiterativo sino porque ya había una nueva generación que esperaba otras cosas. En 1989 decide realizar dos pequeños experimentos para probar su nueva reincorporación al cine. Rueda para la televisión “Expertos”, junto a Kelly Preston, una guapa actriz de la cual se enamora y con quien se casa dos años después (Kelly había estado unida sentimentalmente a George Clooney y Charlie Luster.) Ambos interpretan a unos personajes por los cuales ningún actor estaba interesado, puesto que los protagonistas serían unos bebés, mientras que los adultos se limitaban a ser objeto de sus burlas y críticas. Pero la directora del filme, Amy Heckerling, autora igualmente del guión, estaba convencida de que era una buena idea y le presiona para que acepte el trabajo. El resultado es uno de los mayores éxitos de taquilla de todos los tiempos y un retorno a las películas de niños y para los niños, en la cual trabajó incluso Bruce Willis cediendo su voz a uno de los pequeños protagonistas.

En ese momento miles de aficionados se dan cuenta que todavía existe un legendario actor juvenil llamado John Travolta, y aunque algo más maduro y con algunos kilos de más, les demuestra que aún puede ser un valor seguro para las productoras. El actor Michael Douglas, uno de sus más devotos admiradores de años atrás, le ofrece trabajar en “De pura raza”, un filme dirigido por Robert Harmon, enlazando con otro telefilme titulado “Boris y Natasha” de Charles Martin Smith y finalizando con “Cadenas de oro” dirigida por Rob Holcomb.
Pero estos telefilmes no le aportan ningún prestigio y aunque acepta interpretar de nuevo una secuela de “Mira quien habla”, titulada “Mira quien habla también”, es consciente de que ese no es el camino correcto para volver a ser noticia. Su nuevo trabajo con “Grita” de 1991, con coreografía del mismo autor de “Flashdance”, Jefrey Hornaday, no consigue sacarle del olvido y se aparta dos años del cine, mientras recibe ilusionado la noticia de que va a ser padre.

Como quiera que la nueva situación familiar le saca del aturdimiento moral en el cual estaba inmerso, acepta interpretar la tercera entrega de “Mira quien habla ahora” en 1993, a la cual aportan sus voces Diane Keaton y Danny DeVito. Y contra todo pronóstico, la vida de Travolta se manifiesta esplendorosa, feliz y así lo manifiesta a la prensa en sus numerosas entrevistas, dejando bien claro que nunca ha estado apartado del cine y que sigue trabajando cada vez que así lo desea.

Nuevo triunfo

Y en 1994 un antiguo admirador suyo, quien solamente había dirigido “Reservoir Dogs”, llamado Quentin Tarantino, le llama por teléfono y le cita en el restaurante del hotel Four Seasons de Los Angeles, para un proyecto cinematográfico que giraría en torno a la violencia. Cuando Travolta le escucha el argumento, no se siente atraído por un tema que rechaza de antemano y solamente cuando se da cuenta que se condena las drogas y que los malos acaban castigados, es cuando acepta interpretarla. Tarantino llevaba muchos años con la intención de trabajar con John Travolta, convencido de que no había sido una casualidad que hubiera sido nominado a un Oscar al mejor actor y que solamente era cuestión de hacerle trabajar en el papel adecuado. El sueldo que le ofrecía era minúsculo, apenas 140.000 dólares, pero suficientes para pagarse el hotel con su familia mientras dura el rodaje.
En el filme interpretaría a un gángster llamado Vincent Vega, el más despiadado elemento de todos los que el cine había mostrado hasta el momento, motivo por el cual esta película ha sido considerada como una de las más violentas de todos los tiempos. Para Travolta supuso no obstante salir del anonimato de nuevo y ayudado por su familia y su devoción a la Cienciología, se incorporó inmediatamente a la lista de los actores más célebres, resucitando para el mundo de nuevo. Estaba un poco más gordo, era más lento moviéndose y su cabello comenzaba a ponerse plateado, pero seguía conservando esa sonrisa de buen chico que había entusiasmado a toda una generación.

“Pulp Fiction” fue una película aplaudida en el mundo entero, fue nominada para 7 oscars de Hollywood y se le concedió la Palma de Oro en el Festival de Cannes de 1994. Sin embargo, lo más importante es que trajo de nuevo a las pantallas a una gran estrella del cine que prácticamente estaba olvidada.

Ese año y el siguiente, son los dos momentos más importantes en la nueva carrera cinematográfica de Travolta, especialmente cuando vuelve a trabajar con Tarantino en “Atrapado”, compartiendo cartelera con otro antiguo actor recuperado, como es Harry Belafonte, un cantante negro que alcanzó un gran éxito en los años 60 con canciones de Hawai.

La consolidación

En 1995, desp ués de rodar “Atrapado”, se inicia una frenética carrera por recuperar cuanto antes los años perdidos y filma “Cómo conquistar Hollywood”, de nuevo en un desagradable papel como mafioso sin piedad, aunque ahora su personaje está algo más dulcificado. En este filme comparte trabajo con Gene Hackman y Danny DeVito, logrando ya una cotización de 5 millones de dólares. Ese mismo año es premiado con un Globo de Oro por su trabajo en esta película e inmediatamente enlaza con otro thriller de acción bajo la dirección de John Woo, un director oriental que antiguamente había dirigido a Jackie Chan y Jean Claude Van Damme (“Blanco humano”) y que en esos momentos empezaba a estar seriamente considerado en Hollywood. En “Alarma nuclear” interpretaba a un villano bastardo sumamente peligroso, mientras que en su siguiente película, “Phenomenon”, ya en 1996, daba un giro a su carrera cuando hace un personaje tierno y dotado de poderes paranormales.
Después del éxito de “Cómo conquistar Hollywood”, todos los directores de Hollywood están interesados en rodar con él, entre ellos Román Polanski, quien le ofrece 17 millones de dólares por trabajar en el filme “El doble”, un proyecto sumamente interesante. Desdichadamente hay un enfrentamiento profesional entre ambos, director y actor, y en su lugar rueda “Michael”, con Andie MacDowell y Bob Hoskins, una comedia romántica ciertamente sin importancia. Su cotización ronda ya los 10 millones de dólares por película, y con su última película estrenada, “Primary colors”, en la que encarna al Presidente Bill Clinton, consigue un nuevo triunfo.

“Personalmente, el proyecto de Polanski me parecía muy bueno, pero luego empezaron a modificar el guión varias veces y al final todo el mundo quería aportar su opinión para mejorarlo, aunque en realidad lo estaban estropeando. Era una buena historia que no necesitaba reformas y mi personaje finalmente era irreconocible y odioso. Por eso me retiré”.

En la actualidad está trabajando seriamente en su proyecto de llevar al cine a Ron Hubbard, el fundador de la Iglesia de la Cienciología y se confiesa un tradicional padre de familia, enamorado de su esposa y a quien los líos de faldas no le interesan en absoluto. También manifiesta que le gusta hacer el amor tanto como comer y que disfruta pilotando alguno de sus tres aviones particulares.
Vive en Maine, una casa de 20 habitaciones, aunque tiene otra casa en Florida. Poseedor de un Mercedes, un Jaguar, un Ford Explorer y un Rolls Royce, no fuma, ni bebe y trata de consumir una gran cantidad de productos integrales y biológicos.

HABLANDO DE JOHN TRAVOLTA

Mire su mirada y verá en ella un montón de contrastes. En ocasiones tiene una mirada fija y helada como cuando observaba a Danny DeVito en “Cómo conquistar Hollywood”, ninguna similitud con la que tiene en “Michael”, ni tampoco con aquella furiosa que ponía en “Pulp Fiction”.
Cuando ustedes lean este libro Travolta tendrá ya 45 años y ha conseguido reavivar su carrera desde un anterior estado de ignorancia popular, hasta ser nominado en dos ocasiones al Oscar y conseguir un Globo de Oro al Mejor Actor. “Cómo conquistar Hollywood” ha conseguido recaudar hasta ahora 66 millones de dólares de beneficio y ha supuesto la confirmación de su nueva etapa cinematográfica.
En su papel de Chili Palmer, el gángster de Hollywood, demostró que podría interpretar inteligentemente todo tipo de personajes, incluso el de un mudo. Él estaba encantador, incluso cuando tiraba a un gamberro abajo por una escalera espiral. Era adorable, sobre todo al sentarse en uncine mientras recita el diálogo de “Mad City”, y cuando dijo, "Míreme," los espectadores miraban.

Su cotización económica ha subido de manera extraordinaria: Travolta es ahora una de las estrellas mejor pagadas de Hollywood. Después de ganar apenas 140.000 dólares por “Pulp Fiction”, ha ganado 3,5 millones de dólares por “Cómo conquistar Hollywood”. Su cuota en el filme de John Woo “Broken Arrow/Alarma nuclear”, aumentó hasta los 7 millones de dólares, y se dice que ha conseguido 8 millones por interpretar a ese empleado de gasolinera que tiene poderes mentales en “Phenomenon”, de Disney. Posteriormente, ganó 10 millones por ponerse una resbaladizas alas de ángel en “Michael” de Nora Ephron. Para la película de Román Polanski “El doble” le fueron ofrecidos 16 millones, y según comentan, ahora ya está ganando 21 millones de dólares por película.

“Pero hice “Atrapado” por muy poco dinero, puesto que quería volver a trabajar con Laurence Bender, el mismo productor de “Pulp Fiction”. Con algunas películas es necesario correr riesgos, aunque todo depende del tipo de película, el concepto, el presupuesto y el género”.

Este es un ejemplo de un actor que no busca solamente trabajar por dinero y no le importa asumir riesgos si el proyecto le interesa. Para algunos, este riesgo es fácil de asimilar por quien tiene ya una cifra millonaria de dólares en su banco, pero para Travolta, quien ha pasado de la fama al olvido en otras épocas, no es así. Hay que recordar que antes de su nuevo triunfo estaba interpretando papeles infames, incluso compartía cartelera con perros que hablan y bebés que piensan como adultos.

“Incluso en mi momento de más prestigio apenas me ofrecían guiones, a veces uno por año. Ahora no tengo tiempo para leer la cantidad de guiones que me llegan. Soy totalmente consciente de lo extraño que es ser popular, de lo agradable que es, y de la facilidad con la cual el público y las productoras olvidan”.

¿Examina ahora minuciosamente sus próximas películas, consciente de que puede volver a desaparecer?

“Si he de ser sincero, si yo me atreviera a mirar por encima de mi hombro, al pasado, no volvería a hacer ciertas cosas. Afortunadamente ahora estoy tan ocupado que no tengo tiempo para valorar los riesgos que pueda estar cometiendo”.

EL REGRESO DE TRAVOLTA
MOMENTO CULMINANTE:

John Travolta fue una superestrella con “Fiebre del sábado noche”; después, con “Pulp Fiction” de Quentin Tarantino, y ha recobrado eso que la mayoría pide: aprobación. Cuando le ofertaron “Pulp Fiction” le costó mucho decidirse, puesto que ello suponía romper su imagen de actor amable y cariñoso y embarcarse en un proyecto en el cual la gente le podía odiar por su maldad. Tuvo que tomarse varios días de reflexión para aceptar el trabajo y, además, rechazar otras ofertas supuestamente interesantes que le llegaban.

Lejos estaba ya el año 1978, en el cual John Travolta era el centro del universo cinematográfico. En esa época era un actor atrevido y absolutamente seguro de sí mismo que vestía ropa impecable, tomaba el sol frecuentemente para estar siempre bronceado y sabía que solamente con su nombre se le abrirían todas las puertas. “Fiebre del sábado noche” le había dado todo lo que una persona puede desear en la vida.
Las revistas, y especialmente “Time”, le compararon con Robert De Niro, Al Pacino y Dustin Hoffman, demostrando que con solamente una película había alcanzado tanto renombre mundial como Rodolfo Valentino y Los Beatles. Cada giro de cadera suyo, cada sonrisa, hacía desmayar a millones de jovencitas del mundo entero.

“Fiebre del sábado noche” acumuló 350 millones de dólares y le aportó una nominación al Oscar por su interpretación como Tony Mannero. El mismo año, su actuación como Danny Zuko en “Grease” ayudó a que la película se convirtiera en uno de los más aprovechables musicales de todos los tiempos, consiguiendo recaudar 400 millones de dólares. Después, su estrella se vio eclipsada totalmente por actores como Richard Gere, Kevin Costner, Michael J Fox, Tom Cruise, Mel Gibson, y hasta por Macaulay Culkin.
Tuvo su interpretación más horrible en “Vivir el momento” (1979), y bastante risible en “Perfect” (1985.) Además, vivió una tragedia personal con la muerte de su novia Diana Hyland, fallecida durante el rodaje de “Fiebre del sábado noche” y un año después también falleció su madre. La prensa, como ya es habitual, no tuvo en cuenta sus anteriores éxitos, ni piedad alguna cuando solamente le mencionaban como el actor fracasado que había engordado mucho.

Entrevista

Cuando mantuvimos esta entrevista, Travolta aún nos recordaba a aquél joven que bailaba con ademanes chulescos en las discotecas. Con sus ojos brillantes, su hoyuelo en la barbilla y sus muecas encantadoras, lograba emanar un fuerte calor cordial, muy habitual en toda persona que ya empieza a vivir su otoño. Es consciente de que tiene mucha suerte en la vida y que necesita corregir ciertos errores de su pasado para que no se vuelvan a repetir. Desde los años 90, es ya uno de los actores más cotizados de Hollywood.

“Conseguí triunfar cuando pensé que debía aceptar simplemente lo que me ofrecieran”.

- Y entonces se hizo el milagro en forma de un casi desconocido hombre de Hollywood llamado Quentin Tarantino, quien le propuso interpretar en “Pulp Fiction” el papel de ese matón empapado en heroína llamado Vincent Vera.

- Era como si yo entrara a formar parte de un mundo que siempre había rechazado. Drogas y violencia no son cosas que formen parte de mi vida.

- Parece que fue Tarantino quien más le presionó para que hiciera un papel tan diferente, asegurándole que sería capaz de hacerlo sin problemas.
- Bueno, Quentin se confesó un admirador mío desde mis años de Tony Manero y me aseguró que si confiaba en él me podía convertir en el nuevo Montgomery Clift. Luego resultó que no me compararon con Monty, sino más bien con De Niro y Al Pacino.

- Creo que la gran ventaja de escogerle a usted es que su personaje no era predecible. Estos actores que ha mencionado tienen su ritmo y los espectadores esperamos que se comporten de una manera determinada, pero con usted nadie podía saber lo que sucedería.
- Creo que me pusieron en el centro del filme de una manera deliberada, para que robara protagonismo a actores tan populares como Bruce Willis y Uma Thurman.

- Elvis, Marilyn, James Dean, es duro reconocer que es sumamente difícil ocupar un lugar en la historia del cine como ellos ya lo han logrado. ¿Sueña con formar parte algún día de este grupo de mitos?
- Simplemente es terrorífico creer que algún otro actor puede hacerles sombra. En la vida hay sucesos y personas irrepetibles y ellos son un buen ejemplo. Yo solamente soy un actor que se entrega con entusiasmo a cada nuevo proyecto que tengo en mis manos.

- Es suficiente, ¿no cree?
- Un amigo mío que vio la película “Pulp Fiction” me dijo: estás tan perfecto en tu personaje que resulta imposible encontrar la diferencia entre Travolta y Vincent Vega. Hay momentos en los cuales no veía a Vincent, sino a John. Insistió en que soy ya un icono y una referencia para la mayoría de los nuevos actores.

- ¡No está mal ser un icono, una referencia obligada!. ¿Qué recuerda de sus primeros años, de su vida con sus padres?
- Recuerdo más a mi madre, vestida con pantalones tejanos y suéter, más que a mi padre, especialmente porque vivió muchos más años a mi lado. Mis otros hermanos, Ellen, Sam, Margaret, Anne, y Joe, trabajan en medios de comunicación. Me recuerdo como un chico tranquilo, pacífico, con las obsesiones típicas de la niñez en cuanto al sexo, drogas y las guerras. También tengo un especial cariño al filme “Mary Poppins” que vi cinco veces seguidas, y a la canción de los Beatles “Qué Noche la de aquél día”, que escuché diez veces seguidas el día que compré el disco. También veo en mi memoria aviones de juguete y a un amigo negro que me enseñaba a bailar.

- ¿Considera que era bien aceptado por sus amigos?
- Yo quería que todos me aceptasen. Como cualquier adolescente trataba de integrarme en mi grupo y pensaba en encontrar pronto un trabajo que me permitiera independizarme. Intenté ser mozo en el aeropuerto, aunque como era muy ambicioso apenas duré un día.
- Creo que ya entonces estaba pensando en ser actor y por eso me comportaba muchas veces en mi vida privada como si estuviera interpretando un papel. Lo que sí recuerdo es el viaje que hice hasta Manhattan para quedarme con Anne.

- Hábleme de sus comienzos en el cine.
- Eso ocurrió cuando tenía 18 años, en el momento en que interpretaba el musical “Grease” en un teatro. Me propusieron rodar un par de películas de terror, como “La Lluvia del Diablo” y “Carrie”, en esta última haciendo un malvado papel como el chico que tira sangre de cerdo encima de Sissy Spacek. Después llegaría mi trabajo en la serie de televisión “Welcome back Kotter”, en la cual hacía de Vinnie Barbarino, llegando a tener un club de fans con 10.000 socios.

- Y entonces aterrizó con “Fiebre del sábado noche” y el mundo se cayó a sus pies intentando imitarle en las discotecas.
- Cualquiera duda sobre la facilidad con la cual caen estos iconos y la rapidez que tienen para desaparecer, queda ya demostrada. En esa época en cualquier boda, fiestas de oficinas, salas de fiestas y guateques, eran normal ver a los bailarines levantar el brazo en posición oblicua mientras bailaban, imitando mi personaje de Manero. Creo que todos imitamos en algún momento a algún personaje famoso.

- Y un año después, el primer fracaso.
- Es imposible predecir los gustos del público. El guión no era malo, aunque era difícil de creer esa historia de amor. “Vivir el momento” supuso un desprestigio para mi carrera, aunque creo que en realidad mucha gente y la mayoría de los críticos, se alegraron de mi fracaso. El problema es que coincidió con la muerte de Hyland y mi madre.

- Y también rechazó papeles que luego se demostró eran muy interesantes.
- Es que el cine es una lotería. El guión de “Oficial y caballero” me pareció muy pueril, algo para quinceañeras y yo quería dejar atrás mi imagen juvenil. Para Richard Gere supuso su salto a la popularidad.

- Si seguimos mirando retrospectivamente vemos que otras películas aparentemente buenas fueron igualmente unos fracasos, como es el caso de “Impacto” y “Cowboy de ciudad”.
- En mi opinión ambas películas son muy buenas y en ellas hice un buen trabajo. Ya tenía 26 años y empezaba a darme cuenta de cómo era el mundo real, pero hasta entonces estuve muy protegido y tomaba mis decisiones con el corazón y no con el cerebro. Nadie sabe qué hubiera sido de mí sino hubiera entrado en Dianética y Cienciología.

- Pero hay mucha gente que critica esas filosofías.
- Para mí, la Cienciología te proporciona más habilidades en tu trabajo y te da cualidades suprahumanas. No hay nada malo en ello y ese el motivo por el cual están ahí personas tan famosas como Tom Cruise, Nicole Kidman, Priscilla Presley y Kelly Preston. Nadie nos obliga a seguir allí, estamos por convencimiento propio. Si usted la visita, encontrará un lugar de culto situado en Beverly Hills, un lugar al que muchos llaman La Iglesia de las estrellas.

- ¿Cómo se introdujo usted en esa creencia?

- Fue gracias a la actriz Joan Prather, durante el rodaje de “La lluvia del diablo”. Ella había sido antes practicante católica y cuando conoció la doctrina de L. Ron Hubbard se cambió. Cuando me inicié yo solamente estaba tratando de sobrevivir y cada trabajo que hacía lo consideraba solamente como una manera de seguir vivo. Esta muchacha realmente era muy decente y me dijo que me podría ayudar y me entregó el libro de Dianética, titulado “A través de la mente”. En su lectura se mezcla la parte física con el dolor emocional, el dolor físico con las emociones y se nos enseña a no valorar tanto los dolores emocionales. Yo era entonces muy inocente, fácil de engañar, y de dañar, poniendo un exagerado celo en tratar de agradar a la gente. Era como una persona que recogía palos que luego entregaba a la gente que me iba a pegar con ellos.

- ¿Y lo de rodar “Perfect”?
- La idea no era mala, había romance, deporte y un pequeño enredo policíaco. Lo increíble de ello es que por esa película tuve que conceder casi 500 entrevistas, la mayoría de ellas que motivaban al desprecio o a la risa. No me puedo imaginar que a tan malos periodistas les paguen un sueldo. Uno de ellos me comparó con el hombre de Neandertal, otro más atinado con Warren Beatty y el resto lo hizo con un camaleón, el nuevo Fred Astaire y solamente uno empleó el término “persona inteligente”.

- ¿Tuvo problemas económicos en esa época?
- Los suficientes para tener que vender mi rancho en 1988, los aviones y todos mis coches, menos el Mercedes. De allí me marché a Daytona Beach, Florida y empecé a engordar. Puesto que estaba seguro de no volver a trabajar en el cine no encontraba motivos para cuidarme. Cuando, en 1990, hice aquello de “Mira quién habla” triunfé de nuevo, y eso que era una película de bajo presupuesto en la cual no confiaba nadie. Pero los 250 millones de dólares de beneficios dejaron bien claro que nadie tiene el secreto del éxito.

- ¿No sintió tentaciones de volver a bailar en la pantalla?
- Ninguna en especial. Lo que quisiera contarle en un hecho que apenas conoce el público y es que el 13 de septiembre de 1991 estuve cenando en la Casa Blanca con Catherine Deneuve y la Princesa Diana.

Un día en el rodaje de “Pulp Fiction”

Era realmente una toma muy larga, con una tonelada de diálogo, un movimiento de cámara enorme, y se estaba intentando hacerlo en una sola toma. En escena una pareja de actores, unas correcciones al final, y en ese momento John diría una palabra y entonces se callaría. ¡Corten!. El director se dirige a John y le pide que no deje de hablar, que haga la escena completa puesto que así no es válida. También insiste en que no tienen tiempo de repetir más veces.
Y entonces, Tarantino hace una toma que era completamente terrorífica y dice: ¡John, eres grande, maravilloso!. ¡Excelente! Hagamos unas más así. Todo comienza y se hacen una y otra que mejoran incluso la anterior. Se vuelve entonces y dice: ¿Te das cuenta qué clase de amor has puesto? Ni siquiera yo podía pensar que pudieses funcionar tan bien. John Travolta llevaba una temporada pensando sobre su popularidad. Iba a cumplir próximamente los 41 años y recordaba que Elvis vivió precisamente esa edad, mientras que Marilyn Monroe solamente llegó a los 36 y James Dean a los 24. Si él conseguía triunfar de nuevo a los 41, daría por bien empleado todo su esfuerzo.

Un sueño de John Travolta

“Me vi en una escena con Uma en un lugar que podía parecer un restaurante, pero que en el sueño significaba el purgatorio o quizá el limbo. Me desperté llorando porque tenía una pesadilla que Quentin me había contado anteriormente. Me había dicho que él había soñado que yo salía con Marilyn y James Dean, y que me moría junto con ellos. Creo que en realidad era un bonito sueño, ese de verme reunido en la otra vida con esos actores tan populares”.

Un crítico del TIME dijo en 1955 a propósito de “Cómo triunfar en Hollywood”:

El anterior ídolo adolescente John Travolta ha tenido sus épocas altas en su carrera y sus épocas bajas. Ahora podemos considerar como una buena época su película “Cómo conquistar Hollywood”.
No hay nada más deprimente que encontrar a un tipo tan duro como una roca y tan malo como la suciedad. Nosotros tenemos una necesidad profundamente sentimental de creer que una persona dura exteriormente invariablemente esconde una gran dulzura y anhela comportarse decentemente. La idea es que esa dureza queda enmascarada con más dureza aún si es posible, y esos personajes corresponden fielmente a la realidad. Pero cuando ese comportamiento nos lo muestran en la pantalla, en un lugar en el cual vamos a disfrutar un par de horas, nuestras sospechas se confirman y nos damos cuenta de la verdad sobre la naturaleza humana.

Ha sido el destino peculiar de John Travolta que tuviera que personificar a ciertos delincuentes modernos, unas personas de pésimo lenguaje que llevan pantalones ajustados y lucen un corte de pelo más parecido a un ganso, pero que son tan peligrosos como su mirada y comportamiento indican.
Después de interpretar durante dos décadas personajes adolescentes en películas como “Fiebre del sábado noche” y “Grease”, ahora, con 41 años, ha sido capaz finalmente de interpretar papeles de adulto y convertirse en una nueva estrella.
Su giro como Vincent Vega, el amenazante hombre de “Pulp Fiction” (1994), un filósofo con el lenguaje, un hombre que sabe bailar, y un adicto a la heroína, le proporcionaron una nominación al Premio de la Academia. La película ganó el aplauso de esa minoría de nosotros que pensamos que las películas contemporáneas, lejos de ser demasiado violentas, están mostrándonos una gran cantidad de banalidades. Después Travolta ha vuelto como otro matón, incisivo y soñador, en “Cómo conquistar Hollywood”, también una inteligente y astuta película, aunque no tan violenta como “Pulp Fiction”, por lo que gustará a más público.

Chili Palmer es un prestamista de Miami, el tipo de buen compañero que puede romper la nariz de su competidor y con un pellizco hacerle una brecha en su cabeza, mientras que en todo este rápido proceso ni siquiera sube el tono de su voz, ni pierde su pequeña sonrisa. Él se parece demasiado a su impecable Vinnie de “Pulp Fiction”.
Ahora su droga de opción es mucho menos amenazante, puesto que se trata del cine antiguo.
También es un tipo que se puede identificar con algún personaje de “Río bravo”, con el oído siempre atento a escuchar conversaciones en el cuarto de al lado, o hablar con voz hueca todo su diálogo.
Imagine el deleite que el pendenciero guardaespaldas Chili tiene cuando tiene que averiguar algunos asuntos turbios del negocio y para ello debe viajar a Tinseltown, en donde tendrá que cobrar algunas deudas pasadas. Indudablemente él ama su trabajo, especialmente cuando hace frente a unos narcotraficantes.
Basada bastante fielmente en la obra de Leonard Elmore, “Cómo conquistar Hollywood” es significativamente un libro sobre la historia de Hollywood. Quizá porque trata del negocio del cine, y especialmente por el gran poder que posee, Leonard omite el desprecio con el cual otros novelistas gustan de recrearse cuando cuentan historias sobre el mundo del cine.

