Adolfo Pérez Agustí. Edita: Ediciones Masters

(1899 - 1957)
Profesión: Actor
Nombre: Humphrey Deforest Bogart
Fecha de Nacimiento: 23 de enero de 1899 en Nueva York.
Murió: 14 de enero de 1957 en Hollywood

Nacido en 1899 en el seno de una familia prominente de Nueva York, Humphrey Bogart comenzó su carrera en el teatro cuando tenía 20 años, antes de volverse uno de los más prestigiosos actores de Hollywood. La mayoría de los hombres de los años cuarenta comenzaron a imitarle, principalmente a través de su personaje en “El Halcón Maltés”(1941), “Casablanca” (1942) y, algo menos, cuando consiguió su Oscar por su gran interpretación en “La reina de Africa” (1951.)

Aunque inicialmente se le consideró como uno de los típicos gángsteres que salían en las películas de la Warner Bros, unos tipos muy duros de los años treinta, fue posteriormente, antes y después de la Segunda Guerra Mundial, cuando "Bogie" se convirtió en el ídolo. Su aspecto de anti-héroe, totalmente al margen de las modas, fumando y bebiendo sin parar y aparentemente frío con las mujeres, personificó la imagen del norteamericano medio.
Aunque en ocasiones interpretó personajes delictivos, Bogart creó una imagen en la pantalla sumamente rica y compleja que simbolizaba como un icono visual la cultura del cine negro de Hollywood. Con su expresión avergonzada, la sombra de no haber dormido lo suficiente, y el suave balanceo que imprimía el humo de su cigarrillo, vinieron a significar al cínico personaje que tiene que vivir en un mundo sombrío. Por eso su expresión era de eterno cansancio, un individualista convencido, ligeramente confiado con las mujeres y en el fondo sumamente honrado; casi un hombre muy sentimental.

Cuando se le retrataba como héroe de guerra que descubre los horrores de la lucha aunque pelee en las filas del ganador, lograba una combinación de rasgos que le convertían en el héroe romántico que lucha por un ideal. Su imagen no se marchitó con los años y aunque envejecido prematuramente por el alcohol y el tabaco, seguía siendo igualmente poderoso y capaz de entusiasmar a las nuevas generaciones. Hoy en día, cuarenta ycuatro años después de su muerte, se le sigue honrando como el mejor representante del detective íntegro que no duda en expresar su opinión con frases como esta: “Las mujeres son muy simples: no he conocido a ninguna que no supiera lo que significa una bofetada en la boca o una bala del 45”.

Un gángster sobrio y pausado

En 1916, después de servir como timonel en el navío Leviathan durante la Primera Guerra Mundial, Bogart se entusiasmó con su carrera teatral, primero como gerente, y posteriormente como un actor de Broadway que trataba de aportar un modo de interpretación individual.

Llegó a Hollywood a principio de la década de los 30 buscando empleo en cualquier tipo de película, como hacían muchos de sus colegas. En sus primeras apariciones en el cine, Bogart interpretó personajes relacionados con la delincuencia y el hampa, como por ejemplo en “Up the river” (1930) de John Ford, una película sobre una prisión que proporcionó gran popularidad a Spencer Tracy. Después de firmar un contrato con la Warner Bros, el estudio le asoció estrechamente con la imagen de un tipo duro, similar a estrellas como Edward G. Robinson y James Cagney.

Trabajando simultáneamente en Broadway y en el cine, Bogart aparecería en diez papeles menores antes de lograr el personaje que le daría popularidad. “El Bosque Petrificado” (1936), un remake del gran éxito que ya había interpretado en Broadway, basado en la obra de Robert Sherwood, y que proporcionó a Bogart su ascenso inmediato al estrellato. En su papel del malvado Duke Mantee, el convicto que ejerce como gángster después de haberse escapado de la prisión, y que mantiene como rehenes a varias personas de un restaurante de Arizona, consigue que los aficionados le consideren un actor inteligente, eficaz y que no trata de disimular su fealdad. Alzado ya a la cima de la popularidad, consiguió un contrato como actor destacado con la Warner Bros de 550 dólares a la semana.

Durante los siguientes cinco años Bogart aparecería en 28 filmes de la Warner Bros, casi siempre como una figura del hampa. En ocasiones interpretó papeles de apoyo atípicos, como abogado en “La mujer marcada” con Bette Davis en 1937; el jefe irlandés en “Amarga Victoria” en 1939, o como un zombie extraño en “The return of Dr. X” en 1939. No obstante, estos no serían los personajes que le harían pasar a la inmortalidad, aunque le proporcionaron la suficiente popularidad como para afianzarse en el cine.

Un gángster mal vestido

Del gángster de aspecto desaliñado que escupe frecuentemente en “Balas o votos” (1936), Bogart pasó a una serie eficaz como hombre de la gran ciudad en numerosas películas para la Warner, en las cuales se movía con soltura entre la clase baja y los delincuentes. Películas como “Calle sin salida” (1937), “Crime school” (1938) y “La pasión ciega” (1940), así como el género carcelario en filmes como “San Quintin” (1937), o la quintaesencia del delincuente buenazo en “Angeles con caras sucias” (1938), son otros ejemplos de lo que era capaz de hacer.

Sus actuaciones fiables y sencillas le proporcionaron un gran reconocimiento como actor taquillero, por lo que le doblaron el sueldo en 1938. Al año siguiente volvió a su papel como gángster en “El Rey del Hampa” (1939) y, más memorablemente, en oposición a James Cagney, en “Los violentos años 20” (1939), una saga episódica sobre los veteranos de guerra que proporcionó el mito del gángster americano.

Un líder solitario

Con Cagney y Robinson fuera de la Warner Bros los actores capaces de interpretar al estereotipo del gángster popular eran muy pocos, por eso el estudio se volcó totalmente en Bogart. Aunque George Raft había sido el heredero cuando Cagney decidió intentar fortuna con otros personajes, Bogard permaneció fiel con su papel en películas que le convirtieron en una superestrella,como “El último refugio” en 1941, “El Halcón Maltés” y “Casablanca”. Esto obligó a los demás actores a reconsiderar su postura y hacer que volvieran de nuevo al cine que les había hecho triunfar.

En el papel de Roy Earle en “El último refugio”, Bogart demostró estar más acertado como un tipo malo de rápido lenguaje y solitario. Con la ayuda del Guion de John Huston recreó un retrato simpático de un delincuente con un corazón tranquilo y proporcionó una actuación mucho más coherente que cualquiera de las que se habían visto hasta entonces, especialmente diferente a las del maníaco James Cagney. Al año siguiente, Bogart recibió su primera consagración como actor en el filme dirigido por John Huston “El Halcón Maltés”, una película sorpresa para todos, de bajo presupuesto, y que lanzó al estrellato a Bogard en el papel del detective Sam Spade.

La superestrella se enamora

En 1942, Bogart firmó un nuevo contrato de siete años con un sueldo de 2.750 dólares a la semana y comenzó una larga serie de películas ambientadas en tiempos de guerra, comenzando por el retrato legendario de Rick Blaine en “Casablanca” (1942). Una vez más, su personaje era un hombre con un pasado, pero ahora también capaz de tener un romance y de ejercer de benefactor. Sus actuaciones como héroe de guerra, justo en plena Segunda Guerra Mundial, en películas como “Across the Pacific” (1942) de Huston, “Acción en el Atlántico Norte” (1943), “Pasaje para Marsella” (1944) y “Tener y no tener" (1944) de Howard Hawks, le valieron el respeto de Hollywood. Las escenas de amor en “Tener y no tener”, sin embargo, eclipsaron la fama de hombre de acción de Bogie y con su joven compañera Lauren Bacall proporcionó a la prensa y los aficionados tema de conversación sobre su relación amorosa y posterior boda. Su colaboración con Bacall se demostró como altamente beneficiosa para su popularidad y por ese motivo los productores unieron a Bogie y Bacall en filmes de gran éxito como “El Sueño eterno” (1946), “La senda tenebrosa” (1947) y “Cayo Largo” (1948) de Huston.

La pareja demostró estar sólidamente unida cuando se manifestaron contra el Comité de Actividades Antiamericanas, un grupo de censura que quería erradicar el comunismo del país. Con varios actores crearon el Comité para la Primera Enmienda, un grupo que trataba de luchar contra la inquisición política.

Un día, el dueño en un restaurante, conocedor de la defensa que Bogart estaba haciendo a favor de sus amigos acusados de comunistas, le puso la mano en el hombro y le dijo que se fuera de su establecimiento porque no quería allí personas como él. Bogart se volvió despacio, miró a su alrededor, se quitó su cigarrillo y lo arrojó al suelo. “Escuche, compañero, yo me voy a quedar aquí. Este es mi territorio y espero no tener que demostrárselo”. Obviamente estaba imitando a uno de sus personajes, pero finalmente ambos acabaron riéndose.

Después de la guerra

Los años de la posguerra también proporcionaron mayor fama aún a Bogie, transformado ya en un icono del cine negro, empezando por su retrato del detective Philip Marlowe en “El Sueño eterno” de Raymond Chandler. Después continuó a través de una serie de papeles como antihéroe en “Callejón sin salida” (1947) y “En un lugar solitario” (1950) de Nicholas Ray, esta última con un tema romántico que para muchos fue la mejor actuación de toda su carrera.

Formando parte del sistema de actor contratado por un estudio de Hollywood, su carrera como actor tuvo un cambio espectacular, aunque en ocasiones desafortunado, durante los años cincuenta. En 1947 firmó un contrato con la Warner Bros que no solamente le aumentaba el sueldo hasta los 200.000 dólares al año, sino que, además, le permitía seleccionar sus papeles, directores y guiones, dejándole las manos libres para que intentara suerte con su propia compañía de producción independiente, Santana Pictures. Él continuó trabajando con su amigo John Huston en filmes como “El tesoro de Sierra Madre” (1948), “La Reina de Africa (1951), y “Beat the devil” (1954), aunque también aportó personajes muy dispares al lado de otras grandes estrellas, como ocurrió en la popular comedia con William Holden y Audrey Hepburn “Sabrina” de Billy Wilder (1954).

Un actor sin ocaso artístico

Finalmente, sin renunciar nunca a su pasado cinematográfico, con su aspecto de cínico, sombrío y psicológicamente torturado, aportó otras caracterizaciones complejas de igual interés, como un director que manipula a Ava Gardner en “La Condesa Descalza” (1954), como el angustiado Capitán Queeg en “El motín del Caine” (1954), y como un convicto fugado en “Horas desaparecidas” (1955). También interpretó a un agente del conflictivo mundo del boxeo en “Más dura será la caída” (1956), título que era toda una premonición sobre su final, al morir de cáncer al año siguiente.

