JAMES DEAN © Adolfo Pérez Agustí
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JAMES DEAN

Un enorme culto global ha crecido hacia James Dean, treinta y seis años después de su muerte a la edad de veinticuatro años, con espectáculos y merchandising mucho más importantes que entonces. Dean, hoy, es todavía un gran negocio. La gente que no ha visto nunca sus películas compra pósters y otros recuerdos de él porque representan algo sobre su juventud, rebelión y carisma.
En la vida real, Dean se rebeló contra la chaqueta que Hollywood trató de ponerle, advirtiéndoles que no se conformaría con la imagen pre-fabricada que Hollywood solía presentar de sus estrellas. Él quería ser simplemente como su gran héroe, Marlon Brando. Por eso el estilo de Dean es similar al de Brando excepto en que su manera de ser es más sencilla, más joven y, quizá, con más personalidad. Por eso mantuvo tremendas diferencias con su presencia en la pantalla, con su capacidad para dominar el espacio y forzar al auditorio a mirarle.
Todo actor es algo narcisista, pero Dean parecía tener demasiado narcisismo. La necesidad de mostrar a sí mismo y sobre la pantalla sus emociones estaba por encima de cualquier otra necesidad, aunque para muchos podría haber escogido ocultar su vida privada. Pero él reconoció que actuando mantenía sus propias fantasías interiores: “Mis neurosis se manifiestan fácilmente durante las escenas dramáticas. ¿Por qué actúan así la mayoría de los actores? Para expresar las fantasías que ellos tienen en su interior”. La conclusión es que el talento de Dean coloca a su alcance todo el poder necesario para entusiasmar auditorios masivos con esas fantasías interiores.

Introducción

James había hecho tres únicas películas importantes antes de su muerte: Al este de Edén, Rebelde sin Causa (ambas en 1955) y Gigante (1956.) En “Al Este de Edén” interpretó a Cal Trask, el hijo no-deseado del malhumorado Adán Trask, interpretado por Raymond Massey. Elia Kazan dirigió la película y escribió sobre cómo Dean improvisaba su estilo irritando a Massey, quien pertenecía a la vieja escuela de actores que creen saber todo sobre el guión y sus movimientos. En una escena famosa de la película, Dean tira sus brazos alrededor del cuello de Massey (su padre) e implora que le diga que le quiere. Esto no había sido muy ensayado por ninguno de los dos, aunque para muchos Massey tiró realmente a Dean, tal era la hostilidad que sentía por el actor. El director Kazan admite que usó el antagonismo entre Dean y Massey para generar tensión sobre la pantalla y, de hecho, clandestinamente fomentaba esta hostilidad entre las dos de estrellas.
En “Rebelde sin Causa” Dean era un personaje molesto, un adolescente de una escuela superior a punto de llegar a ser un delincuente, en su mayor parte a causa de la carencia de amor y estabilidad en su vida familiar. Aunque Natalie Wood y Sal Mineo forman un tipo de familia parecida, Dean les domina completamente. Nicholas Ray, el director, le convirtió en un actor privilegiado al permitirle robar escenas y poner su nombre en grande en las carteleras, dominando a los demás actores. Dean en este personaje, y en su interpretación de Cal Trask, pareció adoptar una actitud rebelde similar a la de los jóvenes americanos que empezaban a hervir en protestas masivas durante los sesenta. “Gigante” era su última película (“Al Este del Edén” fue estrenada después de su muerte), y en ella actuó junto a Rock Hudson y Elizabeth Taylor, interpretando al forastero Jet Rink, el huérfano indigente que llega a ser millonario gracias al petróleo. Su estilo vacilante favoreció al joven Jet Rink, pero cuando con el paso de los años hemos vuelto a ver la película, su carencia de técnica muestra que poseía un estilo casi amateur, aunque no por ello menos sugestivo.

El 30 de Septiembre de 1955 Dean murió mientras conducía su Porsche a lo largo de una carretera californiana. Cuando murió, su fallecimiento repentino alimentó su leyenda de rebelde, alguien que había vivido a puntapiés, y que se había convertido en un tiempo récord en un adulto combatiente, plenamente eficaz. Los mitos crecieron a su alrededor: ¿Era homosexual o bisexual? ¿Se suicidó o fue su muerte un accidente? ¿Eran él y Rock Hudson, amantes? La verdad nunca mezcla bien con una leyenda tan inverosímil y nosotros lo que siempre sabremos es que el verdadero James Dean era único.
Dean estaría realmente contento si hubiera podido vivir para ver que, con solamente tres películas, se había convertido en un ídolo mundial, aunque el culto a su imagen desbordó todas las previsiones. La leyenda de James Dean representa algo muy significativo para millones de personas y no tener su presencia real no significa que deba desaparecer de nuestra cultura.

¡Él se ha ido, pero siempre volverá!

James Byron Dean nació el 8 de Febrero de 1931 en Indiana, Estados Unidos. Apodado Jimmy Dean, su primer apellido Byron se lo pusieron por un amigo de su padre que trabajaba en la misma empresa de Fairmount. Hijo de Wintin Dean, de profesión técnico dental y de Mildred Wilson, su padre lo trasladó a Fairmount, Indiana, cuando su madre falleció. El pequeño Jimmy tenía solamente seis años y desde ese momento se quedó a vivir en una granja que tenían sus tíos.
Durante su época en la escuela estudió teatro durante dos años y una vez adquirida la experiencia necesaria decidió dedicarse profesionalmente a la carrera de actor. Su primer papel fue el de un muchacho árabe homosexual que es chantajeado por ello, en una producción neoyorquina de Gidés titulada "El Inmoral", ganado con ella el suficiente dinero como para dirigirse a Hollywood. Sus primeros trabajos en el cine eran exclusivamente como extra o poco más y le pudimos ver en “Vaya par de marineros”(1951) con Dean Martin y Jerry Lewis, una comedia musical demasiado frenética. Después como un recluta que debe ir a pelear a la Guerra de Corea, en la película de Richard Basehart “Fixed Bayonets” (1951) y como adolescente al lado de Rock Hudson y Piper Laurie en la comedia “Has Anybody Seen My Gal?” (1952.) También realizó un pequeño papel al lado de John Wayne y Donna Reed en “Un conflicto en cada esquina”.

Dean tuvo papeles importantes en tres únicas pelícu las: “Al Este del Edén” de Elia Kazan y con producción de John Steinbeck (1955) en donde interpretaba a Cal, el hermano "malo" quien no puede lograr conseguir el afecto de su padre, ni colgándose de su cuello. Este fue su papel estelar, pero el que fijó su imagen para siempre en la cultura occidental y especialmente en la estadounidense, lo mismo que cuando se puso la chaqueta roja del adolescente Jim Star en “Rebelde sin Causa” (1955) de Nicholas Ray. El rodaje de la obra de Edna Ferber “Gigante” (1956) de George Stevens, donde interpretó al inconformista y luchador Jett Rink, simplemente supondría el broche de oro para su carrera.
Como ya sabemos, cuando finalizó el rodaje de esta película, Dean, al volante de su plateado Porsche Spyder, chocó con otro automóvil en Paso Robles, California. Su cabeza se separó casi de su cuerpo. En ese momento tenía en su poder un permiso para participar en una carrera automovilística entregado dos horas antes.
Su vida de gran actor fue muy breve, tuvo una muerte violenta y el funeral llenó las páginas de los periódicos del mundo entero, transformando a James Dean en un objeto de culto con una fascinación popular aparentemente eterna.

Este era, es, James Dean. Nosotros le recordamos en su buena época en Hollywood, cuando Dean no parece escuchar a su director. Apenas ensaya y no puede permanecer quieto un minuto. Cambia sin previo aviso los movimientos indicados en el guión, los gestos y las escenas que se han acordado, desconcertando a sus compañeros por los cambios hechos a sus respuestas, mascullando o masticando sus palabras. Entonces ahí está su mirada juguetona.
A riesgo de desilusionar a sus fans, no quiero pensar que murió en su coche (como dijeron otros 50.000 estadounidenses durante ese mismo año), porque estaba desesperado y cansado de la vida. Él, simplemente, había pertenecido a una generación perdida, sin mitos e indiferente.
Su temeridad, los riesgos que tomó conduciendo, eran el resultado del clima de indiferencia, sin valores morales y desprovisto de coraje, en el que vivió. De aquí en adelante, esta soledad le afectó seriamente, pero no consiguió apagar su ardor por vivir y triunfar.

Unas semanas después de su muerte salió al mercado un single que contenía una canción titulada “James Dean’s Christmas in Heaven” (Las Navidades de James Dean en el Cielo), ciertamente mitómana, pero que dejaba bien claro lo que había supuesto para los aficionados.
Años después encontré a otro mito llamado Marilyn Monroe. Era una mujer burbujeante y tenía la mirada de un zafiro y la frescura del rocío. Condicionada fuertemente por la moral de aquellos años, fue capaz de aparecer desnuda ante todos, sin el menor asomo de vergüenza ni arrepentimiento. Todo relumbraba a su alrededor, pero esta apoteosis mágica tuvo la contrapartida de la humildad, la soledad, la sensibilidad y la angustia. Mucho se ha escrito sobre este aumento de la soledad que aprisiona a las estrellas más adoradas del cine, y que les hace tanto daño que a veces los destruye. Unido a la fama espectacular y grandiosa, existe la tristeza silenciosa que les inclina a sumergirse en las aguas del océano y desaparecer para siempre.
¡La gloria! ¿Pero se vive esta gloria realmente con la embriaguez del dinero, el rugido de la muchedumbre, los sacrificios en el nombre de la publicidad, la tensión interminable y la insufrible tensión nerviosa? Este modo de vivir tan desenfrenado produce al principio una ilusión brillante de vivir con plenitud, pero que desaparece repentinamente, sin que nada ni nadie lo pueda justificar, pero que obliga a veces a tomar decisiones drásticas en la vida.
Con James Dean sonaron las mismas campanas de alarma que posteriormente sonaron en Marilyn Monroe. Él, como ella, tentaron al destino y jugaron con la muerte como diversión. Ambos tenían las mismas necesidades, él con sus 24 años y ella a los 36. Necesitaban un toque de fantasía en sus vidas para hacerla más agradable, alguna aventura amorosa y quizá algún consejo certero que les quitara su inquietud. Es extraordinario y misterioso que la sensación creada por sus muertes no ha terminado. Más que el recuerdo de un cadáver tenemos en la mente una imagen radiante, triunfadora y llena de vida que nos acompaña en nuestros recuerdos, como si fuera un desafío a las leyes de la vida y la muerte. Una imagen en nuestras mentes que nadie puede borrar. Desde el cadáver dislocado una imagen radiante y brusca se nos muestra delante, como si en el desafío de las leyes de vida y muerte, nadie puede tachar esa imagen.
El cine, afortunadamente, nos permite realizar el milagro de la vida eterna, poniéndonos delante de nuestros ojos, tantas veces como queramos, la imagen de la persona que admiramos. Por eso las estrellas del cine nunca mueren.

LA REVISION DE UN MITO

El accidente mortal que sufrió James Dean el 30 de septiembre de 1955, cuando tenía 24 años de edad, lo convirtió en una leyenda mundial, la cual no solamente perdura, sino que se hace más intensa cada año. Ahora ya hay gafas James Dean, pantalones James Dean y, como no, miles y miles de camisetas con su imagen para que quede constancia que las nuevas generaciones sienten gran interés por ese joven que murió cuando apenas había empezado a vivir.
En los años 50 hubo dos personas que transformaron la cultura de esa generación: Elvis Presley que cambió drásticamente la música, y James Dean, que cambió la forma de vivir de los jóvenes. En aquella época apenas se escuchaba a los jóvenes y hasta que llegó James Dean nadie hacía caso de sus problemas, con unos padres tratando de sobrevivir a una postguerra mundial y a una guerra civil en España. Los problemas de los jóvenes era necesario aparcarlos, en demanda de otras necesidades más vitales. Los jóvenes, por tanto, y sus problemas, eran ignorados, pero James Dean consiguió que la rebelión de los adolescentes pareciese heroica. Antes de él la adolescencia se consideraba una pesadilla, un trauma que inevitablemente había que pasar para llegar a ser adulto. Pero con Dean ser joven era algo bueno, deseable. Cuando murió, nadie quiso hacerse mayor.

Demostraría ser un modelo intemporal a medida en que las sucesivas generaciones fueron averiguando su historia, su triunfo y su tragedia. Para muchos de los adultos que le conocieron James era “oro puro”, claramente expresado a través de los tres personajes que interpretó en la pantalla, y son tan actuales como cuando las películas suyas se vieron por primera vez.
Jimmy empezó todo el movimiento juvenil y muchos jóvenes de hoy, al mirar atrás y revisar su vida, comprenden que aunque ellos no habían nacido cuando él murió, fue el primer rebelde, el primer joven que hizo preguntas. Fue también el primero en dar a los adolescentes una identidad, esa imagen de frustración que se mostraba claramente con el rock and roll. Muchos de nuestros contemporáneos más famosos poseen imágenes de James en su casa, visten todavía como él y hasta podríamos percibir que miran y se mueven igual.
La camiseta, una prenda que ahora es popular en el mundo entero, no existía antes de James Dean, salvo como ropa interior. Desde que James se exhibió en sus películas con ella y posteriormente también Marlon Brando, se convirtió en la prenda veraniega de vestir más universal y eso se lo debemos a James, del mismo modo que los pantalones vaqueros se los debemos a John Wayne.
Antes de James a los adolescentes se les miraba como estereotipos: como personas musculosas, pendencieras, hambrientas de sexo y sin ganas de trabajar. Entonces llegó “Rebelde sin causa”. En esa película Dean interpretó a un joven rebelde que luchaba contra la hipocresía de su familia y la sociedad. Y así, de la noche a la mañana, con su imagen los jóvenes consiguieron que el paso de la juventud a la vida adulta pareciera algo atractivo y fácil.
James Dean se convirtió así en un punto de referencia para una generación que podía identificarse con él, con su forma de vestir con camisetas, vaqueros, botas, y por la certeza de saber que los jóvenes compartían todos la misma forma de sentir y pensar. Transmitía lo que todo adolescente sentía pero no podía expresar.
Procedente de la zona rural de Indiana, James tenía un montón de contradicciones, al no poder encajarse en un solo lugar: era un vaquero, un intelectual de Nueva York y una estrella de Hollywood. Se metía tanto en sus papeles que nunca supimos dónde empezaba el personaje y cuándo veíamos al verdadero James, aunque quizá el asunto estaba en que el verdadero James no era diferente a sus personajes, quizá porque los directores lo habían tenido en cuenta.

Su familia

Nació en 1931 en Marion, Indiana, y su familia se trasladó al poco tiempo a la zona rural de Fairmount, en donde su padre, un gran técnico en ortodoncia, consiguió tener un buen empleo, por lo que su familia se vio poco afectada por la gran depresión. Cuáquero de religión y hombre muy trabajador, su padre Wintin Dean crió a su hijo en los conceptos que su religión le inspiraba, por lo que el joven James se refugió entre los brazos de su madre Mildred Wilson, mucho más cariñosa que su padre y más predispuesta a perdonar los desplantes de su hijo. La pasión que Mildred tenía por el arte se lo traspasó a James. Con su figura menuda, sus deslumbrantes ojos y su contagiosa sonrisa, conseguía introducir el optimismo allí donde estuviera. Sumamente enérgica y trabajadora, solía realizar cortas obras de teatro cómico en su casa imitando a los vecinos, lo que provocaba las risas de su pequeño hijo, el cual trataba de imitarla también.
Cuando Jimmy tenía seis años se trasladaron a Los Angeles y tres años después su madre murió de cáncer, con apenas 29 años.

“Mi madre murió y todo quedó a mi cargo. ¿Alguien pensó que yo iba poder a hacerlo todo solo?”.

Incapaz de superar la pérdida de su mujer y poder criar a su hijo con serenidad, su padre le envió de nuevo a Fairmount con sus tíos. El dolor de James fue tan grande que durante el viaje en el tren se bajaba en todas las estaciones para comprobar que el vagón que transportaba el ataúd de su madre seguía allí. Al llegar a su destino le pidió al maquinista que le permitiera quedarse con la taza y el plato del viaje. No quería olvidar aquél día nunca.
Su tía Hortensia y su marido Marcus Wislow serían a partir de ahora sus nuevos padres. James tenía nueve años y al igual que su tía, ambos eran hijos únicos y por tanto condenados a pelearse continuamente. Afortunadamente, la comunidad religiosa que imperaba en Fairmount aportaba al pueblo unas características muy adecuadas para el desarrollo emocional de James. Tolerantes, amables y deseosos de agradar al prójimo, eran como una gran familia preocupada por ese niño que prácticamente estaba ya huérfano.
Su tío Marcus, consciente de la necesidad que los niños tienen de hacer ejercicio físico, le puso una canasta de baloncesto y una valla para pértiga, con las cuales podía jugar con James y asegurarle un buen desarrollo físico. Poco a poco desarrolló unas adecuadas habilidades físicas que le permitieron incorporarse con el resto de sus compañeros de colegio, a una edad en la cual la destreza física es una necesidad para ser respetado por sus amigos. Su tenacidad, más que su condición física, le hicieron destacar en el atletismo y el baloncesto durante su estancia en el colegio, y eso que medía justo un metro setenta de estatura, ligeramente por debajo de la media en un país de chicos altos. El único problema que tenía era que estaba miope, lo que le obligaba a llevar gafas, las cuales se rompían con la misma facilidad que encestaba canasta; hasta doce pares llegó a mencionar que rompió durante sus años de estrella del baloncesto. Eso, y su carácter que no admitía una derrota deportiva, le provocaron numerosas lesiones por exceso de entusiasmo.

“Tuve que abandonar el violín y la danza, pero nunca quise renunciar a la creación artística. Mi intención fue siempre consagrar a ella toda mi vida. Me gustaba tanto el arte y había tantos campos, que era difícil que no encontrara alguno”.

Su interés por el teatro

Apenas tenía diez años cuando ya sintió la afición por el cine y para emular a sus estrellas pidió que le pusieran una plancha de cemento fresco en el jardín, en donde plantó sus manos y puso su nombre al lado de una estrella, de manera similar a como hacen las grandes estrellas en el Hollywood Bulevar.

“Jimmy era una de esas personas –comentaba su tío que están empeñadas en ser los mejores y no admiten la vulgaridad. Cuando iba a patinar con él sobre el hielo del lago solíamos sentarnos a descansar de vez en cuando y nos contábamos historias junto al fuego. Cuando yo aún no había comenzado a recuperar el aliento él ya estaba de nuevo patinando para ganar fondo y destreza; hasta en un simple juego quería ser el mejor. Cuando cumplió los diecisiete años le regalé su primera moto y como hacen todos los adolescentes se empeñaba en realizar carreras de velocidad con todos sus amigos. Por supuesto, modificó el tubo de escape para cambiarle el sonido y que todo el mundo se enterase que venía Jimmy. La llamaba su “Pop moto”.

Conjuntamente con su afición por los deportes y las motos, prendió fuertemente en James el mundo del arte, interesándose por las manualidades y la pintura, hasta el punto de que en un trabajo para el colegio escribió que estaba seguro que su vida estaría dedicada por entero al arte y la interpretación.
Cuando llegó al Séptimo curso en sus estudios, su tía Hortensia le convenció para que hiciera una lectura para la Asociación de Mujeres Cristianas a favor de la abstinencia, no sabemos si sexual o de otro tipo. Tuvo mucho éxito y eso le empujó a continuar con sus lecturas y a profundizar en el mundo del arte escénico.
Animado y encauzado por su profesora de dicción Adeline Nall, de la cual algunos biógrafos afirman que estaba enamorado, se interesó y perfeccionó en la interpretación teatral. Su primera intervención como actor fue en una representación juvenil de “Lo que el viento se llevó”, continuando posteriormente con la obra “El loco” de Charles Dickens, actuación por la que fue premiado en el Concurso de Arte Dramático para aficionados de Longmont, Colorado. Este primer premio supuso una sorpresa para todos, incluso para los jueces, extrañados que un chico tan joven hubiera elegido una obra tan compleja para concursar.
Estos hechos ocurrían en 1949, año en el cual Jimmy abandonó sus estudios con el fin de dedicarse al teatro. Había saboreado por primera vez la fama y esa era una tentación demasiado fuerte para un joven que no deseaba ser vulgar en nada. Su padre no opinaba lo mismo y le insistió para que se fuera a vivir con él y continuase sus estudios en la Escuela de Estudios Jurídicos de Santa Mónica (California). Allí, dedicado a unos estudios que aborrecía, comienza una vida aburrida y sin ilusiones, solamente rota cuando su mente le lleva a mundos artísticos en los cuales se imagina siendo un triunfador en el mundo del teatro.
Declarado inútil para el servicio militar a causa de su miopía, su padre, para darle un aliciente en su vida le regala un automóvil marca Chevrolet, lo que le permite dos cosas: salir por las calles y llamar la atención de las chicas (siempre deseosas de pasear con un “chico-guapo con coche”), además de poder viajar hasta Los Angeles. Allí se inscribe en la Universidad y asiste a las clases de arte dramático que impartía James Whitmore. Deseaba aprender algo más que el enfoque tradicional que ofrecía su anterior escuela.

“Fui a ver a Whitmore porque estaba enseñando el método experimental de interpretación de Stalinslawsky. Desgraciadamente no me tomó en serio y decía que mi afición era una tontería”.

Pero este hombre no le desmoralizó y cuando adquirió los conocimientos suficientes se presentó en una agencia de publicidad y realizó un anuncio para la Pepsi-Cola, en donde canta y realiza un amago de baile con otros chicos. Ganó 30 dólares por esa actuación. Esto le lleva a ser contratado en una obra de televisión (“Hill number one”) sobre el Apóstol San Juan, aunque no sabemos cómo estuvo caracterizado. No debió quedar muy feo ya que las chicas de un convento local se enamoraron de ese atractivo apóstol, tan joven y de mirada seductora, y fundaron un club de fans.
Esto hubiera sido suficiente para cualquier otro joven, pero su anterior detractor, el comediógrafo James Whitmore le dijo que si en verdad quería triunfar en el mundo de la interpretación debería dirigirse a Nueva York, al Actor’s Studio. No lo pensó dos veces: cogió sus pocas pertenencias y aún en contra de los deseos de su padre se fue a Nueva York.

“Recuerdo que Nueva York me absorbía. No caminaba más allá de dos manzanas desde mi hotel. En mi intento de escapar de la soledad, veía tres películas diarias”.
“Al principio me intimidó esa gran ciudad, pero al poco tiempo supuso el efecto contrario y era como una droga, como un estímulo imparable de triunfar”.

En pocos días averiguó dónde se reunía la gente del teatro y se incorporó en su mundo. Sus escasos ahorros y el dinero que le enviaba su padre, le permitieron vivir en una habitación pequeña de un hotel, consiguiendo con dificultad comer todos los días. Eso no le desmoralizó nunca, no se rindió, y ni siquiera se planteó la necesidad de buscar un trabajo diferente al de ser actor.

Solía ir a los bajos del Cromwell Drangstore, en el sótano del edificio de la NBC de Nueva York, conjuntamente con un amigo, deseando que algún cazatalentos se fijara en ellos y les propusiera un papel. Pero todo lo más que hacían era desesperarse y discutir las causas por las cuales nadie se fijaba en ellos y lo hacían con otras personas a las que ellos consideraban sin talento alguno. Pero los propietarios de esa cafetería estaban ciertamente hartos de los cientos de jóvenes que llenaban sus salones sin realizar otra consumición que un café o una cerveza, con la cual permanecían horas y horas en espera de realizar algún contacto. La solución que adoptaron fue muy sencilla: subieron el precio de las consumiciones más baratas y en pocos días vieron sus locales vacíos de gente desesperada por trabajar en el cine.

El Actor’s Studio

En las pruebas para el Actor’s Studio, en donde en principio solamente había sido admitido como oyente, su interpretación fue tan interesante que fue admitido, aunque no se integró durante las primeras sesiones a causa de las normas rígidas de la academia.

“No puedo permitir que me diseccionen como si fuera un animal de laboratorio; si lo permito quizá no pueda volver a actuar”.

La teoría en la cual se basaba esta legendaria escuela de actores era muy simple: el actor debe utilizar toda su experiencia en la vida real y traspasarla a la pantalla, a sus personajes. La frontera entre la vida real y las historias de la pantalla tenía que establecerla el propio actor, sin nadie que le dirigiera ni le corrigiera sus errores, aunque se les advertía que jamás confundieran ambas. Esto era algo que Jimmy no entendía y no encajaba con su manera de actuar, deseoso de traspasar a su personaje su propio carácter, sus miedos y sus odios. Estaba convencido de que si podía hacerlo, su papel en la pantalla ganaría fuerza y sería, sobre todo, mucho más convincente.
Para sus dirigentes esto era un riesgo, ya que las vivencias del actor podían interferir en el carácter del personaje, el cual obviamente había sido creado al modo y manera de su autor. El actor, debía ante todo fingir, pero aprovechando su experiencia en la vida. En opinión de alguno de sus amigos, lo que James pretendía era aprovechar su interpretación expresionista para educarse a sí mismo, que le sirviera para su vida particular. La reacción del público le indicaría si ese modo de comportarse era el más adecuado para andar por la vida.

“Me gusta mucho leer libros de buena literatura, no suelo leer novelas de evasión. Me apasiona el expresionismo literario y la filosofía y en ocasiones prefiero leer seis libros de una vez, saltando de uno a otro”.

La televisión

En los años 50 la televisión invadía ya los hogares norteamericanos y la mayoría de los actores y directores buscaban encontrar allí un lugar, temerosos que la época dorada del cine se hubiera acabado. James fue uno de los actores escogidos para actuar en más de treinta series dramáticas y aunque nunca logró la fama con ellas, sirvió para que su imagen fuera captada por diversos productores de Hollywood. Veían en él un actor distinto, tan diferente que les daba la impresión de no estar actuando. Su honradez en escena se contagiaba y quería demostrar que no estaba fingiendo, que sentía lo que su personaje hacía.
Su primera actuación en Broadway fue en “See the Jaguar” del escritor N. Richard Nash y dirigida por Michael Gordon. En ella, arropado por Arthur Kennedy y Constance Ford, interpretaba a un adolescente sencillo, acorralado y enjaulado por el matón local. La obra fue un desastre comercial y duró apenas cinco días en cartel, pero consiguió buenas críticas. Incluso la revista “Variety” dijo de él: “Graben en sus memorias el nombre de James Dean; dentro de poco volverán a oír hablar de él”
Posteriormente se introdujo en la televisión y allí dejó constancia, no solamente de sus dotes interpretativas, sino de su carácter díscolo y rebelde. Un día, cuando estaba ensayando en un programa de televisión junto a E.G. Marshall, logró ganarse las antipatías de sus compañeros al exigir que le diesen más tiempo para perfeccionar su personaje, aunque ello supusiera marginar a los demás. Afortunadamente, su carácter inquieto le granjeaba posteriormente las simpatías de todos y acaban juntos en el restaurante del último piso del Museo de Arte Moderno. Allí solía acudir también el compositor Leonard Rosenman, quien más tarde haría las bandas sonoras de las películas “Al Este del Edén” y “Rebelde sin causa”.
Un día, o mejor dicho, una noche, alguien llamó a la puerta de la casa de Rosenman y le pidió que le enseñara a tocar el piano. Aquél chico, vestido de negro al estilo de un nazi, era James Dean y durante varias semanas se dedicó a intentar descifrar las notas musicales impresas en una partitura, sin entender la causa por la cual, sin saber leer el pentagrama lleno de notas, no podía tocar una sonata de Beethoven
Conjuntamente con sus estudios de música empezó a practicar ballet con Katherine Dunhan y en opinión de su profesora, James parecía ser una de esas personas que subconscientemente casi hubiesen querido ser bailarines en lugar de actores. Tenía una gran sintonía con su cuerpo y sabía moverse con sencillez. Esa experiencia en el baile le sería muy útil posteriormente en el cine, especialmente durante la secuencia de la pelea con navajas en “Rebelde sin causa”. Como dato curioso diremos que esa manera de moverse sedujo grandemente a Geraldine Page y enojó a Louis Jourdan.

Posteriormente, el productor Billy Rose le ofreció el papel de un árabe homosexual para la película “The Inmmoralist”, del escritor francés André Gide. El filme se estrenó en Diciembre de 1953 en Nueva York, y estuvo dirigida por Daniel Mann. Su papel, sumamente conflictivo en una época en la cual la homosexualidad no solamente era tabú, sino que estaba considerada como ilegal, le proporcionó grandes triunfos y fue nombrado por la asociación David Blum, como el actor revelación del año, al mismo tiempo que le concedieron los premios Donaldson y Perry Award.
Unos días después del estreno y cuando todo parecía ir sobre ruedas, James dijo que abandonaba la obra y que se marchaba a Hollywood. Le había escogido Elia Kazan, uno de los promotores del Actor’s Studio, para que interpretara a Carl Trask en la película “Al este del Edén”, basada en la famosa novela de John Steinbeck. Curiosamente, James ni siquiera mostró interés en leer la novela original y se concentró exclusivamente en el guión.
Pero no todo era fácil con Jimmy, ya que para desesperación de los productores nunca se aprendía fielmente el guión y cuando lograba memorizarlo lo alteraba en cada toma.