Como todas las sátiras de Hollywood, “Cómo conquistar Hollywood” entiende que las personas de la película son melodramáticas, con una tendencia infortunada a conseguir que les amen, aunque normalmente aborrecen a quien lo hace. El guión de Scott Frank y el director Barry Sonnenfeld, también explica que esto puede crear una confusión en el espectador, en el sentido de buscar compasión por las estrellas del cine. No es así, puesto que la moraleja final pretende solamente un poco de sentido común para que entiendan que esos profesionales se ven inmersos en dos mundos totalmente diferentes: su vida privada y sus personajes de ficción.

La evolución de un actor

Durante esta época, John Travolta manifestaba una gran curiosidad y estaba muy receptivo para analizar los cambios que se habían dado en el mundo del cine, llegando a creer en una ocasión que todos se habían vuelto locos. Su modo de trabajar no era nada calculado, como si siempre estuviera preguntándose cómo sería la siguiente frase que tendría que decir, quizá en un intento de sorprender a todos los que le estaban mirando. “Cuando yo decía ¡Acción!, - dice Sonnenfeld -, nunca sabía si John haría la próxima toma en inglés, japonés, español o francés. Es muy difícil no jugar con John, puesto que parece tener una gran bolsa de juguetes, y usted se vuelve un niño alrededor de él y quiere jugar con sus juegos”.

Probablemente esto ocurre porque anteriormente fue considerado como el joven más sexy en el planeta y ahora trata de demostrar que puede ser un actor correcto en cualquier papel, llegando a trabajar en empresas desesperadas como “Vivir el momento” y “Perfect”, por no mencionar proyectos pensados solamente para el mercado del vídeo, como “De pura raza”. Incluso cuando logró cierto éxito como en “Mira quién habla”, fue objeto de desprecio en todos los círculos artísticos. Y por el camino, rechazó buenos proyectos como “Arthur, el soltero de oro” y “Oficial y caballero”.

“Probablemente estaba meno s preocupado con mi carrera que otros. Siempre tenía la oferta de algún trabajo, aunque la mayoría no eran importantes. La primera vez que se escribió un guión pensando en mí para interpretarlo fue con “Cómo conquistar Hollywood” y cuando lo leí nadie tuvo que presionarme para que aceptara el trabajo”.

Después cambió de opinión cuando habló con el escritor director de “Pulp Fiction”, Quentin Tarantino, que se ha hecho su consejero extraoficial. “Mira, hombre, ¿qué está pasando aquí? No puedes decir que sí a cualquier historia”.
Finalmente, después de insistir sobre los diálogos de la novela, el guión fue restaurado. En una escena dicen algo como: “¿Dónde está mi chaqueta? Mejor la encuentras porque me costó 400 dólares”. Pero en el libro estaba lo siguiente: “¿Usted ha visto una chaqueta de cuero negra, larga hasta los dedos, con solapas grandes? Si no la encuentra me debe trescientos setenta y nueve, que son las que pagó mi esposa por ella”. Travolta aceptó interpretar la película, y aunque se tardaron tres semanas en rehacer el guión, todas las reformas expuestas por él fueron aceptadas.

Su próxima opción en su carrera era más dudosa. “Atrapado”, que debía hacer sido realizada hace un año, es una fantasía sobre un futuro en el que los negros americanos y los blancos intercambian su estado social y los gobernantes. Fue un trabajo duro que enlazaría con “Broken Arrow”, una película de acción de John Woo, que alcanzó un gran éxito y significó su retorno a las listas de Hollywood.
Pero todavía Travolta no está impresionado por su regreso.

“ Eso es la historia del último año, y antes de eso era una historia en el 89, y antes lo fue del 83 y del 80”, dijo sin ningún rastro de amargor en su tono. “Yo nunca tengo bastante clara la razón por la cual trabajo en el cine, ni por la cual triunfo o fracaso”.

Reconociendo este misterio, él se niega explicarlo. Cuando observa su vida más correctamente, reconoce que siempre ha estado ocupado con algún trabajo y consigue su propósito de “hacer lo que yo quiero en la vida”. Esto incluye una clase de materialismo del cual no quiere liberarse, de ser un millonario que vive como un billonario, y eso lo vemos en los juguetes de adulto que se compra, como varios coches Rolls Royce, una avioneta Gulfstream II con motor de reacción que él mismo pilota, y su mansión en Maine. También incluye el matrimonio con la actriz Kelly Preston (tienen un hijo llamado Jett) y su abrazo a la Cienciología que él acredita como una gran filosofía de vida.

Puede ser la indiferencia clara de Travolta a las sacudidas ascendentes y descendentes de su carrera, lo que explica la falta de comprensión por todo lo que le sucede. A las personas que se mueven en el negocio del cine les gusta pretender que ellos habitan un universo racional, donde usted puede determinar el curso de una estrella a través de una serie de movimientos bien trazados. Paseándose ecuánimemente a través de este universo, Travolta lo define implícitamente como caótico y se aproxima a algunos de sus personajes en el cine cuando va por la vida cortésmente, dulce y espiritual, absolutamente seguro de su propia fuerza.
Una explicación parcial a ese enigma puede venir de James Cagney, un actor que logró dominar perfectamente la dureza con la amabilidad. Cagney también es una persona que se inventó a sí mismo y supuso una influencia clara durante la juventud de Travolta. Cagney explicó en una ocasión: “Hay que convencer a los productores que nos necesitan, que sin nosotros nada funcionará. Pero cuando estemos ante las cámaras, hay que hacer solamente lo que pensemos que es correcto, de la mejor manera que sepamos. Si escuchamos a todos los payasos de alrededor, simplemente estaremos muertos como actores”.

Última Entrevista

John Travolta es a las películas lo que Richard Nixon es a la política y lo que Lázaro es a la religión. En otras palabras, es una de esas personas que poseen una historia que les hace retroceder en el tiempo.
En los años 70 Travolta tenía un doble éxito con “Fiebre del sábado noche” y “Grease”, pero cuando hizo “Vivir el momento”, junto a Lilly Tomlin, las películas sobre este chico de oro se convirtieron en la escoria del cine.
“Cowboy de ciudad” en 1980 fue el primer retorno de Travolta que rápidamente le llevó a un nuevo desastre con películas aún más malas. “Perfec”, “Tal para cual”, y “La fiebre continúa”, en la que el director Sylvester Stallone intentó volver a la popularidad a Travolta, fue un nuevo intento fallido.

¿Tenía Travolta que esperar hasta 1989 para su segundo retorno co n “Mira quién habla?”. ¿Podemos considerar esta película como un regreso digno? La trilogía “Hablando”, a pesar de sus grandes beneficios en taquilla, nunca ha podido considerarse un éxito, al menos para los actores adultos.
Lo cierto es que Travolta tenía que esperar hasta llegar a “Pulp Fiction”, en la cual el director Quentin Tarantino reinventó esencialmente la dulzura de los personajes violentos, transformándolo en un hombre de impacto. La tercera etapa en su carrera es definitivamente aún mejor y en ella Travolta logra afianzarse como gran estrella con tres nuevas películas: “Atrapado”, “Como conquistar Hollywood” y “Broken Arrow”. ¿Le tendremos ya así para siempre? John dice que posiblemente no.

- “Pulp Fiction” realmente dio la vuelta a su carrera. ¿Cómo ocurrió esa oportunidad?
- Quentin Tarantino me presentó el guión y me dijo: “yo no le diré nada sobre eso, pero me gustaría que lo leyera, porque creo que debe hacerlo. No podré pagarle mucho dinero por su trabajo, pero no debe despreciarlo solamente porque el presupuesto es muy bajo.

- ¿Fue una lección que aprendió para siempre?
- Es una lección buena para cualquiera. El material bueno siempre llevará a otro material bueno. Me costó dinero hacer “Pulp Fiction”, pero los resultados fueron estupendos.

- Como resultado de “Pulp Fiction”, usted está cobrando millones por “Broken

Arrow” y “Cómo conquistar Hollywood”.
- Yo estoy recuperando mi prestigio durante los últimos dos años y ahora ya puedo
pagar las facturas del Nuevo Año. Si tengo suerte, me pondré al día en un año.

- ¿Y bueno para su estado de mente?
- Sí. Yo no puedo dormir bien si no siento que estoy intercambiando mi trabajo con el público. Tengo que sentirme como si estuviera haciendo lo mejor en mi trabajo. Por otra parte, no siempre me siento feliz, porque todavía considero que no he tenido oportunidad de hacer un gran trabajo, porque el material no es tan bueno como pudiera ser.

- ¿De todos los personajes que usted ha interpretado en la pantalla, con cual se identifica mejor?
- El personaje que he interpretado que más se acerca a mi personalidad es el de “Mira quién habla”. Ese soy yo mismo, no al completo, pero sí en la mayoría de las facetas. Todos los otros tipos son solamente personajes del cine.

- Pero ningún otro tomaría esa película en serio como una visión de usted.

- Parecería que no soy yo si no apareciera en los créditos y más de uno tendría que hacer un esfuerzo visual para reconocerme. Pero para mis amigos ese personaje es el John Travolta real. Yo la encuentro muy divertida porque soy muy afectuoso, emocional, y una persona de conciencia. No sé si consigo lo mismo en “Mira quién habla también”.

- Si me permite discrepar, yo no veo eso que usted dice en "Mira Quién Habla"
- Me recuerda la mayoría de mi personalidad porque no estoy haciendo ningún personaje de cine. Cuando estaba rodándola pensé: ¿Me encontrará alguien interesante? La realidad es que no estaba haciendo nada interesante, pero mi sorpresa fueron los cien millones de dólares que recaudó en taquilla.

- Cuatrocientos cincuenta millones de dólares después.

- Excúseme, no estaba pensando tan globalmente.

- ¿Piensa usted que ha cambiado todo demasiado desde sus primeros días en

Hollywood?
- No es demasiado diferente, pero he enriquecido mi vida con esas experiencias de los
últimos veinte años. Creo que ahora soy un ser humano mayor que antes, aunque creo
que ese potencial ya estaba en mi interior.

- ¿Cómo le ha cambiado eso como actor?
- Yo soy el mismo actor sólo que tengo veinte años más de vida y he trabajado codo con codo con muchas personas que han enriquecido mi vida. Eso me hace posiblemente un actor mejor.

- Usted ha sobrevivido a algunos baches reales en su carrera. ¿Hay algún beneficio en haber tenido esos malos momentos en su carrera?
- Sí, porque yo los escogí. Cuando yo he hecho alguna película, nadie es más responsable que yo mismo. Quizá debería haberme ido de safari en lugar de filmar.

- Yo tenía la imagen suya como de una persona muy malhumorada.
- Pues no lo entiendo. Ésa no es mi manera de ser. Si alguien le ha hecho pensar que soy así es una mal tipo.

- ¿Es la palabra "regreso” algo equivocado?
- Depende de cómo usted vea un regreso. Para mí, un regreso sólo es el medio para continuar una buena época. Recientemente, y en mi caso, significa que he regresado como actor, pero antes de eso significó que trataba de lograr ser de nuevo popular. Esa palabra tiene un significado mixto. También, cuando las personas dicen regreso, sentimos que tenemos que responder a ello y entonces nos encontramos explicando lo que estábamos haciendo antes del regreso. Explicamos nuestro trabajo y las películas que hemos realizado y lo tenemos que repetir una y otra vez. Hay un momento en el cual digo: “Usted no debe de haber visto ninguna de mis nuevas películas”. ”Mira quién habla” pasó más desapercibida de lo que la gente piensa y para muchos fue solamente una burla. ¿Pero cómo se puede ignorar algo que les dio tanta alegría a muchas personas? ¿Cómo se puede ignorar mi actuación? Todos los que ahora dicen que he regresado de golpe hablan como si durante esos años yo no hubiera hecho nada en la vida, ni en el cine. Es frustrante y agotador. Por aportarle un dato, le indicaré que cuando la gente decía que había desaparecido de la escena aún cobraba dos millones de dólares por cada película, aunque lógicamente no tuvieron un gran éxito.

- ¿Piensa que alguna vez tendrá que soportar otro tiempo de declive?
- Efectivamente, podría ser el próximo año. La única cosa cierta es que todos sabremos que he estado trabajando. Ésa es la única diferencia. Pero puede muy bien que se olvide que he hecho estas tres películas: “Atrapado”, “Cómo conquistar Hollywood” y “Broken Arrow”. Si por alguna razón esas películas no me aportan beneficio, hay que olvidarse de ellas. Y usted dirá, “¿después de “Pulp Fiction” no hizo nada bueno, verdad? Y la verdad es que nunca he estado más cansado en mi vida.

- Hablando de cansado, dijo una vez que quería una familia grande. Ahora tiene un hijo. ¿Dónde están los otros niños?
- Nosotros esperamos tener otro niño ahora, pero mi esposa Kelly Preston quiere hacer unas películas más. Ella hace papeles secundarios en el cine, pero le gustaría hacer algunos trabajos como protagonista antes de que tengamos un segundo niño. Yo entiendo eso; es su cuerpo y para tener una familia más rápidamente ella tiene que razonar mucho y no dejarse llevar por un impulso.

- ¿Cuántos hijos le gustaría tener?
- Nos gustarían tres o cuatro niños. Una familia grande es una bendición. Yo viví en un barrio de familias numerosas y mis padres tuvieron siete hijos, pero en mi bloque había familias de dieciséis. Eso es el Catolicismo.

- Muchos antiguos matrimonios de Hollywood han acabado recientemente en divorcio. ¿Ese es el motivo por el cual usted no quiere vivir en la ciudad del cine?
- Yo no sé si esa sería exactamente una de las razones.

- ¿Dónde está su casa ahora?
- Florida y Maine. Yo apenas disfruto mi vida mejor que llevando una vida vulgar, estando en lugares donde no soy reconocido y sin tener que pasarme todo el día sonriendo a la gente, aunque no tenga ganas. Soy muy perceptivo y me gusta observar lo que ocurre a mí alrededor; por eso prefiero una atmósfera más tranquila.

- Hoy, las personas se burlan de la era de las discotecas, pero con “Fiebre del sábado noche” usted era el gran icono de la discoteca. ¿Fue eso bueno o malo para su carrera?
- Tengo que pensar que era bueno para mi carrera, porque yo era un joven muy impaciente, y luego fui igualmente un adulto muy impaciente. Necesité ese tipo de garantía para lograr seguir con mi carrera. Siempre pensé que era una cosa válida, una manera de trabajar. Era una persona que decía: "Si yo hago 25 películas y no consigo ser popular, dígame que tengo que hacer ahora". Eso es cómo yo me sentía. No me gusta perder tiempo. ¿Estoy suficientemente dotado para ello? ¿Puedo contribuir con algo personal? ¿Es correcto esa forma de pensar?, porque si no lo es, me dedicaré a otra cosa. Necesité ese nivel de éxito para decir, "John, sigue adelante".

A propósito de “Atrapado”

“Atrapado” ' es una película comercial. Un artefacto que busca conseguir llenar las salas de cine.
La escena se centra en una América en la que los negros son los capitalistas gobernantes. Ellos viven en mansiones, controlan los trabajos y miran a las personas blancas como alborotadores pobres, infortunados que no pueden, o no quieren, mejorar su posición. Los blancos viven en los barrios bajos y tienen un pequeño sueldo y ninguna esperanza de mejorar.
El problema del filme es que le falta un aspecto más dramático a este argumento. Podría haber sido un éxito hace 10 años y un tremendo impacto hace 20. Por eso creemos que ha llegado demasiado tarde.
John Travolta, con un personaje muy extraño, interpreta a Louis Pinnock, un hombre blanco que pierde su trabajo, su casa y su familia, todo debido a una equivocación ordenada por la clase gobernante. Cuando tiene que entregar un paquete en la mansión Beverly Hills del jefe de la fábrica Thaddeus Thomas (Harry Belafonte), ve el cuerpo parcialmente vestido de la esposa de Thomas. Solamente por eso es despedido. Buscando vengarse, Travolta secuestra a Belafonte y le pide 3.000 dólares para soltarle.

Ambos actores intentan lograr un trabajo duro. Travolta es bastante eficaz haciendo pensar que está pisoteado y humillado. Belafonte también es eficaz, aunque no tiene que hacer otra cosa que permanecer tranquilo y pensar con elegancia. La cuestión es que nosotros hemos visto este drama antes. No hay nada nuevo sobre eso exceptuando la inversión de las razas, e incluso esto se pone de manera superficial y no hay un solo detalle nuevo. Travolta, como Kelly Lynch, tiene algunos momentos muy creíbles cuando demuestra que ama a su esposa en el momento en que las cosas salen mal. Margaret Avery (candidata al Oscar por “El color púrpura”) hace de esposa de Belafonte. Pero como la película solamente aporta un melodrama rutinario, no hay manera de encontrar interés en este prejuicio racial y cuando lo hace es para motivar risas.
De interés, también, la manera en que la película intenta hacer pensar en un país que ha evolucionado a partir de África, no de Europa, lo que deja el trabajo de los historiadores muy conflictivo. Pero luego vemos que la arquitectura refleja influencia mora y que las estatuas del jardín representan hombres blancos.
Estos detalles pequeños son mucho más interesantes que la historia central, tan predecible que esperamos que alguien la interrumpa para anunciarnos un trailer o “servicio de bar en el entresuelo”.

A propósito de “Cómo conquistar Hollywood”

Cuando “Pulp Fiction” se convirtió en primera película producida por una compañía independiente que lograba recaudar 100 millones de dólares de beneficios, el actor John Travolta se convirtió en la estrella más importante de Hollywood. Con ella consolidó su posición en la industria del cine mediante esta buena actuación como un gángster en ocasiones simpático.

Los días de gloria han pasado para el productor de películas de serie B, Harry Zimm (Gene Hackman), y no ha tenido ningún éxito desde los años 70, y establece contacto con un mafioso de Miami, Chili Palmer (Travolta.) Afortunadamente para Harry, el gamberro está más interesado en producir una película que en romper las piernas de Harry. Chili tiene una historia sobre un tipo que defrauda a la compañía de seguros falsificando su propia muerte en una caída. Puesto que la historia de Chili está basada en un tipo que sabe quién realmente hizo el fraude, todo los detalles parecen auténticos, y Harry da luz verde a la historia.
Pronto, la mayoría de los gángsters quieren tener un papel en esa historia. Después de todo, “¿qué hace una persona en Los Angeles a menos que esté trabajando en el negocio del cine?”. Cada uno de los interesados está intentando conseguir triunfar, aunque finalmente contratan al actor Martin Weir (Danny DeVito) para que interprete el papel, puesto que fue galardonado con un Oscar.

“Cómo conquistar Hollywood” es un vehículo natural para el encanto de Travolta, y también sirve alegremente y las películas de terror de bajo presupuesto, mientras que Delroy Lindo consigue una actuación impresionante como el mafioso Bo Catlett.
Nunca sobrecargando las escenas sangrientas con puñaladas a estilo Hollywood, el director Barry Sonnenfeld y el guionista Scott Frank nos aportaron la justa dosis de humor para no crisparnos. Basado en la novela de 1990 de Elmore Leonard, “Cómo conquistar Hollywood” es una interesante y entretenida comedia.
como lanzamiento a los novatos. Hackman luce su mala dentadura Rene Russo está encantadora como una chica que grita perfectamente en

FILMOGRAFÍA

LA LLUVIA DEL DIABLO The Devil's Rain (1975)

US
Terror
85 minutos Color
Todd-Ao 35

Productor: James V. Cullen y Michael S. Glick
Director: Robert Fuest y Robert Feust
Guión: Gabe Essoe, James Ashton y Gerald Hopman
Fotografía: Alex Phillips Jr.
Compositor: Al De Lory
Efectos especiales: Cliff Wenger, Carol Wenger, Tom Fisher y Federico Farfan

Intérpretes:
ERNEST BORGNINE: Corbis EDDIE ALBERT: Dr. Richards IDA LUPINO: Señora Preston WILLIAM SHATNER: Mark Preston JOHN TRAVOLTA: Danny
ERIKA CARLSON: Aaronessa Fyffe

Un antiguo hechicero, a quien los habitantes de un pueblo han quemado en la hoguera, vuelve de la otra vida e intenta vengarse de los descendientes de sus asesinos. Una historia sobre los adoradores del diablo ambientada en tierras de Tejas que no logra ni siquiera proporcionarnos el terror que anunciaba, especialmente por las desacertadas notas de humor. Bastante logradas las escenas en las cuales vemos a los adoradores de Satán descomponiéndose ante nuestros ojos, lo mismo que los títulos de crédito con las pinturas de El Bosco de fondo.
John Travolta hace su debut en una parte del filme.

Su compañero de reparto: WILLIAM SHATNER

No es una labor fácil permanecer como estrella después de 25 años de estar involucrado en una empresa tan especial y tan monumental como “Star trek”. Shatner no solamente ha sido identificado como el actor más importante de la serie, sino que su fuerza creativa ha dado soporte a las propias películas. Su contribución culminó con Star Trek V: La Frontera Final, que también dirigió y con su acertada participación en “Star Trek VI: generations”. En este punto de su vida, Shatner ha trabajado también como escritor y tiene varias novelas publicadas sobre ciencia-ficción, estando prevista una adaptación de ellas para el cine. Su experiencia en la televisión en la serie T.J. Hooker, en la cual hace un buen papel como policía, le permitió llegar con comodidad a su papel de Capitán Kirk. Shatner es un hombre ambicioso, y su marcha no se ha demorado a través de los años. No es realmente una sorpresa que en su Montreal nativo siga siendo un hombre muy activo. Desde sus comienzos profesionales cuando era un niño en la Canadian Broadcasting Company, pasando por su graduación en la Universidad McGill como economista, trabajó como gerente auxiliar en un famoso festival sobre Shakespeare en Ontario. Estuvo en este festival hasta que se introdujo en Broadway y la TV.

El actor trabajó en series de TV tales como Playhouse 90, Twilingth Zone, The Outer Limits, Alfred Hitchcock Presenta, Estudio Uno y El Fugitivo, mientras que en los teatros de Broadway aplaudieron su trabajo en El Mundo de Suzie Wong, Un disparo en la oscuridad y El idiota. Con tales créditos, Hollywood no podría dejar de considerarle y pronto consigue un pequeño papel en Los Hermanos Karamazov (1958), El juicio de Nuremberg, de Stanley Kramer (1961) y El intruso, de Roger Corman (1962), un estudio sobre el racismo en el Sur.
Cuando interpretó los episodios semanales de Star Trek, entre 1966 y 1969, Shatner pudo entrar definitivamente en el mundo del cine. La serie Star Trek de TV superó todas las predicciones y su popularidad aumentó hasta niveles nunca imaginados.

“El papel que se hace en una película tiene mucho que ver en la popularidad, ya que los que hacemos de justicieros y dirigentes buenos, siempre gozamos de más admiración que los malos. Mi personaje era bondadoso y fuerte a su manera. Me sentía muy a gusto con Kirk y el trabajo me divertía enormemente.".

"Me gusta tener papeles en los cuales sean necesaria una actuación física. Yo soy un vaquero y un viajante y necesito cambiar muy a menudo de ambiente. En los primeros capítulos de la serie tenían una gran cantidad de escenas muy dinámicas, aunque luego alguien pensó que me estaba haciendo viejo para tanto esfuerzo y limitó mis actuaciones; una postura totalmente errónea. Yo quiero participar, no observar”.

El amor del actor por el medio ambiente y la naturaleza es muy grande y considera que es el mayor desafío que tiene el hombre actual. En la mini serie de la televisión por cable “La Voz del Planeta”, que él condujo, expresa muy elocuentemente sus convicciones. Además, patrocina la serie de la CBS “Rescate: 911” con la cual cree que está haciendo un servicio muy útil a la sociedad.
William Shatner ha sido un enamorado de la ciencia-ficción desde hace muchos años y su interés en este tema lo expresa por su trabajo y en la elección de los automóviles que posee, así como por su asistencia a los numerosos eventos que se celebran todos los años en todo el mundo. Aunque Shatner es un apasionado igualmente de la música sinfónica y las obras de teatro clásicas, su pasión sigue siendo el mundo de la fantasía.

“Se supone que ya no tengo nada más que hacer en la vida, ya que mi contribución ha sido muy importante. He sido el Capitán Kirk para varias generaciones y esto es una contribución bastante importante y espero ser recordado por ella”.

“Fui el di rector de Star Trek IV y puedo asegurar que me esforcé al máximo para hacerla bien. Quise mostrarme un profesional del cine y aunque el éxito en taquilla fue menor del esperado, la película resultó bastante correcta. Parte del fracaso fue que coincidió en taquilla con películas de gran impacto como “Batman”, y ese es un rival muy difícil de asimilar.”

Resumen biográfico

William Shatner nació el 22 de marzo de 1931 en Montreal, Canadá.
Está divorciado de su primera esposa y casado en segundas nupcias con Gloria Rand Tiene tres hijas: Lesley (ha escrito una biografía sobre su padre), Lizabeth y Melanie y un hijo, Daniel.
Posee una gran finca con caballos.
Le gusta jugar al tenis y montar en caballo.
Ha cantado en un vídeo musical con la canción "Voices That Care."

Otros trabajos:
Autor del libro “Tek-War”
Autor de las memorias de Star Trek

Dirección postal:

William Shatner
c/o William Shatner Connection PO Box 7401725
Studio City, CA 91604, USA

Filmografía esencial:

Trinity and Beyond (1995)
Atomic Bomb Movie, The (1995)
Star Trek: Generations (1994)[como James T. Kirk]
National Lampoon's Loaded Weapon 1 (1993)[como Gen. Morters]
Star Trek VI: The Undiscovered Country (1991)[como James Tiberius Kirk] Star Trek V: The Final Frontier (1989)[como James Tiberius Kirk, Director y escritor] Star Trek IV: The Voyage Home (1986)[como James Tiberius Kirk]
Star Trek III: The Search for Spock (1984)[como Almirante James T. Kirk] Star Trek II: The Wrath of Khan (1982)[como almirante James T. Kirk] Airplane II: The Sequel (1982)[como Buck Murdock]
Visiting Hours (1981)[como Gary Baylor]
Fright, The (1981)
Get Well Soon (1981)
Kidnapping of the President, The (1980)[como Jerry O'Connor]
Star Trek: The Motion Picture (1979)[como Capitán Kirk]
Riel (1979)[como The barker]
Third Walker, The (1978)[Actor]
Tarántula (1977)[como Rack Hansen]
Impulso (1974)[como Matt Sto the Wildcats]
"Star Trek" (1973) TV Series[como Capitán James T. Kirk]

"Star Trek" (1966) TV Series[como Capitán James T. Kirk]
El juicio de Nuremberg (1961)[como Capitán Byers]
Los hermanos Karamazov (1958)[como Alexi Karamazov]

EL MUCHACHO DE LA BURBUJA DE PLÁSTICO The Boy in the Plastic Bubble (1976)

US
100 minutos Color

Director Randal Kleiser

Intérpretes:
JOHN TRAVOLTA GLYNNIS O´CONNOR ROBERT REED
DIANA HYLAND
RALPH BELLAMY KAREN MORROW

Travolta se ve obligado a vivir en una burbuja de aislamiento porque nace sin sistema defensivo y, por tanto, es presa de cualquier bacteria ambiental. Una mirada monopolizadora hacia un muchacho que tiene que vivir toda su vida bajo circunstancias inusuales, prácticamente desde el nacimiento. Basada en hechos reales, y con guión de Douglas Day Stewart, la historia conmueve. Fue repuesta varias veces en televisión cuando Travolta ascendió al estrellato.

