JODIE FOSTER

Autor: © Adolfo Pérez Agustí

ISBN: 978-84-9827-908-5

Edita: EDICIONES MASTERS

edicionesmasters@gmail.com

JODIE FOSTER

Excepcionalmente madura, y actriz de gran talento desde niña en los años setenta, logró una buena transición como actriz cuando se convirtió en adulta. Inicialmente tuvo como agente artístico a su propia madre Brandy, convirtiéndose la joven Foster en el principal sostén económico de toda la familia. Pronto tomó el mando de su propia carrera y gradualmente elaboró su desarrollo de manera meticulosa a través de una cuidadosa selección de sus proyectos, adquiriendo una gran experiencia para conseguir una imagen pública a su medida. Su ascenso como gran estrella adulta lo tuvo cuando fue nominada al Oscar a la Mejor Actriz Secundaria por “Taxi Driver”, aunque no se detuvo en sus galardones y nos ha proporcionado una gran sorpresa por sus trabajos como directora y productora.

Foster empezó su incursión en el mundo artístico realizando anuncios desnuda para una empresa de bronceadores cuando tenía tres años. Este anuncio, que la mayoría todavía recuerda, era para Coppertone, y pudimos ver a la niña Jodie enseñando su pequeño trasero cuando un perro intenta quitarle su bañador. Posteriormente trabajó de manera más regular en otros anuncios y como invitada en varias series de televisión hasta que la productora Disney le ofreció un contrato para el cine.

Su paso al mundo de adultos fue especialmente brusco con su actuación polémica en

“Taxi Driver” (1976), como la prostituta adolescente que inspira a Robert De Niro a realizar una cruzada personal poco acertada. Foster consiguió una nueva nominación al Oscar por sus diversas caracterizaciones, incluso como un gángster, en el musical “Bugsy Malone, nieto de Al Capone” (1976), con el desconcertante papel de Srta. Tallulah, la reina de una taberna clandestina obscena. También fue polémico su trabajo en “The Little Girl Who Lives Down The Lane” (1976), y en “Carny” (1980), como una adolescente que se une en su huida a unos chicos.

Incluso cuando su carrera era muy fructífera, Foster seguía siendo una estudiante excelente, y se graduó en el Liceo Francés de Los Angeles en 198, continuando con sus estudios de literatura en la Universidad de Yale. También sobrevivió al intenso aluvión de noticias cuando su nombre estuvo involucrado en un intento de asesinato al presidente Reagan en 1981 por parte de John Hinckley, quien pretendía impresionar con ello a Foster. Mientras estudiaba en Yale, siguió efectuando apariciones en cine y televisión, destacando como miembro de una original familia en la película “El Hotel New Hampshire” (1984), consiguiendo ya el salto definitivo a papeles como adulta cuando interpretó “Cinco esquinas” (1986.)

Foster consolidó su reputación cuando le premiaron con un Oscar por su trabajo como víctima de una violación en “Acusados” (1988), afianzando aún más si cabe su prestigio como el neófito agente del FBI en la película de miedo psicológico de Jonathan Demme,

“El silencio de los corderos” (1991.) Para su debut como directora escogió “El Pequeño Tate” (1991), en donde realizó una historia sobre un niño prodigio que vive una intensa vida junto a su madre, una mujer trabajadora (interpretada por Foster), y su maestra (Dianne Wiest.)

En 1992, Foster firmó un contrato de producción por tres años con Polygram Filmed Entertainment, en el cual se comprometían a financiar tres películas (bajo su estandarte de Egg Pictures), por las cuales ganaría 25 millones de dólares, más un extra de 10

millones que se destinarían a la promoción. Una de las condiciones era que Foster podría escoger si quería trabajar como intérprete o, simplemente, producir y dirigir estas películas, puesto que no tenía aún muy claro si quería destacar más como directora o como actriz.

El trabajo como intérprete de Jodie Foster durante este tiempo ha sido muy diverso y podemos verla como una prostituta en “Sombras y nieblas” (1992) de Woody Allen, en el intenso drama de “Sommersby” (1993) con Richard Gere, y junto a Mel Gibson en la parodia del Western “Maverick” (1994), su primera comedia en esa década. Con su primer trabajo para la Egg Pictures, Foster consiguió bastante éxito con “Nell” (1994) como una ermitaña del bosque que habla en una lengua inventada. Una vez más, Jodie Foster consiguió una nominación al Oscar a la Mejor Actriz, galardón que le sirvió para llegar con aplomo hasta “Contact”, una historia sobre contactos con otros mundos.

BIOGRAFÍA

Nombre de nacimiento: Alicia Christian Foster

Fecha y lugar de nacimiento: 19 de noviembre de 1962, Los Angeles, California Educación: Liceo Francés; Yale (literatura)

Dirección para escribir:

PMK

955 Dr. Carrillo

Los Angeles, CA 90048

Es posible que ninguna otra actriz haya conseguido recientemente ver su cara en las portadas de las revistas del espectáculo como Jodie Foster, quien puede estar orgullosa de ocupar un puesto de privilegio sin necesidad de escándalos amorosos ni mostrando su cuerpo desnudo en la pantalla. Ella es reconocida mundialmente solamente debido a su considerable talento, tanto como actriz, como de directora.

Su cara comenzó a verse frecuentemente en las portadas de los años setenta, cuando formaba parte de programas de televisión en películas como “Freaky Friday ” y “The Little Girl Who Lives Down the Lane ”, aunque no alcanzó la popularidad hasta 1975, cuando interpretó con misteriosa verosimilitud a una prostituta juvenil en “Taxi Driver”, una obra clásica de Martin Scorsese sobre las tensiones emocionales de la gran ciudad. En los años siguientes, Foster evitó formar parte de las revistas de cine, especialmente porque, cuando tenía diecisiete años, optó por enrollarse en la Universidad de Yale, donde adaptó el estilo de vida de Ivy League. Pero a pesar de sus esfuerzos por pasar desapercibida, ocupó las páginas de todos los periódicos del mundo cuando un loco asesino se empeñó en matar al Presidente Ronald Reagan en 1981, en la creencia de que así atraería la atención de la actriz y le visitaría en la cárcel.

Durante algunos años la carrera como actriz secundaria de Jodie Foster estuvo caracterizada por sus papeles eclécticos en películas de poco éxito, bien intencionadas, pero que no lograron atraer la atención del público mayoritario. Eso cambió en 1988, cuando ella apareció en “Acusados”, una historia sobre una violación que se convirtió rápidamente en una de las películas más taquilleras y a ella le supuso un Oscar de la Academia a la mejor actriz por su retrato convincente de la víctima. Tres años después, Foster surgió de lo que parecía ser otro periodo de semi-retiro para ganar otro Oscar a la Mejor Actriz por su caracterización como una novata del FBI en la película de Jonathan Demme “El Silencio de los Corderos”. Ese mismo año, Foster dirigió “El pequeño Tate”, la historia de un niño prodigio.

PRIMEROS AÑOS

Jodie Foster es la más joven de cuatro hermanos (Constance, Lucinda y Buddy), y su verdadero nombre es Alicia Christian Foster. Nació en Los Angeles, California, el 19 de noviembre de 1962, de Evelyn “Brandy” Foster, una ejecutiva de publicidad del Bronx, y de Lucius Foster III, un reputado abogado. Ambos esposos se divorciaron antes de que ella naciera, y desde entonces Jodie creció con su madre, quien en ese momento trabajaba para productor de cine organizando sus relaciones públicas.

Foster recuerda sus primeros años de estudiante en lugares de lujo y culturalmente muy prestigiosos, como el Liceo Francés y la Universidad de Yale, aunque reconoce que su casa no era la de una familia rica.

“Yo vengo de una familia muy tranquila. Nosotros solíamos comer bien, especialmente comida portuguesa, aunque mi madre era también muy aficionada a la comida rusa, siendo frecuente encontrar en el refrigerador sopa rusa de remolacha y Kiwi coreano.

También íbamos habitualmente a comer a los restaurantes tailandeses, Vietnamitas y Filipinos. Mi madre nos acostumbró a disfrutar de todas las cosas exóticas, y el cine era una de ellas, por lo que mis primeros recuerdos eran esas películas europeas tenebrosas que me aburrían mucho y a mi madre le entusiasmaban. La única cosa normal que poseíamos era un automóvil Peugeot”.

El hermano de Jodie Foster, Buddy, empezó apareciendo en anuncios para la televisión cuando tenía aproximadamente ocho años, y Evelyn Foster a menudo se llevaba a Jodie a mirar las sesiones fotográficas y los rodajes de spots, práctica que siguió efectuando hasta que la pequeña consiguió su primer trabajo. Un día, la empresa fabricante de los bronceadores Coppertone, se fijó en Jodie cuando tenía solamente tres años y la escogieron para ser la niña de Coppertone, mostrando un desnudo que tuvo cierta polémica.

Eso ocurría en 1965 y, hábilmente manejada por su madre, durante los dos próximos años Jodie aparecía en numerosos cortos y anuncios para la televisión, debutando ya como actriz en una serie cómica en 1969 en un episodio de “Mayberry RFD”. La gran facilidad que tenía para leer guiones de cine con solamente cinco años de edad le abrieron muchos caminos difíciles, coincidiendo con su hermano Buddy en algunos episodios. De esos años hay que destacar su prolongado trabajo en el serial “El noviazgo del padre Eddie” entre 1969 y 1972, “Bob, Carol, Ted y Alice” en 1974 (siete episodios), y “Luna de papel” entre 1974 y 1975 (trece episodios.) Otros trabajos que realizó para la televisión, con papeles menos importantes, fue en “Rookie of the year”, “Adam 12”, “Julia”, “Gumsmoke”,

“Daniel Boone”, “Kung fu”, “Menace on the Mountain”, “Mis tres hijos”, “La familia Partridge”, “Ghost Story”, “Love Story”, “La familia Adams” y “Smile Jenny, you’re dead”.

EL CINE

Después de aparecer en un gran número de programas de televisión, fue tenida en cuenta por un agente artístico de la compañía Disney, quien le ofreció un contrato para interpretar cinco películas, la primera de ellas “Napoleón y Samantha” (1972), en la cual tenía como compañero de reparto a un joven Michael Douglas.

Su primera película fue bastante comentada por la buena actuación de los actores, especialmente un león bastante soñoliento llamado Major, a quien quieren jubilar anticipadamente y enviarle a un parque zoológico.

Después la pudimos ver en otra película menos afortunada titulada “Kansas City Bomber” (1972), junto a Raquel Welch y en la producción de Disney “One Little Indian” (1973.) Entretanto, se podía ver a Jodie Foster en numerosas series de televisión, unas recientes y otras reposiciones, entre ellas las ya mencionadas “The Courtship of Eddie's Father”,

“Gunsmoke” y “The Partridge Family”, además, de “Centro médico”, y “Bonanza”.

Durante 1973, interpretó el papel de Becky Thatcher en una adaptación musical de la novela de Mark Twain, “Tom Sawyer”, impresionando a los críticos por el aplomo y gran juicio que imprimía a sus personajes. Un crítico señaló que su “encanto” y sus maneras de moverse, eran más propios de una chica mayor que ella, comentario que no la desagradó en absoluto.

Todos los siguientes papeles de esa época reflejaron esa calidad suya de parecer una adulta, o por lo menos de intentar parecerlo. En 1973 la ABC convoca los Premios Emmy para jóvenes recién graduados denominados “Neófito Especial del Año”, y Foster consigue ese premio por interpretar a una muchacha que irrumpe en una pequeña liga de béisbol, un lugar donde todos son varones. También tuvo un corto papel en “The Secret Life” de T.K

Dearing (1972), una película que trajo a la realidad algunos de los estereotipos sobre los ancianos, en donde Foster hacía el papel de una jovencita que desarrolla una profunda relación cuando su abuelo se queda viudo.

Quizá porque Jodie se daba cuenta que debía proyectar precozmente una personalidad de adulta, fue requerida por los agentes artísticos para papeles así, como cuando le ofrecieron interpretar a Chris Connelly en la serie de televisión “Paper Moon” (1974), basada en una película muy popular del mismo título que habían interpretado con éxito Ryan O'Neal y su hija, Tatum. Los 13 episodios que se emitieron fueron suficientes para demostrar que Foster era una actriz válida para la mayoría de los papeles.

La primera película con la que Jodie Foster consiguió un gran aplauso de la crítica fue con

“Alicia ya no vive aquí” de Martin Scorsese (1974.) En ella, Foster interpreta a un pilluelo callejero de nombre Audrey que intenta llevar al hijo de Alice hacia la delincuencia juvenil, enseñándole cómo beber licores. Aunque su trabajo fue eclipsado por las actuaciones de los actores principales, Kris Kristofferson y Ellen Burstyn (quien ganó un Premio de la Academia para su interpretación), la joven actriz dejó una grata impresión en Martin Scorsese lo suficientemente importante como para que la tuviera en cuenta para su próxima película, “Taxi Driver”.

SU GRAN OPORTUNIDAD

El papel que Scorsese estaba buscando era conflictivo, puesto que se trataba de interpretar a una prostituta de doce años llamada Iris, lo que podía ocasionar no pocos problemas con la censura. Para evitar disgustos, Foster fue sometida a una evaluación psiquiátrica por la California Labor Board para demostrar que ella podría sobrellevar el trauma potencial de interpretar a una prostituta. Robert De Niro interpretó el principal papel como Travis, un desarreglado héroe que trata de aportar sus tendencias reformistas más allá del límite, con resultados catastróficos.

Foster, en el papel de Iris, logró una buena experiencia con su personaje y con ello un acercamiento a ser una gran actriz.

“La película cambió mi vida completamente. Era la primera vez que me metía en un personaje que no tenía nada que ver con mi verdadero carácter y la primera vez que comprendí que ya no estaba en el cine por afición y que se había convertido en una profesión en la cual tenía que poner cuerpo y alma”.

Por este trabajo fue nominada al Oscar como Mejor Actriz Secundaria y descrita por los críticos como una joven extraordinaria y madura que sabía trabajar perfectamente.

“Taxi Driver” representó un salto definitivo a la fama para Jodie Foster, aunque durante el resto de esa década no consiguió otro nuevo triunfo y la mayoría de sus películas solamente se mostraron en el formato de vídeo. Pero aunque ahora miremos a esta película como la más importante de las que filmó en esa época, en su momento su presencia pasó bastante desapercibida, puesto que la mayoría de las miradas estuvieron puestas en Robert De Niro. No obstante, el solo hecho de trabajar a las órdenes de Scorsese es ya motivo de prestigio para cualquier actor, lo mismo que cuando hizo un papel en una taberna clandestina en “Bugsy Malone nieto de Al Capone” (1976), una parodia musical de Alan Parker sobre las películas de gángsteres que han aparecido en las pantallas americanas.

Cuando fue juzgada como una de las actrices jóvenes que empezaban a salir a las pantallas de cine, el crítico Gary Arnold comentó proféticamente en el Washington Post, el 19 de noviembre de 1976: “En esa película Foster muestra unas cualidades interpretativas verdaderamente extraordinarias y pido a los aficionados y productores norteamericanos que la tengan en cuenta puesto que demuestra un talento prodigioso”.

Esa exhortación de Gary Arnold para rescatarla del anonimato encontró solamente orejas sordas, y para demostrarlo basta con mirar sus películas posteriores. En “Echoes of a Summer” (Ecos de un verano, 1976), interpretó a una muchacha enferma en fase terminal que tiene unos padres neuróticos que se esfuerzan en ignorar la tragedia. Aunque la película era bastante mediocre y sensiblera, y el guionista debería ser obligado a comerse su libreto con salsa picante, el trabajo de Foster fue la única nota válida en esta lacrimógena película dirigida por el actor Don Taylor.

Ligeramente mejor era “Freaky Friday” (Un viernes loco, 1976), otra muestra del cine juvenil sin interés en la que junto a Bárbara Harris, quien hace de madre suya (en el filme se intercambian sus personalidades), nos muestra su capacidad para acoplarse a cualquier tipo de identidad. En su reseña para el London Observer (el 5 de junio de 1977), Russell Davies señaló que esa joven Foster “es demasiado inteligente para seguir interpretando a jovencitas completamente normales”.

En 1977 ella aparecía en “Candleshoe”, como una embaucadora y delincuente juvenil que se encuentra propietaria de una herencia inesperada, y como una huérfana que metódicamente envenena a los adultos. Mientras estas películas apenas alcanzaban éxitos comerciales, Foster no permaneció ignorada por los críticos, quienes insistían en que se estaba desperdiciando un gran talento juvenil.

LA NIÑA QUE SE HIZO ADULTA

Jodie Foster entró en los años ochenta trabajando para el director británico Adrian Lyne en

“Zorras” (1980), su primera película importante en varios años. En ella no solamente interpreta su primer papel no juvenil, sino que también es la protagonista principal. Ahora es un miembro discreto de una banda de adolescentes femeninos en California del sur que padece los problemas habituales en esa época: la guerra entre los sexos, las familias rotas por divorcios, y el abuso de la droga. El comentarista Andrew Sarris, publicó el 10 de marzo de 1980 en la revista Village Voice su gran admiración por Jodie Foster, quién, en su opinión, lograba sostener ella sola la película y aportar con su presencia la nota más destacada.

Otro papel extraño, fue en su personaje de Donna, una adolescente escapada de casa y sumamente dura, en el filme “Carny” (1980.) Esta excéntrica y oscura película producida por Robbie Robertson, quien también interpretó uno de los papeles principales, atrajo algo la atención del público por los problemas que suelen tener los trabajadores que se dedican a viajar por los pueblos ofreciendo espectáculos circenses. Aunque el papel de Foster era secundario y supeditado a los dos personajes masculinos (Gary Busy y Robertson), la mayoría de los críticos estuvieron de acuerdo en que ella aventajó a todos a pesar de las limitaciones de su personaje.

Sin dejar de trabajar en el cine, en 1980 Foster se graduó en el prestigioso Liceo Francés en Los Angeles, donde efectuó los discursos de despedida en un perfecto francés. En los dos siguientes años los espectadores casi pierden de vista su imagen en la pantalla, pero no así en los telediarios y las portadas de los periódicos, cuando en marzo de 1981, mientras estudiaba en la Universidad de Yale, un entusiasta desequilibrado, John Hinckley, intentó asesinar al Presidente Ronald Reagan, motivado por un deseo de impresionar a Foster. Esa noticia no le aportó ningún beneficio ni personal ni profesional, puesto que hubo quien la acusó de buscar publicidad con estos hechos. Dijeron que todo parecía obra de una desconocida actriz ávida de saltar a la fama por el camino más corto y que lo ocurrido estaba perfectamente planeado entre los dos.

Unos meses después, Jodie publicó un extenso artículo en la revista Esquire titulado, “¿Por qué yo?”, en la cual acusó a la prensa sensacionalista por involucrarla en un acto delictivo tan importante en el que ella no había tomado parte. Ese artículo dio lugar a otro suceso no menos grave, puesto que empezó a recibir amenazas de muerte por parte de un psicópata llamado Michael Richardson, quien tuvo que ser detenido por el FBI para que abandonase tan infame costumbre.

El nuevo retorno a las pantallas cinematográficas lo tuvo en 1983, cuando se la pudo ver en el filme de televisión “Svengali”. Estaba basada en la película de 1931 interpretada por John Barrymore, una obra musical sobre un cantante ambicioso, en la que Peter O'Toole es un enamorado apasionado que domina la voluntad de su amada mediante el hipnotismo, hasta el punto en que la convierte en una gran cantante. Como curiosidad, advertimos a los espectadores que Foster efectuó algunos gorgoritos con un éxito desigual.

Después de filmar “La mujer de O’Hara” en 1983, viaja a Francia para interpretar el papel de Helene, en una adaptación para el cine de la popular novela de Simón de Beauvoir,

“Le Sang des autres” (Con la sangre de otros, 1984), dirigida por Claude Chabrol. Se trata de una historia sobre dos amantes en tiempos de guerra que ya había sido escenificada repetidas veces en los teatros de Francia y Canadá, pero cuya distribución en la gran pantalla no salió de Europa, pudiéndose ver más recientemente por la televisión vía satélite en todo el mundo, aunque apenas fue mencionada por la crítica.

NINGÚN ÉXITO

Su siguiente incursión en las salas americanas tardó más de cuatro años en efectuarse y fue con la versión cinematográfica del best-seller “The Hotel New Hampshire” de John Irving que aparentemente era una buena idea. Dirigida por Tony Richardson, la película ofreció una exposición de raros personajes, entre ellos a Natassja Kinski como una guapa mujer pero insegura que lleva un traje de oso; un perro llamado “Sorrow” que no puede dormir debido a su flatulencia incurable, y Rob Lowe, además de Jodie Foster, como hermanos que gustan de practicar el incesto.

Estos actores de talento comprobado, más la presencia de Beau Bridges, no consiguieron que la película fuera aceptada por nadie, ni público, ni crítica, y el 9 de marzo de 1984 el prestigioso New York Times publicó su crítica describiéndola como “una desagradable muestra de lesbianismo e incesto que hieren la sensibilidad de cualquier espectador inteligente”.

Peor aún que este comentario fue el que hicieron sobre “Muerte lenta” (Mesmerized/

Shoked 1986), catalogada como “una penosa chapuza de horror e incongruencias”, del que culparon también a Foster y al actor John Lithgow que interpretó a su maléfico marido.

Entretanto, en 1985, Jodie Foster recibió su graduación en literatura por la Universidad de Yale y para reincorporarse de nuevo al cine escogió un proyecto ambicioso titulado

“Siesta” (Relación fatal), rodado parcialmente en España, que no obstante provocó una gran confusión en los espectadores. En “Siesta” Foster solamente tenía un papel secundario junto a Martin Sheen, Isabella Rossellini y Ellen Barkin, y aunque tuvo un gran despliegue publicitario y se ofreció a los espectadores un desnudo denominado como

“artístico”, la película fue un nuevo fracaso para la ilusionada Jodie, quien acusaba a críticos y espectadores de estar obsesionados por las escenas eróticas.

Jodie Foster estuvo ligeramente mejor en “Cinco Esquinas” (Five Corners, 1987), filme que contaba con un buen guión obra de John Patrick Shanley (quién escribió

“Moonstruck”.) Se trataba de una evocación sobre la vida laboral de los trabajadores del Bronx Oriental durante el año 1964, y en ella Foster era una empleada en una tienda de animales domésticos que es amenazada por un gamberro del barrio (John Turturro.) Aunque la mayoría de los críticos encontraron a Foster acertada en su papel, no estuvieron de acuerdo en la imagen que ofrecía como una mujer que intenta tratar de entender los problemas que surgen en la mente de un psicópata.

“Stealing Home” (Más que un recuerdo, 1988), ofreció a Foster un papel aun menos importante que el anterior, con lo cual su carrera artística empezaba ya a caminar por una cuerda a punto de romperse. Tan inestable estaba en su situación profesional que hay quien la empieza a considerar como una víctima de la sociedad, tal y como aparecía en

“Taxi Driver”, o dominada por circunstancias particulares similares a sus personajes de

“Stealing Home” o “Five Corners”. Los críticos aseguraban que a lo largo de su carrera de actriz ha escogido siempre interpretar personajes que, de una u otra manera, se identificaban con ella o sus pensamientos.

“Me gusta interpretar a personas normales que están privadas de sus derechos y que en la mayoría de los casos son empujadas a aceptar situaciones injustas o desplazadas si se niegan a ello. Forma parte de mis intenciones denunciar estos hechos a la sociedad e intentar ayudarles con mi trabajo”.

Foster insistió en su afinidad por ese tipo de papeles en la entrevista que concedió a la revista Premiere en marzo de 1991 a Fred Schruers:

“Mi mayor poder es que siempre me identifico con el desvalido, no con el poderoso. Por eso me gusta hacer papeles en los cuales pueda ser la heroína que les apoya o que tiene algo que decir sobre ellos. Cada persona escoge un camino en su vida y el mío parece ser así”.

NUEVO TRIUNFO

Siguiendo su identificación con el desvalido, Foster fue elegida para aparecer en

“Acusados” (1988.)

La película estaba basada en parte en un hecho real, y nos hablaba sobre la violación de una pandilla a Sarah Tobias (el papel de Foster), y el posterior juicio que se estableció para sancionar el delito. El título de la película se refiere, no a las personas que realizaron la violación, sino a los espectadores que se alegraron viendo la penetración repetida. Cuando el juicio tuvo lugar, ellos fueron declarados culpables de haber solicitado que violasen a esa chica y de no haber intercedido para evitarlo. También fue examinada la relación entre esa chica de clase media llamada Sarah y su abogado, el yuppie Katheryn Murphy (interpretado por Kelly McGillis), así como el comportamiento de la sociedad en asuntos de violaciones cuando la mujer es considerada promiscua. En esta ocasión, el argumento no ponía a Sarah como una heroína tradicional, sino como una mujer ligeramente chabacana y sexy que no debe tolerar por ello ser violada.

Como Sarah Tobias, Jodie Foster consiguió uno de los mayores triunfos de su carrera. En ella, y en palabras de David Denby de la revista New York Time, era la primera vez que el público la podía ver como verdaderamente adulta, mostrando carácter y corazón. Según afirmaron, “Foster está extraordinaria y demuestra ser una actriz inteligente y sumamente vivaz, contando con la ventaja de haber tenido a su disposición un guión bien escrito, con el cual ha podido demostrar sus altas cualidades”.

Por su trabajo en “Acusados”, Foster recibió un Premio de la Academia a la mejor actriz, el Globo de oro y un premio de la Crítica de Nueva York.

Todo parecía marchar sobre ruedas en la carrera de Foster, pero ella descartó otras ofertas y eligió realizar un papel secundario junto al actor Mark Harmon en el filme “Más que un recuerdo” (Stealing Home, 1988), dirigida por Steven Kampmann, la cual supone un retroceso en su ya triunfal carrera como actriz.

Pero su mejor trabajo estaba aún por realizarse y en este compás de espera le ofrecieron trabajar en la película “Camino de retorno” (Backtrack, 1990), la cual estaría dirigida y protagonizada por Dennis Hopper, un hombre con el cual mantenía desde hacía tiempo una buena amistad. Ella sería Anne Benton, y estaría arropada también por el veterano Vincent Price y Charlie Sheen en un papel secundario.

El filme no logra estrenarse en su momento y creemos que si no hubiera sido por el triunfo mundial de “El silencio de los corderos”, habría pasado directamente al mercado del vídeo.

Su gran papel le llegó por pura casualidad, cuando estaba de vacaciones en París. En esos días se contaba ya con el guión cinematográfico de la novela de Thomas Harris “El silencio de los corderos” y la protagonista principal iba a ser la rubia Michelle Pfeiffer. Se trataba de interpretar a un agente femenino del FBI que debe mantener relaciones cordiales con un psicópata asesino, quien le debe conducir a capturar a otro asesino no menos malvado.