“ Creo que el secreto de la interpretación, consiste en no saberse muy bien el diálogo – afirmó en una ocasión para disculparse -. Si no te sabes bien el diálogo, entonces hay que improvisar y seguramente saldrá algo mucho más real”.

Al este del Edén

Aunque ya tenía el papel asegurado, en una escena de prueba con Joanne Woodward, que interpretaba a la novia de su hermano, se volcó en la actuación. Un dato de especial interés es que la película estuvo pensada en un principio para Paul Newman y Joanne Woodward (pareja en la vida real).

El casting que realizó Newman no fue del agrado de los productores y a pesar de la oposición del director Elia Kazan, que pedía que llamaran también a Marlon Brando o a Montgomery Clift, el papel principal fue para James.
Incluso en las pruebas de vestuario era Jimmy quien llamaba la atención y el tiempo demostró que fue una genialidad de Kazan escoger a ese joven de 23 años para el papel. Desde el momento en que le vemos caminando por las calles de Monterrey, su imagen transmite algo hipnótico, magnético. Su trabajo consiguió cambiar lo que en inicio era un melodrama de aquellos años, en una historia de gran intensidad capaz de ser vista con igual interés por otras generaciones venideras.

Kazan no fue ajeno a este triunfo. Su gran experiencia como difusor del Método, el sistema de interpretación del Actor’s Studio, le permitió dirigir acertadamente a James y fue capaz de sacar y permitir que los crudos sentimientos que el joven escondía por su verdadera madre, se extrapolaran al personaje de su madre de ficción.
La película “Al Este del Edén” fue filmada en Mendocino, California, que debía simular que era la conflictiva Monterrey. Con el fin de lograr una buena armonía entre los actores, James fue invitado a vivir con Monty Roberts, otro actor que vivía realmente en Monterrey y que le podía enseñar cómo vivían los jóvenes allí, todo para que fuera lo más real posible.
Pero no todo el mundo estuvo de acuerdo con la actuación de James, ya que empezando por la productora Warner que aceptó a regañadientes esa imposición de Kazan, hasta el mismo productor ejecutivo, los comentarios que se oían durante el rodaje eran de lástima hacia Kazan, al cual le vaticinaban el gran fracaso de su vida profesional al tratar de sacar partido de tan mediocre actor. Pero, poco a poco, día a día, el trabajo de James se perfeccionó y en poco menos de 15 días no había ya nadie en los estudios que no se pusiera de su parte; todos estaban de acuerdo en que había nacido una gran estrella.

“El protagonista de la película –dijo Jim Backus era un desconocido muchacho de 24 años que apenas había trabajado en el cine, pero tenía tanto interés que llegó a realizar labores de codirección. Fue verdaderamente un hecho insólito en la historia del cine”.

Esta película le sirvió a Jimmy para sacar al exterior sus años vividos con sus padres y del mismo modo que aprovechó a manifestar su amor por su madre de ficción, también lo hizo con su padre, aunque en esta ocasión negativamente, ya que se cebó mostrando su rencor y su odio por no haber sido tratado como él deseaba. Quizá por ello su personaje fue mucho más convincente de lo esperado, ya que, a fin de cuentas, no hacía nada más que mostrar su propia vida.
El resultado final es que el nombre de James Dean, desconocido hasta entonces, ocupó por decisión de la propia productora el lugar de honor en las carteleras, desplazando incluso al fabuloso Burl Ives, para el cual no encontraron sitio en los affiches. Su nombre, increíblemente, era aún más grande que el del director Elia Kazan.

“No soy una persona ordenada y suelo decir que cuando alguien entra en mi casa es como si entrara en el ojo del huracán. Todas mis cosas están desparramadas por todos los sitios”. –Explicó Dean a un periodista al finalizar el rodaje

Su gran amor

Durante este rodaje conoció a Ana María Pier Angeli, a la que todos consideran el gran amor de su vida. Las diferencias de religión de ambos, con Pier Angeli de gran creencia católica por su origen italiano, motivaron que la madre de Ana María la apartara bruscamente de James y la presionara para que se casara con el cantante Vic Damione. Increíblemente, James asistió a la boda aunque permaneció en la calle, sin entrar en la iglesia. El matrimonio fue un fracaso y pocos años después Ana María se suicidó dejando una carta en la cual explicaba que el gran amor de su vida había sido James Dean y sin él su existencia no tenía interés alguno.

Nicholas Ray

Debido al gran interés que la película generó en todo el mundo, los estudios prepararon inmediatamentela siguiente película “Rebelde sin causa”. El director Nicholas Ray fue a Nueva York para pasar unos días con él y con su propio hijo, con el fin de saber cómo se relacionaba con chicos más jóvenes que él, ya que su nuevo personaje requería estos detalles.
La relación entre ambos, director y actor, fueron extraordinarias, ya que estaban unidos por el mismo sentido de rebeldía. Nicholas no se parecía a nadie y eso le granjeaba muchas hostilidades en el mundo del cine. Entre ambos se estableció una simbiosis adecuada y ambos trabajaron coco con codo, uniéndose en una sólida amistad con el guionista para que todo fuera perfecto. La película debía ser diferente y había que dar con ella la oportunidad para que los jóvenes pudieran expresar por fin sus sentimientos en la pantalla. Hasta ese momento, solamente la generación que había participado en la guerra era la que había tenido derecho a quejarse.
Todo encajó con tanta perfección que el éxito fue total. Los adolescentes de la década de los 50 se vieron reflejados en esa película y demostraron que su existencia era, al menos, tan compleja como la anterior. Vivían la posguerra, estaba la lista negra contra los comunistas y se había iniciado la guerra de Corea. Todo ello provocó que los jóvenes tuvieran que ser fuertes, hombres maduros, sin ayuda alguna.

“James Dean –escribió un crítico de prensa es un siniestro adolescente con el que hemos de acabar. Supone un nefasto ejemplo para su generación”.

La película, que inicialmente se había comenzado a rodar en blanco y negro, para darle más dramatismo, tuvo que rodarse de nuevo en su totalidad a causa de un contrato con los difusores del Cinemascope, quienes estaban convencidos de que era la única manera de asegurarse el éxito en taquilla. Con la competencia tan grande de la televisión, la gente no saldría de sus casas para ver una película en blanco y negro, ya que así se mostraban ya en la televisión.
Aunque en un principio hubo muchos puristas que protestaron por ello, lo cierto es que el color y la pantalla grande lograron que la película tuviera un aspecto de superproducción y, efectivamente, el público así lo entendió y acudió en masa a verla.

“No soy una de esas personas que siempre tienen prisa. Cuando no tengo que rodar en las primeras horas de la mañana, suelo dormir mucho y levantarme al mediodía. Luego me pongo un simple mono o unos pantalones vaqueros”.

Jimmy siempre ponía a la gente a prueba para saber cómo reaccionarían ante él. No tenía la menor tolerancia con la gente que no respetaba el arte o el rodaje y esa actitud la contagió a todos sus compañeros. Decía que el cine era una forma de arte y eso era digno de todo respeto.
Cuando se terminó “Rebelde sin causa” Jimmy ya era una gran estrella de Hollywood, y eso lo había conseguido en solamente nueve meses desde su entrada en el cine de la mano de Elia Kazan. Hasta entonces, ese logro no lo había conseguido nadie.

“No podía existir otro actor mejor que Dean para este papel –afirmó Elia Kazan Tenía rencor contra sus padres, era vengativo, miraba furtivamente y se consideraba perseguido. También era muy suspicaz, se le podía herir con facilidad y creo que el conjunto de todo le proporcionaba su gran talento”

“Dirigir a James –continuó Kazan era como dirigir a la perrita Lassie. Primero había que enseñarle la lección, intimidarle, halagarle, darle unos golpes en la espalda y sonreírle. Tenía una gran intuición, aunque para mucha gente eso solamente era una estupidez”.

La pasión por todo

En sus ratos libres se dedicaba a aprender escultura o pintura, así como cualquier otra forma de expresar el arte. Le gustaba la música y, curiosamente, las corridas de toros; las veía como una metáfora de su propia vida, llena de riesgos, muy violenta y rápida. Para practicar, hay quien afirma que hacía de torero con los taxis de Nueva York y colgaba pósters de toreros en las paredes, pintándolos posteriormente en un lienzo. Tal era su afición que llegó a filmar un corto de muñecos animados fotograma a fotograma, en el cual simulaba una corrida, con rejoneadores incluidos.
Pero existía otra obsesión que contrastaba fuertemente con las anteriores: las carreras de coches. Era como si la tranquilidad de espíritu que le proporcionaba el arte necesitara contrarrestarla con el riesgo de las carreras de coches y la sangre de las corridas de toros. Pero todo ello, que a cualquier observador superficial le puede parecer incongruente, solamente servía para demostrar la realidad: James Dean era, no solamente un gran actor, sino una persona diferente.
Criado en Indiana, la cuna de las famosas “500 millas de Indianápolis”, en donde también correrían Paul Newman y Steve McQueen, no era extraño que se aficionara a ellas puesto que tenía facilidades para competir. La velocidad no era una válvula de escape, sino solamente una manera más de demostrar que era el mejor en todo aquello que se propusiera. No nos debe extrañar entonces que llegara a ser un buen corredor de coches de carreras, compitiendo contra el campeón mundial de circuito en esa época, al que ganó en dos ocasiones. Según sus preparadores, Jimmy era un buen piloto, no demasiado hábil al volante, pero que lo suplía con su valentía. Era tal la necesidad que tenía de ganar que esto le permitía arriesgar en zonas donde los demás corredores frenaban.
Solía enseñar a sus compañeros de rodaje las fotos con su casco de corredor y presumir de lo bien preparado que tenía su coche, lo que obligó a su productora a tomar algunas medidas de precaución. Le hicieron firmar un contrato en el cual se comprometería dejar las carreras de automóvil durante el rodaje de la película.

El principio del fin

Cuando comenzó el rodaje de “Gigante”, aún no se había estrenado su anterior filme “Rebelde sin causa”, pero ya llegaban a los estudios de cine miles de cartas diarias pidiendo fotos y detalles sobre el nuevo ídolo James Dean.
Protagonizada por Rock Hudson y Elizabeth Taylor, “Gigante” estaba dirigida por George Stevens, quien no creía en la colaboración entre los directores y los actores. Dean, bastante más aislado que en sus dos anteriores películas, salvo con la actriz Elizabeth Taylor, se solía refugiar en realizar sus propias escenas con una cámara de 16 milímetros, con la cual pretendía aprender rápidamente las labores de dirección. Filmaba cualquier escena en la que intervinieran vaqueros auténticos, ya que estaba planeando realizar una película titulada “El Zurdo”, aunque a su muerte fue Paul Newman quien la interpretó.

“En la interpretación, las palabras son meras sugerencias de lo que realmente pensamos o sentimos”.

El espíritu rebelde de James quedó una vez más patente en esta película, en la cual se enfrenta a Rock Hudson, actor con el que nunca congeniaría, llegando a afirmar ambos que no deseaban volver a trabajar juntos, opinión que compartía incluso el propio director Stevens.

“Reconozco que James era una persona muy difícil de tratar –dijo Rock HudsonDurante el largo y complicado rodaje de “Gigante” siempre le vi malhumorado”.

James era totalmente distinto a los demás, ya que la característica general de los actores es dar emociones fuertes al espectador, pero Dean era uno de los pocos que comprendían que una emoción recibida es un mensaje fascinante y que sino se desvela conserva su misterio.
Pero con todo lo buen actor que era no podía evitar que sus miedos se hicieran presentes en los rodajes. Dudaba continuamente, interrumpía sus frases, se encogía y movía su cuerpo como si estuviera incómodo por algo. Todo ello indicaba que dentro de su carácter había un mar de dudas y sentimientos conflictivos. Deseaba encontrar la oportunidad de sacarlos hacia fuera, aprovechando a sus personajes de ficción.

En Septiembre de 1955, durante el rodaje de “Gigante”, Jimmy se compró un coche nuevo, un Porche Spider 550 de color plata e, irónicamente, con ese modelo rodó un anuncio de conducción segura, recomendando prudencia a los conductores. En compañía de Gig Young y bajo el patrocinio de la “National Highway Commite”, dijo:

“Y recuerde, conduzca con prudencia, porque de esta forma la vida que usted puede salvar quizá sea la mía”.

Cuando probó su nuevo vehículo, uno de sus compañeros le preguntó por qué necesitaba correr y hacer esas maniobras tan peligrosas.

“Es que siento como si quisiera conquistar a la muerte”.

Nada más terminar su papel en “Gigante” y con unas largas semanas de absti nencia al volante, cogió su coche y salió disparado para acudir a las carreras. En la mañana del 30 de Septiembre de 1955 desayunó con su padre para iniciar ambos la reconciliación y posteriormente sorprendió a John Barris, el mecánico que le estaba preparando el Porche, diciéndole que quería llevar el coche personalmente. Lo bajaron del camión de transporte y en compañía de su mecánico Rolf Weutherich, salieron a la carretera para probarlo en la ciudad de Salinas, donde habían rodado la película “Al este del Edén”. Siguiéndoles en otro coche iban sus amigos y un fotógrafo de prensa, quien sacaría las fotos después del golpe. Pararon una vez en el camino y cuando reanudaron el viaje por la autopista 41 ya era el atardecer. Repentinamente un Ford sedán se metió por el carril por donde iba James, quien intentó esquivarle sin éxito. El golpe fue inevitable, y aunque Rolf salió ileso James murió al instante.
Cuando le trasladaron al hospital el forense solamente pudo certificar el fallecimiento de James Dean. Tenía, según el parte médico, fractura de cuello, múltiples fracturas óseas menos importantes y el lado izquierdo del rostro desfigurado.

Aunque su padre vivía en California y James también residía allí, el cadáver fue trasladado al lugar donde siempre tuvo su hogar: Fairmount, Indiana. El cementerio en el que reposa James está situado a solo un minuto de la granja donde se crió y había pasado junto a él cientos de veces en su moto.

Un mes después de su muerte se estrenó su película “Al este del Edén”, con u n éxito apoteósico y en menos de un año se afiliaron más de cuatro millones de personas en los diferentes clubs de fans diseminados por el mundo entero. Los fragmentos de la carrocería de su destrozado coche se vendieron a peso de oro, como reliquias de santo.

BIOGRAFIA DETALLADA

Hace ya treinta años que el famoso director y actor francés Francois Truffaut afirmó la grandeza de este nuevo actor. Desde entonces, James Dean ha llegado a ser el nombre más mítico en el cine mundial. El culto considerable que le rodeó apenas unas semanas después de su muerte, no ha tenido precedente en la historia del séptimo arte. Héroe de una generación, él personificó todas las aspiraciones de la juventud, descubrió un nuevo público para el cine y les proporcionó un héroe. Sin embargo, las demás consideraciones no son directamente relativas a su arte, ya que James Dean permanece sobre todo como el creador único de un arte vibrante y poético, la esencia de lo que para todos es el mundo adolescente.

Una foto, una persona

El culto, el mito y la leyenda de James Dean comenzó con su funeral. El número de personas que viajaron para rendirle su homenaje final, excedió con mucho a la población misma de Fairmount (2.872 habitantes), el pueblo de su nacimiento, donde tuvo lugar la ceremonia. Los elogios dados por el Reverendo Xen Harcey terminaron con estas palabras:

“. . . no es sobre la carrera de James Dean, cuando el mundo se dio cuenta que era único y que por ello debía ser recordado siempre, Dios por sí mismo ha tenido que intervenir en la producción de sus películas”.

Y una generación entera de muchachos y chicas con menos de veinte años, surgidas del anonimato, sosteniendo una efigie de él, necesitan saber y comprender todo sobre su héroe.

James Byron Dean nació el 8 Febrero de 1931 en el pequeño pueblo de Fairmount, Indiana, en los apartamentos Green Gables de la 4th Street, aunque su partida de nacimiento la podemos encontrar registrada en el pueblo de Marion. Era hijo de Mildred Wilson, la hija de unos granjeros metodistas, y de Winton Dean, un técnico dental y seguidor de los cuáqueros.

Cuáqueros

Los cuáqueros son una secta religiosa fundada por George Fox en 1648 y que se dieron a conocer como Hijos de la Luz y en otros lugares como Sociedad de amigos. La palabra Cuáquero viene del latín y se podría traducir como temblar, y proviene de una frase que definía el sentir religioso de su fundador, quien solía terminar sus discursos diciendo: “Temblad al oír el nombre del Señor”. Al principio, su expansión fue muy modesta y objeto de burla por parte de sus vecinos, quienes gustaban de hablar de ellos como los temblones, los cuáqueros, por lo que con el paso de los años este apodo llegó a definirles mejor en el mundo entero.
Su origen está en Inglaterra y fue en ese momento un movimiento pacifista que se oponía a la guerra civil que se estaba fraguando allí, especialmente por motivos religiosos entre protestantes y católicos. Este grupo condenó toda forma de violencia y exaltaron las cualidades de la caridad cristiana, lo que les produjo una expansión muy rápida y con ello empezaron a ganar poder. Posteriormente, una parte de ellos emigraron a América en 1681 y dirigidos por William Penn se instalaron en Pennsylvania. Se calcula que en la actualidad el número de seguidores superan los 200.000 y eso que no realizan actos de culto en iglesias, ni tienen un jefe que les oriente. No se bautizan, ni comulgan, rechazan el servicio militar, las distracciones en general y se considera falta muy grave los juramentos, aunque sean por honor o motivos jurídicos. Su labor fue muy loable durante la Segunda Guerra Mundial, ya que realizaron altruístamente labores humanitarias y de caridad, motivo por el cual se les concedió en 1947 el Premio Nobel de la Paz.

Metodistas

Esta doctrina que seguía la madre de James, es una ramificación de la religión protestante que tiene una gran rigidez en sus principios. Original de unos estudiantes de la Universidad de Oxford, trataron de establecer una relación entre la obligación de atender sus deberes académicos y el ejercicio de una religión. El Metodismo es también una conclusión que trata de demostrar que no existe fuerza vital en nuestro cuerpo y que todas las enfermedades se deben a un mal funcionamiento de los poros del cuerpo, los cuales hay que mantener escrupulosamente limpios para que puedan estar libres.

Cambio de familia

En 1936, la familia vivía en Los Angeles, cerca del departamento de Justicia, donde Winton se había asegurado un empleo como dentista auxiliar en el Hospital de Veteranos. Tres de años después, el joven Jimmy perdió a su madre, quien a los veintinueve años de edad murió de cáncer de pulmón. El niño fue trasladado para que viviese con sus tíos Marcus y Ortensia Winslow, en una granja de 440 acres en Fairmount, junto con sus primos Markie y Joan, a quienes se refería frecuentemente como su hermano y hermana. Antes de marcharse de allí, él se había dedicado con gran entusiasmo a cultivar una gama amplia de actividades, tales como montar a caballo, cazar, criar ganado, y conducir el tractor.
En 1945 comenzó en la escuela superior de Fairmount, donde, a pesar de su tercer grado de miopía, motivo por el cual tenía que llevar gruesas gafas, llegó a ser un miembro del equipo de béisbol y baloncesto durante varios años, consiguiendo ganar una medalla por ser el mejor atleta. La práctica de ciertos deportes más peligrosos, sin embargo, siempre sería una parte de su vida y trazaría la trayectoria de su carrera, que invariablemente ondeó entre el arte y deporte.

Cuando su padre se volvió a casar, James Dean encontró a un padre espiritual en la persona del Reverendo James Weerd, un ministro batista y un ortodoxo hombre santo. Este religioso, excombatiente de la Segunda Guerra Mundial (había combatido en la batalla de Monte Cassino) fascinado por todo, despertó en su protegido un interés por el mundo de los toros, enseñándole a manejar la capa y el estoque, y acompañándole a las carreras de coches, al mismo tiempo que le inculcó su gusto por la música, la literatura y la filosofía.

Pero en 1948 James Dean había desarrollado ya una gran pasión por los automóviles de carreras, tocaba los bongóes, aprendió el clarinete y descubrió el yoga y el arte dramático. En este momento, su tío le compró su primera motocicleta, una Triumph de segunda mano. Jugueteando con sus jeans azules con la rodilla remendada de cuero, una chaqueta negra y una bufanda roja, James no pasaba desapercibido en el pueblo pequeño de Fairmount, y sus amigos le llegaron a poner el apodo de “One Speed Dean”.

Primeras actuaciones

El 21 Junio de 1949, el Reverendo llevó a su alumno al Indiana State, en Longmont (Colorado), una escuela amateur de arte dramático, donde estaban efectuando un concurso para encontrar nuevos actores. Dean realizó un extracto de“El Loco” de Charles Dickens, por el que recibió una Estatua naracarada y su primer artículo en el periódico Marion Chronicle. Cuando terminó, comenzó nuevamente sus estudios, matriculándose en la Universidad de Derecho en U. C.L.A., cerca de Santa Monica. En ese momento su padre, con quien estaba viviendo, se sintió orgulloso de su hijo, y le compró su primer automóvil, un M.G. deportivo de segunda mano.
En el colegio destacó por su fuerte pensamiento filosófico e incluso le nombraron entrenador del equipo de baloncesto, aunque a los pocos meses fue expulsado por haber pegado a dos estudiantes. Dado su poco o nulo arrepentimiento, fue expulsado a los pocos días, definitivamente, de la Universidad.
Sin importarle demasiado, e incluso contento por poder abandonar irremediablemente sus estudios de abogacía, tomó clases en la Escuela de Arte Dramático de U.C.L.A., y en 1950 trabajó en la producción de un drama social titulado “Goon With the Mind”, haciendo una curiosa interpretación en la que él realizó una caricatura inusitada y original del monstruo de Frankenstein.

Empieza su carrera profesional

En Septiembre de ese año, el actor James Whitmore tomó el cargo de director en la escuela de arte dramático de U.C.L.A. Para James Dean este era un cambio importante, ya que al ser la enseñanza de Whitmore sumamente anticonformista, y muy cerca del método Straberg, el se sintió muy interesado. También hace amistad con un grupo de aficionados al teatro y teniendo como director a Gene Owen, interpreta un papel importante en la comedia musical “The Romance if Scarlett Gulch”, empleando como seudónimo el nombre de Byron James.
En la competición que se celebró a final del curso en la academia de arte dramático, Dean insistió en que le dejaran hacer un papel que le favoreciera su personalidad, como el de Malcolm en Macbeth. La actuación en el Royce Hall Auditorium fue un auténtico desastre y tuvo una crítica despiadada con la obra, aunque la actuación de James fue lo único interesante para los críticos e incluso para el público, ya que le hicieron salir varias veces al escenario a saludar.
En esa misma tarde le presentaron al escritor William Bast, quien le felicitó por su trabajo y le introdujo en el mundo de la sociedad intelectual, conservando entre ambos una amistad que duró hasta la muerte del actor. La primera biografía de James Dean que se publicó fue obra de Bast. Juntos alquilan un apartamento y firman un contrato con la agente artístico Isabel Dreasmer, la cual se encarga desde este momento de encauzarle en el mundo del espectáculo.

En esos días y gracias a la mediación de su amigo Richard D. Shannopn, los estudios Fairbanks le dieron su primer papel televisivo importante en una película religiosa titulada, “Hill Number One” (La colina número uno), en la cual interpretó al apóstol San Juan Bautista. Esa misma productora de televisión fue la que le hizo realizar el anuncio para la Pepsi Cola, por el que cobró 30 dólares por cada día de trabajo.
Entonces, y siempre mediante su amigo Shannon, quien tenía buenas amistades en el mundo del espectáculo, él interpreta pequeños papeles en “Fixed Bayonets” una película dirigida por Samuel Fuller en la que hace el papel de un soldado que dice: “Es la retaguardia que regresa”. El protagonista principal era Richard Basehart y el argumento giraba en torno a la guerra de Corea.
Después hace “Sailor Bewore” (¡Vaya par de marinos!), en la cual ya hace un digno papel como un boxeador que debe pelear durante dos minutos. No dice una sola palabra, pero al menos murmura algún sonido.
Y finalizando esta primera etapa como secundario actor de cine, hace un pequeño trabajo al lado de Rock Hudson en “Has Anybody Seen My Gal?, dirigida por Douglas Sirk y co-protagonizada por Charles Coburn. Existen también otros datos biográficos que le mencionan como extra importante en “Un conflicto en cada esquina”, con el grandioso John Wayne como protagonista, aunque no disponemos de datos referentes al papel que interpretó Dean.

El teatro y la televisión en Nueva York

Atendiendo al consejo de sus profesores, James Dean decidió arriesgar su suerte y trasladarse de Hollywood a Nueva York. Cruzó los estados en autobús y llegó a Manhattan en el invierno de l951/52. Se instaló en una pequeña habitación del hotel Iroqouis situado en la 44th Street, cerca del Actor’s Studio.
Pronto toma contacto con una agencia artística dirigida por Jane Mom Deacy, quien se encargará con bastante éxito de introducirle en el mundo del cine a través de la agencia Shure.
Con ella logra al menos sobrevivir económicamente y realiza varios anuncios para la CBS, así como pequeños papeles para series televisivas, entre ellas “T-Men In Action”, “Danger”, “Campbell Sound Stage” y “Kraft Theater”. En Mayo de 1952 fue contratado como acróbata en un espectáculo de televisión titulado “El show Beat the Clock”.

Pero ni el éxito llega ni el dinero que gana puede cubrirle sus necesidades, por lo que se ve en la obligación de trabajar como cobrador de autobús y camarero en los suburbios de Manhattan. Por este motivo tiene que dejar la habitación del Hotel Iroqouis e instalarse en un pequeño apartamento de Central Park, en donde comparte los pocos metros cuadrados con su amigo Roger Brackett y dos chicas. Con una de ellas, Elizabeth Dizzy Sheridan, mantiene un fuerte romance. Cuando James se hizo famoso ella realizó unas declaraciones a la prensa en la cual decía el gran amor que sintió por ese joven que llevaba vaqueros y un impermeable, además de unas gafas oscuras para mitigar su miopía.

El Actor’s Studio

A pesar de sus buenas cualidades para la interpretación, James, siguiendo las indicaciones de su agente artístico, se inscribió en la escuela Actor’s Studio, la más emblemática del país, aunque en un principio solamente pudo hacerlo como oyente. Posteriormente y dado su gran interés, fue admitido como estudiante. La prueba de admisión que le hicieron, fue sin embargo motivo de disgusto para James, quien en el momento en que alcanzó cierta popularidad no dudó ni un momento en hablar mal de esa escuela:

“Me trataron mal, muy mal, especialmente un tal Strasberg. Ha sido como una violación mental”.

No obstante, la prueba que realizó no fue mala, ya que tanto Strasberg como Elia Kazan manifestaron que el chico les causó una excelente impresión, aunque se mostraba muy negativo para escuchar críticas. Después de una primera actuación y el posterior análisis de Strasberg, Dean decidió que la academia no era de su agrado y a pesar de las súplicas que le hizo Jane Deacy para que continuara, decidió abandonarla, o al menos espaciar sus visitas. Con el tiempo se negó a intervenir en los ensayos y se limitaba a asistir como oyente, sintiendo una gran frustración por no poder estar allí, en las candilejas. En esos días escribió una carta a sus tíos, en la que les decía:

“Si puedo mantenerme sin desmoralizarme y nadie interfiere en mi camino ni en mi forma de actuar, en unos pocos días estaré en disposición para hacer algo bueno”

En la televisión apareció en el Estudio Uno con la obra “Danger” (1951), en “U.S. Steel Hour” (1952), una historia de los indios Cherokee, también en “Death is My Neighbour” (1953), con Betsy Palmer, en donde él interpretaba el papel de un hombre joven torturado por problemas de naturaleza metafísica. De esta serie televisiva “Danger” también es el episodio “Mujercitas” de 1953.
En Septiembre de 1952 se había enrolado como grumete en el velero de Lem Ayers, un productor de teatro, quien le invitó a probar suerte haciendo el papel de Wally Wilking en la interpretación basada en la novela de N. Richard Nash, “See The Jaguar”. Michael Gordon fue el director, con Arthur Kennedy y Constance Ford en los papeles principales.
El papel de James es muy controvertido, como correspondía a una obra vanguardista, y le podemos ver metido en una jaula de hielo, mientras que Kennedy le tortura sádicamente. La obra, preparada en Connecticut, y cargada de simbolismo pero ciertamente difícil de entender por el público, tuvo una mala acogida en su estreno en Nueva York. “See teh Jaguar”, después de seis actuaciones en el escenario desapareció, pero James Dean logró sobresalir de entre todos los actores y su foto apareció en diversas revistas, como son Life, Variety, Colliers y Red Book. Las fotografías, perfectamente realizadas por el fotógrafo Roy Schatt, consiguieron dar una imagen de James adecuada.
Algunas de estas revistas hablaban de que había que grabar en la memoria el nombre de James Dean, ya que dentro de poco todo el mundo oiría hablar de él. Pocas veces un vaticinio realizado por críticos ha sido tan certero y este reconocimiento inicial en la prensa, le permitió ser tenido en cuenta también en los círculos teatrales de Nueva York, consiguiendo el golpe de suerte que necesitaba.