CARRIE

Carrie (1976)

US
Horror
97 minutos Color

Productor: Paul Monash
Director: Brian De Palma
Guión: Larry Cohen
Basado en la novela de: Stephen King Fotografía: Mario Tosi
Compositor: Pino Donaggio
Efectos especiales: Greg Auer y Ken Pepiot Vestuario: Rosanna Norton

Intérpretes:
SISSY SPACEK: Carrie White PIPER LAURIE: Margaret White AMY IRVING: Sue Snell
WILLIAM KATT: Tommy Ross JOHN TRAVOLTA: Billy Nolan NANCY ALLEN: Chris Hargenson BETTY BUCKLEY: Señorita Collins “Carrie” de Brian de Palma, es una película de terror fascinante, con un final que provocó no pocos desmayos y que fue copiado hasta la saciedad por otros directores. Una escena similar la podemos ver cuando el gigantesco escualo de “Tiburón” brincó hacia uno de los protagonistas y nos hizo levantar a todos de nuestras butacas. También es (y esto es lo que la hace mejor) un retrato sobre el comportamiento humano muy acertado. Esta muchacha llamada Carrie no es otro estereotipo producto de la línea de producción del cine de terror; ella es una persona mayor de la escuela secundaria, tímida, bonita, y que vive la misma vida complicada que nosotros hemos vivido cuando teníamos su edad. La diferencia con la realidad, sin embargo, es que ella tiene telekinesia, la habilidad para manipular las cosas sin acercarse a ellas. Es un poder que descubrió gradualmente, y lo liberó en contestación al fanatismo religioso y chillón de su madre. Se manifiesta de maneras pequeñas, como cuando se mira en un espejo y se rompe. Entonces piensa que debe corregir esa tendencia, pero cuando su madre intenta pegarla la lanza atrás contra una cama. Pero entonces, en la noche del baile de graduación...
Bueno, lo que sucede en los últimos veinte minutos de la película afianza todo el argumento anterior y la tensión crece implacablemente, tan inevitablemente, que la palabra fin aparece casi sin darnos cuenta. Ésta no es una película de terror tradicional, puesto que nos muestra una crisis familiar y social muy habitual, con situaciones que hemos vivido varias veces en nuestras vidas.

Cuando ella usa totalmente su extraño poder, nosotros sabemos por qué y la justificamos. Esta clase de desarrollo narrativo no ha sido precisamente el punto fuerte de Brian De Palma, pero aquí nos muestra un regalo, como si fuera un pintor inspirado que trata de hacer su obra maestra y mostrarla orgulloso al público. Parte de su éxito es el resultado de las buenas actuaciones de Sissy Spacek, como Carrie, y de Piper Laurie, como la madre de Carrie. Ellas viven en una casa cerrada apagada, claustrofóbica, donde la madre ha tratado de transmitir su propio miedo a la sexualidad a su hija, adornándolo de creencias religiosas. Ella constantemente castiga a la muchacha, la cierra con llave en armarios con estatuas de un horrible Cristo sangrante, y se niega a permitirle desarrollar amistades normales.
Pero la escuela tampoco es una maravilla y por eso Carrie está siempre callada. Tiene un bonito pelo rubio pero lo lleva siempre recogido y cuando se lo suelta lo usa para esconder su cara. Se sienta en la parte de atrás de la clase, no habla mucho, y es una víctima fácil para los chistes de sus compañeros de clase. Entretanto, la muchacha más popular en la clase inventa un truco verdaderamente cruel para jugar en Carrie. Consigue que Carrie acuda al baile de graduación con su novio, un chico igualmente popular que tiene un gran éxito con las chicas y con él cual Carrie ni siquiera puede soñar. El chico no es el objeto de la broma, pero contribuirá a la burla que están preparando a la infeliz muchacha.

Y entonces De Palma nos da una escena maravillosa en el baile de graduación donde Carrie está, de hecho, más guapa que ninguna de las otras chicas. No todo está narrado correctamente, pero, sin embargo, De Palma lo resuelve adecuadamente. Cuando Carrie hace su baile, la cámara se mueve alrededor de ellos, románticamente al principio, pero después demasiado rápido, como si ellos estuvieran en otro mundo.
Suponiendo que usted no haya visto la película, evitaré contarle como se desarrolla el clímax para que pueda disfrutar con los acontecimientos. Simplemente me permito decir que “Carrie” es una verdadera historia de horror.
No una fabricada a la usanza tradicional de los filmes con Vincent Price, sino una más real en la cual se nos muestra la maldad tan habitual en los jóvenes y en muchas madres que han rechazado el sexo por causas religiosas. Por eso, parte del terror de la película no reside en los poderes de Carrie, sino en el análisis de un sector de la población a quienes consideramos sociables y que son en realidad malvados. Estas personas que desarrollan su maldad con los débiles, con los que son diferentes, están a nuestro alrededor.

Premios:
Nominada a la mejor actriz 1976: Sissy Spacek Nominada al mejor actor secundario 1976: Piper Laurie

Su compañera de reparto:
SISSY SPACEK

Nombre de nacimiento: Mary Elizabeth Spacek
Fecha y lugar de nacimiento: 25 de diciembre de 1949, Quitman, Tejas Educación: Actors Studio; Lee Strasberg Theater Institute

Actriz de cabello color miel que ganó cierto prestigio en la mitad de la década de los 70 por sus actuaciones simpáticas como una adolescente perturbada. La vimos en “Malas tierras” un relato poético de Terrence Malick (1973) y en el filme de Brian De Palma, “Carrie” (1976), antes de continuar con papeles de adulto. Spacek estuvo extraordinaria como una de las “3 mujeres” de Robert Altman (1977) y como la cantante rural Loretta Lynn en el biopic finamente llevado de Michael Apted, “Quiere ser libre” (1980.) Se casó con el productor, diseñador y director Jack Fisk y consigue un gran reconocimiento por sus películas “Raggedy man”(1981) y “Nostalgia de un amor” (1986.) Es prima del actor Rip Torn.

Filmografía esencial:

1972 Carne viva
1973 Malas tierras
1974 Los emigrantes
1974 El fantasma del paraíso
1976 Carrie
1977 3 mujeres
1980 Heart Beat
1981 Raggedy man
1982 Desaparecido
1984 El río
1985 Marie
1986 Crímenes del corazón
1986 Night, mother
1986 Nostalgia de un amor
1990 The long walk home
1991 Hard promises
1991 JFK
1992 Beyond JFK: the question of conspiracy
1992 A private matter
1994 Trading Mon
1995 The good old boys

FIEBRE DEL SABADO NOCHE Saturday Night Fever (1977)

US
Drama
119 minutos Color

Productor: Robert Stigwood
Director: John Badham
Guión: Norman Wexler
Basado en el artículo del magazine New York “Tribal Rites of the New Saturday Night” por: Nik Cohn
Fotografía: Ralf D. Bode
Compositor: Barry Gibb, Robin Gibb, Maurice Gibb y David Shire
Coreografía: Lester Wilson
Vestuario: Patrizia von Brandenstein y Jennifer Nichols

Intérpretes:
JOHN TRAVOLTA: Tony Manero KAREN LYNN GORNEY: Stephanie BARRY MILLER: Bobby C.
JOSEPH CALI: Joey
PAUL PAPE: Double J
DONNA PESCOW: Annette
BRUCE ORNSTEIN: Gus

“Cada noche yo pregunto a las estrellas sobre: ¿Por qué debo ser un adolescente enamorado?"

“Fiebre del sábado noche” es un caso especialmente extraño y hasta una buena película. Habla sobre un manojo de jóvenes de Brooklyn que no son exactamente delincuentes pero son temerosamente duros y cínicos y con su presencia aumenta el infierno los sábados por las noches. Viven durante la noche del sábado, y en ese momento cuelgan sus cadenas de oro alrededor de sus cuellos y se ponen las nuevas camisas que compraron con su paga de los viernes. Después, se dirigen hacia un lugar llamado Discoteca 2001, y allí toman píldoras y bebida y, cuando Leo Sayer lo decide, bailan durante toda la noche. De vez en cuando salen al parking para una sesión de sexo con alguna muchacha.
John Travolta es el centro de la muchedumbre: él es Tony Manero, el mejor bailarín, el más guapo y el tipo que tiene la confianza de la mayoría. ¿Es su vida así como nos la muestra, o en realidad esconde un corazón de oro? Sus compañeros no lo saben y le preguntan: “¿Tú sabes algo, Tony?Lo tienes que saber porque eres el jefe”. Pero Manero no es el jefe. Trabaja toda la semana en una fábrica de pinturas y una ferretería, y vive en casa con su familia, quienes rinden culto a su hermano mayor que es un sacerdote. La familia ha esbozado brevemente que se debe corregir, justo al principio de la película, cuando están cenando, y eso se sigue mostrando durante todo el argumento a camino entre lo cómico y lo patético.
Nosotros encontramos a los amigos de Tony y a las muchachas que los esperan, y nos recuerdan que el feminismo no ha conquistado Brooklyn todavía. Algunas de las muchachas, sobre todo un número pequeño comandado por Annette (Donna Pescow), rinde culto a Tony. Él baila con Annette porque es una buena bailarina, pero al mismo tiempo intenta abrazarla por todo su cuerpo, al menos hasta donde el brazo alcanza. Hay entonces una conclusión muy tradicional: si él está enamorado de ella entonces no se pueden acostar juntos, ya que eso indica que no la tiene suficiente respeto. El mundo de las mujeres está dividido, según esos jóvenes, entre las muchachas buenas y los pesos pesados, o sea, las que hacen el amor. Pues ellas también están de acuerdo con ese razonamiento.

El Brooklyn que nosotros vemos en “Fiebre del sábado noche” nos recuerda mucho la Pequeña Italia de Nueva York, tal y como Martin Scorsese lo vio en “Who´s that knocking at my door?” y “Malas calles”. Los personajes son similares: los jóvenes tienen pocas esperanzas o ambiciones de poder romper con ese mundo tan pequeño y vulgar y prefieren refugiarse en sus bailes, en el alcohol y las relaciones amorosas. El mundo exterior que se extiende hacia ellos en Manhattan, y Brooklyn Bridge, parece pertenecer a otra gente.

Afortunadamente, “Fiebre del sábado noche” no es tan seria como las películas de Scorsese. Nos proporciona, esencialmente, una gran cantidad de buena música, principalmente de los Bee Gees, pero se incluye incluso “Disco Duck”. Hay también escenas cómicas, como cuando Travolta grita a su padre: “¡Usted me cortó el pelo!”, mezcla de tragedia y chiste. Hay también una indirecta a “Rocky”, cuyo cartel tiene pegado Travolta en la pared de su alcoba.
Travolta se encuentra a una muchacha de Brooklyn (Karen Gorney) quien tiene un trabajo en Manhattan como secretaria. Ella regresa a Brooklyn para bailar, y ambos se asocian para entrar en un concurso de baile de la discoteca premiado con 500 dólares. Ellos lo ganan, por supuesto, pero no antes de que su relación atraviese momentos intensos. Su amistad es interesante porque Travolta no ve a Karen Gorney como una muchacha, aunque reconoce que es muy guapa, sino como un ejemplo del modo como podría escapar de Brooklyn.
Las sucesiones musicales y las de baile en toda la película son deslumbrantes. Travolta y Gorney cuando están juntos son inmensos, aunque cuando John baila algunos de sus bailes en solitario los espectadores enmudecen. La película fue dirigida por John Badham y su cámara ocupa el suelo del baile tan baja que nosotros realmente entendemos el señuelo del mundo de la discoteca, aunque nos damos cuenta del gran vacío y crueldad de muchos de las personas que van allí.

Premios:

Nominada al mejor actor 1977: John Travolta

GREASE (1978)

US
Musical/Danza/Comedia 110 minutos
Color
Panavision

Productor: Robert Stigwood, Allan Carr
Director: Randal Kleiser
Guión: Bronte Woodard y Allan Carr
Adaptado por Carr del musical de: Jim Jacobs y Warren Case Fotografía: Bill Butler
Director musical: Bill Oakes
Coreografía: Patricia Birch
Vestuario: Albert Wolsky

Intérpretes:
JOHN TRAVOLTA: Danny OLIVIA NEWTON-JOHN: Sandy STOCKARD CHANNING: Rizzo JEFF CONAWAY: Kenickie DIDI CONN: Frenchy
JAMIE DONNELLY: Jan
DINAH MANOFF: Marty
BARRY PEARL: Doody
FRANKIE AVALON: Teen Angel

Rodaje enérgico, imaginativo, basado en la obra de Broadway sobre la inquieta vida en los años cincuenta. Con unos actores adecuados, inspirados, y unas correctas ideas musicales, así como la adecuada coreografía de Patricia Birch, la película es pura diversión. Las adecuadas canciones, escritas para la película, incluyen: “You're the One That I Want”, “Hopelessly Devoted To You”, y el número del título, cantado por Frankie Valli. Después realizaron una secuela de olvidable recuerdo.

Danny Zuko (John Travolta) y Sandy Olsson (Olivia Newton-John), tenían ese verano su romance perfecto. Ellos se encontraron a una zona de la playa a finales de julio y algunos días de agosto, mientras cantaban eso de “El amor es una cosa maravillosa”. Pero el Día del Obrero llega demasiado pronto para todos, y deben marcharse a sus escuelas, cada una en un lugar diferente, mientras que juzgan su relación veraniega con criterio muy dispar. El primer día de escuela devuelve a Danny a su rutina escolar y retorna como un cara dura, con su cazadora de cuero, en su papel como líder de la pandilla de los “T-pájaros”. Sus amigos, Kenickie (Jeff Conway), Doody (Pearl Barry), Hijito (Michael Tucci) y Putzie (Kelly Ward), están ávidos para oír cómo Danny dedicó su tiempo en verano. Entretanto, Sandy se ha cambiado a su misma escuela y en la cafetería se une al grupo de las “Las Señoras Rosas”, algo así como los “T-pájaros” en versión femenina. Rizzo (Stockard Channing), Frenchy (Didi Conn), Ene (Jamie Donnelly), y Marty (Dinah Manoff), se reúnen con Sandy para que les cuente sus romances de verano.
Todos los miembros de la escuela secundaria están deseosos de conocer las aventuras amorosas de sus compañeros, aunque mientras las chicas hablan de amores románticos y enloquecedores, ellos se refieren únicamente al número de besos o abrazos que obtuvieron en esa relación. En esos días, su preparador físico, así como la directiva de la escuela Rydell, les comunican que han sido seleccionados para un concurso de baile que se retransmitirá por televisión
Cuando se realiza una reunión entre los chicos, los caminos de Sandy y Danny se cruzan de nuevo. Aunque Danny está verdaderamente contento por ver de nuevo a su amor de verano, su imagen de líder le obliga a que adopte una postura muy chula y soberbia ante ella. Sandy se siente sumamente decepcionada, por eso Frenchy intenta consolarla invitándola a una fiesta.
Los “T-pájaros” deciden por su parte hacer una competición con el automóvil de Kenickie contra sus rivales los Escorpiones. Danny y Sandy se encuentran de nuevo, aunque ella está ahora tomando un refresco con Tom (Lorenzo Lamas), el mejor atleta de la escuela. Finalmente, Sandy y Danny se van juntos lejos de todos sus amigos, y él se disculpa por su conducta. Para impresionarla, intenta demostrar que también es hábil con el atletismo, pero fracasa en todos sus intentos y se hace daño. Cuando Sandy ve a su héroe herido siente pena por él y le confiesa su amor.

Las cosas no van bien para el resto de los chicos. Rizzo y Kenickie han estado luchando, y Frenchy, quién había dejado Rydell por la escuela de belleza, suspende sus estudios. Su deseo para ser una peluquera famosa es ahora solamente una fantasía.
El Baile del Kiosco llega por fin, y mientras Danny y Sandy van juntos, Rizzo va con Leo (Dennis Stewart), el líder de los Escorpiones, y Kenickie se vuelve con Cha Cha (Annette Charles), la novia de Leo. En el futuro, Cha Cha intenta apartar a Danny de Sandy en el momento en que se apagan las luces del baile, y la pareja gana el primer premio. Por si fuera poco, Sandy recibe la noticia de que Cha Cha ha sido uno de los romances de otros veranos de Danny.
Después, Danny y Sandy intentan volver a reunirse cuando la pide que sea su pareja, pero la reconciliación es efímera cuando él intenta aprovecharse del momento. Danny y Kenickie, abandonados por sus muchachas respectivas, se consagran a las competiciones con la banda rival y Danny se encuentra corriendo en lugar de Kenickie en el último minuto. Sobreviviendo a un sabotaje deliberado, él gana la apuesta y en ese momento Sandy comprende que no puede ignorar sus sentimientos hacia Danny. El día final en la escuela llega, y Danny se presenta con el suéter tradicional, mientras Sandy hace su apariencia como una guapa chica subida en una motocicleta. Ellos reconocen su atracción mutua ante todos, y en ese momento la palabra fin nos demuestra que el amor siempre vence.

Premios:

Nominada a la mejor música y canciones 1978: John Farrar (Música y letras)

Su compañera de reparto:
OLIVIA NEWTON JOHN

Profesión: Cantante y actriz
Fecha y lugar de nacimiento: 26 de septiembre de 1948, Cambridge, Inglaterra Cantante nacida en Inglaterra que tuvo un ascenso vertiginoso a la popularidad, se fue posteriormente a Australia en donde consiguió al menos dos decenas de éxitos musicales entre la década de los 70 y mitad de los 80. Empezando con una serie de televisión en la cual interpretaba bellas y sencillas canciones como “If You Love Me (Let Me Know)” y “Have You Never Been Mellow?”, Newton-John consiguió no obstante su mayor reconocimiento mundial cuando interpretó el personaje femenino principal en la adaptación para la gran pantalla del gran éxito musical de Broadway “Grease” en 1978. Como la mayoría de los adolescentes de los años 50 ella se volvió soñadora y romántica, proporcionándonos unos personajes amables y unas canciones fáciles de recordar, incluida esa balada titulada “Hopelessly Devoted to You” y el dúo con John Travolta, “You're the One That I Want”. Aunque sus películas siguientes, “Xanadú” (1980) de Gene Kelly y “Tal para cual” (1983, de nuevo con Travolta), fallaron para los críticos y algo menos para el público, ella consiguió el mayor éxito musical de su carrera en 1981 con “Physical”, uno de los espectáculos más aplaudidos de los años ochenta. Newton-John se casó con el actor y modelo Matt Lattanzi en 1985. En 1992, dos semanas después de la muerte de su padre, a ella se le diagnosticó un cáncer y sufrió una mastectomía parcial y una posterior reconstrucción del pecho.

Filmografía esencial:

1979 Toomorrow
1978 Grease
1980 Xanadu
1983 Tal para cual
1990 A mom for christmas
1996 It´s my party

VIVIR EL MOMENTO Moment by Moment (1978)

US
Romance
102 minutos Color
Panavision

Director: Jane Wagner

Intérpretes:
LILY TOMLIN
JOHN TRAVOLTA ANDRA AKERS
BERT KRAMER
SHELLEY R. BONUS

Una mujer madura quiere revivir épocas gloriosas de su juventud y se enamora de un hombre mucho más joven que ella, aunque finalmente ambos terminan escarmentados de pretender un imposible.
La película no es tan aburrida como en principio parece y el romance entre Travolta, como el objeto de deseo, y la todavía atractiva Tomlin, una residente en el aburrido Malibú, consiguen quitarnos la cara de aburrimiento de vez en cuando.

URBAN COWBOY Urban Cowboy (1980)

US
Drama
135 minutos Color
Panavision Paramount

Productor: Bob Evans y Irving Azoff Director: James Bridges
Guión: James Bridges y Aaron Latham Basado en una historia de: Latham Fotografía: Reynaldo Villalobos Compositor: Ralph Burns
Coreografía: Patsy Swayze

Intérpretes:
JOHN TRAVOLTA: Bud
DEBRA WINGER: Sissy
SCOTT GLENN: Wes
MADOLYN SMITH: Pam
BARRY CORBIN: Tío Bob
BROOKE ALDERSON: Tía Corene COOPER HUCKABEE: Marshall

Cuando esta película se estrenó en pleno éxito de Travolta como actor, los comentaristas se referían a ella como una nueva versión de “Fiebre del sábado noche” en el campo, al estilo de occidente, queriendo aprovechar con ello el impacto de aquella película. La historia nos habla de una empresa, una planta petroquímica situada a los alrededores de Houston, en la cual trabaja nuestro joven protagonista. Los trabajadores se dirigen en sus ratos de ocio a un extraño lugar en el cual hay un toro mecánico y muchos de estos jóvenes, especialmente los que vienen del sudoeste, quieren demostrar en uno de estos aparatos mecánicos su masculinidad y sus conocimientos de la monta en caballos salvajes. La mayoría prefieren recordar a los viejos vaqueros del Far-west poniéndose elegantes botas con espuelas y pantalones vaqueros, todo ello adornado con los sombreros tradicionales e intentando hacer realidad los mitos del Oeste montando este artilugio.

La película, dirigida por James Bridges, a partir de una historia de Latham, nos habla del joven héroe, Bud (John Travolta), como un desarraigado e ignorante trabajador. Pero si suponemos que el público cree en esta forma antigua de demostrar la (probablemente falso), y quiere verlo en la pantalla, la película por su parte, intenta reactivar la mitología del vaquero.
virilidad

también Hay una competición con un bribón ex-convicto (Scott Glenn), que antes fue vaquero, para que Bud pueda derrotarlo en la máquina e incluso si es necesario puede ganarle también en una pelea callejera. La película tiene el guión revisado varias veces, y el director parece que intentó lograr un efecto positivo en los espectadores con los cambios, pero solamente vemos unas pocas buenas escenas adornadas con mucha sátira. El trabajo de Debra Winger es siempre de agradecer y en esta ocasión está igualmente acertada como la muchacha que suplica a su marido Bud, mientras que Madolyn Smith es una mujer rica que visita los barrios bajos.
La partitura musical, con abundancia de música country, no es de calidad.

Su compañera de reparto:
DEBRA WINGER

Fecha de nacimiento: 17 de mayo de 1955
Lugar de nacimiento: Cleveland, Ohio.
Estudios: California State University, Northridge (sociología)

Winger trabajó dos años en Israel cuando era joven (incluyendo tres meses en el ejército israelita) y decidió pasarse a la reserva después de recuperarse de un coma motivado por un accidente que tuvo en California, en unas vacaciones en las cuales ella estaba trabajando como cantante. Después hizo televisión y debutó interpretando a Drusilla la Mujer Maravilla en “Wonder Woman” (1976-77), siendo su primera película importante “Slumber Party´57” (1977.)
Actriz experta y consumada, capaz de proyectar una fuerte intensidad a sus personajes, Winger se convirtió en una estrella mimada para la mayoría de los críticos y los productores durante los años 80. En esa época fue una actriz importante, con actuaciones delicadas como la de “Urban Cowboy” (1980), “Oficial y Caballero” (1982) y “La Fuerza del cariño” (1983), ganando una nominación al Oscar con las dos últimas. Después de este triunfo temprano y espectacular, la carrera de Winger empezó a vacilar. Siempre ha tenido un cuidado enorme en elegir sus papeles, pero recientes trabajos en ciertas películas realizadas en Europa, con el director CostaGavras, famoso por “El sendero de la traición”(1988) y con Bertolucci por “The Sheltering Sky” (1990), la proporcionaron un declive en su trayectoria.
Su actuación como una mujer intensa, vivaz, una americana llena de energía que trae luz en la vida del escritor inglés C. S. Lewis (Anthony Hopkins) en “Tierras de penumbra” (1993), es memorable, aunque la película no haya sido un éxito en taquilla. Winger, no obstante, atrajo la aclamación de la crítica, y una nominación al Oscar, y sigue siendo una actriz considerada con el paso de los años.
Winger está separada del actor Timothy Hutton con quien tiene un hijo.