Al frente del proyecto estaba el director Jonathan Demme, cuyas películas anteriores, Something Wild (1986), Swimming to Cambodia (1987), Haiti dreams of Democracy (1988) y Married to the Mob (1988), no presagiaban nada bueno, aunque para algunos había conseguido mezclar la comedia excéntrica de los años treinta con la sensibilidad urbana de los años ochenta.

Cuando Michelle Pfeiffer rechazó interpretar la película por su excesiva violencia, Jodie Foster acepta de buen grado interpretar ese papel que ya conocía previamente y pronto se ve inmersa en uno de los argumentos más complejos y tenebrosos del nuevo cine de terror.

Interpretando a la agente del FBI Clarice Starling , una ambiciosa mujer que intenta llegar al esclarecimiento de unos asesinatos despiadados, la vemos manteniendo conversaciones con el macabro Hannibal Lecter (Anthony Hopkins), un psicólogo inteligente que ha sido encarcelado para toda la vida por su propensión a comerse a sus víctimas. Sterling es delegada por el FBI para entrevistar a Lecter con el fin de conseguir información sobre otro asesino en serie, conocido como “Búfalo Bill", por las notas que le comprometen en una serie de asesinatos espantosos.

La oscura historia de “El Silencio de los Corderos” impresionó a los espectadores menos que la relación entre la policía y el asesino, Lecter y Sterling, quienes tienen que reunir los pedazos del enigma referidos a hechos pasados, (en ocasiones confusamente mostrados), a cambio de que Lecter encuentre detalles que le permitan dar una información concreta. Aunque el papel de Lecter era adecuado a otros anteriores que el actor Hopkins había interpretado, en esta ocasión su encarnación como un psicópata fascinante es lo mejor del filme y el público disfruta grandemente con su trabajo, aunque no por ello los críticos se olvidaron de Jodie Foster. En el periódico New Yorker del 25 de febrero de 1991, publicaron que: “Foster, con delicadeza asombrosa, nos muestra la tensión constante entre las emociones de su personaje y sus acciones, al mismo tiempo que toma conciencia de su inexperiencia como agente del FBI”.

Ese mismo año, el año del triunfo, Foster comienza su labor como productora y directora, siendo su primera obra un cortometraje titulado “Las manos del tiempo” (en la que trabaja también como narradora), que fue incluido por la BBC en la serie Americaners. Unas semanas después se atreve a dirigir una obra que llevaba muchos años recorriendo los despachos de los productores, sin que nadie se sintiera interesada por ella, hasta que el productor Scott Rudin la pide que lea el guión. En la historia, Foster interpretaría a la madre del pequeño Fred, Dede Tate, y estaría acompañada por la actriz Dianne Wiest, asidua a los filmes de Woody Allen y famosa por sus eternos ojos tristes. Basada en la vida de un pequeño niño prodigio (interpretado por Adam Hann-Byrd), nos mostraba la gran diferencia que existe entre la vida de un niño y la de los adultos.

La película tuvo un moderado éxito de taquilla, pero suficiente para lograr beneficios a la productora puesto que solamente había costado 8 millones de dólares rodarla.

Desde ese momento, las habilidades artísticas de Jodie Foster quedaban ampliadas al campo de la dirección y producción.

Su contacto con Dianne Wiest le sirvió para entablar amistad con Woody Allen, quien le pidió que hiciera un corto papel en la película “Sombras y nieblas”, una versión libre de Jack El Destripador.

HISTORIAS DE AMOR

Apenas comenzado el año 1992, decide dar un giro radical a sus personajes y la vemos junto al atractivo Richard Gere en el filme “Sommersby”, un remake de “El regreso de Martin Guerre”, basado en la historia del mismo título y dirigida por Jon Amiel. Foster interpretaba a Laurel Sommersby, la esposa de un hombre que regresa después de pelear en la Guerra Civil Americana.

En 1993, y después de un corto descanso en su casa de París, interpreta a Annabelle, una guapa chica que debe elegir entre el amor de Mel Gibson y James Garner en el filme

“Maverick”, un personaje extraído de un cómic desconocido en España y muy popular en Estados Unidos.

Desde 1993 hasta 1998, Foster no se ha prodigado mucho en el cine y solamente interpreta una película al año, prefiriendo su tranquila vida de familia, en la cual ejerce de ama de casa tradicional preparando comidas, llevando la ropa a la lavandería, arreglando su jardín y acudiendo al cine. Sus últimos trabajos con “Nell” en 1994 y “Contact” en 1997, ya como productora e intérprete.

NOTICIAS CRONOLÓGICAS

4 de diciembre de 1995

Jodie Foster recibe a través de Internet amenazas de muerte: Los Angeles - Jodie Foster ha sido el blanco de amenazas de muerte y otros mensajes expuestos en Internet, y mediante anónimos al periódico de Hollywood Daily Variety . En este diario explicaron que el FBI ha tenido que investigar las amenazas contra esta actriz galardonada con el Oscar de la Academia en dos ocasiones. Los mensajes detallan planes concretos para atacar y asesinar a Foster y también describen encuentros sexuales imaginarios. Ellos se anunciaron mediante uno de los diálogos que se hacen a través de la Red sobre Hollywood, aparecieron las amenazas en una página procedente de Los Angeles, y más concretamente en un barrio de Beverly Hills.

El fundador de esa página Web, Carlos Abreu, ha cerrado el acceso a esa charla y las copias han sido enviadas al FBI y a los representantes de Foster. Ni el FBI ni Foster han querido realizar comentarios sobre ello. Daily Variety dijo que la Red hollywoodense instalará un software para resguardar a sus usuarios de estos desaprensivos, aunque ello ha generado muchas protestas en personas que reclaman su derecho a realizar conversaciones simultáneas por Internet.

13 de febrero de 1996

Foster dice que ella trabajará con un director de cine francés: París - Jodie Foster le ha dado un empujón promocional al director francés Mathieu Kassovitz al estar de acuerdo en distribuir su película “La Haine” en los Estados Unidos.

Ella dice que esa película puede ser un gran éxito y que desearía trabajar con ese director próximamente. Su colaboración se estableció hace tiempo, cuando ella realizó una entrevista para el periódico francés, Votre Dimanche, en el cual dijo : “En este momento he recibido sólo las primeras 50 páginas del guión y debo estudiar el resto antes de tomar una decisión. Si este proyecto tiene éxito, será producido por mi compañía, aunque todavía no sé cuál será mi papel”.

“La Haine” (“Hate”) consiguió el premio el mejor guión y mejor dirección, Kassovitz, en el Festival de Cannes en la primavera de 1996. La película se filmó en blanco y negro, y nos habla de las 24 horas de unos trabajadores de clase media en París, un judío, un africano y un árabe, quienes tienen que soportar las presiones de la policía y los cabezas rapados.

3 de mayo de 1996

Conmemoración a mujeres:

Se han nombrado a Jodie Foster, Anjelica Huston y Angela Bassett, para recibir en 1996 el Premio Crystal a la Mujer, galardón anual que se otorga a mujeres excelentes que, a través de su paciencia y buen trabajo, han ayudado a reforzar el papel de las mujeres dentro de la industria del espectáculo. Los premios se entregarán el 21 de junio en el Century Plaza Hotel. Además, la Fundación Nacional para las Artes Chair Jane Alexander, le entregará el Premio Norma Zarky Filántropo por su dedicación persistente a las artes y la mejora en la educación.

Los destinatarios del Premio Crystal anteriores incluyen a Barbra Streisand, Elizabeth Taylor, Michelle Pfeiffer y Sherry Lansing. Audrey Hepburn consiguió un Crystal póstumo por su contribución al cine y a todo el mundo a través de su dedicación a Unicef.

7 de junio 1996

Una demanda:

Los Angeles- Jodie Foster ha demandado a la compañía de cine que produjo sus dos últimas películas, reclamándola 4.5 millones de dólares por incumplimiento de contrato por el filme “The Game”, el cual debería haber protagonizado junto a Michael Douglas.

Aunque la demanda fue aumentada durante el juicio hasta los 14.5 millones, fue archivada mediante un acuerdo verbal entre Foster y PolyGram Film Entertainment Distribution, quien se encargarán de la nueva película que se empezará a rodar en agosto.

La actriz y directora dijo que ella modificó su calendario de trabajo y promovió el filme, y en mayo Foster formaba ya parte de la película. El portavoz de PolyGram, Dawn Bridges, dijo que el distribuidor trabajó intensamente para resolver las discrepancias con Foster.

“Nosotros hemos tenido unas diferencias de opinión educadas y honradas”. Foster y su compañía de producción, Egg Pictures, denunciaron igualmente a PolyGram por incumplimiento de contrato, fraude, difamación y enriquecimiento injusto. Según esta nueva denuncia, PolyGram tuvo que distribuir las dos últimas películas de Egg Pictures,

"Nell", interpretada por Foster, y “Home for the Holidays”, que solamente dirigió.

“The Game” la producción de Sean Penn ya estrenada, tuvo que rehacer todo el guión cuando se excluyó la participación de Jodie Foster.

10 de septiembre 1996

Comienza el rodaje de “Contact” en Nuevo México.

13 de septiembre 1996

Jodie (junto con Francis Ford Coppola y Ron Howard) se han lanzado a una campaña publicitaria para promocionar la Radiodifusión vía Satélite en los Estados Unidos.

9 de octubre 1996

El actor Pryor fue homenajeado por la Escuela Central del Sur: El cómico Richard Pryor recibirá un premio humanitario especial de la Sheenway School

& Culture Center durante la cena anual de la escuela en el Comedy Store. Pryor será honrado por su largo compromiso con la Escuela Central del Sur que trabaja para enseñar a los niños delincuentes y alejarlos de las bandas juveniles. El evento está organizado por Lionel Richie y Jodie Foster.

26 de octubre 1996

Jodie ha sido nombrada Actriz de la Década por el Chicago International Film Festival.

Se han empezado a elaborar anuncios para distribuir los productos de Rusia, y hay posibilidades de estrenar sus películas en Estados Unidos.

14 de noviembre 1996

Los lugares para la filmación de “Contact” incluyen: Nuevo México, Puerto Rico, Florida, Los Angeles, Arizona.

19 de noviembre 1996

¡Feliz Cumpleaños!. Jodie cumple hoy treinta y cuatro años, y en el rodaje de “Contact”, más de mil doscientos extras le han cantado "Feliz Cumpleaños."

21 de diciembre 1996

En la mañana del viernes 20 de diciembre de 1996 el Dr. Carl Sagan falleció. Él era un astrónomo de prestigio en la Universidad de Cornell, y autor, entre otras, de "Contact", la novela en la cual está basada la película de Foster.

15 de enero de 1997

El hermano de Jodie, Buddy, ha escrito una biografía sobre su hermana titulada “La niña Foster”.

3 de febrero de 1997

Jodie presta su voz a “Expediente X”, en el episodio “Never again” que se estrenó el domingo 2. En este capítulo Foster puso la voz a Betty, un tatuaje hablador.

4 de febrero de 1997

La compañía cinematográfica de Foster

La “Egg Pictures” de Jodie Foster tiene la posibilidad de quedarse con los derechos de la novela canadiense de Margaret Atwood "Alias Grace", un best-seller. Foster ganó la batalla sobre estos derechos que involucran a Miramax, Fox Searchlight y a la compañía de producción de Nicole Kidman. El acuerdo de Egg está unido a PolyGram. El libro, basado en una verdadera historia canadiense, habla sobre una mujer joven encarcelada para asesinato. Pero hay un interrogante sobre si ella realizó verdaderamente el asesinato.

El libro está actualmente en la lista de los best-seller del New York Times, lo mismo que en las listas de Canadá y Gran Bretaña. Linda Goldstein producirá el filme junto con la compañía Egg. La última novela de Atwood adaptada para la pantalla fue “The Handmaid's Tale”.

Warner Brothers completaron ya sus exteriores en el KSC (Kennedy Space Center), para filmar este fin de semana su próxima película basada en el best-seller de Carl Sagan

“Contact”. El rodaje comenzó el miércoles pasado, 29 de enero, cerca del Centro de Noticias de la NASA, y continuó durante el sábado en la carretera desde donde se observa a la NASA. Entre 400 y 600 extras han participado en los primeros dos días de rodaje. Esta cantidad aumentó hasta los 2.000 extras para las escenas finales.

27 de febrero de 1997

La ganadora del Oscar Jodie Foster será una de las presentadoras: La dos veces ganadora de un Premio de la Academia, Jodie Foster, estará presente este año en la ceremonia de entrega de los premios televisados, según anunció su productor Gilbert Cates. Ésta es la sexta vez que ella aparece en escena.

No se conocen los detalles del diálogo que dirá.

22 de marzo de 1997

Jodie en la entrega del 12th Premio Anual Espíritu Independiente: Jodie Foster y Ossie Davis eran las sillas honorarias del 12th Annual Independent Spirit Awards que tiene lugar en una carpa en la playa de Santa Mónica. Los premios de este año fueron entregados por el actor Samuel L. Jackson con un discurso elaborado por director Mike Leigh.

Andie MacDowell presentó Truer than Life Award y Jodie Foster dijo:

“Independiente no es tanto un estado financiero sino más bien una empresa creativa intelectual. Los estudios están ahora dedicados exclusivamente a la fabricación de películas en las cuales solamente intervienen las diez estrellas más taquilleras y los diez directores más prestigiados. Ellos no quieren tener ningún riesgo con sus producciones, pero las películas que producen no suelen tener ninguna calidad artística. Es en ese hueco donde tienen cabida los independientes”.

24 de marzo de 1997

Ya se puede confirmar la presencia de Jodie Foster esta noche en la Ceremonia de Premios de la Academia. Ella no está nominada este año, pero los productores de la muestra saben que el próximo filme “Contact”' será un éxito en taquilla y por eso están contentos con tenerla en la ceremonia.

25 de marzo de 1997

Foster, muy guapa

Finalmente, las categorías que ella presentó fueron al Mejor Guión Original (ganado por el muy popular Billy Bob Thornton por “Sling Blade”), y Mejor Guión Adaptado (ganado por los hermanos Coen por “Fargo”.) Jodie Foster se vistió con un traje azul pálido, se adornó con perlas, una chaqueta con un escote que produjo silbidos entre los varones, y unos pantalones estrechos de Armani, por supuesto.

2 de abril de 1997

Las mujeres en alza

La revista Power sobre los estrenos cinematográficos ha publicado su lista de los 100

mejores, pero, desgraciadamente, pocas sorpresas se revelan: nos confirman que en los medios de comunicación Rupert Murdoch sigue siendo el más popular, y la mayoría de los actores que visten trajes comerciales llevan sus trajes.

Según Howard Karren, editor del magazine Premiere, “el poder en Hollywood reside tanto en la habilidad para conseguir hacer películas, como para decir que se están o se van a realizar”. La presidenta de la Paramount, Sherry Lansing, es la mujer que mejor posición tiene, con el número trece, seguida en la lista por Jodie Foster en el número cincuenta y siete.

7 de abril de 1997

Foster y el IRA

Jodie Foster está decidida a interpretar a Veronic Guerin, la periodista investigadora irlandesa asesinada por el IRA, en una película basada en su vida.

Al parecer, el escritor irlandés Carol Doyle ya tiene muy adelantado su guión para el proyecto, basado en un artículo escrito por Mike Sager para la edición americana de la revista GQ. El proyecto estaría dirigido por Jerry Bruckheimer, cuyos créditos incluyen

“Top Gun” y “The Rock”.

6 de mayo de 1997

Buddy, un mal hermano

El hermano de Jodie Foster, Buddy, ha escrito un libro sobre su popular hermana titulado

“La Niña Foster” (editorial Dutton.) En un capítulo recientemente extractado en la revista de McCall, Buddy revela que cuando era niña Foster llevaba una vida casi solitaria debido a sus consideraciones sobre seguridad. Él escribe: “El miedo a los locos ha alterado su estilo de vida drásticamente y le ha convertido en una de las celebridades más inseguras en Hollywood. Ella se ha esforzado en adoptar una actitud positiva desde el suceso de Hinckley (otro perseguidor), pero la cara de cada extraño que se acerca a ella la produce escalofríos en la columna”.

El sensacionalismo y la hostilidad de esta biografía no debe generar ninguna sorpresa: los dos hermanos solamente se ven en raras ocasiones, según la portavoz de la Señorita Foster, Pat Kingsley. Buddy ni siquiera ha acudido nunca a la nueva casa de la actriz, aunque él describe su sistema de seguridad con todo detalle.

Martes 13 de mayo de 1997

Nuevas noticias sobre su biografía

Jodie Foster ha hablado seriamente, desautorizando la biografía que sobre ella ha escrito su hermano. Ha insistido primero con educación y luego furiosamente que desde que está retirada no ha querido responder a esa biografía desautorizándola, pero el hecho de que su hermano hable tanto de ella cuando era niña, y que esté decidido a escribir una continuación, la ha obligado a dejar las cosas claras. En una declaración emitida en EE.UU. ese mismo día, Jodie denuncia a Buddy por su gran codicia para ganar dinero contando mentiras y noticias que solamente pertenecen a su familia.

“Este libro es un lamento barato para llamar la atención y ganar dinero”.

El autor del libro, Buddy, quien había sido actor cuando era niño y alcanzó cierta popularidad por su trabajo en el programa de televisión Mayberry en Alemania, ahora está dedicado a trabajos en la construcción y no tiene ningún contacto con su familia.

Entre sus revelaciones están que su madre tenía un romance como lesbiana con una mujer que los niños llamaron Tía Jo y de quien tomó el nombre para Jodie.

Para Buddy, Jodie siempre le pareció una golfa o una bisexual. Esto contradice la propuesta inicial del libro hace dos años, cuando afirmó rotundamente en EE.UU. a raíz de unas habladurías, que: “La verdad es que Jodie no es una lesbiana. De todo lo que yo he observado durante todos los años que pasé cerca de mi hermana, nunca he visto algo que me llevara a creer que ella sea una golfa con otras mujeres. Al contrario, ella siempre ha actuado muy heterosexual y estaba interesada en mantener relaciones amorosas con hombres”.

Buddy admite que él ha padecido afición a la droga (intentó suicidarse en 1988), pero no que eso le haya afectado sus recuerdos. Jodie, por otra parte, afirma que:

“Buddy se marchó por primera vez de casa cuando tenía nueve años. Siempre ha tenido una relación muy conflictiva con mi familia, especialmente desde que se cargó de deudas y cogió esa dependencia severa por las drogas. Sus arranques físicos son muy violentos, y tiene un constante y obstinado intento por obtener dinero de mi madre”.

Jodie insiste que ella se ha visto con su hermano sólo quince veces en los últimos veinte años, y siempre en reuniones familiares. La actriz también dice que nunca le ha hablado sobre su vida personal.

“Esta biografía desautorizada simplemente consiste en recolecciones amañadas, fantasías, y numerosas citas sacadas de los periódicos, la mayoría falsas”.

Jodie insistió en su declaración . “Yo me siento triste por él. Principalmente me siento más triste por mi madre de sesenta y nueve años que ha empleado su vida esforzándose en criar a sus cuatro hijos con dignidad y fuerza de carácter. Buddy ha roto su corazón mucho más que su vida entera. Ése es un tipo de tristeza de la cual mi madre nunca se podrá librar”.

Buddy Foster puede ser que esté asustado por la respuesta pública de Jodie. La semana pasada, declaró en EE.UU. que nunca esperaba haber oído hablar a Jodie sobre su libro.

“He descrito su personalidad. No comprendo los motivos que ha tenido para responderme así, puesto que no he realizado ningún testamento familiar”.

Afirmó en una entrevista que su madre lo llamó hace dos años después de leer sobre el libro en las noticias y le preguntó por qué estaba escribiendo sobre su familia. ¿Su contestación?: “Ésta es también mi vida y ya no soy un bebé que deba pedir permiso para nada. En mi vida, es correcto hablar sobre la infancia, porque así nos hacemos más sabios”. Desgraciadamente para Jodie, Buddy aprendió pronto cómo ganar dinero fácil hablando de la vida privada de su hermana famosa.

27 de mayo de 1997

Un título universitario

A la vez que la actriz Jodie Foster era galardonada por la Academia, solía presumir también de su licenciatura en la Universidad de Yale, colocando sus galardones en el mismo cuarto. Los informes de la Associated Press dicen que Foster recibió su doctorado honorario en Bellas Artes de Yale, por su trabajo sobre la promoción y defensa de las mujeres.

“En su interpretación y dirigiendo, usted se revela como una mujer inteligente, de moral profunda y que explora los límites exteriores de la vida, ayudando a que nosotros entendamos lo que podemos y no debemos tolerar”. Estas palabras fueron pronunciadas por el Presidente de la Universidad de Yale el señor Richard Levin durante la presentación de los galardonados. La actriz tenía treinta y cuatro años cuando consiguió su graduación en 1985.

16 de junio de 1997

“Cinco Esquinas” de Tony Bill, será publicada en laserdisc durante su primer contrato con la Voyager Company. En laserdisc y bajo la producción de Criterion Collection, se han editado “El Silencio de los Corderos”, “Taxi Driver”, y otras películas menores.

Martes 21 de junio de 1997

Expediente X

Mulder y Scully pueden conseguir finalmente saber lo que realmente pasó ahora a Annabel y su madre en la película “Freaky Friday”, ahora que Jodie Foster ha estado de acuerdo en prestar su voz a la serie de ficción “Expediente - X”. El circuito comercial de la Fox anunció que la actriz será la voz de un tatuaje del asesino que le dice a un hombre detalles sobre el asesinato. Si alguien piensa que el asesino dice: “frota la loción en su piel" en “El Silencio de los Corderos”, ahora lógicamente se espera cualquier comentario en esta película.

El episodio se mostrará por primera vez el domingo 2 de febrero, aunque no llegará a las pantallas mundiales hasta finales de 1998. Su limitada participación en esta película se debe a su reciente trabajo en el filme de ciencia ficción “Contact”, el cual como sabemos ha sido un éxito y ha tenido que promocionar en persona. “Contact” habla sobre un astrónomo que mediante hondas de radio recibe los primeros mensajes sonoros transmitidos a la Tierra por extraterrestres.

1 de julio de 1997

Especial Carl Sagan

Jodie aparecerá en “The Tonight Show2” de la NBC con Jay Leno el 10 de julio, hablando sobre la nueva película '”Contact” un día antes de su estreno.

Un programa especial sobre Carl Sagan (el autor de Contact), se emitirá 11 de julio a las 8:00PM en la A&E. El programa biográfico incluye entrevistas con colegas de la NASA y Jodie Foster. El programa se repetirá a las 12:00AM del día siguiente.

4 de julio de 1997

Jodie Foster y Matthew McConaughey asistieron al estreno mundial de la obra del director Robert Zemeckis, “Contact”, un drama de ciencia ficción. Junto a ellos estuvieron Tom Skerritt, Rob Lowe, Maximillian Martini y Jake Busey, ella luciendo un pelo azul.

Después, cientos de ejecutivos y estrellas convergieron en la gran fiesta celestial ofertada en el Armand Hammer Museum de UCLA. Hubo varios astrónomos, así como el actor Sylvester Stallone y su esposa, Jennifer Flavin. También vimos al administrador de la NASA Daniel Goldin.

9 de julio de 1997

Jodie Foster no pone sus manos en el cemento

Simultáneamente a ser ganadora del Oscar a la Mejor Actriz, Jodie Foster tiene, según informes recibidos, que acudir a inmortalizar sus manos y pies en la acera delante del Teatro chino de Mann en Hollywood. El tributo en el cemento habría coincidido con el estreno de su nueva película, “Contact que se estrena esta semana. Aunque el representante de Foster negó que ella pidiera ese honor, un informador dijo en la televisión que la actriz realmente rechazó esa oferta y que espera dejar sus marcas cuando pueda conseguir promover una película que le llegue profundamente al corazón. “Ella quiere hacerlo probablemente cuando dirija su propia película”. En cambio, el director de “Contact”, Robert Zemeckis, que tiene su propio Oscar por “Forres Gump”, posará mañana en una conferencia de prensa y hablará sobre los 100 millones de dólares que costó la realización de “Contact”, basada en el libro de Carl Sagan, y que fue el primer papel de Jodie Foster desde “Nell”, en 1994.

1 de agosto de 1997

Ahora ya podemos leer la novela “Contact” por Carl Sagan o ir a verla al cine. Jodie ha hecho un Audio casete con la versión de la novela entera. Esto significa que podemos oír su voz leyendo la novela para nosotros. La edición ha sido publicada por Simon & Schuster y está a la venta desde el 1 de julio de 1997.

20 de agosto de 1997

Las películas en el nuevo formato

Jodie Foster en el formato DVD:

1. “Maverick” estrenada el 29 de julio de 1997

2. “Taxi Driver” estrenada el 26 de agosto de 1997

3. “Cinco esquinas” estrenada el 16 de septiembre de 1997

4. “El silencio de los corderos” estrenada el 24 de septiembre de 1997

Martes 4 de septiembre de 1997

Los paparazzi

Jodie Foster no se unirá a George Clooney, Fran Drescher, y otras celebridades que han requerido restricciones de los paparazzi desde la muerte de la Princesa Diana.

“Cuando yo digo algo sobre los medios de comunicación se asocia siempre a este acontecimiento terrible, y eso es algo que realmente no quiero hacer”.

Foster dijo en una conferencia de prensa en Tokio cuando estuvo promocionando su última película, “Contact ”:

“Yo pienso que es una trivialidad discutir ambos asuntos al mismo tiempo, su muerte y el impacto de los medios de comunicación. La muerte de la Princesa Diana es una desgracia terrible en la historia”.

Al mismo tiempo, la dos veces galardonada con un Oscar sigue siendo el centro de atención para los medios de comunicación, sobre todo después de que John Hinckley Jr., intentara asesinar al presidente Reagan en 1981 para impresionarla. Foster dijo que depende de todos los miembros de los medios de difusión, el que se actúe siempre de una manera responsable ante hechos similares .

“Todos nosotros tenemos una responsabilidad por los actos de la humanidad, así como por las crueldades que hacemos y las conductas inaceptables”.

11 de septiembre de 1997

¿El silencio de los Corderos continúa con una nueva versión?

¿El poderoso Hannibal "El Caníbal" Lecter reniegan de su promesa y decide hacerle al agente Clarice Starling del FBI una visita?. Esto es lo que puede pasar en la continuación si “El Silencio de los Corderos 2” llega en la pantalla grande. Las fuentes dicen que los dos protagonistas principales, Anthony Hopkins y Jodie Foster, quienes ganaron un Oscar por su trabajo en la primera entrega, están hablando sobre la posibilidad para hacer una continuación del gran éxito de 1991, que también ganó un oscar a la mejor película, al mejor Director (Jonathan Demme), y al Mejor Guión Adaptado (Ted Tally.) Todavía hay un obstáculo mayor que superar antes de que Lecter pueda compartir sus frijoles con Starling. Thomas Harris, el autor del libro en el cual se basará la segunda parte, tiene que presentar su boceto de novela ante los productores. “Nosotros no sabemos cuando tendremos ese borrador, dijo una persona cualificada, pero todos estamos esperando ávidamente, y los productores realmente quieren hacer esta segunda parte”.