El productor Billy Rose fue hasta la emisora de televisión en la cual James estaba realizandoun episodio del serial “Danger” y allí mismo le contrató para que hiciera el papel del muchacho Arabe homosexual en “El inmoral”, basado en la novela de André Gide.
La noche del estreno tuvo lugar en Diciembre de 1953 en el Teatro Cort de Nueva York, con Louis Jourdan y Geraldine Page en los principales papeles, en una producción de Daniel Mann. James Dean alcanzó tales alturas de pasión y matices, además de dotar a su personaje de tal complejidad durante su actuación, que su recuerdo permaneció muy alto entre los aficionados durante bastante tiempo.
La fundación de David Blum le concedió el honor de ser “El mejor nuevo actor del Año”, además de concederle también dos premios más: el Donaldson y el Perry Award. Es bien conocida la enorme influencia sobre las carreras de los nuevos actores que han tenido los críticos en Broadway, y su aprobación unánime con respecto a Dean hizo posible que Elia Kazan lo enviara a Hollywood, justo cuando acababa de cumplir los veintitrés años, con un contrato de siete años para la Warner Bros. En el casting fue elegido para el papel de Cal Trask, el intérprete principal en “Al Este del Edén.

La demostración de su gran valía

Como contrapunto a la creencia popular, James Dean no era un producto del “Star System”, el sistema de marketing que crea ídolos de barro, ya que sus cualidades como actor quedaron bien plasmadas con anterioridad en sus pequeñas intervenciones en el cine, la televisión y el teatro.
Cuando se estrenó “Al este del Edén”, su nombre apenas era conocido, excepto entre los profesionales de Hollywood, quienes tenían la creencia que se encontraban ante un Marlon Brando más joven. Los columnistas de la prensa amarilla apenas si le dedicaron ningún comentario, ya que no existía manera de destrozar su vida si ni siquiera la conocían. Era demasiado joven aún como para que tuviera un pasado turbio. Los pocos comentarios que ellos realizaron fueron de naturaleza irónica, hablando de la nueva escuela de actores de Kazan, creadora de docenas de muchachos que lo único que deseaban era andar sobre los mismos pasos de Marlon Brando y Montgomery Clift. Ellos les apodaron como “Los Muchachos Brando”, y otros como los “Muchachos Kazan”.
El grupo tuvo su optimismo y sus líderes: Paul Newman, Rod Steiger, Eli Wallach, y por supuesto, James Dean. Los “Muchachos Kazan” se encontraron así mismos en oposición a otro grupo, los “Hombres destacados”, representados por actores tales como Rock Hudson, Tony Curtis, Robert Wagner y Tab Hunter. Según la opinión de aquellos días, los 'Muchachos Kazan” cultivaban un frenético anticonformismo, que, a los ojos de algunos, eran solamente los últimos amaneramientos de unos necios. Los ”Hombres destacados”, por otra parte, encontraron el favor de los periodistas a causa de su amables conservaciones y su tranquilizadora gentileza. Eran guapos, cultos, pausados y no manifestaban ningún deseo de cambiar la buena sociedad americana.

El casting para “Al este del Edén”

Aún no estaba claro si el papel sería para Paul Newman, más conocido y defensor del Método de Actor’s Studio, o para James Dean, sin experiencia apenas, desconocido para el público y más difícil de manejar.
En la prueba que realizaron simultáneamente Newman y Dean, ambos estaban en mangas de camisa, portando una increíble pajarita y un cigarrillo descansando en la oreja. James por supuesto no llevaba gafas y por ello tenía serias dificultades para ver las indicaciones que necesariamente le hacían. Pues precisamente en este detalle estuvo la decisión del director, ya que la torpeza visual de James le obligó a improvisar y el resultado fue extraordinario. Para la película necesitaban un adolescente rebelde, pero inexperto en la vida, y era imposible encontrar a otro actor más inexperto en ese momento que James.
Aún así, la Warner no estaba de acuerdo con la decisión y mantuvo su deseo de que fuera Newman el principal protagonista. Solamente la férrea decisión de Elia Kazan (quien posteriormente renegaría de ella), les obligó a aceptarle y firmar un contrato por seis años, en los cuales realizarían nueve películas, cobrando cien mil dólares por cada una de ellas.

El rodaje

Muchas veces lamentó Kazan su actitud tan obstinada para contratar a Dean. El rodaje comenzó el 27 de Mayo de 1954 y desde un principio se estableció una fuerte hostilidad entre James y cualquier persona que le tratase de obligar a algo, incluido el propio director. No memorizaba fielmente los diálogos, cambiaba las indicaciones de los técnicos y cada nueva toma era diferente a la anterior. Por si fuera poco, nada más firmar el contrato hizo un veloz viaje rumbo a Hollywood con su moto Triumph, serie 500, aunque un pequeño accidente en el comienzo le impidió continuarlo. En vista de que ya todo el mundo conocía su afición a las carreras de coches, los directivos de la Warner le obligaron a firmar un nuevo contrato en el cual se comprometía a no correr en ninguna competición automovilística mientras durase el rodaje. Aún así y para demostrar lo poco domesticable que era, se compró un coche MG, de fuerte color rojo, con el cual llegaba todos los días al estudio.
Solamente la contemplación de los primeros metros de película rodados, tranquilizó a la productora y al director, quienes se dieron cuenta que tenían ante ellos a lo que podría ser el mejor actor de todos los tiempos.

Un nuevo mito

En el estreno de “Al Este de Edén” había 600 periodistas, y esa misma noche James Dean ya era una gran estrella; los críticos de todo el mundo que habían llegado escépticos al estreno y que le habían mirado por encima del hombro en el vestíbulo, se quedaron rendidos ante la evidencia: James Dean iba a ser pronto el nuevo ídolo del cine mundial.
El cine había esperado 50 años para que un adolescente pudiera sostener su identidad y mostrarla sobre la pantalla.

Antes de James Dean, excepto en unos casos raros, el adolescente se le retrató siempre como un niño grande psicológicamente inestable. Se consideraba que era inferior, estúpido, débil o ignorante, parejo a cobarde o delincuente y, finalmente, con una gran frustración por no tener lo de su generación anterior.
Unido a este estereotipo en el teatro se le mostró como una persona simpática, aunque casi siempre sin encanto o poder de seducción. Clark Gable, John Wayne o Rodolfo Valentino eran personas adultas y por tanto galanes seductores. Con James Dean, el adolescente llegó a ser una persona con derechos propios y con capacidad para enamorar, incluso a mujeres mayores.

En este sentido, “Al Este del Edén” puede considerarse un punto decisivo en la historia del cine. El actor no estaba en una “delicada edad” y por supuesto no vivía la “Edad dorada”, como era habitual mostrar en las películas y en los coloquios de psicólogos, sino que además de sus complejos, tenía inquietudes, incertidumbres y todo ello, en lugar de ser negativo, le convertía en un héroe. Pero para conseguir dar estos caracteres era necesario que tuviera un poder extraordinario para comunicarse con el público. Desgraciadamente, Dean apenas tuvo tiempo para hacer historia en el cine durante sus dos cortos años de estrella, desde sus trabajos en los papeles de Cal Trask (Al Este del Edén), Jim Stark (Rebela Sin Causa) y Jett Rink (Gigante). Estas tres interpretaciones son adecuadas para desarrollar cronológicamente desde una a otra película la similitud psicológica que existe entre las emociones del propio actor con su personaje, especialmente el complejo de nodeseado y su corolario como “el hijo maldito”. El héroe de Dean no se muestra como una persona romántica tradicional, él no se apoya en la desesperanza o la melancolía, ni es una sombra de su juventud que ya está pasando, del mismo modo que tampoco está viudo y desconsolado. Tiene las necesidades tenaces del niño, es imprudente, y a veces torpe con los otros niños, además de extravagante, y pugna por mantener el amor de los demás. Rara vez ha sido un actor capaz de lograr dividir la distancia que separa el mundo adolescente del mundo adulto.

Sus personajes

“Al este del Edén” es antes que nada un estudio psicológico de la vida de un muchacho de diecisiete años que se despierta desde la somnolencia de la niñez. Un huérfano espiritual, una persona aislada que pugna por hacerse oír.
James Dean representa a Cal en su búsqueda para despertar de un sueño que se ha convertido en una cruda pesadilla. Este estado de niño huérfano está caracterizado nuevamente, figurativamente hablando, en “Rebelde sin Causa”, y finalmente lo volvemos a encontrar en “Gigante”. Es seguro que James Dean encontró un tutor en Kazan, y Kazan nunca encontró otro actor que se adaptara tan bien en su mundo.

El carácter de Cal era siempre una obsesión en el pensamiento de James Dean, que deseaba una gran interpretación y esto surge de la profunda indiferencia con la cual había sido tratado con anterioridad, tanto por los amigos como por el público. En cierto sentido, la profunda identidad de Cal, mal vestido, la ausencia de su madre, el pelo espigado y revuelto, la aptitud de medio dormido, tiritando siempre y con aspecto de joven abandonado, él parece dirigirse a los espectadores más allá de estas manifiestas soledades. Su gran sensibilidad, aumentada por los guionistas, taladra la pantalla, las hace vitales en el argumento, y se expresan admirablemente en la búsqueda atormentada por el amor maternal y paterno. Los ataques de furia, de locura, de seriedad, así como de duda, el entusiasmo, las risas y los ataques de ira, todos se transmitieron.

La crítica

“Al este del Edén” se mostró en el Festival de Cannes en Abril de 1955, y aunque el público descubrió asombrado a James Dean, los críticos lo saludaron cuidadosamente. Algunos vieron una revelación discutible en él, otros constataron bastante categóricamente que era un actor mediocre: “el misterio de James Dean es el misterio de un mal actor”, escribió Pierre Gaxotte. Afortunadamente, un crítico joven que era de la misma edad que James Dean y pronto sería un instrumento de la “nueva ola”, reconoció inmediatamente en el joven y ya difunto actor, la persona que su generación estaba esperando. Cuando le preguntaron a Jean-Pierre Mocky su opinión sobre James Dean, simplemente contestó: “James Dean, creo yo, era una figura verdaderamente importante”.

Francois Truffaut , quien el día después del estreno de la película en la Francia, escribió la crítica para el aficionado francés en la revista “Cahiers du Cinéma”, dijo lo siguiente:

“Al Este del Edén es la primera película que nos proporciona un nuevo héroe, fascinado por el vicio y el honor, quien puede personificar en ambos casos el amor y odio a la vez. James Dean ha triunfado artística y comercialmente en una película que apenas nos muestra la vida como una abstracción, y ha logrado despertar el interés de un auditorio enorme con problemas morales que interpretó de una manera inusitada. En Dean hay algo distinto, una cierta capacidad poética que confiere gran autoridad al concepto de libertad y que nos estimula para que la logremos. Cuando nos referimos a él no tiene sentido hablar como de una buena o mala persona, ya que lo que esperamos es que nos sorprenda en cada momento.
Yo le veo lleno de encanto y no lo juzgo como un buen o mal actor, sino esencialmente como otra persona, diferente a todo lo convencional. En James Dean la juventud se ve reflejada, aunque en ocasiones sus personajes incitan a la violencia, el sadismo y el pesimismo. Pero creo que detrás de todos estos defectos nos está indicando un camino de gran pureza moral, de buenos sentimientos, mucha fantasía, orgullo por estar vivo y deseo de no ser igual al resto de la sociedad.
Su mirada miope le impide estar sonriente, y la sonrisa que puede sacar fuera de él con la paciencia, es toda una victoria. Su poder de seducción es tal, que basta con haber oído la reacción del público cuando Raymond Massey rehusa el dinero, para darnos cuenta de lo que supone su presencia para el gran público. Del mismo modo, él podría, por amor, matar a su madre y su padre en la pantalla cada noche y ser bendecido igualmente por los aficionados. Su carácter en la película es una síntesis de “Les Enfants Terribles”, una herencia solitaria de Elizabeth, Paul y Dargelos”.

Roman Polanski , entonces un director residente en Polonia, habló de “Kazan” y de la maravillosa película “Al Este del Edén”, y mencionó los nombres de Cybulski y James Dean entre sus actores favoritos.

Georges Beaume, por su parte, dijo:

“Con la primera aparición de James Dean en “Al Este del Edén” nos llega a la mente la primera vez que nosotros vimos a S. Reggiani en “Le Carrefour des enfants perdus”, a Gérard Philipe en “Le Diable au Corps”, a Montgomery Clift en “La Heredera”, o a Marlon Brando en “Un Tranvía llamado Deseo”. Ellos nos mostraron sus mejores rasgos de su carácter, aunque siempre los hemos encontrado distantes de nosotros, las personas vulgares. Sin embargo, con James Dean no ocurre lo mismo y con su misteriosa mirada sentimos que él verdaderamente nos miraría así si le tuviéramos delante. La súbita tensión de su cara nos refleja emociones intensas, como si fuera un buque a punto de hundirse, o la risa de un loco, el sabio distraído o la tristeza que rasgaría a nuestro severo corazón”.

La opinión de Nicholas Ray:

“La génesis de “Rebelde Sin Causa” es de gran importancia: Cada cosa comienza con una orden interna del autor y una pila de recortes de prensa. Es decir, que la historia de este filme es a la vez la historia de su autor y la expresión de un momento en la historia social de los Estados Unidos. Como esto es algo importante, se convierte en "los problemas cuando los niños crecen". Recuerdo que una noche escribí un primer esbozo al que llamé “Blind Run”, que contaba la historia de tres adolescentes en un pueblo de California; todo esto era el secreto de esta historia”.

La historia original

La seriedad con la cual Nicholas Ray planificó hacer esta película significó que él tendría que investigar el tema con psiquiatras, magistrados y especialistas en delincuencia juvenil. Consultó la prensa del país y se encontró con un archivo impresionante, al que posteriormente dio forma. Él se rodeó así mismo por expertos, o por lo menos esos que pueden derramar alguna luz sobre el problema de los jóvenes. Leon Uris, el primero en escribir la historia, dijo: “comencé dedicando diez días como si fuera un trabajador social relacionado con los problemas de la delincuencia juvenil”. Irving Shulman, el segundo, había sido un profesor de la escuela superior. Únicamente, los que aparecen posteriormente en los títulos de crédito al lado de Stewart Stern, fueron los que se responsabilizaron del manuscrito final. “Blind Run”, la primera historia que se empleó, llegó a ser, como resultado del trabajo de estos tres hombres, “Rebelde Sin Causa”.

La complejidad del manuscrito está en la tirantez de su construcción. Compuesta de cinco partes esenciales, entre ellas la famosa “chickie run” (carrera con coches viejos), como la parte que proporciona el clímax y el tono trágico que su creador quiso. El intento por mostrar de forma clásica la tragedia, supuso una adaptación diaria durante el rodaje.
Dentro de la forma de tragedia clásica, encontramos el mismo principio en las tres unidades: el tiempo (la acción tiene lugar durante un período de 24 horas, comenzando en la noche de Pascua y terminando al día siguiente de madrugada), lugar (el hogar familiar de Jim, la universidad, la abandonada villa y su medio ambiente), la acción (impuesta por el antagonismo contra Jim que le fuerza a pelear en solitario contra los padres, los policías, Buzz y su pandilla).

Mismo actor, ¿diferentes personajes?

Desde el escenario barroco de la burguesía de Salinas Valley en 1917, nosotros vislumbramos un estilo personal con una estructura que gira alrededor del pueblo, un lugar ultramoderno con universidad, una muy confortable familia del pueblo, una línea de narrativa muy sólida, pero dominante, y filmada con colores casi ardientes, como corresponde a una época del cine en la cual las películas en color se anuncian con grandes titulares.
Dentro de esto, el carácter de Jim Stark se nos muestra como el de un héroe consumado, con una tragedia pura a sus espaldas; un oponente total del granjero indiferente y algo empalagoso de “Al Este del Edén”. Jim Stark tiene el pelo corto, realizado con un corte clásico, el vestido sobrio y gallardo, mirada juguetona, y su aspecto físico es la demostración del perfecto equilibrio.
Los tres héroes, Jett, Jim Stark y Cal Trask, pueden representar simbólicamente como el apoyo central de un conjunto de escalas: sólidos, honestos y precisos, sobre el que Cal asciende hacia arriba sobre la izquierda y Jett desciende sobre la derecha.

Cal, a causa de su carácter apasionado, calenturiento y a veces suplicante, con gestos desesperados, logra el amor paterno y materno en la persona de Abram. Jett dependerá de otros valores más abstractos: se inclina hacia la riqueza, el poder y la vanidad. Al extinguirse su sed para el amor, únicamente lograría un poco de compasión y por ello se ahoga con su soledad.
Jim Stark es un héroe a causa de su heroico destino; debe pelear solo, pero también se hace cargo de los problemas de otros. Platón, a su vez, demanda más afecto y protección, mientras que Judy trata de encontrar refugio en sus brazos. Buzz proporciona por sí solo un espectáculo único y además de su interés en la confrontación afirma que Judy está interesada por él. Si él no hubiera muerto en la carrera es probable que hubiese exigido que Jim fuera el líder de su pandilla.
Desde el comienzo de la película el héroe aparece amenazado; su destino es también el de su generación, a pesar de que no pretenda ser consciente de lo que su ejemplo puede generar y mirando a su cara podremos ver una sonrisa preocupada. El muchacho quiere llegar a ser un hombre, rápidamente, pero el problema está en que debe mostrar, durante el curso de este día, como él comienza primero por tratar de ser el número uno. Pero Jim no quiere llegar a ser un adulto, él ya lo es, y es el mundo adulto que él considera que es demasiado pueril. Jim Stark quiere llegar a ser un hombre en el sentido más noble de la palabra, para lograr dignidad y respecto propio.
Los héroes de Nicholas Ray son lúcidos cuando tratan de huir, y buscan identificarse a sí mismos, destruyendo por un momento esta sociedad y la realidad que no quieren aceptar y que les involucra a ellos.

“Rebelde Sin Causa” es la tragedia de un intento de rebelarse y romper las cadenas que nos unen a nuestro mundo paternal, con un momento de escapada gracias al mundo de los sueños. Sus deseos de huir son cada vez más intensos, especialmente cuando se da cuenta que debe enfrentarse a la pandilla, a sus padres, a los policías, y casi al universo entero. Se encuentra tan aprisionado por tantos círculos que no ve otra solución que escaparse de uno en uno.
Jim, en su recorrido, pasa a través de estos círculos que le asfixian, y termina envuelto en un remolino final. Tanto las pasiones desatadas como la rebelión de su corazón, se realizaron mayormente en exteriores y en horas de la noche. Este ambiente era imprescindible cuando vemos cómo se subleva contra la incomprensión de la sociedad, en la que no encuentra el honor y la pureza de su generación.

El buen trabajo de Nicholas Ray

Jim Stark está mucho más cerca de Rodríguez que el personaje central de “The Wild One” (Salvaje, con Marlon Brando). El debe responder al desafío de Buzz o fracasará en su deber y si es así estará en el pensamiento de todos como un “gallina”; desde ambos puntos de vista, sus problemas no tienen fin. Cuando la noche cae, Jim, antes de encarar la angustiosa prueba, pone sus cabellos en orden una vez más, y se ajusta su chaqueta roja de nylon y sus vaqueros azules.
Sabemos que la película se filmó cuando existía el fenómeno de la “chaqueta de cuero negra”, reminiscencias de la pasada guerra mundial y que en la imaginación de los periodistas, se identificaba a sus portadores como gamberros. Por eso, hubo quien insistió en que “Rebelde Sin Causa” y su héroe eran representantes de este genero, aunque Nicholas Ray protestó porque realmente Dean no vistió una chaqueta de cuero negra en ninguna escena de la película.
No es necesario decir que esa gente no dudó en acusar a la película de influir negativamente en los jóvenes.

En 1961, Nicholas Ray dijo:

“Ellos reprocharon a la película de crear un fenómeno social, y de magnificar los personajes. En particular, el interpretado por James Dean, para haber incitado a la gente joven a imitarle. Es ridículo pensar que una película pueda tener tanto poder de sugestión y conservarlo durante el paso de los años. El fenómeno ya existía cuando yo lo mostré en la pantalla.
Yo fui capaz de testificar sobre este aspecto en París y en Londres, mucho antes que nosotros comenzáramos a rodar la película, pero se ignoraron estas conversaciones previas. La película desenterró lo que ya existía y entonces, por supuesto, había que demostrar que la interpretación de Dean, como representante de esa juventud, fue extraordinaria”.

Algunos críticos estaban escandalizados por el carácter del Inspector de policía, quien se mostró como un hombre honrado y con ideales, lleno de buenas intenciones hacia Jim. El Inspector, con el cargo de vigilante del delincuente juvenil, es meramente la excepción que confirma la regla, y lo deja totalmente impotente para resolver el conflicto. Cuando Jim quiere verlo, él no está allí y Jim contará entonces con una gran hostilidad por parte de las demás personas. Él también se muestra impotente cuando sus colegas matan a Platón.
El inspector Ray es realmente la conciencia de Nicholas Ray, alarmado ante los numerosos cambios que tuvo que introducir en la película, en previsión del posible escándalo que iba a generar entre los sectores conservadores. Desde el momento en que fue consciente del problema futuro, mitigó en lo posible el carácter agresivo de Jim. Con el tiempo, la oleada de prejuicios se aflojó y la atención de la sociedad se dedicó a otros problemas más serios, demandando ya unas películas más alegres que le permitieran evadirse de los problemas cotidianos. Cuando revisamos “Rebelde Sin Causa” hoy, la figura de Jim Stark nos parece la de un hombre joven de comportamiento ejemplar, con un buen espíritu y gran caballerosidad. La pandilla de Buzz es solamente la manifestación de un peligro simbólico que amenazaba ya a la sociedad, mientras que Jim nos recordaba, de una manera poética, que la agresividad de los adultos se genera desde pequeños en el seno del hogar.

“Jimmy era algo especial para cada persona que lo trató –dijo Sal Mineo por ello, la gente que asegura que conoció al verdadero James Dean se equivocó”.

Se debe indicar también que la fascinación intrínseca por “Rebelde” se debe a la conjunción inquietante de las condiciones de la muerte del actor principal y su papel, logrando poner alrededor del trabajo y su héroe una aureola mágica que puede conducir a uno a creer que la película se había hecho después de su muerte. “Rebelde Sin Causa” es también en gran medida la base del mito de James Dean y ha dejado una impresión profunda tanto sobre la prensa como sobre la mayoría de los jóvenes de esa generación.

Nuevos comentarios en su estreno

“Con esta última película Nicholas Ray finalmente parece haber querido hacer una marca en los ojos de los críticos internacionales para que vieran realmente su capacidad para dirigir películas. Cuando él no es juzgado por sí mismo en una película, le gusta hacer que sus actores interpreten en escena sus propios caracteres. El ejemplo más reciente es James Dean, muerto en un accidente automovilístico al volante del Porsche que él acababa de comprar, siendo esta la más grande demostración de todas de las intenciones de Ray. Este final trágico se podría añadir sin problemas al propio final de la película y constituiría un epílogo perfecto”.

Rebelde sin Causa cobró entonces una dimensión adicional, cuando la muerte de su protagonista se había fijado ya en los corazones y mentes de todo el mundo. Desde ese momento, su personaje era el propio James Dean.
Jimmy, de todos modos, estuvo marcado por su propio destino, ya que él quiso formar parte de las aspiraciones más peligrosas y trágicas de nuestro tiempo.

“Gigante”

Cuando “Gigante” se estrenó con el nombre de James Dean encabezando la s carteleras, sus dos películas anteriores y su leyenda se esparcieron a través del mundo. La película, facturada como un cuadro enorme de Tejas, similar a “Lo que el viento se llevó”, resulta ser una película algo abultada y destartalada, y para muchos una gran desilusión. Vista de nuevo ahora, después de tantos años, es cuando su verdadero valor renace con fuerza, demostrándonos que ya no se hacen películas así y que el cine ha derivado hacia formas de captar espectadores muy diferentes. Mejores o peores, según quien las juzgue, pero notoriamente diferentes.

Según los principios del género, cada escena grande se abría y cerraba con barridos panorámicos, con un tono épico de quien pronostica una riqueza de acción. Entre estas escenas, la epopeya se reduce a diversas secuencias domésticas pequeñas, reservadas y anodinas, entre Elizabeth Taylor y Rock Hudson, dejando bien claro que toda la película girará alrededor de las vidas de estos tres personajes, insistiendo en las etapas más importantes de su vida. Además, un cierto aire a buscar popularidad a costa de lo que sea emana de la película, ya que el guión compite demasiadas veces con la grandiosidad de las imágenes, perdiendo la historia su protagonismo con frecuencia. Sin embargo, ahí estaba James Dean, más que cualquier otro, para sostener la película cuando empezaba a declinar y la desilusión podía llegar al espectador. No obstante, a pesar de las muchas reservas que uno podría hacer a la película, su planteamiento global y su realización, permanecen como el carácter más cautivante de la película, y es seguramente que gracias a ello “Gigante” consiguió su fama.

El personaje de Jett Rink

Parecía muy afortunado Alan Ladd cuando le ofrecieron el papel en un principio, pero Dean hizo del personaje Jett Rink una de las figuras más ambiguas de todos, aparentemente muy confuso, muy frustrado, de aspecto enfermizo y en su interior comido por el resentimiento y la vanidad pueril. Dean infla su derecho a la creación de su personaje hasta la caída final, en el tándem con la mejora social y económica y su carácter. Se mueve desde el joven engañado y confundido, al cobarde y desde el cobarde al desagradable y soez.
Antes de la escena en que se derrumba borracho, Jett, casi inaudible, manifiesta desde lejos el secreto de la pasión indómita que ha controlado su vida: su amor desesperado por Leslie Benedict (Elizabeth Taylor), quien evita el espectáculo entre ambos manifestando un amor maternal e indulgente hacia él. Llegado a este punto, Rink desprecia cualquier ayuda en su vida que pueda ir unida a la compasión, sin consentir que nadie le considere una víctima de la vida.
La imagen de James Dean, en la primera parte de la película, es mucho más de lo que uno podría creerse, y como resultado de esa influencia, su papel se resentiría con frecuencia en la segunda mitad del filme. A pesar de sus pocas apariciones (apenas veinte minutos en una película que dura tres horas), no podemos olvidar la manera inapropiada que él trata de apretar la mano de Leslie cuando la saluda, ni cuando su forma extraña de caminar nos da a conocer el aspecto infeliz de su carácter. Tampoco son menos importantes la manera en que él se marcha a su nueva tierra, ni el té que sirve a Leslie en su cabaña, donde sus manos no saben qué hacer con la taza. A pesar de esto, el hecho es que la película es posteriormente considerada como una película de James Dean, más que de Rock Hudson o Elizabeth Taylor, aunque ciertamente deja a los fans y a los demás espectadores totalmente insatisfechos por la poca presencia de James.

El estilo de Dean es totalmente diferente al resto de los actores, quienes son tan tradicionales como pueden ser, y es fácil detectar en él una retirada, una debilidad que tiene que ver con un deseo de controlar la situación. Dean, sin contar con ningún apoyo por la naturaleza homogénea de los personajes de sus dos películas anteriores, que por un lado refuerzan su carácter marginal de un paria joven, y por otra parte quitan valor a la unidad de la película, trata de lograr que el espectador aprecie la psicología de Jett Rink y que le llegue a comprender.
El está completamente ajeno al resto de las personas y parece ser una adición casi superflua en el guión (quizá hay quien piensa que se añadió a última hora), pero esta impresión permanece cuando leemos el personaje de Jett en la novela de Edna Ferber. Ambos son totalmente iguales, en novela y película, lo que evidencia que los adaptadores de la novela sabían perfectamente su trabajo, lo mismo que los dos guionistas. La única pega que podemos poner a este trabajo es que los guionistas no aprovecharon las enormes cualidades que el carácter de James Dean podía aportar al personaje, quizá porque apenas si conocían al actor.