Filmografía esencial:

1977 Fantasías sexuales
1978 Thank god, it¡s friday
1979 French postcards
1980 Urban Cowboy
1982 Cannery row
1982 E.T. el extraterrestre
1982 Oficial y caballero
1983 La fuerza del cariño
1986 Black widow
1986 Legal Eagles
1987 Hecho en el cielo
1988 Betrayed
1990 Todo el mundo gana
1992 Leap of faith
1993 A dangerous woman
1993 Tierras de penumbra
1993 Fuego salvaje
1995 Olvídate de París

IMPACTO
Blow Out (1981)

US
Misterio
107 minutos Color

Productor: George Litto Director: Brian De Palma Guión: Brian De Palma
Fotografía: Vilmos Zsigmond Compositor: Pino Donaggio Vestuario: Vicki Sánchez

Intérpretes:
JOHN TRAVOLTA: Jack NANCY ALLEN: Sally
JOHN LITHGOW: Burke DENNIS FRANZ: Manny Karp PETER BOYDEN: Sam
CURT MAY: Frank
ERNEST McCLURE: Jim DAVE ROBERTS: Anchorman

Hay momentos en los cuales “Impacto” se parece a cualquiera de las historias americanas mostradas en “Twilight Zone”. Los episodios son persistentemente familiares, y, aún así, nos parecen tremendamente confusos. Nos dicen que alguien había realizado grabaciones de la radio de la policía en Dallas, de manera similar a como ocurrió con el Watergate. Después, que Jack Ruby había sido un detective privado especializado en casos de divorcio.
Éstas son algunas de las inspiraciones más importantes con las cuales Brian De Palma construye“Impacto”, una película que continúa su mismo estilo para realizar películas, de manera similar a otros muchos directores, mostrándonos eventos históricos reales, y que son, no obstante, lo mejor de su trabajo.
El propio título, por supuesto, nos recuerda a “Impacto”, la película de Michelangelo Antonioni de 1966 en la cual un fotógrafo vio, o pensó que había visto, un asesinato y fue asaltado mientras analizaba obsesivamente sus fotografías del "crimen". ¿Había un cuerpo muerto en uno de estos negativos? ¿Era real incluso la imagen de un hombre en el suelo?
En “Impacto”, John Travolta interpreta el personaje que analiza estas preguntas. Él es un buen hombre, honrado, que trabaja en una productora de Filadelfia de películas de serie B. Trabaja en películas de explotación baratas, cínicas y una noche, mientras está de pie en un puente, tratando de captar el ruido de los búhos y otros característicos de la noche, se vuelve testigo de un accidente. Un automóvil tiene un problema, se desvía fuera de un puente, y cae aparatosamente en el río. Travolta se zambulle inmediatamente, rescata a una muchacha que está dentro (Nancy Allen), y después descubre que el conductor del automóvil, ya ahogado, era un candidato presidencial importarte. Un poco después, repasando la grabación en su casa, Travolta se convence que se puede oír un disparo un poco antes del accidente. ¿Fue el accidente realmente un asesinato?
Cuando acude a ver a Nancy Allen, descubre que ella forma parte de un asunto sucio sobre un chantaje contra el candidato. En su investigación, se tropieza con un detective privado (Dennis Franz), quien trata de evitar que le maten.
La historia se complica en estos momentos adecuadamente, aunque De Palma simplemente tiene un manojo de ideas que no logra hilvanar con eficacia. Dispone de muchos datos, demasiados. Nos encontramos con una galería de personajes violentos, incluido Burke (John Lithgow), un especialista en trucos sucios que parece inspirado por G. Gordon Liddy. El crimen original se complica por una serie de otros asesinatos, diseñados para que nos pongan en un sendero falso y aparten a la policía fuera del olor de una conspiración política.
Entretanto, el personaje de Travolta excava más profundamente en el asunto. Para él, es una cuestión de competencia, de orgullo personal. Defiende con un policía sus cintas, y se niega a admitir que se esté imaginando simplemente las cosas. ¡Yo soy un hombre legítimo!, le dice. Cuando se encuentra que posee una serie de fotografías sobre el fatal accidente, se convierte en el más sagaz de los detectives. En una brillante sucesión de escenas, nosotros seguimos cada paso que hace cuando confronta su película y la grabación, y las une para extraer lo que parece ser hechos sobre un claro caso de asesinato.

So bre las imágenes visuales de Palma en “Impacto” hay quien las compara con algunos momentos de los filmes de Alfred Hitchcock, y de hecho De Palma nos invitó a esas comparaciones cuando en los carteles de “Vestida para matar” puso la frase de “maestro de lo macabro”.
En “Impacto” se muestran algunos de los sellos de Hitchcock, como una escena de la ducha (aunque en muchos espectadores provocó la risa, en lugar de inquietud), varios asesinatos espantosos en ambientes inesperados, violencia en lugares públicos, y una persecución a través de Filadelfia en el aniversario del campanazo de Liberty Bell. Esta última escena de la prolongada persecución nos recuerda dos estrategias de Hitchcock: la yuxtaposición de imágenes patrióticas con el espionaje, como en “Con la muerte en los talones” y “Sabotaje”, y las persecuciones desesperadas a través de la muchedumbre, como recordamos haber visto en “Enviado especial” y “Extraños en un tren”.

Pero “Impacto” tiene algunas virtudes propias. Nos recuerda algo la violencia de “Vestida para matar”, las imágenes sorprendentes de “La Furia”, y las identidades nubladas de “Hermanas”. También aparece la misma incertidumbre de hechos históricos como en “Fascinación”, y acaba con el mismo nihilismo de “Carrie”.
Es posible que llegue un poco más, porque ahora De Palma tiene más éxito que en su vida profesional anterior y logra hacer películas con personajes tridimensionales. Nosotros creemos en la realidad de las personas interpretadas por John Travolta, Nancy Allen, John Lithgow, y Dennis Franz. Ellos tienen todos pequeños tics y excentricidades en su vida. Y aunque se ven envueltos en la malla de una conspiración laberíntica, probablemente se comportan como cualquier persona se comportaría en tales circunstancias. Lo mejor de todo, es que esta película está llena de circunstancias más cinematográficas que reales y es posible que al público no le guste. En escenas como las que Travolta reconstruye en la película, el registro del accidente, por ejemplo, nosotros nos sentimos estimulados y compartimos la excitación de ser testigo involuntario de un caso de asesinato.

Su compañera de reparto:
NANCY ALLEN

Fecha y lugar de nacimiento: 24 de junio de 1950, Nueva York
Estudios: Escuela Superior de Artistas, Nueva York (danza); Quintano's School para jóvenes profesionales.

Frecuentemente interesada en proyectar simultáneamente una imagen de mujer vulnerable y dura, esta hija de un policía de Nueva York empezó su carrera en anuncios de televisión a la edad de 15 años. Anteriormente y cuando solamente tenía cuatro años de edad, practicó baile clásico y moderno, comenzando sus primeros trabajos como profesional en la televisión y en agencias de modelos.
Hizo su debut en la pantalla como la interlocutora del hippy Jack Nicholson en “El último deber” (1973.) Posteriormente, actuó en una serie de películas realizadas por su marido Brian De Palma, entre ellas “Vestida para matar” (1980) e “Impacto” (1981), hasta que se divorció. Comenzó a saltar a la fama con “El experimento Filadelfia”, aunque su mayor reconocimiento fue como la eficaz y sentimental policía que ayuda a su compañero metálico “Robocop” (1987.)

Filmografía esencial:

1973 El último deber
1976 Carrie
1978 Locos por ellos
1979 Home Movies
1980 Vestida para matar
1981 Impacto
1983 Extraños invasores
1984 The Buddy System
1984 La última víctima
1984 Prohibida su publicación
1984 El experimento Filadelfia
1984 Terror in the aisles
1986 The gladiator
1987 Robocop
1987 Sweet revenge
1988 Poltergeist III
1989 Limit Up
1990 Memorias de un asesino
1990 Robocop 2
1993 Acting on impulse
1993 Robocop 3
1994 Patriots

STAYING ALIVE. LA FIEBRE CONTINUA Staying Alive (1983)

US
Drama
96 minutos Color

Productor: Robert Stigwood
Director: Sylvester Stallone
Guión: Norman Wexler y Sylvester Stallone

Intérpretes:
JOHN TRAVOLTA: Tony Manero CYNTHIA RHODES: Jackie FINOLA HUGHES: Laura
JULIE BOVASSO: Madre
FRANK STALLONE
STEVE INWOOD

“Staying Alive” fue la gran desilusión para los s eguidores de Travolta. Esta continuación del audaz “Fiebre del sábado noche”, es una máquina de poner discos, como un vídeoclip, una serie de escenas de baile y canciones nuevas que podrían contarse separadamente y hacer con ellos un documental sobre el baile moderno. De todas maneras, para quienes gusten de las películas musicales sin argumento, como ocurre con “Flashdance”, pero con una serie interminable de interludios musicales con escenas dramáticas que rompan la monotonía, esta es su película. Algo así como “Los 40 principales” en versión cine. La película tiene una historia sumamente simple. Han pasado ya seis años desde que Tony Manero (John Travolta) miraba fijamente y con anhelo las luces de Manhattan al final de “Fiebre del sábado noche”. Ahora vive en un pequeño cuarto de un hotel de Manhattan, trabajando como mozo e instructor de baile, mientras enseña la esencia de la danza a una joven (Cynthia Rhodes), con la paciencia de un santo. Tony todavía es un conquistador de mujeres con ansias de romanticismo, y en esos días encuentra a una bailarina británica de larga cabellera (Finola Hughes) que provoca su pasión. Pero la chica es malvada, se cree la reina por su belleza, y le da calabazas. Entretanto, él consigue un trabajo como bailarín en una obra musical y, casualmente, el primer bailarín abandona y Tony ocupa su lugar.

La película estuvo co-escrita y dirigida por Sylvester Stallone, y podemos considerarla como la primera película mala que produjo. Como si estuviera realizando una nueva versión de Rocky, obligó a Travolta a someterse a una larga sesión de pesas y footing, aunque se olvidó de pedírselo a la guapa Cyntia Rhodes, quien luce el cuerpo menos firme de los últimos años. También se olvidó de incluir sentimientos, ternura y amor, quizá porque en Rocky eso no importaba tanto.
Por eso en “Staying Alive” todos los personajes son superficiales. Los caracteres son clichés estereotipados, y sus diálogos son igualmente sin contenido. Los clímax musicales, la única parte esencial del filme, sólo se interrumpen durante algún tiempo para que las personas puedan gritar sus emociones ocultas hacia el espectador.
En ocasiones oímos un intento de realizar un discurso profundo, pero al igual que ocurría en Rocky son desproporcionadamente grandes. En ocasiones son tan absurdos que merecen la pena ser grabados y estudiados con detenimiento en una escuela de literatura, más que nada para explicar lo que no se debe hacer.

La historia comienza una noche en Broadway, en la cual Tony Manero no sólo baila como un héroe, sino que forma parte de un espectáculo musical con fuego, hielo, humo y muchas luces de colores que se apagan y se encienden frenéticamente. También hay rayos láser, muchas escenas en las cuales improvisa su estilo danzarín, y todo acaba triunfalmente cuando levanta sin esfuerzo a Finola Hughes sobre su cabeza con un brazo, para demostrarnos que tantas horas de culturismo no han sido en vano.
El musical que mejor ejecuta, puesto que hay que intentar resaltar también lo bueno de la película, es uno llamado “Satan's Alley”, pero es tan risiblemente torpe que se podría haber llamado “El callejón de los ángeles”. Stallone hace un pequeño esfuerzo para convencernos que estamos mirando una presentación improvisada, como en directo, pero cuando la cámara nos muestra detalles que el público nunca podría ver y esfuerzos físicos imposibles de lograr salvo por unos pocos privilegiados, nos damos cuenta que de improvisación no hay nada. También saben cometer perfectamente el error de hacernos creer que están cantando personas que mantienen la boca cerrada, algo que solamente consigue el ventrílocuo José Luis Moreno.
Todo está demasiado enredado en una película que pretendía ser sencilla y juvenil. El número de baile más importante de Travolta es un ejercicio demasiado increíble, y se parece más a un anuncio televisivo de impacto que a un baile real. Mucho nos tememos que Stallone nunca vio una película de Gene Kelly.
Lo que resulta verdaderamente extraño es que ese baile titulado “Satan's Alley” debería ser similar a otro de “Fiebre del sábado noche”, pero es tan tremendamente opuesto y artificial que ni siquiera reconocemos a Travolta. Este actor no es un bailarín, nadie afirma lo contrario, pero con su peculiar estilo moviéndose consigue entusiasmar a los espectadores y no vemos la necesidad de hacerle parecer un experto profesional, lo que le lleva directamente al ridículo. La película nos ha mostrado de nuevo al macarra Tony Manero, pero reducido a un mundo exclusivamente musical, sin el trasfondo social de su primera película.
De todas maneras, el filme tiene un gran momento y es cuando Tony se manifiesta victorioso y dice: "yo quiero andar con paso arrogante!" y se pavonea por Times Square mientras los Bee Gees cantan "Staying Alive". Ése podría haber sido el inicio de una gran película, pero desgraciadamente casi coincidió con la palabra fin.

TAL PARA CUAL Two of a Kind (1983)

US
Romance/Fantasía 87 minutos
Color

Productor: Joe Wizan y Roger M. Rothstein Director: John Herzfeld
Guión: John Herzfeld

Intérpretes:
JOHN TRAVOLTA: Zack
OLIVIA NEWTON JOHN: Debbie SCATMAN CROTHERS
ERNIE HUDSON
CASTULO GUERRA
OLIVER REED
KATHY BATES
LA VOZ DE GENE HACKMAN

Las modas en el cine son extrañas, demostrándonos que los guionistas en ocasiones solamente gustan de copiar al vecino. Cuando un argumento se pone de moda, las carteleras nos inundan con temas similares. En esta ocasión, volvemos a tener a los ángeles del Cielo entre nosotros (ahora son cuatro), quienes le piden a Dios que le dé una segunda oportunidad a la humanidad. Dios en principio está de acuerdo, pero con la condición de que John Travolta sea quien los reforme. Nadie sabe por qué debe ser él, pero todos pensamos que la elección es acertada puesto que la inspiración llegó por el Espíritu Santo. “Tal para cual” empieza con un juego del golf en el cielo que involucra a Wasp (Charles Durning), un negro (Scatman Crothers), un latino (Castulo Guerra), y una mujer (Beatrice Straight.) Ellos han estado a cargo del cielo durante los últimos veinticinco años, mientras Dios estaba de vacaciones (nadie sabe dónde), pero ahora Dios (representado como una luz resplandeciente con la voz de Gene Hackman) ha regresado y no está nada contento. Parece ser que la humanidad está de nuevo desquiciada y pervertida. Por eso, y siguiendo su costumbre, la única cosa que puede hacer es enviar otro diluvio, y volver a empezar. Afortunadamente para nosotros (por eso se lo podemos contar ahora), los ángeles persuaden a Dios para que no lo haga.
Como alternativa le proponen de nuevo eso de la redención en forma de un hombre sencillo que nos pueda reformar, y así demostrar que la humanidad tiene remedio. ¿A qué no averiguan a quién eligen para sustituir a Jesucristo? Lo han averiguado: a nuestro amigo Travolta, ahora convertido terrenalmente en un inventor de aparatos inútiles. Pero nuestro ángel está amenazado por un malvado que se dedica a robar bancos y a especular luego prestando el dinero a los necesitados y, además, debe colaborar con él. Tal argumento parece estar escrito por un guionista ansioso de venganza, pero creemos que incluso le han pagado por su trabajo y en agradecimiento pusieron su nombre en los títulos de crédito. Sin embargo, ahora Olivia Newton-John es el cajero del banco a la que Travolta apunta con un arma. Pero ella sustituye los controles informáticos del depósito y se guarda el dinero. Travolta la busca para conseguir su dinero, y cuando lo consigue se enamoran.
El nuevo romance no les proporciona una vida relajada y maravillosa, especialmente cuando un montón de personajes nuevos se incorporan innecesariamente a sus vidas. Hay unos ángeles, por ejemplo, que espían a Travolta para saber su comportamiento en La Tierra, y unos malvados en forma de un propietario de un negocio, y otro como el Diablo. En ese momento es cuando la comedia hace su aparición y el espectador maldice haber pagado la entrada.
Desde ese momento no pasa nada, todo es superficial, y solamente vemos gente comiendo, otros amándose, algunos corriendo y la mayoría hablando de sus cosas. En medio de todos, allí están los eternos amantes Travolta y Newton-John, cantándonos algunas canciones que olvidamos inmediatamente.

La película intentaba recuperar a la pareja de “Grease”, pero se olvidaron de escribir un buen guión. Por eso no nos explican un montón de detalles. Por ejemplo: ¿cuáles son las reglas que rigen en el Cielo? ¿Quién manda allí cuando no está Dios? ¿Tienen sexo los ángeles? ¿Qué es lo que tiene que hacer exactamente Travolta para redimir a la humanidad? Si es hacer un hijo a Olivia Newton-John no le vemos el mérito. Tampoco sabemos los poderes del diablo, quien aparte de mirar con ojos encendidos y caminar con sobriedad, no hace otra cosa más interesante. Si el diablo es así, ya no tenemos miedo de pecar y condenarnos. La última pregunta importante es: ¿Dónde se va Dios de vacaciones? Sería interesante conocer esta respuesta para fundar rápidamente una agencia de viajes.

Su compañera de reparto:
KATHY BATES

Nombre de nacimiento: Kathleen Doyle Bates
Fecha y lugar de nacimiento: June 28, 1948, Memphis, Tennessee Estudios: Universidad Metodista sureña, Dallas, Tejas

Esta actriz que interpreta habitualmente personajes muy aclamados por la crítica, ha disfrutado una carrera extensa en Broadway, e igualmente en otros teatros regionales. También realizó un papel espantoso en la película de Stephen King haciendo de una gorda y poco atractiva mujer que cuida a un enfermo a quien intenta matar.
Bates, una nativa de Tennessee, había sido prácticamente una desconocida en 1973, hasta que consiguió que fuera reconocida su calidad en el papel de hermana en “Crímenes del Corazón” (1978.) Bates siguió creando papeles similares cuando hizo de la habladora Stella May en “Come back to the five and dime, Jimmy Dean” (1982), y se anotó una de sus mejores actuaciones como la hija suicida en el drama de Marsha Norman, “Night, Mother” (1983.) También interpretó a la camarera cansada en Frankie y Johnny en “The Clair de Lunge” (1987-88.)
Bates hizo un debut en algunos telefilmes mediocres de la Televisión, como una nueva novia después de separarse de su marido en “The Love Boat”, e interpretó al compañero de Susan Lucci en “All my children”. También hizo buenos trabajos en "L.A. Law," "Cagney y Lacey," y"China Beach”. Al mismo tiempo, realizó algunas apariciones esporádicas en el cine en películas como “Taking off” (1971) de Milos Forman, para quien también escribió una canción. Bates trabajó en los años ochenta con papeles secundarios sumamente importantes en películas que a menudo necesitaron su ayuda.

Bates ha tenido partes más interesantes y prominentes en “Men don´t leave” y “White palace” (ambas de 1990), así como en el filme para la televisión “Murder ordained”, CBS, 1987, “Roe VS wade”, NBC, 1989, y “No place like home”, CBS, 1989. Después se convirtió finalmente en una estrella cuando hizo de esa enfermera serenamente desarreglada pero desquiciada, en la adaptación del best-seller de Stephen King, “Missery” (1990), dirigida por Rob Reiner. Con ella consiguió una gran celebridad y un Premio de la Academia.
Sus trabajos posteriores han sido sumamente ingeniosos, y nos proporcionó una nueva sorpresa con su extraño personaje en “Tomates verdes fritos” (1991) y “Used people” (1992.) Ella y Tom Berenger nos desconcertaron con sus escenas desnudas en “At play in the fields of the lord” (1991.) También fue una de las muchas estrellas en el filme de Woody Allen “Sombras y nieblas” (1992) y apoyó a Alec Baldwin y Meg Ryan en el “Prelude to a kiss” (1992.)
Otra obra de Stephen King proporcionó un nuevo éxito a Bates con “Dolores claiborne” (1995) en la cual interpretó a una madre de mediana edad con un secreto en su pasado. También aparecía en la comedia romántica “Angus” (1995) y en el thriller “Diabólicas”, alternando aquí su trabajo con Sharon Stone e Isabelle Adjani (1996.)
En la televisión Bates ha aparecido en “Hostages” (HBO, 1993), como Peggy Say quien tiene un hermano preso en Beirut, y en “The curse of the starving class” (Showtime, 1995.) Recreó de nuevo su personaje en “The west side waltz” (CBS, 1995), como una mujer sin amor ni hogar que se cruza en el camino con Shirley MacLaine y Liza Minnelli, y de nuevo con Stephen King en sus miniseries de 1994 “The Stand” (ABC.)

Filmografía esencial:

1971 Juventud sin esperanza
1978 Libertad condicional
1983 Tal para cual
1986 Johnny Bull
1986 A la mañana siguiente
1987 Summer Heat
1988 Arthur 2: on the rocks
1988 My best fried is a Vampire
1989 High Stakes
1989 No place like home
1989 Ror vs. Wade
1989 Singns of life
1990 Dick Tracy
1990 Misery
1990 White palace
1991 Jugando en los campos del señor
1991 Tomates verdes fritos
1992 Hechizo de un beso
1992 Sombras y niebla
1992 Used people
1993 A home of our own
1993 Secuestrados
1994 Un muchacho llamado Norte
1995 Angus
1995 Curse of the starving class
1995 Dolores Claiborne
1995 The west side waltz
1996 Diabólicas

PERFECT
Perfect (1985)

US
Drama
120 minutos Color

Panavision

Productor: James Bridges
Director: James Bridges
Guión: James Bridges Aaron Latham Canciones: Whitney Houston

Intérpretes:
JOHN TRAVOLTA: Adam JAMIE LEE CURTIS: Jessie JANN WENNER: Mark Roth ANNE DE SALVO: Frankie MARILU HENNER: Sally LARAINE NEWMAN: Linda MATTHEW REE: Roger

Hay películas en las cuales parece que los únicos que han disfrutado son los propios actores y por eso es fácil descubrir sus fallos, puesto que nos interesan tan poco que estamos atentos hasta del tapizado de nuestras butacas. Creo que este es el problema con “Perfect”, una película que habla sobre el periodismo y los clubes de salud. En mi caso conozco bastante bien ambos ambientes, practico ambos, y por eso no estuve de acuerdo con ninguna de las dos imágenes que nos mostraban. El único problema era que Jamie Lee Curtis estaba más deslumbrante que nunca como la profesora de aeróbic y eso me hace ser más condescendiente en mi crítica.
El compañero de reparto es John Travolta, como un reportero de la revista Rolling Stones de los años ochenta que va a Los Angeles para investigar un artículo sobre salud que involucra a algunos gimnasios. Al mismo tiempo, él está haciendo una entrevista exclusiva con un delincuente financiero que tiene un gran parecido con John DeLorean. Pronto sus investigaciones le llevan hasta un club de salud situado en Los Angeles, en el cual encuentra a Jamie Lee Curtis y, lógicamente, se enamora de ella, aunque al mismo tiempo intenta entrevistarla. Pero la chica está harta de reporteros investigadores, y no quiere hablar con él. Su intento por ligar se convierte en una agonía prolongada para ellos, y para el espectador.
Ambos protagonistas nos gustan, son graciosos y guapos, pero no tanto como para que les aguantemos en una película así. En la historia nos dicen que tienen muchos puntos en común y por fin se citan, aunque el pícaro de Travolta graba la conversación en una cinta. Cuando ella lo descubre se enfada y se va a casa, aunque finalmente se lo piensa mejor y le besa. Mientras tanto, su grabadora sigue adelante y cuando se da cuenta la tira fuera del coche. Y comienzan una nueva conversación, y otra, y otra, así hasta que nos aburren realmente. La conclusión que sacamos es que Travolta es el primer hombre que prefiere grabar palabras a intercambiar besos con Jamie Lee Curtis.
El personaje de Travolta está inspirado en Aaron Latham, un reportero de Rolling Stones que escribió un artículo sobre “Urban Cowboy” para esa revista, y lo recicló en la película de Travolta del mismo título. El director de ambas películas es James Bridges. La razón por la cual la combinación Latham-Travolta-Bridges no funciona ahora es que el material no se ha transformado al hacer la película y ha sido tan aburrido como la vida misma. En “Perfect”, nosotros vemos una película sobre el modo en que los periodistas escriben sus artículos, la mayoría de una manera reprobable que no tiene en cuenta los sentimientos de las personas. Pero inmediatamente se olvidan del asunto y se concentran tanto en Jamie Lee Curtis (algo que agradecemos), que parece más una exhibición de anatomía que una película denuncia.
Hay un momento en el cual parece que la película se quiere convertir en un thriller de acción y asistimos a un intercambio en el argumento. Súbitamente vemos tres ejes centrales: la relación de Travolta con Curtis, con los gimnasios como fondo; el caso de McKenzie, ese hombre de negocios que se dedica ahora a vender droga; y las escenas con el editor de la revista, Jann Wenner. A nuestro entender el material sobre el hombre de negocios se podría eliminar porque está demasiado confuso y necesita una película para él solo. Las escenas de la revista Rolling Stones distraen demasiado la atención y el personaje de Wenner se comporta de una manera tan espantosamente inmoral que parece que no está en la película. Hay un momento en el cual pide el artículo escrito por Travolta para que otro reportero lo escriba de nuevo y le dé un enfoque sensacionalista y falso, sin el consentimiento del autor.

El error estratégico de la película es hablar sobre el periodismo en lugares tan poco corruptos como los gimnasios. Sus escenas más interesantes involucran a todas las personas que acuden a ese club de salud, y entre ellas nos encontramos a una morena (Marilu Henner), que es la causante del buen éxito social del club. También hay una mujer joven insegura (Laraine Newman), quién cree que el aeróbic y la cirugía plástica conseguirán algún día hacerla un cuerpo perfecto y así lleva años intentándolo y gastándose dinero. También hay muchos de esos que se adoran a sí mismos y que pasan más tiempo mirándose en los espejos que hablando con la gente. Curtis es la reina en este mundo; como en la mayoría de los clubes la instructora suele ser una persona muy querida, y por eso tiene un círculo de admiradores y gana un buen sueldo.
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Como la película trata sobre un universo pequeño dentro de un gimnasio, es fascinante especialmente cuando Jamie Lee está justo en el centro de la pantalla, electrizando a los espectadores con su actuación. Travolta también entusiasma, pero su actuación está oculta por la presencia de James, especialmente cuando se mueven rítmicamente mientras hacen gimnasia.

Su compañera de reparto:
JAMIE LEE CURTIS

Fecha y lugar de nacimiento: 22 de noviembre de 1958, Los Angeles, California Estudios: Universidad del Pacífico, Stockton California (leyes y drama)

Esta larguirucha estrella del cine, sumamente eficaz, es hija de las estrellas Tony Curtis y Janet Leigh. Realizó su debut y consiguió cierto éxito, como la adolescente estudiosa que se ve involucrada en una historia de terror en la historia de John Carpenter, “La noche de Halloween” (1978.)
Con anterioridad a esta experiencia había realizado algunas suplencias en las series de televisión “Columbo” y “Fantasy Island”, así como en un pequeño papel secundario como una delas cinco enfermeras de un submarino de la Armada en la serie cómica “Operation Petticoat” (1977-78.)

Esta actriz ha conseguido reunir el suave encanto de su madre, y la sensualidad de niño bonito de su padre, al que ha unido una mirada de buena chica. Jamie ha tenido siempre una mirada torpe, algo andrógina, con la cual ha conseguido una combinación de marimacho, con un formidable atractivo sexual.
Su carrera en el cine surgió a muy temprana edad cuando fue elegida como sucesora más moderna de Fay Wray y Evelyn Ankers, en papeles de heroína en películas de terror, algunas de ellas de pésimo recuerdo y otras, como “La niebla” y “La noche de Halloween”, que son ya clásicos del cine.
Afortunadamente, Curtis también consiguió triunfos un poco más serios y durante algún tiempo se la conoció como "Reina de Creepies" y "Reina de Crud," cuando efectuó un giro romántico a su carrera con “Cartas de amor” (1983.) Otro nuevo giro lo daría cuando hizo de prostituta buena en “Entre pillos anda el juego” (1983.)