BIOGRAFIA
Humphrey Bogart: Tener y no Tener

Humphrey Bogart probablemente ha sido imitado más que cualquier otro actor, exceptuando a Groucho Marx. Sus personajes en el cine como Sam Spade, Rick Blaine, Duke Mantee y Fred C. Dobbs, por nombrar algunos, se han tejido como parte de la cultura americana. Su lucha en la pantalla para dar la réplica a actores como Cagney y Robinson, no es nada comparado con su estrafalaria vida fuera de la pantalla que incluyeron varios matrimonios tormentosos, batallas continuadas contra Hollywood y especialmente la Warner, y una dependencia hacia el alcohol. Para muchos, sin embargo, él será siempre el último actor de la pantalla que consiguió aportar un tipo duro, solitario y de grandes sentimientos.

El personaje que encarna Bogart en la pantalla, labios firmes, aspecto de gamberro y nunca dispuesto a la huida, es su testamento y su regalo como actor, sobre todo cuando suponen un contraste con su educación superior en una Escuela de Medicina.

Nacimiento

Humphrey Deforest Bogart nació en el West Side de la Ciudad de Nueva York el 23 de enero de 1899. Su madre, Maud Humphrey, ilustradora de revistas, y su padre Deforest Bogart, un próspero cirujano de Manhattan. Algunos biógrafos mencionan como fecha de nacimiento el 25 de diciembre de 1899, pero se cree que la fecha fue preparada por un publicista de la Warner Bros.

El doctor Bogart y su mujer Maud eran una pareja que aparentemente se llevaban bien.. Él era alto y atlético, un hombre guapo y bueno cuya lengua podría estar tan afilada como un estilete. El Dr. Bogart podría escoger las palabras correctas y podría decirlas en el tono justo que agradase a las personas o, simplemente, dejarlas en ridículo. Esta habilidad con su lenguaje fue un rasgo que copió Bogart y uno de los más peculiares de su personalidad. Aunque su padre era fuerte, guapo, y adinerado, él no había heredado estas cualidades físicas. Posteriormente, su padre sufrió un accidente al ser pisoteado por uno de los caballos de la ambulancia y su salud quedó resentida para siempre. Después invirtió en muchos negocios que fallaron, y debido al dolor del accidente, tuvo que emplear frecuentemente morfina que le convirtió en un drogadicto. Su esposa Maud, la madre de Bogart, era una pelirroja elegante que atraía mucho la atención de los hombres, tanto como un hueso a un perro. Era una esnob que había crecido en la tradición conservadora, tanto religiosa como social de Nueva York.

“Ella conservaba su derecho al trabajo”, - comentó Bogart en una ocasión– solamente estaba preocupada por el derecho al sufragio de las mujeres, y era un adversario eterno para mi padre”.

“No quería que la llamásemos mamá y prefería el nombre de Maud, un nombre que siempre consideré metódico, impersonal. Amaba más al trabajo que a su familia y no recuerdo haberla visto leer un libro en la vida. Tampoco le gustaban las fiestas ni los juegos”.

“Sus amigos eran solamente artistas masculinos, pero nunca intimó con ninguno de ellos, que yo sepa”.

En la década de 1900, los padres de Bogie no eran ricos, pero gracias a la medicina consiguió ahorrar veinte mil dólares que agregó a una herencia que había recibido de su padre, el inventor de un sistema nuevo de litografía. Su madre Maud, que estaba a cargo de todo el trabajo artístico para la revista Delineator, era uno de los ilustradores mejor pagados del país. Cuando la familia estuvo formada, su padre aportó a las dos hijas de su anterior matrimonio, Frances y Catherine, quienes vivieron cómodamente en su casa del 103 de la Avenida del Extremo Oeste, cerca del Paseo de la Ribera en Nueva York, un lugar donde vivían familias ricas. Se podían permitir el lujo de tener teléfono y tocadiscos, además de alfombras, artículos de plata y hasta criados.

Pero el matrimonio no se llevaba bien y los hijos veían con frecuencia volar por los aires las tapaderas de las ollas, aunque la preocupación por sus hijos hacía que siguieran juntos. Su relación mejoró cuando ella comenzó a trabajar todo el día en una oficina y cuando regresaba seguía dedicándose a elaborar proyectos en un pequeño cuarto en el piso superior. Una vez que finalizaba, le entraba repentinamente un ataque de migraña, mediante el cual mantenía alejado a su marido hasta el día siguiente.

Cuando la salud de su marido se deterioró ella no quiso cuidarle y contrataron a una enfermera irlandesa que lo hizo por ella.

Pero la hostilidad que manifestaba hacia su marido no impedía a Maud cuidar de Bogart y un día le hizo un retrato que fue comprado por una compañía de comidas infantiles para su campaña publicitaria. Hay quien dice que en esa época Bogart era el bebé más famoso de todo Nueva York.

Las cosas cambiaron cuando Humphrey cogió una pulmonía, y a su madre le entró la obsesión de que era un niño enfermizo. “Es muy varonil – decía - pero demasiado delicado en su salud”. Desde ese día dejó de cuidarle y cuando Bogart se hizo mayor llegó a comentar que creció sin el afecto de su madre y que para él un beso de ella suponía un acontecimiento, algo inaudito.

“No puedo afirmar que amase a mi madre; quizá la admiraba y respetaba, pero desde luego no era el tipo de cariño que sirviera como modelo para una película de amor. Ni siquiera le enviaba regalos el Día de la Madre, estaba seguro que me los devolvería”.

Cuando Bogie tenía trece años fue a una escuela privada en Nueva York. Era el Trinity School, un viejo instituto Episcopal para jóvenes. Estaba en el 91 de la Avenida de Amsterdam, cercana a Manhattan.

El Trinity era como una escuela europea, con mucho empeño en el latín y otros idiomas que nunca son necesarios en la vida real, a menos que uno sea sacerdote, y es seguro que Bogart nunca pensó en esa posibilidad. En esa escuela, además, ponían un gran énfasis en la memorización de los textos, algo que Bogart despreciaba, aunque tuviera que aceptarlo posteriormente en el cine.

“En Trinity yo no aprendí nada. Allí me hicieron aprender fechas y más fechas. Decían que en 1812 hubo una gran guerra pero no me explicaron porqué, ni para qué”.

Cuando iba a esa escuela solía llevar un traje azul, chaleco blanco, camisas blancas, y quizá un distintivo de la escuela. Se podía considerar que era un muchacho dignamente vestido, aunque él aportaba su propio toque portando un sombrero, quizá para llamar la atención. Pero su buena apariencia le duraba poco, puesto que tenía que ir todos los días a posar para su madre.

Un día, fue llamado por el director de la escuela acusado de haber armado un alboroto en la clase y de haber suspendido la clase de alemán.

- No me gusta el alemán, ni me gusta el profesor Herr Luther – le respondió Bogie–.

- Por lo que veo tampoco le gusta el inglés, la economía ni la historia.

- Me gustan las matemáticas, el álgebra. No hay nada teórico en ella, es simplemente un hecho. Se tiene un problema y se resuelve. No hay versiones diferentes.

Bogie tuvo que repetir su tercer año en Trinidad debido a unas fiebres que le impidieron acudir a la escuela e ingresó después, en 1917, en la Academia Phillips en Andover. Su madre estaba decidida a que ingresara posteriormente en la Universidad de Yale, algo que nunca consiguió.

“Las personas con autoridad son una maldición. Yo no puedo mostrar reverencia sino la siento. Intentaba poner a prueba a mis profesores para que demostrasen si eran tan maravillosos como decían ser”.

Esa Navidad el joven Bogie había suspendido la mayoría de las asignaturas y estaba pensando en quemar su uniforme o enterrarlo en el césped de la escuela. Cuando lo mostró en casa a sus padres le advirtieron que debía mejorar sus notas o ponerse a trabajar. Sus notas no mejoraron y su padre dijo que solamente parecía interesado en los deportes y las chicas.

Esperando que su hijo se ligaría en el futuro a su profesión de médico, su padre insistió en que estudiara medicina en la Universidad de Yale, oponiéndose a los deseos de su hijo que prefería los ambientes de Broadway y Hollywood.

En el ejército

Bogart cambió su gorra de graduación en la Universidad de Medicina, por la gorra de marinero cuando se alistó en la Armada de los Estados Unidos en la primavera de 1918. Durante su estancia en la armada él consiguió varias cosas, entre ellas una cicatriz en el rostro que posteriormente sería su marca de fábrica, además de otorgarle ese ceceo característico que tanto cautivó a las mujeres. No obstante, y aunque los publicistas insistieron en que la cicatriz fue motivada por su celo como marino, hay quien afirma que en realidad fue ocasionada por una simple pelea en una cantina.

Una de las versiones habla de que se cortó el labio por un trozo de metralla de una granada durante una incursión bélica de su navío, el Leviathan. Otra versión, aportada por un amigo suyo, el escritor Nathaniel Benchley, nos afirma que Bogart fue herido mientras trataba de encerrar a un prisionero en la Prisión Naval de Portsmouth, New Hampshire. Presuntamente, mientras hacían un transbordo de tren en Boston, el prisionero esposado le pidió un cigarro a Bogart y mientras Bogart buscaba un fósforo, el prisionero levantó sus manos y le golpeó en el rostro. Bogart, con la boca rota por el puñetazo y el labio partido, no pudo impedir que su prisionero huyera. Segundos después y con la ayuda de su pistola del 45, Bogart consiguió detenerle y llevarle a la prisión de Portsmouth. Cuando formado.

El Leviathan era una nave de transatlántico de pasajeros alemán. La irreverencia de Bogie con la autoridad se manifestó igualmente allí, y eran frecuentes sus actos de desobediencia. En una ocasión le negaron un permiso de salida y él se marchó del buque, siendo denunciado como desertor y pasando diez días en el calabozo. Cuando salió insultó a su capitán por ello y pasó diez días más y así hasta un total de treinta.