12 de septiembre de 1997

Jodie Foster en el Proyecto de “Picks Plum”

Jodie Foster está convencida que su tercer trabajo como productora será muy bueno.

Informes de Variety dicen que ella quiere dirigir y producir “Picks Plum”, la cual será su tercera aventura detrás de las cámaras . La película, preparada en los Touchstone Pictures de Disney, se describe como All About Eve desarrollada en el mundo del circo.

La estrella de “El Silencio de los Corderos” consiguió cierto prestigio como directora cuando realizó “El pequeño Tate” (1990) y “Home for the Holidays” (1995.) Foster, quien ha dicho que le gustaría dirigir de nuevo, recientemente ha permanecido alejada de su trabajo como actriz, y ha tardado tres años en ponerse a las órdenes de Robert Zemeckis en el filme “Contact”, que ha ganado hasta este momento más de 96 millones de dólares. La nueva producción de “Picks Plum” podría empezar la próxima primavera.

13 de septiembre de 1997

Jodie aparece como involucrada en algunos nuevos proyectos de cine. El primero, una película que producirá para su compañía Egg, titulado “Baby Dance”, que tendrá como protagonistas a Laura Dern y Stockard Channing, siendo dirigida por Jane Anderson. Las primeras secuencias comenzarán a rodarse el 15 de septiembre en Vancouver, B.C. La otra película en la que ella está trabajando se llama “Walking the dead”, la producirá ella y será dirigida por Keith Gordon.

4 de octubre de 1997

Premio

Jodie Foster recibirá el premio Santa Bárbara International en el Festival del Cine Modern Master. El premio se otorga a la persona que ha enriquecido nuestra cultura a través de los logros en la industria del cine. El director artístico de la fiesta dice que la actriz Jodie Foster ha ganado ese premio por sus 30 años de carrera.

13 de febrero de 1998

Foster embarazada

Podría ser una época adecuada para que Carolyn Bessette-Kennedy, Soon-Yi Previn, y Jodie Foster formaran el grupo de apoyo para “mujeres de las que se rumorea están embarazadas pero ellas insisten en que no lo están”.

Foster es el miembro más reciente del club, con los noticiarios americanos y británicos que especulan que está embarazada a través de la inseminación artificial. Los informes dicen que esta actriz de treinta y cinco años estaba embarazada el mes de enero de 1997, justo cuando ella interrumpió bruscamente el rodaje de la película “Double Jeopardy”. Pero su representante insistió al New York Daily News que no hay nada de cierto en esos rumores.

“Éste es un viejo rumor que está equivocado porque ella no está embarazada. Tuvo que suspender el rodaje de la película porque prefirió dedicarse a producir y dirigir. Solo eso”.

Cuando usted se aleja un palmo del suelo en Hollywood, levanta las cejas. Puesto que Jodie Foster se echó atrás recientemente en su nueva película titulada “Double Jeopardy”, los rumores que la actriz estaba enferma o planeando adoptar a un niño han saltado a las páginas de las revistas del corazón. El jefe de publicidad de Foster, Pat Kingsley, afirmó que ambas noticias son falsas. “Ella ha decidido no actuar durante el próximo año.

Normalmente necesita tomarse tiempo para sus nuevos proyectos.

Ahora tiene entre manos al menos tres proyectos que está produciendo. Tampoco está esperando ninguna entrega de la cigüeña y si está pensando en ello no me lo ha comunicado”.

5 de marzo de 1998

El bebé de Foster

Después de algunos meses de negarse a trabajar como actriz, Jodie Foster finalmente acepta un nuevo papel. Según la columnista del York Post, Liz Smith, ella está esperando su primer niño, pero ha preferido permanecer callada y guardar los detalles, incluyendo quién es el afortunado padre. Parece ser que Foster dijo que verdaderamente estaba embarazada en la fiesta de aniversario de la revista Time.

“Yo no podría estar más contenta, pero no les diré noticias sobre el padre, el método o cosas similares”.

El niño de Foster nacerá en septiembre, pero ella dice que no sabe el sexo.

“A mí me da igual que sea niño o niña, y estaré feliz con lo que venga. No entiendo por qué todo este alboroto por un embarazo, ni porqué tengo que mantener en secreto algo que es una alegría. Pienso que cada mujer merece tener un dichoso primer trimestre en paz y espero que ustedes estén de acuerdo conmigo”.

Esta confesión de Foster llega simplemente tres semanas después de que su representante negara dos historias que hablaban sobre el embarazo de Jodie Foster, una de ellas que especificaba que se había producido por el esperma de un donante anónimo.

La estrella de “Contact” y “El Silencio de los corderos” dice que ella planea ser solamente madre, porque desearía resolver su maternidad en solitario. La situación delicada de Foster podría explicar por qué ella abandonó abruptamente el rodaje de la película “Double Jeopardy” a finales de diciembre. Pero la actriz no está permitiendo que su inminente maternidad retarde su trabajo y ahora está produciendo tres películas a través de Egg Pictures. Entre ellas está “The Baby Dance” para Showtime que se centra en una pareja, adinerada pero infecunda, que estudia la posibilidad de comprar a un bebé de una familia pobre del sur. La otra película es “Waking the Dead”, una película de miedo y política que interpretan Billy Crudup y Jennifer Connelly.

La directora Jodie Foster

Fuera de la cámara ella es muy eficaz, enfrente de la cámara, es una buena actriz.

Directora. Quizá así es cómo ella sobrevivirá en el cine, una vez que consiguió alejar la imagen de niña prodigio, y siguió adelante, empujando y caminando sin vacilar hacia lo que en verdad amaba. Utilizando un gran esfuerzo e inteligencia, ha conseguido evolucionar desde el desnudo infantil en ese anuncio de Coppertone, a la gordita estudiante graduada en Yale, pasando por la estudiante favorita de Hannibal Lecter en “El silencio de los corderos”.

Mediante esa lucha ha ganado dos Oscar de la Academia y dirigido “El pequeño Tate”, además de construir una compañía de producción de películas que la ha convertido en millonaria, sin olvidar afianzarse con sus 36 años en una estrella absolutamente segura.

¿Hay algún secreto especial en ella?. Ciertamente no tiene una voz espléndida, ni sensual, y cuando habla se asemeja mucho a un organizador de partidas de cartas casero. Posee una sonrisa minúscula, casi muda, aunque para sus admiradores representa inteligencia.

“Si soy sincera, he de decir que soy una persona muy aburrida”.

Sus labios casi desaparecen en la oscuridad a menos que los pintemos de rojo. Suele llevar habitualmente un traje de chaqueta algo remilgado, mientras que su pelo es totalmente recto sin concesiones a los rizos, salvo cuando está en el estudio de algún fotógrafo. Con su barbilla recta, ella tiene encanto y delicadeza, con su mirada azul, sus dientes tan blancos, y su piel que parece estar iluminada con una tenue bombilla de 40 vatios, mantiene los sueños de muchos hombres. Pero la fragilidad está en su cara y no detrás de ella. La podemos imaginar casi tan sexy como lo era Lauren Bacall a su edad, pero con una pizca de maldad y menos vulnerabilidad.

“Soy una persona que necesita arreglarse para estar guapa”.

Este comentario lo dice fríamente, vivamente, como si su personalidad fuera algo que está dentro en un frasco en un estante de un laboratorio y ella se dispusiera a abrirlo de vez en cuando.

“También debo reconocer que no soy una persona muy emotiva. Creo que no lo he sido nunca y recuerdo que no era el tipo de niña que solía llorar por nada. No es mi estilo provocar la lástima de las personas”.

Ahora se encuentra en un momento de su vida profesional que necesita llevar el bastón de mando. Lo necesita y por ello lucha. No conoce el significado de rendirse ante los problemas.

“Este trabajo es adecuado para una persona como yo, aunque no es mi modo de ir por el mundo. Me identifico mucho con el personaje de “Nell”, el de una mujer criada salvajemente que baila desnuda a la luz de la luna y que cuando habla su propio idioma lo hace gritando y arañando”.

Método personal de Foster

La libertad es el problema. Cuando Foster salió de la universidad de Yale, sufrió una depresión que le duró seis meses, y según explica, la causa fue disponer de un cielo enorme totalmente abierto, pero ningún plan, ni enfoque de vida. Ella se crece con las limitaciones y la vida muy definida, con la rutina. Cuando pensó que podría dejar de actuar completamente, incluso en aquellos papeles que antes consideraba malos e indignos de una actriz de su talento, su ego sufrió mucho.

“No podía soportar la idea de tener que hacer papeles secundarios o de televisión, algo que consideraba humillante. En esos momentos pensé en hacerme escritora”.

Pero cuando comenzó a escribir una novela en su casa, se inquietó y finalmente sintió pánico.

“Cuando comencé a escribir sobre un tema que siempre me había gustado, me quedé helada, sin ideas. De pronto me encontré con tres años por delante, una idea rígida en mi cabeza y una hoja de papel en blanco delante de mí. Comprendí que la libertad puede ser algo aterradora cuando la tienes a tu alcance”.

Foster nunca asume enteramente los riesgos ni los fracasos en el cine y eso evita que se considere totalmente responsable de su trabajo y que se desmorone cuando las cosas van mal. Por otro lado, le gusta perfeccionar la técnica y no desea improvisar. Cuando interpretó “Acusados”, en la cual es víctima de una violación colectiva, y por la cual ganó el Oscar a la Mejor Actriz en 1989, no estaba segura de gustar a los espectadores y ni siquiera pudo asistir al estreno de la película. Cuando todo pasó y su trabajo fue aplaudido, explicó que en realidad no le gustó ese papel de víctima ya que no tiene mentalidad de perdedora.

“Es que no me gusta mostrar mis debilidades a la gente, ni siquiera en la pantalla.

Prefiero que me recuerden como una mujer sometida a duras pruebas en la vida y que es capaz de soportarlas y sortearlas. Me considero una persona valiente y con gran entereza ante los problemas. Tampoco soy de las que corren en busca de ayuda cuando se sienten afligidas”.

Incluso a los 12 años, cuando interpretaba a Iris en “Taxi Driver”, Jodie Foster exuda una invulnerabilidad sorprendente y una ausencia de ternura. En “Sommersby”, cuando el romance con su pareja se pierde, ella apenas cambia su expresión facial. En “El pequeño Tate”, ella se enfrenta a la pérdida de su hijo y poco después aprende a sonreír de nuevo.

Como Clarice Starling en “El Silencio de los Corderos”, es torturada emocionalmente por Hannibal Lecter, pero trata de aparentar que no le afectan sus críticas.

“Es divertido interpretar a alguien que tiene cuatro caras diferentes. En la mayoría de los personajes que interpreto un arranque emocional intenso no sería apropiado. En “El silencio de los corderos” hay cosas que pasan muy rápidamente, esencialmente el modo en que soy humillada por Lecter. Por eso debo fingir y poner una barrera entre los dos, dejándole creer que está apoderándose de mí. Existe cierta vulnerabilidad en ella, pero no tanto que no pueda hacer frente y demostrar que tiene valor”.

A estas alturas de su carrera Foster trata de lograr un equilibrio entre la libertad y el mando. Es plenamente consciente de lo que aún le queda por hacer, pero no desea correr ningún riesgo. Últimamente se siente bastante segura para arriesgarse y experimentar con su trabajo, tal y como hizo con “Maverick”, en la que hacía el papel de una prostituta de taberna. La película fue un desastre económico, pero debía probar suerte.

“Sobre ese filme solamente puedo decir que es lo más divertido que he realizado en toda mi vida. Richard Donner, el director, logró hacer del trabajo un entretenimiento para todos. Gustaba de improvisar y todo el equipo nos dejamos llevar por él. En ocasiones tuvimos que suspender el rodaje por la risa que nos entraba a todos. La película daba pie a las burlas y Mel Gibson se comportaba de manera totalmente estúpida para divertirnos, empleando palabras sin sentido o utilizando un pisapapeles como claqueta”.

Según recuerda, uno de los mejores momentos es cuando Mel tiene la cabeza llena de plumas. Los actores miraron el vídeo docenas de veces y se dieron un gran atracón de risas que les duraron varios días.

“En esa época yo quería hacer papeles poco dramáticos en la pantalla y quería probar diferentes cosas para sentirme libre. No me importaba hacer de idiota si con ello provocaba la risa en el espectador. Debo admitir que Mel Gibson es el mejor de los actores y que nunca había trabajado con un actor que me hubiera gustado tanto. Respeto mucho su talento y en muchas cosas me gustaría ser como él, pero obviamente no lo consigo. La primera vez que le tuve delante creí que me enamoraba de él, aunque luego me di cuenta que esa es una impresión que le ocurre a mucha gente”.

“Cuando escogí el papel de Nell deseaba realizar otro experimento, encontrar otra salida más profunda. Era un personaje opuesto a mi carácter, o al menos eso era lo que pensaba.

Ella parece tonta, una mujer que vive con sus emociones porque no sabe que eso es vergonzoso. Hay algo verdadero y sincero en Nell y es cuando dice lo que nosotros somos y no lo que realmente nos gustaría ser. Los seres humanos en realidad quieren congeniar, pero hay grupos que tratan de alienarnos, de decirnos lo que debemos pensar y hacer”.

En su casa de Los Angeles, no dispone de ninguna dirección a la cual podamos mandarla una carta y prefiere comunicarse con sus amigos mediante e-mail, y ni siquiera la ha comprado, puesto que la ha alquilado con el mobiliario incluido. Quiere mantener un hermetismo total en su vida privada y ni siquiera discute sobre sus inclinaciones sexuales o afectivas.

“Yo nunca quise ser famosa. No sé por qué las personas desean la fama, a no ser que tengan menos de 25 años y nadie le haya prestado nunca atención.

Quizá para aquellas personas a las cuales ni siquiera el camarero de un bar les tenga en cuenta cuando llegan sea importante la popularidad, pero no es mi caso. Es una idea errónea pensar que la fama es placentera y que nuestra vida privada no se verá afectada nunca si nos vemos inmersos en un mundo así”.

Foster quiere tener ahora diferentes opciones personales en su vida y no solamente en el plano profesional. Su maternidad y su relación con los hombres y las mujeres, son cosas que debe aclarar.

“Sé que hay hombres en los cuales puede confiarse y en mi agenda figura el nombre de alguno. Me gustaría que mi vida amorosa fuese similar a los personajes del cine y también me gustaría transmitir un mensaje de amor en mis próximas películas. Creo que la mayoría de la gente se engaña cuando dice lo que le gustaría vivir y sobre lo que es el amor verdadero. En cierto modo, estoy en contra de la sociedad y no me identifico con las costumbres de la mayoría”.

El sostén económico familiar

Cuando era niña, Foster decía que tenía una misión en la vida. Una misión a través de su trabajo como actriz. Ahora asegura que:

“Esta era una estructura que se construyó para mí. Realmente no pienso que tenga una misión y no comprendo los motivos que me llevaron a pensar eso. Mi madre decía que yo sería algo importante, pero eso lo afirmaba por cuestiones de feminismo, por oponerse a los hombres.

Me dijeron que podría ser doctor o abogado, lo que fuera con tal de crearme una ilusión de confianza. Aunque no me dijeron que fuera fácil, yo lo consideré como la tarea mayor en la vida”.

Su misión como niña simplemente podría haber sido la de alimentar a su familia. Era la más joven de cuatro niños, cuidados solamente por la madre, por lo que Foster también tuvo que ser el sostén económico durante años. Esta labor la pudo ejercer desde la temprana edad de 3 años, en la cual posó como actriz infantil en un anuncio de una loción bronceadora en televisión, aunque apenas si articuló una palabra.

Cuando cumplió los 5 años, leía ya libros enteros y estaba trabajando ya regularmente en televisión en seriales como “Mayberry R.F.D.”, “"El noviazgo del Padre Eddie” y “Mis Tres Hijos”. A los 8, trabajó por primera vez en el cine en la película “Napoleón y Samantha”. Su primera nominación al Oscar la logró en 1976, con “Taxi Driver” de Martin Scorsese.

"Sí, pero yo no estoy segura cuándo me di cuenta que era conocida internacionalmente ni cuándo tuve que abandonar mis responsabilidades como una niña. Ciertamente, mi madre nunca quería que yo me sintiera presionada, e hizo todo lo posible para aliviar mi responsabilidad. Todos los días ella me decía: ¿Te gusta lo que haces o quieres dejarlo?.

Si alguien me hubiera conocido entonces, nadie podría hablar de esclavitud o cosa similar. Tampoco creo que ahora tenga más responsabilidad que otra persona, puesto que no soy el presidente de nada”.

Una historia de amor

Hubo un tiempo en el pasado que parecía que Jodie Foster no quería más ser Jodie Foster.

Cuando estudiaba en la Universidad de Yale en Nueva York, una vida en principio enriquecedora, se vistió con ropajes holgados como esos que llevan los campesinos, sumergiendo su identidad como persona célebre bajo el traje anónimo de una estudiante.

Ella se sentaba en la parte de atrás y prefería no ser reconocida, deseando que los espectadores se aficionaran con las nuevas actrices, nunca con ella. Jodie Foster todavía era una parte esencial en el cine, una modesta leyenda, pero quería mantenerse alejada de la popularidad y así sentirse segura.

Pero un día, en la Ciudad de Nueva York, Foster se vistió con un traje de paño, una chaqueta escocesa, no demasiado corta, y debajo una blusa de seda negra con dos botones abiertos. Sosteniéndose en su nariz tenía unas gafas de color ámbar diseñadas para crear la frase “Tome una carta, por favor”, algo así como secretaria de día, bomba sexual de noche, tal y como Dorothy Malone perfeccionó en “El sueño eterno”. Globalmente, consiguió un efecto inteligente sobre su atractivo físico, pero dejando claro que era una profesional, competente, y formidable actriz, y no debería ser confundida con una nueva Lolita en busca de pasiones desenfrenadas con varones.

Ella era, en otras palabras, todo un negocio.

Ella era Jodie Foster, una joven mujer que había ganado dos veces el Oscar a la Mejor Actriz, graduada en Yale y, ahora, la estrella principal en numerosas películas de éxito.

“Muchos actores solamente se sienten a gusto cuando sufren o agonizan en la pantalla, pero luego exigen un doble para cualquier cosa. Si mi personaje monta en motocicleta yo debo aprender a montar para hacer esa escena. No quiero comportarme como todas.

Quiero ser simplemente una actriz”.

Este comportamiento la ha convertido en una de las actrices más cumplidoras de su generación y por eso ganó un Oscar por “Acusados” en 1989 y otro por “El Silencio de los Corderos” en 1992. Pero actuar no es algo que ella había planeado hacer en la vida y no importa que lo lleve haciendo desde los 3 años.

“Cuando yo era niña, fui enseñada para que creyera en La Gran Esperanza Blanca y que sería algo importante. Quizá eso era lo único que mi madre podía hacer por una chica en los años sesenta, pero yo realmente creía que iba a ser así y por eso dejé que todo creciera a mi alrededor y estaba convencida de que era un camino magnífico y que iba a causar impacto donde fuera.

Cuando tenía 20 años me pregunté si eso era lo que verdaderamente estaba buscando.

Había bastantes cosas en mi entorno que me parecían podridas y otras que, aunque hermosas, se me aparecían como demasiado importantes. En conjunto me gustaba, pero me preguntaba si eso sería mi misión en la vida. En esa época estaba muy deprimida”.

¿Poco carismática?

Su papel en "Sommersby" es una salida radical para Foster, quien en contraste con otras estrellas femeninas raramente ha interpretado papeles románticos. Por eso y pensando en otras películas anteriores en las cuales había una ausencia completa de romance, la preocupación de los productores de "Sommersby" estaba en si ella y Gere no encajarían bien como pareja en la pantalla. ¿Es adecuada Jodie Foster en una historia de amor?

“Muchas personas se cuestionaron este acoplamiento y pensaron pronto en otras mujeres más románticas e incluso más guapas, porque a sus ojos yo no era así. La cuestión es que nadie antes había pensado en mí para películas de amor y ni siquiera había podido lucir trajes en este sentido. Tantos años de lucha feminista me habían dejado en una encrucijada”.

También es posible que nadie haya visto alguna vez a Jodie con un traje romántico y de época, pero una vez que le consiguieron uno y le arreglaron el pelo todo el mundo se quedó maravillado de los resultados tan positivos. Sin embargo, según ella, el personaje de Laurel en "Sommersby" emplea un tipo de vestimenta que ella ha utilizado muy frecuentemente, aunque nunca con un aro dentro de la falda.

“No es que sea nada fácil llevar un traje así, pero también es difícil para un varón llevar calzones y hablar con el mismo acento de California del siglo pasado. Para mí, en esencia, todo es un juego, como una pintura que hay que retocar muchas veces hasta que salga perfecta”.

Ella discrepa con aquellos que piensan que el atractivo es solamente una cuestión de carisma y sin nombrar a nadie en particular, menciona a muchos actores que han pasado recientemente por la pantalla sin ser tenidos en consideración por los productores y que luego han cautivado al público. Según su opinión, lo importante es la sinergia entre el actor, o la actriz, y la historia.

“Encuentro insultante que me digan que no tengo carisma. Me he pasado casi treinta años trabajando de actriz, desarrollando mis habilidades y me considero una profesional. La idea de dar un millón de dólares a alguien sólo porque ellos pueden llenar un estadio de adolescentes es denigrante”.

Foster se ha ganado el derecho para decir eso. Ninguna actriz de las que trabajan hoy ha llevado una carrera con el mismo sentido de la profesionalidad y ninguna posee un plan tan elaborado para afianzarse año tras año. Tampoco es frecuente encontrar a otra actriz que haya trabajado en el cine desde niña y la mayoría de ellas se han incorporado al cine cuando ya eran adultas, por lo que no han tenido que sacrificar su niñez por su trabajo.

Su vida pasada ha terminado pasando factura, y en 1980, cuando tenía 17 años, abandonó el cine y se dedicó a cultivarse culturalmente acudiendo a la Universidad de Yale, en donde se graduó en 1985 con el título de Licenciada en Literatura. La experiencia en la universidad fue su salvación.

“En esa época es lo mejor que pude hacer, puesto que gracias a ello averigüé lo que me gustaba y no me gustaba. Yo crecí internamente, o algo así, y me estremezco de pensar en lo que me podría haber convertido si no hubiera realizado estos estudios. El lugar donde uno pasa entre los 17 y 21 años es muy importante, y fue en ese momento cuando comprendí que lo que quería era hacer cine, puesto que suponía la mejor manera de expresarme”.

Foster, sin embargo, dice que ella tampoco se podía imaginar viviendo una vida enclaustrada, ejerciendo como profesora de universidad. Reconoce que podría dedicar la mayor parte de su vida escribiendo y haciendo crítica literaria, pero siempre que no tuviera que dejar el cine, especialmente como directora.

Un día triste

En 1981, mientras ella estaba en su segundo año de estudiante en Yale, un hombre joven llamado John Hinkley intentó matar al Presidente Ronald Reagan. Su motivo, según comentó cuando le cogieron, era impresionar a Foster (a quien nunca había conocido en persona.) Su gran pasión había nacido cuando la vio trabajar como prostituta en el filme de 1976 dirigido por Martin Scorsese “Taxi driver” y, evidentemente, había tocado alguna fibra sentimental muy intensa en él. Foster ha dicho que ella estaba corriendo por el campus universitario, “de la mano de su mejor amigo”, cuando escuchó las noticias.

En 1983, Jodie Foster escribió un artículo a la prensa que explica su estado mental durante esos días agónicos, titulado: “¿Por qué yo?”.

“Yo sentía fluir las lágrimas en mis ojos, y mi cuerpo empezó a agitarse. Perdí el control de mis actos por primera vez en mi vida. Para mí ha sido una experiencia muy negativa en mi vida, pero he escogido sobrevivir y nadie va a lograr que me hunda o me encierre en mi casa.

“Después de graduarme me marché fuera de Los Angeles y estuve algún tiempo deprimida y sin ganas de salir de casa. Durante seis meses me sentí simplemente asustada por las consecuencias de este hecho. Si alguien era capaz de intentar matar al Presidente, con mucha más facilidad podría lograrlo conmigo”.

“No es fácil ser una estrella famosa. La gente podría decir que lo único que nos preocupa es conseguir un éxito enorme con una película, pero incluso eso no es fácil, ni depende exclusivamente de nosotros. La vida puede ser para los actores tan buena o tal mala como para cualquier otra persona anónima, porque el destino no siempre está en nuestras manos”.

Foster se recuperó poco a poco de ese trauma y comenzó una nueva etapa llena de vigor en 1988. En ese año ganó su primer Oscar por “Acusados”, y en la ceremonia de entrega de los premios ella recogió su trofeo diciendo:

“Éste es un homenaje muy grande y mi vida es muy simple. Hay muy pocas cosas en ella, amor, trabajo y familia. Por eso me gustaría agradecer a toda mi familia, a toda la gran tribu de donde vengo, y especialmente a mi madre, que me enseñó que todas mis pinturas manuales eran como Picassos y que no tenía que tener miedo”.

Una chica casi normal

Ella tenía 26 años cuando ocurrieron estos hechos y cuando cumplió los 29 años, Foster dirigió su primera película “El pequeño Tate”, un drama a pequeña escala sobre una madre que tiene que cuidar a su hijo de nueve años. Aunque la historia de la película había circulado alrededor de los estudios durante años antes de que ella le diera vida, sentía como si la historia se hubiera escrito para ella. Por eso decidió dirigirla y trabajando con un presupuesto muy pequeño, hizo una exquisita historia y, por tanto, una modesta película muy impresionante, que también logró buenos resultados en taquilla.

Nadie que la haya conocido antes se ha sorprendido por sus logros. ¿Notó el director Martin Scorsese inmediatamente algo especial en Foster cuando la entrevistó para una escena de la película de 1975 “Alicia ya no vive aquí”.

“Cuando llegó a nuestra oficina parecía una ejecutiva – recuerda Scorsese - y tenía un control total sobre sus actos. Era una profesional total, y eso en una niña de 10 años es muy tranquilizador. Usted puede confiar en sus instintos, y su habilidad para presentarse en escena y hacer su trabajo puesto que siempre tiene un estado de ánimo adecuado y estable. Eso no es habitual en una actriz, pero supone algo relajante para un director”.

Ninguna cosa parece tener sentido en su vida, salvo el trabajo, y eso es lo que más agrada de Foster. Ella admite que probó el trabajo como actriz de teatro en sus días más jóvenes, llevando una minúscula minifalda, pero no la gustó. En cambio, cuando conoció las cosas cotidianas, como hacerse su propia comida, ir de compras y lavar su propia ropa, se sintió feliz, lo mismo que cuando mantuvo nuevos contactos con sus antiguos compañeros de Yale. Ellos están de acuerdo con esa pasión de Foster por hacer cosas normales y creen que ella haría lo que fuera por pasar desapercibida el resto de su vida.