En los últimos años ha conseguido tener un buen olfato para la comedia y aunque hay algunos críticos que ya se refieren a ella como “El Cuerpo” (refiriéndose a su figura curvilínea que los productores gustan de mostrar con poca ropa o con desnudos esbozados), lo cierto es que su atractivo físico está ya unido a su calidad como actriz.

“Death of centerfold: The dorothy stratten story” (1981), fue una película para la televisión que usó esa virtud anatómica suya apropiadamente y en ocasiones conmovedoramente, éxito que no fue revitalizado por el fracaso crítico y popular de “Perfect” (1985), la cual perjudicó seriamente la carrera ascendente durante unos años. Curtis continuó, no obstante, muy ocupada con su trabajo y aportó personajes muy extraños en “La voz del silencio” (1987) y “La fuerza de un ser menor” (1988), antes de dedicarse ya por entero al género de la comedia cuando se convirtió en la más seductora de las actrices con “Un pez llamado Wanda” (1988.)
Ella también consiguió bastante respeto por su trabajo en la agradable serie cómica junto a Richard Lewis, “Anything But Love” (1989-92), que aunque nunca consiguió un triunfo de público espectacular, fue suficiente para que fuera repuesto varias veces en la cadena ABC.
Acercándose un poco al estilo de las comedias de los años treinta, emulando a sus padres, Curtis hizo de una madre joven y amable en “My girl” (1991) y “Eternamente joven” (1992.) En 1994 su trabajo que parecía estancado tuvo un giro inesperado y muy beneficioso cuando interpretó “Mother´s boys”, de escaso reconocimiento en taquilla, y continuó con el gran éxito de “Mentiras arriesgadas”.
En estos momentos es ya una actriz de valor seguro en taquilla, como lo demuestra su película “Criaturas feroces”, afianzándose como una estupenda actriz de comedia que dispone, además, de una figura envidiable a sus cuarenta años.
Está casada con el actor y director Christopher Guest.

Filmografía esencial:

1977 Operation Petticoat
1978 La noche de Halloween
1980 La niebla
1980 Prom Night
1980 El tren del terror
1981 Death of a centerfold
1981 Sanguinario
1981 Juegos de carretera
1981 She’s in the army now
1983 Cartas de amor
1983 Entre pillos anda el juego
1984 Las aventuras de Buckaroo Banzai
1984 Grandview, U.S.A.
1985 Perfect
1986 Aa summer die
1987 La voz del silencio
1987 Un hombre enamorado
1988 La fuerza de un ser menor
1988 Un pez llamado Wanda
1990 Acero azul
1991 Mi chica
1991 Queens logic
1992 Eternamente joven
1994 Mother boys
1994 Mi chica 2 performer
1994 Mentiras arriesgadas
1995 The Heidi chronicles
1997 Criaturas feroces

EXPERTOS
The Experts (1989)

US
Comedia
83 minutos Color

Productor: James Keach Director: Dave Thomas

Intérpretes:
JOHN TRAVOLTA
ARYE GROSS
CHARLES MARTIN SMITH KELLY PRESTON
DEBORAH FOREMAN JAMES KEACH

Disponible solamente en el mercado del vídeo, esta comedia fatalmente blanda nos cuenta la historia de dos hombres de Manhattan que son contratados para abrir una sala de fiestas en una pequeña ciudad de Nebraska. Curiosamente, es una réplica exacta de la aldea construida en la U.S.S.R. en donde se entrenaba a los espías rusos.
Sumamente desaprovechada en todos los conceptos, deriva inexplicablemente hacia caminos similares a los dramas sentimentales de los años cincuenta. Rodada en Canadá en 1987, no consiguió apenas ser estrenada en salas comerciales.
Pero hubo un hecho que justificó todo el trabajo y es que John Travolta y Kelly Preston se casaron después.

DE PURA RAZA The tender (1989)

90 minutos Drama

Director: Robert Harmon

Intérpretes:
JOHN TRAVOLTA ELLIE RAAB
TITO LARRIVA
JEFFREY DE MUNT

Un joven viudo, atormentado por el recuerdo de su esposa muerta, debe cuidar de su hija, aunque no consigue ganar el suficiente dinero para ello. Su cuñado le ofrece la oportunidad de ganar dinero fácil, simplemente recaudando el dinero que le proporcionan sus matones, pero estos le traicionan y se quedan con parte del dinero, culpándole a él.
Su hija hace una gran amistad con un gigantesco perro Doberman y trata de convencer a su padre para que le deje quedarse con él, pero no lo consigue, aunque el perro es tan listo que logra cruzar medio estado para estar junto a la niña. Aunque intentan huir de los matones que le persiguen finalmente son descubiertos y comienzan las palizas. Solamente la gran habilidad del fiel perro logra poner las cosas en su sitio y que todos tengan un final feliz.

MIRA QUIEN HABLA Look Who's Talking (1989)

US
Comedia
90 minutos Color

Productor: Jonathan D. Krane Director: Amy Heckerling Guión: Amy Heckerling
Fotografía: Thomas Del Ruth Compositor: David Kitay
Coreografía: Mary Ann Kellogg Vestuario: Molly Maginnis

Intérpretes:
JOHN TRAVOLTA: James KIRSTIE ALLEY: Mollie
OLYMPIA DUKAKIS: Rosie
GEORGE SEGAL: Albert
ABE VIGODA: Grandpa
BRUCE WILLIS: Voz de Mikey
TWINK CAPLAN: Rona
JASON SCHALLER, JARYD WATERHOUSE, JACOB HAINES, CHRISTOPHER AYDON: Mikey a edades diferentes

Este es un claro ejemplo de cómo no hay modo ni manera de saber dónde radica el éxito de una película. Aparentemente, ver a unos niños que aún no saben andar relatándonos a los espectadores sus pensamientos no parece que pueda interesar a nadie. Tampoco parecía que la presencia de un actor tan aparentemente fuera de lugar como John Travolta fuera capaz de movilizar a nadie, ni mucho menos el que Bruce Willis hubiera puesto su voz a uno de los personajes.
Con este comentario no quisiera parecer presuntuoso y criticar a los millones de espectadores que han llenado las salas de cine donde se proyectó, sino manifestar mi estupor ante hechos tan insólitos. Lo cierto es que al cabo del tiempo yo mismo fui uno de esos espectadores que compraron una entrada para ver la película y, para asombro de mi acompañante, me pasé toda la película riéndome.

“Mira quién habla”, es probablemente la idea más simple de to da la historia del cine y una de las comedias más increíbles que incluso logró cosechar aplausos en repetidas escenas. La estrella de la película es Kirstie Alley (más conocida como el gerente de la barra de “Cheers”), como una contable que está teniendo un romance con un hombre de negocios egoísta y poco educado (George Segal.) Ella se queda embarazada, él la traiciona, y de repente (bueno, después de nueve meses), ella se encuentra convertida en mamá y sin marido. Anteriormente ha conocido a Travolta a través de una de esas reuniones de familia, en donde se entera que él es taxista porque la lleva al hospital a dar a luz.

El resto de la película es sencillo y afectuoso, puesto que parece lógico que Travolta se enamore de la madre y el niño. La alegría que emana de la película es sencilla: Alley brilla con salud y alegría, y el bebé (interpretado por cuatro niños diferentes) es, debo confesar, adorable. Repasando el trabajo de otros bebés que han trabajado en el cine, lo normal es que esos pequeños ni siquiera se den cuenta que existe un director que trata de guiarles en todo momento y prefieran que la cámara les persiga por todo el estudio. En esta película no ocurre nada de esto, pero no sabemos cómo lo lograron.
Hay escenas en esta película (incluyendo una donde Travolta baila un vals con el niño), donde cualquier otro director se hubiera conformado con dejar la cámara quieta en un extremo, pero ahora se empeña en realizar buenos planos, algunos de ellos nunca vistos en la pantalla.
Si el bebé no es predecible, la historia sí lo es, y consigue corregir cualquier error, especialmente cuando los actores adultos como Travolta y Alley tienen que trabajar junto a ellos.

Para muchos es una película infantil y, por tanto, sin interés, y pocos críticos intelectuales le concederán poco más de una sonrisa, pero “Mira quién habla” está llena de buenos sentimientos, y el director Amy Heckerling (“Aquél excitante curso”) consigue buenos planos con tomas aparentemente muy sencillas.
Travolta demuestra, doce años después de “Fiebre del sábado noche”, que es un actor más que correcto, intenso, capaz tanto de hacer papel de malvado como de tierno padre de familia. Y Kirstie Alley, por fin, encuentra el tipo de papel para el que está perfectamente capacitada, un papel que nos permite ver a la persona que siempre estaba allí, bajo todas esas horas de imágenes de la Televisión.

CADENAS DE ORO Chains of Gold (1990)

US
Acción
95 minutos Color

Director: Rod Holcomb

Intérpretes:
JOHN TRAVOLTA MARILU HENNER JOEY LAWRENCE BERNIE CASEY
RAMON FRANCO HECTOR ELIZONDO

Telefilme desconocido sobre un asistente social especializado (Travolta), que debe convertirse en un fornido guerrero cuando se va a rescatar a un joven amigo a quien tienen atemorizado una banda de delincuentes. La acción es bastante absurda, sin interés, y supuso otro de los esfuerzos de Travolta para mejorar su cotización en el cine, mucho antes de su nuevo triunfo con “Pulp Fiction”.

Estaba basada en una obra teatral de 1989, y aunque originalmente se pensó en sacarla en el cine, solamente fue exhibida en la televisión por cable en 1991.

MIRA QUIEN HABLA TAMBIÉN Look Who's Talking Too (1990)

US
Comedia
81 minutos Color

Director: Amy Heckerling

Intérpretes:
JOHN TRAVOLTA KIRSTIE ALLEY
OLYMPIA DUKAKIS ELIAS KOTEAS
TWINK CAPLAN GILBERT GOTTFRIED LORNE SUSSMAN Voces de:
BRUCE WILLIS
ROSEANNE BARR DAMON WAYANS MEL BROOKS

No es mal sistema este de las secuelas de películas de gran éxito. Con ello los productores tratan de conseguir, al menos, un 80 por ciento de los espectadores de la primera entrega, aunque con demasiada frecuencia les fallan los cálculos. El problema es que se suele sacar demasiado precipitadamente la segunda parte y cuando se lleva a cabo ni siquiera se tienen en cuenta las opiniones desfavorables, a nuestro juicio las más importantes. Ahora nuestro amigo taxista ya se ha casado con la chica del bebé, pero entonces llega a la casa un rival en forma de hermanita postiza, a quien pone la voz Roseanne Barr, en la versión inglesa. Un fuego en el apartamento al final de la historia puede traumatizar a cualquier niño, pero en esta ocasión nuestros héroes saben perfectamente cómo resolver la situación.
Como aliciente, el número de baile que se marca Travolta para recordarnos buenos tiempos pasados.

¡GRITA!
Shout (1991)

US
Musical/Drama 89 minutos
Color

Director Jeffrey Hornaday

Intérpretes:
JOHN TRAVOLTA JAMES WALTERS HEATHER GRAHAM RICHARD JORDAN LINDA FIORENTINO SCOTT COFFEY
GWYNETH PALTOW

Nuevo intento de reavivar el mito de Travolta en el cine musical, convertido ahora en una tontería absurda que nos lleva a los años 50 y, por tanto, al nacimiento del rock and roll. Travolta es un antiguo convicto contratado como maestro de música en una escuela reformatorio de Texas, con el fin de que, gracias a la música, los chicos se porten mejor. El preso Walters y la hija del vigilante Graham son la pareja que nos aporta el inevitable romanticismo, aunque su unión no es vista con buenos ojos. Para lograr unos buenos números musicales se contó con la colaboración del coreógrafo Hornaday, el mismo de “Flashdance”.

BORIS Y NATACHA
Boris and Natasha: The Movie (1992)

US
Comedia
92 minutos Color

Director: Charles Martin Smith

Intérpretes:
SALLY KELLERMAN DAVID THOMAS
PAXTON WHITEHEAD ANDREA MARTIN ALEX ROCCO
LARRY CEDAR
ARYE GROSS

Telefilme que nos lleva a una nueva versión de la serie de dibujos animados "Rocky y Bullwinkle" en la cual los malos son los espías rusos, empeñados en convertirnos a todos al comunismo, queramos o no. Podía haber sido una correcta película, pero se queda en podía. John Candy, John Travolta, y el director Martin Smith hacen lo que pueden para no aburrirnos.
La historia tuvo su representación teatral en 1988, en un momento en el cual la guerra fría era el mejor tema para realizar películas de espías. La podemos ver, con suerte, en la televisión por cable.

MIRA QUIEN HABLA AHORA Look Who's Talking Now (1993)

US
Comedia de niños 92 minutos
Color

Productor: Jonathan D. Krane
Director: Tom Ropelawski
Guión: Tom Ropelawski y Leslie Dixon Desde los caracteres de: Amy Heckerling Fotografía: Oliver Stapleton
Compositor: William Ross
Coreografía: Mary Ann Kellogg
Vestuario: Molly Maginnis y Mary E. McLeod

Intérpretes:
JOHN TRAVOLTA: James Ubriacco KIRSTIE ALLEY: Mollie Ubriacco DAVID GALLAGHER: Mikey Ubriacco TABITHA LUPIEN: Julie Ubriacco LYSETTE ANTHONY: Samantha D'Bonne OLYMPIA DUKAKIS: Rosie
DANNY DEVITO: Voz de Rocks
DIANE KEATON: Voz de Daphne

“Mira quién habla ahora” es justamente un título que motiva a engaño, puesto que para mucha gente debería ser una secuela de la serie “Mira...” y en realidad lo que vemos, (habría que decir oímos), es a unos perros hablando y comportándose como personas. Esta es una idea habitual de Walt Disney, por lo que la originalidad del argumento no existe y nos encontramos, en cambio, con un montón de tópicos del cine para niños y con niños. La película vuelve a traernos a John Travolta y Kirstie Alley, quienes en 1989 hicieron una película encantadora titulada “Mira quién habla”, y en 1990 una secuela menos agradable denominada “Mira quién habla también”. La primera película trataba de una buena chica llamada Alley, embarazada de su novio y que un día se encuentra con un guapo y buen taxista interpretado por Travolta. El bebé, con la voz de Bruce Willis (en la versión española fue Moncho Borrajo), simpatizó inmediatamente con Travolta, y como consecuencia su madre se enamoró también.
En la segunda película, ellos tenían una hija común, que hablaba con la voz de Roseanne Arnold. En esta tercera entrega, los perros hablan con las voces de Danny DeVito y Diane Keaton. Los niños, entretanto, han crecido bastante y ya pueden hablar con sus propias voces, aunque ya no poseen el ingenio y la visión del mundo que tenían cuando eran más pequeños.

Todo esto nos lleva a preguntarnos la razón por la cual los guionistas decidieron poner a unos perros parlantes, una idea bastante menos original que la anterior. Como nadie se cree que los perros nos juzguen a los humanos de manera similar a un retrasado mental, la historia nos parece aburrida desde los primeros minutos y no es capaz de sacarnos ni una sonrisa. Si de lo que se trataba era de hacer una tercera parte, podían haber sacado un nuevo bebé, o mejor unos gemelos.
La primera película sorprendió por su romanticismo y hasta por lo ingenioso de los comentarios de los pequeños, idea que luego fue plagiada por los anunciantes de pañales y comidas para niños. En ese caso el argumento parece realizado de forma automática, sin poner ningún interés en proporcionar originalidad.
Travolta ha aumentado de categoría laboral y es contratado por la escultural Lysette Anthony, una chica muy sexy que quiere seducirle. A ella se le ocurre una idea para que él esté a su lado y lejos de su familia en la fiesta de Nochebuena. Pero no contaba con la fiel Alley que monta en un taxi con sus hijos y los perros y se dirige a North Woods, donde Travolta está cautivo en una cabaña bloqueada por la nieve. Después de sortear un montón de peligros, salirse de la carretera y evitar ser comidos por unos lobos salvajes gracias a sus valerosos perros, todos consiguen abrir juntos sus regalos de pascua, mientras una tormenta de nieve nos recuerda que es Navidad. Aunque todo es muy enternecedor, desearíamos que los productores no nos obsequiaran con una cuarta entrega.

PULP FICTION Pulp Fiction (1994)

US
Drama/Crimen/Comedia 154 minutos
Color

Productor: Lawrence Bender
Director: Quentin Tarantino
Guión: Quentin Tarantino y Roger Avary Basado en la historia de: Tarantino y Avary Fotografía: Andrzej Sekula
Efectos especiales: Larry Fioritto
Vestuario: Betsy Heimann

Intérpretes:
JOHN TRAVOLTA. Vincent Vega
SAMUEL L. JACKSON: Jules Winnfield UMA THURMAN: Wallace
HARVEY KEITEL: El lobo
TIM ROTH: Pumpkin
AMANDA PLUMMER: Honey Bunny CHRISTOPHER WALKEN: Capitán Koons BRUCE WILLIS: Butch Coolidge
QUENTIN TARANTINO: Jimmie
SUSAN GRIFFITHS: Marilyn Monroe BRAD PARKER: Jerry Lewis
JOSEF PILATO: Dean Martin
ERIC CLARK: James Dean
JEROME PATRICK HOBAN: Ed Sullivan GARY SHORELLE: Ricky Nelson

Quentin Tarantino es el chico rebelde del cine, un actor y productor que no le preocupa mucho si tiene que romper moldes o ser objeto de las iras de los grupos antiviolencia. Con su nueva película “Pulp Fiction”, una historia con mucha sangre, intestinos al aire, violencia, sexo extraño, drogas, y peleas desagradables, consiguió entusiasmar a muchos e irritar a miles. Con su empeño en mostrarnos cómo muere la gente víctima de la violencia, cómo se puede bailar alocadamente, y la predisposición que tiene la juventud para ser despiadada con el débil, nos lleva a un callejón sin salida y no podemos por menos que sentirnos como opositores a su estilo.
Cuando se proyectó esta película en el festival de cine de Cannes, para mucha gente era la mejor película del año y para otros la peor. Tarantino ha conseguido ser considerado como el director más criticado de la historia y también uno de los más aplaudidos. Cuando alguien habla de la violencia en el cine es imprescindible hacer mención a Tarantino, y aunque para él le pueda suponer un halago, a nosotros nos gustaría pasar a la inmortalidad por otros motivos.
Bajo su criterio, lo importante es que sus películas no sean aburridas y así lo ha manifestado en alguna ocasión, del mismo modo que no quiere pasar sin pena ni gloria a la historia del cine. Pero hay que recordarle que Ed Wood también figura en los libros de historia y no es precisamente por sus habilidades como director.
“Pulp Fiction” es una película diferente y eso hay que valorarlo, puesto que desde entonces modificó la forma de hacer el cine violento. También hay que agradecerle a Tarantino que nos devolviera a un John Travolta condenado hasta entonces a interpretar historias sin interés.

El guión fue escrito por Tarantino y Roger Avary, y lo encontramos algo descabalado, como si fuera una de esas historias que escriben los jóvenes para que las lean sus amigos y que bajo el nombre de fanzine esperan que se las tengan en cuenta. Pero no basta con escribir una historia de sangre, zombis y sexo para que, automáticamente, salga algo válido, y lo más habitual es que ni siquiera llegue a interesar a los padres del guionista. Tampoco basta con romper moldes y hacer algo totalmente distinto, que asombre, para que los espectadores les aplaudamos, y la diferencia que hay entre “Ciudadano Kane” y “Pulp Fiction”, explica este razonamiento. Ambas provocaron una ruptura en el modo de hacer cine, pero la primera está ya con letras de oro en la historia del cine, mientras que la segunda no creemos que alcance esa categoría.
La película nos habla de un mundo en el cual no hay personas normales, considerando como normales a quienes van por la vida sin matar a nadie, ni sienten placer con la desgracia ajena. También vemos reflejado un estilo cinematográfico antiguo, quizá válido, en el cual hay villanos, peleas y carreras. En medio de todo está John Travolta, como Vincent Vega, un hombre de clase media que lleva a cabo trabajos para un jefe de la chusma. Primero le vemos con su compañero Jules (Samuel L. Jackson); en un momento decisivo y violento en cual se enfrentan a algunos narcotraficantes, y están discutiendo algunos misterios.

La carrera de Travolta es una de las más extrañas del cine y no podemos dar una explicación sobre sus numerosos cambios. No sólo nos lo muestran muriendo súbitamente en un accidente de automóvil en “Carrie”, sino que después le vemos bailando de la manera más hortera del mundo, y, además, triunfando. Después ha continuado cuidando a bebés de la manera más tierna y, sin pausa alguna, se convierte en el más despiadado de los matones del mundo.
Travolta y Uma Thurman tienen algunas escenas sumamente cómicas y raras. Ella es la esposa del jefe de la banda (Ving Rhames), quién le pide a Travolta que la saque durante la noche. Luego van al Jack Rabbit Slim, un restaurante de los años 50 donde el presentador Ed Sullivan es el maestro de ceremonias, Buddy Holly el mozo, y todos terminan de mala manera.
Bruce Willis y María de Medeiros son la otra pareja. Él se llama Butch Coolidge y se supone que le gusta pelear, pero no lo hace. Ella es toda dulzura, una novia ingenua que no entiende por qué ellos tienen que salir enseguida del pueblo. Pero primero Butch necesita hacer un viaje peligroso a su apartamento para recoger un reloj de pulsera, una reliquia de familia que no tiene precio. La historia de este reloj se describe en una escena retrospectiva, con Christopher Walken como un veterano de Vietnam, quien le dice al joven Butch cómo el reloj fue comprado por su bisabuelo, Doughboy Orion Coolidge. El reloj ha pasado de generación en generación y es una pieza muy apreciada. Hay un monólogo de Walken que provocó la risa en numerosos espectadores.
El método de la película para entusiasmar consiste en involucrar a los personajes en situaciones pegajosas, y entonces les permite escapar en el último momento, justo cuando los villanos llegan con la intención de hacerles papilla. También hay otros personajes interesantes, como los que abren la película, un par de maestros del atraco interpretados por Tim Roth y Amanda Plummer.
Si las situaciones demuestran imaginación y originalidad, los diálogos no se quedan atrás. Muchas películas actuales copian este estilo tan extraño y parece ser que funciona. Pero las personas en “Pulp Fiction” están enamoradas de sus palabras, más que de lo que hacen. El diálogo escrito entre Tarantino y Avary a veces está confuso, pero parece ser que aquí reside parte de su encanto. También se pone interés en los sonidos de las palabras, siendo el de Travolta muy lacónico, el de Samuel L., Jackson exacto, y el de Plummer y Roth expresándose como tontos. Por su parte, Keitel lo emplea como si estuviera hablando en taquigrafía, mientras que Thurman pudiera ser que aprendió el lenguaje de una prostituta en un curso acelerado por correspondencia.
Es parte del folklore del filme que el propio Tarantino haga un papel como empleado en una tienda, y en eso vemos que se ha inspirado en sistemas del viejo cine negro de Hollywood. La película es por supuesto una excursión a través de imágenes pavorosas, esas que tanto entusiasman a algunos, y que son motivo de repulsa para quienes no gozamos con ellas. Tarantino también ha querido demostrar que se pueden hacer películas de éxito con un bajo presupuesto y empleando actores por los cuales nadie daría un penique, y eso ya, por si solo, es un mérito.

Premios:
Nominada a la mejor película 1994: Lawrence Bender Nominada al mejor actor 1994: John Travolta
Nominada al mejor actor secundario 1994: Samuel L. Jackson Nominada a la mejor actriz secundaria 1994: Uma Thurman Nominada al mejor director 1994: Quentin Tarantino Oscar al mejor guión 1994: Quentin Tarantino y Roger Avary Nominada al mejor filme editado 1994: Sally Menke

Sus compañeros de reparto: BRUCE WILLIS

Nacido el: 19 de marzo de 1955, en West Germany, Alemania Estudios: Penns Grove High School; Montclair State College

Eternamente relajado y sonriente, este actor consiguió sus primeros éxitos mundiales como el investigador privado David Addison en la serie de televisión, "Moonlighting" (Luz de luna), rodada por la ABC y que se mantuvo en antena entre 1985 y 1989. Nacido en Alemania, se marchó a vivir a Nueva Jersey y posteriormente a Nueva York, donde se dedicó a tocar inicialmente la armónica y cantar en pequeños bares, hasta que se introdujo en Broadway con la obra “El cielo y la tierra” (1977.) Posteriormente llegó al cine y se le pudo ver en “El primer pecado mortal” (1980), “El príncipe de la ciudad” (1981), “Veredicto final” (1982) y en telefilmes como “Miami Vice”. Después de conseguir bastante éxito con “Foolish for love” de Sam Shepard, se dedicó más intensamente al mundo del cine.
Como el detective privado, sumamente inteligente, David Addison, Willis había conseguido mostrar su encanto arrogante similar al que James Cagney exhibió en los primeros años de su carrera.
Las tensiones de los problemas policiales, ayudadas por la energía sexual que esbozaba con su compañera Cybill Shepherd, consiguió colocar a “Luz de luna” en un éxito mundial durante los años 80. Durante este tiempo, también le vimos en otras películas televisivas de interés, como “La Zona del Crepúsculo” (1985), “Dolly” (1987), y hasta en una obra musical titulada, “El Retorno de Bruno” (HBO, 1987.)