Cuando fue firmado el armisticio, Bogie decidió vengarse de su capitán. Había un permiso para los doscientos marinos más eficientes y aprovechó un descuido para cambiarlos y poner a los compañeros más rebeldes, entre ellos él mismo

Una vez licenciado, fue acogido por un amigo suyo, el productor teatral William A. Brady, quien le contrató como un oficinista. Bogart prosperó rápidamente en ese trabajo, consiguiendo ser nombrado gerente, aunque también hizo pequeños trabajos en Nueva York en los estudios de cine de Brady, Películas del Mundo S.A. El primer amigo que Bogie tuvo fue precisamente su hijo Bill Brady Jr., aunque desgraciadamente no pudo conocer el triunfo de su amigo puesto que Bill murió en un incendio en 1936, justo cuando Bogie triunfaba con “El bosque petrificado”. Posteriormente tuvo otro gran amigo, Mark Hellinger, otro actor que estaba intentando triunfar al mismo tiempo, pero que murió de un ataque cardíaco a los cuarenta y cuatro años de edad.

Comienza el cine

La hija de Brady, la actriz Alice Brady, estaba convencida de que Bogart tenía un gran potencial como actor y le cedió un papel pequeño en "Floating" (1922), una obra en la que ella era una actriz destacada. Después de ese año, Bogart consiguió su primer papel más destacado en "Swifty", pero su trabajo no pasaba todavía de ser un pequeño esbozo de lo que era una interpretación. El crítico Alejandro Woollcott consideró que la actuación de Bogart era "lo que normalmente y misericordiosamente se puede describir como inadecuada". Afortunadamente, nadie le hizo caso y Bogart consiguió nuevos trabajos en esa primera etapa de su carrera, aunque casi todos eran asuntos dramáticos en los que hacía de galán inexperto que acaba siempre mal.

Bogart se casa

Durante este tiempo, Helen Menken, una actriz bastante popular entonces, se enamoró fuertemente de Bogart y aunque esa relación no era lo más adecuado para su incipiente carrera de actor, decidieron casarse en 1926, pero la relación no duró más de un año, algo que no sorprendió a nadie.

Posteriormente en 1928, él se casó por segunda vez, ahora con la actriz Mary Phillips, a quien había conocido hacía algunos años. Los dos empezaron un matrimonio que duraría diez años.

El triunfo que no llega

Descorazonado por su falta de progreso en Broadway, Bogart se cambió de residencia en 1930, más cerca de los estudios, esperando que su suerte cambiaría pronto. Puesto que el cine todavía estaba en los comienzos de su época dorada, los estudios buscaban ávidamente actores nuevos, de gran personalidad, una situación que ayudó sensiblemente a Bogart. Pronto consiguió un contrato de trabajo con la productora de cine Fox S.A., para quien interpretó “El Conquistador”, filme desastroso que fue un fracaso rotundo.

Cuando Bogart estaba trabajando para la Fox, intentando conseguir una posición en el cine, solía jugar al golf. En una ocasión estaba viendo cómo jugaban un grupo de cuatro amigos y les preguntó si podía jugar con ellos. Uno de ellos se volvió malhumorado y le respondió: “Realmente, no. ¿Quién demonios piensa usted que es para pedir semejante cosa? “Mi nombre es Humphrey Bogart, yo trabajo en la Fox y el demonio es usted por estar jugando tan pésimamente al juego de Dios”.

Desgraciadamente, el hombre a quien había gritado era un vicepresidente de la Fox y quizá por ello terminó trabajando para la Warner Bros.

Después de insistir con dos nuevos fracasos, la Fox rescindió su contrato con Bogart, lo que le permitió ofrecerse a la Columbia, Universal y Warner Bros, donde consiguió hacer pequeños papeles en películas que mejor las dejamos en el olvido. Su esposa Mary estaba entretanto en Nueva York, donde conseguía buenos resultados profesionales y podía mantener dignamente a su marido.

La película "Medianoche" en 1934, devolvió a Bogart a Nueva York, donde esperaba mejores resultados en sus gestiones en los estudios. En esa época tenía ya 35 años y no era posible que siguiera realizando papeles de joven galán.

En los años treinta cuando la sección de relaciones públicas de los estudios estaban intentando hacer que cada actor se pareciese a un modelo de pasarela, Bogie se negó a posar junto a un perro, fumando puros enormes y montando a caballo. Él pensaba que eso era muy irreal, muy falso.

“Con esas fotos me siento como si fuera a ir al trocadero con mocasines. Si yo tengo que posar así me gustaría tener delante de mí a uno de esos productores como si fuera el asno”.

“Yo no puedo entender por qué las pers onas se enfadan. No se puede vivir en soledad y para discutir se necesitan dos personas. Si entre ellos no están de acuerdo entonces nace la discusión. Nadie empieza una discusión diciendo: ¡Oh, por supuesto, usted tiene razón!, ni, ¡reconozco que usted sabe más que yo!”.

“Mi idea sobre una discusión es empezar exponiendo cada uno su opinión. Entonces, cuando el otro diga algo así como: usted solamente es un necio, es cuando las cosas empezarán a moverse en un sentido práctico. Seguro que pronto llegaremos a un entendimiento”.

Muere su padre

A diferencia que con su madre, quien en lugar de abrazar a Bogie le daba palmadas en los hombros cuando hacía algo bien, el doctor Bogart solía llevarse a su hijo a pescar con él, aunque Bogie solía mencionar estas salidas contando que: “Nunca pescamos ni un solo pez y creo que seguía pescando solamente para no estar con mi madre”.

“Después de Bacall ha sido la persona que más he querido en mi vida. Su muerte llegó de repente, mientras jugaba al ajedrez con un amigo en un local de la Sexta Avenida. Le llevaron a casa por deseo propio y murió en mis brazos. Fue en septiembre de 1934. En ese momento es cuando me di cuenta de todo lo que le quise, aunque tengo la satisfacción de haberle dicho que le quería antes de morir. Sé que me oyó porque me miró y sonrió. Era un gran señor y siento que no hubiera vivido más para poder haber visto mi éxito en el cine”.

Broadway

Un día oyó que el dramaturgo Robert E. Sherwood estaba buscando a alguien que pudiera interpretar a un asesino vicioso llamado Duke Mantee en su nueva obra "El Bosque Petrificado," y que ya tenía a Leslie Howard como su estrella principal. Bogart se acercó hasta Sherwood, con la esperanza de que su desaliñada apariencia le mostrara que, por lo menos físicamente, era la persona adecuada para ese papel. Sherwood le presentó al director de la obra, quien le dijo a Bogart que volviera dentro de tres días para una lectura. Volvió, luciendo una barba de tres días, y llevando su ropa más gastada. La combinación de su aspecto cansado, juntamente con su ropa sin planchar, más una lectura de los diálogos correcta, ayudaron a Bogart a conseguir su primer papel en el teatro. Posteriormente se demostró que la obra y Bogart eran dos elementos suficientes para el éxito.

Si hay un año que marca el principio de la fama de Bogart es 1935, catorce años antes de que naciera su primer hijo. En esa época ya había interpretado una docena de obras en Broadway e incluso algunas películas. En una de ellas, “Up the River”, hizo su única aparición con Spencer Tracy.

Su papel como Duke Mantee, en la obra de Broadway de Robert Sherwood, “El bosque petrificado”, le proporcionó una gran popularidad, hasta el punto en que solamente le conocían como Duke Mantee y no como Bogart. De algún modo se le contagiaron los andares de su personaje, lentos y con las piernas tiesas, mientras que balanceaba sus manos en el aire como si las tuviera esposadas. Su voz era fría, y sus ojos sin corazón. En el momento de la obra, John Dillinger era el rey del hampa, y Bogie, según decían, se parecía mucho a Dillinger.

La obra, con Leslie Howard como la estrella, era un gran éxito. Bogie consiguió los mayores éxitos en esa etapa de su carrera y estaba esperanzado con respecto al futuro. “El bosque petrificado”, sin embargo, no convirtió a Bogart en una estrella del cine. La Warner le hizo firmar uno de esos contratos que esclavizaban a los actores, y le ocultaron al público con una serie de papeles infames que no estaban hechos para él

De nuevo el cine

Cuando la Warner Bros adquirió los derechos para el cine de "El Bosque Petrificado", Leslie Howard fue contratado de nuevo como el principal actor, pero el estudio pensó en llamar a Edward G. Robinson como la mejor opción para interpretar al gángster Mantee. Howard se negó a interpretar la película sino contaban también con Bogart. La Warner cedió y firmó con Bogart un nuevo contrato de trabajo.

"El Bosque Petrificado" (1936), en la que también tenía un importante papel Bette Davis, resultó ser un gran éxito de taquilla, pero Jack Warner no tenía ningún otro plan para convertir a Bogart en una estrella. Por ese motivo, Bogart languideció en una larga serie de películas de serie B que incluyen "The return of Dr. X” (1939), que posteriormente la denominaba como "esta película hedionda", y "Oklahoma Kid" (1939), con Bogart y Cagney haciendo un curioso papel como vaquero. De vez en cuando había un buen papel en una película, como en “Calle sin salida” (1937), para Samuel Goldwyn. En este filme, Bogart consiguió una acertada caracterización como Cara de Niño Martin, un gángster idolatrado por una banda callejera juvenil. Desgraciadamente, la Warner no tenía ningún interés en promocionar a tan peculiar actor y le hizo interpretar “Swing your lady” (1938), un filme que ha sido considerado universalmente como la peor película de la carrera de Bogart.

Nuevo matrimonio

Sus dificultades profesionales eran menores comparadas con su vida personal en este momento. Su matrimonio con Mary Phillips se cayó en pedazos enseguida, después que ellos se marcharon al oeste, principalmente porque ella no tenía ninguna intención en dejar su carrera para establecerse en Hollywood como Bogart había esperado. No pasó mucho tiempo desde su divorcio, solamente cinco días, cuando Bogart encontró una actriz ardiente llamada Mayo Methot mientras estaba trabajando en “La Mujer Marcada” (1937). Methot era bastante popular por su gran afición al alcohol, un carácter violento y un gancho de derecha que habría envidiado Joe Louis.

Gracias a su persistencia, ella consiguió convencer a Bogart para que se casaran inmediatamente, en agosto de 1938.

Pero su felicidad duró poco y fueron conocidos en los ambientes de Hollywood como “Bogart Batallando”, gracias a sus peleas frecuentes en las salas de fiestas, hoteles y restaurantes, convirtiendo sus anillos de boda en dardos lanzadores, además de emplear frecuentemente macetas y cualquier otro artículo que tuvieran delante. A menudo, estas luchas eran originadas por la creencia de Mayo que su Bogard le estaba engañando con otras mujeres. Una de las consecuencias de ese matrimonio guerrero y desgraciado, es que Bogart, que hasta entonces había mantenido un sólido control sobre su ingestión de alcohol, empezó a beber entre pelea y pelea.