El viejo James Dean

Finalmente, la representación de Jett Rink, como un hombre de cincuenta años en la segunda mitad de “Gigante”, ocasionó numerosas dudas en los medios cinematográficos, quienes no estaban muy convencidos de que una persona tan vieja se comporte así, ni física ni emocionalmente. Otros, más despiadados, dijeron que James Dean murió en su momento justo, antes de comenzar a envejecer. Nosotros, por nuestra parte, deseamos a esos críticos la misma funesta suerte.
Dean no podría efectuar este cambio tan drástico siendo tan joven (apenas si sabía lo que era una persona vieja), y ese cambio solamente se podía lograr en el cine, unido a un buen maquillaje y las oportunas instrucciones de cómo se manejan las personas de esa edad. Sin embargo, consciente nuestro joven actor de que la vejez empieza en las sienes, acepta que le blanqueen su pelo, le pongan un bigote y unas pesadas gafas negras, aunque es en vano: la morfología de su cara era resistente a envejecer, y, además, su cuerpo joven dejaba las cosas más difíciles y eso que le pusieron una chaqueta cerrada que disimulara su tórax.
Aparte de esos problemas físicos, James Dean no era un actor épico; y aunque esto no quiere decir que él no quisiera formar parte de una epopeya, y las fotos tomadas de su trabajo en Gigante dan fe de ello, lo cierto es que él no se expresó así mismo. James Dean era un intimidado actor con una necesidad inmediata de confiar en la gente, y sobre todo con una necesidad de mantener igualmente una relación fuerte con su director.

Discrepancias

Frecuentemente se ha dicho que James Dean no consiguió a lo largo del rodaje llevarse bien con George Stevens, y fue una opinión generalizada que George no apreciaba a James, al que gustaba de despellejar vivo por su estilo de actuar.
El rodaje se inició el 3 de Junio de 1955 en el desierto de Marfa (Texas), con unas temperaturas que llegaron a superar los cuarenta y ocho grados al sol. Entre el calor y el mal carácter de James la tensión aumentaba día a día, estallando durante el rodaje de una escena en la cual Liz Taylor visita a James en su cabaña a tomar té. Sumamente nervioso James por el calor, los focos y la escena misma, sintió ganas de orinar y lo hizo allí mismo, delante de todos los técnicos y actores, lo que motivó las iras del director. Posteriormente salió a relucir la manía de James de no rodar dos planos iguales y su afán por introducir sus propias frases en los diálogos, lo que lógicamente acabó desequilibrando los nervios del director, acostumbrado a rodar sus películas controlando toda la producción. La tensión se descontroló totalmente cuando James insultó a Stevens llamándole “gordo”, lo que motivó la suspensión del rodaje. Solamente la presión de la productora y el apoyo que Stevens recibió de Rock Hudson, enemigo también de James, consiguieron continuar el rodaje.

No obstante, George Stevens reconocía que la labor final de Dean era muy correcta y cuando murió escribió una carta a una prestigiosa revista cinematográfica disculpándose por el malentendido entre ambos y hablando muy bien del joven actor.

Los críticos no se ponen de acuerdo

En Europa, los críticos se dividieron en grupossobre “Gigante”.
James Dean, curiosamente, participó bastante en este desacuerdo, ya que anteriormente a su muerte había mandando notas de prensa desconcertantes, en las cuales hablaba de sus emociones. Su estilo como actor era la antítesis misma de los hombres bien controlados y actuaba de manera opuesta a cualquier otro actor de aquella época. Hoy día, Brad Pitt, parece querer seguir sus pasos, tanto en la manera de actuar, como en su comportamiento durante los rodajes.

“En “Gigante ”, decía un crítico en Marzo de 1957, James Dean fascina con su sutileza y su buena presencia. James Dean se muestra así mismo en su mejor momento en la primera parte de Gigante, pero en su peor en la segunda. Para interpretar a una persona de cincuenta años de edad, él tuvo que tratar de lograr un compromiso, y descender al nivel de un actor de tercera categoría actuando. Lo exagerado de su interpretación habría sido aún peor si el director no hubiese pasado la mayoría del tiempo filmando a James desde la lejanía, consciente de que no podía acercarse para que no se vieran los defectos.”

Al final de este traspié, en el que un panel final cierra sobre una vida arruinada, muchos quisieron ver en ello el testamento prematuro de James Dean, que su muerte había colocado repentinamente al descubierto. El hecho es que Dean prefirió este papel a cualquier otro más adulador que su productora le ofrecía.
Él había llegado a ser un ídolo público, pero el resto de la cuestión con respecto a si este estrellato hizo un monstruo de él, poseído por la vanidad, ha dividido la opinión de los críticos durante mucho tiempo. ¿Se traicionó él conscientemente cuando se encontró de forma repentina convertido en un ídolo? Esta es seguramente una materia a considerar. Hoy, tres de las películas de James Dean han llegado a ser clásicos, pero las nuevas generaciones tienen sus reservas sobre estos trabajos. Ellos carecen de la influencia que James Dean produjo en la juventud de aquellos años, en cuanto a los asuntos sociales y políticos, en el erotismo, y la sexualidad que estaban completamente ausentes.

Nosotros deberíamos soportar el mismo fin con él: James Dean no era el muchacho de veinte años que soportó los problemas de su tiempo, ni era un héroe pragmático, un revolucionario, o quizá un rebelde. James Dean expresó lo efímero y complejo de la crisis de la adolescencia, consciente de que la felicidad en esos años es mucho más difícil de alcanzar que en la niñez, cuyos recuerdos buenos pueden provocar fuertes desesperanzas en los jóvenes.

Los titulares de “Rebelde Sin Causa” aparecen directamente sobre las primeras escenas de la película. James Dean, acostado sobre su estómago en el terreno, estirando todo su cuerpo al máximo, hasta los mismos bordes de la gran pantalla del cinemascope, juega con el reloj dándole cuerda. En esta escena, donde él está borracho, es capaz de complacer al espectador con su conversación con el juguete mágico, tal es su maravillosa emotividad.
Esta forma de empezar la película casi simbólica, da a conocer uno de los aspectos más originales y más ricos del talento de James Dean, el de su relación sensitiva con los objetos. Rara vez nosotros hemos visto a un actor que pueda coger los objetos con la agilidad asombrosa de un animal y ello nos produce la impresión de que Dean era ante todo un “atleta del corazón”, alguien que trabajaba duro para fortalecer su amor por las personas y las cosas. Esta calidad felina del cuerpo y las extremidades es sin duda una de sus mejores y más personales caracterizaciones, sino la esencia misma de James Dean. Si nosotros vemos “Rebelde Sin Causa” y “Al Este del Edén” solamente como una obra de James, observaremos una forma extraordinaria del arte moderno y una gran interpretación como actor.

En 1956 un periodista escribió:

“James Dean, que refriega una botella de leche fría lenta e interminablemente contra su cara, es para mí una imagen que es inseparable de esa otra escena en el film “Queen Christina”, donde vemos a Greta Garbo acariciar el lecho con la mejilla después de hacer el amor. Esta evocación de “La Divina“, si la aplicamos a James Dean puede parecer paradójica e inapropiada, pero sin embargo es posible que sea muy adecuada, ya que este actor joven poseyó las mismas facultades sensuales que Greta Garbo, y conseguía hacer poesía con todo aquello que estaba a su alrededor, mostrándonos un mundo que giraba exclusivamente alrededor de su personalidad.
En esta pelea por la expresión, la figura de James Dean siempre superó a quienes empleaban sus manos para apoyar la voz (una manera de actuar que aún perdura), porque él usó su cuerpo entero y podría hablar siempre como un predicador, con las manos sujetas en el púlpito. La mirada nunca estaba donde uno podría esperar, y lo mismo podría decirse de su actitud, de sus movimientos o gestos”.

Una forma de actuar única en el cine

Un cordón en sus manos llega a ser un objeto irónicamente sádico. Golpeado con dolor cuando apoya su frente en el cadáver de Platón, incapaz de comprender lo que ha sucedido y con sus manos tratando de tapar las heridas, Dean se enfrenta por primera vez con la presencia desagradable de la muerte, del mismo modo que lo haría una bestia o un niño.
Nosotros deberíamos recordar lo que significa encontrar un objeto familiar y cómo puede cambiar su significado cuando lo tenemos en circunstancias diferentes. Un viejo jersey usado puede servirnos como refugio contra el miedo al futuro, la cama de nuestra niñez nos inspirará calor, un balón nos recordará nuestra época de plenitud física y una chaqueta roja de nylon quizá nos recuerde un amigo muerto.
En las películas de James, a cada momento, se introducen pequeños detalles: no hay un solo personaje ni una sola situación, sino un mundo complejo en cada escena que realiza, circunstancias que solamente se pueden percibir cuando vemos sus películas varias veces. Por eso la afición a Dean aumenta en la medida en que visionamos de nuevo sus películas.

Lo peor que uno puede decir es que la colaboración de un actor como James Dean con sus directores no puede compararse al del coreógrafo y su bailarina, y su genio en la manera de moverse, lo mismo que sus gestos, no pueden inculcarse.
Hemos hablado de naturaleza, exhibicionismo y superficialidad, pero esto formaba parte de su estilo, y James Dean conseguía con su físico aportar una personalidad aún más compleja e interesante.

Francois Truffaut, en su tiempo, era uno de los pocos críticos que estaban convencidos del esplendor del actor:

“Sus actuaciones van co ntra los cincuenta años que llevamos haciendo películas. Cada gesto, cada actitud, cada mímica, es una bofetada en la cara de tradicionales. El James Dean que refriega una botella de leche interminablemente contra su cara, es para mí una imagen que Dean fuera", sino el manuscrito que usa como una afirmación.
Él no poetiza como hace Gérard Philipe. Él no está ansioso por mostrar que comprende perfectamente lo que está diciendo. Él actúa más allá de lo que está diciendo y siempre cambia la expresión de su cara según va añadiendo nuevas palabras.
James Dean actuando es más animal que humano y esto es lo que le hace más caprichoso. Él puede comenzar a volver su espalda a la cámara y seguir hablando, moviendo su cuerpo y caminando, o puede levantar los brazos y empujarlos al frente. Dean pertenece a esos actores que no prestan ninguna atención a las reglas ni a las leyes”.
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Una escuela de actores

La emoción despertada en la gente por las creaciones de James Dean a veces nos puede parecer un milagro, pero cualquier análisis de su genialidad nos llevará siempre a analizarle conjuntamente con Elia Kazan y Marlon Brando. Nosotros no deberíamos olvidar a Montgomery Clift y a John Garfield, que estaban ya antes que Brando, y que también habían usado el método Stanislavsky cuando trabajaron con Elia Kazan. De aquí en adelante el mismo sentido de familia existe entre los cuatro actores, pero mucho más que pertenecientes a una misma escuela, encontraremos que también hay otras características particulares, además de su aspecto físico, que los relacionan entre sí en muchos aspectos, y que han venido a representar una incomparable escuela de actores.
Este grupo se caracterizó en su tiempo por sus cualidades morales y su diferente aspecto físico. Los héroes, los personajes, que ellos han interpretado representan de algún modo los acontecimientos trágicos que se dieron en la historia estadounidense, desde Roosevelt al fin de McCarthy.

Brando vs. Dean

Más allá de esta similitud, si la influencia de James Dean llegó a ser más intensa que la de sus predecesores, es porque él tenía su conclusión lógica, llevando su estilo de comportamiento hasta sus límites. Hay actores épicos e íntimos, y esta es una de las diferencias importantes entre Brando y Dean. Como ellos pertenecieron a ambas categorías, Brando podría cambiar fácilmente desde un taciturno pueblerino en “Viva Zapata”, al esplendor verbal de “Julio Cesar”, aunque el nexo entre los dos de actores, basado en parte por el rechazo del diálogo elaborado, la repulsa de las palabras precisas y la dicción perfecta, llegó a ser un inconveniente para ambos.

Brando sorprendió al auditorio con su nueva manera de hablar, una palabra única, mascullada, y la dificultad de enunciación era prolongada por una serie de poses y movimientos faciales. Las palabras se mascullaron tímidamente en asociación con un gesto particular, que enriquecieron la palabra detrás del gesto y el gesto detrás la palabra.
La causa principal de esta interpretación se encontraba en el hecho que los personajes de Brando eran intelectuales y en ocasiones un analfabeto subdesarrollado (On the Waterfront, The Wild One, Viva Zapata). Y viceversa, con los personajes de Dean, como Cal en “Al Este del Edén” o Jim en “Rebelde Sin Causa”, se educaron los jóvenes que disponían de dinero y quienes tenían una maestría apropiada del idioma.

La palabra debería percibirse sin dificultad, pero tanto como Brando lo buscaba, Dean lo rechazaba. Con Dean, existía una modestia instintiva exigida por la edad de sus héroes, siempre haciendo que el gesto precediera a la palabra, a menos que posteriormente se suprimiera completamente. En “Al Este del Edén”, él contesta con sus ojos y pocas sonrisas. Cuando su padre rehusa el dinero, ni una palabra cruza los labios de Cal, pero en vez de ello gimotea dolorido.
Antes de golpear a su hermano Aaron, la saña es desatada por una palabra bramando con tal fuerza que se deforma en un grito salvaje. En otras dos ocasiones en “Gigante” él, suavemente, refriega la palma de su mano por medio de sus dedos logrando con su gesto extraño demostrar a Rock Hudson irónicamente que todo está bien, cuando posterior se demuestra que no era así.
En “Al Este del Edén”, cuando él confía en Julie Harris (Abra) su desesperación después de haber atacado a su hermano Aaron tan salvajemente, perdido en su desesperado pensamiento, él permite que el peso de su cabeza le haga caer tan brutalmente contra el pilar del balcón que su cuerpo se contorsiona con dolor. Estos actos de mortificación emergen nuevamente en “Rebelde Sin Causa” (el comisionado de oficio golpeando con saña) y nosotros deberíamos ver esto, no como una necesidad masoquista (como con Brando), sino como la manifestación desesperada de rebelarse contra sí mismo por actos cometidos que la conciencia juvenil rechaza. Con James Dean, es el físico quien siempre tiene la última palabra.

Otros actores

Una estrella del cine puede tener una forma de pensar y una personalidad tan responsable como sus propios personajes en la pantalla. Dos tipos de carácter pueden identificarse: el sencillo (John Wayne, Charlton Heston) y el complejo (Humphrey Bogart, Marlon Brando).
Los primeros, siendo atractivos para el gran público que los aprecia pasivamente, rara vez impulsan recuerdos inolvidables. Provocan nada más que una admiración incondicional, que es precisamente el destino del grupo posterior.
Los segundos, los caracteres complejos, son mucho más “vivos”, teniendo siempre una gama amplia de actitudes y expresiones que despiertan sentimientos activos y apasionados en el público, incluso deseando emularlos. En esta categoría, James Dean es el mejor ejemplo consumado.
Dean no era un ídolo en su vida, y esto le privó de afecto, aunque supo rogar a gritos ayuda para los adolescentes. Las actitudes de James Dean forman una parte integral de su estilo de actuar y de sus hobbies, y las disciplinas a las que él se sometió son inmediatamente obvias: el yoga, el baile y el toreo, forman la base de esta actitud física explícita. Para él, esto era un verdadero ejercicio para el espíritu, y así él pone gran interés en cualquier postura cuando golpea, realiza diálogos con el corazón cada vez que se mueve, y, en suma, las posturas y posiciones son su forma de dialogar con el cuerpo, empleando incluso de esta manera ciertas metáforas.

El cuerpo como forma de expresión

Es las escenas clásicas, tales como el placentero paseo en la secuencia de “Al Este del Edén”, donde Cal besa a Abra por primera vez, Dean está en su mejor momento. Cuando sus labios se encuentran, Dean deja que sus brazos queden tendidos y los dedos esparcidos, con lo que él experimentaba una emoción delicada. Esta actitud, que hace eterno este primer beso, automáticamente desvía los ojos del espectador desde los labios de Cal a sus manos, salvaguardando toda la modestia que la escena requiere. Es en tales actitudes, que no restan nada a la escena, cuando confirman la sensibilidad de un poeta. Orquestando esta sensibilidad con todo sentimiento, la cara es tan activa como las extremidades, y lo que algunos tomaron como que eran tics, de hecho para el escritor eran palabras. Donde un actor usa su cara continuamente como medio de la expresión, para James un gesto llega a ser un rastro de humor, un desprecio, una coma, una torpeza que se expresa restregando las narices, una derrota en una flexión del cuerpo. Los más efímeros problemas existen en un movimiento muscular.
Para hacer que esto tenga una gran intensidad, se necesita una vocación irrefrenable. En los métodos para la expresión mediante el movimiento en el Actor´s Studio, donde él estuvo practicando, James Dean a punto estuvo de abrir una gran expectativa en la forma de actuar de los actores y de modificar los criterios de los directores. Pero Dean era un actor que se desenvolvía perfectamente en la gran pantalla del cinemascope y que contribuyó sensiblemente a que la gente aceptase sin reservas este gran formato de pantalla (que era todavía altamente discutible en esa época).
¿Era él consciente de esto? Bien sea por intuición o por las circunstancias, nuestra creencia es que su lealtad total a este formato responsabilizó con su actitud su utilidad para el cine. Su manera de comportarse sobre la pantalla, llegó a ser casi orgánica. Sus movimientos del cuerpo, intuitivos encontraron su posición como los espejos de un calidoscopio encuentran la suya.

La tragedia

James Dean encontró su muerte el 30 de Septiembre 1955, a las 17.58 p.m., al volante de un automóvil plateado marca Porche. Él había ido a Salinas para participar en el trofeo de otoño. Las secuencias finales de “Gigante” acababan de ser completadas (a excepción de unas escenas con extras), y el contrato de Dean estipulando que él tenía prohibido tomar parte en cualquier tipo de competición con motores (incluía por tanto las motos y los coches), finalizaba al mismo tiempo que el rodaje.

El accidente ocurrió en la intersección de la carretera 41 y la ruta 466, cruzando Gravepine, a 19 millas desde el Paso Robles (ocho millas desde Salinas). Un automóvil conducido por un estudiante de la localidad, llamado Donald Turnupseed, que invadió el carril contrario, embistió de frente al coche de James. El velocímetro, que se recuperó después entre los destrozos, se había atascado a 115 mph.
James Dean murió instantáneamente, a causa de una rotura de su cuello. Su mecánico, Rolf Weutherich, iba en el asiento de pasajero y se recuperó totalmente de sus heridas pocas semanas después, aunque nunca quiso hacer declaraciones sobre el accidente. El fotógrafo Sandford Roth y su amigo Bill Hickman, les seguían varias millas detrás y fueron testigos del accidente mortal.

Triunfar después de morir

Después de “Gigante”, James Dean había llegado ya a ser una super -estrella internacional, un sueño perseguido desde el primer día en que decidió dedicarse al cine. Ese ideal se fundó sobre el principio de que la personalidad se logra mediante la perfección. Una vez muerto, era otro James Dean quien eclipsaría al primero: el mítico James Dean.
El día después de su muerte, las notas necrológicas inundaron las páginas de las noticias, y el periódico local de Fairmount, la ciudad natal de Dean, publicó una edición especial. El departamento de publicidad de la Warner Bros. , que había preparado el estreno de “Rebelde Sin Causa”, y planificaba el de “Gigante”, estaba absolutamente desconcertado ante lo que deberían hacer. Las entrevistas tuvieron lugar con todas las personas que habían rodeado a James, desde el padre de James Dean, al camarero que le servía sus comidas en la Villa Capri en Los Angeles.

La similitud entre su carácter y los personajes que interpretó

Desde ese momento se empezaron a pagar sumas importantes de dinero a todas aquellas personas que pudiera aportar una foto inédita de James.
Tras su muerte, una biografía se puso apresuradamente a la venta, resaltando los puntos que podían resultar comprometidos para el prestigio del actor y que se suponían tendrían mucho interés para el lector. Las ratas de la prensa empezaron a actuar y desde ese momento lo más importante no era contar la verdad, sino inventársela. Cuanta más escandalosa fuera la mentira, más ejemplares se venderían.
Los buenos biógrafos, los honrados, hallaron enseguida muchas analogías entre los personajes que interpretó y su corta vida, que era interpretada y romanceada a lo largo de las líneas siguientes:

“Había una vez un Jimmy, un huérfano solitario, un chico de granja. Se podría cantar para él la melodía “Nature Boy”. De familia humilde y mal entendido por los mayores, él llegó a ser una estrella del cine utilizando su gran fortaleza de carácter y su sabiduría.
Estuvo a punto de tener un puro y sublime gran amor con una chica amable, la joven Pier Angeli, pero su madre se opuso porque encontró que James tenía un carácter más bien dudoso e hizo que su hija se casase con el cantante más urbano Vic Damone. El día de su boda, Jimmy se ocultó cerca de la iglesia y miró la ceremonia. Desesperadamente montó en su motocicleta y se marchó de allí a 195 kph. Después de esto parecía que nada le podía importar más a Jimmy y nadie podría comprender su sed para lograr amar y ser amado. Los tontos podrían ver motivos falsos en la decisión que él tomó de vestir negligentemente: no había nada sorprendente en ello, como tampoco lo había en matarse conduciendo un coche a 170 kph
Esta era la imagen de un neoromántico arcángel que rechazó la rutina, que se presentó en numerosas agencias de prensa y cine reclamando su puesto y que tardó casi diez años en conseguir trabajar en aquello que más anhelaba”.

Estrellas o ídolos

Cada vez que el público idolatra a una estrella del cine se desata una pasión por sus costumbres, amores y, curiosamente, por sus defectos. Al día siguiente de su muerte el interés por él se multiplicó por mil, mucho más que lo que había generado en vida, cuando era más asequible. Nunca antes se había conocido algo semejante, ni siquiera cuando se realizó el entierro multitudinario a Rodolfo Valentino.
La idolatría había cambiado de dirección y su foco era ahora los jóvenes de apenas veinte años. Cuando James nació, el mito de Valentino había potenciado los sueños ocultos de miles de mujeres, quienes desde entonces se dieron cuenta que para enamorar a un hombre no se necesita ser guapa.
Este tiempo entre la muerte de Valentino y el comienzo de otro mito, desenmascaró la transcendencia narcisista de la juventud. James Dean marcó el final de una era (el de las grandes estrellas maduras), y comenzó el de los ídolos muy jóvenes, algo que hasta entonces se consideraba imposible, ya que los jóvenes no podían aportar la experiencia necesaria en la vida como para ser consideramos un modelo a seguir o imitar. Después de muchos años desde su fallecimiento esa especie de arcángel terrenal llegó a ser objeto de culto y fue motivo de estudios psicológicos, de psicoanálisis y enigmas, todos ellos basados en la compleja personalidad de James Dean.

Otro biógrafo escribió:

“ Cada uno de nosotros lo ha adorado por su personalidad, aunque por motivos muy diferentes. Ha conseguido convencer a gays y vencidos, intelectuales y conductores, niñas de catorce años y damas viejas, chicos de los suburbios y jóvenes de última moda, desde los intelectuales de Nueva York y California, hasta los que juegan en las soleadas playas. Todos son sus devotos incondicionales y James Dean es anhelado por todos; aunque sería mucho más justo reconocer que él no perteneció a ningún grupo social concreto, porque era único.
No hay nada sorprendente en la poderosa atracción que él tuvo sobre la gente joven y puede explicarse hoy con gran facilidad. En 1955 los jóvenes no tenían ningún ídolo, y el ejemplo del “fenómeno James Dean” era un catalizador que llegó para generar el arroyo interminable de ídolos a quienes la gente joven juró su lealtad. Dean era por lo tanto la persona que su generación había esperado; como un Mesías.

Aparte de la originalidad de su talento, que se alcanzó a su debido tiempo, su fuerte personalidad exterior ofreció la síntesis más perfecta de todos los atributos físicos de la adolescencia. Su muerte súbita fue la base para la popularización del mito. Nosotros hemos pasado silenciosamente entre las diversas manifestaciones de histerismo y fanatismo, bien sean en colectividad o individualmente.
El culto a Dean comenzó el día de su muerte y sigue presente después de cuarenta años”.

Un nuevo Dios

“El mito alcanzó su cima más alta y llegó a ser una religión. Cuando las noticias de su muerte pertenecían ya al pasado, la gente gritaba aún sobre la sepultura de James Dean, como Lucero gritó sobre la tumba de Adonis.
Tres millones ochocientos mil fieles admiradores, repartidos en los numerosos clubes de fans, realizan periódicamente reuniones para celebrar su gloria. ¿Victoria?, ¿Cuál fue la batalla? Después de un año de su muerte, la Warner Bros. recibía cuatro mil cartas diarias. La venta de sus ropas cortadas en pedazos minúsculos, proporcionó un dólar de beneficio por cada media pulgada cuadrada. La venta de los fragmentos de su automóvil, cortados con una lámpara autógena después de ser restaurado y mostrado a todo el país, dió miles de dólares.
También se realizan reuniones en el cementerio o en los clubes con la música de las películas, se ven sus películas, se narran poesías o se entonan canciones en su honor. Finalmente, hay quien realiza invocaciones de su espíritu, todos estos actos con el único objeto de recordarle, combinando en ocasiones la devoción Cristiana por sus reliquias, con las tradicionales ceremonias religiosas del recuerdo a los difuntos. En el amor histérico hacia él, existe quizá la búsqueda confusa de un dios, personificando ambos en un solo dios y un violento dios, quizá el primo de Dionysus, la figura que la mayoría de los analistas sacan a relucir cuando discuten el caso de James Dean.”.

Este nuevo Evangelista, llamado por algunos el Santo Jimmy, no lo es sin irritar a otros. Sea deseable o no, los vestigios eternos de esta religión tan antigua se pueden encontrar en su templo de Hollywood, el Museo de cera, con su figura inmortalizada con el traje que llevaba en “Gigante”, que le hace ser ya un personaje histórico e imperecedero. Una pintura firmada por Kendall lo muestra como si fuera Hamlet y se expuso en el Sunset Bulevar, lo mismo que su busto, también esculpido por Kendall, que adorna el Hall de los Inmortales en la Universidad de Princeton. Otro busto monumental, que Dean había encargado por sí mismo a la escultora Peyot Wing, ocupa un orgulloso lugar en la escuela superior de Fairmount. La Fundación Conmemorativa a James Dean estuvo a punto de llegar a ser una institución nacional del mismo modo que lo es la Legión Estadounidense, y Fairmount, con sus dirigentes al frente y con la ayuda del Gobernador de Indiana, crearon la sociedad para la asistencia mutua de la gente joven, cuyo aspecto físico era estrechamente o remotamente parecido al del más importante joven del país.

Más prosaica es la réplica a tamaño natural de la cara de James Dean modelada en “miracle flesh”' (un material plástico que cuando se calienta imita a la piel humana). Una fábrica vendió millares de estas caras a lo largo de los Estados Unidos por 40$ cada una. Después de esto, un artista de Broadway se dedicó a vender cojines que tenían impreso un retrato pintado de James Dean y ha hecho su fortuna en tres meses.

James Dean hoy

En 1966, con ocasión del onceavo aniversario de su muerte, la Warner Bros. reestrenó sus tres películas en unos pocos cines seleccionados y en solamente unas pocas capitales de América. En unión a esto, numerosos artículos sobre él reaparecieron, ocasionando un renacimiento de James Dean. Una entera y nueva generación descubrió a James Dean, aunque con menos misticismo que la anterior. Esos prosélitos mostraron una admiración sentimental y nostálgica hacia él, similar a la que otras personas habían sentido por las estrellas de otros años pasados.
Es obvio que James Dean permanecerá eternamente congelado en su juventud. De ahora en adelante, los adolescentes se descubrirán así mismos en “Al Este del Edén”, soñarán como ellos en “Rebelde Sin Causa”, y serán inquietos con “Gigante”, del mismo modo como la gente se identificó con héroes de literatura en el pasado. El hechizo que él todavía retiene sobre los jóvenes ha desafiado el paso de tiempo, y los cines locales suelen tener en cuenta sus películas periódicamente, asegurándose una buena venta de localidades con su reposición.
La manía de coleccionar carteles y fotografías, ha demostrado a los editores que la imagen y la vida de James Dean sigue vendiendo más que ningún otro actor del pasado y compite valerosamente con los actuales.

James Dean había llegado a ser el santo patrón de los actores jóvenes del cine, y habría sido indudablemente el preferido si él no hubiera muerto tan pronto. Pero la idolatría tiene sus razones, aunque creamos que es más una sin-razón, y se atribuyó al gusto por lo mórbido de la gente joven, el culto que profesaban a James Dean. Esto es totalmente discutible, ya que la muerte del actor estuvo definida por la aflicción, no como una fantasía más del cine, y para sus fans la leyenda era meramente una cuarta película. Existe el rumor, que siempre han mantenido sus creyentes, que el héroe desfigurado de James Dean está oculto en algún hospital. No hay ninguna necesidad de mantener esta macabra idea para conseguir que el mito de James Dean renazca año tras año. Su resurrección espiritual está asegurada.
James Dean vive, como todos nosotros sabemos, en la mente de todos sus admiradores, del mismo modo que Peter Pan vive en la imaginación de los niños. Las estrellas del cine nunca mueren y los poetas únicamente fingen su muerte. James Dean por lo tanto no ha muerto, él solamente puede “ jugar con la muerte”' y nosotros deberíamos reconocer que este papel final de James Byron Dean es solamente patrimonio de los genios.