“Yo vivo una vida muy alejada de la gente, muy hermética. Me gustan los quehaceres de la casa, pero me gusta también mi trabajo. Me gusta que las personas no se inmiscuyan en mi vida, pero me gusta estar con la gente”.

En “La Muchacha del sendero” (1977), ella interpretó a una joven de 13 años que vive sola en su casa encima de un sótano en el que esconde los cuerpos muertos de sus padres.

En “El secreto del castillo” (1977), parecía estar experimentando con un personaje andrógino y era difícil poder decir si era un muchacho o una muchacha, y siempre que ella abría la boca parecía como James Cagney.

También fue una delincuente juvenil en “Alicia ya no vive aquí” y algo peor en “Taxi driver”. Posteriormente la vimos como la víctima de una violación en “El Hotel New Hampshire” (1984) y en “Cinco Esquinas” (1988) y en un suicidio en “Más que un recuerdo” (1988.) En 1988 era víctima de una violación colectiva en “Acusados” y en “El Silencio de los Corderos” (1991), su mayor éxito hasta entonces, tenía una extraña relación con un caníbal.

No es, obviamente, una vida típica.

Su familia

“Los niños actores son mucho más frágiles que el resto de nosotros - dijo Scorsese -

porque ellos no tienen una niñez normal. Por esta razón, suelen quedar inmersos en una gran desesperación cuando se hacen mayores. Jodie Foster ha podido superar esa situación”.

Ella tenía antes de nacer a su padre Lucius Foster, y a sus hermanos mayores, aunque ahora sabe que su padre vive en Los Angeles pero solamente se han visto en tres ocasiones.

Para ayudar a su familia, ella e inicialmente su hermano, hicieron anuncios de comidas y algunos episodios de "Mayberry R.F.D.", "El noviazgo del Padre Eddie" y "Gunsmoke."

Cuando ella tenía 8 años, fue aporreada por un león en una escena del filme de Disney

"Napoleón y Samantha," su primer trabajo en el cine. De resultas de ese accidente aún conserva algunas cicatrices.

Cuando estaba en el cuarto curso, su madre la retiró del programa estatal para niños superdotados y la apuntó en el Liceo francés de Los Angeles, en donde, entre otras materias, aprendió a hablar francés e italiano.

Cuando cumplió los 13 años fue nominada a un Oscar de la Academia por su papel en

"Taxi driver".

A las 14 se negó a realizar desnuda una escena en “La Muchacha del sendero".

“Es muy, muy duro para un actor infantil ganar aceptación en el mundo de los adultos, e incluso donde predominan los actores mayores – dijo Scorsese -. Liz Taylor lo hizo, pero no puedo encontrar a ningún otro, salvo a Jodie Foster. Ella lo ha conseguido porque tiene mucho valor y poder. Hay algo firme en Foster, pero al mismo tiempo, misteriosamente oculto”.

“Foster es una persona muy privada – afirma el productor Reuther – y eso lo pude comprobar mientras hacíamos "Sommersby". En sus trabajos anteriores la pudimos ver como una niña, una jovencita y una mujer madura, además de lograr dos Oscar por su trabajo.

Aún así, no está interesada en la celebridad ni en los supuestos beneficios de esa situación, puesto que protege su vida privada furiosamente, especialmente cuando lee o escucha que otras personas llegan a conclusiones sobre ella que no son verdad. Foster posee una vida intensa pero la guarda para ella”.

“Me considero una persona cómoda, amistosa y en cierto modo despreocupada, pero a quien no le gustan las juergas. Suelo cooperar con la gente pero de un modo impersonal y así soy desde hace muchos años. Reconozco que soy muy habladora y que me gusta lo que hago, puesto que es una buena manera de ganarme la vida. Francamente, me encuentro a gusto en mi trabajo”.

“Todavía no tengo muy claro en qué consiste actuar y quizá lo considero solamente una habilidad. Sé que hay mucha gente que se pregunta cuál es la razón para que un actor gane tanto dinero y yo francamente no sé la respuesta. Después del estreno de “El silencio de los corderos” mucha gente quiso saber todo sobre mi vida privada pero solamente encontraron un gran silencio. Si tuviera que definirme diría que soy una persona aburrida voluntariamente y con el paso de los años aún lo soy más. Quien pretenda invitarme a una fiesta debe saber que mi misión no será divertir a nadie”.

Una comedia romántica

Un trío de actrices ganadoras de un Oscar, Jodie Foster, Holly Hunter y Ana Bancroft, realizarán próximamente un nuevo filme titulado provisionalmente “Casa para vacaciones”, una comedia romántica.

Foster co-producirá y dirigirá la película en la cual Holly y Bancroft interpretan a una hija y su madre que se reúnen durante la celebración del Día de Acción de Gracias.

Durante las últimas dos semanas, Jodie Foster y un equipo de producción han estado en Baltimore en busca de exteriores, realizando audiciones para los trabajos menores y entrevistando al equipo de producción. El comienzo del rodaje será a mediados de febrero y aunque todavía se están negociando con las organizaciones estatales, lo más probable es que se hagan tomas en el Museo de Arte de Baltimore y en el Aeropuerto Internacional de Washington.

“Queremos usar los buenos exteriores que hay aquí en Baltimore, puesto que la ciudad ofrece una maravillosa mezcla de estilos, iguales a los que habíamos planeado para la película”.

La conferencia de prensa para anunciar más detalles de la película se realizará la próxima semana y estará a cargo de la señorita Rajski. Además de Holly Hunter y Anne Bancroft, los otros actores incluidos serán Robert Downey Jr., Charles Durning, Claire Danes, Dylan McDermott, Cynthia Stevenson y Steve Guttenberg, según Stuart Kleinman, presidente de la compañía.

En la película, Hunter interpretará a una restauradora de arte en un museo de Chicago que, teniendo "el peor día de su vida", llega a casa de una excéntrica familia en Baltimore, para la cena de Acción de Gracias. El guión es de W.D. Richter, quien también escribió

“Nickelodeon" y "Brubaker".

Anne Bancroft interpretará a su madre, Durning al cura, y Downey y Stevenson a sus hermanos.

Danes, la actriz adolescente que ganó un Globo de Oro recientemente a la Mejor Actriz, por un telefilme dramático para la televisión titulado "Mi Vida", interpretará a la hija.

Guttenberg es uno de los cuñados y McDermott un amigo del hermano a quien se supone ama tiernamente.

Las sinopsis de la publicidad la describen como una película vivaz, una comedia romántica ingeniosa que ofrece la irreverente mirada a una familia aparentemente unida y una experiencia humana universal como es una reunión familiar anual.

La conexión con la gente de Baltimore sobre los detalles del rodaje, confirmó que la BMA había mantenido charlas con Jodie Foster sobre cómo usar el museo. Si el acuerdo sobre el rodaje se materializa, la película mostrará el Museo como si fuera el Instituto de Arte de Chicago, donde que el personaje de Hunter trabaja allí.

Rajski, quien había producido “El Pequeño Tate", dijo que la mezcla en la película de diferentes personajes se refleja en la ciudad de Baltimore. Adicionalmente, ella dijo que aunque no podía revelar más detalles, se usarían diversas casas durante le rodaje.

Foster y su equipo, sostuvieron la semana pasada entrevistas y audiciones en las oficinas de producción de la serie de televisión "El Homicidio", localizando una casa adecuada al pie del Malecón. Rajski dijo que habían aprovechado para rodar a varias personas del lugar, puesto que quería llevar a las pantallas el orgullo de Baltimore y que fuera visto en todo el mundo. También se rodaron escenas adicionales en Boston y Massachusetts.

A la fiesta organizada por la productora en septiembre, asistieron numerosas personas y se contabilizaron 16.000 vasos de bebida que fueron servidos a los asistentes. También se aprovechó para anunciar que había otros cuatro proyectos más para hacer películas en esos mismos lugares.

Jodie Foster coleccionista de fotos

Jodie Foster realizó uno de sus mejores reportajes fotográficos en 1988. Las fotografías, efectuadas por el fotógrafo europeo Karel Hajek, mostraban las manos de un obrero,

"marcadas por el trabajo y el tiempo pero todavía hermosas y delicadas". Desde ese momento, su pasión creciente por la fotografía la ha llevado a adquirir trabajos de Mario Giacomelli, Mary Ellen Mark, Max Yavno, y Alfred Cheney Johnston.

“Me gusta la idea de que la fotografía capture un momento que nunca puede repetirse de nuevo. Sólo un pedazo efímero de una vida que consigue vivir y respirar para siempre”.

“No me considero una coleccionista de fotos, puesto que eso lo relaciono con algún tipo de actividad financiera. Solamente poseo lo que amo y tiene que ser algo que tenga una conexión emocional fuerte”.

Una de las obras adquiridas es de Giacomelli "Scanno", que Foster compró en la James Danziger Gallery de Nueva York.

“Amo la manera en que la cámara hace una opción emocional distinta y escoge enfocar en algo que normalmente pasa desapercibido. Giacomelli hace el centro de su universo en un muchacho pequeño. Por supuesto, el muchacho se siente totalmente apartado de esas personas y lugares que giran alrededor de él”.

Otro premio de su colección es Yavno "La Madre y Niño". Vio la imagen en 1991 en la Galería Kesner en Los Angeles.

Anteriormente, en 1981, antes de la muerte de Yavno, solamente existían tres fotografías de su obra, pero cuando Foster quiso la fotografía ya había sido vendida.

Pero Kesner entendió lo que ella quería comprar y la pusieron en contacto con otro coleccionista que había comprado un raro ejemplar de hace muchos años. Estaba deseoso de vender, y Kesner cerró el trato. No obstante, la galería no le vendió la fotografía a Jodie hasta que fue presentada por su madre después de haber ganado un Oscar a la Mejor Actriz por “El silencio de los corderos”.

En su lista de lo que desea en el futuro, si ella pudiera tener cualquier fotografía, Jodie Foster dice que escogería a "Bailarín de Satyric" por Andre Kertesz.

Una mujer valiente

En nuestras mentes, Foster es la intrépida, una trabajadora animosa en casi 30 películas, una heroína entre las hermanas más débiles. Por eso no es una sorpresa cuando dice con una cara recta y la seriedad de un niño: “El Miedo no tiene lugar en mi vida”. Es una declaración intrépida, quizás porque es demasiado parecida a muchas frases de película, pero ese es precisamente su propósito.

“Esta no es una época adecuada para tener pánico. Todos aquellos actores que tienen miedo por los resultados de sus películas están aterrorizados periódicamente. Es imposible complacer a todos los espectadores y yo prefiero entender cada fracaso como algo inevitable y pensar que todavía tengo tiempo para ser creativa e intrépida”.

En medio del caos en el mundo de Hollywood, Jodie Foster es una voz de calma y razón.

De hecho, tan lógica es su mente que ella puede entender fácilmente la obra de Newton o Descartes, o cualquier otro personaje racionalista de tiempos pasados. No quiere ser una actriz más. Odia la debilidad, y por eso la vemos frecuentemente interpretando a apoyando numerosos papeles de muchacha pendenciera, como Sarah Tobias en "Acusados" y Clarice en "El Silencio de los Corderos", por nombrar solamente las actuaciones por las cuales ha recibido un Oscar. Después de más de 25 años delante de una cámara, esta antigua estrella infantil está decidida a no mostrar vulnerabilidad. Cuando ejerce como directora y dice

¡Acción!, todos se mueven con rapidez.

En su mente, esto es más un misterio que una bendición. Ella desprecia el aura habitual que rodea a las grandes estrellas del cine y piensa que la mayoría son muy frágiles en su interior.

“Hay mujeres que se hicieron actrices solamente para ocultar sus lágrimas. La ciencia es la fuente de todo arte y es la química de nuestro cerebro lo que nos dirige nuestras vidas, no los sentimientos”.

Aun ahora, cuando está buscando redefinir su carrera, moviéndose más allá del estrellato e incluso de la dirección, produce y financia sus propias películas, como si quisiera liberarse rápidamente de una lacra. Es un jugador en el verdadero sentido de la palabra y encabeza su propia compañía, escribiendo su propio capítulo de la historia de Hollywood. Desde que Bette Davis se enfrentó con Jack Warner para demostrar que era una actriz exigente y ganar así el poder, solamente Foster ha continuado su camino.

“Yo nunca quise ser actriz realmente y creo que tengo otras cualidades que mostrar además de mi trabajo actual”.

Como las mujeres que ha interpretado, Foster se esfuerza por ser intrépida. Quizá incluso demasiado.

“Tengo que advertir a las personas, a mis amigos, que no soy una mujer fría y que necesito manifestar mis pasiones. Intento manifestar mis debilidades, como por ejemplo cuando veo un pájaro herido en la acera, y pienso si en realidad deseo recogerle o darle un puntapié”.

Cuando Foster dirigió su primera película en 1991, "El Pequeño Tate", estaba a punto de estrenarse también "El Silencio de los Corderos". Era considerada entonces como una buena opción en taquilla y la prueba fueron los 150 millones de dólares que se recaudaron ese año con esa película. Aunque ella acababa de venir de unas vacaciones en París y disfrutaba ya claramente por su condición como la estrella del verano, estaba sumamente nerviosa por los resultados de “El Pequeño Tate”. En ese momento ella comentó:

“Éste ha sido un tiempo raro, puesto que a ustedes les gusta una película mía y marginan otra. Las personas del mercado dicen que les gusta vender todo y de repente yo me veo como una entidad financiera, algo que odio, porque pienso que ese trabajo no puedo eludirlo. También he llegado a la conclusión de que soy mi director favorito”.

Su destino

“Mi vida entera ha estado marcada por el deseo de ser más abierta, pero eso significa también ser vulnerable. Yo no tengo miedo de hacer películas donde me golpeo la cabeza en una pared, pero sí tengo desesperadamente miedo de manifestar ser débil en la pantalla”.

Ella ha empezado su verdadera carrera cinematográfica en dos lugares. Bueno, tres si contamos su actuación como Iris en "Taxi driver", que le proporcionó su primera nominación al Oscar cuando tenía 14 años. Pero también sabemos que años atrás, en los años sesenta, se desnudó para un anuncio de Coppertone y realizó también cosas como

“Mayberry RFD", "Mis Tres Hijos", y otros que prefiere olvidar.

Su punto de arranque real no ocurrió hasta varios años después cuando "El Silencio de los Corderos" y "El Pequeño Tate" consiguieron un gran éxito, aunque no pudieron evitar la quiebra de la compañía Orion. Ese fue el año en que Foster comprendió que cuanto más dinero, más poder, más igualdad y por supuesto más independencia.

Pero no consiguió disfrutar de las ganancias con “El Silencio," porque también tubo que batallar por estar al borde de la quiebra para conseguir los millones que necesitaba para dirigir y promover "Tate". Aunque “El pequeño Tate” acumuló 24 millones de dólares (una buena ganancia en una película con un presupuesto de sólo 10 millones), Foster comprendió que nunca más volvería a llevar una carga similar en solitario. Por eso rechazó numerosas ofertas de al menos una docena de pequeñas compañías de cine que trataban de unirse a ella. Posteriormente, ha decidido mantener relaciones comerciales con PolyGram, precisamente porque no era un gran estudio y no ponen precio a las personas.

“Jodie podría conseguir muchos tratos en otros lugares, dice Michael Kuhn, presidente de PolyGram, pero ella tuvo más interés en el trato personal que en conservar su estatus de actriz famosa. Nosotros cerramos el trato con ella cuando comprendimos que quería ser productora”.

Entrevista a propósito de Contact

- ¿Por qué motivo ha acometido el rodaje de esta película sobre extraterrestres?

¿Cree usted que hay vida en otros planetas?

- Yo soy una gran escéptica. Mis sentimientos están muy cerca del espíritu de Carl Sagan, en cuanto a que nosotros seríamos tontos si pensáramos que esta mancha pequeña en la que habitamos es la única forma de vida en el universo.

- Los científicos y los astrónomos no suelen estar de acuerdo con nosotros, pero como yo no he descubierto ningún Ovni últimamente, no puedo encajar tampoco en esa categoría de personas que piensan que han visto a los visitantes del espacio exterior.

- ¿Cómo ha logrado hacer el papel de un científico obsesionado?

- Porque yo me considero una analfabeta en ciencia y por eso me preparé durante seis meses mediante un montón de libros, del mismo modo que un niño aprende a leer.

Cuando llegué a las partes más esotéricas de la ciencia astronómica es cuando tuve que invertir más tiempo. No puedo afirmar si solamente me dediqué a leer esos libros o tuve algún interés en asimilarlos como válidos.

- ¿Hay partes de usted en Ellie?

- Creo que hay preguntas que me gustaría hacerme, especialmente sobre cómo podría haber sido en otra vida. Yo amo esta idea de un científico que es un prodigio, un buscador que ama el espacio y que dice: “Quiero saber de dónde vengo”. Por eso comprendo que ella tenga tanta pasión por dejar atrás todo para seguir su búsqueda.

- ¿Podría usted hacer eso?

- No. Lo que sí haría es realizar esa pregunta a muchos científicos: “¿dejaría usted todo lo que ama por acudir a otro mundo sin retorno?. Creo que no habría ninguna duda en su contestación y todos dirían sí inmediatamente. Yo no sé lo que diría, puesto que no soy un científico.

- Ellie tiene que responder a la pregunta sobre si ella cree en Dios. ¿Cómo encaja en usted esa respuesta? Sabemos que en la película su personaje se hace unas cuantas preguntas difíciles de contestar y es posible que cuando usted está en casa, va a una tienda, o toma un café con los amigos, se haya planteado las grandes incógnitas sobre el significado de la vida.

- Yo no sigo ningún tipo de religión tradicional, pero tengo gran respeto por todas las religiones. Me paso mucho tiempo estudiando textos divinos, tanto de la religión Oriental o la religión Occidental. Ahora solamente tengo preguntas y ninguna respuesta. Creo que la fe, la necesidad de cuestionarnos de dónde venimos, el concepto de un Dios, es como algo instintivo en los humanos, tanto como tener que comer y dormir.

- ¿Ha habido algún momento en su vida en que usted ha rezado a Dios?

- No, nunca. Sólo cuando yo crecí es cuando realmente me interesé en la religión. Mi madre, hermanos y hermanas tenían mucho fondo religioso, pero yo era la última en la familia, y eran los años sesenta, y apenas me tocó vivir la pasión religiosa. La única ceremonia a la cual he asistido fue en la catedral del Vaticano.

- ¿Domina usted la tecnología moderna?

- Solamente tengo un CD-ROM sobre los albergues Reel Women, algo sobre la historia de las mujeres en Hollywood.

- ¿Utiliza usted mucho las computadoras?

- Bueno, tanto como puedo, para decirle la verdad. Me gustan los ordenadores por todo lo bueno que nos están aportando, pero también nos añaden muchas cosas negativas.

Me gustan también las cosas antiguas por todo lo que han aportado a nuestro carácter actual.

- Yo realizaba cine cuando no había efectos especiales y si mira la película “Taxi Driver”, seguramente dirá: “Oh, Dios mío, esa es una película increíble”. La calidad no está en el dinero ni en la tecnología.

- ¿Qué tal trabaja con efectos especiales?

- Es muy duro. Tengo que seguir intentando hacer cosas espontáneas y reales, pero en una escena de efectos especiales, todo es un juego muerto contra usted porque allí no hay nada, solo una pantalla.

- Pero usted tiene algunas escenas muy emocionantes. ¿Es difícil para usted desplegar esa profundidad de sentimiento cuando debe fingir?

- Bien, sí. Hay algunas personas que yo admiro porque pueden realmente exteriorizar sus emociones, y eso es algo que a mí me cuesta mucho. Tengo un sentido muy privado de mis propias emociones. Eso es un inconveniente que deseo corregir, porque no soy el tipo de persona que puede estar de pie junto a una mesa, ponerse un sombrero y decir: “¿quieren que les haga una imitación?”. Tengo que escoger mis películas muy cuidadosamente, porque no sé fabricar una reacción emocional sobre algo que no conozco personalmente. Sé que hay personas que pueden, y eso me produce cierto complejo de inferioridad. A medida en que voy envejeciendo, estoy empezando a comprender que todo es parte de mi trabajo y que cada papel debe ser totalmente diferente.

- Ellie tiene que tratar con la muerte de su padre cuando ella todavía es muy joven.

¿Le trajo eso los recuerdos de su propio padre que dejó a su familia cuando usted era una niña pequeña?

- Yo siempre digo que sigo haciendo las mismas películas una y otra vez. No puedo conseguir salir de mis obsesiones, y el tema del abandono es muy grande para mí.

Usted puede decir que su papá está muerto y lo acepta intelectualmente, pero necesita más tiempo emocionalmente para poder asimilar que un día, cuando usted era pequeño, dijo adiós y se marchó para siempre. Sé que ésa es una experiencia personal que me afecta, pero que no quiero olvidar. En los papeles del cine también experimento cosas que nunca he vivido, como tener un padre. He tenido muchos, en la pantalla, de los padres que yo he amado en mi imaginación y he tenido grandes sentimientos para ellos.

- Hay también algunas demandas físicas para usted en esta película, como la escena donde se lanza al espacio y hay una cantidad increíble de movimientos temblorosos durante el despegue. ¿Pasó usted realmente por eso que vimos?

- Después de dos días de rodaje en esa escena, seguí teniendo estos ataques de vértigo y ganas de vomitar. Yo pensé en ese momento que ese temblor violento realmente no era bueno. Pronto vimos que eso estaba afectando a mi oído interno, y por eso cambiamos algunas cosas.

- ¿Qué me dice sobre las escenas donde usted esta ingrávida?

- Esos realmente fueron algunos de los momentos más divertidos de la película, volando con alambres que me mantenían en el aire. Nunca antes había realizado una cosa así.

- Usted ha dicho que le es difícil expresar emociones en sus papeles, pero no parece tener ningún problema en dar una intensidad real a cada trabajo.

- Tengo este sentimiento increíblemente apasionado sobre lo que yo hago, y aunque me molesta no puedo corregirme. A veces, yo hablo sobre una película que he visto, y entonces empiezo a ver salir espuma de mi boca. La gente que trabaja conmigo me pide que clarifique un poco mis emociones, que sea más sencilla.

- ¿Y puede lograrlo?

- Efectivamente. Simplemente deme un perrito caliente y dígame que me calle.

- Una de las cosas más conmovedoras sobre su personaje en “Contact” era el intenso envolvimiento de la astrónomo Dr. Ellie Arroway con su trabajo.

- Lo mejor del personaje de Ellie es que es exactamente igual al libro y cuando lo veo en la pantalla ella está completa y totalmente apasionada. Eso es algo que yo estaba intentando hacer: una persona que está muy envuelta y enfocada en un proceso intelectual, y que ese proceso le permite volar hacia mundos muy emocionantes. Por eso se siente muy humana. Pienso que con demasiada frecuencia se retratan procesos intelectuales como si fueran algo sin emociones, científicos que no tiene una conexión con su alma e incluso que reniegan de tenerla. Cuando usted está obsesionado por algo, cuando algo le fascina, se convierte en algo maravilloso. De hecho, pienso que ella es una defensora de aquellas personas que muestran pasión por cosas que los demás no entienden o no les interesa.

- Parte de la jornada de Ellie en la película es su emocional transformación por esa experiencia tan profunda que vive.

- Todo lo que pasó luego fue como si una herida profunda se estuviera cerrando. Para mí, ésa fue la única razón por la cual estuve realmente interesada en hacer esta película. Ésa escena es la parte más intensa de la película, cuando comienza a darse cuenta que lo más importante no es que los demás compartan sus vivencias místicas, sino que uno mismo las disfrute.

- Eso parece ser una obsesión en su vida, puesto que “Nell” es también la historia de una maldición.

- Debe existir una razón por la cual yo esté obsesionada por eso. Es muy interesante, aunque ambas películas son completamente opuestas. “Contact” no tiene nada que ver con “Nell”, aunque, para mí, esencialmente son lo mismo. La historia es que a una edad joven, usted es abandonada por alguien, y el dolor es tan intenso, tan ilógico y tan injusto, que nos puede hacer tomar decisiones incorrectas. Para que una persona así pueda continuar su vida debe recrear en su interior un mundo de fantasía, puesto que su vida real no le satisface. El momento más importante en nuestras vidas es cuando nos curamos viejas heridas, creo, puesto que algo en nuestro interior ha cambiado y los malos pensamientos se han ido por fin. No hay rencor para nadie, sino solamente felicidad por lo que nos espera. No importa estar solo en ese momento, puesto que tenemos un nuevo camino que recorrer. Estoy convencida de que “Nell” y

“Contact”, siguen ese mismo camino.

- En su película de 1976 “The Little Girl Who Lives Down the Lane”, interpretó a una muchacha que debe asimilar la muerte de su padre, teniendo que esconder ese hecho para poder heredar su propiedad.

- Recuerdo este argumento como algo comercial, en apariencia una película de horror, pero no era así. Realmente yo me había olvidado de esa película, y la verdad es que es interesante y tiene puntos de similitud con “Nell” y “Contact”.

- Su padre se ha muerto, y el pueblo entero cree que está vivo, y ella continúa viviendo en esta casa como si él todavía estuviera vivo. Alguien viene para averiguar la historia real, y todo se precipita.

- ¿Usted no es un fan de las películas de ciencia-ficción, verdad?

- Debo admitir que nunca fui una gran entusiasta de la ciencia ficción o filmes de fantasía, a menos que hubiera una conexión humana real. Me han gustado especialmente “Altered States” y “The Andromeda Strain”, dos películas que eran más una historia de terror científica que una fantasía. Después están esas sobre los alienígenas, o los hombres verdes pequeños, que no siento mucha pasión por ellas. Me gusta todo aquello que tenga alguna conexión con el ser humano, y no tanto los filmes que abusan de los efectos especiales.

- ¿Usted estuvo con Carl Sagan los últimos días antes de su muerte, no?.

- Cierto. Dediqué muchas horas en Seattle a hablar con Carl Sagan y con su esposa (productora de “Contact”) Ana Druyan, hablando sobre el desarrollo de la película y los problemas de la dirección. Fue un inmenso placer para mí y yo esperaba que ella supiera que intento mejorar en el cine y que deseaba hacer una versión de la novela que honrase la visión original de Carl. Era sumamente tentador al saber que contaba con un buen argumento y con la colaboración de la NASA en cosas del espacio.

- Usted realizó un comentario sobre su compañero Tom Serrit, en cuanto a sus creencias religiosas.

- Bueno, el comentario era sobre su papel en la película, puesto que en un principio no me gustaba su actitud religiosa. Yo pensaba que un científico debe ser frío, no un beato, y que solamente debe creer en lo que ve y no en las fantasías mitológicas.

Luego me doy cuenta que los grandes descubrimientos científicos fueron hechos por personas que no admitían lo establecido y que tenían fuertes creencias religiosas. Hay un momento en la vida de las personas que deben asumir riesgos y no pasarse la vida agarrados a cosas que no le satisfacen. Creo que cuando las personas pasan de los cuarenta años es cuando empiezan a tener las cosas más claras y por eso sus nuevas aventuras son menos arriesgadas, más precisas.