Willis cambió totalmente sus rasgos peculiares cuando interpretó la comedia de Blake Edwards, “Cita a ciegas” (1987), consiguiendo que su sonrisa burlona en “Luz de luna” quedase ya como una marca de fábrica indeleble. Acusado de machista por quienes no soportan que el hombre se comporte con dureza, Willis ha conseguido afianzarse como uno de los nuevos héroes del cine de acción, especialmente cuando consiguió su primer gran triunfo al interpretar al sabio policía de Nueva York, John McClane en la sorpresiva película “La jungla de cristal” (1988), y sus continuaciones “La jungla 2: alerta roja” y “Jungla de cristal, la venganza” (1995.) También proporcionó su voz como Mikey en “Mira quien habla” (1989) y en “Mira quiénhabla, también” (1990.)
Ya en 1989, Willis mostró una ambición sorprendente para afianzarse como estrella, primero como un veterano del Vietnam en el drama “Recuerdos de guerra”. Sus esfuerzos no siempre han tenido éxito, pero consiguieron darle prestigio entre los críticos como cuando interpretó “Pensamientos mortales” (1991), en la cual era víctima de un asesinato despiadado, o como cirujano plástico sumamente infeliz a causa de su mujer en “La muerte os sienta tan bien” (1992.) Después trabajó junto a Paul Newman en “Ni un pelo de tonto” (1994) y con un revitalizado John Travolta en “Pulp Fiction” de Quentin Tarantino (1994), además de interpretar a un viajero en el tiempo en “12 monos” de Terry Gilliam (1995.)
Con el director y guionista Hill Walter interpretó “El último hombre” (1996), remake de una obra anterior de Akira Kurosawa.
Willis también ha conseguido cierto reconocimiento, aunque no han sido éxitos de taquilla, con “La hoguera de las vanidades” (1990) y “El gran halcón” (1991.) Otras desilusiones en taquilla fueron con “Billy Bathgate” y “El último Boy Scout”, ambas en 1991, así como con la fantasía erótica “El color de la noche” (1994.)
Casado en 1987 con la popular estrella Demi Moore, con quien trabajó en “Pensamientos mortales” en 1991, saltó a la prensa amarilla por su denuncia a una popular publicación por atentar contra su intimidad, cuando publicaron noticias falsas sobre su vida conyugal. En 1991, Willis y sus compañeros del cine de acción Arnold Schwarzenegger y Sylvester Stallone, abrieron la cadena de restaurantes “Planet Hollywood”. También ha conseguido grabar dos álbumes musicales.

Filmografía esencial:

1980 El primer pecado mortal
1981 El príncipe de la ciudad
1982 Veredicto final
1987 Cita a ciegas
1988 La jungla de cristal
1989 Asesinato en Beverly Hills
1989 Recuerdos de guerra
1990 La hoguera de las vanidades
1990 La jungla 2: alerta roja
1991 Billy Bathgate
1991 El gran halcón
1991 El último Boy Scout
1991 Pensamientos mortales
1992 La muerte os sienta tan bien
1992 El juego de Hollywood
1994 El color de la noche
1994 Ni un pelo de tonto
1994 Pulp Fiction
1995 Jungla de cristal, la venganza
1995 Four Rooms
1995 12 monos

Uma Thurman

Nombre: Uma Karuna Thurman
Nacida el: 29 de abril de 1970, Boston, Massachusetts
Estudios: Northfield Mount Escuela de Herman; escuela secundaria de Jóvenes Profesionales

Con un nombre sacado de una diosa de la mitología hindú, una sílfide seductora, Thurman es hija de un profesor de la Universidad de Columbia, y consiguió sus primeros éxitos en Nueva York cuando tenía 16 años, aunque inicialmente fue como modelo de pasarela y para ocupar las portadas de las revistas de la glamour.
Comenzó trabajando en el cine en 1987 con “Kiss daddy Goodnight”, como una seductora joven que sólo incita a los hombres para robarlos. Después alcanza algo más de reconocimiento con “Johnny Superstar” (1988.) Ese mismo año Thurman se convierte en una víctima esplendorosa y sexy, una supuesta virgen que cae presa de las dotes de seducciónde John Malkovich en el filme de Stephen Frears “Las amistades peligrosas” (1988.) Para muchos aficionados, la película en la cual Thurman consiguió alzarse con la categoría de diosa del Amor, título que hasta ahora solamente tenía Rita Hayworth, fue en su corto papel en el delirante filme de Terry Gilliam, “Las aventuras del barón de Munchausen” (1989.)

Otra buena actuación fue como Jude, la esposa controlada de Henry Miller en “Henry y Jude” de Philip Kaufman (1990), donde nos reveló que era una actriz con una gran profundidad de carácter y suma habilidad escénica. Ella consiguió posteriormente otra actuación fuerte como una mujer que debe hacer frente a un asesino en serie en “Jennifer 8”, un filme desconcertante de Bruce Robinson (1992.) Después aparecía en “Mad dog and glory” de John McNaughton l (1993), como una sirvienta ligada por contrato al policía Robert De Niro y por amor al gángster Bill Murray, en este romance sobre unos mafiosos extraños.
Para Thurman, 1994 demostró ser un año profundamente mixto, con apariciones en el mismo año que fueron alabadas y criticadas, y en ocasiones censuradas. Uno de ellas fue en la película dirigida por Van Gus Sant “Even cowgirls get the blues”, una esperada adaptación de la popular novela de Tom Robbins. En la otra película, “Pulp Fiction” de Quentin Tarantino, consiguió que empezara a ser considerada como una de las mujeres de más presencia en el cine actual, interpretando el papel de la esposa de un gángster importante que inadvertidamente insufla una cantidad alarmante de heroína. Para muchos, Thurman tomó parte en una de las escenas más penosas en la reciente memoria del cine. También consiguió bailar con John Travolta y recibió una nominación al Oscar a la Mejor Actriz Secundaria, y ya hay críticos que empiezan a hablar de ella como la nueva Marlene Dietrich, algo que es inexacto y que puede perjudicar su carrera. Esa idea parece ser que nació con motivo del proyecto para realizar un biopic de la vida de la popular actriz fallecida, que sería dirigida por Louis Malle, pero que la repentina e inesperada muerte de Malle obligó a posponer.

Después consiguió algunos nuevos éxitos por su papel como una mujer joven que coquetea con Edward Fox en la obra de John Irving “A month by the lake” (1995), una película que, sin embargo, fue un fracaso en taquilla. Ella se movió posteriormente algo mejor en el drama de Ted Demme “Beautiful girls” (1996), en la cual interpreta a una forastera que visita un pueblo pequeño.
Algo más recientemente hizo un papel como una intelectual que trata de ayudar a Janeane Garofalo en la comedia “La verdad sobre perros y gatos” (1996), y en 1996 fue anunciado que interpretaría a la villana envenenadora Hiedra Venenosa en la cuarta entrega de Batman, “Batman y Robin”, con George Clooney. Sin embargo, cuando se estrenó la película, ambos, filme y ella, defraudaron a todos.
También hay que destacar su trabajo para la televisión como Marian en la obra de Patrick Bergin “Robin Hood” en 1991, así como su intervención en “El Zorro”.
Thurman estuvo casada con el actor Gary Oldman.

Filmografía esencial:

1987 Kiss dady good night
1988 Las amistades peligrosas
1988 Johnny Superstar
1989 Las aventuras del barón de Munchausen
1990 Henry y June
1990 Dónde está el corazón
1991 Robin Hood
1992 Análisis final
1992 Jennifer 8
1993 Mad dog and glory
1994 Even cowgirls get the blues
1994 Pulp Fiction
1995 A month by the lake
1996 Beautiful girls
1996 La verdad sobre perros y gatos
1997 Batman y Robin

EYES OF AN ANGEL (1994)

US
Drama/Crimen 91 minutos
Color
Panavision

Director Robert Harmon

Intérpretes:
JOHN TRAVOLTA ELLIE RAAB
TITO LARRIVA
JEFFREY DeMUNN

Cuando papá Travolta y su hija huyen de los gángsters que les amenazan, el perro de presa que la chica había alimentado tiempo atrás en secreto hasta que se puso bueno, hace un viaje cruzando todo el país hasta que la encuentra. Esta película, que debería ser para una bella historia para niños es demasiado violenta y para los adultos muy infantil, por lo que termina aburriendo a unos y otros. Llevaba cuatro años sin poderse estrenar y solamente el éxito de “Pulp Fiction” consiguió sacarla de las estanterías.

COMO CONQUISTAR HOLLYWOOD Get Shorty (1995)

US
Crimen/Comedia 105 minutos
Color

Productor: Danny De Vito, Michael Shamberg y Stacey Sher Director: Barry Sonnenfeld
Guión: Scott Frank

Intérpretes:
JOHN TRAVOLTA: Chili Palmer GENE HACKMAN: Harry Zimm RENE RUSSO: Karen Flores
DANNY DE VITO: Martin Weir DENNIS FARINA: "Bones" Barboni DELROY LINDO: Bo Catlett JAMES GANDOLFINI: Bear DAVID PAYMER: Leo Devoe

"Yo no soy de los que hablan mucho” dice un prestamista de Miami llamado Chili Palmer en los primeros momentos de “Cómo conquistar Hollywood”. La conclusión para esta frase es que se puede decir de ellos mucho más de lo que ellos dicen de sí mismos, algo que queda perfectamente demostrado en este relato basado en la novela de Elmore Leonard, un gran maestro del diálogo en los bajos fondos.
Chili (John Travolta) es un hombre que conoce bastante bien como se mueve a su alrededor el crimen organizado, pero sueña con hacer películas. Durante el curso de “Cómo conquistar Hollywood”, una película intrincada, tiene que realizar un encargo de la mafia de Miami, desde Brooklyn a Las Vegas y desde allí a Los Angeles. Pronto se encuentra sentado en medio de la noche en la sala de un comerciante conocido por su maldad, el cual produce películas con títulos como “La gente del fango”. Para Chili, que sabe el trabajo de ese hombre, es como estar en el cielo.
El productor es Harry Zimm (Gene Hackman), un malvado, una persona que ha conseguido una buena posición en la época gloriosa del cine de Hollywood y ha estado viviendo desde entonces sin dar golpe. Chili ha irrumpido en su casa para intimidarlo porque tiene que pagar una deuda del juego.
También hay un curioso personaje de la costa oeste de Miami llamado Leo Devoe (David Paymer), quien ha conseguido hacerse con los 300.000 dólares de un seguro cuando un avión chocó y todo el mundo pensaba que Leo iba allí y murió. Devoe debe el dinero a "Huesos" Barboni (Dennis Farina), el jefe de Mafia. Y allí tenemos a Chili, sentándose en el cubil de Harry Zimm a media noche, diciendo al productor que esa es una buena historia para una estupenda película.

Uno de los placeres de “Cómo conquistar Hollywood” consiste en mirar la manera en la cual la película se mueve fácilmente del crimen hasta la industria del cine, pasando por el miedo, la codicia, la creatividad y la intimidación. Personajes como Elmore Leonard pueden existir en algunos sectores de la sociedad, pero indudablemente son inteligentes y saben hablar, aunque no siempre consiguen decir las cosas correctamente. Hay muchas escenas en la película donde las personas entran en el cuarto para pedir una cosa y consiguen otra. Ellos deben cambiar sus pensamientos por el señuelo seductor de Hollywood. Incluso Barboni (una de las mejores actuaciones de Farina, con una nariz rota que crece y se hace más dolorosa cada vez que la miramos), no es inmune a este embrujo. Por supuesto, este atractivo es de baja calidad.
Pronto nos encontramos con una galería de personajes, todos interpretados de manera lacónica a semejanza de los viejos actores de Hollywood, para quienes todos los sentimientos son cínicos. Por ejemplo, Harry Zimm se encuentra en la cama con Karen Flores (Rene Russo), "reina del grito" quien es el tipo de actriz que suele aparecer en la portada de las revistas del cine de terror. Ella está casada con Martin Weir (Danny DeVito), un fuerte, aunque pequeño, prestigioso actor de cine. La cuestión es que hay que lograr que Martin realice una película, y por eso una de las mejores escenas es cuando Travolta habla del asunto con DeVito.

Otros personajes que parecen sacados del club de los ineptos son: Bo Catlett (Delroy Lindo), quien posee un servicio de limousine y debe mucho dinero a Zimm; Bear (James Gandolfini), un hombre malvado que se cree un gran pendenciero, pero que nunca se ha encontrado a alguien como Chili Palmer; y Doris (Bette Midler) cuyo éxito está basado en ser como eran las actrices del sexo en los años 30, una manera como otra de entrar en el cine.
Uno de los placeres más sutiles de “Cómo conquistar Hollywood” es el diálogo. John Travolta ha dicho en algunas entrevistas que insistió mucho en conseguir que se incluyeran los diálogos y expresiones habituales en Hollywood.
También tenía razón en que el alma de la historia está en la manera en que los personajes hablan. Lo que puede asombrar es que cualquiera que hubiese comprado la novela de Elmore Leonard le querría cambiar los diálogos, siendo esta la parte más esencial del filme. En “Cómo conquistar Hollywood”, hay escenas sumamente logradas y entre ellas mencionaremos esos 500.000 dólares depositados en una caja del aeropuerto y que termina siendo más cómica que trágica.
“Cómo conquistar Hollywood” estuvo dirigida por Barry Sonnenfeld, de quien vimos “Muerte entre las flores”, “Misery” y las dos entregas de “La Familia Addams”. En este caso ha realizado una pequeña joya, una película que demuestra, para asombro nuestro, que incluso los personajes de Hollywood en “El juego de Hollywood” realmente no eran personas privilegiadas, ni estaban a salvo de problemas importantes.

Sus compañeros de reparto:
GENE HACKMAN

Nombre de nacimiento: Eugene Allen Hackman
Fecha y lugar de nacimiento: 30 de junio de 1930, San Bernardino, California Estudios: Universidad de Illinois (periodismo, TV producción); Escuela técnica de radio, Nueva York; Pasadena Playhouse (drama)

Aclamado por la revista New York Times como el “Atípico ciudadano de Hollywood”, Hackman es un formidable actor americano que consiguió poco a poco convertirse en una estrella. Del mismo modo que Spencer Tracy logró alzarse con la popularidad siendo, sencillamente, "un tipo normal", Hackman parece estar hecho de la misma savia y molde. Se trata de un tipo de actor que puede ser idéntico a la mayoría de los hombres trabajadores de su edad, en cualquier lugar del mundo.
Sus interpretaciones son, por tanto, consistentemente naturales y logra superar a otros actores más guapos cuando se encuentra tratando de resolver crisis en situaciones cotidianas. Ha sido uno de los actores americanos más importantes desde los años 70 hasta ahora.
Hackman abandonó la escuela secundaria a los 16 años, y mintió sobre su edad para unirse a los Marines, donde se especializó como un operador de radio antes de ser enviado a ultramar. Cuando el jefe de su unidad fue herido, Hackman encontró trabajo como radiotelegrafista en un hospital. Estudió periodismo y producción de televisión en la Universidad de Illinois durante su pase por el ejército.
Después se marchó a Nueva York y asistió a la Escuela Técnica de Radio y consiguió una larga serie de trabajos dispares. Su siguiente trabajo como anunciante en una emisora de radio pequeña y en la televisión, le llevó a la edad de 30 años a incorporarse al mundo del cine, primeramente como extra y posteriormente como actor de reparto. Para mucha gente, esa edad era un mal momento para comenzar en el cine; para él era la mejor.

Hackman asistió al Teatro de Pasadena para aprender actuación. Más viejo que la mayoría de los otros estudiantes, en principio parecía que no se adaptaba, hasta que encontró a un actor que estaba asistiendo libremente a las clases, llamado Dustin Hoffman, con el cual compartió una habitación en Nueva York. Este dúo era considerado entre sus compañeros y profesores como el que menos probabilidades tenía de encontrar trabajo, pero para ambos era solamente un reto.
Su primera aparición importante en el cine fue en “Lilith” (1964) con Warren Beatty como estrella. Impresionado por la actuación del actor en su primera película, Beatty lanzó a Hackman como Buck Barrow, el hermano mayor del bandido Clyde, en “Bonnie and Clyde” (1967.) Dirigida por Arthur Penn, la película se convirtió en uno de los mayores éxitos de los 60, consiguiendo descubrir al mundo que existía un actor mayor que se llamaba Gene Hackman. Por ese filme fue nominado al Oscar al mejor actor secundario, consiguiendo una nueva nominación en 1970 por el filme “I never sang for my father”. Desde entonces se volvió en una estrella completa con su actuación en el gran éxito de William Friedkin “French connection” (1971), un drama policíaco con Fernando Rey como compañero. En ella hacía el papel de un policía honrado, Popeye Doyle, dedicado a luchar contra el imperio de la droga, con el cual ganó un Oscar al mejor actor. Su trayectoria ha consistido en desplegar una serie de personajes creíbles, enmarcados en una línea profesional inteligente, como evidencian sus papeles en las películas que siguieron a “French connection”: Las más significativas fueron “El espantapájaros” (1973), una historia con Al Pacino sobre un amigo, y la obra de Francis Ford Coppola “La conversación” (1974), un estudio sobre el carácter obscuro de un experto en vigilancia. También hay que destacar “El jovencito Frankenstein” (1974) de Mel Brook que mostró su talento para la comedia, en la cual interpreta a un hombre ciego peligroso, en una escena alegre con el Monstruo de Peter Boyle. Después hay otros títulos importantes como la película de terror de Arthur Penn “La noche se mueve” (1975), en la cual interpreta a un detective profesional, y “French connection II” (1975), una continuación del gran éxito comercial que mostraba un aspecto más crítico del protagonista.
También es conocido por el público juvenil por su retrato como Lex Luthor en “Supermán” (1978), y sus continuaciones en 1980 y 1987. Estas actuaciones en superproducciones demostraron que Hackman era un actor válido en cualquier tema, especialmente cuando exhibió sus habilidades cómicas en “Un tiro por la culata” (1990), una comedia sobre un policía común, en la que tuvo como compañero a Dan Aykroyd.

Le vimos igualmente como un reportero de Televisión que navega en bote por Nicaragua en “Bajo el fuego” (1983); en “Hoosiers: más que ídolos” (1986), desplegando su afición al baloncesto en una escuela secundaria de un pueblo, mientras que en “No hay salida” (1987), era un frío secretario del Ministerio de Defensa. La actuación de Hackman como un buen agente del FBI en “Arde Mississipi” (1988), le proporcionó otra nominación al Oscar.
En los 90, Hackman ha alternado sus papeles importantes (“Testigo accidental” en 1990, “Acción judicial” en 1991), con otros memorables (“Postales desde el filo” de Mike Nichols en 1990, “Sin perdón” de Clint Eastwood, 1992.) La película “Sin perdón” proporcionó a Hackman uno de los personajes más fascinantes de su carrera, en el papel de Bill Daggett, el alguacil sonriente e implacable de Big Whiskey, consiguiendo ser admitido sin paliativos en el papel de perverso. Con este trabajo consiguió ganar un Oscar al mejor actor secundario.
En 1993 un nuevo éxito, “La tapadera”, junto al no menos popular Tom Cruise, interpretando a un abogado que intenta proteger a Cruise de un dilema serio. Ese mismo año, Hackman aparecía en “Gerónimo”: An american legend” como el General George Crook, demostrando que el Western no está muerto y consiguiendo nuevamente un gran trabajo. Posteriormente le vimos en el personaje de Nicholas Earp, el padre de Wyatt, en “Wyatt Earp” (1994), en el cual interpretó el papel de un patriarca estricto y duro en sus principios. Finalmente, no podemos olvidar su trabajo al lado de la guapa Sharon Stone en el filme “Rápida y mortal” (1995) de Sam Raimi, en el cual interpreta al malvado Bill.

Filmografía esencial:

1964 Lilith
1966 Hawai
1967 Banning
1967 Bonnie and Clyde
1967 A covenant with death
1967 First to fight
1968 Shadow on the land
1968 El reparto
1969 El descenso de la muerte
1969 Los temerarios del aire
1971 French connection
1972 La aventura del Poseidón
1973 El espantapájaros
1974 La conversación
1974 El jovencito Frankenstein
1975 French connetion II
1975 La noche se mueve
1977 Un puente lejano
1977 Marchar o morir
1978 Supermán
1980 Supermán II
1981 Eureka
1981 Rojos
1983 Más allá del valor
1983 Bajo el fuego
1985 Tatget
1986 Hoosiers: más que ídolos
1986 Power
1987 No hay salida
1987 Supermán IV: en busca de la paz
1988 Otra mujer
1988 Arde Mississipi
1989 A la caza del lobo rojo
1990 Testigo accidental
1990 Postales desde el filo
1991 Acción judicial
1992 Sin perdón
1993 La tapadera
1993 Gerónimo
1994 Wyatt earp
1995 Cómo conquistar Hollywood
1997 Al caer el sol

ATRAPADO
White Man's Burden (1995)

US
Drama
96 minutos Color

Productor: Lawrence Bender Director: Desmond Nakano Guión: Desmond Nakano

Intérpretes:
JOHN TRAVOLTA: Louis Pinnock HARRY BELAFONTE: Thaddeus Thomas TOM BOWER: Stanley
MARGARET AVERY: Megan Thomas KELLY LYNCH: Marsha Pinnock CARRIE SNODGRESS: Josine

Las escenas de apertura de “Atrapado” son ingeniosas e interesantes, especialmente cuando nos muestran los colores en los cuales se mueve la sociedad americana. Es como dar marcha atrás y ver al revés las películas tradicionales en negro y blanco. Los personajes negros tienen aquí mucho dinero y viven en buenas casas de los suburbios, mientras que los blancos son pobres, un grupo minoritario perjudicado.
Esto es, por supuesto, una manera simple de describir las cosas, pero parece ser que funciona cuando las cuentan de manera dramática, especialmente si se muestran los prejuicios raciales. Cuando John Travolta, el obrero de una fábrica, se acerca inquietamente a la mansión de Harry Belafonte, el millonario y dueño de esa fábrica, nos obligan a que reconozcamos que si el obrero fuera negro y el hombre rico blanco, la escena parecería rutinaria. Pero como para algunos guionistas el truco está en mostrarnos las mismas cosas de siempre, pero al revés, debemos aceptar la solución como igualmente válida.

Travolta interpreta a Louis Pinnock, un hombre que ha sido enviado a la casa de su jefe para entregar un paquete. Belafonte es Thaddeus Thomas, el dueño de la fábrica. Louis es muy trabajador, tiene un gran prestigio en la fábrica, y está contento de tener que hacer este trabajo extraordinario de manera voluntaria para así anotar puntos con sus superiores. Le han dicho que tiene que entrar por la puerta trasera de la mansión, y cuando llega hace una pausa en el jardín y ve a la esposa del hombre rico, vestida solamente con una toalla. Thaddeus ve a Louis en el césped, y pronto llega a la conclusión de que se trata de un mirón, aunque no le dice nada por ello. Simplemente sugiere, a los directivos de su fábrica, que la próxima vez escojan a otro hombre para que vaya a su casa. Lo que nadie contaba era con la postura de esos directivos, quien exageran todo y creen que en realidad el dueño les ha dicho que despidan a Louis.
Esto es algo que nunca debieron hacer, puesto que él tiene una familia que alimentar. Cuando se entera, su esposa Marsha (Kelly Lynch) tiene miedo de que sean desahuciados. Por eso Louis va a la casa de Thaddeus a suplicarle que le vuelva a admitir, pero es rechazado. En su desesperación, decide secuestrar al hombre rico, no para pedir un rescate sino para que sea consciente de la gran injusticia que ha hecho.

En este momento la película pierde interés, puesto que se convierte en una película de miedo sobre un secuestro, en la que no faltan las escenas con una larga persecución, violencias, y enfrentamientos con la policía. Inevitablemente, Thaddeus y Louis logran desarrollar un mutuo respeto y el millonario aprende una lección. Pero eso no es suficiente argumento para una película ya que la historia es obvia, demasiado sencilla, y llega cuando ya se han realizado cientos de películas iguales que nos hablan de las injusticias laborales, aunque no haya escenas de acción.
Parece ser que la película había sido planeada en su totalidad para examinar un problema social y racial, pero que luego se pensó en apartar a favor del thriller. Las primeras escenas son adecuadas y eficaces porque saben entretener cuando nos muestran las muchas maneras que el color de la piel tiene para modificar nuestra conducta, nuestra actitud y las expectativas. En estos momentos de la historia ya no sabemos quién es más racista, si los blancos o los negros, puesto que dependiendo de quién domine la situación así ejercerá uno u otro el racismo.
Considere, por ejemplo, cómo el personaje blanco es tratado en varios momentos por la policía negra. Después, saboree el diálogo en la fiesta de la cena al principio de la película, donde el millonario negro entretiene a sus invitados con generalizaciones sobre el racismo... de los blancos. Posteriormente, mire la manera en que la esposa del millonario reacciona cuando su hijo viene a casa con una muchacha blanca.
Debe quedar claro con estos comentarios que mi único interés es quitar a los blancos el apelativo exclusivo de racistas y pedir a los guionistas que condenen el racismo venga de donde venga.

“Atrapado” fue escrita y fue dirigida por Desmond Nakano, un japonés nacionalizado americano, y que, por tanto, debería tener una posición intermedia para juzgar las relaciones entre blancos y negros. La película se mostró en el festival de Virginia de ese año, aprovechando el tema de debate “América y los otros”, y en donde se mostraban preferentemente filmes que criticaban el mal trato que se suele dar a los forasteros en cualquier ciudad y pueblo del mundo, sin exclusión de razas.
Nakano no pretendía ponerse de parte de ningún país, ni siquiera de Norteamérica, pero cuando visitó el Japón por vez primera encontró que apenas había allí extranjeros y hasta hubo un momento en el cual se sintió diferente por no hablar perfectamente el japonés. Parece ser que estos eran los sentimientos que utilizó cuando rodó la película y solamente podemos suponer que finalmente se inclinó hacia una historia convencional, evitando problemas con los espectadores. Quizá eso le pareció más comercial a los ejecutivos que tenían que conseguir el dinero y en ese sentido es justificable su postura. Si se hubiera hecho una película estereotipada sobre el comportamiento racial de los americanos seguramente hubiera sido un fracaso, puesto que ya se han realizado cientos de ellas. Por eso se han cambiado los papeles y se han incluido numerosas escenas de persecuciones, con John Travolta y Harry Belafonte atravesando lugares oscurecidos y regateando las balas policíacas.
Belafonte y Travolta, debe decirse, están correctamente en su papel, dadas las circunstancias. Su escena final juntos es muy correcta y por eso tenemos que afirmar que cuando se les permite actuar, son muy eficaces y su trabajo es de gran categoría. Durante las escenas de acción, parecen estar en otra película.