El único amor conocido: ANA Mª PIER ANGELI

(1932 - 1971)

Profesión: Actriz
Nombre: Ana María Pier Angeli
Nació: el 19 de Junio de 1932 en Cagliari, Sardinia, Italia Murió: el 10 de Septiembre de 1971 en Beverly Hills, CA

Pequeña, de dulce mirada, y actriz en el decenio de 1950, fue descubierta mientras estudiaba en Roma por el director Francés Léonide Moguy, quien entonces co-estrenaba “Tomorrow is too Late” (1950), junto a Vittorio De Sica.
Angeli se puso bajo contrato de la MGM y debutó como una novia espiritual de la guerraitaliana en “Teresa” (1951) de Fred Zinnemann, con John Ericson como oponente masculino. Pero aparte de interpretar a la esposa de Rocco Graziano en “Marcado por el odio” (Somebody up there likes me) (1956) junto a Paul Newman ,y a una chica de circo en “Loco por el circo” (Marry Andrew) (1958) junto a Danny Kaye, ella posteriormente no encontró otros proyectos dignos.
Sus enredos emocionales y los accidentes físicos, ayudaron a poner su carrera en un alfiler y antes de su muerte ella apareció como sex-symbol y en algunas películas de terror. Estuvo casada desde 1954 a 1959 con Vic Damone. Su hermana melliza es la actriz Marisa Pavan.

Filmografía esencial:

1950 MAÑANA SERA DEMASIADO TARDE
1951 THE LIGHT TOUCH
1951 TERESA
1952 THE DEVIL MAKES THREE
1953 SOMBRERO
1953 THE STORY OF THREE LOVES
1954 THE FLAME AND THE FLESH
1954 EL CALIZ DE PLATA
1956 MEET ME IN LAS VEGAS
1956 PORT AFRIQUE
1956 MARCADO POR EL ODIO
1957 THE VINTAGE
1958 LOCO POR EL CIRCO
1960 THE ANGRY SILENCE
1960 MUSKETEERS OF THE SEA
1960 S.O.S. PACIFIC
1962 WHITE SLAVE SHIP
1963 SODOMA Y GOMORRA
1964 SHADOW OF EVIL
1965 BATTLE OF THE BULGE
1966 SPY IN YOUR EYE
1968 ONE STEP TO HELL/REY DE AFRICA
1969 CODE NAME, RED ROSES
1970 EVERY BASTARD A KING
1971 LOVE ME, LOVE MY WIFE
1971 OCTAMAN

Filmografía de James Dean

FIXED BAYONETS (1951)

US
92 minutos
Blanco y Negro 20th Century Fox

Productor: Jules Buck
Director: Samuel Fuller
Guión: Samuel Fuller
Basada en la novela de: John Brophy

Intérpretes:
JAMES DEAN: Soldado
RICHARD BASEHART: Corporal Denno GENE EVANS: Sargento Rock
MICHAEL O´SHEA: Sargento Lonergan RICHARD HYLTON: Piloto

Un tenso drama sobre la Guerra de Corea y un pelotón que intervino a su manera, desobedeciendo las órdenes. La producción muestra la guerra con crudeza. James Dean es uno de los soldados.

SAILOR BEWARE (1951) ¡Vaya par de Marineros!

US
108 minutos
Blanco y Negro
Paramount Pictures

Director: Hal Walker
Productor: Hal B. Wallis
Guión: James Allardice y Martin Rackin
Basada en la historia de: Kenyon Nicholson y Charles Robinson

Intérpretes:
DEAN MARTIN: Al Crowthers JERRY LEWIS: Melvin Jones CORINNE CALVET: Invitado MARION MARSHALL: Hilda Jones ROBERT STRAUSS: Lardoski LEIF ERICKSON: Comandante Lane DON WILSON: Mr. Chubby
BETTYHUTTON: Invitado JAMES DEAN: Boxeador

Las divertidas aventuras de Martin y Lewis en la Marina. Las escenas militares, y los combates de boxeo, son las atracciones principales en una de las excursiones más cómicas de la pareja de cómicos.
James Dean puede vislumbrarse en la escena de boxeo a dos asaltos.
Remake de “The Fleet´s in”.

HAS ANYBODY SEEN MY GAL? (1952)

US
Color
Universal International

Productor: Ted Richmond
Director Douglas Sirk
Guión :Joseph Hoffman
Basada en la historia de: Eleanor H. Porter Música: Henry Manccini y Herman Stein

Intérpretes:
JAMES DEAN: Joven con una botella de soda en la fuente PIPER LAURIE: Millicent Blaisdell
ROCK HUDSON: Dan
CHARLES COBURN. Samuel Fulton
GIGI PERREAU: Roberta
LYNN BARI: Harriet Blaisdell

En el decenio de 1920, asistimos a la nostalgia de una viejo Coburn, poseedor de una gran fortuna, que planifica entregar su fortuna a la familia de una mujer que años atrás había propuesto en matrimonio.
La actuación de Coburn es todo un espectáculo y lo mejor de la película. Solamente estando muy atentos podemos ver una escena fugaz de James Dean.

TROUBLE ALONG THE WAY (1953) Un Conflicto en cada esquina

US
110 minutos Blanco y Negro

Productor: Melville Shavelson
Director: Michael Curtiz
Guión: Melville Shavelson y Jack Rose
Basada en la historia: "It Figures", de: Douglas Morrow y Robert Hardy Andrews Intérpretes:
JOHN WAYNE: Steve Williams
SHERRY JACKSON: Carole Williams LESTER MATTHEWS: Cardenal O'Shea BILL RADOVICH: Moose McCall DONNA REED: Alice Singleton
DOUGLAS SPENCER: Procurador TOMM TULLY: Padre Malone
JAMES DEAN: Leif Erickson

Extraordinario John Wayne, en este sentimental episodio centrado en su presencia, como un hombre divorciado que trata de mantener la custodia de su hija (Jackson). Él, posteriormente, gana gran prestigio y personalidad en su ambiente, al entrenar un equipo de fútbol para una pequeña escuela Católica. Uno de estos padres religiosos es James Dean.

EAST OF EDEN (1955) Al Este del Edén

US
115 minutos Color
Warner Bros

Productor: Elia Kazan
Director: Elia Kazan
Guión: Paul Osborn y Guy Thomajan Basada en la novela de: John Steinbeck Fotografía: Ted Mc Cord
Música: Leonard Rosenman

Intérpretes:
JULIE HARRIS: Abra
JAMES DEAN: Cal Trask
RAYMOND MASSEY: Adam Trask RICHARD DAVALOS: Aaron Trask BURL IVES: Sheriff Sam Cooper JO VAN FLEET: Kate
LOIS SMITH: Ann
TIMOTHY CAREY: Joe
LONNY CHAPMAN: Roy

James Dean hizo su primer trabajo serio para la pantalla en “Al Este del Edén”, u na adaptación de la novela de John Steinbeck. Una película poderosa cuya influencia puede verse en “Hud” (1963) y muchas otras producciones posteriores.
La película es una obra maestra dirigida por Elia Kazan.

Sinopsis:

Dean interpreta el hijo neurótico (Cal) de un granjero devotamente religioso, Adán Trask (Raymond Massey), quien tiene una extensa propiedad en el rico pueblo Salinas, en el Valle de California. El hermano mellizo de Cal, Aaron (Richard Davalos, también haciendo un debut extraordinario como actor en la película) se ajusta bien al personaje. Implicado en una relación estable con su amiga Abra (Julie Harris), hace frente a su hermano colaborando de una manera muy diligentemente al desarrollo de las tierras de su padre.
Cal es el oponente de su hermano; inquieto y desagradable, quien desafía toda autoridad, incluyendo a su padre. Erróneamente cree que Aaron es el hijo predilecto a quien todos aprecian y favorecen, acusándole de tener todos los caprichos mientras él no tiene nada. Ellos son el Caín y Abel de la historia, hacia 1917, y el desarrollo desde la estabilidad de la familia hasta la destrucción y la tragedia es veloz, como cuando Cal busca zafarse de su hermano y hasta de sí mismo.

La familia se deshace con el fin de ganar el aprecio del padre, mientras Cal idea un plan para plantar cosechas especiales. Su padre, entretanto, ajeno a todo este problema que gira a su alrededor, deposita un nuevo cargamento de lechugas con destino a los mercados del Este, pero ahora lo hace con la mercancía refrigerada con hielo. Pero el proceso de refrigeración desarrollado nuevamente fracasa, y el hielo se derrite antes que el tren consiga llegar a su destino. La cosecha se arruina y las fortunas de Adam sucumben.
En ese momento la familia pasa muchas horas juntos y es cuando Cal descubre que su verdadera madre, Kate (Jo Van Fleet), hasta ahora poco más que un recuerdo en un armario familiar, está viva. La buena noticia se torna inmediatamente en estupor y tristeza cuando alguien le dice que es una prostituta que trabaja en Monterrey. Kate adelanta a Cal el dinero para producir una cosecha sorpresa de judías que servirá para mejorar la economía de su padre.
Pero cuando Cal ilusionado va hasta su padre para ofrecerle dinero gracias a su empresa, él rechaza la oferta, considerándolo como producto de una especulación infame. El enfrentamiento posterior ocasiona una enfermedad del padre, que acaba semiparalizado.
Lleno de enfado, Cal conduce a su hermano Aaron hasta el prostíbulo donde trabaja su madre, lo que produce un fuerte trauma emocional en el chico. Aaron entregado desde ese momento a la bebida, se enrola en el Ejército y se va a la guerra lleno de odio. Abra, a quien Cal ha tratado de mantener alejada de su hermano, sufre grandes desilusiones cuando se da cuenta de la personalidad tan destructiva de Cal. Ella sentía fuerte pasión por Aaron, pero era incapaz de lograr la misma atracción sexual que sentía hacia su hermano, más dinámico y agresivo.

Los Antecedentes

Todos los actores principales hacen actuaciones excelentes, pero fue Dean quien surgió como una estrella sensacional, a pesar de su identificación como un actor de un estilo poco definido. Dean, instantáneamente, llegó a ser un símbolo y un icono para los jóvenes de una América desilusionada y disociada; sus fans y los imitadores llegaron a ser millones y el culto que siguió se prolongó largamente después de la muerte del actor, causado por un increíble e imprevisto accidente de coche cuando apenas contaba veinticuatro años de edad.
Todas las contribuciones técnicas en “Al Este del Edén” son también de gran calidad, con una partitura de Rosenman adecuadamente evocativa para esta nerviosa, sentimental y explosivamente vital película.

Premios:

Jo Van Fleet ganó un Oscar a la Mejor Actriz Secundaria, y la película fue nominada para el mejor Actor James Dean, (quien perdió a favor de Ernest Borgnine por “Marty”), mejor Dirección, y mejor Guionista.

He aquí dos críticas negativas que no consiguieron su propósito: evitar la gran popularidad posterior de James Dean.

“En “Al este del Edén” –comentó un crítico Dean se muestra como la masa de un bizcocho a punto de subir. Arrastra los pies, hace muecas, masculla palabrotas, se apoya en las paredes como si fuera a caer, anda con las rodillas dobladas. Casi podría afirmar que esta es la forma de actuar de Marlon Brando”.

“Jim y yo trabajamos juntos en el Actor’s Studio y tengo un gran respeto por su talento
–afirmó BrandoSin embargo, en “Al este del Edén” parece estar usando mi ropa y mi talento de esa época”.

El Director:
ELIA KAZAN:

Profesión: Director, guionista, productor, actor
Nombre: Elia Kazanjoglou
Nació el 7 de Septiembre de 1909 en Kadi-Kev, Constantinopla, Turquía Estudios: Colegio Williams en Williamstown, MA; Escuela dramática de Yale

Procedente del mundo del teatro, en donde había conseguido gran reconocimiento por “La muerte de un viajante” y “Un tranvía llamado deseo”, alcanzó también un éxito desmesurado por sus películas en las que denunciaba aspectos y costumbres típicas de la sociedad norteamericana.
Nacido en Estambul en 1909, su familia emigró en los años 20 a Nueva York en donde su padre triunfó en los negocios, convirtiéndose en pocos años en un rico potentado. Elia Kazan pronto se interesó por el mundo del teatro y en 1932 inicia su aprendizaje en la escuela Yale, consiguiendo en 1935 trabajar ya como director de escena en el popular Group Teatre y en algunas películas como extra. Dos años después, realiza como director un documental titulado “The People of the Cumberland” y posteriormente “It’s Up to You”. Pero todavía tendrían que pasar cuatro años más para que consiguiera dirigir su primera película titulada “Lazos Humanos”, que pasaría desapercibida. Con bastante más éxito estrenó posteriormente “La barrera invisible”, en donde denunciaba con claridad la hostilidad occidental hacia los judíos.

Pero su primer gran triunfo vendría con la adaptación al cine de su obra teatral “Un tranvía llamado Deseo”, en esta ocasión interpretada por el mítico Marlon Brando, con quien volvió a coincidir en “¡Viva zapata!”.
En esos años, su denuncia contra el racismo, no solamente contra los negros, sino también contra los chicanos, le supuso el enfrentamiento con numerosos políticos norteamericanos. Quizá por ello (para justificarse), y en plena caza de brujas, denunció como comunistas a varios compañeros suyos de profesión ante el Tribunal de Actividades Antiamericanas.

Con un Oscar en su haber por “La barrera invisible”, ganado en 1949, Elia Kazan fundó la escuela Elia Kazanjoglou, El Arte de Kazan, por la cual pasaron muchos de los mejores actores de esos años. Enemistado con numerosas personalidades de las letras y la política, como el escritor Arthur Miller, atacó duramente las dictaduras comunistas en la película “Fugitivos del terror rojo”. Su gran fama como estupendo director le permitió toda clase de despropósitos en su vida personal e incluso no dudó en criticar abiertamente a los Estados Unidos en la película “América, América”, lo que le supuso ya un serio revés del que ya no se recuperaría nunca.
Anteriormente había conseguido otros dos resonados triunfos mundiales con la película “Al este del Edén”, junto al legendario James Dean y “Esplendor en la hierba”, una obra sobre la sexualidad juvenil con Natalie Wood como principal protagonista.

Considerado como una de las fuerzas principales en ambos teatros, Broadway y películas de Hollywood, Elia Kazan era un inmigrante griego que había llegado a Nueva York con su familia en 1913 cuando tenía cuatro años, bajo el nombre Elia Kazanjioglou. En 1932, él se unió a un grupo influyente de teatro de Nueva York como actor, compareciendo en un número de actuaciones importantes, incluyendo “Waiting for Lefty and Golden Boy” de Clifford Odets.
Aunque él trabajó brevemente durante la década de 1930 en algunas películas, asistiendo a Ralph Steiner y realizando documentales cortos para la Frontier Filmes, Kazan llegó a ser posteriormente uno de los directores más buscados en Estados Unidos durante esa época. Entre sus obras más destacadas figuran producciones en Broadway como “The Skin of Our Teeth” (1942), “Un Tranvía Llamado Deseo” (1947), “Muerte de un Viajante”(1949) y “La Gata sobre el Tejado de Zinc” (1955).

Kazan llegó a estar cada vez más involucrado en la elaboración de películas en los años de la posguerra. Trabajó como actor en papeles cortos en dos películas de Hollywood, “City for Conquest”, (1940) y “Blues in the Night”, (1941), y en poco tiempo fue considerado un genio de Broadway, siendo contratado como director por varios estudios cinematográficos en 1944.
Al unirse con el productor Darryl F. Zanuck de la 20th Century Fox, Kazan rápidamente se estableció por sí mismo como un cineasta de gran calidad cuyo trabajo reflejó su buena reputación teatral: un gestor experto de actores y un artista dedicado a dirigir problemas sociales contemporáneos.
Sus primeros trabajos, “A Tree Grows in Brooklyn” (1945) y “El Justiciero” (1947), eran muy sólidos y con algunas escenas fuertemente dramáticas. Pero con “ Gentlemans´s Agreement” (1947) y “Pinky” (1949), Kazan rompió un nuevo molde en el ciclo de la postguerra de Hollywood con “películas de problemas”. “Gentleman´s Agreement”, que ganó un Oscar a la mejor película, al mejor director, y la mejor actriz secundaria. Era una de las primeras producciones de Hollywood directamente antisemitista, mientras que con “Pinky” dirigió problemas de racismo.

El Partido Comunista de América

Kazan ganó una ovación adicional como director por la adaptación tan memorable de su película “Un tranvía llamado Deseo” (1951), pero su carrera se vio amenazada cuando él llegó a ser en la HUAC (Comité de Actividades Antiamericanas) una persona importante en la búsqueda de la subversión Comunista, aparentemente presente en las películas de la comunidad.
Paradójicamente, y como fundador del Grupo de colegas de Teatro, Kazan había sido un miembro del Partido Comunista de América (CPA) desde 1934 a 1936, pero él lo había abandonado amargado por los pobres resultados y el comportamiento violento de sus compañeros. Kazan manifestó una gran resistencia inicial al HUAC pero en Abril de 1952 puso una lista de “nombres designados” delante del comité. Criticado por muchos por su labor en esta caza de brujas, Kazan contestó duramente a todos sus enemigos con “La ley del silencio” (On the Waterfrom) (1954), en donde un trabajador de los muelles, Terry Malloy (Marlon Brando), toma la impopular acción de testificar contra los líderes corrompidos del sindicato.
Kazan posteriormente escribió: "Cuando Brando, al fin, grita: Yo estoy contento... ¿Cómo hago para que tú me escuches? Siento alegría por lo que hice, era como decir con su boca que yo estaba contento de haber testificado en el aquél momento”.

Si con “La ley del silencio” Kaza n se redimió políticamente, la película marcó otro hito en su carrera, consiguiendo seis Premios de la Academia, incluyendo a la mejor película y el mejor director. “On the Waterfront” marcó una culminación de las dos características que definen sus principios combinados del neorrealismo fuerte, generando actuaciones muy naturales entre sus personajes.
Kazan había usado ubicaciones verdaderas para filmar “Pánico en las Calles” (1950) y “Viva Zapata” (1952), y con “On The Waterfront” él también consigue el mismo realismo filmando en exteriores predestinados. El verdadero valor de este director era su capacidad para obtener interpretaciones viscerales en sus estrellas.

Él y Lee Strasberg fundaron el famoso Actor’s Studio en 1947, y bajo el tutelaje de Kazan el alumno estrella del Estudio, Marlon Brando, se estableció así mismo como el actor estadounidense más carismático de los primeros años de la década de 1950, ganando una nominación al Oscar bajo las órdenes de Kazan por sus representaciones de Stanley Kowalski, Emiliano Zapata y Terry Malloy.
Kazan también demostró su capacidad para conseguir actuaciones estelares de otros alumnos suyos, incluyendo a James Dean en “Al Este del Edén”, (1955); Carroll Baker en “Baby Doll”, (1956); Andy Griffith en “A Face in the Crowd” (1957); y Natalie Wood y Warren Beatty en “Esplendor en la hierba” (1961). Entre todos, Kazan dirigió a 21 nominados al Oscar por su interpretación y nueve ganadores.

En el decenio de 1960, Elia Kazan abandonó completamente su trabajo en el teatro, se dedicó al trabajo de la literatura de ficción, y enfocó su carrera en el cine de una manera mucho más personal, produciendo algunos proyectos independientes. “América, América” (1963) fue una adaptación de su propia novela aclamada por la crítica, sobre la emigración de su familia a los Estados Unidos.
Sus trabajos posteriores, “El Compromiso” (1969), nuevamente desde su propia novela, y “Los Visitantes” (1972), realizada en su propio hogar con una cámara de 16mm, aún resuenan como grandes fracasos.
Kazan efectuó un regreso exitoso, aunque inadecuado para los gustos de ese momento, haciendo la adaptación al cine de la novela inacabada de F. Scott Fitgerald “El último Magnate” (1976).

Su autobiografía, titulada “Una Vida”, apareció en 198 8 y fue escrita por Nicholas Kazan.
“Reversal of Fortune” (El misterio Von Bulow) 1990, es un filme en el cual intervienen el hijo de Kazan y su primera esposa. Estuvo casado con la actriz Bárbara Loden.

Filmografía esencial:

Lazos Humanos (1945)
El Justiciero (1947)
Mar de Hierba (1947)
La Barrera Invisible (1947) Pinky (1949)
Pánico en las Calles (1950) Un Tranvía llamado deseo (1951) ¡Viva Zapata! (1951)
Fugitivos del Terror Rojo (1952) La Ley del Silencio (1954)
Al Este del Edén (1955)
Baby Doll (1956)
A Face in the Crowd (1957) Río Salvaje (1960)
Esplendor en la Hierba (1961) América, América (1963)
El Compromiso (1969)
Los Visitantes (1971)
El último Navegante (1976)

Su compañera de reparto: JULIE HARRIS

1925

Profesión: Actriz
Nombre: Julia Ann Harris
Nacida: El 2 de diciembre de 1925 en Grosse Pointe, MI

Hija de un banquero inversionista, ella se educó en la escuela primaria y una vez finalizados sus estudios se inscribe en la Escuela de Arte Dramático de Yale y posteriormente en el Actor’s Studio. Realizó su primer trabajo en Broadway en 1945 y ganó el reconocimiento del público casi inmediatamente por su representación sensible y sutil de papeles complejos.
Se convirtió en una estrella popular en 1950, por la obra teatral “The Member of the Wedding”, un papel que ella repetiría luego en 1952 con su estreno en la pantalla. Julie Harris trabajó también en numerosos programas de televisión, ganando varios premios Tony y Emmy durante esa época. Sus trabajos esporádicos en el cine incluyen papeles memorables en “Al Este del Edén” (1955), “I´am a Camarera” (1955), “Requiem for a Heavyweight” (1962), “The Haunting” (1963), y “Harper” (1966). Existe otra Julie Harris que es una diseñadora de disfraces en importantes películas y que figura así en los títulos de crédito.

Filmografía esencial:

1952 THE MEMBER OF THE WEDDING
1955 AL ESTE DEL EDEN
1955 I’ AM A CAMERA
1958 THE TRUTH ABOUT WOMEN
1960 THE POACHER'S DAUGHTER
1962 REQUIEM POR UN CAMPEON
1963 THE HAUNTING
1966 HARPER, INVESTIGADOR PRIVADO
1966 YOU'RE A BIG BOY NOW
1967 REFLEJOS EN UN OJO DORADO
1968 THE SPLIT
1970 THE HOUSE ON GREENAPPLE ROAD
1970 HOW AWFUL ABOUT ALLAN
1970 JUVENTUD PERVERTIDA
1972 HOME FOR THE HOLIDAYS
1974 THE GREATEST GIFT
1975 THE HIDING PLACE
1976 EL VIAJE DE LOS MALDITOS
1979 THE BELL JAR
1979 THE GIFT
1980 PROSTITUTE
1983 BRONTË
1986 THE NUTCRACKER, THE MOTION PICTURE
1988 THE CHRISTMAS WIFE
1988 GORILAS EN LA NIEBLA
1988 ISADORA DUNCAN: MOVEMENT FROM THE SOUL
1988 TOO GOOD TO BE TRUE
1988 THE WOMAN HE LOVED
1989 SINGLE WOMEN, MARRIED MEN
1992 HOUSESITTER
1993 THE DARK HALF
1996 CARRIED AWAY

REBELDE SIN CAUSA (1955) Rebel Without a Cause

US
111 minutos Color
Cinemascope Warner Bros

Productor: David Weisbart
Director: Nicholas Ray
Música: Leonard Rosenman
Guión: Stewart Stern
Basada en la historia “The Blind Run” deL Dr. Robert M. Lindner y adaptada por Irving Shulman

Intérpretes:
JAMES DEAN: Jim Stark
NATALIE WOOD: Judy
SAL MINEO: Platón
JIM BACKUS: Padre de Jim
ANN DORAN : Madre de Jim
COREY ALLEN: Buzz
WILLIAM HOPPER: Padre de Judy ROCHELE HUDSON: Madre de Judy VIRGINIA BRISSAC: Abuela de Jim NICK ADAMS: Moose
JACK SIMMONS: Cookie
DENNIS HOPPER: Goon

En este estudio poderoso y razonado sobre la violencia juvenil, James Dean hace una actuación excelente como un adolescente que trata de encontrar su identidad y el amor de sus padres, al mismo tiempo que escudriña el mundo que le rodea, especialmente una sociedad adulta que él cree ajena a todo y muy opresiva.
“Rebelde sin Causa” es también la película en que Dean quedó vinculado para siempre a la inquieta generación de la década de 1950.

Sinopsis

Dean, interpreta a Jim, un joven arrestado en una comisaría. Es un alborotador quien, cuando el espectador lo ve por primera vez, ha provocado que sus padres se hayan marchado de su pueblo a otro, antes de instalarse en Los Angeles. El muchacho pronto es apresado por la policía por estar borracho en las calles y armar desorden. Un policía de gran paciencia, Ray (Edward Platt), se da cuenta en su interrogatorio que el joven siente angustia en su hogar a causa del amor superficial de sus padres, (Jim Backus y Ann Doran), que nunca le escuchan ni le dan consejos. Además, Jim siente resentimiento hacia su madre porque ella domina completamente a su débil padre. Mientras Jim espera en la comisaría a que sus padres le recojan, quienes deben interrumpir una cena fuera de su casa, él ve a Judy (Natalie Wood), una niña solitaria que ha sido apresada por caminar por las calles después del atardecer y ser confundida por una prostituta, y a Platón (Sal Mineo), un chico rico perturbado cuya familia siempre está de viaje y que ha sido detenido por matar a tiros a unos cachorros.

Cuando entra al día siguiente en su nueva escuela superior por primera vez, Jim reconoce a Judy y la pide una cita. Ella lo rechaza completamente porque desea pasear en el automóvil de Buzz (Corey Allen), un muchacho pendenciero que viste cazadora de cuero. Buzz es el jefe de una pandilla de jóvenes alborotadores que tienen dominados a los demás jóvenes. Todos llevan como distintivo sus chaquetas negras de cremallera y cuando conocen a Jim se burlan de él y le expulsan de su territorio.
Luego, cuando la clase entera asiste a una conferencia en el planetario, Buzz se enfrenta a Jim, y le convoca a pelearse. Aunque Jim no quiere aceptar se ve obligado a ello y en pocos segundos ambos sacan sus navajas. Jim es mejor peleador que Buzz, pero la pelea es interrumpida por la llegada de un profesor.
El desafío debe continuar y Jim acepta participar en una prueba que llaman “chickie bullfight," en la cual ambos muchachos deben conducir un coche cada uno a gran velocidad, totalmente paralelos, hasta el borde de un acantilado costero. Lo tenebroso de la prueba es que puede llevarles a una muerte segura a ambos. El que salte primero de su automóvil es, por supuesto, un gallina, un cobarde no digno de reconocimiento por el grupo ni de participar en sus actividades.
Esa noche los adolescentes se reúnen solitarios en el área del acantilado, mientras Jim y Buzz hacen rugir los motores de sus automóviles hasta que alguien les da la señal y corren veloces hacia el acantilado. Jim salta fuera en el último minuto, es el primero en hacerlo, pero una correa de la chaqueta de cuero de Buzz se le engancha sobre la manilla de la puerta de su automóvil e impide que pueda salir. El auto de Buzz cae sobre el acantilado, provocando su muerte.

Jim toma a Judy, quien también estaba en el lugar de la prueba, y vuelve a su casa. Allí descubre que ella también tiene una relación tan confusa con sus padres como él tiene con los suyos. Posteriormente, Jim trata de contar a su padre y a su madre todo sobre la muerte de Buzz, pero su reacción no demuestra interés sobre su drama, solamente se preocupan por su prestigio, al mismo tiempo que su madre insiste en que por su culpa deberán cambiar nuevamente de residencia (su respuesta a cualquier crisis). Su padre tampoco le apoya, discute con él, y en su frustración Jim se pelea con su padre, huyendo posteriormente.
El se reencuentra con Judy y Platón, y los tres van a un lugar desierto. Allí les buscan los amigos de Buzz que le acusan de criminal, entre ellos Crunch (Frank Mazzola), Goon (Dennis Hopper), y otros. Crunch interroga violentamente a Platón, quien huye aterrorizado ante el riesgo que le maten. Recoge una pistola que guarda en su casa y decide protegerse de los matones.

Durante este tiempo, Judy y Jim han manifestado un papel casi paternal hacia Platón, como un patético trío que se agrupa como si fueran una familia real y unida. Cuando un policía que investiga los sucesos entra en la casa, Platón se enfrenta a él y huye, refugiándose en el planetario.
Jim, Judy, y sus padres, con la familia de Platón envuelta en una gran tristeza, llegan al sitio donde unos policías armados han establecido su vigilancia para apresar al chico. Jim persuade a Platón para que salga fuera, tratando de calmarle con la promesa que todo saldrá bien si el muchacho simplemente se rinde. Como precaución, Jim quita las balas del revólver de Platón antes de salir fuera de la casa con él.
Pero cuando Platón ve la brigada de policías afuera, se aterroriza y comienza a correr. Un funcionario le dispara un tiro y le mata, en la creencia de que iba a provocar un incendio. Jim solloza sobre el muchacho que muere sobre el camino, lo estrecha entre sus brazos, mientras que su padre encuentra el coraje suficiente para estar en pie junto a su madre, contando a su hijo que ellos trabajarán en otro lugar. Jim y Judy se abrazan en una expresión de solidaridad.