- ¿Es difícil expresar las ideas propias?

- Muchísimo, puesto que la palabra no es como el pensamiento. En la película, ella tiene una idea, pero aunque lo ha intentado muchas veces no la puede explicar y siempre lo hace mal. Su idea no es mala, pero si no sabe expresarse se quedará en su mente y no servirá para nada. Es como si usted supiera que tiene que estar completamente solo para lograr encontrar el amor de su vida, cuando en realidad lo que desea es hacer algo que ayude a muchas personas. Después se da cuenta que no le interesa dedicar toda su vida a una persona y prefiere involucrarse en otras cosas que le hagan perfeccionarse como ser humano. En la película, ella no quiere seguir los pasos de todos los científicos, ni siquiera de los más populares, y está tan segura que en el espacio hay algo importante que no se conforma con menos.

- ¿Son las mujeres como usted las describe en la película?

- Ellie es una mujer que ha conseguido una buena posición en su vida profesional, pero en la realidad es, que en la vida profesional a las mujeres que destacan se las exige mucho. Son frecuentes las faltas de educación y en ocasiones no son aceptadas por sus compañeros. Es como si todavía existieran viejas heridas generacionales.

- “El pequeño Tate” habla sobre este tema y también hay dos mujeres, una que se mueve por el raciocinio y otra por el corazón. Desgraciadamente, en nuestra cultura, las mujeres han tenido que escoger entre los dos caminos, no pueden ejercer ambos.

Yo estoy esperando, por supuesto, que todos hayan cambiado ahora.

- En “Contact”, una de las cosas que consigue Ellie son solamente problemas, y se debe a que ella considera que debe representar a la humanidad en su viaje, como si estuviera dotada de algo especial.

- La razón para ello es que está convencida de que tiene la verdad, aunque ello la aturde y la ofusca. Ella no es política y no sabe cuándo decir la cosa correcta, ni cómo enmascarar la verdad. No está interesada en decir las cosas tal y como los demás quieren oír. De alguna manera ella es continuamente amable, aunque agresiva, y la gente que la rodea no la desean ayudar. Sabe que si logra ser algo más política encontrará más ayuda, pero no quiere ser falsa. Su opositor es mejor candidato para astronauta, puesto que sabe hablar con la prensa, no actúa como si tuviera en sus manos una misión trascendental y hasta puede cenar con sus enemigos sin tirarles la salsa de tomate en la cara. Yo me siento orgullosa de saber tanto sobre el feminismo como otras mujeres, y no me asusta decir que soy una feminista, pero al mismo tiempo, nuestro papel en la sociedad ha cambiado dramáticamente, porque nuestras tradiciones están cambiando. Hace años las teorías feministas encajaban, pero ahora están desfasadas porque la gente evoluciona y no se trata de luchar contra los varones.

“Lo cierto es que debe haber una razón por la cual yo estoy obsesionada por la

presencia paterna. Es tan interesante, especialmente cuando usted piensa en ambas

películas, y eso que ambas son completamente opuestas; "Contacto" no tiene nada que

ver con "Nell" y, sin embargo, para mí, son la misma cosa. Esta era una idea que tengo

desde muy joven, cuando se es abandonado por alguien, y el dolor es tan intenso, tan

ilógico, y tan injusto que no se puede encontrar una justificación para ello. Para que

usted pueda continuar su vida, es necesario recrear el mundo en una fantasía mágica o,

por el contrario, basarse en el refrán: 'Bien, si yo pudiera intentar algo más duro o

escucharlo, lo encontraría'. La historia dice que yo hice algo, y entonces él se marchó.

Para lograr después una curación emocional y un crecimiento espiritual, es necesario

aceptar el hecho, que las cosas han cambiado y que ha causa de ello se está sola. Las

dos historias, "Nell" y "Contacto", siguen ese mismo camino”.

Un día en el rodaje de “Maverick”

Un joven ayudante en la compañía del actor Mel Gibson, sale alborozado de las oficinas anunciando que efectivamente la película de Gibson con Foster comenzará a rodarse cerca del Lago Powell en Arizona, para la Warner Bros.

El jefe Bob Daly y Terry Semel terminarán pronto el rodaje de “Gulfstream” y viajarán en helicóptero hasta el cercano Jackass Canyon, donde esa película que ellos consideran será el gran suceso del verano, completará la séptima de sus quince semanas de rodaje. Uno de los empleados de Gibson no quiere que nadie permanezca mucho tiempo alejado de su familia, y probablemente usarán la flota de aviones a reacción de la Warner tan a menudo como los jefes necesiten.

Mel, Bob, y Terry están involucrados en una película muy seria, y tanto Semel como Daly participan como actor o director, con tal que Mel acceda a interpretar otra secuela de

“Arma Letal”, u otras ideas tan interesantes como “Maverick”. Teniendo como director a Richard Donner, a quien vimos en “Arma letal 3”, y también en “Maverick”, el sentimiento general es que todo parece un proyecto familiar.

Las perspectivas todavía se ponen mejores cuando uno de los ayudantes de Gibson dice que se cuenta con la colaboración del músico Randy Newman, quien tiene un buen historial como compositor para la Warner, aunque todavía se tienen que poner de acuerdo en el salario. Otro de los problemas es el exceso de trabajo de este compositor quien ha manifestado que podría aceptar el trabajo, pero lo tendría que hacer muy deprisa.

Newman aprovechó esa entrevista para mirar los escenarios naturales que existen en la gran bóveda que hay en el Glen Canyon Dam, la cual proporciona sonidos increíbles y numeroso eco cuando pasan los carros de caballos.

Durante un paseo de 30 millas a través del desierto de este país, que en parte fue efectuado por los mismos senderos que siguieron los pioneros mormones, se llega a la margen del Río Colorado y a una zona norte del Gran Cañón. El productor de Maverick prefirió no rodar en estos territorios tan familiares para los norteamericanos, evitando igualmente el telón natural que aporta el Valle Monumental occidental, prefiriendo los terrenos del Jackass Canyon que son menos escarpados y más llanos.

Hay polvo por todas partes, y como los caballos del carro de mudanzas levantan mucho polvo han tenido que emplear diligencias más adecuadas. Donner ha ordenado efectuar las modificaciones adecuadas y emplea accesorios de plástico en las herraduras de los caballos y diligencias montadas en un remolque de Shotmaker.

Sólo momentáneamente distraídos por la vista de un Gibson descamisado que circula a gran velocidad por el campamento polvoriento hasta llegar a su remolque, los recién llegados llegaron hasta el lugar adecuado siguiendo a Donner. En esos días, el veterano director es la personificación virtual del vigor, a pesar de las batallas ocasionales contra el dolor, producido por una piedra que se mueve en su riñón intentando salir. Con frecuencia termina su trabajo diario sumamente exhausto, mientras que trata de arreglarse su rizado pelo con las manos y su ropa parece comprada en un catálogo de venta por correo.

Donner tiene una mueca torcida casi constantemente, pero aunque en otro momento conseguía deslumbrar con ella, ahora la adorna con una mirada amenazante, mientras que su voz se torna ronca cada vez que alguien se equivoca y prolonga el rodaje. Con el fin de no intimidar, cuenta frecuentes chistes que comparte con su tripulación fiel y cualquier otro que esté en el radio de acción de su voz, la cual se oye con bastante claridad en ese lugar desértico.

Frescos como una lechuga silvestre, los actores jóvenes caminan ahora (vestidos con pantalones vaqueros sumamente informales) y se saludan brevemente. “Vamos a rodar esa escena con Mel”, dice Donner a su equipo mientras montan la cámara en la parte trasera del camión Shotmaker, al mismo tiempo que recomienda a Mel que no vista demasiado afeminado.

Su manera de dar órdenes pasa fácilmente de la burla al chiste, como cuando advierte a la persona que maneja la jirafa del micrófono, a quien él llama insistentemente Billy, que se oyen ruidos extraños y que el micrófono proyecta una sombra visible. Cuando alguien le dice que ese hombre no se llama Billy, Donner se pone rabioso y sigue llamándole igual.

Esta es una lista de las frases que mejor recuerdo de ese día de rodaje efectuadas por Richard Donner:

1. ¡Este es el equipo de rodaje más lento con el que he trabajado en mi vida!

2. No tengo ningún interés en que me cuente su vida.

3. ¿Por qué mira usted la hora? ¿Es acaso el productor?

4. ¡Vamos, más fuerza!. ¿Por qué demonios no estamos rodando ya?

5. ¿Quién maneja la cámara principal?

6. ¿Nadie sabe leer? Quiero que me digan los nombres.

7. ¡Te daría un puntapié, asno!

8. ¡Mueve la cadera, mueve la cadera...! ¡¡Qué muevas la cadera!!

Jim Van Wyck, el productor ejecutivo, así como el primer director auxiliar, son los implacables compañeros de Donner, y quienes le tienen a punto todas las respuestas.

Cualquier excusa o divagación, como “no estoy seguro si debemos poner ahí la cámara”, es respondida con una amonestación, y en ocasiones dos seguidas. Su forma de hacerse entender es compleja y abarca desde dar golpes con los pies, tararear una canción desconocida o decir simplemente, “¿uh?”. Cuando dice esto último todo su equipo sabe que hay que moverse muy deprisa, pero cuando escuchan decirle “Ohhhhh”, le verán gemir intensamente porque se empleó una lente incorrecta o la luz se ajustó demasiado despacio. “¡Usted debe estar siempre preparado!. ¡Si desea horas extraordinarias simplemente tómeselas!”.

Gibson, es la más taquillera de las estrellas de la película, y por ese motivo fue contratado por Donner. Parece inmune a los insultos del director porque casi nunca le contesta, marchándose justo a tiempo de que el director explote por algún error. En este momento del rodaje le vemos vestido con las botas, sombrero negro, y una chaqueta larga de trabajo, llegando justo a tiempo para ser cubierto con polvo de imitación, aunque lo sopla por considerarlo excesivo. “¿No estoy ya lo bastante sucio?”, pregunta al director, quien le responde sin vacilar, “Todavía, no”.

Está claro que Gibson sólo ha sido feliz ayudando en el guión de William Goldman, junto con su afición por improvisar. “Creo que mi personaje es un poco imprevisible”, dice Mel sobre Bret Maverick, y para confirmarlo improvisa varios diálogos dentro y fuera de las cámaras sin hacer ninguna pausa. Como las prisas por terminar el rodaje bajo las órdenes de Donner no admiten discusión, Mel saluda a los guardabosques del parque nacional con suma amabilidad, en especial a la señorita Sandie Hand, para pedir que no se muevan hasta que el director se lo indique.

Mic Rodgers, el coordinador de las escenas peligrosas, quien ha doblado a Gibson en sus últimas escenas, da unos pasos para informarle de los siguientes movimientos.

Gibson debe disparar sin que su pelo acuse los disparos y debe salir de la diligencia mientras corre veloz (con Jodie Foster y James Garner dentro.) Después tiene que subir donde se encuentra el conductor muerto, ir hasta donde está el yugo que sujeta a los caballos para frenarles y, finalmente, resbalar, no caerse y detener la diligencia justo detrás de la cabaña, donde le esperan impacientes el equipo de rodaje con la cámara funcionando sin parar.

Mientras Gibson trata de mantenerse encima de una tabla rectangular, la cámara deberá mostrarle totalmente sucio y sudoroso. Rodgers tiene al actor sujeto con una cuerda alrededor de la cintura, y está esperando al otro lado del coche por si un error le hace caer al suelo y ser aplastado por una de las ruedas. Pero esta diligencia es un trasto viejo que sacude a sus viajeros y les proporciona toda la suciedad que pueden asimilar.

¿'Todo el mundo es feliz durante el rodaje?. Indudablemente los únicos que están verdaderamente preocupados son los ejecutivos de la Warner, preocupados por los millones que cuesta la película, especialmente las escenas de la diligencia.

En las escenas peligrosas hay siempre una pugna ególatra por atribuirse el mérito cuando todo sale bien, en la que están involucrados el director, los actores y los especialistas.

Como la cámara suele rodar más lentamente que los 24 fotogramas usuales por segundo, lo que producirá una acción más rápida al visionarse, Gibson retarda sus movimientos deliberadamente, evitando así los accidentes.

“He tenido que bajar los fotogramas a doce”, dice Donner presumiendo de su actor Gibson ante los especialistas. El director está ya cómicamente polvoriento, con el dedo de su bota derecha luciendo a través de su bota, mientras activa el ''on" del botón del megáfono que sostiene para que todos puedan escuchar su voz enferma. Una chica de producción propone beber algo de agua embotellada y Donner dice presuroso: “Deme una entera, quiero lavar la arena roja que tengo en mis intestinos”.

Los casi 30 miembros del equipo, más los muchos visitantes, están llenos de suciedad, alejados casi una milla del confortable campamento, una escena que nos recuerda a las películas de John Wayne y Alan Ladd.

FILMOGRAFÍA

NAPOLEÓN Y SAMANTHA

Napoleon and Samantha (1972)

US

Aventuras

92 minutos

Color

Productor: Winston Hibler

Director: Bernard McEveety

Guión: Stewart Raffill

Fotografía: Monroe Askins

Compositor: Buddy Baker

Vestuario: Chuck Keehne y Emily Sundby

Intérpretes:

MICHAEL DOUGLAS: Danny

WILL GEER: Grandpa

ARCH JOHNSON: Jefe de policia

JOHNNY WHITAKER: Napoleón Wilson

JODIE FOSTER: Samantha

HENRY JONES: Mr. Gutteridge

JOHN CRAWFORD: Sargento

Un cuento de Disney sobre dos niños que se van lejos con su querido león. Una correcta película para la familia que solamente podemos ver en televisión por satélite y que supuso el debut para la joven Jodie Foster en el cine. Un pequeño accidente con el león alejó a Jodie algunos días de su trabajo.

Premios:

Nominada a la mejor música 1972: Buddy Baker

KANSAS CITY BOMBER

Kansas City Bomber (1972)

US

Deportes

99 minutos

Color

Director: Jerrold Freedman

Intérpretes:

RAQUEL WELCH

KEVIN McCARTHY

NORMAN ALDEN

JEANNE COOPER

JODIE FOSTER

Una vez que usted haya visto los primeros cinco minutos de película, considere que eso es todo y puede salir ya del cine, aunque antes pruebe suerte en taquilla por si le devuelven el dinero. No obstante, si es un fan de Raquel Welch disfrutará con ella y sus colegas femeninos, continuamente perseguidos por un patrón ansioso de carne desnuda. Cualquier diálogo cómico no es voluntario, pero los hay.

ONE LITTLE INDIAN

One Little Indian (1973)

US

Western

90 minutos

Color

Productor: Winston Hibler

Director: Bernard McEveety

Guión: Harry Spalding

Fotografía: Charles F. Wheeler

Compositor: Jerry Goldsmith

Vestuario: Chuck Keehne y Emily Sundby

Intérpretes:

JAMES GARNER: Clint Keyes

VERA MILES: Doris

PAT HINGLE: Capitán Stewart

MORGAN WOODWARD: Sargento Raines

JOHN DOUCETTE: Sargento Waller

CLAY O´BRIEN: Mark

JODIE FOSTER: Martha

Garner es un guapo y severo oficial de caballería que anda a través del desierto en busca de un muchacho indio y un camello. Aunque se trata de una comedia de Walt Disney, el espectador también encontrará momentos dramáticos.

LAS AVENTURAS DE TOM SAWYER

Tom Sawyer (1973)

US

Musical/Aventuras

104 minutos

Color

Panavision

Productor: Arthur P. Jacobs

Director: Don Taylor

Guión: Robert B. Sherman y Richard M. Sherman

Basado en las aventuras de Tom Sawyer por: Mark Twain

Fotografía: Frank Stanley

Director musical: John Williams

Compositor: Richard M. Sherman y Robert B. Sherman

Coreografía: Danny Daniels

Vestuario: Donfeld

Intérpretes:

JOHNNIE WHITAKER: Tom Sawyer

CELESTE HOLM: Tía Polly

WARREN OATES: Muff Potter

JEFF EAST: Huckleberry Finn

JODIE FOSTER: Becky Thatcher

LUCILLE BENSON: Widow Douglas

HENRY JONES: Mister Dobbins

Aunque se trata de un remake en versión musical realizado con sumo acierto, estas aventuras de Tom Sawyer, junto a Hannibal, Mo., y sus amigos Huckleberry y Becky Thatcher, no tuvieron el éxito en taquilla que se merecía. Buenas canciones de Richard M. y Robert B. Sherman.

Premios:

Nominada a la mejor dirección artística 1973: Philip Jefferies y Robert de Vestel Nominada al mejor vestuario 1973: Donfeld

Nominada a la mejor música: Original y/o adaptación 1973: Richard M. Sherman, Robert B. Sherman y John Williams

ALICIA YA NO VIVE AQUÍ

Alice Doesn't Live Here Anymore (1974)

US

Drama/Comedia

113 minutos

Color

Productor: David Susskind y Audrey Maas

Director: Martin Scorsese

Guión: Robert Getchell

Fotografía: Kent Wakeford

Compositor: Richard LaSalle

Intérpretes:

ELLEN BURSTYN: Alice Hyatt

KRIS KRISTOFFERSON: David

ALFRED LUTTER: Tommy Hyatt

BILLY GREEN BUSH: Donald Hyatt

LELIA GOLDONI: Neighbor Bea

JODIE FOSTER: Audrey

“Alicia ya no vive aquí” de Martin Scorsese,

comienza con una parodia sobre ese mundo de ensueño que es Hollywood, donde se espera que la gente que llega allí triunfe, aunque su capacidad intelectual esté bajo mínimos. La escena comienza con un ocaso falso, y una niña pequeña y dulce que se pasea a lo largo de la casa jugando, algo que nos recuerda demasiado a “El mago de Oz”. Pero sus sueños y diálogos decididamente no son como los de Dorothy y pronto nos damos cuenta que esa niña va a realizar las cosas de manera distinta.

Esa secuencia nos muestra cuando la niña era pequeña, pero ahora ella tiene treinta y cinco años, sabemos que se llama Alice Hyatt y que ha conseguido entrar ya en los ritmos monótonos de la sociedad. Se ha casado con un camionero poco comunicativo, tiene un hijo de doce años, y suele matar el tiempo en charlar con los vecinos. Entonces su marido se mata inesperadamente en un accidente de tráfico y ella se queda viuda, algo mucho peor que ser independiente. ¿Puede sobrevivir Alicia después de tantos años teniendo un marido en casa que la solucionaba todo, hasta sus ataques de histeria?.

Alicia dice que es capaz, puesto que cuando era pequeña idolatraba a Alice Faye, una cantante a la que quería imitar de mayor. Bueno, ahora con sus treinta y cinco años ya es adulta y puede tomar determinaciones drásticas. Pone su garaje en venta, vende la casa, y se marcha a través del Sudoeste con su hijo y sus sueños. Lo que pasa por el camino le proporciona mucha experiencia en la vida, en muchas ocasiones son anécdotas cómicas y con más frecuencia sumamente dolorosos.

La película es obviamente un alegato feminista y trata de demostrar que ellas pueden defender bien sus tierras, tener una ideología concreta, y encontrar simultáneamente trabajo y romance. Hay escenas en las que nosotros tomamos a Alice y su trabajo absolutamente en serio, otras en las que la realidad es cruda y también en algunas en donde vemos que Scorsese trata de aportarnos un poco de alegría desbordada.

Los mejores momentos, sin embargo, son cuando la película se centra menos en Alice y nos muestra las especulaciones y ensueños de muchas mujeres de su edad que se identifican con la liberación de otras mujeres, pero no abandonan la seguridad al lado de los hombres.

Una película así depende tanto de los actores como del director, y vemos una buena actuación de Ellen Burstyn (quién ganó un Oscar por este papel) como Alice. Ella está más adecuada en este trabajo que cuando la vimos como Cybill en “La última película”, o como la madre atormentada de Linda Blair en “El exorcista”. Es el tipo de papel en el cual ella puede relajarse, ser honrada consigo misma, y demostrar que trabajando con naturalidad está en su elemento. Alice está decidida a encontrar trabajo como cantante, algo con lo cual soñaba desde pequeña, y aunque insiste en ello lo cierto es que no es suficientemente buena.

En su camino se encuentra algunas buenas personas, y recibe todo tipo de ayuda. También encuentra a personas indeseables que la engañan, sobre todo un tipo aparentemente bueno llamado Ben (interpretado por Harvey Keitel, el héroe autobiográfico de las dos películas que Scorsese realizó en Italia.) Su trabajo como cantante no proporciona buenos resultados, y justo en ese momento se encuentra con un joven granjero divorciado (Kris Kristofferson.)

Por supuesto se enamoran cautelosamente, y vemos una relación interesante entre Kristofferson y Alfred Lutter quien hace un estupendo trabajo como un niño de doce años.

La mayoría de las mujeres en la posición de Alice probablemente no correrían ningún riesgo con un desconocido, ni siquiera con un joven y guapo granjero, pero entonces muchas de las cosas en esta película no funcionarían tampoco. Hay un poco de mito en ese amor intenso, pero Scorsese sale airoso de esa trampa.

La película contiene una gran cantidad de escenas individuales brillantemente realizadas.

Por ejemplo, Alice mantiene un diálogo muy acertado con una camarera (Diane Ladd, candidata al Oscar por este papel.) Ellas entablan una gran amistad y mantienen una conversación franca y honrada un día mientras toman el sol. La escena es perfecta. Hay también otras buenas secuencias como cuando su primer patrón se vuelve atrás en lo de ofrecerle un trabajo como cantante; en la manera en que Alice habla con sus antiguos vecinos, y el modo en que su hijo insiste en explicar un chiste que solamente puede hacer gracia a un niño de doce años. Éstos son grandes momentos en una película que nos habla de Alice Hyatt: una mujer de treinta y cinco años.

Premios:

Oscar a la mejor actriz 1974: Ellen Burstyn

Nominada a la mejor actriz secundaria 1974: Diane Ladd Nominada al mejor guión 1974: Robert Getchell

SMILE, JENNY, YOU'RE DEAD (1974)

US

100 minutos

Color

Director

Jerry Thorpe

Intérpretes:

DAVID JANSSEN

JOHN ANDERSON

HOWARD DA SILVA

JODIE FOSTER

ANDREA MARCOVICCI

Nuestro eterno amigo “El fugitivo” (David Janssen), se encuentra metido en un misterio sumamente elaborado en el cual interpreta a un detective privado que investiga el asesinato del yerno de un amigo y termina enamorándose de su hija, la primera sospechosa.

BUGSY MALONE, NIETO DE AL CAPONE

UK

93 minutos

Color

Productor: Alan Marshall

Director: Alan Parker

Guión: Alan Parker

Fotografía: Michael Seresin y Peter Biziou

Compositor: Paul Williams

Coreografía: Gillian Gregory

Vestuario: Monica Howe

Intérpretes:

SCOTT BAIO: Bugsy Malone

JODIE FOSTER: Tallulah

FLORRIE DUGGER: Blousey

JOHN CASSISI: Fat Sam

PAUL MURPHY: Leroy

MICHAEL JACKSON: Razamataz

Al principio la historia es alarmante: una película de gángsters protagonizada por niños.

Cuando nosotros sabemos que ese Bugsy Malone no forma parte de una película de niños, salvo por el hecho de que salen niños, nos relajamos. La pregunta puede ser: entonces ¿qué están haciendo los niños en algo así?. La explicación llega de inmediato y desde ese momento “Bugsy Malone” nos gusta más.

Hay una historia original, ciertamente encantadora, y en ella Jodie Foster tiene una buena actuación, quien con sus trece años ya estaba consiguiendo los papeles que otras actrices adultas no pudieron hacer porque estaban escritas para adolescentes. Ella interpreta a su manera a una cantante de una sala de fiestas y logra encantar a los asistentes cantando una canción de Paul Williams con tanto estilo como Rita Hayworth tenía en “Gilda”. Ella empieza suavemente, mirando al público, arqueando las cejas a los peces gordos (todos de su misma edad) y, en general, se encuentra increíblemente segura. Su actuación parece lo mejor de la película y casi podríamos afirmar que “Bugsy Malone” casi depende totalmente de ella, puesto que al tratarse de adolescentes cualquier fallo puede ser catastrófico, lo que no ocurre aquí, gracias esencialmente a Jodie Foster.

La historia nos habla de un gángster que nosotros le conocemos casi de memoria, y de una banda de maleantes que quieren tomar el territorio. Da Boss (un niño llamado John Cassisi que lleva un clavel en la solapa), recluta a matones a sueldo para que le ayuden a proteger su terreno. Bugsy Malone (Scott Baio entrenando por John Garfield), es el tipo duro a quien todos temen, aunque posiblemente no pueda proporcionar mucha ayuda, puesto que necesita una nueva arma.

En la película de Bugsy, no hay ametralladoras y en su lugar existen muchos dulces. Por eso las peleas terminan frecuentemente con tartas en la cara y huevos crudos estallados en la nariz. Hay quien tiene armas anticuadas, como los pasteles de flan, pero son inútiles en esas peleas.

Cuando la película ya llevaba una hora, yo me pregunté cómo es posible que alguien pusiera esta historia delante de una productora y que otro alguien la aceptase. Alan Parker la escribió y dirigió, quizá porque hacía poco que había visto “El Padrino” y quería hacer una versión para niños.

Cuando los niños juegan, la película es totalmente sincera. Esa es una de las muchas cosas que perdemos cuando nos hacemos adultos, además de nuestra habilidad para convertir un patio trastero en un pueblo del western americano. Los niños en “Bugsy Malone” no se comportan como si tuvieran que imitar a los adultos, pues si lo hicieran caerían en el ridículo y la película sería indigna. Con todo, la película funciona como un clásico del cine de gángsters, aunque con cierta inocencia infantil.

ECOS DE UN VERANO

Echoes of a Summer/ The Last Castle (1976)

US

Drama

99 minutos

Color

Director: Don Taylor

Intérpretes:

RICHARD HARRIS

LOIS NETTLETON

JODIE FOSTER

GERADINE FITZGERALD

WILLIAM WINDOM

BRAD SAVAGE

Foster es ahora una niña de doce años que padece una enfermedad incurable y, por tanto, tiene apesadumbrado a su padre. Ella conoce en la playa a un niño de ocho años y desde ese día las cosas cambian, mitigando así un poco la abundancia de lágrimas. Correcta la actuación de Jodie Foster y algo menos la de Harris con su larga melena al viento.