Una noche que él y Mayo estaban en la barra de un bar un tipo vino hasta ellos y acercándose a Bogart le dijo: He oído que usted es un tipo duro, pero eso se debe referir a otra persona porque usted no me parece tan duro como dicen.

“Tiene usted razón, le contestó Bogart, ¿por qué no se sienta, amigo, y toma una bebida conmigo?”. El hombre aceptó la oferta pero continuó: ¿Sabe que me han contado sobre usted?, que no quería firmar autógrafos a los niños.

En ese momento Bogart se dio cuenta que ese hombre solamente deseaba pelear, no diálogo, y cogió a Mayo para marcharse. El individuo se levantó y le dijo: ¡Justo lo que pensaba!, que se marcharía corriendo. Usted me da risa, no es un tipo duro. Agarró a Bogart por el hombro y ambos terminaron rodando por el suelo. Mayo se quitó su zapato y golpeó al hombre con el tacón, hasta que el dueño del bar les separó. Luego, en casa, ella le comentó: Es maravilloso ser una estrella del cine y recibir felicitaciones de los admiradores.

Una gira con los soldados

Humphrey estaba muy afectado por la Segunda Guerra Mundial, y le preocupaban los soldados que estaban heridos en el frente. Un día decidió hacerles una visita y se fue con su esposa y se hospedaron en un hotel lleno de generales y coroneles. Venía acompañado por su amigo Phil, quien no encontró cama en el hotel. Bogie se dirigió a uno de los generales y le exigió una cama para su amigo. Ante su reticencia le dijo que si su amigo no tenía cama él no trabajaría para los soldados. Finalmente consiguió la cama.

El viaje tuvo lugar durante la Navidad de 1943, básicamente en Africa del Norte, para una gira de doce semanas con objeto de entretener a los soldados allí acampados. Su número era bastante cómico, portando zapatos flexibles de colores, girando un bastón y cantando “Gracias por los Recuerdos” con Bob Hope. Él tenía una voz sencilla, pero el hecho es que su acto consistió finalmente en recitar discursos de “El Bosque Petrificado” y otras películas. Su mujer Mayo cantó “Quiero saber más de usted”, una canción bastante conocida de su repertorio, y otras melodías, acompañadas en el acordeón por Don Cummings.

Cuando él llegó a Africa Norte, Bogie era conocido en todo el mundo, principalmente por sus películas de gángsters. Una medida de su fama internacional se pudo comprobar un día cuando él y Mayo estaban recorriendo la kasbah antigua, un barrio tradicional, y un hombre árabe salió bruscamente de una puerta y se dirigió a él. Alzó su brazo como si estuviera sosteniendo una ametralladora y gritó un montón de palabras extranjeras a Bogart, que resultaron ser el equivalente árabe de “Rata tat tat tat”, o “usted está muerto, usted es una sucia rata”.

Lo humanitario de esa gira no impidió que ambos esposos siguieran peleando y en una ocasión ella le cerró la puerta de su habitación para que no entrara.

Bogie empezó golpeando en la puerta para entrar y ante tal estruendo se presentó un coronel. Viendo a Bogie en uniforme (era un uniforme del servicio auxiliar), pidió que le detuvieran. Le pidió el nombre, rango y número de serie y Bogie le respondió que no tenía ningún nombre, ningún rango, ningún número de serie y que se fuera al infierno Posteriormente, cuando Bogie era reprendido por insultar a un superior llevando un uniforme del ejército de los Estados Unidos, él se disculpó al coronel y le dijo que no había querido insultar al uniforme, sino al coronel.

El viaje continuó hasta Nápoles, Italia, en donde Bogie dio una gran fiesta para un grupo de soldados, aunque todo degeneró en una gran pelea. Un general se quejó del ruido, y Bogie gritó que se fuera a la mierda. Poco después fue expulsado de Italia.

Ese mismo año murió la madre de Bogart, víctima de un cáncer, cuando tenía setenta y cinco años.

Nuevas películas

En el estudio, Bogart estaba todavía atrapado en su molde de gángster, interpretando papeles que normalmente rechazaban Cagney o Robinson. Bogart frecuentemente pedía a la Warner mejores papeles, pero desde que él se negó a tomarse unas vacaciones, sus nuevas películas eran aún peores, incluida "Rayas Invisibles" de Lloyd Bacon. En ese año de 1940 solamente consiguió un buen trabajo en “La pasión ciega” de Raoul Walsh, junto a George Raft, aunque en su momento fue un rotundo fracaso económico. Irónicamente, sería Raoul Walsh quien inconscientemente le daría su primer ascenso al estrellato al año siguiente. Walsh le propuso el papel de Roy Earle, un ex-jugador tramposo que trata de efectuar su último trabajo antes de retirarse, en el filme “El último refugio”. Aunque el papel estaba pensado inicialmente para Paul Muni, la Warner se lo entregó a Bogart pensando que era el actor adecuado. Gracias al inteligente Guion de John Huston, la dirección dinámica de Walsh, y las actuaciones de Bogart con la actriz Ida Lupino, “El último refugio” fue un completo éxito.

Su primer gran éxito

Y fue precisamente John Huston quien propuso a Bogart para una película aun mayor, y sin duda la mejor versión de "El Halcón Maltés”, que también suponía el debut como director de Huston. Cuando Sam Spade, el detective cínico encarnado por Bogart, salió a las pantallas, habían conseguido crear la primera gran película de cine negro de la historia, un personaje que otros actores, como Alan Ladd y George Raft intentaron copiar sin éxito en los años cuarenta. También era la primera vez que Bogart hacía un papel menos duro y más romántico. Mientras los hombres apreciaban su conducta del tipo duro, por primera vez las mujeres empezaron a vislumbrar la sexualidad en el cine. Después de “El Halcón Maltés”, Bogart se estableció firmemente con Bette Davis, James Cagney, Edward G. Robinson y Errol Flynn, en el escalón superior en las películas de acción de la Warner.

Bogart, Astor, Greenstreet y Huston trabajaron juntos de nuevo al año siguiente en “Across the Pacific” (1942), una aventura en tiempos de guerra que el New York Times mencionó como “una película encantadora que proporciona miedo”. Ese mismo año realizó con Huston otra película titulada “Como ella sola”, aunque solamente tenía una pequeña intervención como artista invitado.

Hay quien afirma que en realidad Huston no quería perder el contacto con Bogard, especialmente porque tenían un gran interés en compartir sus borracheras juntos. La bebida y Bogart constituían una pareja inseparable. Parece ser que comenzó a beber con sus amigos en Greenwich, un pueblo de Nueva York y continuó haciéndolo cuando llegó a Broadway en el Square Times. Cuando se convirtió en un actor famoso bebía en el Club 21 en Manhattan, y continuó bebiendo con su amigo Romanoff en su casa. Por supuesto, beber mucho no era una actividad tan incorrecta como lo es hoy y se consideraba muy varonil y divertido emborracharse.

Bogie no estaba en contra de quienes bebían alcohol. Decía que si una persona regresa a su casa sobrio tiene todo el derecho a beber. “Los cretinos son cretinos aunque no beban”.

La obra maestra

La próxima película de Bogart, también en 1942, podría haber empezado como simplemente otra epopeya en tiempos de guerra, pero se convertiría finalmente en el filme más importante de su carrera y por la que todos los públicos le identificarían. Bogart y “Casablanca” son dos nombres que han permanecido indelebles a través de los años, lo mismo que la melodía “El tiempo pasará”.

Basada en una obra titulada “Todos vamos al Rick”, "Casablanca" ha ganado legítimamente a lo largo de los años una sólida reputación como la más grande historia de amor puesta en una película. La historia de Rick Blaine, el dueño de la sala de fiestas en Casablanca que se balancea entre el amor y el honor, cuando su amor anterior Ilsa Lund (Ingrid Bergman) se presenta en Casablanca con su marido, es fácilmente asumible por el espectador. Víctor Laszlo, un luchador de la resistencia que huye de los Nazis, es el obstáculo y el motivo de sus dudas.

Las escenas más memorables del filme incluyen el dolor de Bogart cuando oye a Sam interpretar “As Time Goes For”; a Bogart y Bergman que mantienen una despedida llorosa en el aeropuerto; Bogart y Claude Rains que manifiestan el comienzo de una gran amistad; y otras escenas innumerables que se han convertido en objeto de culto para los aficionados de todas las épocas.

La película también sirvió para intentar promocionar a otros actores importantes, como Rains, Conrad Veidt, Sydney Greenstreet, Peter Lorre, y Dooley Wilson. También afianzó el prestigio de su director Michael Curtiz y la capacidad como escritores de Philip y Julius J. Epstein y Howard Koch. Bogart, en su primer papel romántico, fue honrado con su primera nominación al Premio de la Academia (inexplicablemente perdido a favor de Paul Lukas por su trabajo en “The Clock in the Rhine”). El hecho que "Casablanca" fuera escogida como la mejor película de 1943, ha provocado consecuentemente la lista de las diez películas más grandes de la historia del cine, especialmente notable cuando uno considera que la lista estaba ya casi completa en esos años.

Cuando realizaba la película “Acción en el Atlántico Norte” en 1943, con Raymond Massey como compañero, había una escena en donde él y Massey eran propuestos para introducirse sin ser vistos en un petrolero que estaba en medio de una gran balsa de aceite hirviendo en pleno océano. Por supuesto, la escena estaría realizada por un doble.

“Mi doble es mejor que el tuyo”, dijo Bogie a Massey.

“Con semejante infierno, mi doble es dos veces más valiente que el tuyo”, alegó Massey.

“Pero yo soy mejor actor que tú y te lo voy a demostrar”.

Bogart saltó al agua hirviente, le siguió Massey, y finalmente terminaron los dos chamuscados, lo que provocó las iras del director de la Warner, preocupado porque su estrella más costosa se lesionase e impidiese el rodaje.

El hecho de ser un actor famoso le hacía ganar muchas críticas por meterse en política. En 1944, cuando él habló sobre Roosevelt en un discurso para la radio, recibió sacas enteras de cartas manifestándole el odio que le tenían por ello, especialmente por el hecho de que los actores no deberían tener opinión política, y si la tuvieran, se la deberían guardar.
Por supuesto no quiso responderles por correo y concedió algunas entrevistas en la prensa, una de ellas titulada: “Yo coloqué mi cuello fuera”, que se publicó en el Washington Post, propiedad de un amigo suyo.