La crítica

Aunque la denuncia de esos padres hoy parece que es un poco anacrónica, “Rebelde sin Causa” permanece como una poderosa película gracias al director Nicholas Ray, enérgico y llevando acertadamente la dirección.
Siempre un perfeccionista, Ray gastó horas interminables en investigar centenares de casos verídicos de adolescentes con problemas policíacos, antes de filmar. El formato cinemascope de la película, inicialmente en blanco y negro, durante las primeras semanas de la pre-producción, tuvo que ser modificado a última hora por presiones de los distribuidores, quienes afirmaron que de otra manera la película sería un fracaso. Finalmente, la grandiosidad de la pantalla gigante y el buen uso de la iluminación, consiguen un resultado espectacular.

Pero la mayor fascinación, por supuesto, de “Rebelde” proviene esencialmente de la presencia de un James Dean intensivo y fascinante, sobre el cual recae la denuncia de la marginación que en aquellos años sentían y padecían los jóvenes. No se trata, pues, de una película de adolescentes, sino de interpretación básica del filme corre a decisivamente en el público que la dará fama, y el resultado es que logró electrificar al público juvenil, especialmente a aquellos adolescentes que se identificaron con este símbolo de la juventud alineada.
la explotación de los adolescentes. La

cargo de chicos jóvenes, lo que influye

Hay mucho del carácter de Marlon Brando en “The Wild One” (1954), con la actuación sobrecargada de Dean.
James Dean fue acusado por los críticos de imitar a Brando en sus años más jóvenes, especialmente cuando razona y masculla en señal de protesta, pero Dean fue reconocido posteriormente como un actor de categoría singular, particularmente después de completar “Al Este del Edén” (1955) y “Gigante” (1956).
Natalie Wood y Sal Mineo, aunque están correctos en sus papeles, solamente consiguen ir detrás de las huellas dramáticas de Dean, explorando levemente sus diferentes facetas de la personalidad.

Los Antecedentes

Cuando Ray sugirió esta película a la Warner Bros., los ejecutivos apoyaron la idea con gran entusiasmo, pero propusieron como estrellas a Tab Hunter y Jayne Mansfield. Ray rechazó esta recomendación y rehusó hacer la película sin Dean y Natalie Wood. Después de una pugna, él lo consiguió. No hay que olvidar que había quedado particularmente impresionado por la actuación de Dean en “Al Este del Edén”, y logró dirigir a un Dean despiadado y llevar a buen fin todas las escenas tal y como él quiso.

La actuación de Dean inmediatamente impulsó un ciclo de películas sobre los jóvenes. De hecho, aunque muchas de las películas de la siguiente década, con la excepción de “The Blackboard Jungle” (Semilla de maldad) de 1955, “Rebelde sin causa” era sin lugar a dudas la mejor, ya que movió las inquietudes juveniles de aquellos años, convirtiéndolas en un tema tan interesante como eran las que hablaban del mundo del adulto, aunque sin llegar al aspecto tan sombrío que se reflejaba en el cine negro francés.
No resulta sorprendente, por tanto, que haya llegado a ser ahora una película de culto, algo que antes se considera que solamente perturbaba el mundo de los adultos. Ellos vieron que tanta violencia, enjuiciando al mismo tiempo a los padres podría estropear a sus hijos, y lo único que ocurrió es que los jóvenes tomaron desde entonces una posición más favorable en la sociedad.

Una trilogía mortal

Tristemente, la tragedia de la película se volvió a vivir en la vida verdadera. Los tres principales intérpretes de “Rebelde sin causa”, encontraron destinos prematuros mortales. Natalie Wood murió más recientemente, ahogada en un todavía misterioso accidente mientras iba en una barca hacia Isla Catalina con su esposo, Robert Wagner, y Christopher Walken.
Sal Mineo se suicidó unos años antes en Hollywood, aunque hay quien afirma que su cadáver fue encontrado cosido a cuchilladas. Él había gastado totalmente su dinero en ropas, automóviles rápidos, y había comprado una gran mansión por 250.000 dólares para sus padres en la Isla Larga, Nueva York.
En su impresionante hogar de Hollywood, Mineo dio fiestas lujosas, unas después de otras, y llegó a ser una de las estrellas del mundo chic homosexual. Durante la víspera de los premios de la Academia, él estaba tan convencido que ganaría un Oscar por su papel en “Rebelde” (fue nominado al mejor actor secundario), que él dio una fiesta enorme y muy costosa, en la que había colocado un estandarte enorme a lo largo de toda la fachada de su hogar en el que se leía: “Felicidades, Sal”. Pero él no ganó, y el estandarte se tiró abajo y fue quemado antes del amanecer del siguiente día. Cuando Mineo se suicidó en Hollywood, su vivienda era ya el centro de un conocido lugar de reunión para homosexuales, por eso no estaba bien situado económicamente. Su apartamento anterior, aunque más lujoso, tenía pocos muebles de calidad, ya que Mineo había vendido la mayoría de sus posesiones para sus juergas. Sobre la pared, sin embargo, en un marco caro, estaba una posesión apreciada por él, de la que no se separaría de por vida. Era un cartel que anunciaba “Rebelde sin Causa” y que era captado irónicamente como: "El terror adolescente mostrado desde los titulares de hoy".

James Dean se mató justo cuando su carrera comenzó a expandirse hacia la grandeza. Él murió de la misma manera que Allen hizo en “Rebelde sin Causa”, corriendo a más de 100 mph en un automóvil sobre una carretera pública en California. Aparte de matarse a sí mismo, él hirió seriamente a dos personas más.
Dos únicas horas antes de su muerte, Dean fue detenido por un policía de carreteras por conducir a más de 75 mph en una zona en que se prohibía circular a más de 45 mph. Él tomó la recomendación del agente con una sonrisa y comentó: "¿Tan rápido?", antes de disparar su coche deportivo hacia el camino que le llevaría a la fatalidad, y la inmortalidad.

Premios:

Además de la nominación del Oscar a Mineo, Natalie Wood fue nominada como Mejor Actriz Secundaria y Nicholas Ray fue nominado también por el mejor argumento original.

El Director:
NICHOLAS RAY

(1911 - 1979)

Profesión: Director, Actor
Nombre: Raymond Nicholas Kienzle
Nació: el 7 de Agosto de 1911 en Galesville, WI
Murió: en 1979
Estudios: Universidad de Chicago; Universidad de Wisconsin

“Yo soy un forastero aquí”, es el epigrama que la mayoría de las personas asociaron con Nicholas Ray. La frase está extraída del título de la película de Ray “Johnny Guitar” (1954) y es también una expresión concisa de Ray en relación con el sistema de rodaje de Hollywood y de sus intereses principales como cineasta.
Con anterioridad de llegar a ser un director de películas, Ray estudió arquitectura en el Frank Lloyd Wright y en esa época trabajó con Elia Kazan y John Houseman sobre diversos proyectos. La primera película que dirigió, producida por Houseman, fue “The live by Night” (1949), una versión convincente de una historia de amor. A esta película siguieron dos melodramas, “A Woman´s Secret” (1949) y “Knock on Andy Door” (1949), esta última contenía una declaración social enérgica sobre los problemas de la juventud, pero su énfasis en la polémica, más bien que mostrar el drama, desvirtuó el efecto total.
La película estaba interpretada por Humphrey Bogart, quien volvió a trabajar con Nicholas Ray en su próxima producción, “In a Lonely Place” (1950), uno de los mejores trabajos realizados entre ambos, actor y director.

Ray ya se concentraba en lograr un trabajo muy personal, en solitario, aunque quizá por propia elección o a causa de su destino, no pudo integrarse en la cultura dominante de la sociedad. La película “In a Lonely Place” (En un lugar solitario), exploró la vida de un antisocial escritor de cine, sospechoso de asesinato. Ray extrajo la más apasionada actuación de Bogart, poniendo incluso sus propias dotes como director al servicio del actor, quedando por tanto su trabajo en un papel oculto y poco apreciado por los críticos. “In a Lonely Place” no es solamente una de las mejores películas sobre Hollywood y su sistema de plasmar las relaciones amorosas, sino que también es una parábola amarga sobre la época de la postguerra. Aún hoy, permanece como una película cinematográfica muy contemporánea.

“On Dangerous Ground” (1951), con Robert R yan como estrella, nos cuenta la historia de una ciudad desilusionada infectada por la violencia que la rodea. Ray, cuidando mucho la cámara, la utilizó como una metáfora idónea para mostrar la inestabilidad de una existencia atormentada en la ciudad. A pesar que el estudio le impuso que lograra un final feliz, Ryan logra que Ida Lupino de carácter y dramatismo a un paisaje rural totalmente desierto, al mismo tiempo que provoca en los protagonistas una angustia por la estrecha vida que tienen que soportar, y de la cual no pueden evadirse. Los protagonistas que interpretaron las películas de Ray durante los primeros años de la década de los 50, reflejan perfectamente lo que Ray quería plasmar en el cine. Como ejemplo de ello tenemos a Robert Mitchum, en el papel de una antigua estrella del rodeo que busca el amor y la seguridad de su hogar en “The Lusty Men” (1952); Joan Crawford como la propietaria de una cantina en “Johnny Guitar” (1954); y, por supuesto, James Dean con Natalie Wood y Sal Mineo en “Rebelde sin Causa” (1955).

En el filme “Rebelde sin causa”, la lealtad de Ray con los marginados era muy evidente y hasta podríamos considerarla como muy simpática. Los adolescentes en esa historia buscan el perdón de una sociedad que exige que se integren y eviten cualquier atisbo de individualidad. La integración o la destrucción son las únicas opciones disponibles y, aunque Dean y Natalie Wood se reintegran en la sociedad al final de la película, Ray aclara que esta acción equivale a una muerte lenta.

En “Bigger Than Life” (1956), el actor James Mason interpreta a un profesor cuya adicción a la cortisona le conduce a una neurosis que trae a un primer plano unos años y unas costumbres sociales en los cuales las personas debían ser conformistas con su destino, integrarse en la sociedad de consumo, y estar de acuerdo absolutamente con la educación que se impartía y la religión.
La película es un drama no solamente óptimo, sino que, al mismo tiempo, como la mayoría de las películas de Ray, es también un documento social importante. Además, “Bigger Than Life”, como “Rebelde”, demostraron que Ray era uno de los pocos directores que sabían usar el cinemascope de una manera adecuada. Su antigua experiencia con Frank Lloyd Wright le había dado un sentido agudo del espacio y la línea horizontal. Lejos quedaba ya la estúpida idea que en una película en cinemascope los actores debían hablarse desde ambos lados de la pantalla, obligando al espectador a mover continuamente la cabeza como si estuvieran viendo un partido de tenis. Las películas de Ray habían sido filmadas en su mayor parte para lograr grandes éxitos en su país nativo, hasta que los críticos de Cahiers du Cinéma (una popular revista francesa que aún perdura), le empezaron a mencionar como un fenómeno mundial. Coincidiendo con la diseminación del culto, Ray durante su trabajo en los Estados Unidos en la primera década de los 60, experimentó un rendimiento como director muy importante, especialmente cuando emprendió dos epopeyas características, “Rey de Reyes” (1961) y “55 Días en Pekín” (1963). Aunque ambas películas caracterizaron a un Ray floreciente, ellas carecieron de la intensidad de sus anteriores trabajos, más emocionalmente compactos.
Ray consecutivamente abandonó Hollywood y empleó algún tiempo en Europa antes de volver a los Estados Unidos avanzada la década de los 60, para realizar una película pedagógica sobre la ciudad de Nueva York para la Universidad de Binghampton. En este proyecto único colaboraron sus propios estudiantes y fue conocido como “You Can´t Go Home Again” (1973).
Ray, con la salud cada vez más delicada, limitó sus actividades a varios trabajos menores en películas dirigidas por otros directores amigos. Su última intervención como director fue en colaboración con Wim Wenders en la película “Lightning Over Water” (1980), durante los meses finales que Ray luchó intensamente contra el cáncer. Fue un difícil epitafio para un director (como tantos de sus caracteres) que se mostró buscado siempre la paz y un sentido a su existencia.

Filmografía esencial:

1949 LLAMAR A CUALQUIER PUERTA
1949 THEY LIVE BY NIGHT
1949 A WOMAN'S SECRET
1950 BORN TO BE BAD
1950 IN A LONELY PLACE
1951 FLYING LEATHERNECKS
1951 ON DANGEROUS GROUND
1951 THE RACKET
1952 THE LUSTY MEN
1954 JOHNNY GUITAR
1955 REBELDE SIN CAUSA
1955 BUSCA TU REFUGIO
1956 BIGGER THAN LIFE
1956 SANGRE CALIENTE
1957 BITTER VICTORY
1957 LA VERDADERA HISTORIA DE JESSE JAMES
1958 PARTY GIRL
1958 WIND ACROSS THE EVERGLADES
1959 THE SAVAGE INNOCENTS
1961 REY DE REYES
1963 55 DIAS EN PEKING
1973 YOU CAN'T GO HOME AGAIN

Sus Compañeros:
NATALIE WOOD

(1938 - 1981)
Profesión: Actriz
Nombre: Natasha Gurdin
Nació el 20 de Julio de 1938 en San Francisco, CA
Murió: el 29 de Noviembre de 1981, en la Isla Santa Catalina, CA

La actriz arrastra un corazón de niña en películas tales como “Tomorrow is Forever” (1946), “Milagro en la calle 34th” (1947) y “El fantasma y la Señora Muir” (1947), y posteriormente hizo una transición efectiva a papeles adolescentes en la mitad de los años 50.
Aunque algo limitada en la gama de personajes, Wood actúa en papeles simpáticos de mujeres jóvenes neuróticas en “Rebelde sin Causa” (1955), “Marjorie Morningstar” (1958) y “Resplandor en la Hierba” (1961), e hizo su importante papel como cantante (en realidad su voz fue doblada), en el musical “West Side Story” (1961) y “Gypsy” (1962).

Natalie Wood interpretó una sucesión de papeles muy contemporáneos, con heroínas en la década de los 60 en “Love With the Proper Stranger” (Amores con un extraño, 1963); “Sex and The Single Girl” (La pícara soltera, 1964) y “Bob & Carol & Ted & Alice” (1969), aunque las interpretaciones realmente importantes, según algunos biógrafos, fueron hechas en la década de los 70.
Se interpretó así misma en “Willie and Phil” (Una almohada para tres, 1980) y realizó su última interpretación en 1981 junto a Sean Connery en “Proyecto Brainstorm” (se estrenó en 1983), una película de fantasía que tuvo cierto éxito.
Su muerte repentina acaeció en circunstancias misteriosas cuando iba en su propio yate y cayó al mar. Nadie supo nunca si se tiró voluntariamente, si decidió nadar un poco en alta mar o si fue arrojada por alguien. En ese momento estaba acompañada por su marido Robert Warner y varios miembros de la tripulación, quien cuando se quisieron dar cuenta del accidente ya era demasiado tarde.

Natalie Wood era la hija de un diseñador de interiores y arquitecto llamado Nicholas Gurdin y de una bailarina de ballet de nombre María Gurdin, así como era hermana de la actriz Lana Wood. Estuvo casada con el actor Robert Wagner (desde 1957 a 1963), con el productor británico Richard Gregson (desde 1969) y con Wagner por segunda vez desde 1972. Durante su segundo matrimonio, Wagner adoptó a la hija de Natalie Wood y Gregson, la actriz Natasha Wagner.

Filmografía esencial:

1943 Happy Land
1946 The Bride Wore Boots
1946 Mañana es vivir
1946 Driftwood
1947 El fantasma y la señora Muir
1947 De ilusión también se vive
1947 Chicken every Sunday
1948 Scudda Hoo! Scudda Hay
1950 No Sad Songs Forme
1951 Our Very Owun
1952 The Rose Bowl Story
1953 La estrella
1954 El cáliz de plata
1955 One Desire
1955 Rebelde sin Causa
1956 The Girl he Left Behind
1956 Centauros del desierto
1957 Bombardero B-52
1960 All The Fine Young Cannibals
1961 Esplendor en la hierba
1961 West side Story
1962 Gypsy
1963 Amores con un extraño
1964 La pícara soltera
1965 La carrera del siglo
1965 La rebelde
1966 Penelope
1966 Propiedad condenada
1969 Bob & Carol & Ted & Alice
1972 The Candidate
1973 The affaire
1975 Un detective curioso
1979 The Cracker Factory
1979 Meteoro
1980 La última pareja
1980 The Memory Of Eva Ryker
1980 Una almohada para tres
1983 Proyecto Brainstorm

SAL MINEO

(1939 - 1976)
Profesión: Actor
Nombre: Salvatore Mineo
Nació: el 10 de Enero de 1939 en el Bronx, NY
Murió: en 1976

Triste y contemplativo joven, representante entonces de la avanzadilla juvenil de los Estados Unidos, trabajó en el cine y en la televisión. Despedido de una escuela parroquial a los ocho años por ser un alborotador, comenzó asistiendo a clases de bailarín y después de dos años trabajó en papeles infantiles en los teatros de Broadway, siendo su mejor obra “The Rose Tattoo”.
En 1952 él asumió un buen trabajo al hacer de hijo de Yul Brynner en “El Rey y Yo” en la obra teatral del mismo título, aunque no consiguió ser llamado posteriormente para el filme a causa de su edad.
Realizó su primera película en 1955 y consecutivamente apareció en muchas grandes producciones del cine, siempre interpretando papeles típicos de adolescente inquieto y con problemas.
Sal Mineo fue nominado dos veces para los Oscars como actor secundario, una en “Rebelde sin Causa” (1955) y otra en “Exodo” (1960). También apareció en el varias producciones de TV y dirigiendo una interpretación, “Fortune and Men´s Eyes”, sobre la Costa oeste y sobre Broadway.
Parece ser que se suicidó cuando volvió a su hogar de Hollywood después de un ensayo para otra película. Las causas se atribuyen a un desengaño amoroso hacia otro hombre, dadas sus fuertes inclinaciones homosexuales.

Filmografía esencial:

1955 LA GUERRA PRIVADA DEL MAJOR BENSON
1955 REBELDE SIN CAUSA
1955 ATRACO SIN HUELLAS
1956 CRIME IN THE STREETS
1956 GIGANTE
1956 ROCK, PRETTY BABY
1956 MARCADO POR EL ODIO
1957 DINO
1957 THE YOUNG DON'T CRY
1958 TONKA
1959 LA HISTORIA DE GENE KRUPA
1959 A PRIVATE'S AFFAIR
1960 EXODUS
1962 ESCAPE FROM ZAHRAIN
1962 EL DIA MAS LARGO
1964 CHEYENNE AUTUMN
1965 THE GREATEST STORY EVER TOLD
1965 WHO KILLED TEDDY BEAR?
1967 STRANGER ON THE RUN
1969 80 STEPS TO JONAH
1969 AL ESTE DE JAVA
1970 IN SEARCH OF AMERICA
1971 HUIDA DEL PLANETA DE LOS SIMIOS
1971 HOW TO STEAL AN AIRPLANE
1972 THE FAMILY RICO

DENNIS HOPPER

1936

Profesión: Actor, director
También: guionista, fotógrafo
Nació: el 17 de Mayo de 1936 en Dodge City, KS
Educación: El Teatro Viejo del Globo, San Diego, CA; Actor’s Studio

La carrera de Dennis Hopper ha sido un proceso de gran personalidad, mitificado desde su primera actuación en “Rebelde sin Causa” (1955). Su búsqueda de una buena causa le ha preocupado desde siempre, mediante diversas fases como actor, director, escritor y fotógrafo.
La película “Rebelde sin causa” llegó a ser una aclaración necesaria sobre una generación que estuvo a punto de rebelarse contra la respetabilidad de la clase media estadounidense. Hopper, por sí mismo, vino para simbolizar esa revolución, particularmente cuando algunos de los otros actores del mismo filme murieron. Los primeros años de su carrera de actor frecuentemente lo llevan a papeles secundarios, haciendo personajes de hombres jóvenes muy sensibles, como en “Gigante” (1956) y un torrente de westerns.

En 1981 Hopper era el superviviente solitario de los actores principales de aquella película.
Su instinto y su capacidad de improvisación le llevan a conseguir sacar todas las posibilidades de sus personajes en unos años ya lejanos, especialmente con su interpretación en “From Hell To Texas” (Del infierno a Texas, 1958), dirigida por Henry Hathaway. Después, Hopper seguiría trabajando en más de 100 películas, una experiencia que hoy se considera infame, ya que estuvo relegado a películas de clase B, sin lograr nunca un buen papel.
El anti-convencionalismo de Hopper le proporcionó sin embargo cierta reputación y se puede decir que por fin le tocó su turno en “Buscando mi destino” (Easy Rider,1969), en la cual hacía las labores de actor y director, compartiendo cartelera con Jack Nicholson . La película hablaba de la vida de Norteamérica a través de jóvenes reaccionarios que iban en sus motos, y en cierto sentido la película fue el detonante para varias continuaciones similares.
Respetado ya por los críticos, y aclamado en el Festival de Cannes como un importante y nuevo cineasta, Hopper también ha encontrado éxito en su hogar cuando todo parecía derrumbarse a su alrededor.

La personalidad mítica de Hopper provocó grandes controversias al realizar un película documental sobre el carácternorteamericano en “The Americam Dreamer” (1971) y alcanzó su culminación con “The last Movie” (1971), una película liberal rodada en Perú, sobre una compañía de cine que hace unas secuencias entre los nativos, quienes deciden imitar a los actores empleando balas verdaderas. Las pretensiones de la película se consideraron ridículas, y Hopper fue despreciado totalmente por los críticos y los demás cineastas.
Durante los siguientes 15 años Hopper actuó mayormente en películas realizadas fuera de los Estados Unidos, donde los espectadores permanecieron leales a sus extraños filmes, sin lograr penetrar de nuevo en América con ellos.
Entre ellos están “Mad Morgan” (1976), filmado en Australia; “Resurrection” (1979), en España; “The American Friend” (1977) y “White Star” (1981), en la Alemania oeste; “Couleur Chair” (1977), “The Sorcerer´s Apprentices” (1977) y “L´ordre et la Securité du Monde” (1978) en Francia. Mientras actuaba en “Out of the Blue” (1980), una película Canadiense realizada en los Estados Unidos, tuvo que asumir la dirección de la película cuando estaba muy avanzada la producción, además de su trabajo como actor.

Durante los primeros años de los 80, sus hábitos con la droga y su comportamiento errático, lo habían convertido virtualmente en un exiliado, aunque él jugaba al papel del patito feo americano. Su personaje en “Apocalypse Now” (1979) le lanzó furtivamente de nuevo al estrellato, aunque solamente sirvió para reforzar su mala reputación. Hopper había llegado mientras tanto a ser un buen fotógrafo, y comenzó mostrando su trabajo en galerías. La gran experiencia que había adquirido en el cine, combinada con su punto de vista algo extraño, logrado mediante su visión un tanto vulgar y absurda de la vida, consiguieron que él pudiera enderezar su vida profesional y personal. Hopper volvió a trabajar en el cine con un tímido papel en “Terciopelo azul” (Blue Velvet 1986). El director David Lynch defendió a gritos el talento de Hopper contra las acusaciones de actor maldito, aunque en su siguiente película, “Al borde del río” (River´s Edge, 1986), Hopper nuevamente fue caracterizado como un personaje loco. Hoy en día, su rehabilitación parece haberse completado con su dirección exitosa en “Colors” (1988), un drama sobre las pandillas, seguida por “Labios ardientes” (The Hot Spot, 1990).

Filmografía esencial:

1954 JOHNNY GUITAR
1955 I DIED A THOUSAND TIMES
1955 REBELDE SIN CAUSA
1956 GIGANTE
1957 DUELO DE TITANES
1957 SAYONARA
1957 HISTORIA DE LA HUMANIDAD
1958 DEL INFIERNO A TEXAS
1959 THE YOUNG LAND
1960 KEY WITNESS
1963 NIGHT TIDE
1964 TARZAN Y JANE
1965 LOS CUATROS HIJOS DE KATIE ELDER
1966 PLANET OF BLOOD
1967 COOL HAND LUKE
1967 THE GLORY STOMPERS
1967 THE TRIP
1968 HANG 'EM HIGH
1968 HEAD
1968 PANIC IN THE CITY
1969 BUSCANDO MI DESTINO
1969 THE FESTIVAL GAME
1969 TRUE GRIT
1971 EL SUEÑO AMERICANO
1971 THE LAST MOVIE
1972 CRUSH PROOF
1973 KID BLUE
1975 JAMES DEAN, EL PRIMER JOVEN AMERICANO
1976 MAD DOG MORGAN
1977 THE AMERICAN FRIEND
1977 COULEUR CHAIR
1977 THE SORCERER'S APPRENTICES
1977 TRACKS
1978 L'ORDRE ET LA SÉCURITE DU MONDE
1979 APOCALYPSE NOW
1980 OUT OF THE BLUE
1980 RESURRECTION
1980 WILD TIMES
1981 KING OF THE MOUNTAIN
1981 RENACIDA
1981 WHITE STAR
1982 HUMAN HIGHWAY
1983 THE OSTERMAN WEEKEND
1983 RUMBLE FISH
1984 SLAGSKAMPEN
1985 MI PROYECTO CIENTIFICO
1985 RUNNING OUT OF LUCK
1985 STARK
1986 EL CASO DE LA VIUDA NEGRA
1986 TERCIOPELO AZUL
1986 HOOSIERS
1986 RIDERS OF THE STORM
1986 AL BORDE DEL RIO
1986 STARK: MIRROR IMAGE
1986 LA MASACRE DE TEXAS 2
1987 O.C. & STIGGS
1987 THE PICK-UP ARTIST
1987 STRAIGHT TO HELL
1988 BLOOD RED
1988 COLORS
1989 BACKTRACK
1990 CHATTAHOOCHEE
1990 FLASHBACK
1990 HOLLYWOOD MAVERICKS
1990 LABIOS ARDIENTES
1990 MOTION AND EMOTION
1991 EYE OF THE STORM
1991 HEARTS OF DARKNESS: A FILMMAKER'S APOCALYPSE
1991 A HERO OF OUR TIME
1991 THE INDIAN RUNNER
1991 PARIS TROUT
1991 SUPERSTAR: THE LIFE AND TIMES OF ANDY WARHOL
1992 NAILS
1993 BOILING POINT
1993 THE HEART OF JUSTICE
1993 RED ROCK WEST
1993 SUPER MARIO BROS
1993 TRUE ROMANCE
1994 CHASERS
1994 SPEED
1995 SEARCH AND DESTROY
1995 WATERWORLD
1996 CARRIED AWAY

GIGANTE (1956)

Giant

US
201 minutos Color

Productor: George Stevens y Henry Ginsberg Director: George Stevens
Guión: Fred Guiol E Ivan Moffat
Basada en la novela de: Edna Ferber

Intérpretes:
ELIZABETH TAYLOR: Leslie Benedict ROCK HUDSON: Bick Benedict
JAMES DEAN: Jett Rink
CARROL BAKER: Luz Benedict II
JANE WITHERS: Vashti Snythe
CHILL WILLS: Uncle Bawley
MERCEDES McCAMBRIDGE: Luz Benedict SAL MINEO: Angel Obregon
DENNIS HOPPER: Jordan Benedict III ROD TAYLOR: Sir David Karfrey

Sobre todo “Gigante” es como su título, inmenso, extenso, y quizá, demasiado grande, como los actores que participaron en esta película clásica. Orientados por el director George Stevens, Elizabeth Taylor, Rock Hudson y James Dean igualan y hasta mejoran sus capacidades como actores, largamente demostradas, desempeñando con maestría sus exigentes papeles. En el caso de Dean, tenía un talento natural que se expandía en cuanto lograba que el director le concediera libertad para expresar su carácter de joven rebelde, el cual formaba parte también de su personaje de reparto.
Cordial, sincera, y valiente, “Gigante” es una ampliamente mencionada película que ha ocupado ya sin reparos la categoría de gran clásico del cine norteamericano.