LA MUCHACHA DEL SENDERO

The Little girl who lives down the lane (1976)

Canadá

Thriller

Panavision

94 minutos

Color

Productor: Zev Braun

Director: Nicolas Gessner

Guión: Laird Koenig

Basado en la novela de: Koenig

Fotografía: Rene Verzier

Director musical: Mort Shuman

Compositor: Christian Gaubert

Vestuario: Denis Sperdouklis y Valentino

Intérpretes:

JODIE FOSTER: Rynn Jacobs

MARTIN SHEEN: Frank Hallet

ALEXIS SMITH: Señora Hallet

MORT SHUMAN: Officer Miglioriti

SCOTT JACOBY: Mario Podesta

CLESSON GOODHUE: Bank Manager

Una historia compleja de misterio, en donde nuestra amiga Foster es una muchacha que apenas logra ver a su padre en casa, puesto que se dedica a cosas extrañas. También realiza frecuentes visitas al misterioso sótano de su casa, en el cual se esconde un gran secreto.

Mediocre actuación de Charlie Sheen y aceptable la de Foster.

"La Muchacha del sendero", habla de una muchacha joven e inteligente que de repente tiene que asumir la muerte de su padre, pero debe esconder ese hecho para poder heredar su propiedad. La película fue comercializada publicitariamente como una historia de terror, pero no lo era. Su padre ha muerto, y el pueblo entero cree que todavía está vivo, y ella continúa viviendo en esta casa como si realmente estuviera vivo. Cuando alguien quiere averiguar la historia real, todo se complica.

TAXI DRIVER (1976)

US

Drama

113 minutos

Color

Productor: Michael Phillips y Julia Phillips

Director: Martin Scorsese

Guión: Paul Schrader

Fotografía: Michael Chapman

Director musical: Dave Blume y Bernard Herrmann

Compositor: Bernard Herrmann

Efectos especiales: Dick Smith y Tony Parmalee

Vestuario: Ruth Morley

Intérpretes:

ROBERT DE NIRO: Travis Bickle

CYBILL SHEPHERD: Betsy

JODIE FOSTER: Iris Steensman

PETER BOYLE: Brujo

HARVEY KEITEL: Sport

LEONARD HARRIS: Charles Palantine

MARTIN SCORSESE: Pasajero

Taxi Driver no debe tomarse como una película de Nueva York, puesto que podría estar ambientada en cualquier ciudad. La historia es sobre el alma de un hombre, y la ciudad solamente le sirve para que pueda expresarse y reforzar sus obsesiones. El hombre se llama Travis Bickle (De Niro), y es un ex-marine, veterano de Vietnam, compositor de agradables misivas anuales para sus padres, taxista, y asesino.

La película apenas se aparta, por tanto, de este hombre, concediendo muy poca importancia a la ciudad.

Nuestro protagonista vive rodeado de mujeres guapas a las que no puede acceder. Son unas rubias que ni siquiera le encuentran atractivo, salvo para tomar una fugaz taza de café, aunque en el futuro quizá empiecen a suspirar por él y le llamen con pasión. Todo esto hace que Travis se esté volviendo loco, especialmente cuando mira a su alrededor y ve que hombres con menos valía personal que él, pero con más dinero, tienen a su alcance todas esa guapas mujeres que desea. De una manera cruel, la vida le demuestra que si quiere tener a su lado una mujer guapa deberá tener mucho dinero, puesto que eso abre cualquier puerta.

Travis puede viajar por cualquier parte de la ciudad, pero por algún motivo siempre lo hace alrededor de la calle 42, cerca de Times Square y las prostitutas, junto con los delincuentes callejeros, y las casas de sexo. Allí cualquier persona con dinero puede comprar sexo duro, blando o porno, por feo y desagradable que sea, ya que siempre encontrará la sonrisa de una chica.

Travis no quiero eso, lo odia, pero Times Square no es el mejor sitio para calmar su enojo.

Su frustración sexual termina convirtiéndose en un odio profundo que le arrastra obsesivamente. Intenta romper el círculo, pero todo le lleva a un nuevo fracaso. Ese día, conoce a una guapa chica que trabaja en la oficina de un candidato a la presidencia, muy liberal con los pobres. Sale con ella un par de veces, pero la segunda vez Travis la lleva a ver una película muy desagradable y ella sale tan disgustada que decide no salir nunca más con él, como responsabilizándole de la historia y los actores.

Impasible al desaliento, él la llama otro día, y en ese momento es cuando la película comienza a complicarse. El director, Martin Scorsese, nos proporciona entonces una buena escena con Travis en un teléfono, la muchacha bajando, mientras que la cámara se mueve despacio a la derecha y mira hacia abajo a un vestíbulo largo, vacío.

La escena para Scorsese supone lo mejor de la película, pero a nosotros no nos parece nada importante. La idea es que a través de esa escena deberíamos comprender todo el dolor de Travis al ser rechazado, aunque bastaría que se hubiera puesto a llorar, simplemente. Aún así, es interesante, porque después, cuando Travis consigue alborozado un éxito, la cámara va hasta allí con un movimiento lento para que podamos ver el horror con todo detalle.

Para Scorsese, el rechazo amoroso es más doloroso que los asesinatos más crueles, puesto que según su criterio así se puede explicar mejor la violencia urbana. Travis ha estado marginado tan sistemáticamente de los placeres del amor, tan a menudo, que empezamos a comprender que esté harto y haya decidido empezar a reaccionar, aunque sea negativamente.

Taxi Driver es una pesadilla inteligente y como todas las pesadillas no nos dice la mitad de lo que nosotros queremos saber. No nos explica de dónde viene Travis, cuáles son sus problemas específicos ni cómo se hizo esa cicatriz en Vietnam, pero nos muestra un retrato de algunos días de su vida. Hay un momento, con una reunión política, cuando Travis, con gafas oscuras, nos sonríe de manera extraña y nos recuerda ciertas películas antiguas del cine en blanco y negro. La escena no nos dice nada, o quizá es que lo explica todo: nosotros no sabemos los detalles específicos de la amargura de Travis, pero lo que sí necesitamos es llegar a conocerlo cuanto antes para mirar la película con interés.

La película es una obra maestra en cuanto al estudio de los personajes. El estilo de Scorsese selecciona todos los detalles que evocan emociones, y eso, que para muchos es un defecto, él lo convierte en arte. Tampoco nos muestra paso a paso su historia, sino que prefiere hacerlo bruscamente, en secuencias que nos saquen del aturdimiento y que nos haga entender el argumento en pocos segundos. Es como si las emociones de la historia se encontrasen resumidas en los márgenes del libro.

El papel de Robert De Niro, como Travis Bickle, es tan bueno como cuando Marlon Brando nos obliga a pensar sobre su personaje, en lugar de asistir pasivamente a la película. Por eso es importante estar muy atentos a la pantalla, puesto que las escenas reveladoras son muy cortas, esquemáticas.

Cybill Shepherd, como la diosa rubia, está correcta en su papel, por una vez, como un glaciar que retrocede despacio hacia una persona más humana. También está Jodie Foster, en un papel horripilante como una prostituta de doce años a quien Travis quiere redimir.

Harvey Keitel, un veterano de todas las películas de Scorsese (le vimos como el maníaco violento en “Alicia ya no vive aquí”), es ahora el alcahuete que la controla, y aporta el tipo correcto de dureza clásico en un fanfarrón.

Todos los personajes se ven como envueltos en llamas, como si la oscuridad les amenazara con envolverles y quitarles de nuestra vista. Taxi Driver es un infierno, con unas escenas de apertura rodadas desde un taxi que surge de nubes de vapor a gran ganancia, en una escena culminante en la cual la cámara desciende recta hacia abajo. Scorsese nunca pretendió que nosotros rechazáramos a Travis, pero nos alegramos de no tener que vivir su vida, puesto que solamente le vemos sufrir.

Hay una escena en la cual Travis pregunta si se dirige a él, algo obvio puesto que no hay nadie más, y eso puede explicar toda la película de Scorsese. Travis Bickle es un personaje con una necesidad desesperada de hacer algún tipo de contacto con la gente, especialmente con las mujeres, pero no encuentra quién quiera participar en su entusiasmo.

La película puede verse como una serie de sus esfuerzos fallidos por conectar, cada uno de ellos desesperadamente mal efectuados. Bickle (Robert De Niro) invita a salir a una muchacha un día, y para alegrarla la vida la lleva a ver una película porno. Estaba convencido que a las mujeres les gustaba el sexo, pero ella le dice que hubiera preferido una película de Marlon Brando. También hace amistad con un candidato político, pero termina alarmándole. Intenta charlar con un agente del Servicio de Inteligencia y le confunden con un terrorista. Quiere ayudar al hijo de una prostituta, pero termina asustándola. Está tan solo que cuando él pregunta: “¿Con quién estoy hablando?”, lo hace al espejo.

Esta soledad absoluta está en el centro de “Taxi Driver”, una de las mejores y más poderosa de todas las películas, quizá porque hay multitud de personas a nuestro alrededor que conectan directamente con los problemas de Travis Bickle, aunque en la película aparece como un héroe. Nosotros comprendemos lo que le pasa y cualquiera desearíamos hablar con él y ayudarle a tener amigos, en lugar de criticarle por no tenerlos.

Esta película rodada en 1976 está ahora totalmente restaurada, con una nueva banda sonora en estéreo de Bernard Herrmann, por lo que sigue siendo una película totalmente actual. Es también un filme que se puede ver varias veces sin aburrir y en cada nuevo pase encontraremos un detalle más que nos habla de la soledad de Travis, su alienación, desventura, y enojo.

Hay quien menciona que la idea central de “Taxi Driver”, sobre hombres que quieren rescatar de la vulgaridad a mujeres que en realidad no lo desean, ha sido llevada al cine en numerosas ocasiones, pero nunca con la crudeza ni la exactitud que ahora.

“Taxi Driver”, es la historia de Travis Bickle, un veterano de guerra, muy marcado en su alma y en su cuerpo, como lo demuestra con su cicatriz de Vietnam. Él encuentra a una joven prostituta de 12 años llamada Iris (Jodie Foster), controlada por un alcahuete llamado Sport (Harvey Keitel), quien usa una venda para cubrir su cabeza. Travis decide que debe "rescatar" a Iris, y para ello debe realizar un baño de sangre, algo que ya es habitual en las películas de Scorsese. Una carta y recortes del álbum paterno de Iris, le explican que ellos están agradecidos por salvar a la chica. Pero una escena anterior entre Iris y Sport sugiere que ella estaba satisfecha de llevar esa vida de prostitución, aunque nadie nos explica las razones que la llevaron a marcharse de casa.

El mensaje enterrado en esta película es que un hombre alienado, incapaz para establecer relaciones normales, se vuelve un solitario y un vagabundo, y para dar sentido a su vida se asigna la misión de rescatar a una muchacha inocente de una vida que ofende sus prejuicios. En “Taxi Driver”, esta historia central se muestra rodeada por otras menores, aunque todas forman parte del mismo edificio argumental.

La historia tiene lugar durante una campaña política, y Travis tiene dos encuentros con el candidato, Palatine, en su taxi. La primera vez, el candidato está con una prostituta, y la segunda, con los ayudantes de la campaña. Travis logra, en el segundo encuentro, algunos momentos de lisonja que le hacen feliz pero todo acaba fugazmente.

Enseguida, Travis intenta “liberar” a uno de los ejecutivos de la campaña de Palatine, Betsy, una rubia a quien él ha idealizado (Cybill Shepherd.) Pero todo le sale mal cuando la lleva a ver una película porno. Y entonces, después del ensayo que hace delante del espejo, se convierte en un arsenal ambulante y decide asesinar a Palatine. Las escenas con Palatine están realizadas para dar un buen final a la película.

Travis tiene una conversación amistosa con Betsy e Iris en una cafetería, y aunque inicialmente desiste de realizar el asesinato, vuelve posteriormente a su propósito aunque las cosas no salen como él desea. En lugar de matar a Palantine, dispara a Sport.

Hay momentos en la película en donde usted puede darse cuenta de lo fácil que resulta matar a una persona. También vemos lo sencillo que resulta establecer contacto con un narcotraficante, y especialmente sus sentimientos dispersos en cuanto al sexo se refiere, puesto que aunque vive en un mundo de pornografía, ese modo de ejercer la sexualidad no le gusta. Su odio hacia la ciudad, habitada por lo que él considera escoria, y su predilección por trabajar de noche, unido a la buena fotografía de Michael Chapman, hacen que ese taxi amarillo de Travis se nos muestre como un personaje imprescindible.

Cuando sale bruscamente humo por su tubo de escape y salpica los charcos de agua hacia ambos lados de la calzada, nos parece estar viendo a una persona con alma.

¿Cuál es el propósito de una película como “Taxi Driver”?. Simplemente no es un retrato habitual de un hombre violento, enfermo de soledad en un mundo repugnante. Semejante retrato es correcto, pero no es solamente eso. Poco a poco nos metemos dentro de la mente de una persona alienada que podría haber formado parte de esos hombres oscuros que cambiaron el curso de la historia, como Oswald, el asesino de John Kennedy. Nos ayuda a entender a estas criaturas que surgen, de vez en cuando, con armas en sus manos, dando sentido y popularidad a sus vidas mediante un crimen. Más que un delincuente o un enfermo, Travis es simplemente un hombre, pero tan importante como los que son felices o los que tienen dinero.

Premios:

Nominada a la mejor película 1976: Michael Phillips y Julia Phillips Nominada al mejor actor 1976: Robert De Niro

Nominada a la mejor actriz secundaria 1976: Jodie Foster Nominada a la mejor música 1976: Bernard Herrmann

EL SECRETO DEL CASTILLO

Candleshoe (1977)

US

Comedia para niños

101 minutos

Color

Productor: Ron Miller

Director: Norman Tokar

Guión: David Swift y Rosemary Anne Sisson

Basado en la novela “Christmas at Candleshoe” de: Michael Innes Fotografía: Paul Beeson

Compositor: Ron Goodwin

Vestuario: Julie Harris

Intérpretes:

DAVID NIVEN: Priory

HELEN HAYES: Lady St. Edmund

JODIE FOSTER: Casey

LEO McKERN: Bundage

VIVIAN PICKLES: Grimsworthy

VERONICA QUILLIGAN: Cluny

IAN SHARROCK: Peter

Historia infantil de fantasmas, en la

cual nos hablan de Bundage (McKern), un hombre que intenta marginar a una chica huérfana llamada Casey (Foster), quien en unión a Hayes trata de localizar un tesoro familiar oculto en el castillo. Esta sencilla trama argumental da origen a una comedia de Disney filmada en Inglaterra, que es un puro entretenimiento para los niños. Buena actuación de David Niven como el mayordomo que finge estar abrumado ante los acontecimientos.

Esta película en la versión videográfica española se tituló “ El secreto del castillo”.

UN VIERNES LOCO

Freaky Friday (1977)

US

Comedia

95 minutos

Color

Productor: Ron Miller

Director: Gary Nelson

Guión: Mary Rodgers

Basado en su propio libro

Fotografía: Charles F. Wheeler

Compositor: Johnny Mandel

Efectos especiales: Eustace Lycett, Danny Lee y Art Cruickshank Vestuario: Chuck Keehne y Evelyn Kennedy

Intérpretes:

BARBARA HARRIS: Ellen Andrews

JODIE FOSTER: Annabel Andrews

JOHN ASTIN: Bill Andrews

PATSY KELLY: Señores Schmauss

VICKI SCHRECK: Virginia

DICK VAN PATTEN: Harold Jennings

SORRELL BOOKE: Señor Dilk

ALAN OPPENHEIMER: Señor Joffert

Harris y Foster brillan mágicamente como madre e hija, dos personalidades similares, en esta producción para la Disney en la cual asistimos a una de sus mejores interpretaciones, aunque el guión de Mary Rodgers se encarga de apagar este buen trabajo. Basada en

“Viceversa” (1948), y copiada posteriormente en diferentes comedias de Hollywood, como

“De tal palo tal astilla” y la nueva versión de “Viceversa”, hemos podido ver esta versión solamente en el mercado del vídeo.

LA CASETA DE LA RISA

Il Casotto (1977)

Director: Sergio City

(Sin más datos)

YO, FLOR AZUL

Moi, Fleur Bleue/Stop Calling me Baby (1977)

Director: Eric Le Hung

Intérpretes:

JODIE FOSTER

JEAN YANNE

BERNARD GIRADEAU

(Sin más datos)

LAS PELÍCULAS SON MI VIDA

Movies are my life (1978)

Director: Peter Haydon

(Sin más datos)

CARNY (1980)

US

Drama

107 minutos

Color

Productor: Robbie Robertson

Director: Robert Kaylor

Guión: Thomas Baum

Basado en la historia de: Phoebe Taylor, Robert Kaylor y Robbie Robertson Fotografía: Harry Stradling Jr.

Compositor: Alex North

Intérpretes:

GARY BUSEY: Frankie

JODIE FOSTER: Donna

ROBBIE ROBERTSON: Patch

MEG FOSTER: Gerta

KENNETH McMILLAN: Heavy

Donna (Foster) es una muchacha de un pequeño pueblo que busca excitación acudiendo a un carnaval lejos de su pueblo. En este filme Jodie Foster tiene una apariencia maravillosa y sexy, con sus piernas largas y los ojos brillantes, demostrando ya que es una joven que está en condiciones de dar el salto a papeles de adulta.

Los compañeros con los cuales viaja están interpretados por Gary Busey y Robbie Robertson, y es difícil averiguar qué es lo que piensan y ni siquiera qué es lo que hacen ahora. Busey es el joven hostil y sádico, aficionado a insultar a la gente, y no podemos ver en él esa humildad que se supone tienen los chicos que han sido criados en una pequeña granja. Por su parte, Robertson, a quien vimos más acertado en “El último vals”, la película que Scorsese realizó sobre un concierto, se comporta con suma estupidez.

Aunque el mundo en el que se mueven los chicos es humilde, se muestra aquí con gran exotismo, y el director, Robert Kaylor, convierte las sencillas imágenes en cosas grotescas, pretenciosas y demasiado llamativas, unidas a una música (por Alex North) demasiado insistente. No hay pues bastante humor ni suficiente claridad para explicarnos en qué trabajan, y ni siquiera los confusos diálogos consiguen aclararnos el fondo del argumento.

Hay una escena auténticamente malograda cuando vemos cantar a Harold, un hombre de casi 600 libras de peso (George Emerson), y en ese momento se declara una tormenta que le proporciona quizá la única ducha lo suficientemente grande para él. El diálogo, obra de Thomas Baum, es a menudo vivaz, pero la película se hace pesada.

La diminuta Elisha Cook Jr., se comporta como una enamorada loca, aunque es obvio que nadie la quiere, y también vemos una escena fallida cuando Jodie Foster es engañada por un psicópata sexual. Meg Foster, está sumamente acertada y enérgica, aunque su papel es secundario, mientras que Jodie Foster, Kenneth McMillan y Bert Remsen, consiguen buenos resultados.

ZORRAS

Foxes (1980)

US

106 minutos

Color

Productor: David Puttnam y Gerald Ayres

Director: Adrian Lyne

Guión: Gerald Ayres

Editor James Coblentz

Compositor: Giorgio Moroder

Intérpretes:

JODIE FOSTER: Jeanie

SCOTT BAIO: Brad

SALLY KELLERMAN: Mary

BUDDY FOSTER

Esperemos que los adolescentes americanos no se comporten tal y como nos lo muestran en esta película, aunque hay quien opina que son un reflejo de la realidad y que forman parte de esa subcultura adolescente que trata de vivir en Los Angeles.

“Zorras” es una película sobre la vida de cuatro muchachas que viven en el Valle de San Fernando, en casas rotas o infelices y que están rodeadas por grupos de adolescentes amantes del sexo sin compromiso, la droga, el alcohol y la música rock. Alguien afirma que en realidad no son malos, por lo que sentimos terror por conocer a quienes son ciertamente malvados.

Ellos suelen meterse en líos y duermen en casas ajenas, yendo a delinquir juntos, formando su propia familia supliéndola por la que tienen en su casa y no les proporciona suficiente estabilidad. Acostumbran a establecer una lealtad entre ellos muy feroz, en la cual todo el grupo de adolescentes depende de ella por encima de cualquier otra cuestión, incluidas las relaciones amorosas y el dinero. Ellos viven en un mundo donde se espera de algún modo que los chicos de dieciséis años vivan en la sociedad como adultos, que tomen las mismas decisiones que los adultos, que tengan sus mismos vicios, aún cuando todavía no son adultos. Eso es lo más peligroso de “Zorras”; nuestro convencimiento de que el alcohol, la marihuana, y la droga, están disponibles para que los adolescentes imprudentes las puedan conseguir y usar con facilidad, con lo cual pueden llegar a tener problemas serios y no saber resolverlos, puesto que aún son unos niños con cuerpos de adultos.

Una de las jóvenes en la película tiene un buen papel. Se trata de Jeanie, interpretada por Jodie Foster como una clase de mamá gallina adolescente, una joven que tiene sus propios problemas pero que es inteligente, equilibrada, y con la suficiente capacidad para sobrevivir porque ve claramente los errores que sus amigos cometen. Eso no significa que ella rechace a sus amigos. Suele ir con ellos y meterse igualmente en líos, arriesgándose como todos, pero ella sabe cubrirse las espaldas.

La película sigue las aventuras de ese grupo durante varios días y varias escaramuzas. El problema es que el filme está flojamente estructurado, mostrado en varios episodios, con el pretendido fin de hacernos meditar sobre el comportamiento de los adolescentes y su modo de vivir habitual de noche y de día. Las cosas que hacen no son meditadas, sino impulsivas y por eso hay abundancia de temas. Los chicos pasan la noche entera fuera de sus casas, se marchan a otra ciudad, se emborrachan, y en muchas ocasiones se involucran en lo que se supone que es una fiesta nocturna civilizada, hasta que todo demuestra que no lo es y comienzan los problemas.

El tema central de la película es la manera en que estos acontecimientos son vistos de manera diferente por los chicos y por los padres. También y como parte esencial, hay una particular y maravillosa relación del padre con su hijo, y otra complicada entre Jodie Foster y Sally Kellerman. Ellos solamente tienen juntos unas largas escenas, pero el material es mostrado con tal sensibilidad que realmente entendemos la relación. También comprendemos a Kellerman, una mujer atractiva en sus treinta años, divorciada de un promotor de viviendas y que está intentando continuar sus estudios en la universidad, junto con un romance que funciona. Kellerman tiene una línea que evoca vidas enteras, como cuando habla sobre aquellas personas que están desesperadamente solos, divorciados o estudiantes de cursos a distancia.

El carácter de Kellerman, sospechamos, no vivió esa cultura de la droga y la subcultura, se casó demasiado joven, se quedó embarazada inmediatamente, y ahora, madre de una chica de dieciséis años, todavía está en un proceso de crecimiento. Ella no quiere que su hija pase por lo que ella pasó. Pero los hijos crecen tan rápidamente que llega un momento en que ambas mujeres piensan y hablan de lo mismo.

“Zorras” es una película ambiciosa, no una historia vulgar. Es mucho más seria, por ejemplo, que otras películas similares como “Little Darlings”.

Contiene la música y el modo de vivir tradicional de los adolescentes y para el guión fueron necesarias muchas horas de investigación y de hablar con los adolescentes de diversas clases sociales. La película es un raro esfuerzo por proporcionar un retrato de los jóvenes, su manera de vivir y sus pensamientos.

LA MUJER DE O´HARA

O'Hara's Wife (1982)

US

Drama/Comedia

87 minutos

Color

Productor: Peter S. Davis y William N. Panzer

Director: William S. Bartman

Guión: James Nasella y William S. Bartman

Basado en la historia de Bartman y Joseph Scott Kierland Fotografía: Harry Stradling Jr.

Compositor: Artie Butler

Vestuario: Madeline Ann Graneto

Intérpretes:

EDWARD ASNER: Bob O'Hara

MARIETTE HARTLEY: Harry O'Hara

JODIE FOSTER: Barbara O'Hara

PERRY LANG: Rob O'Hara

TOM BOSLEY: Fred O'Hara

RAY WALSTON: Walter Tatum

ALLEN WILLIAMS: Billy Tatum

Sólo Asner es consciente de la presencia de su esposa Hartley, quien es un fantasma.

Aunque realizada con seriedad, es solamente una aceptable película dirigida a un público no muy exigente.

SVENGALI (1983)

US

100 minutos

Color

Director

Anthony Harvey

Intérpretes:

PETER O´TOOLE

JODIE FOSTER

ELIZABETH ASHLEY

LARRY JOSHUA

PAMELA BLAIR

BARBARA BYRNE

HOLLY HUNTER

La actuación del estrafalario O'Toole, en el papel de una estrella musical marchitada que decide tomar bajo su ala a una joven cantante de rock, Jodie Foster, no consigue mejores resultados que en su anterior versión. La historia fue puesta en nuestros días por George du Maurier.

CON LA SANGRE DE OTROS

The Blood of Others/Le Sang des Autres (1984)

Director: Claude Chabrol

Intérpretes:

JODIE FOSTER

LAMBERT WILSON

MICHAEL ONTKEAN

(Sin más datos)

EL HOTEL NEW HAMPSHIRE

The Hotel New Hampshire (1984)

US

Drama

110 minutos

Color

Productor: Neil Hartley y James Beach

Director: Tony Richardson

Guión: Tony Richardson

Basado en la novela de: John Irving

Fotografía: David Watkin

Compositor: Jacques Offenbach

Vestuario: Jocelyn Herbert

Intérpretes:

ROB LOWE: John

JODIE FOSTER: Franny

PAUL McCRANE: Frank

BEAU BRIDGES: Padre

LISA BANES: Madre

JENNIE DUNDAS: Lilly

Esta adaptación fiel de John Irving, se mueve entre una historia seria y cómica sobre una familia original y sus raras aventuras sociales, tanto en el aspecto sexual como en el político. Algunos críticos apreciarán ese estilo cercano al sainete, y especialmente las buenas actuaciones.

MESMERIZED

Mesmerized/Shocked (1986)

Australia - Nueva Zelanda -UK

Drama

97 minutos

Color

Panavision

Director:Michael Laughlin

Intérpretes:

JODIE FOSTER

JOHN LITHGOW

MICHAEL MURPHY

HARRY ANDREWS

DAN SHOR

REG EVANS

Drama raro, y finalmente estúpido, sobre una huérfana e inocente interpretada por Foster, quien se casa con gran lujo con un hombre más viejo (Lithgow), durante la tarde del 19th centenario de Nueva Zelanda. Laughlin escribió el guión, dándole un tratamiento diferente a la historia original de Jerzy Skolimowski.

SIESTA (1987)

Relación fatal

US

Drama

97 minutos

Color

Director:Mary Lambert

Intérpretes:

ELLEN BARKIN

GABRIEL BYRNE

JODIE FOSTER

MARTIN SHEEN

GRACE JONES

JULIAN SANDS

ISABELLA ROSSELLINI

ALEXI SAYLE

Llevando un vestido tipo buzo de color azulado, la guapa Barkin termina desmelenada y semidesnuda en esta versión llegada a España. Su odisea tiene algo que ver con un asesinato (que realmente puede ser una fantasía suya), y con un taxista con dientes mohosos que intenta violarla.