BROKEN ARROW/ALARMA NUCLEAR Broken Arrow (1996)

US
Thriller/Acción 108 minutos Color
Super 35

Productor: Mark Gordon, Bill Badalato y Terence Chang Director: John Woo
Guión: Graham Yost

Intérpretes:
JOHN TRAVOLTA: Vic Deakins
CHRISTIAN SLATER: Riley Hale SAMANTHA MATHIS: Terry Carmichael DELROY LINDO: Coronel Max Wilkins BOB GUNTON: Pritchett
FRANK WHALEY: Giles Prentice HOWIE LONG: Kelly

Hay escenas francamente buenas en “Broken Arrow”, entre ellas las del tren, los cuatro helicópteros, y una montaña, aunque los breves pero intensos efectos especiales no consiguen mejorar lo que hubiera funcionado quizá con más sencillez.
Cuando en el cine vemos un traidor o un malvado, lo que esperamos es que el bueno le tire de una vez un tiro y nos lo quite de encima para siempre, con lo cual se acaban los problemas. En cambio, aquí nuestro protagonista habla, y habla, hasta que todo se le escapa de las manos. Hay también escenas donde los dos enemigos describen entre sí sus motivos y planes, porque parece ser que si no lo hacen la película carecería de interés y se acabaría en pocos minutos.
“Broken Arrow”, dirigida por el director favorito de Hong Kong, John Woo, es una historia con gran presupuesto, al más puro estilo de Hollywood, después de que Woo consiguiera cierta consideración por su primer trabajo en América con “Blanco Humano” (1993), protagonizada por Jean Claude Van Damme. Posee una gran habilidad para organizar escenas de lucha ruidosas y domina habitualmente las explosiones espectaculares, aunque todavía no consigue la gran calidad de otros profesionales, como Andy Davis (El Fugitivo) o Tony Scott (Top Gun.) Su punto débil es el momento en que no hay escenas de acción y los personajes deben dialogar.

“Broken Arrow” es básicamente un duelo entre dos pilotos militares, interpretados por John Travolta y Christian Slater, que son asignados para llevar a cabo una misión relativa a un avión que no es detectado por el radar. La historia nos muestra a Travolta como un traidor que planea matar a Slater, robar las bombas nucleares, y venderlas a un sindicato que intenta chantajear al gobierno.
La trama en principio es prometedora, pero de algún modo los realizadores de “Broken Arrow” no parecen tomarse en serio la historia y todo es mucho más superficial de lo deseado. Por ejemplo, si miramos la escena donde nosotros descubrimos que Travolta es un traidor, lo percibimos porque mira a Slater en la cabina del piloto y… estrecha sus ojos. Eso es correcto puesto que los estrecha furiosa e intensamente, demostrándonos que su pensamiento está podrido. Pues si se fijan, ese truco con los ojos es muy habitual en la mayoría de las películas made in Hong Kong, con lo que suponemos que forma parte de la personalidad de Woo y su interés en evitar un montón de diálogos aclaratorios. Una escena similar, si somos muy benévolos, la podemos encontrar en “Cómo conquistar Hollywood”, cuando Travolta da instrucciones a Danny DeVito de cómo debe mirar amenazante.

Otro problema fundamental con la película es que ahora John Travolta no consigue estar correcto como un terrorista nuclear. Podemos disfrutar con él cuando le vemos bailando, hablando con bebés y hasta de mafioso, pero como terrorista no nos gusta, quizá porque detrás de esa mirada fiera se esconde un corazón de ángel y eso lo sabemos desde que vimos “Michael”.
La película se centra laboriosamente en la gran rivalidad entre Travolta y Slater, incluso desde las primeras escenas y la lucha central es más interesante con ellos. También hay una serie de escenas en la persecución que involucran automóviles policíacos, helicópteros, ascensores en el pozo de una mina, ríos torrenciales, y un tren clandestino. Los momentos de gran ansiedad involucran a las llamadas telefónicas del asesino, bien sea con sus compinches o con su enemigo. Cuando Slater es interrumpido intentando desarmar la cabeza nuclear, se dedica a decir cosas por teléfono que no debe decir. Lo que el guionista no tuvo en cuenta, quizá por que nadie le ha regalado un teléfono móvil, es que esos aparatos no funcionan en el fondo de una mina de cobre situada en medio del desierto de Utah.

En una escena cumbre, cuando parece que Travolta ha ganado, aparece fuera de un automóvil y en ese momento ve el helicóptero de Slater balanceándose, con Slater que le apunta con un rifle. Pues contra todo pronóstico nuestro héroe no dispara, no sabemos la razón, y en lugar de eso se miran ambos durante unos segundos fieramente, como al director le gusta, y nos dejan sin ver los tiros volar por la pantalla.
También hay una chica en la película, se trata de una atractiva guardabosque interpretada por Samantha Mathis, cuyo propósito es seguir a Slater por todas partes, ayudándole, y quitándose su camisa justo en el momento adecuado.
Se nos olvida recordar que, como todos ustedes suponen, las cabezas nucleares en la película vienen provistas con lecturas digitales rojas luminosas, para que nosotros podemos ver cuántos segundos faltan antes de que exploten. Parece ser que a algún guionista se le ocurrió mostrarlas así por primera vez en el cine y ahora todos aceptan que en la realidad también poseen ese reloj luminoso. Sabemos con certeza que no es así, pero parece ser que a ningún cineasta se le ha ocurrido esa posibilidad. De todas maneras, en este caso hasta parece que es imprescindible que el espectador vea los numeritos moviéndose aterradoramente, aunque cualquier espectador que consulte con su propio cronómetro verá que funciona fatal; siempre se atrasa. Por lo tanto, deducimos que en realidad no es una bomba, sino un dispositivo para mantener en alerta al espectador el tiempo que el director decida.

Citas de una entrevista con Christian Slater y John Travolta sobre “Alarma nuclear”

- Éste es un nuevo género para usted. ¿Cree que el principal atractivo de estas películas reside en contar con un gran presupuesto?
- Christian Slater: en absoluto y debo admitir que no estaba seguro de poder hacerla. No sabía si podría soportar los intensos desafíos físicos de este filme de acción, puesto que algunos de ellos no los había realizado anteriormente. Sabía que el director John Woo estaba acostumbrado a trabajar con actores muy fuertes y tenía el presentimiento que esperaba de mí un comportamiento similar. Había que hacer escenas que involucraban movimientos atléticos sin disponer de un doble. Cuando finalicé el rodaje estaba totalmente agotado.

- En esa escena del comienzo usted y John Travolta no parecen tener ningún tipo de protección contra accidentes.
- Lo sé, lo sé, tiene usted razón. Nosotros habíamos probado con unos protectores, pero parecíamos una modelo que montaba un tanque. Ninguno de los dos encajábamos en la historia de esa manera. En cuanto a las boquillas, bueno, nosotros teníamos que hablar, así que no hubo manera de quitarlas. Todo era muy divertido, muy polvoriento y en la mayoría de las ocasiones agotador.

- Hace poco estábamos hablando sobre su regreso, y ahora su imagen está sólidamente en la mente de los espectadores. ¿Qué siente con este cambio en su profesión?

- John Travolta: Bueno, lo de mi regreso es algo que llevo oyendo ya desde hace años. Debo agradecer a los medios de comunicación y a los fans, que me hayan tenido en cuenta, lo mismo que a los compañeros de profesión. Ustedes me han dado otra oportunidad y entonces he procurado aprovecharla, aunque ahora me gustaría relajarme y divertirme un poco. Esta nueva etapa es un obsequio del destino y no puedo permitirme el lujo de desperdiciarlo, ni defraudar la confianza de toda la gente que me ha ayudado a ello.

- Y, además, ha ganado un Globo de Oro.

- Travolta: tenga, cójalo.

- ¿No es algo pesado para llevarlo siempre encima?
- Travolta: Es la única manera que yo realmente puedo creer que todo esto está pasando de nuevo. ¿tan pesado es? No lo creo; más pesa el fracaso. Por supuesto, en la entrega del premio me olvidé de agradecer a mi esposa su apoyo y dedicación a mi carrera. Ella es muy inteligente, ¿sabe? El presentador me dijo que tenía veinte segundos para decir gracias a ella, y si no lo hacía nunca podría ir de nuevo a casa. Invertí esos veinte segundos en pensar lo que debía decir y no tuve tiempo de hacerlo. Afortunadamente ahora puedo darla las gracias y espero que me reciba de nuevo (risas.)

- ¿No son estas películas demasiado violentas, demasiado rápidas y demasiado superficiales?
- Travolta: No lo mire de esa manera tan negativa. Ahora se hacen películas mucho mejores que hace diez años. Para que una película pueda conseguir recaudar al menos 7 millones de dólares en taquilla debe entretener a un público muy diverso, tanto en edad como en sexo. No podemos negar que el director John Woo sabe dirigir una película de acción y sabe agradar al público. Consigue entusiasmar incluso cuando mueve la cámara lentamente para recrearse en alguna escena, justo en el momento en que hay multitud de disparos y explosiones. La toma desde diferentes ángulos mejora los resultados.

MICHAEL
Michael (1996)

Miramax films Comedia/Fantasía 106 minutos
Color

Productor: Sean Daniel, Nora Ephron y James Jacks Co-productor: G. Mac Brown
Director: Nora Ephron
Guión: Nora Ephron, Delia Ephron, Pete Dexter y Jim Quinlan Director de fotografía: John Lindley
Música: Randy Newman
Diseño de vestuario: Elizabeth McBride

Intérpretes;
JOHN TRAVOLTA: Michael ANDIE MacDOWELL: Dorothy Winters WILLIAM HURT: Frank Quinlan BOB HOSKINS: Vartan Malt
ROBERT PASTORELLI: Huey Driscoll JEAN STAPLETON: Pansy Milbank TERRI GARR: Juez Esther Newberg

Hoy en día hay muy pocas estrellas consagradas de Hollywood que se atrevan a interpretar una película basada en un ángel venido del cielo. O quizá es al revés, y a todos les gustaría ponerse esas alas de la vida celestial eterna. De todas maneras, en lo que no existen muchas discrepancias es en el tipo de carácter que tendría ese ángel y aunque a las feministas les gustaría que tuviese vagina y tetas, lo cierto es que siempre es mostrado como un guapo mozo.
Tan populares son los ángeles en Hollywood que si repasamos superficialmente las películas en las cuales han sido protagonistas, seguro que encontramos más de treinta, por eso no nos debe asombrar que actores de la categoría de John Travolta, Denzel Washington, y Dolly Parton hayan querido apuntarse al carro.
El ángel que interpreta Travolta es algo desaliñado, puesto que ni siquiera se preocupa de afeitarse, fuma mucho, come cereales en el desayuno con la mano (en ocasiones con una gran cuchara), y vive en el Motel Milk Bottle, una zona rural de Iowa.

Cuando llega y se presenta, nadie cree que sea un ángel. Vartan Malt (Bob Hoskins), el editor del National Mirror, no le hace caso, pero le exige que muestre sus alas y así le unirá a Sparky, el perro que es la mascota del periódico. El amo de Sparky, mucho menos popular en el periódico que el perro, es Huey Driscoll (Robert Pastorelli), un reportero expulsado anteriormente del Chicago Tribune por dar un puñetazo al editor gerente. El compañero de Huey es Frank Quinlan (William Hurt), un tipo de buen talante que comprende que la única manera de sobrevivir en un trabajo como suyo está en ser un adulador perpetuo.
Como Huey y Frank están preparándose para marcharse a Iowa, ellos prestan toda su atención a la recién llegada: Dorothy Winters (Andie MacDowell), una chica que ya se ha divorciado tres veces. Ella será la experta en ángeles que el editor asigna para que se una al equipo informativo. Todos ellos esperan conseguir la noticia del gran personaje, puesto que saben que es su gran oportunidad para hacerse famosos.
El corazón de la película tiene lugar en Iowa, y es duro de reconocerlo, pero tiene más de chiste que de película seria. La película habla de Michael como un personaje caprichoso, susceptible, inteligente, que deja a todos perplejos con su encanto. Travolta interpreta el ángel como si fuera un turista que acaba de llegar a La Tierra, aunque no es la primera vez, pero piensa que esta es su última ocasión, puesto que su jefe (suponemos que se refiere a Dios), no permite tantas visitas.
Las visitas anteriores de Michael a La Tierra han sido importantes. Cuando le dicen que los tres amigos son reporteros, él dice, "yo también soy un escritor" y ellos le preguntan, "¿Qué escribió usted?". "el Salmo 85”. Y así toda la película.
La relación de Michael con Pansy Milbank (Stapleton) está basada en la afición y la cordialidad, y quizá también les une algo de espiritualidad, aunque el público deberá descubrir exactamente por qué escogió ese motel rural para su llegada terrenal. Su misión, dice, es ayudar a Frank a redescubrir su corazón, y Frank lo acepta con la ayuda de Dorothy.
Muchas de las cosas buenas en la película son encantadoramente inconsecuentes, como cuando MacDowell canta una canción de Randy Newman, o cuando Travolta empieza bailando “Chain of Fools” en un motel de la carretera, y todas las mujeres son mágicamente arrastradas hacia el suelo con él.
Hay un enigma final sin descifrar: ¿cuál es el destino del perro Sparky? Puesto que no sabemos si en el cielo hay perros, y nadie en la Biblia nos ha dicho que sí, mucho nos tememos un fatal desenlace.
“Michael” no trata sobre un tema dramático importante y es posible que ni siquiera lo pretenda. Travolta se comporta de manera similar a como hizo en “Phenomenon”, tratando de aportar su magia a los incrédulos humanos, lo que consigue sin apenas esfuerzos. Parece estar más interesado con su despedida, que con los placeres que tiene ahora en La Tierra.

Andie MacDowell

Nombre: Rosalie Anderson MacDowell

Nacida el: 28 de noviembre de 1958, Gaffney, SC,

En los años noventa, MacDowell consiguió salir del anonimato cuando interpretó uno de los papeles en la obra de gran éxito “Matrimonio de conveniencia” (1990), con el actor francés Gerard Depardieu. Posteriormente, afianzó ya su popularidad en “Objeto de seducción” (1991), en la cual interpretó a Tina, una mujer de la alta sociedad que se enamora de John Malkovich.
Su gran carisma hizo que consiguiera salir triunfante de ese gran fracaso en taquilla que fue“El gran halcón” (1991.) Ese mismo año nos ofreció una actuación llena de fuerza en "Mujeres y Hombres II", una historia sobre un problema doméstico en la cual interpreta a la esposa alcohólica amargada de Ray Liotta, un papel sumamente diferente si tenemos en cuenta sus anteriores trabajos como chica buena. De manera similar, intentó romper su imagen tradicional como una madre aturrullada que tiene un hijo pequeño hospitalizado y en donde logra uno de sus mejores papeles en la obra de Robert Altman “Vidas cruzadas” (1993.)
En “Cuatro mujeres y un destino” (1994), una feminista versión de otra película similar sobre el western que no gustó ni a hombres ni a mujeres, en la cual quizá lo único destacable sea precisamente su interpretación, está ciertamente encantadora y nada agresiva.
También la vimos tratando de entender los numerosos viajes en el tiempo que realiza Bill Murray durante la “Fiesta de la Marmota” en la película “Atrapado en el tiempo”, una comedia romántica y agradable rodada en 1993. Después, aunque con una intervención menor, consiguió un nuevo éxito con esa película sorpresa titulada “Cuatro bodas y un funeral” (1994), enlazando con otro buen trabajo como una madre que tiene cáncer, en la comedia dramática “Unstrung héroes”, dirigida por Diane Keaton en 1995.

1984 Greystone: la leyenda de Tarzán
1985 St Elmo, punto de encuentro
1989 Sexo, mentiras y cintas de vídeo
1990 Matrimonio de conveniencia
1991 El Gran halcón
1991 Objeto de seducción
1991 Women & Men
1992 El juego de Hollywood
1993 Deception
1993 Atrapado en el tiempo
1993 Vidas cruzadas
1994 Cuatro mujeres y un destino
1994 Cuatro bodas y un funeral
1995 Unstrung heroes
1996 Michael
1997 Multiplicity

PHENOMENON Phenomenon (1996)

US
Drama
124 minutos Color

Productor: Barbara Boyle y Michael Taylor Director: Jon Turteltaub
Guión: Gerald DiPego
Director de fotografía: Phedon Papamichael Música: Thomas Newman
Diseño de vestuario: Betsy Cox

Intérpretes:
JOHN TRAVOLTA: George Malley KYRA SEDGWICK: Lace Pennamin FOREST WHITAKER: Nate Pope ROBERT DUVALL: Doc
DAVID GALLAGHER: Al
ASHLEY BUCCILLE: Glory
TONY GENARO: Tito
SEAN O´BRYAN: Banes

Los primeros momentos en “Phenomenon” son tan parecidos a otras películas que suponen una desilusión. Vemos el cielo lleno de estrellas, y entonces los titulares se mueven a toda velocidad, mientras que posteriormente nuestro protagonista sale al exterior justo en el momento en que una extraña luz procedente de los cielos le impacta. Luego sabemos que ese rayo no es de un ovni, sino que es divino.
El héroe se llama George Malley (John Travolta), es un buen mecánico de automóviles, de inteligencia normal, y se encuentra feliz en ese pequeño pueblo de California. Después de esa visita celestial, empieza a ponerse más inteligente, cada día un poco más. Para comprobarlo, saca seis libros de la biblioteca local, y leyéndolos se da cuenta de cosas que antes ni siquiera sospechaba y aprovecha sus facultades para aprender idiomas en un par de días, sin esfuerzo. Sus amigos, en lugar de aplaudirle, se asombran y se apartan de él, más que nada porque una persona tan inteligente les produce complejo de inferioridad. Aunque el tema de fondo, la inspiración divina, sea el eje de la película, en realidad nos demuestra también que a la mayoría de la gente no le gusta la gente inteligente. También nos avisa que en los pueblos lo mejor es pasar desapercibido y no tratar de cambiar las cosas. A esas personas les gusta George, el antiguo, el mecánico, pero no soportan a ese nuevo George que hace que cada día sea una nueva aventura para ellos. Un vecino como él, que es capaz de jugar bien al ajedrez, que sabe más de medicina que cualquier médico y que, además, es capaz de predecir un terremoto, es un incordio y por eso hay que expulsarle.
Hasta su guapa amiga Lace (Kyra Sedgwick), una divorciada que lleva tiempo queriendo salir con George, le pide explicaciones por ser tan inteligente. Dice que necesita saber la verdad, exige que se explique, y si no puede no podrá ayudarle contra las gentes del pueblo. Pero claro, como su cambio es obra divina, el pobre hombre no sabe dar explicaciones e intenta utilizar sus poderes para ayudar al pueblo.
El principal problema de George es que no sabe cómo controlar sus poderes y es consciente de que su corazón se ha vuelto más sensible y sufre por la poca ayuda que sus antiguos amigos le otorgan. Las únicas personas en el pueblo que parecen aceptar al nuevo George fácilmente son Doc (Robert Duvall), quien lo considera como un hijo, y Nate (Forest Whitaker), su mejor amigo, casualmente los más inteligentes. Gracias a ellos pueden descubrir nuevas maravillas en esos poderes.

Este parece ser un buen papel para Travolta, quien tiene una sonrisa y una dulzura natural que se presta perfectamente a este personaje. No hay una sola nota desconcertante en su carácter, y cuando consigue su regalo inesperado, quiere compartirlo. Para ello avisa a científicos y universidades, pero se sobresalta cuando el FBI aparece en su vida tratando de acusarle de paranoico y de conducta sospechosa, quedando bien patente la estrechez de mente de esos agentes federales cuando le interrogan.
Los espectadores, así, de lejos, sabemos los contornos generales de la historia, puesto que hemos visto anteriormente películas similares. Sabemos que George no es un elegido, sino solamente un privilegiado fortuito que ha sido tocado por alguien para concederle una inteligencia enorme, aunque según avanza la película el guionista nos desconcierta con nuevos datos. Finalmente, y quizá porque no había solución posible creíble, la historia nos pone la palabra fin sin aclararnos la mayoría de los interrogantes, posiblemente porque pretendía que saliéramos del cine hablando de nuestro amigo George.
El corazón de la historia está en el personaje de George y su relación con Lace, quien, a pesar de estar presionada por las gentes del pueblo, parece ser una buena mujer. La película pudiera ser en esencia una buena historia sobre la amistad y el amor, justo en momentos en los cuales las personas necesitamos de eso. También pudiera ser una denuncia contra esas pequeñas comunidades a quienes les asusta que alguien les rompa la rutina, y de igual modo, supone una denuncia contra la envidia y lo difícil que es aceptar que alguien de nuestro entorno sea diferente a nosotros.
Lo que para George era un regalo del destino, para sus compañeros era traumatizante y la única manera de no darse cuenta iba por destruirle o, cuando menos, expulsarle. Nosotros, como espectadores, sacamos también otras conclusiones y sentimos pánico que nuestro nombre sea el objeto de una conversación en la barra de algún bar o en una reunión de vecinos. Estamos seguros que nunca hablarán de lo guapos o inteligentes que somos. “Phenomenon” podría haber profundizado más y podía haber juzgado con más severidad esas posturas integristas de las pequeñas comunidades, esas que miran al forastero siempre con hostilidad y desconfianza, y que solamente sienten deseos de hacer daño a quienes destacan.
La moraleja es que nosotros sabemos que hay miles de personas como George por el mundo, y no hablamos de sus poderes, y que también padecen la agresividad de sus compañeros solamente por ser diferentes.

En palabras de John Travolta: “Aunque a mucha gente le pueda parecer ridículo, yo poseo ciertos poderes para curar a las personas, como ocurre con los curanderos. Creo que todos tenemos algún tipo de poder curativo y solamente si lo ponemos a prueba conseguiremos sacarlo al exterior. Una de mis curaciones más conocidas fue con el cantante Sting, a quien le curé una afección de garganta solamente con tocarle. En realidad, creo que lo único que hago en conseguir que la persona intente curarse a sí misma, sin ayuda de ningún medicamento”.

ATRAPADA ENTRE DOS HOMBRES She’s so lovely (1996)

Producida:

Director: Nick Cassavetes

Intérpretes:
JOHN TRAVOLTA: Joey
SEAN PENN: Eddie
ROBIN WRIGHT: Maureen
HARRY DEAN STANTON: Shorty SALLY KELLERMAN
DEBI MAZAR: Georgie
JAMES GANDOLFINI: Kiefer GENA ROWLANDS: Miss Green

Eddie (Sean Penn) y Maureen (Robin Wright Penn) son jóvenes, están casados y un poco locos. Viven día a día, luchan por seguir luchando, bailan y beben hasta que se aburren. Ninguno de ellos tuvieron anteriormente una existencia tan dura, ni amaron tanto. Cuando un vecino ataca a Maureen, Eddie saca una foto y ese arrebato termina costándole diez años de vida. Cuando regresa finalmente, le informan que en su ausencia su esposa se ha casado con Joey (John Travolta), un hombre al que ella manifiesta amar mucho. Por eso Maureen se tiene que poner en medio, entre el pasado y el presente, entre una pasión inexplicable y un amor permanente, entre dos hombres que están completamente seguros de una cosa: que ella es encantadora.

MAD CITY (1998)

Música: Thomas Newman
Guión: Tom Matthews
Basada en una historia de: Eric Williams y Matthews Director: Constantin Costa-Gavras

Intérpretes:
JOHN TRAVOLTA DUSTIN HOFFMAN MIA KIRSHNER ALAN ALDA

La película aporta el aval de un director europeo que aunque no cuenta con una larga trayectoria popular, su prestigio como director de la Cinemateca Francesa parece ser suficiente como para otorgarle un voto de confianza al buen gusto. Ahora tiene en sus manos una historia humana, en la cual nos habla de un hombre que ha perdido su empleo y desesperado provoca una intensa tragedia en un pequeño pueblo.
Buenas interpretaciones de Travolta y magnífica la de Hoffman quien interpreta perfectamente al reportero Max Brackett. Dirigida por el director de “Missing”, “Mad City” nos habla de un guardia de seguridad de un museo llamado Sam Baily que es despedido. Cuando Sam intenta razonar con su jefe sobre su vuelta al trabajo, le toma como rehén junto a un grupo de niños. Lo que no sabe es que un reportero de televisión está en su cuarto de baño (Dustin Hoffman), y está a punto de convertir la situación en la historia del siglo al convertirse en uno de los rehenes.
“Mad City”' nos habla sobre el periodismo y las noticias de última hora y sobre esos medios de comunicación que alimentan el morbo de una historia, si con ello logran más audiencia.

“Mad City”' podría haber sido una película muy divertida si hubiera atacado más a los espectadores y los lectores que consumen las noticias basura, más que a los realizadores. En la película, los medios de comunicación se ponen en marcha cuando el guardia del museo, un ciudadano amable interpretado por John Travolta, crea una crisis con los rehenes, especialmente con un periodista de televisión (Dustin Hoffman.) Cuando la película comienza, Hoffman está en el museo cubriendo un reportaje y vemos también a Travolta discutiendo con su jefe (Blythe Danner.) Ha sido despedido de su trabajo y debe marcharse. El problema es que ha traído a su trabajo una bolsa para cambiarse de ropa y también una escopeta de caza y algo de dinamita, lo que utilizará para llamar la atención de su jefe.
Hoffman se queda en el museo y transmite con un micrófono de solapa, pero a medida en que pasan las horas se hace amigo del guardia, aunque sabe que eso hará enfadar a su esposa.

Sus compañeros de reparto: Alan Alda

Nacido el 28 de junio de 1936 en Nueva York e hijo del actor de origen italiano Robert Alda, conoció la popularidad después de su aparición en la serie de televisión M.A.S.H. Comenzó su carrera como actor, director y guionista, tras haber permanecido una larga temporada formándose en el teatro. Los argumentos que utiliza para sus guiones están basados en hechos de la vida real y tratados con un sentido del humor tragicómico, dando un mensaje final, que casi siempre consiste en que no hay que tomarse nada demasiado en serio. Tras haber demostrado con su buena actuación como preso en “La casa de cristal”, su gran capacidad para crear personajes dramáticos, Alan Alda ha preferido seguir desarrollando su faceta como actor de comedia, trabajando en los últimos años junto a Woody Allen. Ambos han logrado desarrollar una buena comunicación, como se demuestra con su interpretación en “Misterioso asesinato en Manhattan”. También hay que destacar su papel como director, ya que con esta labor ha conseguido éxitos como “Las cuatro estaciones” película que más tarde se emitió como serie televisiva, o “Dulce Libertad”, divertida película sobre Hollywood y sus estrellas.