Sinopsis

Leslie Benedict (Elizabeth Taylor) deja su tierra y su rica familia de Virginia después de casarse con Bick Benedict (Rock Hudson), quien la lleva a su interminable posesión en Reata, Tejas. Allí, ella llega a ser señora de la casa y al mismo tiempo de su imperio ganadero, pero pronto aprende que cuando Bick y los capataces de los demás ranchos hablan de negocios, ella ha salir de la sala.
Leslie debe lidiar también con la hermana de Bick, una vieja resentida llamada Luz (Mercedes McCambridge), a quien desagrada la presencia de Leslie en la familia. Las dos de mujeres tienen constantemente en la cabeza su personal conflicto, hasta un día en que Luz, tozudamente, insiste en montar sobre un caballo salvaje. Al poco tiempo el animal, dolorido por los espolones, la derriba y Luz muere al caer.
Sin embargo, el rencor que sentía hacia Bick y Leslie, largamente demostrado, queda reflejado en su testamento en el cual ella lega una parte pequeña de Reata a Jett (James Dean), una pequeña posesión que aparentemente no sirve para nada. Luz odiaba profundamente a Bick, especialmente por casarse con Leslie, y así le demuestra su odio después de muerta.
Jett, por su parte, ama desde lejos a Leslie desde el primer día que la vio y para no alejarse de ella se niega a vender a Bick esa pequeña posesión. Un día, la espina que supone la presencia de Jett en sus posesiones se hace más intensa, cuando aparece petróleo en grandes cantidades. Con la “Pequeña Reata”, Jett se hace multimillonario, mucho más que Bick, y se dedica a comprar todos los terrenos de los alrededores, perforando cada vez más pozos y aislando a la gran Reata.
Su imperio del petróleo, a través de los años, rivaliza con el reino ganadero de Bick. Él pertenece a la vieja escuela y, a pesar de los alegatos de sus socios y de los amigos, rehusa malhumorado cualquier oferta para perforar su tierra y convertirla en una fea región petrolífera. La mayoría de sus vecinos ven en el negocio de petróleo la solución a sus problemas económicos y poco a poco todos venden sus propiedades a Jett, el cual lo considera parte de su venganza.

Una nueva generación por entonces ha crecido, y Bick parece arcaico y aristocrático ante ellos. Uno de los hijos de Bick se convierte en abogado de los numerosos mexicanos que mal viven en la zona, mientras que Angel (Sal Mineo), el chico que Leslie salvó de morir cuando era un niño, se alista en el ejército para pelear en la Segunda Guerra Mundial y muere.
El hijo de Bick Jordan, Jordan (Dennis Hopper), llega a ser un doctor y rehusa tomar parte en las posesiones de su padre, insistiendo sobre la salud pública de la comunidad mexicana. El choque de la familia no ha hecho nada más que comenzar y se hace más intenso cuando Jordan Benedict se casa con una mujer mexicana muy atractiva de nombre Juana (Elsa Cárdenas).
Una de las hijas de Bick, Judy (Fran Bennett) se casa con Bob Dace (Count Holliman) quien llega a ser el mejor candidato, el único habría que decir, para asumir la dirección de su imperio. Otra hija de Bick, Luz Benedict II (Carroll Baker) realmente enfurece a su padre por presentarse como reina de una fiesta que organizó Jett. Ella va tan lejos en su relación que llega a tener un romance con Jett, quien, por entonces, ya es un vaquero envejecido, todavía tristemente solo a pesar de sus riquezas inmensas.
El Clan Bick decide asistir al festín que organiza Jett, en un deseo de buena voluntad, pero los problemas llegan cuando Jordan intenta entrar con su mujer mexicana en la fiesta y los matones se lo impiden. En ese momento Juana se había ido al salón de belleza propiedad de Jett, quien había dado órdenes expresas que no se atendieran a ningún mexicano. Los intentos enfurecidos de Jordan para proteger a su mujer le llevan a enfrentarse con Jett, pero sus matones le pegan una paliza. Bick, que estaba presenciando toda la escena, salta de su asiento y espera a Jett, con los puños listos. La dos caminan hacia otra sala, donde Jett está tan bebido que no puede defenderse por sí mismo, chocando contra una pared. Bick, sintiendo asco, se marcha, pero no antes de estrellar contra el suelo todas las estanterías que albergan el caro vino de Jett.

Después, Jett se mueve ebrio hacia la mesa donde debe realizar un discurso, mascullando en el micrófono unas palabras que ninguno de sus invitados entiende. En pocos minutos, el enorme vestíbulo se queda vacío.
Luz, conducida a la escena por un antiguo amigo de Bick, Tío Bawley (Chill), presencia el desplome emocional de Jett y lo oye desvariar y hablar del amor que siente por su madre Leslie, la única mujer que él amó y nunca poseyó. Cuando oye esto y se da cuenta que Jett la ha utilizado para vengarse de Bick y estar cerca de Leslie, le deja solo para que se revuelque en su petróleo y sucio destino.

En lugar de utilizar su avión privado para volver a Reata, Bick decide hacerlo en coche y realizan una parada para comer en un bar del camino. Su propietario, Sarge (Mickey Simpson), es un hombre que detesta a los mejicanos y rehusa servir a una familia mejicana recién llegada. Cuando Bick exige a Sarge que sirva a los mexicanos, ambos discuten y se enfrentan en una fuerte pelea. Aunque Bick es fuerte no puede con la corpulencia de Sarge y acaba tumbado por los golpes. En ese momento es cuando recupera el amor de toda su familia y regresa feliz a sus posesiones, a pesar de su cara amoratada por los golpes.

Los Antecedentes

Gigante era una película gigantesca para todos los públicos, que recaudó 12 millones de dólares de beneficio en su primer pase. Stevens tuvo gran cuidado con su dirección, ya que partía del argumento de Edna Ferber, una novela enormemente popular, y trabajó minuciosamente para construir la compleja historia que tenía en sus manos, basada en unos personajes sumamente sensibles y muy bien definidos por su autora.

Como antes le había pasado con “A Place in the Sun” (Un lugar en el sol, 1951) y “Shane” (1953), Stevens consiguió exponer con gran trabajo todos los detalles de la película, y su esfuerzo es especialmente evidente en la representación del trabajo cotidiano que se realiza en Reata.
Considerado como un director extravagante, Stevens estuvo siempre detrás de todo el trabajo, no delegando en ninguno de sus ayudantes ninguna de las tomas, asegurándose así que todo estaba según sus preferencias.
La fotografía de William C. Mellor fue un trabajo soberbio, sin embargo, el sistema

Warner Color que procesa posteriormente en el laboratorio los colores de la película, empleó unos colores en los cuales dominaban sensiblemente los matices marrones y ocres, quizá para dar más realce a las inmensas llanuras en las que se rodó el filme. Este efecto, que en principio es correcto, desvirtúa bastante los colores de la tez de los protagonistas y los primeros planos en las tomas de exteriores no son adecuados.

Brillantemente dirigido por Stevens, Rock Hudson es la personificación del viejo Texas, alborotando y moviéndose con mucho orgullo por sus tierras, a las que ama profundamente como si fuera un ser humano.
Rod Taylor, quien había aparecido anteriormente en otra película emotiva de Stevens, “A Place in the Sun” (1951), fue seriamente incordiado por el director durante toda la película, especialmente por la propensión del director para retocar todos los matices en los personajes.
Stevens había pensado originalmente contratar a Grace Kelly para el principal papel femenino, ya que deseaba una actriz que tuviera más de veintitrés. De esta manera, el envejecimiento paulatino en el filme de Taylor y Grace, estaría más adecuado que el que finalmente pudo realizar. Además, consideraba que Grace Kelly era mejor actriz que Elizabeth Taylor, al menos para este papel.

Respecto a James Dean, sabemos que se sintió especialmente atraído por esta película desde que se empezó a gestar y a efectuar el casting, llegando a asegurar en público que el papel de Jeff Rink sería para él, puesto que así lo deseaba. La productora le ofreció 100.000 dólares por el trabajo y el único punto en discordia fue el director, ya que ni uno ni otro querían trabajar juntos. Dean deseaba a Nicholas Ray, con quien conectaba perfectamente, y Stevens no deseaba que ningún actor le dijera cómo debía realizar la película.
El rodaje, que se efectuó en el desierto de Marfa en Tejas, con temperaturas que alcanzaban los 49 grados al sol (la ausencia de árboles impedía que los actores se pudieran refrescar), produjo serias alteraciones del carácter de todo el mundo, agudizadas por las continuas repeticiones que el director obliga a realizar para que todo saliera bien.

Premios:

La película recibió diez nominaciones a los Premios de la Academia, incluyendo Mejor Película ( perdió a favor de “La Vuelta al Mundo en 80 días”), pero Stevens consiguió un oscar al mejor director, quizá justificadamente, ya que esta película era un ejemplo del gran cine americano, en la misma línea que marcó hace años “Lo que el viento se llevó”. Para Stevens, era la mejor forma de expresar su gran valía.
Hudson recibió una nominación al Oscar como el mejor actor, al igual que Dean (Yul Brynner ganó el premio por el filme “El Rey y Yo”), pero para él esta nominación le llegó demasiado tarde, puesto que ya había muerto a los pocos días de terminar el rodaje de la película, por lo que no pudo ni siquiera ver un pase previo puesto que no estuvo totalmente montada hasta varias semanas después.
La partitura de Tiomkin, que es extraordinaria pero demasiado pretenciosa en algunas escenas, también consiguió una nominación al Oscar.
Otras nominaciones también fueron para McCambridge como la mejor Actriz Secundaria, Ivan Moffat y Fred Guiol como guionistas, Boris Leven y Ralph S. Hurst por su dirección artística, William Hornbeck, Philip W. Anderson, y el Fred Bohanan por la redacción del filme, y Musgo Mabry y Marjorie Mejor por el vestuario.

El Director:
GEORGE STEVENS

Profesión: director, productor y actor
Nació: el 18 de Diciembre de 1904 en Oakland, CA Murió: el 8 de Marzo de 1975 en París

Artesano tradicional de las películas de Hollywood, responsable de algunas películas en la década de los 30 y 40, posteriormente trató de lograr un cine de gran magnitud, ambicioso y en todo acaso excelente.
Hijo de actores, Stevens entró en el cine a los 17 años de edad como un cámara y luego trabajaría para la compañía Hal Roach, donde él dirigió su primer corto. Se unió posteriormente a la RKO en 1934 y logró rodar una serie de comedias musicales bastante populares, logrando su primer éxito importante con “Alice Adams” (1935), que fue seguido por el tándem AstaireRogers en el clásico “Swing Time” (1936). Posteriormente realizó “Gunda Din” (1939) y también un brillante filme con la extraordinaria pareja de actores Katherine Hepburn y Spencer Tracy en “Woman of the Year” (1942).

Después de dirigir una Unidad Especial Cinematográfica para el Ejército norteamericano durante la Segunda Guerra Mundial, Stevens se incorporó de nuevo a la vida civil en 1945 y consiguió un gran triunfo con “I Remember Mama” (Nunca la olvidaré, 1948) y “A Place in the Sun” (1951).
Sus posteriores trabajos, incluyendo “Shane” (1953) y “Gigante” (1956), estuvieron marcados por un deseo ferviente de lograr películas espectaculares que marcaran un nuevo rumbo al cine de entonces. No le gustaban ya las películas menores y deseaba realizar solamente grandes producciones. El esfuerzo final de Stevens, “Only Game in Town” (El único juego de la ciudad, 1970), nuevamente con Elizabeth Taylor, era un refrescante, aunque malogrado, regreso a su anterior, más modesto, estilo. El hijo George Stevens, es un productor que hizo un logrado y aclamado documental sobre su padre, “George Stevens: El Viaje de un Cineasta” en 1984. Él trabajó como jefe de los Servicios de Información de los Estados Unidos, una división de la industria cinematográfica, desde 1962 a 1967 y fue nombrado como director del Instituto estadounidense del Cine en 1977.

“Creo que James era un muchacho atormentado por su pasado y estaba profundamente dedicado a encontrar algo tangible en su persona”.

Filmografía esencial:

1934 BACHELOR BAIT
1934 HOLLYWOOD PARTY
1934 KENTUCKY KERNELS
1935 SUEÑOS DE JUVENTUD
1935 ANNIE OAKLEY
1935 LADDIE
1935 THE NITWITS
1936 SWING TIME
1937 A DAMSEL IN DISTRESS
1937 OLIVIA
1938 VIVACIOUS LADY
1939 GUNGA DIN
1940 VIGIL IN THE NIGHT
1941 SERENATA NOSTALGICA
1942 THE TALK OF THE TOWN
1942 LA MUJER DEL AÑO
1943 THE MORE THE MERRIER
1948 I REMEMBER MAMA
1948 ON OUR MERRY WAY
1951 UN LUGAR EN EL SOL
1952 SOMETHING TO LIVE FOR
1953 SHANE
1956 GIGANTE
1959 EL DIARIO DE ANNA FRANK
1965 LA HISTORIA MAS GRANDE JAMAS CONTADA
1970 EL UNICO JUEGO DE LA CIUDAD

Sus Compañeros:
ELIZABETH TAYLOR

1932
Profesión: Actriz
Nació: el 27 de Febrero de 1932 en Londres, Inglaterra
Estudios: Casa Escuela de Byron; escuela de Hawhorne; Universidad superior

Las habilidades interpretativas discutibles de esta hermosa estrella del firmamento cinematográfico, quintaesencia de la época dorada del cine en las décadas 50 y 60, nunca han podido ser cuestionadas ni eclipsadas por todo cuanto de escandaloso sobre ella se ha publicado, verdadero o, más frecuentemente, inventado por periodistas sensacionalistas.
Taylor nació británica pero huyó de Inglaterra durante la II Guerra Mundial y se instaló en los Estados Unidos. Apareció en su primera película, “There´s one born every minute” (1942), a la edad de diez años. El año siguiente, Taylor actuaba ya como la heroínajoven que daba la réplica a Roddy McDowall en “Lassie Come Home” (La cadena invisible, 1943), que la condujo a un contrato de larga duración con la MGM. Liz llegó a ser una gran estrella a los 12 años de edad con la impresionante actuación como jovencita atolondrada apodada “Terciopelo Marrón” en el clásico para niños “National Velvet” (1944), una actuación respecto del cual un crítico británico desvarió y dijo: “cuando ella habla o piensa sobre los caballos, sus extraños ojos azules destellan y su cuerpo entero tiembla con la intensidad de su pasión”. Tales cursilerías solamente se podían soportar en esa época.
Las otras películas incluyeron “The White Cliffs of Dover” (Las rocas blancas de Dover, 1944), “Cynthia” y “Life With Father” (ambas de 1947).

Antes de alcanzar su carácter como adolescente, Taylor se hizo físicamente adulta, conservando sus facciones juveniles, y jugaba frecuentemente con los adultos más jóvenes. Vincente Minnelli hizo con ella “El Padre de la Novia” (1950), una comedia hogareña y George Stevens elogió mucho su trabajo en “Un lugar en el Sol” (1951), ya firmemente establecida como una estrella adulta importante.
Como una niña bonita, ella había crecido siendo considerada una de las grandes bellezas de su edad: el pelo negro, la cara formada como un corazón, los ojos violetas con negros y gruesos latigazos negros a cada lado. Su gran atractivo solamente quedaba empañado, según los norteamericanos, por su inevitable origen británico.

Stevens, con “Gigante” (1956), mientras tant o forjaba un nuevo nivel respecto a la transformación física y emocional de Liz Taylor, como una gran actriz. En esa década ella desarrolló uno de los más atractivos personajes, y altamente pagado, en una película que daría la vuelta al mundo titulada “Cleopatra” (1963) y por cuya interpretación cobraría la por entonces inaudita cifra de un millón de dólares. A pesar de todo el enorme presupuesto que se invirtió en el filme (más de 40 millones de dólares), la recaudación en taquilla fue mediocre y no sirvió ni siquiera para cubrir los gastos generados en ella, lo que dejó a su productora casi al borde de la bancarrota. Durante los primeros años de la década de los 50, Liz Taylor había desarrollado su vida personal con la misma intensidad y complejidad que su carrera de actriz. Sus diversos esposos incluyeron el heredero de un imperio hotelero llamado Nicky Hilton, el actor Michael Wilding, el productor Mike Todd (que murió en un accidente de aviación), el cantante Eddie Fisher (marido hasta entonces de la actriz Debbie Reynolds), el actor Richard Burton (con quien se casó dos veces), el senador norteamericano John Warner, y un trabajador de la construcción llamado Larry Fortensky, mucho más joven que ella y con quien duró apenas unos meses.

El glamour de Liz Taylor y su personalidad hedonista, indudablemente han contribuido a su popularidad y notoriedad, pero algo limitó su buena reputación con los críticos. Ella recibió muchas condolencias cuando su tercer esposo Todd murió en un choque de avión, al poco tiempo de finalizar “La vuelta al mundo en 80 días”, pero también se la criticó ampliamente por "robar" a Eddie Fisher lejos de su esposa, la actriz Debbie Reynolds. La prematura muerte del cantante, a causa de una traqueotomía de urgencia realizada por una neumonía, y la dedicación y llanto que manifestó Liz, consiguieron el perdón del público. Posteriormente volvería a ocupar las portadas de los diarios sensacionalistas, cuando ella comenzó un romance con Richard Burton, entonces todavía casado con su esposa primera.

La carrera de Taylor durante estos años fue sensacional, aunque estuvo sometida a grandes oscilaciones. Fue nominada para un Oscar en tres ocasiones: por su enloquecido papel amoroso en “El árbol de la vida” (Raintre County, 1957), por sus buenas interpretaciones como una belleza sureña que tiene problemas sexuales con su marido en la obra de Tennessee Williams “La Gata sobre el tejado de Zinc” (1958), y como una muchacha sobreexcitada, también de Williams, en “Repentinamente, el último verano” (1959). Posteriormente ganaría el primero de los dos Oscars a la Mejor Actriz por su trabajo como una niña desilusionada, en el melodrama titulado “Butterfield 8” (1960). Las personas relacionadas con su vida particular sostuvieron que en esa época la vida de Liz Taylor estuvo amenazada por una grave enfermedad, que afortunadamente logró vencer.
Pocos años después nadie logró disputar su segundo Oscar, cuando ella y Burton interpretaron magistralmente los papeles de unos ancianos decrépitos en “Quién teme a Virginia Woolf?” (1966).

Taylor ha sido particularmente experta en hacer papeles de neurótica soberbia, interpretar a enloquecidas bellezas, y otros muy diferentes como Maggie "el Gato," Catherine en “Repentinamente...” y Martha de “Virginia Woolf”, en donde ha quedado bien patente su gran talento.
Pero su carrera en el cine perdió fuerza en el decenio de 1970, con una serie de películas e interpretaciones cada vez más extraños, como en “¡Boom!” (1968), “El único juego de la ciudad” (1970), “Hammersmith is out” (Pacto con el diablo) 1972 y “El Pájaro Azul” (1976). En 1981, Taylor hizo su primer estreno en Broadway como Regina en “Lillian Hellman”, ganando una nominación al premio Tony. El año siguiente, ella trajo una producción londinense hasta Broadway y con Zev Bufman Taylor formó el Grupo de Teatro de Elizabeth que produjo obras como “El maíz es verde”, con la actuación de Cicely Tyson y Peter Gallagher, y “Private lives” de Noel Coward, que interpretaron Liz Taylor con su ex-esposo Richard Burton.

Taylor ha actuado también en películas cortas de televisión, a veces con discutible éxito. Ella realizó actuaciones aceptables y hasta divertidas en “Return Engagement” (NBC, 1978), como una bailarina que se convirtió en profesor de historia, “Malicia en el país de las maravillas” (CBS, 1985), como una columnista de un diario de chismorreos llamada Louella Parsons quien se enfrenta a la voraz Jane Alexander Hedda Hopper, “Poker Alice”(CBS, 1987), como una señora amante de la Biblia, y en la obra de Tennessee Williams “Dulce pájaro de juventud” (NBC, 1989).
Ella ha vuelto a ganar innumerables premios y a participado en numerosas obras benéficas, así como también hizo de estrella invitada en su serie favorita "Hospital General," y también en otras igualmente populares como "Aquí está Lucy", "Los Simpsons," poniendo la voz al bebé Maggie, "El Nanny" y "Murphy Brown".

Después de la muerte a causa del Sida de su amigo y co –estrella Rock Hudson en 1985, Taylor ha ayudado a crear la Fundación Estadounidense para la investigación del Sida (AMFAR), luchando vigorosamente en nombre de los pacientes de sida, y criticando la carencia del gobierno para respaldar en la lucha contra la enfermedad.
Desilusionada con AMFAR, ella creó su propia asociación denominada Fundación Elizabeth Taylor para la lucha contra el Sida en 1993. También ha sacado al mercado varios perfumes exitosos, cuyos anuncios promocionales reflejan perfectamente el papel de Liz Taylor como una de las últimas estrellas de Hollywood que aún pueden fascinar al público.
En 1993, ella estuvo presente en el Premio estadounidense por el mejor logro en la industria del Cine, así como también en el Jean Hersholt, que concede la Academia de Ciencias y Artes Cinematográficas. Taylor hizo una interpretación sorpresa como la suegra de Fred en la película “Los Picapiedras” (1994), aunque su carrera como "la actriz", pertenece a un pasado más floreciente.
Su trabajo como una "gran estrella," sin embargo, ha permanecido indemne, a pesar de sus problemas con el alcohol o las drogas, la pérdida o ganancia de peso, sus diversos amoríos y el roce con la muerte, tratados todos de diferente manera según la prensa que daba la noticia. Ella trató legalmente de bloquear la miniserie de televisión sobre sí misma: “La historia de Elizabeth Taylor” (NBC, 1995), pero, en ese tiempo, un juez la convenció que había llegado a ser “Dominio público”.

Filmografía esencial:

1942 THERE'S ONE BORN EVERY MINUTE
1946 LA CADENA INVISIBLE
1947 CYNTHIA
1947 LIFE WITH FATHER
1949 MUJERCITAS
1950 THE BIG HANGOVER
1950 EL PADRE DE LA NOVIA
1951 CALLAWAY WENT THATAWAY
1951 UN LUGAR BAJO EL SOL
1952 IVANHOE
1952 LOVE IS BETTER THAN EVER
1954 BEAU BRUMMEL
1954 LA SENDA DE LOS ELEFANTES
1954 EL ULTIMO DIA QUE VI PARIS
1954 RHAPSODIA
1956 GIGANTE
1957 EL ARBOL DE LA VIDA
1959 DE REPENTE, EL ULTIMO VERANO
1960 BUTTERFIELD 8
1963 CLEOPATRA
1964 THE GUEST/THE CARETAKER
1965 CASTILLOS DE ARENA
1966 ¿QUIEN TEME A VIRGINIA WOOLF?
1967 LA FIERECILLA DOMADA
1968 DR. FAUSTUS
1968 CEREMONIA SECRETA
1970 EL UNICO JUEGO DE LA CIUDAD
1973 MIERCOLES DE CENIZA
1973 SE DIVORCIA EL, SE DIVORCIA ELLA
1973 THE DRIVER'S SEAT
1973 NIGHT WATCH
1973 BAJO EL BOSQUE LACTEO
1976 EL PAJARO AZUL
1976 IT'S SHOWTIME
1976 VICTORIA EN ENTEBBE
1978 A LITTLE NIGHT MUSIC
1979 WINTER KILLS
1980 EL ESPEJO ROTO
1981 GENOCIDE
1983 BETWEEN FRIENDS
1984 GEORGE STEVENS: A FILMMAKER'S JOURNEY
1985 MALICIA EN EL PAIS DE LAS MARAVILLAS
1986 THERE MUST BE A PONY
1987 POKER ALICE
1988 EL JOVEN TOSCANINI
1989 DULCE PAJARO DE JUVENTUD
1994 LOS PICAPIEDRAS

ROCK HUDSON

(1925 - 1985)

Profesión: Actor
Nombre: Roy Harold Scherer, Jr.
Nació: el 17 de Noviembre de 1925 en Winnetka, IL Murió: el 2 de Octubre de 1985 en Beverly de Hills, CA

Con una buena presencia física pero ninguna experiencia como actor, Rock Hudson era casi una creación de estudio, desde esos primeros años en los cuales se hacía llamar Rock Gibraltar y Hudson River, efectuando bailes, cantando (parece increíble, ¿no?) y tomando lecciones de interpretación antes que él hiciera su debut en “Fighter Squadron” (1948).
Previamente a su incorporación al cine, se alistó en la marina para participar en la Segunda Guerra Mundial, aunque solamente logró que le dieran el cargo de encargado de la lavandería de un navío de guerra. Una vez concluida la confrontación, trabajó como camionero, mientras que por las noches asistía a clases de interpretación a cargo del también actor Mel Ferrer, que como sabemos fue marido de Audrey Hepburn. Ese mismo año y gracias a la mediación del agente artístico Henry Wilson, trabajó a las órdenes de Roul Walsh y posteriormente firmó contrato con la Universal durante 20 años.

En 1955 se casó con Phyllis Gates, la secretaria de su agente, para alejar los rumores crecientes sobre su homosexualidad, con la cual viviría hasta 1958. En 1956 interpretó la película que le consagraría ya definitivamente como gran estrella de Hollywood, la superproducción “Gigante”, consiguiendo que fuera nominado por primera y única vez al oscar. Pero el éxito se le subió a la cabeza y rechazó el personaje de Judá Ben-Hur por considerar que la película sería un fracaso. Afortunadamente, interpretaría posteriormente dos películas que ledarían un nuevo empuje, como son “Escrito sobre el viento” y “Adiós a las armas”.
Rock Hudson llegó a ser uno de los ídolos principales de la pantalla durante el decenio de 1950 y 1960, mostrando por primera vez sus verdaderas cualidades como actor en “Gigante” (1956), y su buen estilo cómico en una serie de comedias románticas, frecuentemente con Doris Day. Precisamente con esta actriz filmaría “Pijama para dos”, en unión a su propia productora cinematográfica Gibraltar Productions.
Su declive cinematográfico comenzó con “El espejo roto”, basada en una novela de Agatha Christie, aunque logró remontar espectacularmente su popularidad gracias a la serie de televisión "MacMillan y Esposa" Esposa" 77) y continuó con “Crónicas marcianas”.

Su muerte en 1985 fue ocasionada por las complicaciones resultantes del Sida que padecía. Su homosexualidad fue ampliamente difundida después de su fallecimiento y hasta hubo un ex-amante que le puso un pleito ¡después de muerto!, por haber hecho el amor con él sin advertirle que padecía esa enfermedad. Obviamente, nadie dudó ni un momento que solamente buscaba notoriedad y dinero. No logró ni lo uno ni lo otro.