La película era un experimento que debería haber resultado un éxito de público y crítica, pero como ya sabemos pasó totalmente desapercibido. Aún contando con actores tan dispares como Martin Sheen, Isabella Rossellini y Jodie Foster, constituyó un gran fracaso y ni siquiera puede ser considerada como una comedia tradicional. No obstante, cuenta con una buena partitura de Miles Davis y el aliciente de saber que Barkin y Byrne se casaron en la vida real en 1988.

ACUSADOS

The Accused (1988)

US

Drama

110 minutos

Color

Productor: Stanley R. Jaffe y Sherry Lansing

Director: Jonathan Kaplan

Guión: Tom Topor

Fotografía: Ralf D. Bode

Compositor: Brad Fiedel

Intérpretes:

KELLY McGILLIS: Kathryn Murphy

JODIE FOSTER: Sarah Tobias

BERNIE COULSON: Kenneth Joyce

ANN HEARN: Sally Frazer

STEVE ANTIN: Bob Joiner

TOM O´BRIEN:

Larry

ALLAN LYSELL: Al Massi

LEO ROSSI: Cliff Albrecht

“Acusados” demuestra que muchas de las víctimas de

una violación son a menudo sospechosas de sus propios actos.

Ciertamente, ellos deben de culpar a alguien, pero la pregunta de los jueces es siempre la misma: ¿Cuál era su comportamiento en el momento de la violación?. ¿Se vistieron de manera provocativa buscando sexo rápido y fácil? ¿Habían bebido y, por tanto, no pueden afirmar que las cosas sucedieron como ahora las cuentan?

¿Está su vida personal libre de actos sexuales desordenados?. ¿O en realidad, se trata de mujeres que están pidiendo sexo y luego buscan dinero o venganza?.

Yo soy consciente del impacto brutal de las frases anteriores, pero esas palabras han sido cuidadosamente escogidas porque a veces son esgrimidas con recelo por los jueces y abogados cuando una mujer denuncia un caso de violación.

“Acusados” es una película sobre Sarah Tobias, una mujer joven que ciertamente no es una ciudadana ejemplar. Una noche, ella tiene una lucha con su novio, un raro muchacho que se dedica también a traficar con drogas. Ella va a una bar nocturno, bebe demasiado, y hace un baile provocativo delante de una máquina de discos, al mismo tiempo que coquetea con un hombre en un cuarto trasero.

Pero es entonces, cuando las cosas salen como quizá ella no deseaba. El hombre, también bebido, la coge y la extiende encima de una máquina de bolas y empieza a besarla. Para que todo salga como él desea, otros dos hombres la sujetan. En el cuarto de al lado hay otros hombres que están alegres y algo bebidos, y por eso les dicen que sigan adelante, que ella lo desea. Cuando el primer hombre termina ellos empujan a otro tipo para que continúe y después a otro. Finalmente, ella escapa y se va llorando hacia la carretera, gritando y pidiendo ayuda.

La película solamente nos había mostrado hasta entonces unas escenas cortas sobre la violación, en una escena retrospectiva. Las primeras secuencias nos hablan ya sobre las consecuencias inmediatas de la violación, cuando la mujer (Jodie Foster) se empieza a mover a través de los servicios de urgencias y los sistemas legales. Allí se encuentra a profesionales que la escuchan con atención y educación, aunque no siempre la creen su versión. Entonces Sarah se encuentra con Kathryn Murphy (Kelly McGillis), la abogada auxiliar del distrito que llevará su caso.

McGillis no se impresiona con algunas de las cosas que descubre, como la seguridad de que Sarah estaba esa noche en posesión de drogas, o que también había bebido esa noche.

Uno de los sospechosos de la violación es un hombre joven aparentemente buena persona, cuyos padres contratan a un buen abogado. En el primer careo, la abogada de ella está de acuerdo en reducir los cargos a “abusos deshonestos”, pero Sarah Tobias presiente que eso no es lo que ocurrió allí. Ella fue violada, brutalmente, repetidamente, delante de muchas otras personas. No es un caso de “abusos deshonestos”.

El argumento de la película es que aunque una mujer joven pueda actuar inadecuadamente, incluso imprudentemente, ella todavía debe tener el derecho para decir cuándo quiere parar y cómo. Esto es algo que su abogada McGillis tiene dificultad para entender en un principio, especialmente porque se siente muy cómoda dentro de los compromisos habituales del sistema y lo normal es que una mujer así haya solicitado sexo en grupo.

En cierto sentido, la película se basa también en la relación entre estas dos mujeres, una abogada tradicional y una mujer alcohólica que busca sexo pero hasta donde ella quiera.

Una de las opciones interesantes en el guión de Tom Topor era hacerlo tan duro que el personaje de Foster fuera intenso, para que cuando ella hablase nosotros pudiéramos sentir cada palabra retorciéndose en su interior. Durante el curso de la película, el abogado de la mujer intenta identificar algunos de los sentimientos de su cliente como experiencias reales, y se olvida de la evidencia.

Por eso, la víctima de la violación empieza a verse como otros la ven y nos dejan la posibilidad de que la relación entre las dos mujeres llevará a Sarah a querer limpiar su comportamiento social, a dejar de beber, y a asumir su parte de responsabilidad.

La otra línea de la película es igualmente interesante. Esta es la primera película que trata de crear responsabilidades a los espectadores en un caso de violación. Los muchachos que allí estaban han bebido mucho y jalonan subidos en el mobiliario, mientras cantan y gritan que siga la violación, aunque ahora nosotros veamos esto como reprobable. Cuando el personaje de McGillis decide traer a algunos de ellos al juicio y a la escena del acto, no recibe ningún apoyo del juez del distrito, y muchos de sus colegas alegan que no está en su sano juicio. Suponen que una abogada auxiliar debe meterse en pleitos que sean fáciles de ganar, y que no debe coger causas perdidas. Pero la segunda parte de la película proporciona bastantes sorpresas.

Hay una pregunta que nos podemos hacer: y es si ésta película la verán más incómodamente los hombres o mujeres. Ambos seguramente criticarán la brutalidad de las escenas reales del ataque sexual, pero para algunos hombres la película revelará una verdad que la mayoría de las mujeres ya saben. Hay que establecer la barrera entre un acoso sexual, tanto en un bar como en el trabajo, y diferenciarlo de lo que supone el cortejo habitual para entablar relaciones sexuales entre hombre y mujer. Esta barrera podría estar, simplemente, cuando exista agresión o intimidación.

Premios:

Oscar a la mejor actriz 1988: Jodie Foster

CINCO ESQUINAS

Five Corners (1988)

US

Drama/Comedia

92 minutos

Color

Productor: Forrest Murray y Tony Bill

Director: Tony Bill

Guión: John Patrick Shanley

Fotografía: Fred Murphy

Compositor: James Newton Howard

Efectos especiales: Bill Harrison

Vestuario: Peggy Farrell

Canciones: The Beatles

Intérpretes:

JODIE FOSTER: Linda

TIM ROBBINS: Harry Fitzgerald

TODD GRAFF: James

JOHN TURTURRO: Heinz Sabantino

ELIZABETH BERRIDGE: Melanie

ROSE GREGORIO: Señora Sabantino

GREGORY ROZAKIS: Mazola

Desafortunada película sobre una serie de personas jóvenes cuyas vidas convergen en las cinco esquinas del barrio del Bronx en 1964. Uno de ellos, recién salido de la prisión, plantea problemas a sus amigos. Hay también una escena de amor y hasta un increíble King Kong que se mezcla en el argumento.

Esta historia melodramática, termina desagradando a quienes esperaban unos hechos más románticos, aunque la presencia de Foster y Robbins proporcionan una nota de interés al filme

MÁS QUE UN RECUERDO

Stealing Home (1988)

US

Deportes

98 minutos

Color

Productor: Thom Mount y Hank Moonjean

Director: Steven Kampmann y Will Aldis

Guión: Steven Kampmann y Will Aldis

Fotografía: Bobby Byrne

Compositor: David Foster

Intérpretes:

MARK HARMON: Billy Wyatt como adulto

BLAIR BROWN: Ginny Wyatt

JODIE FOSTER: Katie Chandler

JONATHAN SILVERMAN: Alan Appleby como adolescente

HAROLD RAMIS: Alan Appleby como adulto

JOHN SHEA: Sam Wyatt

Un jugador de béisbol decide retirarse para cuidar la memoria y las cenizas de un viejo amigo que murió. Con tan poco argumento es difícil que la historia tenga interés, a pesar de que el guionista nos introduce numerosos pasajes de su vida anterior. Hay quien afirma que en realidad se trata de una biografía de los directores, pero ese no es motivo suficiente para que las cosas resulten interesantes.

Correcta actuación de Jodie Foster como una nueva amiga.

CAMINO DE RETORNO

Backtrack (1989)

US

Romance/Crimen

98 minutos

Color

Productor: Dick Clark y Dan Paulson

Director: Dennis Hopper

Guión: Rachel Kronstadt-Mann, Stephen L. Cotler y Lanny Cotler Desde la historia de: Kronstadt-Mann

Fotografía: Edward Lachman

Compositor: Curt Sobel

Vestuario: Nancy Cone

Intérpretes:

JODIE FOSTER: Anne Benton

DENNIS HOPPER: Milo

DEAN STOCKWELL: John Luponi

VINCENT PRICE: Lino Avoca

JULIE ADAMS: Martha

CHARLIE SHEEN: Bob

Un melodrama contemporáneo sobre un asesino a sueldo contratado para matar al testigo ocular de un asesinato, pero que termina enamorado de su posible víctima (Foster) y prefiere cambiarla por la recompensa. Aunque la película no consiguió buenos resultados económicos, es original y en ocasiones entretenida, aunque la faceta como director de Hopper sea desacertada.

Buenas actuaciones de los secundarios Joe Pesci, Vincent Price, Julie Adams, Charlie Shenn y Bob Dylan.

EL PEQUEÑO TATE

Little Man Tate (1991)

US

Drama

99 minutos

Color

Productor: Scott Rudin y Peggy Rajski

Director: Jodie Foster

Guión: Scott Frank

Fotografía: Mike Southon

Compositor: Mark Isham

Vestuario: Susan Lyall

Intérpretes:

JODIE FOSTER: Dede Tate

DIANNE WIEST: Dr. Jane Grierson

ADAM HANN-BYRD: Fred Tate

HARRY CONNICK JR.: Eddie

ALEX LEE: Fred Tate a los 2 años

MICHAEL SHULMAN: Matt Montini

NATHAN LEE: Compañero de Matt

CELIA WETON: Miss Nimvel

Jodie Foster comentó en una ocasión que “El pequeño

Tate”, la primera película que dirigió, contiene numerosos elementos autobiográficos. Es la historia de un niño de seis años, superdotado intelectualmente, quien también necesita ser simplemente un niño. Los problemas de matemáticas se resuelven perfectamente en su mente, sabe tocar el piano con la maestría de un genio, pero cuando lee los periódicos se deprime con las noticias. Lógicamente, también necesita a su mamá, no entiende los problemas de los adultos, y se pone nostálgico cuando tiene que permanecer fuera de su casa por las noches.

Sabemos que Jodie Foster está diciendo la verdad cuando afirma que hay un poco de su propia vida en la historia de Fred Tate, porque ya hemos leído algunas pequeñas biografías y sabemos que ella lleva trabajando en el cine desde que tenía tres años. En la historia del cine ha habido numerosos niños actores y por eso no consideramos que su caso sea nada excepcional. Lo que parece ser destacable es su inteligencia, su serenidad, y los deseos de ser diferente a los demás niños, lo que le llevó a numerosos enfrentamientos con sus directores.

Ciertamente, pueden existir muchos puntos en común entre Jodie Foster niña y este Fred Tate, especialmente en el equilibrio emocional y una cierta perspectiva por lo extraña que es la vida. A pesar de haber vivido veinticinco años de sus veintiocho años de vida en los negocios, creemos que Foster es sensata, correcta, y no demasiado impresionada por los trajes y la vida lujosa. Fred Tate es de la misma manera, puesto que este niño mira la vida con objetividad, no es un neurótico, y sabe manejar sus extraordinarias cualidades intelectuales sin volverse loco.

Pero no bastan estos ingredientes para que la película sea correcta y por eso ha decepcionado bastante a los espectadores. La genialidad del niño (Adán Hann-Byrd) no está mostrada como algo que se exhibe, ni como una máquina perfecta, pero se habla de él como si fuera un ser humano en miniatura y no un niño que tiene muchos adultos a su alrededor. Cuando la película comienza, Fred está asombrando a su madre Dede, cuando lee el fondo de su cuenco de cereales, a una edad en la cual apenas si logra levantarlo de la mesa. Pronto le vemos pintando, tocando el piano, y llamando la atención de Jane Grierson (Dianne Wiest), una psicóloga del niño que dirige una escuela para niños superdotados.

Lo que Foster y su guionista, Scott Frank, saben sobre esos niños es que no debemos olvidarnos que ellos son, a pesar de todo, niños. Uno de los personajes favoritos en la película es un adolescente a quien le gusta la magia y que posee una mente relámpago, pero que tiene una personalidad molesta que no acaban de sobrellevar los adultos. Este chico es duro con Fred cuando llega por primera vez a la escuela de Grierson, pero pronto le confiesa que no tiene ningún amigo, y que si no fuera por su cerebro, sería simplemente un idiota aficionado a los deportes.

Wiest interpreta a la psicóloga como alguien que sabe todo sobre esos niños en teoría y nada en la práctica. Ella tiene una manera extrañamente educada para hablar con Fred, como si le estuviera dictando, pero no tiene ninguna pista sobre las verdaderas necesidades de un niño de esa edad. Foster, como la madre, no puede saber mucho sobre la teoría que los psicólogos mantienen sobre esos niños especiales, pero lo que sí sabe es que es un niño y por eso se vuelve furiosa en protegerlo. Pronto surgen los primeros enfrentamientos entre ambas mujeres, y poco a poco comienzan a ser más importante los sentimientos del niño que sus cualidades intelectuales.

La película tiene cierto interés, pero no demasiado, y en ocasiones parece una Olimpiada de niños inteligentes. Foster, quien ya tenía experiencia en trabajar como actriz infantil con muchos directores, parece sumamente interesada en esta película. Su mayor defecto es que en lugar de aportar mucho sentido del humor, lo ha convertido en una película tensa y hasta ha aportado su propia moraleja.

“El pequeño Tate” es el tipo de película que gusta al espectador porque le toca su fibra sentimental, especialmente cuando nos hablan sobre los niños. Por eso, cuando Jodie Foster nos habla de este niño tan inteligente, aparentemente un triunfador, que tiene numerosos problemas precisamente por ser diferente a los demás niños, nos unimos a su desconcierto y nos ponemos protectores.

EL SILENCIO DE LOS CORDEROS

The Silence of the Lambs (1991)

US

118 minutos

Color

Productor: Edward Saxon, Kenneth Utt y Ron Bozman

Director: Jonathan Demme

Guión: Ted Tally

Desde la novela de: Thomas Harris

Fotografía: Tak Fujimoto

Compositor: Howard Shore

Vestuario: Colleen Atwood

Intérpretes:

JODIE FOSTER: Clarice Starling

SIR ANTHONY HOPKINS: Dr. Hannibal Lecter

SCOTT GLENN: Jack Crawford

TED LEVINE: Jame Gumb

ANTHONY HEALD: Dr. Frederick Chilton

BROOKE SMITH: Catherine Martin

CHARLES NAPIER: Sargento Boyle

DIANE BAKER: Senador Ruth Martin

ALEX COLEMAN: Sargento Pembry

Hacía tiempo que no veíamos una película en la cual la presencia del mal, la maldad, se hiciera tan patente, especialmente cuando miramos por primera vez a Anthony Hopkins en

“El silencio de los corderos”.

Allí le vemos en medio de su pequeña jaula, con los brazos a los lados, y nos damos cuenta que no está prestando ninguna atención a lo que escucha, puesto que en realidad se comporta como un animal que observa todo en espera de su oportunidad para ejercer su gran brutalidad. Cuando habla, su voz tiene la precisión de un hombre arrogante quien está molesto por tener que dirigirse a un interlocutor al que considera vulgar y sin inteligencia. El efecto de esta escena es tan poderoso que sirve perfectamente para mantenernos en tensión desde los comienzos.

Como en todos los grandes comienzos, en esta ocasión todo está preparado cuidadosamente. Pronto sabemos que su personaje, el Dr. Hannibal Lecter, es un psiquiatra inteligente y un asesino de masas, conocido como "Hannibal el Caníbal" porque él come a sus víctimas. Ahora está ya detrás de las rejas y cuando la película comienza nos hablan que el motivo central no está en ese hombre, sino en otro asesino en serie llamado “Búfalo Bill”, a quien busca desesperadamente la policía.

Para conseguir detenerle está un agente del FBI llamado Jack (Scott Glenn), quien está convencido de que Lecter podría aportarle algunas pistas útiles en la búsqueda de Búfalo Bill. Aunque ya ha intentado sin éxito sacar algún tipo de información de ese asesino, cree que todo consiste en encontrar al interlocutor adecuado y para ello le pone frente a una chica novata e inexperta (Jodie Foster), quien deberá hacerle comprender que le necesitan.

Su idea es revivir la historia de “La bella y la bestia”.

Pero la noción de la bella y la bestia es, por supuesto, algo habitual en las películas de terror, y ahora nos damos cuenta que ni ella es tan bella, ni el preso es tan bestia. Cuando asistimos a la historia de “El silencio de los corderos” nos preguntamos si el autor de la novela original, Thomas Harris, no pretendía en realidad mostrarnos una lista de las grandes fobias universales y sus miedos. Nos hablan de una historia sobre canibalismo y de otra sobre alguien que desuella a sus víctimas, dos cosas que nos dan mucho miedo, pero también hablan sobre secuestros, la descomposición de los cadáveres, bichos grandes, el miedo a la oscuridad y el miedo a ser perseguidos por alguien.

También nos muestran a criaturas que salen entre las sombras, personas que conocen nuestros más íntimos secretos, puertas que se cierran de golpe detrás de nosotros, decapitación, perversiones sexuales, y de lo que siente una pequeña mujer en un ascensor lleno de hombres altos.

Si la película no estuviera tan bien hecha, podría ser absurda a causa del argumento. Con un material tan complejo los directores asumen un gran riesgo, y si algo falla el fracaso es estrepitoso. Por eso es muy importante ofrecer un argumento increíble y dotarle de una buena narrativa, como ocurre en esta ocasión.

El director, Jonathan Demme, es indudablemente consciente de los riesgos, pero no tuvo ninguna duda en arriesgarse. La primera escena con Hopkins es de lo mejor de toda la película, y en manos de otro actor menos capacitado hubiera sido un desastre, pero Hopkins pertenece a esa larga y prestigiosa tradición de actores británicos que evitan sobreactuar y prefieren mostrar el interior. Su personaje, Hannibal Lecter, no es solamente un malvado asesino, sino que en su interior esconde una mente prodigiosa y una persona que no siente ninguna pena por estar encerrado, alejado de un mundo de estúpidos.

Jodie Foster está parcialmente eclipsada, inevitablemente en su trabajo, por el personaje de Hopkins, pero su firmeza y sobriedad aportan el corazón de la película. Algunos aspectos interesantes han sido aportados directamente de su carácter: ella pertenece a una generación denominada basura, inconformista pero nada luchadora, y para disimular su procedencia rural tiene que hacer un alarde de valor para pedir una habitación en un lugar lleno de hombres, al mismo tiempo que no debe mostrar repulsión cuando asiste a una autopsia.

La película trata de aportar algún detalle masculino a su personaje, algo que lamentablemente es un error muy frecuente, pero cuando nos hablan de sexo insiste en establecer unas profundas diferencias, demasiado estereotipadas.

Pero a pesar de estos puntos débiles, la película tiene muchas cualidades, la mayoría muy destacadas. Los detalles del momento decisivo entre Foster y Búfalo Bill no son creíbles, aunque pueden estar acertados en una película de terror. Película, en suma, que ha pasado a la historia del cine de horror, aportando escenas sumamente equilibradas en los momentos de mayor ansiedad y por la cual será recordado durante muchos años el actor Anthony Hopkins.

Premios:

Oscar a la mejor película 1991: Edward Saxon, Kenneth Utt y Ron Bozman Oscar al mejor actor 1991: Sir Anthony Hopkins

Oscar a la mejor actriz 1991: Jodie Foster

Oscar al mejor director 1991: Jonathan Demme

Oscar al mejor guión 1991: Ted Tally

Nominada al mejor filme 1991: Craig McKay

Nominada al mejor sonido 1991: Tom Fleischman, Christopher Newman SOMBRAS Y NIEBLA

Shadow and Fog (1992)

Orion Pictures

86 minutos

Color

Producción: Jack Rollins, Charles H. Joffe

Guión: Woody Allen

Fotografía: Carlo Di Palma

Música: Kurt Weill

Director: Woody Allen

Intérpretes:

WOODY ALLEN: (Kleinmann)

MIA FARROW: (Irmy)

MADONNA: (Marie)

DONALD PLEASANCE: (Médico)

JODIE FOSTER: (prostituta)

MICHAEL KIRBY: (asesino)

KATHY BATES: (prostituta)

JOHN MALKOVICH: (payaso)

En los 15 años desde que él cimentó su reputación con el Oscar ganado por “Annie Hall”, Allen ha hecho películas que son desde sublimes a ligeramente pobres. Ha mostrado también una predilección lamentable por la perfección estilística antes que sobre la intensidad emocional (“La rosa púrpura del Cairo”) y aunque generalmente se percibió como un fracaso, “Sombras y nieblas” fue una película interesante en 1992.

La película se desarrolla en un pueblo europeo oriental anónimo y es una muestra de estilo expresionista, aparentemente como un homenaje a las grandes películas alemanas del decenio de 1920, con Kurt Weill al frente de la música. Kleinman (Allen), un dependiente tímido que no tiene más esperanzas en la vida que una promoción, es visitado por un grupo de vigilantes que le piden su ayuda para investigar unos asesinatos consecutivos. Allen no comprende como él puede ayudarles, o qué quieren ellos que haga.

En un circo cercano, una de las chicas, Irmy (Mia Farrow), quiere dejar a su amante, el payaso (John Malkovich), después de encontrarle en el lecho con la acróbata Marie (Madame.) Ella va al pueblo y es rescatada de las calles peligrosas por una prostituta quien la lleva al prostíbulo. Allí, Farrow, tímidamente, favorece con su presencia a las otras prostitutas (incluyendo Kathy Bates y Joddie Foster.) Algunos clientes entran, incluyendo a un estudiante (John Cusack), quien exige que venga Farrow a su lecho. Ella rehusa, pero él ofrece más dinero hasta que finalmente accede y entonces ella se sorprende que sea capaz de disfrutar del sexo.

Mientras tanto, Allen visita al doctor (Donald Pleasence), quien examina los cuerpos de las víctimas del asesino. Después que él se va, el doctor es asesinado por el asesino. Los policías investigan, encuentran un vaso que Allen había usado, y toman las huellas dactilares.

Cuando un amigo inocente de Allen es arrestado por los asesinatos, Allen va a la comisaría para prestarle su apoyo y ve el vaso. A su vez, Farrow es detenida por ser una prostituta sin licencia y, en la turbación, Allen roba el vaso. Él y Farrow salen y se enfrentan a alguien quien ellos piensan que es el asesino, pero que resulta ser el jefe de Allen.

El sentimiento de delincuente por haber aceptado dinero para hacer el amor, hace que Farrow dé algunas de sus ganancias a una mujer pobre que está en la calle con un bebé.

Los vigilantes observan a Allen, encuentran el vaso sobre su persona, y le acusan de los asesinatos, por lo que se ve obligado a huir. Malkovich, quien ha encontrado a Farrow, confiesa su infidelidad. Ambos encuentran el cuerpo de la mujer pobre y rescatan a su bebé.

Malkovich no quiere en un principio, pero pronto llega a encariñarse con él. Allen huye, pero cuando es buscado por los policías, llega al circo y se esconde. Allí, Farrow es acechada por el verdadero asesino, pero es protegida por Allen, quien a su vez es protegido por un mago que usa sus trucos mágicos para atrapar el asesino. Allen, viendo el poder de la ilusión sobre la realidad, decide unirse al circo como un aprendiz de mago.

Los fans de Allen notarán varios elementos familiares en “Sombras y niebla”, incluyendo la influencia de Bergman (particularmente en el personaje de El mago), así como en los cambios filosóficos entre individuos inverosímiles, y el papel de Mia Farrow como una mujer que favorece al personaje de Allen después de ser engañado por su socio. Allen ha elaborado un tenebroso argumento, aunque no siempre funciona: la protagonista parece fuera de lugar, y la seducción que ejerce Malkovich no es creíble. Hay algunos lapsos estilísticos, demasiados, notablemente insistentes, distrayendo con el juego de cámara durante la conversación entre Farrow y las prostitutas.

Mientras el deseo de Allen es abordar las convicciones morales de la gente, resulta un trabajo interesante, pero en “Sombras y nieblas” estos logros se hacen a un nivel casi exclusivamente cerebral. Es duro para él desear el regreso a los territorios más emotivos y envolventes de “Annie Hall”, pero obviamente no siempre lo consigue.

IT WAS A WONDERFUL LIFE (1993)

US

Documental

84 minutos

Color

Director: Michele Ohayon

Narrado e interpretado por Jodie Foster

Desigual documental que debería ser el primero de una serie de seis, pero que se quedó solamente en el primero. La idea era proporcionar documentos sobre mujeres que, por diversas razones, se ha encontrado sin dinero, casa o familia. Pudiera ser una crónica eficaz sobre personas que valientemente intentan aportar cambios en la sociedad, pero al ser realizada bajo un criterio feminista, hembrista, en el cual las mujeres solamente juegan el papel de buenas y los varones de perversos, se quedó en un alegato vengativo contra los hombres.

SOMMERSBY

Sommersby (1993)

France-US

Drama

117 minutos

Color

Panavision

Productor: Arnon Milchan y Steve Reuther

Director: Jon Amiel

Guión: Nicholas Meyer y Sarah Kernochan

Desde la historia de Meyer y Anthony Shaffer, basado en el guión cinematográfico “Le Retour de Martin Guerre” de Daniel Vigne y Jean-Claude Carrière Fotografía: Philippe Rousselot

Compositor: Danny Elfman

Coreografía: Colleen Kelly

Vestuario: Marilyn Vance-Straker

Intérpretes:

RICHARD GERE: Jack Sommersby

JODIE FOSTER: Laurel Sommersby

LANNY FLAHERTY: Buck

WENDELL WELLMAN: Travis

BILL PULLMAN: Orin Meecham

BRETT KELLEY: Pequeño Rob

WILLIAM WINDOM: Reverendo Powell

CLARICE TAYLOR: Esther

JAMES EARL JONES: Juez Issacs

“Sommersby” es una historia acertada

colocada en un sitio incorrecto, y para ser más exactos, una historia europea medieval que se ha puesto al día sin éxito en el periodo de la Guerra Civil americana.