Bogie tenía poca paciencia con esa idea de que los actores debían guardar en secreto sus opiniones políticas, simplemente porque su popularidad podría derivar los votos en uno u otro sentido.

“Yo detesto la política y a los políticos, pero yo amo a mi país. ¿Por qué debe perder un hombre la libertad para expresarse simplemente porque él es un actor?. Nadie ha sugerido nunca que una estrella del béisbol o un escritor deban evitar cualquier discusión pública sobre temas políticos. Odio a quienes piensan así, porque considero que yo sé tanto de política como la mayoría de los ciudadanos y quiero manifestar mi opinión”.

Bogard & Bacall

Durante el rodaje de "Casablanca," su esposa Mayo estaba siempre presente (aunque nadie le daba nunca la bienvenida), incluso en el mismo lugar del rodaje. Ella estaba sumamente celosa de Bergman y creía que en las escenas de amor entre ambos Bogart ponía demasiada pasión. Supuestamente, en una ocasión en la cual Bogart fue felicitado por una secuencia con Ingrid, no permitieron a Mayo que la viera.

Mientras de las preocupaciones de Mayo sobre Bergman estaban ciertamente injustificadas, pero ella tenía mucha razón en estar preocupada cuando Bogart fue asignado para interpretar “Tener y no Tener” (1944). Su co-estrella en esta adaptación libre de la novela de Ernest Hemingway era una modelo de tan sólo 20 años llamada Lauren Bacall, quien acababa de firmar un contrato para la Warner Bros. Cuando Bogart se encontró con Bacall la primera vez, para realizar una prueba, el director comentó: “Bien, se divierten mucho juntos”. Cuando ellos terminaban de filmar una secuencia, tenían mucho tiempo para estar juntos, lejos de la cámara y de Mayo. Una vez que el público vio la escena clásica en "Tener y no Tener", cuando Bacall le enseña a Bogart a silbar, todos supimos que él había encontrado su amor. Se divirtieron mucho durante el rodaje, el romance llegó pronto, y los dos estaban hablando de matrimonio en pocos días. Desgraciadamente, Mayo todavía estaba interesada en mantener la unión con su marido, pero incluso ella sabía que era un intento desesperado. Se divorciaron el 10 de mayo de 1945. 11 días después Bogart y Bacall se casaron.

Problemas

Los directivos de la Sociedad de Nueva York de Restaurantes publicaron una nota diciendo que tanto Bogart como Errol Flynn serían considerados como maleantes si volvían a acudir a sus locales buscando pelea o emborrachándose. Alegaron que no perdonan el mal comportamiento de las estrellas de cine populares, porque esa era una ciudad limpia. No darían ningún trago más a ninguna persona, actor o millonario, que les creara problemas.

Afortunadamente en esa fecha Bogart se casaba con Bacall y las juergas nocturnas se acabaron.

Aunque Bogart no solía decir palabrotas cuando había mujeres delante y nunca contó historias de sexo en su presencia, tampoco las trató de manera diferente a los varones. La amiga de Bacall, Carolyn Morris, recuerda el primer encuentro que tuvo con Bogie, en un hotel de Beverly Hills. Era la época en la cual se veía ya en secreto con Bacall, pues aunque ya estaba separado de Mayo Methot no estaban divorciados. Bacall le había pedido a Carolyn que fuera con ella para disimular y cuando se encontraron con Bogart estaba ya borracho, quien a modo de saludo dijo que no quería ver a nadie, salvo a su madre.

Carolyn dijo que ella se marchaba ya que necesitaba hacer una llamada a su marido que vivía en Florida. Bogie se enfadó y le preguntó que si había venido solamente para hacer gratis una llamada telefónica. Ante el estupor de ella continuó diciendo que la próxima vez pondría un letrero en el teléfono que dijese: “Teléfono público para amigas de Betty”. Una vez finalizada la llamada, Carolyn le extendió un cheque por cinco dólares y él lo rompió.

En enero de 1946, la noche antes de su cuarenta y siete cumpleaños, su mujer le dio una fiesta de aniversario. Ella reunió aproximadamente veinte amigos, y les pidió que estuvieran de pie en un cuarto cercano al salón, en la entrada de su casa en Hollywood. Cuando Bogart llegó, su mujer le dio la bebida habitual, pero le dijo que no se pusiera demasiado cómodo.

“Hay algo malo en ese cuarto, le dijo, ¿puedes mirar qué es?.”

Cuando entró para inspeccionar el cuarto, allí estaban todos sus amigos, Robert Benchley y Raymond Massey entre ellos, absurdamente apiñados juntos. “ ¡Sorpresa!, gritaron,¡Feliz Cumpleaños!”.

La fiesta siguió, y Bogart, que nunca había tenido una fiesta sorpresa en su vida, estaba profundamente emocionado, más aun de lo que Bacall esperaba.

“Yo creo que él se sorprendió mucho, contaba después Lauren, no sólo por la fiesta, sino por el hecho de que todas esas personas hubieran acudido para festejar con él su cumpleaños. Creo que nunca sabía lo que la gente le quería”.

El triunfo en el amor y el cine

Bogart estaba recién casado cuando la Warner Bros le ofreció un nuevo contrato que le garantizaba un sueldo anual de 1 millón de dólares durante los próximos 15 años, un acuerdo inaudito en ese momento. Ciertamente, la buena aceptación de "Tener y no Tener" y su nuevo matrimonio con Bacall, eran los principales motivos. El estudio no gastó mucho tiempo en unirles en tres películas: “El Sueño Eterno” (1946), “La Senda Tenebrosa” (1947) y “Cayo Largo” (1948).

Pero aunque las tres fueron buenas películas, ninguna tenía la misma chispa que la primera película, aunque “El Sueño Eterno” fue igualmente muy popular. Intercaladas entre ellas Bogard hizo otras películas de cine negro tituladas “Callejón sin salida” (1947) con Lizabeth Scott, para la Columbia, y “Las Dos Señoras Carrolls” (1947), como un actor que se mueve a la sombra de Bárbara Stanwyck.

Antes de “Cayo Largo”, Bogart había vuelto a trabajar con su director favorito John Huston en otro hito de su carrera, “El Tesoro de Sierra Madre”, en donde tuvo la oportunidad de aportar un personaje sumamente sólido. Contando las aventuras de unos buscadores de oro muy poco organizados, el director Huston logró que su padre, el actor Walter Huston, consiguiera un Oscar al mejor Actor Secundario. Respecto a Bogart, también aportó una buena interpretación, aunque ambas cosas no fueron suficientes para que la película triunfase en taquilla. Aunque la crítica la acogió con entusiasmo, el público no encontró suficientes alicientes para ir a verla.

Los comunistas

Bogart y Bacall también se asociaron con John Huston, junto con varios otros actores, en un vuelo a Washington D.C., para protestar contra los métodos del Comité de Actividades Antiamericanas, quienes estaban investigando la influencia de los comunistas en Hollywood. Bogart apoyó también otras varias causas políticas Democráticas, e incluso hizo campaña para Adlai Stevenson durante su intento para alcanzar la presidencia en 1952.

En octubre de 1947, cuando el loco del senador Joe McCarthy estaba dedicado a la caza de brujas, una publicidad de un diputado hambriento de popularidad llamado J. Parnell Thomas, exigió al Comité de Actividades Antiamericanas (HCUA), que tomara medidas urgentes en la industria del cine, ya que allí se encontraban docenas de comunistas ocultos. Thomas, con la ayuda de algunos hombres de Richard Nixon, llegó a Hollywood para entrevistarse con personajes del cine, preguntándoles dónde estaban los comunistas. Pronto se elaboró una lista de diecinueve personas, entre escritores, directores y productores, a los que se acusó de ser comunistas. De esos diecinueve, once tuvieron que testificar ante el Congreso. Uno de los once, Bertolt Brecht tuvo que marcharse a su casa de Alemania para no acabar en la cárcel. El resto fue conocido como “Los diez hostiles”, aunque también se denigró la imagen de muchas otras personas del cine.

John Huston consiguió reunir a un grupo de personas del cine y formaron el Comité para la Primera Enmienda. Su propósito no fue nunca defender a “Los diez hostiles”, sino luchar contra lo que él consideraba un ataque a la Constitución.

Huston, de hecho, estaba convencido que esas personas eran comunistas, pero no estaban tratando de convencer a nadie sobre las virtudes de Stalin o el Archipiélago Gulag. Para demostrarlo, Huston fue a unas reuniones comunistas y encontró a gente sumamente infantil. Las consideraba un grupo de buenas personas, inocentes, quienes simplemente creían que con el comunismo podrían mejorar a la sociedad. Para apoyar sus planteamientos, consiguió reunir a varias estrellas de cine, además de contar con un avión particular que puso a su disposición el millonario Howard Hughes. Entre los actores estaban: Danny Kaye, Sterling Hayden, Richard Conte, Gene Kelly, Ira Gershwin y el matrimonio Bogart.

Cuando llegó momento de declarar, las estrellas de cine estaban en favor del apoyo moral. Los diez se negaron a responder a las preguntas, apoyándose en el derecho a la Primera Enmienda (no declarar contra sí mismo), aunque hicieron sus propias declaraciones. Querían que la Corte Suprema decidiera si ese Comité tenía o no derecho para exigirles su afiliación política. El fiscal les envió a la cárcel por desprecio al Congreso.

Los hasta entonces prudentes actores se enfurecieron y un redactor escribió que seguramente John Huston también era comunista.

Pero Bogart rectificó cuando se enteró que, efectivamente, algunos de los acusados eran comunistas. Consideró que le habían engañado y se sintió utilizado por ellos. “Yo no soy comunista, dijo, yo detesto al comunismo como cualquier otro ciudadano decente. No quiero ser identificado nunca como miembro del Partido Comunista. He ido a Washington porque pensé que estaba privándose a unos americanos de sus derechos constitucionales. Yo veo ahora que mi viaje fue un error y que me dejé aconsejar mal, movido por mi ímpetu, pero en ese momento me parecía que era lo que mejor debía hacer.

Yo estoy tan en favor del comunismo como J. Edgar Hoover. Desprecio el comunismo y creo en nuestra marca americana de democracia. Mis amigos del cine que fueron conmigo a Washington lo hicieron para luchar contra la censura que existe en otros países. Los diez hombres citados no representan a la industria del cine de Estados Unidos.