Filmografía esencial:

1948 FIGHTER SQUADRON
1949 UNDERTOW
1950 EL HALCON DEL DESIERTO
1950 I WAS A SHOPLIFTER
1950 MURALLAS DE SILENCIO
1950 PEGGY
1950 BLUE JEAN COP
1950 WINCHESTER 73
1951 AIR CADET
1951 BRIGHT VICTORY
1951 THE FAT MAN
1951 IRON MAN
1951 EL PIEL ROJA
1952 HORIZONTES LEJANOS
1952 HAS ANYBODY SEEN MY GAL?
1952 HERE COME THE NELSONS
1952 HORIZONTES DEL OESTE
1952 THE LAWLESS BREED
1952 SCARLET ANGEL
1953 BACK TO GOD'S COUNTRY
1953 THE GOLDEN BLADE
1953 FIEBRE DE VENGANZA
1953 SEA DEVILS
1953 SEMINOLE
1954 BENGAL BRIGADE
1954 OBSESION
1954 TAZA, SON OF COCHISE
1955 ALL THAT HEAVEN ALLOWS
1955 ORGULLO DE RAZA
1955 ONE DESIRE
1956 FOUR GIRLS IN TOWN
1956 GIGANTE
1956 HOY COMO AYER
1956 WRITTEN ON THE WIND
1957 BATTLE HYMN
1957 ADIOS A LAS ARMAS
1957 SOMETHING OF VALUE
1958 THE TARNISHED ANGELS
1958 EL CREPUESCULO DE LOS AUDACES
1959 PILLOW TALK
1959 ESTA TIERRA ES MIA
1961 CUANDO LLEGUE SEPTIEMBRE
1961 EL ULTIMO ATARDECER
1961 LOVER COME BACK
1962 CAMINO DE LA JUNGLA
1963 A GATHERING OF EAGLES
1963 MARILYN
1964 SU JUEGO FAVORITO
1964 SEND ME NO FLOWERS
1964 STRANGE BEDFELLOWS
1965 A VERY SPECIAL FAVOR
1966 BLINDFOLD
1966 SECONDS
1967 TOBRUK
1968 ESTACION POLAR ZEBRA
1969 A FINE PAIR
1969 LOS INDESTRUCTIBLES
1970 DARLING LILI
1970 HORNETS' NEST
1971 ONCE UPON A DEAD MAN
1971 QUERIDO PROFESOR
1973 AMIGOS HASTA LA MUERTE
1976 EMBRION, CRIATURA INFERNAL
1978 AVALANCHA
1980 EL ESPEJO ROTO
1981 THE STAR MAKER
1982 WORLD WAR III
1984 EMBAJADOR EN ORIENTE MEDIO
1984 GEORGE STEVENS: DIARIO DE UN DIRECTOR
1984 THE VEGAS STRIP WARS

MISCELÁNEA DE JAMES DEAN

OTROS TRABAJOS
Televisión:

El comercial de TV para Pepsi-Cola (1950)
Hil Number One (1950)
Beat the Clock (1951)
Tales of Tomorrow (1951)
T-Men in Action (1951)
Martin Kane (1951)
Campbell Sound Stage (1951)
Kraft Theatre (1951)
Danger (1951)
US Steel Hour, en el episodio: Prologue to Glory (11 de Mayo de 1952) Theater Guild on the Air, en el episodio: The Thief (1952)
Danger, en el episodio: Death Sentence (1952)
T-Men in Action, en el episodio: Case of the Watchful Dog (29 de Enero de 1953) Campbell Sound Stage, en el episodio: Sometime for an Empty Briefcase (17 de Julio de 1953)
Kate Smith Show, en el episodio: Taken From the Hound of Heaven (1953) Lux Video Theatre, en el episodio: Interview (1953)
Danger, en el episodio: No Room (14 de Abril de 1953)
Armstron Circle Theatre, en el episodio: The Bells of Cockaigne (17 de Noviembre de 1953)
T-Men in Action, en el episodio: Case of the Sawe D-Off Shotgun (16 de Abril de 1953) The Big Story (1953)
Omnibus (1952) interpretando “Himself” el 4 de Octubre de 1953
Kraft TV Theatre, en el episodio: Keep Our Honor Bright (14 de Octubre de 1953) Summer Studio One, en el episodio: Sentence of Death (1953)
Danger, en el episodio: Death is My Neighbor (el 25 de Agosto de 1953)

Johnson´s Wax Program, en el episodio: Montgomery Present Harvest (23 de Noviembre de 1953)
You are There (1953)
Hallmark Playhouse (1953)
General Electric, Theatre, en el episodio: The Dark Dark Hours 12 de Diciembre de 1954
Philco TV Playhouse, en el episodio: Run like a Thief (1954)
Danger, en el episodio: Padlocks (1954)
General Electric Theatre, en el episodio: I am a Fool 14 de Noviembre de 1954 Schlitz Playhouse of Star, en el episodio: The Unlighted Road (6 de Mayo de 1955) US Steel Our, en el episodio The Thief (1955)
Lever Brother´s Lux Vídeo Theatre, en el episodio: The life of Emile Zola (1955) Steve Allen Show (1956)

Notables intervenciones como invitado de TV

“Lux Video Theatre”" (1950) el 14 de Marzo de 1955
“Danger” (1950) en el episodio: “Mujercitas” el 9 de Noviembre de 1954 “Danger” (1950) en el episodio: “Padlocks” el 9 de Noviembre de 1954 “Kraft Television Theatre” (1947) en el episodio: “Long Time Till Dawn, A” el 11 de Noviembre de 1953
“Campbell Soundstage” (1952) en el episodio: “Life Sentence” el 16 de Octubre de 1953
“Big Story, The” (1949) en el episodio: “Rex Newman, Reporter for the Globe and News” el 11/9/1953

“You Are There" (1953) en el episodio: “Capture of Jesse James, The” el 8 de Febrero de 1953

En Radio intervino en:

Stars Over Hollywood Alias Jane Doe
Sam Spade

En Teatro:

See the Jaguar de N. Richard Nash, en 1952, dirigido por Michael Gordon The Inmoralist de R. y A. Goerz en 1954, dirigido por Daniel Mann

Bibliografía acerca de James Dean:

Anger, Kenneth: Hollywood Babylon (Dell Publishing Co. )
Bast, William: James Dean: A Biography (Ballantine Books)
Carpozi,Jr., George: That's Hollywood, Vol. I (Manor Books )
C'hateau, René: James Dean Story (René Chateau)
Dalton, David: James Dean, the Mutant King (Straight Arrow Books) Devillers, Marceau: James Dean
Ellis, Royston: Rebel
Fallaci, Oriana: James Dean non è morto, ritorna' (L 'Europeo, núms. 572-577 ) Gilmore, John: The Real James Dean (Pyramid)
Hanna, David: Hollywood Confidential (Photos).
Herndon, Venable: James Dean, a Short Life (Doubleday )
Howlett, John: James Dean, a Biography (I'lexus)
Konigstcin, Horst: James Dean (Dressler)
Lalonde, Gaby: Perchè James Dean è ancora vivo, (Cinema Nuovo, núms. 101-102) Martinetti, Ronald: The James Dean Story (Pinnacle Books )
May, Christopher: James Dean (Temtest l'ublications).
Meyerson, Peter: The Official James Dean Anniversary Book
Morella, Joe, y Epstein, Edward Z.: Rebels (The Citadel Press).
Ray, Nicholas: Portrait de l'acteur en jeune homme: James Dean (Cahiers du Cinéma, Navidad 1956)
Salgues, Yves: James Dean ou le mal de vivre (Horay)

Shoten, Haga : James Dean (Tokyo Shuppan). Stock, Denis: James Dean Revisited (Viking). Thomas, T. T.: I, James Dean (Popular Library). Von Sole, H.: James Dean inédito (Producciones Ed.). Whitman, Mark: The Films of James Dean (BCW).

Las películas biográficas sobre James Dean

Historia de James Dean (The James Dean Story), (1957) de George W. George Y Robert Altman
Un Tributo a James Dean (1957) (TV)
Hollywood y las estrellas, en el capítulo: Teenage Idols, (1964) T.V.
James Dean, memories of a Gentle Giant (1974)
James Dean: The Firs American Teenager (1975) de Ray Connolly. Documental inglés de 80 minutos de duración.
Come Back to the Five and Dime, Jimmy Dean, Jimmy Dean, (1977) obra de teatro de David Bishop y Fred Chappel.
September 30, 1955, dirigido por James Bridges. El papel de James lo interpretó Richard Thomas

Citas

...James Dean
"Si no tienes miedo...si tomas todo de ti...todo lo valioso en ti ...y lo diriges hacia una meta...un objetivo final...de seguro llegarás allí."

“No quiero ser solo el mejor. Quiero crecer tan alto hasta que nadie me pueda alcanzar”.
“Cuando hablan de éxito hablan de llegar al tope. Bueno... yo creo que no hay tope. Tienes que seguir adelante...no parar en ningún punto”.
“Ser un buen actor no es fácil. Ser un hombre es aún más difícil. Yo quiero llegar a ser ambos antes de morir."
“Sueño como si yo fuera a vivir para siempre. Vivo como si fuera a morir hoy“.

CITAS ACERCA DE JAMES DEAN:

 “ James Dean fue un genio” (Elvis Presley)  “Sin Jimmy Dean, Los Beatles nunca habrían existido” (John Lennon)

 “Era oro puro, las imágenes que él creó en sus tres películas son tan contemporáneas hoy como cuando fueron filmadas. Él fue uno de los actores más grandes que jamás hayan vivido” (Dennis Hopper)

 “Yo creo que Dean murió en el momento justo, si hubiese seguido viviendo no habría sido capaz de soportar tanta publicidad” (Humphrey Bogart).

 “Todo el que estuvo en contacto con Jimmy se dio cuenta que su vida no sería igual otra vez. Solo Dios sabe de dónde viene un espíritu como ese, que iluminan nuestras vidas como una estrella fugaz." (Elizabeth Taylor)

 “Me sé de memoria todos los diálogos de las películas de James Dean. Podría ver "Rebel" cien veces más." (Elvis Presley)

 “El fue tan inspirador, siempre tan paciente y amable. El no actuaba como si fuese una estrella. Siempre nos dábamos consejos mutuamente y él era muy autocrítico, nunca estaba satisfecho con su trabajo, preocupado de cada una de las escenas. Era tan grande en escena que tenía la habilidad de hacer parecer a los demás grandes también”. (Natalie Wood co-estrella en Rebelde sin Causa)

 Sal Mineo fue entrevistado años después que “Rebelde sin Causa” fue filmada y mientras hablaba con Lawford acerca de la genial escena de la pelea con cuchillos, dijo: “Este lugar para mí está lleno de espíritus. No solo el de Jimmy sino el mío y el de todos los que estuvieron envueltos en esa película porque fue una experiencia excelente. Algo le pasó a todo el mundo durante la realización de la película. Es lo más cercano que puedes estar de una experiencia espiritual y Jimmy era el foco, el centro de todo. Todo pasó gracias a él”.

 “Jimmy era el actor más extraño que conocí. Nunca era la misma persona y su personalidad era diferente según el lugar en que se moviera”. (Katy Jurado)

 “En una ocasión, Jimmy tuvo la gentileza de hacer de intérprete en un programa sobre la música norteamericana, ya que por aquél entonces yo no dominaba bien el inglés. Era una persona muy encantadora” (Ursula Andrews).

NUEVOS DATOS

Aportados por Sal Mineo, co-estrella en Rebelde sin Causa

 James Dean era un pintor amateur, fomentado por su madre y tía. Sus temas eran paisajes y animales de la granja de Fairmount. Algunos de sus primeros dibujos estaban sacados de cuadros del Museo Histórico de Fairmount.

 Dos de semanas antes de su muerte, James Dean habló a los espectadores de televisión en un anuncio comercial promocionado por el Consejo Nacional de Seguridad que decía: "y recuerda, conduce sin riesgo, la vida que tú puede salvar podría ser la mía”.

 En el programa Arca 1951, la CBS realiza el espectáculo "Golpea el Reloj" y Dean es contratado para ayudar a calentar al auditorio del estudio y para ello realiza pruebas acrobáticas. Una de las acrobacias más insólitas consistía en ponerse del revés unos calzoncillos, mientras inflaba 12 globos en 45 segundos.

 Durante su año de estudiante en la Escuela Superior en Fairmount, Dean trabajó en la producción titulada "Cuando nosotros éramos jóvenes y alegres" en octubre de 1947.

 En “Al Este de Edén”, dos escenas se censuraron antes de estrenar la película: una, cuando Trask Cal entra en la ventana de la recámara de Abra (Julie Harris) y acaricia su zapatilla; y otra una escena de alcoba entre el hermano de Cal y Aron (Richard Davalos).

 Dean no asistió a ningún estreno de sus filmes.
 Dean consiguió comenzar muy temprano su carrera de actor cuando actuó en una obra en la Escuela Superior, siguiendo un consejo de Adeline Nall. Algunos de los miembros ese año fueron: Shirley Hill, Pleita Hill, Trask Hurlock, Bárbara Leach, Janet Roth, Paul Smith, Detty Todd y Count Vetor.
 En una ocasión dijo al actor Dennis Hopper: "Mi madre murió cuando yo era un niño. Yo empecé a gritar sobre su sepultura y dije: ¿por qué te marchaste?”.
 El 14 de Octubre de 1956, en el "Show de Ed Sullivan" se dio un tributo a Dean conjuntamente con el estreno de "Gigante" y Dean fue mostrado como un miembro de la religión cuáquera. Su memoria es conmemorada cada año en la iglesia del pueblo donde nació y allí se suelen repetir las palabras famosas de Dean como Cal Trask en "Este de Edén": “Háblame, padre, yo necesito saber quién soy, yo necesito saber cómo soy”.
 Si tenemos en cuenta el tamaño del reposapiés de su motocicleta, las botas negras que el actor calzaba podrían ser un 41. También le gustaba llevar zapatos de lona y zapatillas muy baratas.
 Dean no consiguió en vida dejar sus huellas en el cemento que existe delante del Teatro Chino Gruamans en Hollywood, pero su mano y la huella de su pie están grabadas en el cemento de la casa de su tío.
 Según During durante el rodaje de "Al Este del Edén" en 1954, su número telefónico privado era el TH2-5752H y la dirección mientras rodaba fue en Hollywood en la Trek Fame 1717.
 Dean tuvo otros dos tíos llamados Charlie Nolan Dean y Howard Wilson.
 Cuando se rodaba "Rebelde sin Causa," Dean contrajo la malaria, y a causa de la enfermedad la producción se suspendió temporalmente.
 Dean realizó una lectura de la obra de Franz Kafkás "La Metamorfosis" en 1952, en el Teatro Aldea en la Ciudad de Nueva York.
 La canción "James Dean", fue escrita por Jackson Browne, Glenn Frey y Don Henley, aunque en otros estados fue interpretada por el grupo The Eagle’s en 1974.
 Andy Warhol dijo sobre Dean en la revista "Interview": “El no es nuestro héroe porque él era perfecto. James representó bien a las personas tristes, pero su alma fue lo mejor detoda su época”.
 El 15 de enero de 1953, Dean apareció en la NBC en "El show de Kate Smith" en un episodio.
 El ministro de Fairmount Xen Harvey entregó a la familia Dean la obra “La Vida de James Dean: un Drama en Tres Actos”, el 8 de Octubre de 1955, en Fairmount.
 En 1980, Nall entregó la obra nuevamente en la conmemoración del 25th aniversario de la muerte de Dean.
 Cuando Dean se fue a la ciudad de Nueva York en 1951, él vivió en una habitación situada en un edificio cercano a la escuela Superior, en el número 63.
 Dean escribió una autobiografía autorizada: "Estudio de mi vida”.

Miscelánea

Extracto de un artículo publicado en una revista europea:

En una ocasión yo leí un artículo en una revista que afirmaba que una buena manera para pasar un fin de semana estaba en tener tu propio mini festival de cine en el hogar. Yo descubrí a James Dean durante mi pasión por Natalie Wood, un período en el cual consideraba a Natalie como si fuera mi hermana y actriz favorita. Por alguna razón, yo siempre he pensado que "Rebelde sin Causa" era como una bicicleta de los 50 (por qué yo he pensado esto, es algo que nunca sabré), pero terminé alquilándola varias veces. Fue una sorpresa para mí tanto entusiasmo por esta película.

James Dean cautivaba completamente desde el momento en que aparecía en la pantalla. Yo me recuerdo pensando: "¿Este es James Dean?". Me gustó mucho más de lo que yo imaginaba.

Cuando yo aprendí a leer él había hecho únicamente tres películas. Entonces comencé a leer artículos sobre su vida, y desde entonces he leído cualquier libro que se ha publicado sobre su vida. Encontré que había muchas cosas sobre James Dean que yo admiraba, la mayoría especialmente sobre la promesa que hizo a su madre que el mundo la recordaría a causa de él. Pero había otras cosas, como su dedicación suprema a las artes. ¿Puede usted imaginarse si nosotros nos dedicásemos con tanta pasión a nuestro trabajo? Su única motivación era la búsqueda del conocimiento y yo creo que continuará inspirando a futuras generaciones de jóvenes para enriquecer sus mentes. Su pasión por vivir era tan grande como su deseo por triunfar.

James Dean nos ha dejado a todos un regalo increíble: su talento. Él tuvo la capacidad más increíble para retratar las más duras emociones que para la mayoría de las personas son difíciles de expresar, y en mi opinión él lo hizo perfectamente en cada gesto, en cada palabra, en cada escena, en cada película. El dio de sí mismo todo lo que verdaderamente tenía su carácter, a veces incluyendo sus propios sentimientos para capturar la esencia del papel. Era absolutamente increíble.
Hoy en día, todo lo relativo a la publicidad sobre James Dean está en manos de la sociedad James Dean, S.A. desde 1982. Quien desee ponerse en contacto con ellos debe hacerlo a través de:
CMG, S.A. Indianápolis, Indiana 46256

En la tumba original de James Dean había un busto de él, hecho por una escultora famosa, sentado en lo alto. Pero luego, después de su funeral, la escultura desapareció y nunca más volvió a ser recuperada.

Han sido tantas las fans que han venido para ver la tumba de James Dean y tocar la lápida con su nombre para llevarse parte de su esencia a su tierra, que ahora es difícil apreciar la inscripción como se hizo en el momento de su entierro.

Los famosos Analistas Fracasados Asociados, desde Menlo Park, California, han reconstruido y recreado todos los detalles del accidente que tuvo lugar el 30 de Septiembre, y han concluido que James Dean viajaba de 55 a 56 m.p.h. cuando el accidente fatal ocurrió. Según este estudio, quedaría probado que James no iba demasiado rápido como los peritos de la policía de tráfico dijeron.

El mejor documental que se ha realizado sobre su vida fue dirigido por George W. George y Robert Altman en 1957. Llevabael título de “The James Dean Story” y tenía numeroso material de archivo que nunca había sido mostrado con anterioridad.

Existe un álbum discográfico titulado “50 years of film”, editado por la Warner Bros, en el cual se conmemora el 50 aniversario de los estudios y se pueden escuchar fragmentos musicales de las películas y algunos diálogos de interés sobre James Dean.

SU ÚLTIMO DIA

En las primeras horas de la mañana del 30 de Septiembre, Jimmy se dirigió a la empresa Motores de Competición, en Hollywood, donde Rolf Wütherich verificó el Porche Spyder. Wütherich acordó mantener a punto el automóvil y acompañar a Jimmy cuando él corriera en alguna competición automovilística. Cuando la fotógrafa Sandy Roth y el excepcional Bill Hickman llegaron, todos ellos se dirigieron hacia la pequeña ciudad de Salinas. Jimmy vestía la chaqueta roja que llevaba en “Rebelde sin causa”, que era un tipo de talismán para él.
Todos emprendieron el camino y pararon en un restaurante donde Jimmy pidió un vaso de leche para él y una soda para Rolf. Bill pidió a Jimmy que no fuera demasiado rápido, porque su vehículo no podía ir tan rápido.
Sandy Roth, estaba en el automóvil de Bill, queriendo tomar algunas fotos de Jimmy sobre el camino.
Ambos automóviles se dirigieron al norte por la carretera 99 (actualmente la 5). Jimmy aceleró y condujo casi a 68 millas por hora, por una carretera de cuarta categoría, llamada Gravepine. La velocidad máxima permitida era de 56.

Alrededor de las 3.30, el oficial de policía Otie V. Hunter se cruzó con el veloz Spyder. Él persiguió a ambos automóviles y los hizo parar. Pidió a los conductores licencia de conducir y ellos le mostraron su permiso. Bill contó a Jimmy y Sandy que tenían que encontrar a Rolf en Paso Robles, unas 150 millas al norte.

Después que ellos hubieron pasado Bakersfield por la Carretera 466 (actualmente la 46), pararon en la curva de Blackwel, en una estación de gasolina que disponía de una tienda, donde Dean compró una manzana y una coca-cola. Sobre la travesía de la carretera 466 y 33, Jimmy encontró a dos corredores que él ya conocía: Lancee Reventlow y Bruce Kessler. Ambos habían sido multados por correr demasiado rápidos. Cuando el vehículo acompañante llegó, Bill advirtió a Jimmy que no podía apenas ver el Porche Spider a causa de su color gris y su altura más bien baja.

Sin ponerse su cinturón de seguridad, Jimmy se puso de nuevo en la carretera. Eran alrededor de las 5.30 de la tarde, el sol brillaba en su cara, cuando él se acercó al cruce de la travesía entre las carreteras 466 y 41, al este de Cholame. Era un lugar conocido como un punto negro mortal.

John R. White conducía por la carretera cuando Jimmy pasó a su altura. Luego White declaró que Jimmy conducía a 85 mph, o más. Él también vio el Ford Sedán blanco y negro, conducido por Turnupseed, que venía en dirección opuesta. El joven estudiante quiso girar a la izquierda y por lo tanto tuvo que cruzarse en la trayectoria de Jimmy. “Ese tipo tiene que parar”, dijo Jimmy a Rolf.

Turnupseed los vio, pero era demasiado tarde. Él trató de frenar. Las ruedas traseras llegaron a quedarse bloqueadas y los automóviles chocaron.
El Porsche fue catapultado varios metros de distancia con respecto al lugar del impacto. Rolf había sido expulsado fuera del techo descapotable; su mandíbula se fracturó, lo mismo que el muslo izquierdo a lo largo del fémur. Jimmy se había quedado atrapado en el Spyder seriamente dañado en el cuello. Cuando llegó al War Memorial Hospital estaba ya muerto.
Donald Turnupseed sobrevivió al accidente. Él vivió el resto de su vida en Tulare y rehusó siempre comentar sobre qué fue lo que sucedió en aquel día memorable.

Rolf Wütherich nunca se recuperó totalmente de los efectos del accidente. Volvió a Alemania donde él murió en 1981 en un accidente automovilístico. James Dean fue enterrado en Fairmount

DATOS PARA LECTORES IMPACIENTES

Este último capítulo no solamente es un resumen de todo lo publicado anteriormente, sino que se aportan numerosos datos biográficos que no se han incluido en otros capítulos. Se trata de noticias sueltas procedentes de los numerosos club de fans que existen en todo el mundo y que amablemente nos han suministrado.

 En 1949 James Dean ganó un concurso local de declamación e interpretación corta, con el monólogo de Madman “Pickwick Papers”. Ese mismo monólogo lo interpretó posteriormente en la final nacional, pero quedó el sexto, culpando de ello a Adeline Nall, la mujer que hasta ahora había realizado las labores de madre.

 Aunque corto de vista y bastante bajo para la estatura media norteamericana, consiguió graduarse siendo considerado el mejor estudiante de arte y el atleta más completo.

 Parece ser que fue declarado inútil total para el servicio militar a causa de su alta miopía.
 Su primer club de fans data ya de 1951 y fue fundado por unas admiradoras suyas después que saliera en la televisión con la obra de teatro “Hill Number One”. Sin embargo, esta primera aparición no le proporcionó más trabajo y ni siquiera dinero, por lo que se vio en la necesidad de trabajar en tugurios de mala reputación. Su amigo de cuarto, Bill Bast, le abandonó justo en este momento, dejándole solo para pagar una habitación que ni siquiera entre los dos podían pagar.
 En agosto de 1952 interviene en la obra teatral “La metamorfosis”, en el Village Theatre de Nueva York.
 La obra con la cual pasó la prueba de entrada en el Actor’s Studio la escribió con su amiga Christine Bell, y la interpretaron juntos. Ella abandonó pocos días después quejándose del despotismo de los profesores.
 En una de las obras para la televisión, que medio despreciaba, hizo el papel de Bob Ford, uno de los amigos de Jesse James, el mítico forajido.
 Cuando firmó el contrato con la Warner Bros para interpretar el principal papel en “Al este del Edén”, pidió un adelanto de 700 dólares para poder comer y pagar la pensión.
 Elia Kazan le proporcionó un camerino que hacía las veces de vivienda que estaba junto al suyo. Aunque Kazan hacía las funciones de un padre, consideraba a James como una persona repugnante, según sus propias palabras.
 Cuando termina de rodar la película, el 13 de Agosto de 1954, interviene en el episodio “Corre como un ladrón” del programa de televisión Philco TV Playhouse, para la NBC. Nadie sospechaba, ni siquiera él mismo, el extraordinario éxito de taquilla que sería “Al este del Edén”.
 Marilyn Monroe intervino en la promoción de la película “Al este del Edén”, repartiendo los programas de mano entre la gente.
 El 7 de Marzo de 1955 aparece en la portada de la revista Life, como la mejor promesa juvenil de todos los tiempos.
 Entre los numerosos empleos que desempeñó están el de ordenanza en la CBS, vigilante de un parking y empleado en un cine club.
 Mantiene relaciones amorosas con la novia de su mejor amigo, William Blast, lo que le crea serios problemas de conciencia.
 Hay quien asegura que James no estaba seriamente interesado en las relaciones sexuales y la actriz Caroll Baker dijo que le daba la impresión de que había muerto sin hacer el amor ni una sola vez. Aunque no especificó si se refería con ella.
 Nicholas Ray escribió: “James Dean es un eterno insatisfecho y cuando quiere algo se comporta como un niño excitado, que lo quiere todo y que no duda en emplear malas artes para conseguir sus propósitos. Tiene un gran conflicto entre darse a la gente y ocultar sus sentimientos. Es sumamente vulnerable y esto le llega a perturbar su carácter. Creo que todo radica en sus vivencias infantiles, que le han obligado a pelear y competir continuamente.
 Hay quien sostiene que el popular actor Martin Sheen, de origen hispano, trató descaradamente de imitar a James en “Una historia de tres extraños” y en “Malas tierras”, aunque posteriormente abandonó su intento para tratar de lograr su propia personalidad. Con posterioridad, el más fiel imitador es Brad Pitt.
 En una obra de la televisión titulada “The Dark, Dark Hours”, tenía como compañero de reparto a Ronald Reagan, quien dijo que Dean actor era un calco del Dean persona.
 Aprovechando un descanso en el rodaje de “Gigante” trabó amistad con Ursula Andrews, Humphrey Bogard, Gary Cooper y Alec Guiness. Este último llegó a decir en público que James tendría un serio accidente con ese coche.
 Hay una fuerte controversia sobre si James era homosexual o al menos bisexual. Sus enemigos dicen que se libró del servicio militar precisamente por su homosexualidad. Otras personas dicen que le gustaba vestirse con ropas femeninas y maquillarse, aunque posiblemente fuera por su gran afición al teatro. Cuando murió, numerosos jóvenes manifestaron que habían mantenido relaciones sexuales con él y suenan con especial énfasis Sal Mineo, Tab Hunter y Nick Adams.
 Como contrapartida, se nombran romances intensos con Terry Moore, Ursula Andrews, Lori Nelson y Maila Nurmi, sin olvidar a Pier Angeli y Elizabeth Sheridan, una compañera de apartamento.
 Los padres de Pier Angeli dijeron que apartaron a su hija del lado de James, no solamente por su carácter bohemio, sino porque la pegaba. La actriz se suicidaría en 1971.
 Formaba parte de una pandilla creada durante el rodaje de “Rebelde sin causa” que se hacían llamar “Los vigilantes nocturnos”, y que más que vigilantes se convirtieron en el azote de los bares nocturnos, llegando a ser considerados personas repugnantes.
 Antes de subirse al Porche que le causaría la muerte, le entregó su gato (un regalo de Liz Taylor) a una amiga. Existe la creencia que en esa carretera mortal había sido multado por un agente unos minutos antes por exceso de velocidad.
 Sus restos reposan muy próximos a la tumba de su madre.
 Fue nominado al oscar en dos ocasiones:
- Por su papel en “Al este del Edén”. Compitió con Frank Sinatra en “El hombre del brazo de oro”, y con James Cagney en “Ámame o déjame”. Por si fuera poco, también tuvo que competir contra Spencer Tracy en “Conspiración de silencio” y con Ernest Borgnine en “Marty”. El premio recayó finalmente en Ernest Borgnine.
- Una vez fallecido, vuelve a ser nominado al oscar al mejor actor por su trabajo en
“Gigante”, compitiendo con Rock Hudson en esa misma
película, con Laurence Olivier en “Ricardo III”, con Yul Brynner en “El rey y yo” y
con Kirk Douglas en “El loco del pelo rojo”. El ganador fue Yul Brynner.  Con la agencia Shure de Jane Dearcy, realizó varios anuncios para la CBS.  Llamaba a sucoche “Pequeño bastardo” y le había pintado el número 130 que
supuestamente le traería suerte.
 James Dean tenía ya en proyecto filmar una larga serie de películas, entre ellas:
- Marcado por el odio de Robert Wise
- El zurdo, de Arthur Penn
- Heroic Love, de Nicholas Ray
- Hamlet, en un teatro de Broadway
- The corn is green, un telefilme de Emily Williams para la NBC
 Una de las mejores entrevistas que le hicieron fue en el programa “El show de Steve
Allen” en 1956.
 En el mundo se han publicado docenas de libros sobre James Dean y sigue siendo el
actor que más interés genera entre las nuevas generaciones. Entre los mejores libros
podemos escoger los siguientes:
- James Dean Story de René Chateau
- James Dean: Biografía, de William Bast.
- James Dean, American Icon, de David Dalton y Ron Cayen
- The Real James Dean, de John Gilmore.
- James Dean, de Marceau Devillers
- James Dean, Footsteps of a giant
- James Dean, a short life, de Venable Hernodon
- James Dean, de May Christopher

 Los primeros días después de su muerte, la tumba de James recibía cada mes casi 100.000 visitas, especialmente en la época de las vacaciones escolares.
 El señor William Eschirisch adquirió en el Servicio de Recuperación de Carreteras los restos del coche que conducía Dean por 1.000 dólares y luego los vendió a una agencia de publicidad por 2.500 dólares. La nueva empresa exhibió el destrozado coche en un local cerrado de la calle Ventura y llamó la atención de los aficionados con un cartel que decía: Esta es la estrella vertiginosa en la que James Dean encontró la muerte. Cobraba entonces 35 centavos por entrar y el día de la inauguración entraron 3.000 personas.
 Un peluquero de Hollywood, quien decía haber cortado el pelo a James, intentó vender mechones de cabello que dijo le habían pertenecido. En vista del poco crédito que le dieron pidió un préstamo al banco de 1.000 dólares y elaboró unos cojines con la cara de James impresa. Las llamaba Las Almohadas del Amor.
 La primera edición de una biografía sobre James Dean tuvo una tirada de dos millones de ejemplares y aún así se realizaron posteriormente cinco reediciones.