Filmografía esencial:

Purle Victorious (1963)
Paper Lion (1968)
El infierno del Whisky (1970)
Satán, mon amour (1971)
La casa de cristal (1972)
California Suite (1978)
El próximo año a la misma hora (1978) Escala al poder (1979)
Las cuatro estaciones (1981)
To Kill a Clown (1983)
Dulce libertad (1986)
Una nueva vida (1988)
Delitos y faltas (1989)
Betsy´s Wedding (1990)
El padre de la novia (1990)
Susurros en la oscuridad (1992)
En el filo de la duda (1992)
Misterioso asesinato en Manhattan (1993) Operación Canadá (1993)
Mad City (1998)

CARA A CARA Face Off (1997)

US

Director: John Woo
Productor: David Permut, Barrie Osborne, Terence Chang y Christopher Godsick Guión: Mike Werb y Michael Colleary
Fotografía: Oliver Wood
Música: John Powell

Intérpretes:
JOHN TRAVOLTA: Sean Archer NICOLAS CAGE: Castor Troy JOAN ALLEN: Dra. Eve Archer GINA GERSON: Sasha Hassler

Dirigida por un director como John Woo, especializado en el cine de acción chino, y a juicio de todos los actores que ya han trabajado con él, los rodajes son sumamente cómodos, nada agotadores y esencialmente muy rápidos. Al igual que ocurre con otros especialistas, las escenas no se repiten más de cuatro veces, como si quisiera ahorrar material. Este sistema, que choca sensiblemente con otros directores, no pretende móviles económicos sino solamente que cada uno, especialmente los actores, pongan todo su interés en el primer plano, no confiando en que podrán repetir si algo sale mal. En esta película Travolta tiene que imitar al personaje encarnado por Nicolás Cage, una labor más difícil de lo que parece, mucho más complicada si tenemos en cuenta que el imitado estaba siempre presente. Tuvo que asimilar todos los movimientos naturales de Cage, más los de su propio personaje, incluida la forma de andar tan peculiar. Los comentaristas dijeron que los enfrentamientos entre ambos actores habían sido frecuentes, lo mismo que con el productor Michael Douglas, aunque parece ser todo un invento de los publicistas por crear un clima de tensión para que el público sintiera un interés especial por verla terminada.

“Reconozco que ha habido un sector de la crítica a quien no le ha gustado el filme y me culpan a mí de manera especial por ello. Quisiera recordarles que yo me limito a realizar el papel que me otorgan, pero que no influyo ni en el guión, ni en la música, ni en los demás trabajos. Responsabilizar siempre al actor del éxito o fracaso de un filme no es justo. Me gusta que mis películas triunfen, pero no dejo de dormir profundamente si una de ellas fracasa. A quien le debe preocupar es a los productores, que son los que ponen el dinero”.

Después de sufrir un procedimiento quirúrgico radical, Archer coge literalmente prestada la cara de Troy y su identidad para llevar a cabo su misión. Pero las cosas no salen como esperaba cuando Troy surge de un coma y se transforma en Archer, consiguiendo desquiciarle su vida y su trabajo. Cuando la tensión continúa como si fuera una bomba a punto de explotar, la historia se convierte en un juego del gato contra el ratón, hasta que ambos, Archer y Troy, irónicamente entrampados en el cuerpo de su enemigo, intentan sobrevivir.

A propósito del agente del FBI Archer Sean

Con firmeza e indiscutible carisma, John Travolta interpreta a Archer Sean en "FACE/OFF." Una historia compleja sobre un agente del FBI que encabeza una unidad anti-terrorista. Archer ha estado rastreando durante ocho años las actividades delictivas del cerebro de un grupo armado llamado Troy. Este hombre es el responsable de innumerables atentados y asesinatos, entre ellos la muerte del pequeño Michael, el hijo de Archer. Impulsado por el deseo de venganza, Archer se convierte en un hombre destrozado que solamente busca perseguir a su enemigo y para ello sacrifica su vida y su trabajo. Archer piensa que su pesadilla ha terminado cuando captura al terrorista y le ingresa en un hospital en estado de coma. Lo que no comprende, sin embargo, es que la pesadilla simplemente está empezando. Ese hombre ha dejado el legado de una bomba de varios megatones capaz de diezmar el centro de la ciudad de Los Angeles, con varios miles de vidas destrozadas. La única manera que tiene Archer de encontrar la situación de la bomba y cerrar este capítulo en su vida es en secreto, y temporalmente, entrar en una prisión de máxima seguridad y extraer la información de una persona que está allí presa. Se trata de un esquizofrénico llamado Pollux, hermano del terrorista. Para lograrlo, se le ocurre una solución espectacular: debe ponerse la cara de Troy.
A través de una tecnología médica avanzada, Archer consigue que su cara se parezca a la de Troy. La cara de Archer es conservada en un líquido especial, mientras que la cara de Troy pasa a Archer. Sin embargo, mientras Archer está en prisión asumiendo la identidad de Troy, el bribón revive de su coma y obliga al personal médico a que le dé la única cara disponible, justo la del agente del FBI Archer Sean. La historia se nos vuelve terrorífica, cuando sabemos que el auténtico agente está en prisión con la cara de un asesino, y el asesino en libertad puesto que tiene la cara de un agente de FBI.

Sobre la producción

Tradicionalmente hemos visto que en Hollywood se realizan historias de buenos y malos, y frecuentemente también las hay con hermanos gemelos que han seguido vidas diferentes. Este no es el caso en "FACE/OFF", puesto que ahora dos buenos actores deben cambiarse los papeles de malo y bueno dentro del mismo argumento y eso obliga a un ejercicio de interpretación muy complejo.
Según comenta el director John Woo, "El forcejeo entre lo bueno y lo malo que hay en nuestro interior siempre está en conflicto." Por eso, la batalla dentro de cada carácter y entre sí en "FACE/OFF" es, como John Woo describe, "un símbolo del ser humano". La fuerte dependencia entre el héroe y el terrorista, unida a la gran hostilidad que hay entre ambos, es bastante habitual en los primeros filmes rodados por John Woo. "FACE/OFF" toma este tema y va un paso más allá e invierte a los antagonistas literalmente en sus papeles, mostrando el mundo de su enemigo, un mundo que aterroriza cuando sabemos lo que esconde.

Obligándose a comportarse contrariamente a su naturaleza y asumir sus valores opuestos, nosotros empezamos a ver una convergencia en los dos, aunque tienen personalidades diametralmente opuestas. Hay una simetría en los caracteres a pesar de su confrontación violenta. Para los productores, “FACE/OFF” es el vehículo perfecto para John Travolta porque se trata de dos tipos que son inherentemente buenos y malos. No es esencialmente una película de acción, pero sí es una historia poderosa, emocional y con valores. Travolta y Nicolás Cage tienen una estupenda oportunidad para crear dos personajes totalmente completos y sumamente opuestos. Puede ser la primera vez que dos actores han tenido que escoger lo mejor y lo peor de sus personajes y juntarlo en el mismo momento.

"Realmente estoy convencido de que ha sido una experiencia nueva en el cine de acción que puede servir de pauta para otras películas. Ambos comprendimos muy pronto que esa mezcla tan peculiar en una película iba a ser un proceso increíble, porque cada personaje tenía que tener sus propias idiosincrasias, y cuando el actor se vuelve el otro personaje se tiene que forzar porque debe imitar”.

El productor ejecutivo Jonathan D. Krane dice que: "Travolta y Cage son perfectos porque ambos son tan carismáticos e igualmente creíbles cuando hacen de tipo bueno y tipo malo. Su imitación es precisa y perfecta y siempre sorprenden al público".
Allen interpreta a la Dra. Archer, la esposa de Sean Archer, la persona profundamente afectada por este cambalache de identidad tan engañoso. La persecución larga y obsesiva de su marido hacia Troy, unida con la pérdida de su hijo de seis años, ha pasado factura y antes del cambio su matrimonio amenaza ruina. Un día, sin embargo, ella vuelve a casa y se encuentra cambiado a su marido. Ahora es un hombre nuevo, atento, apasionado y deseoso de empezar nuevamente. Su esposa no comprende que el cambio ha sido bastante más profundo de lo que ella cree.
Para esta actriz supone la primera vez que realiza una película de acción, y según manifiesta: "yo tenía una oportunidad para hacer cosas que nunca había hecho antes. He tenido que romper sillas encima de las personas, gritar, apuntar con pistolas a la gente.... ¡me he divertido mucho en esta película!".
El papel de Allen es crítico en el desarrollo de la historia, puesto que es el ancla que une a los dos hombres, la que mejor percibe lo que ocurre en el interior de ellos y la que vive más intensamente las increíbles reacciones de cada uno. Por eso Joan Allen tiene un gran peso y gravedad como actriz, al equilibrar a los dos personajes masculinos.

Los tres actores fueron conscientes de la gran oportunidad que tenían por trabajar con John Woo. Travolta le define como "un estilista visual, un director diferente cuyo papel en el cine está entre los mejores. Utiliza la violencia hasta ahora más allá de la realidad y la termina convirtiendo en una poesía visceral."
"FACE/OFF" se puede describir como una película de miedo psicológica, aunque enmascarada como una película de acción. Los escritores Mike Werb & Micheal Colleary escribieron el primer proyecto de su guión en 1990. Ni Werb ni Colleary habían visto antes a John Woo ni ninguna de sus películas, y sus referencias de lo que querían hacer estaban en la historia de Raoul Walsh "Calor Blanco", y la película de John Frankenheimer "Segundo".
Colleary dice que la primera vez que vio una película de Woo titulada “El Asesino”, tembló con las imágenes. Las personas que allí salían parecía reales, vivas. “Era la cosa más cinemática que había visto en mi vida. Sin necesidad de haber trabajado nunca con John Woo y ni siquiera haberme familiarizado con su estilo, comprendí que nosotros le habíamos escrito una película a su medida. Para ambos ha sido la culminación de todas nuestras esperanzas y ambiciones”.

La historia exige a los dos personajes principales que sean aproximadamente del mismo tamaño, pero con tipos de cuerpo diferentes. Travolta y Cage no sólo encajaron físicamente el trabajo, sino que, más pretenciosamente, consiguieron dar a cada uno dos papeles muy diferentes. Al mismo tiempo, el guión exigió a los actores que se fundieran con sus personajes, puesto que de lo contrario la película no funcionaría. Finalmente, todos estuvieron de acuerdo en que eran dos actores fenomenales y que lo hicieron mucho mejor de lo que se podían imaginar.
Un gran conjunto de actores igualmente eficaces completan el reparto. Pollux Troy, el aliado más íntimo de Troy y su hermano, son retratados brillantemente por Alessandro Nivola; Gina Gershon hace de Sasha, la novia de Troy, y Nick Cassavetes interpreta al rey del hampa Dietrich. Las buenas actuaciones también incluyen al equipo de agentes del FBI de Arher, interpretadas por Harve Presnell como el líder del FBI Lazzaro, Robert Wisdom como Tito Biondi, Margaret Cho como Wanda y CCH Pounder como Hollis. Colm Feore y John Carroll Lynch están correctos como el Dr. Walsh y el guardia Walton, respectivamente.

Travolta resume : "El público puede esperar todo lo que una película de acción puede ofrecer, más los personajes originales y un gran trabajo de los técnicos. La película es una mezcla rara de acción, drama, humor y poesía que son la magia de John Woo. Es muy divertida".

Nicolas Cage

Nombre: Nicolas Coppola
Nacido el: 7 de enero de 1964, en Long Beach, California
Estudios: Teatro del Conservatorio americano, San Francisco, California Controvertido y en ocasiones desagradable, esta estrella americana con mirada somnolienta y cansada, sobrino de Francis Ford Coppola, consiguió sus primeros éxitos como adolescente en “Aquél excitante curso” (1983) y en “La ley de la calle” (1983), esta última dirigida por su tío.
Después logró ser tenido en cuenta con más interés por su papel de Matthew Modine en “Birdy” (1984), dirigida por Alan Parker, como un veterano de Vietnam emocionalmente lleno de cicatrices. Para muchos, su mejor trabajo fue en la obra de Coppola “Peggy Sue, se casó”, un filme nostálgico de 1986, en el cual vimos viajes en el tiempo y a un todavía desconocido Jim Carrey. Su habilidad para aparecer torpe, estúpido y objeto de burla, le llevaron hasta la estupenda película de los hermanos Coen “Arizona Baby” (1987), una excéntrica película de amor y persecuciones policiales, contrastada fuertemente por la odisea de David Lynch “Corazón salvaje” de 1990.
Aunque los críticos han dividido el trabajo de Cage en dos facetas, la cómica y la dramática, su trabajo en “Hechizo de luna” (1987), como el panadero destartalado y filosófico que enamora a la encantadora Cher, le proporcionaron el suficiente crédito como para continuar con “Amos & Andrew” (1993), una desconocida película que casi nadie ha logrado ver. Posteriormente, su indudable encanto como chico feo le proporcionó un éxito en la comedia de Andrew Bergman, “Living Las Vegas” (1995), repitiendo un personaje similar al que hizo en el filme de Mike Figgis “Luna de miel para tres” (1992), en donde hacía una compleja actuación como un escritor alcohólico.
Su posterior trabajo en “La Roca”, como un torpe agente secreto y las noticias que nos hablan de haber sido seleccionado para interpretar a Supermán en la quinta entrega del hombre de acero, no hacen nada más que confirmar la necesidad de revisar nuestro criterio sobre este actor.

1982 Aquel excitante curso
1983 La ley de la calle
1983 Valley Girl
1984 Birdy
1984 Cotton Club
1984 Adiós a la inocencia
1986 Raza de campeones
1986 Peggy Sue se casó
1987 Hechizo de luna
1987 Arizona baby
1989 Never on tuesday
1989 Tempo di uccidere
1989 Besos de vampiro
1990 Pájaros de fuego
1990 Corazón salvaje
1991 Zandalee, el límite del deseo
1992 Luna de miel para tres
1993 Amos & Andrew
1993 Deadfall
1993 Red rock west
1994 Guarding Tess
1994 It could Happen to you
1994 Trapped in Paradise
1995 Kiss of Death
1995 Leaving Las vegas
1996 La roca
1997 Cara a cara

Oscar al mejor actor en 1995: Leaving Las Vegas

PRIMARY COLORS (1998)

Música: Ry Cooper
Guión: Elaine May
Basada en la obra de: Joe Klein Director: Mike Nichols
143 minutos

Intérpretes:
JOHN TRAVOLTA (Gobernador Jack Stanton) EMMA THOMPSON: Susan Stanton
BILLY BOB THORNTON: Richard Jemmons KATHY BATES: Libby Holden
LARRY HAGMAN: Gobernador Fred Picker DIANE LADD: Mamá Stanton

Después de haber sido ofertada a directores tan importantes como Steven Spielberg, Sydney Pollack, Barry Levinson, y a los no menos eficaces Robert Redford y Danny DeVito, fue finalmente Mike Nichols quien se hizo cargo del proyecto. La obra de Joe Klein había sido un éxito editorial hace dos años, cosa nada rara en un país en el cual las historias sobre asuntos políticos siempre venden millones de libros. Lo curioso del caso, es que la obra era anónima en el momento de su publicación, quizá porque los defensores del Presidente hubiesen tomado represalias contra su autor, como parece ser que lo hicieron contra la editorial Random House. La coincidencia con las acusaciones de acoso sexual hacia el Presidente Clinton hicieron que este tema, en principio no demasiado original, causase un fuerte interés en lectores y espectadores.
Para el personaje principal se habló con Tom Hanks, quien después de leer el guión y ver que se hacía una referencia clara a Clinton no quiso formar parte de estos ataques tan personales, mucho menos cuando el tema que se tocaba era el del adulterio. Por motivos similares rechazó el proyecto Mel Gibson, quien no estaba de acuerdo en que se mostrara esa falsa imagen de un Presidente que aún no había sido condenado en los tribunales por nada de lo que allí se decía. La idea central del guión era que hasta el presidente de una gran nación tenía perfecto derecho a ser adúltero, pero que la sociedad debía ser tolerante con él, especialmente cuando el índice de divorcios por adulterio era superior a cualquier otra causa.

“Creo que existe cie rto paralelismo entre Clinton y yo, al menos en cuanto a nuestro modo de estar con la gente. Además, yo nunca podría hacer una película que le ridiculizase, puesto que ha sido una gran ayuda para la consolidación de la Iglesia de la Cienciología, especialmente en países que querían cerrar sus actividades”.

La película nos muestra a un respetable gobernador llamado Jack Stanton, quien desea convertirse en Presidente de los Estados Unidos, y se ve inmerso en una telaraña de políticos que tratan de impedirle lo que parece ser su imparable ascenso a la presidencia, siempre secundado por su amante esposa Susan. Después aparecen una serie de chicas que parece ser han mantenido relaciones sexuales con el gobernador, lo que causa el desprecio de Susan, quien desde ese momento se convierte en una esposa agresiva, ambiciosa y con lengua mordiente delante de la prensa.
La película contiene numerosos momentos de humor y fue supervisada por uno de los responsables de la Casa Blanca, una persona que se encarga de las campañas de prensa. El director Nichols aseguró que el tema de la película no trata sobre el Presidente Clinton, aunque reconoce que trató de lograr que John Travolta se pareciera lo suficiente para que el público se sintiera confuso. El propio actor se sintió encantado con este personaje que dignificaba y nunca empobrecía, la imagen de su presidente.
Se cuenta que hay una escena de sexo especialmente comprometida (u ofensiva, según quien la mire) que fue eliminada. Se trata de una en la cual se ve a Emma Thompson, en el papel de Susan, acostándose con el actor negro Henry Burton y que en el pase previo tuvo muchas críticas. Ella alega que no fue por motivos de racismo, sino políticos, puesto que parece poco verosímil que la verdadera esposa del presidente hubiera sido adúltera.

Según el director, “La película no trata esencialmente sobre la moral del presidente, sino de la de los ciudadanos norteamericanos, más predispuestos a atacar al vecino que a sus propias costumbres. No veo por qué tenemos que exigir que un presidente se convierta en un beato, precisamente en un país donde la libertad sexual es una bandera ya establecida. A los políticos no hay que juzgarles por su vida privada, sino por su trabajo en bien de la nación”.

La película pone un especial énfasis es demostrar que no se basa en personajes reales y que cualquier comparación es exclusiva del espectador. Con un presupuesto de 65 millones de dólares y casi 130 decorados para simular el interior de las oficinas presidenciales, es loable el intento de Travolta por parecerse hasta físicamente al actual presidente, aunque en ocasiones cae en una excesiva dosis de humildad.
Las circunstancias que rodean el reciente escándalo presidencial han colocado a “Primary

colors” en una posición privilegiada. Basada en el libro de gran éxito del mismo nombre, el filme de Mike Nichols nos habla de las hazañas de un candidato presidencial del Sur quién, entre las borracheras, las comidas basura, los engaños de su esposa, el maestro de escuela, un peluquero rubio barato, y un adolescente bien dotado, se encuentra desbordado por los problemas.
John Travolta interpreta con maestría a Bill Clinton sonriendo abiertamente como buen jefe. Emma Thompson hace de la esposa Hillary, Billy Bob Thornton se presenta como James, el estratega de la campaña presidencial, y Kathy Bates y Adrian Lester redondean el reparto como miembros del equipo de la campaña.

Con detalles de la vida real de Monica Lewinsky (y ahora Kathleen Willey) mezclados, empezamos a entender la posición de la Universal Pictures en cuanto saltó a la prensa las noticias denominadas como "Zippergate", en enero de 1998. El debate ha sido seguido con interés por Washington y Hollywood durante meses, especialmente sobre cómo el intenso escrutinio del asunto presidencial afectaría a la recepción de la película por el público. Con un presupuesto de 64 millones de dólares, la pregunta es si el resentimiento de los ciudadanos por la saturación que los medios de comunicación han otorgado al asunto, produciría el interés hacia “Primary colors”, o en realidad las personas solamente tendrían interés en las noticias reales de los noticiarios.
Nadie conoce los datos que tienen la Universal sobre este asunto político, pero lo que sabemos es que los estudios pidieron a sus actores que no concedieran entrevistas relacionadas con sus opiniones políticas, al menos hasta que la película se hubiera estrenado.

Antes de que los acontecimientos se desbordasen, un publicista del estudio habló para que la historia fuera en esencia ficción, sin pretender parecerse a la vida real. Y eso es justo lo que parece ser que hicieron, especialmente cuando les preguntaron a Travolta, Thompson, Thornton, Bates, y Lester cómo sus personajes habrían reaccionado si se hubieran visto envueltos en la situación real. Algunos de los actores parecían un poco incómodos hablando sobre eso y Travolta, en concreto, dijo que no le interesaban las suposiciones.
Thompson fue un poco más explícita y detalló como ella manejaría a Monica si fuera Hillary Clinton, aunque sabemos que los políticos ingleses envueltos en escándalos sexuales reaccionan de modo mucho más agresivo que los norteamericanos. “En Inglaterra, dijo, los políticos no niegan sus relaciones amorosas y luchan por mantener su derecho a vivir su vida privada a su gusto y manera. Negarlo es ridículo y es mucho más sensato admitirlo y exigir que les dejen en paz”

Su compañera de reparto:
EMMA THOMPSON

Nacida el: 15 de abril de 1959
Estudios. Escuela Camden School para Chicas, Londres, Inglaterra; Universidad de Cambridge, Inglaterra.

Thompson empezó escribiendo y realizando su propio material de teatro mientras era una estudiante en Cambridge, apareciendo como una actriz de variedades, la primera compañía en la cual todos los actores eran mujeres, titulada “La hora de la mujer”. Después de conseguir un éxito en extremo oriente con el musical “Mi Muchacha y yo”, Thompson unió su carrera y su vida a la Compañía de teatro Renacimiento, teniendo como compañero a su marido Kenneth Branagh.

Thompson empezó su carrera en el cine en 1989 con “Un tipo de altura”, con Jeff Goldblum, y “Enrique V” de Branagh, aunque anteriormente había interpretado un corto trabajo en “Tutti frutti”. Estuvo bastante correcta como una joven amnésica en “Morir todavía” (1991), en la cual logra recordar algunas escenas de un asesinato. Este melodrama angustioso estuvo dirigido por su marido Kenneth.
Este dúo de actores también logró un buen trabajo como los amantes ingeniosos y belicosos de Shakespeare Beatrice y Benedick en la adaptación de Branagh “Much Ado About Nothing” (“Mucha dificultad para nada”) en 1993.
Después consiguió un nuevo éxito cuando escribió su propia comedia para la BBC, a la que tituló "Thompson", en la cual salía esporádicamente su marido. Otro buen reconocimiento fue junto al extraordinario Anthony Hopkins en “Regreso a Howards end” en 1992, con Vanessa Redgrave. Con este filme ganó un Oscar a la Mejor Actriz y consiguió afianzarla como una actriz de prestigio.
“En el nombre del padre” y “Remains of the Day”, ambas de 1993, fueron otras filmes importantes en su carrera, consiguiendo ser nominada al oscar como la Mejor Actriz y como la Mejor Actriz Secundaria.
En 1995, encabezó de nuevo los titulares con el drama filosófico “Carrington”, en el papel de Dora Carrington, en una aventura amorosa platónica con el escritor Lytton Strachey (Jonathan Pryce.) Después, y como Elinor, hizo “Sense and sensibility” en 1995, consiguiendo un Oscar al Mejor guión y una nominación a la mejor actriz. Es hija del director Eric Thompson (quién dirigió algunas de las primeras obras de Alan Ayckbourn) y de la actriz Law de Phyllida. Su hermana Sophie también es actriz.

Filmografía esencial:

1987 Tutti Frutti
1989 Enrique V
1989 Un tipo de altura
1991 Morir todavía
1991 Pasiones privadas de una mujer
1992 Regreso a Howard’s End
1992 Peter’s Friends
1993 En el nombre del padre
1993 Much ado about nothing
1993 The remains of the Day
1994 Junior
1994 Mi padre, el héroe
1995 Carrigton
1995 Sense and sensibility

Lista de Premios y Nominaciones a John Travolta:

1977 Nominado como mejor actor por “Fiebre del sábado noche”
1981 - Hombre del Año del Club Harvard
1983 - Estrella Masculina del Año por la Asociación Nacional de Propietarios de Teatro
1984 – Reconocimiento de la Academia
1987 – Premio de la cadena ABC a la Popularidad
1990 - Estrella del Año por la Asociación de Dueños de Teatro de América
1990 – Premio Francois Truffaut en el 21 Fiesta del Cine de Italia
1991 – Premio de Honor Deauville
1994 – Nominado como el mejor actor por “Pulp Fiction”

LA HIJA DEL GENERAL The general Dahuter

Basada en la novela de: Nelson DeMille Director: Simon West

Intérpretes:
JOHN TRAVOLTA MADELEINE STOWE JAMES WOODS

Travolta es ahora un investigador del ejército ayudado por una guapa psicóloga que intenta resolver un caso de violación. Todo sería sencillo, pero la chica muerta era hija de un general del ejército y hay mucha gente que quiere escurrir el bulto. Ella aparece en el suelo del campamento, desnuda, atada en forma de X, estrangulada, pero sin señales de haber sido forzada sexualmente. Después, unos vídeos demuestran que era aficionada al sadomasoquismo sexual, lo que desequilibra la mente del general y los detectives. Todo se complica cuando la vida de los investigadores está en peligro y personajes en la sombra intentan eliminar pistas y personas.

OPERACIÓN SWORDFISH Swordfish 2001

Director: Dominic Sena

Intérpretes:
JOHN TRAVOLTA HUGH JACKMAN HALLE BERRY DON CHEADLE VINNIE JONES

Mostrando la peor de sus sonrisas, Travolta vuelve a encarnar a un villano con pocos escrúpulos, un reconvertido criminal que prefiere ahora la más sutil vida como espía. En realidad no se considera una mala persona, pues piensa que es un patriota que quiere aniquilar a los terroristas a cualquier precio, haciendo énfasis en el refrán “a quien hierro mata a hierro muere”, o algo similar. Gabriel, que así se llama, necesita mucho dinero para lograr sus propósitos, lo que puede conseguir mediante el habitual sistema de blanquear el dinero sucio. Y así, con la ayuda de la guapa Ginger (Halle berry) y de un experto pirata informático llamado Stanley (Hugh Jackman), pretenden hacerse con la nada desdeñable cantidad de seis billones de dólares que se encuentran en los fondos reservados del gobierno.

Últimos filmes

COMBINACIÓN GANADORA (2001) OPERACIÓN SQORDFISH (2001)
FALSA IDENTIDAD (2002)
BASIC (2003)
EL CASTIGADOR. THE PUNISHER (2004) BRIGADA 49 (2004)
BE COOL (2005)
UNA CANCIÓN DEL PASADO (2004) CORAZONES SOLITARIOS (2006) CERDOS SALVAJES (2007)
HAIRSPRAY (2007)
ASALTO AL TREN PELHAM 1, 2, 3 (2009) DOS CANGUROS MUY MADUROS (2008) DESDE PARÍS CON AMOR (2010) SALVAJES (2012) de Oliver Stone
GOTTI: THREE GENERATIONS (2013) KILLING SEASON (2012)