Políticamente Bogart se definía como un Demócrata liberal y era un partidario ardiente de Franklin Roosevelt. No era tan políticamente activo como Jane Fonda, o Lauren Bacall, pero solía hablar públicamente sobre los candidatos Demócratas, como Harry Truman, y donó dinero para sus campañas.

Durante la guerra mundial, sin embargo, Eisenhower se hizo muy popular y ambos esposos se volvieron partidarios de Ike, antes incluso que fuera presidente. Creían que iba a ser candidato por el Partido Demócrata pero cuando no fue así Bogie y Bacall empezaron a apoyar a Adlai Stevenson.

La más activa fue Bacall, que mostró un gran interés en conocer todo sobre Stevenson. Leyó su libro y se presentó a una fiesta de Hollywood en su honor. Allí un productor de cine le advirtió que si era inteligente debería mantener la boca cerrada y no tomar partido por nadie en concreto.

Pero ella había tomado ya su decisión y ahora le tocaba convencer a su marido, todavía entusiasmado por Eisenhower. Parece ser que un día ambos tenían destinos políticos distintos, pero unas caricias adecuadas de Bacall hicieron cambiar de opinión a Bogart que se encontró súbitamente en un mitin de Stevenson.

Su carácter

La personalidad de Bogie se reflejaba perfectamente en sus películas: el hombre que no quiere involucrarse, quiere estar solo, pero es finalmente arrastrado a tomar parte en alguna causa justa. “Casablanca” es, por supuesto, el ejemplo clásico. Rick Blaine era ese americano pendenciero que regentaba un café en Marruecos. Aunque él trataba de estar al lado de alguna opción política, no quería involucrarse demasiado. Era muy cínico para la política y quería ser excluido de cualquier militancia

Tampoco era un hombre religioso, pero creía en Dios, en los Diez Mandamientos y la Historia sagrada.

Su código moral era estricto, y estaba basado en los Diez Mandamientos. Aunque no los obedecía con frecuencia, creía en ellos.

“Es de tontos pensar que el cine puede inducir al crimen. Cuando yo era joven nosotros estábamos leyendo sobre Billy el Niño, pero eso no aumentó el número de delincuentes entre nosotros. Si alguien quiere averiguar lo que convierte a los niños en delincuentes mire en su ambiente y particularmente su vida familiar. Los padres que permiten que sus hijos pequeños se queden en la calle hasta la noche son los únicos responsables de que se hagan después delincuentes”.

“Como persona que está a punto de convertirse en padre estoy muy interesado por la violencia juvenil. El público está fascinado por los gángsters y la razón es su gran popularidad. La policía trata de detenerlos en masa, con muchos coches, la Guardia Nacional y el FBI al completo, para cazarlos como conejos y dispararles tanto que ni su madre les reconocería. Pero luego la policía no es apreciada porque se la asocia con un ejército que solamente sabe disparar, en lugar de detener a los cabecillas. Cuando un jefe de la mafia se escapa se convierte en un ídolo, una persona que ha logrado burlar el cerco policial. Pasa a ser un asesino simpático”.

Su esposa

Lauren Bacall era una joven que estaba acostumbrada a conseguir lo que quería y uno de sus propósitos era que Humphrey Bogart, fuera padre. Por eso ella insistió en acudir a un doctor que les asegurase que todo en ellos estaba correcto. En principio lo era, aunque Bogart tenía un recuento de esperma algo pequeño, por lo que el médico le recetó vitaminas, algo de ejercicio y que suspendiera el alcohol y el tabaco, al menos por un tiempo. Con sus cincuenta años no era precisamente un atleta, pero el médico les aseguró que si se relajaban y cuidaban todo iría bien.

Aunque Bogart nunca manifestó ser una persona apasionada por el sexo, todo indica que en verdad disfrutó como cualquier otro hombre. En una ocasión dijo que el sexo era lo más divertido que usted podría hacer sin reírse.

Tampoco manifestó nunca mucho interés en aprender la fisiología del aparato genital femenino, ni mucho menos dijo que quería ser padre. Después de tres matrimonios fracasados (su anterior mujer le clavó un cuchillo en los hombros), estaba convencido de que tener hijos era una temeridad. Por eso, cuando Lauren le dijo que estaba embarazada, en el verano de 1948, no empleó precisamente champán para festejarlo. En su hogar, Bogart dio la bienvenida a un nuevo miembro de su familia en 1949 cuando su hijo, Stephen Humphrey, nació. Más tarde en 1952, nació su hija Leslie Howard.

Unos meses antes, había comenzado un nuevo tipo de producción cuando consiguió materializar un proyecto que inició en 1947. Bogart realizó películas para Santana S.A., nombre que pertenecía al que él consideraba su otro amor, después de Bacall, su barco Santana. En ese momento, Bogart era el primer actor en formar su propia compañía de producción.

Entre 1949 y 1951, Bogart consiguió algunos éxitos con cuatro producciones de Santana para Columbia: el drama urbano “Llamar a cualquier puerta”, la historia de aventuras "Secuestro" y "Siroco", así como el clásico "En un lugar solitario". Jack Warner estaba furioso cuando Bogart formó su unidad de producción y temía que eso provocara una tendencia similar en los actores, quienes alcanzarían así un gran poder.
Indiferente, Bogart todavía trabajó para la Warner en dos películas menores durante los primeros años 50, terminando su trabajo para la Warner Bros con “Una llama en el espacio” y “Sin conciencia”.

Existe una anécdota que Bogie solía repetir para justificarse sobre su comportamiento con los estudios y que era más o menos así:“Un día había entrado en la oficina de un productor mientras que este estaba hablando con un guionista sobre su manuscrito. El productor le dijo al escritor que su Guion tenía poco mérito, aunque había muchas cosas buenas en él. Después que el escritor salió, el productor me comentó que el Guion era horrible y yo le pregunte por qué no se lo había dicho así. El productor me respondió: “Cuando usted ve que una persona ha hecho su mejor obra y no es buena, usted no puede ser cruel con ella. Si usted sabe que él la puede mejorar, entonces le puede herir y exigirle que lo arregle. Pero cuando usted sabe que esto que le ofrecen es muy bueno, entonces hay que ser pacífico”.

A principios de los años 50 el matrimonio Bogart vivía en el piso catorce del 232 Mapleton Drivc Sur en Hills Holmby, que es una manzana pequeña dentro de una rica urbanización entre Bel Air y Beverly Hills. Era una gran casa de dos pisos de ladrillo blanco, escondida de la calle por setos altos y árboles. A la entrada del garaje había una pared de ladrillo en donde habían colgado la señal: “Peligro, niños en casa”. Cuando nació su hija Leslie, las habilidades de Bogart como padre no habían mejorado mucho y en ciertos aspectos estaban aún peor. Había aprendido a manejar superficialmente a un varón, pero una niña le desconcertaba. Aunque era cariñoso con ella, apenas acertaba a jugar y se limitaba a mecerla en sus rodillas y ponerla en el columpio.

Amistades

El Paseo Mapteton era una calle extraordinaria. Era un lugar donde se reunían las celebridades, las personas bien vestidas y adineradas. Todos hacían alarde de llevar sus uñas bien recortadas, algo que Bogart odiaba, pero era consciente de que ese ambiente era adecuado para sus hijos. En Mapleton, sus dos hijos jugaban con los niños de otras personalidades, como Tina Sinatra, hija de Frank Sinatra, o Liza, la hija de Judy Garland.

De esos juegos nació una buena amistad entre Lauren Bacall y Judy Garland, justo en el momento en que Judy estaba sumida en una de sus depresiones. Cuando Garland se separó de su marido Vincente Minnelli, acudía frecuentemente a casa de Bogie para que la consolasen.

También fueron amigos de Bing Crosby, quien vivía calle abajo con sus cuatro hijos que cruzaban Mapleton de arriba abajo en sus relucientes coches. Gloria Grahame también vivía allí, lo mismo que Lana Turner y su hija Cheryl Crane quien fue objeto de un escándalo cuando apuñaló al novio de su madre en 1950, un gángster llamado Johnny Stompanato.

Otro amigo de Bogie, George Axelrod, decía que Bogart tenían un gran sentido del humor, aunque nunca se reía de sus propios chistes. “Solía murmurar con un cigarrillo colgando en sus labios y una copa en la mano. Creo que nació con una botella de whisky escocés debajo del brazo”.

“Algunas personas piensan que la única cosa que yo he hecho ha sido verme involucrado en altercados en los bares, pero también he realizado cuarenta películas, algunas de ellas muy buenas. Las personas que viven en casas de cristal necesitan tener las orejas tapadas y un gran sentido del humor. Si ellos oyen todo lo que dicen sobre su vida terminarán con hipertensión. Por la naturaleza de mi profesión yo vivo en una casa de cristal, pero cuando escogí ser actor ya sabía el mundo en el cual me iba a mover. Cuanto más alto trepa un mono, mejor podemos ver su cola. Trato de disfrutar de la vida y utilizo mi sentido del humor para lograrlo”.

Un amigo suyo, Nathaniel Benchley, dijo que cuando Bogie volvió a casarse y decidió tener familia tuvo un cambio drástico en su carácter. Se volvió amable y sentimental, se consagró a su esposa y niños, y era la antítesis de todo lo que había sido antes. Incluso hay quien afirma que lloró el primer día que su hijo se marchó a la escuela.

Durante años, esa casa estuvo amueblada parcialmente. Sobre todo, el salón estaba siempre incompleto, como si la familia simplemente se hubiera instalado provisionalmente. Lauren había prometido a su marido que cuando tuvieran el suficiente dinero la amueblarían correctamente. Bogart en realidad nunca estuvo interesado en tener una casa grande. Era el tipo de persona que podría estar contento con dos cuartos, siempre y cuando en uno de ellos hubiera una barra de bar.

La casa disponía de una cancha de tenis, un garaje para cuatro automóviles, una terraza con sillas metálicas, y un gran césped donde jugaban los pequeños. Los niños disponían de un gimnasio y de un rincón para juegos que simulaba una pequeña selva, además de una piscina.

Obviamente tenían sirvienta, mayordomo, jardinero, y un cocinero, además de tres perros (llamados Harvey, Mime, y George) que hacían las veces de guardianes. Tenían amistad con el matrimonio Burton, especialmente con su mujer Sybil Christopher, quien solía llevar a los niños a ver obras de teatro de Hans Christian Andersen en Broadway.