La trama pone énfasis justamente en las escenas más decepcionantes, aquellas que tienen poca credibilidad, como cuando tratan de demostrar que durante la Guerra de los Cien Años los peleadores lo hacían por motivos exclusivamente supersticiosos. Esa época, trasladada al presente, la hace absolutamente increíble.

La película es un remake de “El regreso de Martin Guerre” (1982), una buena película francesa en la cual actuaban Gérard Depardieu y Nathalie Baye, y nos contaban la historia de una mujer rural que espera durante muchos años que su marido vuelva de esa Guerra de los Cien Años. Cuando finalmente regresa, él parece un hombre diferente. Es más amable, más tranquilo, un amante mejor, y ella se olvida pronto del marido a quien había aprendido a temer.

El argumento dispone de algunos elementos claves que no conviene desvelar al lector que aún no ha visto la película, justo los más imprescindibles para poder realizar la crítica.

Cuando el soldado vuelve, por supuesto, no es el mismo hombre que salió, puesto que ha tenido que soportar los horrores de la guerra. Su mujer no ha cambiado, obviamente porque su condición de mujer la excusaba de tener que pelear en el frente. En el regreso, ambos compartieron secretos y confianzas, pero justo entonces se descubre el secreto que ambos habían preferido mantener apartado.

La pregunta más interesante en “El retorno de Martin Guerre” es acerca de cómo realmente engañó a la esposa. Hay un punto clave, por supuesto, cuando ella sabe que este hombre no es su marido, pero escoge guardar ese hecho con ella porque él es inmensamente mejor a su marido y porque, además, se ha enamorado. Pero un antiguo aspirante, celoso por el regreso del soldado, unido a otro ciudadano curioso, dejarán el secreto al borde del desastre.

En “Sommersby”, ésta estructura delicada de decepción y romance no acaba de convencer, y aunque Richard Gere y Jodie Foster hacen lo que pueden con los personajes, la escena final de la sala del tribunal comienza a destrozar todos los buenos logros anteriores y la película pierde credibilidad. Richard Gere se presenta como un hombre que espera lograr ser feliz con su nueva identidad, negando su vida anterior, pero el precio que él paga por su honor es tan exagerado que no podemos aceptarlo.

Esas escenas que mencionamos en el tribunal, pensadas como el momento cumbre de la película, son las más decepcionantes. El destino del personaje de Gere gira de un lado a otro, complicándose porque él se declararía culpable de haber adoptado una nueva identidad. La verdad, evidentemente, aclara todos los problemas y el juez (James Earl Jones) debe declarar un juicio nulo, con lo cual el guionista impide que la película llegue a una conclusión melodramática.

MAVERICK

Maverick (1994)

US

129 minutos

Color

Panavision

Productor: Richard Donner y Bruce Davey

Director: Richard Donner

Guión: William Goldman

Fotografía: Vilmos Zsigmond

Compositor: Randy Newman

Efectos especiales: Matt Sweeney, Industrial Light and Magic y Steve Price Vestuario: April Ferry

Intérpretes:

MEL GIBSON: Bret Maverick

JODIE FOSTER: Annabelle Bransford

JAMES GARNER: Zane Cooper

GRAHAM GREENE: Joseph

ALFRED MOLINA: Angel

JAMES COBURN: Commodore

DUB TAYLOR: Room Clerk

GEOFFREY LEWIS: Matthew Wicker

La película está basada en un personaje popularizado por la televisión en los años 60, en la cual el éxito estuvo asegurado esencialmente por el encanto de sus protagonistas. Ahora, en su recreación al cine, y a pesar de los buenos actores, la historia se nos muestra muy débil y demasiado larga. Gibson está muy acertado y divertido como un tramposo que sabe jugar perfectamente sus cartas, mientras que vemos pasar ante nuestros ojos a numerosas caras familiares del mundo del western, así como podemos oír numerosas melodías correspondientes a la música rural contemporánea.

El actor James Garner, quien también

intervino en la serie de televisión, realiza una buena interpretación como el abogado Cooper. En medio de Gibson y Garner está la atractiva Foster, por cuyo amor pelean los dos apuestos galanes.

Premios:

Nominada al mejor vestuario 1994: April Ferry

NELL

Nell (1994)

US

Romance/Drama

113 minutos

Color

Panavision

Productora: Jodie Foster,

Renee Missel

Director: Michael Apted

Guión: William Nicholson, Mark Handley

Basada en: Idioglossia

Fotografía: Dante Spinotti

Música:Mark Isham

Vestuario: Susan Lyall

Intérpretes:

Jodie Foster: Nell

Liam Neeson: Gerome Lovell

Natasha Richardson: Paula Olsen

Richard Libertini: Alexander Paley

La historia que nos cuentan en “Nell” no es

nueva y ya la pudimos ver en repetidas ocasiones, bien de la mano de François Truffaut en

“El niño salvaje” (1969), o en el clásico de Disney “El libro de la selva”.

En ambos casos nos mostraron a un niño que es encontrado viviendo como un animal en los bosques, y alguien se encarga entonces de educarlo y cuidarlo. Esta historia, puesta en el siglo XVIII, está basada en un niño real, y acaba, como en otras muchas ocasiones menos populares, sin mucho progreso: el niño aprende a amar, pero nunca aprende a hablar.

“Nell”, es la historia de una niña salvaje actual que crece en un desierto junto a los bosques de Carolina del Norte, y cuando es encontrada nos la muestran como alguien que sabe hablar, pero en un idioma totalmente nuevo y desconocido. Cuando es descubierta, sabemos que ha estado viviendo exclusivamente en una cabaña aislada, donde primero murió su hermano gemelo y luego su madre. Se especula que los gemelos desarrollaron un idioma privado, basado en el inglés, antes de que uno de ellos muriera.

Esta historia es adecuada para un guión cinematográfico, porque Nell debe poder hablar para que nos pueda manifestar cual es su mensaje, como en otras historias similares en las cuales todo el mundo cuestiona que lo mejor sea la civilización. “Ustedes están en favor del hambre de silencio”, les dice Nell a sus amigos.

A pesar de su filosofía predecible, “Nell” es una película eficaz, y en ocasiones filosófica.

Eso se debe especialmente a la extraña belleza de Jodie Foster como “Nell”, y la buena interpretación de Liam Neeson, como el doctor que debe cargar con la responsabilidad de la joven. Junto a ellos está Natasha Richardson, quien tiene un papel algo ingrato como la compañera de Neeson.

La primera parte de la película tiene lugar en un desierto donde Nell estaba viviendo con su madre. Es un poco incierto cómo han conseguido sobrevivir, especialmente sobre el modo en que se proporcionan comida. El argumento no nos proporciona esos detalles y es posible que ni siquiera sean importantes, ya que lo esencial es que esa Nell vive ya sola y una vez que su existencia es descubierta, se convierte en una víctima potencial con esos helicópteros de la prensa que pululan sobre su cabeza y todos los curiosos que acuden a verla.

Ella puede cuidarse en solitario sin problemas, quizá mejor que en la civilización. Por supuesto, la gente civilizada insiste en llevársela con ellos. Neeson y Richardson, junto con el aguacil local, establecen su oficina principal en una casa flotante que han situado cerca de la cabaña de Nell, y empiezan a observarla y es cuando se dan cuenta que ella sabe hablar. Al principio, su idioma parece algo sin sentido, pero pronto perciben que tiene una lógica, y finalmente Neeson logra entenderla y ganarse su confianza.

Por supuesto Nell es una mujer totalmente crecida, atractiva y cuando se baña desnuda en un río del bosque, ella aparece como una hermosa mujer que logra entusiasmar a Neeson.

Pero de algún modo su inocencia y su ética (y la presencia de Richardson) logran alterar la situación, y nos muestran un episodio en el cual ella manifiesta su miedo a los hombres.

El bribón es un psicólogo interpretado por Richard Libertini quien, como todos los demás personajes en la película, no conoce nada de la naturaleza humana y resolvería todos los problemas institucionalizando el asunto. Pero como ser encerrada con llave en un asilo destruiría a Nell, y, además, ella no está mentalmente enferma, la solución es compleja.

Neeson intenta presentarla a la gente del pueblo con cautela, pero las visitas a un supermercado y a una piscina van mal, y él comprende que ella debe desarrollarse en sus propios términos.

Había escenas en “Nell” que son difíciles de admitir, como su discurso en la sala del tribunal, pero otras están llenas de una verdadera belleza y misterio.

Jodie Foster tiene bastante éxito creando a una mujer con una forma de hablar completamente diferente y con un cuerpo que no ha crecido aprendiendo a permitir que otros sepan lo que ella siente. La visión de la película es que para Nell no hay solución, puesto que no hay problema. En la vida real, un niño salvaje no podría comportarse de manera agradable, aunque en “Nell” el resultado es un poema sobre nuestra propia naturaleza.

Premios:

Nominada a la mejor actriz 1994: Jodie Foster

HOME FOR THE HOLIDAYS

Home for the Holidays (1995)

US

Drama/Comedia

103 minutos

Color

Productor: Peggy Rajski, Jodie Foster y W.D. Richter

Director: Jodie Foster

Intérpretes:

HOLLY HUNTER: Claudia Larson

ROBERT DOWNEY Jr.: Tommy Larson

ANNE BANCROFT: Adele Larson

DYLAN MCDERMOTT: Leo Fish

CHARLES DURNING: Henry Larson

GERALDINE CHAPLIN: Aunt Gladys

STEVE GUTTENBERG: Walter

CLAIRE DANES: Kitt

Jodie no está en absoluto como

protagonista en esta película, pero está detrás de la cámara, por lo que de algún modo percibimos su presencia.

Claudia Larson es una divorciada, una madre que simplemente perdió su trabajo y ahora tiene que abandonar su casa durante la fiesta de Acción de Gracias en Baltimore. Por eso la historia gira en torno a una familia y su reunión anual en esa fiesta, aunque para Claudia no es motivo de alegría estar alrededor de su familia.

Hay un punto interesante en esta obra de Jodie sobre esta Casa para las Fiestas, cuando un hermano y su cuñado están luchando en el césped mientras el padre intenta separarlos mojándolos con una manguera del jardín. En la calle, hay un estúpido vecino que asiste malhumorado a este festejo familiar.

Esta película, que en esencia es lo que ya hemos dicho, una reunión familiar que demuestra ser un infierno, no es una comedia y tampoco llega a constituir un drama. Como en muchas otras reuniones familiares, tiene un poco de ambos elementos, y el sentido fuerte de locura que simplemente nos parece muy familiar. Vistas estas fiestas, así, desde lejos, nos parecen tragicómicas, aunque no nos podemos permitir el lujo de burlarnos de ellas porque se parecen demasiado a muchas reuniones de familia. Todos parecen quererse mucho cuando llegan, si juzgamos por la cantidad de besos que se reparten, pero cuando alguien comienza a tocar temas delicados se demuestra que la unión solamente existe en la imaginación.

Ello no quiere decir que nosotros no amamos a nuestras familias, pero el problema es que nos conocemos demasiado bien y es mejor vivir en casas separadas el mayor tiempo posible.

Como espectadores, comenzamos a interesarnos por esta Casa para Fiestas, cuando Claudia Larson (Holly Hunter) descubre que ha sido despedida de su trabajo en el museo de arte de Chicago, y responde besando a su jefe, puesto que ya está histérica solamente de pensar en la fiesta familiar. Claudia llega al aeropuerto a recoger a su joven hija Kitt (Claire Danes), quien a su vez confía en que probablemente tenga alguna experiencia sexual ese fin de semana. Al llegar, ella es saludada por sus padres, Adele y Henry (Ana Bancroft y Charles Durning.) Henry está tomando un vídeo de la casa y Adele ha traído un abrigo extra en caso de que Claudia haya perdido el suyo, lo que no es cierto.

La casa familiar de los Larson es un triunfo del mal gusto. Se ha amueblado con docenas, de todas las clases de objetos encontrados en los catálogos de regalos de venta por correo.

No en esos catálogos caros, si no en aquellos que ofrecen 16 regalos en cada página, cada uno una miniatura de algo que nadie de buen gusto compraría en la versión a tamaño natural, como por ejemplo un reno o un cuarteto de peluqueros.

Henry es un trabajador del servicio de mantenimiento del aeropuerto ya jubilado. Adele se pasa fumando todo el tiempo y puede leer en la mente de su hija, antes de que ella le diga:

“Mamá, estoy pensando en un cambio… yo no puedo estar tanto tiempo en el museo...

puesto que me han despedido”.

Pronto, el jovial hermano de Claudia, Tommy, (Robert Downey, hijo) llega con un nuevo amigo llamado Leo Fish (Dylan McDermott.) Los padres parecen no aceptar la homosexualidad de su hijo sin reconocer que es una cuestión muy habitual en las familias, mientras que Claudia está perturbada por la ausencia del novio anterior de Tommy que era muy popular en esa familia.

Entonces, Joanne (Cynthia Stevenson) y su cuñado Walter (Steve Guttenberg) se marchan, puesto que Walter no puede aguantar a Tommy. Tommy, por su parte, tampoco puede aguantar a Walter y a Joanne, aunque tiene tiempo para depositar un pavo en su regazo sin realmente parecer que ha sido a propósito.

Estos son todos unos problemas familiares rutinarios, si los comparamos con la llegada de Tía Gladys (Geraldine Chaplin), quien está bastante enfadada, con su peculiar estilo apasionado e intenso, y que posteriormente nos descubre que ha estado enamorada de Henry desde que ella puso sus ojos en él.

Lo que simplemente es correcto en esta Casa para Fiestas es que ninguno de los personajes parece estar acostumbrado a estas reuniones y se comportan como si fuera la primera vez. Incluso, cuando Tía Gladys bebe demasiado y anuncia que el marido de su hermana la besó la primera vez que ellos se encontraron, todo lo que ella consigue es un silencio resignado, aunque para ella suponía la revelación del año.

Foster dirige la película con un ojo seguro para el pequeño material disponible. Ella comprende que aunque el personaje de Holly Hunter proporciona el punto de vista de la película, depende de Durning y Bancroft para centrar justo el interés en ellos como los padres, por ser los encargados de las fiestas familiares. Bancroft y Durning tienen cada uno la sensación de ser los culpables, y de vez en cuando sobreactúan, pero aún así encuentran siempre las notas correctas para mostrar aceptación, resignación, heridas olvidadas, bellos romances y un orgullo terco y pertinaz.

Hay momentos, cuando ellos bailan, en la que tratan de explicar las razones por las cuales las familias consiguen estar juntos en las fiestas, y Durning describe con una gran memoria y de un momento perfecto, la historia de la familia. En ese momento entendemos que aunque la vida no puede darnos demasiado, da a menudo bastante.

La historia de Tommy, el hermano alegre, proporciona un contrapunto a la locura de la droga. Foster y su escritor, W.D. Richter, no cometen el error de fabricar su personaje basado solamente en su homosexualidad. Él es alegre, pero lo que le define en su familia es su personalidad, en ocasiones molesta, y su manera de meterse con su aburrido cuñado, además de sus bromas, sus visiones, y finalmente su propio romanticismo disimulado.

Downey saca todas las complejidades de su carácter, demostrándonos que ha usado un ingenio rápido para lograr sobrevivir de las heridas que lleva en su brazo. Y trayendo a su amigo, el misterioso Leo Fish, ha preparado una sorpresa que ninguno, ni siquiera Claudia, podría anticiparse.

Holly Hunter es una actriz maravillosa. Aquí ella tiene un papel más humano y tridimensional que en sus anteriores películas, quizá porque ahora reacciona y da testimonio de tanto cuanto sabe y ha vivido. No es difícil suponer que en cierto modo representa, junto a su estatura, hasta cierto punto a Jodie Foster. Hay de hecho algunos elementos probablemente autobiográficos que se esparcieron aquí y allí a lo largo del rodaje, aunque no es lo más importante, ya que lo interesante es que Foster y Richter han creado una película que entiende la realidad expresada por Robert Frost cuando él escribió:

“La casa paterna es el lugar donde, cuando usted tiene que ir allí, ellos tienen que alojarlo”.

CONTACT

Contact (1997)

USA

Ciencia-ficción

150 minutos

Color

Technicolor

Producido por: Warner Bros

Productor: Robert Zemeckis y Steve Starky

Director: Robert Zemeckis

Guión: James V. Hart y Michael Goldenberg

Basado en la novela de: Carl Sagan

Fotografía: Don Burgess

Música: Alan Silvestri

Vestuario: Joanna Johnton

Intérpretes:

JODIE FOSTER: Dra. Eleanor Arroway

MATTHEW McCONAUGHEY: Palmer Joss

JAMES WOODS: Michael Kitz

JOHN HURT: S.R. Hadden

TOM SKERRIT: David Drumlin

JENA MALONE: La joven Ellie

La Academia galardonó al director de

“Forrest Gump” y al premio Pulitzer autor de “Contact”, con un premio por la primera toma de contacto con el corazón del universo. Cuando llega un mensaje del espacio profundo, ¿quién será el primero en ir?. Esta es la historia básica: una jornada al corazón del universo.

La doctora Eleanor Arroway, después de años de investigación, halla la prueba de radio definitiva de la presencia de extraterrestres inteligentes que envían planos para una máquina misteriosa. En un principio, nadie considera que ella sea la persona más adecuada para tener el primer contacto con seres de otro planeta y solamente su tesón y sus razonamientos consiguen que sea incluida en el programa para acudir a la estrella Vega.

Pero el primer intento es un fracaso y deben construir otra nave la cual, por fin, logra realizar ese viaje estelar. El problema es que para los terrestres la nave nunca ha despegado y, por tanto, no ha habido viaje, aunque Eleanor afirma rotundamente que estableció el contacto y que en realidad se trata de dos mundos gemelos. Pronto descubre el gran paralelismo que existe entre los creyentes en Dios y su propia experiencia: no tiene pruebas de su viaje a otros mundos, pero está convencida de que es real.

La película fue un rotundo éxito de público y crítica y ya hay quien la compara con “2001: una odisea del espacio”. Los efectos especiales, aunque no son los protagonistas de la historia, aportan buenas escenas en la recreación de la nave alienígena Vaina, durante las escenas de Foster dentro de la nave y en su contacto con el nuevo mundo.

Como ya sabemos, el autor de la novela original, el escritor Carl Sagan, murió antes de poder ver terminada la película, pero antes consiguió aportar a todo el equipo una nota de filosofía e interés por lo desconocido, afirmando que lo desconocido es aún más interesante que lo conocido.

“Una de las cosas más interesantes sobre mi personaje en "Contact" era el intenso envolvimiento de la astrónoma Ellie Arroway con su trabajo. La nota más significativa sobre mi papel de Ellie es la misma que figura en el libro original y que ha sido trasladada a la pantalla y se podía resumir en que ella es completa y totalmente apasionada. Y eso es algo que yo estaba deseando interpretar: alguien que está muy envuelto y muy enfocado en un proceso intelectual, y que ese proceso le permite vivir y visitar lugares muy hermosos y emocionantes. Ellie se siente muy humana y eso es muy interesante porque a menudo se retratan a las personas muy intelectuales como seres muy secos, como científicos que no tienen una conexión con el alma. Cuando nos obsesionamos por algo, cuando algo nos fascina, es maravilloso. Y de hecho, gracias a ese algo, nuestro carácter y personalidad cambian y aumenta nuestra tolerancia para con las otras personas”.

La parte del trabajo de Ellie en la película es muy emocional y se va transformando en cada conversación, especialmente cuando se encuentra con una simulación de su fallecido padre en otro mundo. Para ella, que apenas conoció a su verdadero padre, fue una experiencia profunda bien descrita en la novela de Sagan.

Todo lo que pasó antes, especialmente en su infancia, y que dejó una herida profunda dentro de ella, estaba curándose gracias a la película.

“Yo estoy totalmente de acuerdo en que se trata de una escena crucial. Para mí, ésa fue una razón por la cual yo realmente estaba atraída una y otra vez por esta película con el paso de los años. Esa es la escena que supone el momento más importante en la película.

Sabía que era mi obsesión y creo que en cierto modo, en "Nell" se trata básicamente de la misma historia, de la misma maldición”.

Foster admite que ella nunca fue una gran entusiasta de la ciencia ficción o la fantasía en el cine, a menos que hubiera una conexión humana real, y entonces es cuando se interesa completamente por ella. Manifiesta que le gustan las películas como “La amenaza de Andrómeda”, una historia de terror con un problema médico el cual puede afectar a toda la humanidad sin necesidad de poner a hombres verdes pequeños. Su afición personal a la ciencia-ficción está en la conexión humana con otros seres, pero no en los efectos especiales.

Dedicó muchas horas libres en Seattle a estar con Carl Sagan durante sus últimos días, y con su esposa (productora de "Contact") Ana Druyan, hablando sobre el desarrollo de la película y los problemas de la dirección.

“Yo esperaba que Sagan comprendiera que hago cine para intentar mejorar la historia de una novela, y no empeorarla, y uno de los motivos por los cuales quise hacer esta película fue para honrar realmente la visión del original de Carl, y creo que he conseguido proteger su idea real. Evité especialmente hacer una película que hablase de la NASA y cosas del espacio”.

Respondiendo a un comentario efectuado por su compañero el actor Tom Skerritt, el cual tiene sus propias creencias, dijo que todo descubrimiento es importante para un científico, especialmente si encaja en su creencia. Pero los descubrimientos científicos más importantes fueron hechos por personas que se atrevieron a decir que dos más dos es posible que sean cinco. Ellos están en ese momento de sus vidas dónde quieren arriesgarse, y necesitan creer ciegamente en algo, aunque sea estúpidamente. Realmente no saben los riesgos que están engendrando, algo que no ocurre a las personas de más de cuarenta años, quienes necesitan estar seguros antes de involucrarse en algo arriesgado.

Ellie tiene esta idea, aunque le es difícil explicarla, aunque lo ha intentado muchas veces, pero siempre se encuentra con oposición a causa de su poco tacto al hablar. Es consciente de que tendrá que pelear en solitario para que la escuchen, pero debe insistir puesto que su creencia ayudará a la humanidad y no se conformará con soluciones menores o imperfectas.

Ellie es una mujer que ha logrado un buen puesto en su vida, y tradicionalmente sabe que las mujeres que han conseguido puestos similares han tenido que pelear para demostrar que pueden hacerlo y que la igualdad de sexos no es una palabra. En “El pequeño Tate” hay dos mujeres, una de ellas representa de algún modo la cabeza, y otra el corazón.

Desgraciadamente, en nuestra cultura, las mujeres han tenido que escoger entre los dos y eso es un camino difícil de elegir.

En "Contact", uno de las cosas que consigue Ellie es meterse en problemas, pero elige esta opción porque quiere ser el astronauta que represente a la humanidad. El problema es que está aturdida por el descubrimiento y no mide sus palabras, no es diplomática, no sabe cuándo decir la palabra correcta, porque no está acostumbrada a enmascarar la verdad.

Tampoco está interesada en decir justo lo que los demás quieren oír. De alguna manera, el hecho es que aunque trata continuamente de ser amable, casi agresivamente, su carácter provoca que no sea una persona fácil para ayudar. Hay quien la escogería como astronauta sin dudarlo, pero otros quieren quitársela de en medio. Afortunadamente cuenta a su lado con un amigo que sabe hablar con la prensa, que no actúa como si tuviera una misión trascendental, y por eso es fácil dialogar y hasta cenar con él.

“Estoy orgullosa de saber tanto sobre el feminismo y no me asusta confesar que soy feminista, pero al mismo tiempo, el papel de la mujer en nuestra sociedad ha cambiado dramáticamente, porque nuestras tradiciones están cambiando. Ahora veo que las teorías feministas no encajan como antes porque las personas están evolucionando”.

Películas de la TELEVISIÓN

1970 “Menace on the Mountain”

1973 “Alexander”

1974 “Smile Jenny, Youŕe Dead” conocida como “Harry”

1975 “The secret life of T.K. Dearing”

1977 “Rookie of the Year

1983 “Svengali”

1984 “Le sang des autres” conocida como “The Blood of Others” Filmes producidos por Jodie Foster

1986 “Mesmerized” conocida como “Shocked”

1994 “Nell”

1995 “Home for the Holidays”

Películas dirigidas por ella:

1978 “Hands of Time” (corto)

1988 “Tales From the Darkside” (30 minutos)

1991 “El pequeño Tate”

1996 “Home for the Holidays”

1997 “Flora Plum”

Apariciones en series de TV

1955 “Gunsmoke” como Susan Sadler

1960 “My three sons” como Priscilla

1964 “Daniel Boone”

1969 “Courtshipof Eddieś Father the” como JoeyKelly

1959 “Medical Center”

1972 “Ghost Story”

1972 “The Paul Lynde Show”

1972 “The Amazing Chan andthe Chan Clan” (voz de Anne Chan) 1973 “The New adventures of Perry Mason”

1973 “Bob & Carol & ted & Alice” como Elizabeth Henderson 1973 “The Addams Family” (voz de Pugsley Addams)

1974 “Paper Moon” como Addie Pray

1994 “A Century of Women” (sólo voz)

Notables apariciones como invitada de TV

1969 “Julia” (en el episodio de “Romeo y Julieta”)

1970 “Nanny and the Professor”.

1971 “Ironside” (en el episodio “Bubble Bubble Toil and Murder”) 1972 “Bonanza” (en el episodio “No Place to Hide”)

1972 “My Sister Hank” como Henrietta “Hank” Bennett

1973 “Love Story” (en el episodio “The Youngest Lovers”) 1973 “The Partridge Family” como Julie Lawrence

1973 “Kung Fu” como Alethea Ingram

1975 “Saturday Night Live” como anfitriona (en el episodio “Puberty Helper” )

1993 “Frasier” como Marlene (en el episodio “Moon Dance”) 1997 “Expediente X” como la voz de “Betty” (en el episodio “Never Again”) Otros trabajos:

1960 Anuncio de TV para la pasta dentífrica “Crest”.

1977 “Rabbit Ears - El Pescador y su esposa”, un cuento de hadas clásico animado para Vídeo Playground y narrado por Jodie Foster (30 minutos.) 1988 “Rabbit Easrs” – Sigue la clásica colección de cuentos de hadas muy conocidos, narrada por varias celebridades (30 minutos.)

1993 “Todo sobre Bette” - (TV) como presentadora.

1995 “La Haine” - Jodie trajo esta película a los teatros de América.

1996 “Reel Women” - Un CD-ROM sobre las mujeres en el cine, por Jodie Foster.

1997 Homenaje a Martin Scorsese dirigido por Louis J. Horvitz, y en el que intervinieron: Sharon Stone, Martin Scorsese, Joe Pesci, Kris Kristofferson, Winona Ryder, James Woods, Kevin Pollak, Jodie Foster, Robert de Niro, Don Rickles, Gregory Peck y otros.

Y también un anuncio de TV para la fábrica Honda en Japón.