Cuando se encontró por primera vez con el tercer marido de Judy Garnald, Sid Luft, en una fiesta ni siquiera se saludaron. Luft era un piloto de guerra muy fuerte y pronto discutieron, llegando a engancharse. Bogie le llamó hijo de perra y le dijo que le soltase, a lo que Luft respondió dándole un beso en la mejilla y diciéndole que iban a ser grandes amigos porque eran diferentes a los demás.

“Sé que yo no gusto a todos, pero a mí tampoco me gustan todos”.

“Yo no soy socialmente aceptado - dijo - Las personas tienen miedo de invitarme a sus casas. Ellos tienen miedo que yo pueda decir tonterías a personas como Darryl Zanuck o Louis B. Mayer, a quien, por cierto, aprecio mucho. Realmente no encajo en las costumbres de la gente de Hollywood. ¿Por qué no puede ser que yo haga mi trabajo, esté correcto en mi papel y luego me vaya a mi casa, sin tener que pertenecer al grupo de las estrellas?. No entiendo que para ser actor haya que ser también amable”.

Una de las razones por la cual no gustaba a todo el mundo era porque le gustaban los enfrentamientos.

Eran como un juego para él. Le gustaba probar a las personas en cuanto se las encontraba por primera vez, quizá para saber si eran dignos contrincantes suyos. Cuando se encontró con Frank Sinatra, por ejemplo, lo primero que le dijo fue: “Ellos dicen que usted tiene una voz que hace desmayar a las muchachas. Haga que me desmaye”.

Sobre Rock Hudson dijo en una ocasión:“¿Qué tipo de nombre es eso de Rock Hudson?. Es algo presuntuoso que una persona que se llama verdaderamente Roy se cambie el nombre por el de Rock. Yo nací como Humphrey y así me llamo”.

Ese estilo de poner a prueba a las personas también lo utilizaba con su familia y cuando su hija Leslie le dijo que quería marcharse de casa la dijo: “Si tú no vas a ser otra Sarah Bernhardt, mejor que te quedes en casa”. O cuando un día encontró un agujero en un calcetín: “Tú tienes mucho tiempo para ser actriz pero poco para zurcirme los calcetines”.

Independiente y premiado

Liberado de los grilletes de la Warner, Bogart estaba claramente listo para potenciar sus habilidades aún escondidas. La muestra perfecta vino de nuevo con Huston y "La Reina de Africa". El personaje que interpreta Bogart como un marino ebrio y una Katharine Hepburn como misionera, demostró que aún tenía mucho que ofrecer al público. Pero en esta ocasión el rodaje estuvo plagado de problemas y hubo un serio enfrentamiento entre John Huston y Bogart. Kate Hepburn afirmó que les había visto discutir airadamente durante el rodaje de “La reina de Africa”. El problema estaba en que Bogie estaba impaciente por terminar el rodaje y marcharse de allí. Quería coger su todo-terreno e irse a Honolulu, pero el rodaje se estaba retrasando más de lo habitual. En una ocasión, durante el rodaje de una escena entre Bogie y Tim Holt, Huston insistió en que se debería repetir la toma. Bogart preguntó la razón, puesto que había salido bien la anterior y el director le dijo que sencillamente necesitaba otra más. Bogart sabía que todo había ido bien y solamente se trataba de una cuestión de prudencia, de asegurarse que dispondría de material sobrante.

A pesar de sus protestas la toma se realizó de nuevo y la discusión continuó durante la cena. Se acusaron de imponer su voluntad hasta que llegaron a las manos. La mediación de Lauren Bacall impidió que las cosas fueran más lejos y todo terminó con una contusión en la nariz de Bogart, y un brindis con whisky en recuerdo de una vieja amistad.

“Yo no presumo de honrado, pero mis vicios son modestos y nada espectaculares. Mi vida nunca ha sido escandalosa, nunca he acudido a los prostíbulos, ni he perseguido a jovencitas vírgenes. Tampoco he fumado drogas ni he buscado aparecer en la prensa. Por supuesto, yo expreso mi opinión de vez en cuando, pero es simplemente para divertirme. Si las personas quieren crear una leyenda de infierno sobre mi vida, siguiendo algunos de mis papeles en el cine, hay que saber que se están inventando una nueva historia, pero que es totalmente falsa”.

Bogart estaba contento de cambiar su imagen por la de un pendenciero, antes que un romántico, aportando personajes desaliñados, vulnerables y con historias que incluían boxear con Hepburn. La película “La reina de Africa” demostró ser un éxito enorme y la actuación de Bogart fue aplaudida universalmente.

A la ceremonia de Premios de la Academia, en la primavera de 1952, Bogart consiguió su primer y único Oscar al Mejor Actor, en fuerte competencia con Marlon Brando en "Un Tranvía llamado Deseo" y con Fredric March en "Muerte de un viajante". La película también consiguió proporcionar a Bogard nuevos éxitos y reconocimientos mundiales, en una etapa en la cual había quien afirmaba que estaba ya su declive. Pero Bogart era un actor fidedigno, un valor seguro en taquilla. Sus películas posteriores incluyeron caracterizaciones diversas como el desequilibrado Capitán Queeg en “El motín del Caine” (nominado al Oscar como Mejor Actor), un aventurero desacreditado en la obra satírica de Huston “La burla del diablo”, y como un director de cine en “La Condesa Descalza”. Otros éxitos igualmente importantes incluyen su papel como un hombre de negocios que corteja a Audrey Hepburn, la hija de su chófer, en "Sabrina", y como un matón que retiene a un rehén familiar en “Horas Desesperadas”.

“Bogart, dijo de él un amigo, era un hombre susceptible que encontró el mundo mucho más corrupto de lo que había esperado; un hombre con una cáscara dura que esconde un corazón sensible. Él inventó el personaje de Bogart y lo impuso en un mundo impaciente de hombres buenos. Tenía un secreto que no quería divulgar: en el mundo realista que nosotros habitamos, es difícil ser un hombre galante y un idealista”.

El principio de la leyenda

Bogart hizo su último filme en 1956, un drama sobre el mundo del boxeo titulado “Más dura será la caída”.

Después de una breve temporada de descanso, en febrero de 1956 Bogart sufría una operación quirúrgica para extirparle un cáncer maligno de esófago. Aparentemente se recuperó y ganó algo de peso. Desgraciadamente, a los pocos meses, en noviembre del mismo año, tuvo que ingresar en el Hospital Samaritan Good para el tratamiento de un nuevo crecimiento del tumor canceroso, que le estaba provocando una presión sobre un nervio sumamente dolorosa. Una vez operado, fue enviado a su casa, pero nunca se recuperó.

Bogart murió a las dos y diez del 14 de enero de 1957, en el dormitorio de su casa en Beverly Hills en Hollywood. En su entierro, su antiguo amigo John Huston dijo sobre Bogart: “Él es realmente irremplazable. Nunca habrá alguien como él”.

El entierro de Humphrey Bogard fue lógicamente emotivo y bien organizado. El primer automóvil era una limosina en la cual viajaban Lauren Bacall y a cada lado uno de sus hijos. También estaba allí John Huston.

En todo el recorrido hasta la iglesia la muchedumbre llenaba las calles y seguían con la mirada el féretro. Había ya cientos de coches aparcados alrededor de la iglesia y aunque no había nadie llorando, todo el mundo tenía un pañuelo en la mano, conscientes de que las lágrimas llegarían pronto. Todos estaban en ese momento callados, respetuosos, y algunos tenían flores.

Los funerales se celebraron a puerta cerrada, aunque se pusieron altavoces en el exterior para que la gente pudiera seguir los rezos.

Lauren cogió a sus hijos de la mano, les sacó de la limosina y entró en la iglesia. Huston se quedó fuera, junto con otros ochocientos amigos que habían venido a decirle adiós. Allí estaban Gary Cooper, Charles Boyer, Tony Martin, Gregory Peck, Marlene Dietrich, Ida Lupino, Howard Duff, Danny Kaye, y por supuesto Kate Hepburn y Spencer Tracy. Sinatra también había querido asistir al entierro, pero tenía un contrato muy severo con su club nocturno que le impedía ausentarse.

Un sacerdote llamado Kermit Castellanos dijo unas emotivas palabras sobre Humphrey. Posteriormente llegó John Huston y añadió un corto discurso. También estaba previsto que hablara Spencer Tracy, pero desistió a última hora porque no estaba seguro que podría hablar sin ponerse a llorar.

Pero allí no estaba el cuerpo de Bogart, puesto que había sido incinerado. Hace años había manifestado su voluntad con el siguiente razonamiento durante el entierro de su amigo Mark Hellinger:

“Una vez que uno se ha ido, se ha ido definitivamente. Odio los entierros. No se hacen para el que está muerto, sino para los que se quedan y aún pueden disfrutar de vivir. Cuando yo me muera no quiero ningún entierro. La cremación que es muy limpia y al final deseo que mis cenizas se esparzan por el Pacífico. Mis amigos pueden levantar un monumento o contar historias si ese es su deseo, pero no quiero ningún luto por mí. Cuando me muera seré solamente una estela”.

Desgraciadamente, cuando todo estaba a punto para la cremación le dijeron que era ilegal lo de esparcir las cenizas por el mar, lo que ocasionó un serio disgusto a Lauren Bacall que deseaba que Bogie volviera al mar que tanto amaba. Finalmente fue incinerado y sus cenizas se pusieron en una urna en los Jardines de la Memoria en el Cementerio del Bosque. Junto con las cenizas estaba el silbato de oro que los dos esposos habían utilizado en su primera película juntos. En el silbato se inscribieron las iniciales “B & B”. A las doce treinta de ese día, en los estudios de la Warner Bros. se guardó un minuto de silencio por Humphrey Bogart.

FILMOGRAFIA

EL CONQUISTADOR A Devil With women (1930)

Fox Film Corporation 64 minutos

Director: Irving Cummings
Guion: Henry Johnson, Dudley Nichols Basada en la novela de: Clements Ripley Fotografía: Al Brick
Música: Peter Brunelli
Vestuario: Sophie Wachner
Productor: George Middleton

Intérpretes:
VICTOR McLAGLEN: Jerry Maxton MONA MARIS: Rosita Fernández HUMPHREY BOGART: Tom Standish LUNA ALCAÑIZ: Dolores

UP THE RIVER (1930)

92 minutos

Blanco y Negro

Productor: William Fox
Director: John Ford
Guion: Maurine Watkins, John Ford y William Collier Sr. Fotografía: Joseph August

Intérpretes:
SPENCER TRACY: St. Louis
WARREN HYMER: Dannemora Dan
HUMPHREY BOGART: Steve
CLAIRE LUCE: Judy
JOAN LAWES: Jean
SHARON LYNNE: Edith La Verne
ROBERT EMMETT O´CONNOR: Prisión Warden

La escena nos lleva a Sing Sing, un detestable (lógico) lugar donde los presos deben guardar silencio por las noches en sus celdas y dedicarse a dormir, nunca a tratar de escaparse. En esta prisión, que pretende reinsertar a los presos, las mujeres de los presos que tengan buen comportamiento pueden confraternizar con sus maridos, o sea, hacer el amor.

La película comenzó siendo algo diferente para aquellos años. Una nueva orden sobre el trato a los presos, inicialmente ejercida en la Prisión Auburn en Nueva York, produjo una gran cantidad de temas periodísticos y películas. En Broadway, Spencer Tracy tenía un gran éxito con “The Last Mile”; y la MGM se apresuró a preparar “The Big House”, un melodrama, mientras que la Fox pidió a Maurine Watkins que escribiera “Up The River”, que también era un melodrama. Pero “The Big House” salió primero y la Fox iba acancelar “Up the River”, cuando John Ford fue contratado para dirigirla. Cuando también contaron con Tracy, este propuso la idea de convertirlo en una comedia que hablase de unos presos que prefieren jugar al béisbol en la prisión, en lugar de alborotar. Al final, Tracy y Warren Hymer que han salido para ayudar a su compañero Humphrey Bogart, consiguen que el partido sea todo un éxito.

Bogart no es aquí mucho más que un brillante jugador y un mascador de chicle, además de un galán sonriente con una mandíbula larga y delgada. Tracy hace su presentación en la pantalla y está seguro y vivo como un preso arrogante, duro, consiguiendo dar categoría al resto de los actores que están a su lado.

El otro actor es Warren Hymer, un galán que hace de chico inocente y dichoso, con lo cual nos provoca alguna sonrisa. Pero la película es lenta y raramente profundiza en la vida en prisión.

Hubo una revisión en 1938 con Preston Foster.

BAD SISTER (1931)

Productor: Carl Laemwle Jr. Director: Hobart Henley

Intérpretes:
CONRAD NOGEL: Dr. Lindley SIDNEY FOX: Marianne
BETTE DAVIS: Laura
CHARLES WINNINGER: HUMPHREY BOGART: Corliss

Fue la primera experiencia de Bette Davis en el cine, recién estrenado su contrato por seis meses. Inicialmente se había previsto su debut en otra película, pero el director consideró que carecía en absoluto de sex-appeal y prefirió que hiciera un pequeño papel secundario. También fue casi el debut para un prometedor Humphrey Bogart, estrenando en este filme su eterna sonrisa cínica y fría. Bette, en esta ocasión, hace de chica buena que ama al doctor Lindley, aunque este prefiere inicialmente a la pérfida Marianne. Finalmente, acabará cautivado por los enormes ojos de Bette.

CUERPO Y ALMA Body and Soul (1931)

Fox Film Corporation 70 minutos

Director: Alfred Santell Guion: Jules Furthman Historia de: Elliot White Fotografía: Glen Mac Williams Música: Peter Brunelli
Efectos especiales: Ralph Hammeras

Intérpretes:
CHARLES FARREL: Mal Andrews ELISSA LANDI: Carla
HUMPHREY BOGART: Jim Watson MYRNA LOY: Alice Lester

EL TEMERARIO A Holy terror (1931)

Fox Film Corporation 53 minutos

Director: Irving Cummings
Guion: Ralph Block
Basada en la novela de: Max Brand Fotografía: George Schneiderman Productor: Edmund Graiger

Intérpretes:
GEORGE O’BRIEN: Tony Bard SALLY EILERS: Jerry Foster RITA LA ROY: Kitty Carroll
HUMPHREY BOGART: Steve Nash

¡VAYA MUJERES!
Women of all nations (1931)

Director: Raoul Walsh

Intérpretes:
VICTOR McLAGLEN EDMUND LOWE
HUMPHREY BOGART

Tras el éxito obtenido por Raoul Walsh con “El precio de la gloria” (1926), continuó realizando una serie de películas entre las que estaba “¡Vaya mujeres!, siendo una de las primeras intervenciones en el cine de Humphrey Bogart.

BIG CITY BLUES (1932)

Warner Bros. 65 minutos
Blanco y Negro Productor: Mervyn LeRoy
Director: Mervyn LeRoy
Guion: Ward Morehouse y Lillie Hayward Basado en la obra de: Ward Morehouse Fotografía: James Van Trees
Director musical: Leo F. Forbstein
Compositor: Ray Heindorf y Bernhard Kaun

Intérpretes:
JOAN BLONDELL: Vida
ERIC LINDEN: Bud Reeves INEZ COURTNEY: Faun
EVALYN KNAPP: Jo-Jo
GLORIA SHEA: Agnes
HUMPHREY BOGART: Adkins

Correcta obra menor de la Warner, en la que nos cuenta la historia de un periodista que se encuentra desilusionado, aunque no quiere marcharse de Nueva York porque allí tiene a su amor.

JUVENTUD MODERNA Love Affair (1932)

68 minutos

Blanco y Negro

Director: Thornton Freeland

Intérpretes:
DOROTHY MACKAILL HUMPHREY BOGART JACK KENNEDY
BARBARA LEONARD ASTRID ALLWYN

Romance entre una heredera amargada y un ingeniero especializado en aviones. Argumento bastante al uso, algo aburrido, incluso con el valor añadido de poder ver a un joven Bogart como actor principal.

TRES VIDAS DE MUJER Three on a Match (1932)

64 minutos
Blanco y Negro Warner

Productor: Samuel Bischoff Director: Mervyn LeRoy
Guion: Lucien Hubbard, Kubec Glasmon y John Bright Basado en la historia de: Kubec Glasmon y John Bright Fotografía: Sol Polito
Director musical: Leo F. Forbstein

Intérpretes:
JOAN BLONDELL: Mary Keaton
WARREN WILLIAM: Henry Kirkwood ANN DVORAK: Vivian Revere
BETTE DAVIS: Ruth Westcott
LYLE TALBOT: Mike Loftus
HUMPHREY BOGART: Harve
PATRICIA ELLIS: Linda
GLENDA FARREL: Chica de Reformatorio

Bette Davis, Joan Blondell, y Ana Dvorak (quien pasa por un momento de emociones fuertes), son unas muchachas que crecieron juntas y que, después de varios años, se encuentran de nuevo en la gran ciudad. Comiendo un día, ellas encienden tres cigarros con un solo fósforo que, según la superstición (que se cree ha sido inventada y publicada por Ivar Kreuger, el rey del fósforo sueco), trae mala suerte.
Un modesto, pero entretenido, melodrama de la Warner, que fue un remake del musical de Broadway de 1928 “Musketeers”, con Marie Wilson en el papel que ahora hace Bette Davis.

MIDNIGHT
Midnight/Call It Murder (1934)

80 minutos

Blanco y Negro

Productor: Chester Erskine
Director: Chester Erskine
Guion: Chester Erskine
Basado en la obra de: Paul Sifton y Claire Sifton

Intérpretes:
SIDNEY FOX: Stella Weldon
O.P. HEGGIE: Edward Weldon HENRY HULL: Nolan
LYNNE OVERMAN: Joe Biggers KATHERINE WILSON: Ada Biggers RICHARD WHORF: Arthur Weldon HUMPHREY BOGART: Garboni HENRY O’NEILL: Mr. Ingersoll

Uno de los hombres de un jurado es perseguido por la prensa, al igual que por la familia del acusado, después que su veredicto lleva a una mujer a la silla eléctrica. Basada en una interesante obra teatral, fue reeditada como “Call it Murder” para lograr una mejor intervención de Bogart.

LA LEGION NEGRA Black Legion (1936)

83 minutos
Blanco y Negro Warner

Productor: Robert Lord
Director: Archie Mayo
Guion: Abem Finkel y William Wister Haines Basado en la historia de: Robert Lord Fotografía: George Barnes
Compositor: Bernhard Kaun

Intérpretes:
HUMPHREY BOGART: Frank Taylor DICK FORAN: Ed Jackson
ERIN O’BRIEN MOORE: Ruth Taylor ANN SHERIDAN: Betty Grogan ROBERT BARRAT: Brown
HELEN FLINT: Pearl Davis

En 1936, la prensa contaba hechos que demostraban que un nuevo Klan había surgido y estaba seleccionando como víctimas a los judíos, católicos y comunistas como sus próximos objetivos macabros. La Warner, siempre ávida para historias tópicas, elaboró rápidamente un Guion.

En la película, la organización racista está en general en contra de los extranjeros, y Humphrey Bogart era el joven obrero de una fábrica que provoca su enojo porque un polaco consiguió el trabajo que él quiso. Pronto se ve envuelto por cartas amenazantes, máscaras, látigos claveteados, y armas. Aunque la película hace ondear su mensaje contra el racismo y asume una poderosa posición contra la actitud del gobierno, la historia es vulgar y primitiva.

BALAS O VOTOS
Bullets or Ballots (1936)

81 minutos

Blanco y Negro

Productor: Louis F. Edelman
Director: William Keighley
Guion: Seton I. Miller
Basado en la historia de: Martin Mooney Fotografía: Hal Mohr
Compositor: Heinz Roemheld

Intérpretes:
EDWARD G. ROBINSON: Johnny Blake JOAN BLONDELL: Lee Morgan
BARTON MacLANE: Al Kruger
HUMPHREY BOGART: Nick "Bugs" Fenner FRANK McHUGH: Herman
JOSEPH KING: Capitán Dan McLaren HENRY O´NEILL: Bryant

El policía Robinson pretende dejar que sus compañeros obliguen a que un tal Mac Lane abandone la zona este de la ciudad. Una correcta película sobre gángsters.

CHINA CLIPPER (1936)

85 minutos

Blanco y Negro

Productor: Samuel Bischoff
Director: Ray Enright
Guion: Frank Wead

Fotografía: Arthur Edeson
Compositor: Bernhard Kaun y W. Franke Harling Efectos especiales: Fred Jackman
Vestuario: Orry-Kelly

Intérpretes:
PAT O’BRIEN: Dave Logan
BEVERLY ROBERTS: Jean Logan ROSS ALEXANDER: Tom Collins HUMPHREY BOGART: Hap Stuart MARIE WILSON: Sunny Avery HENRY B. WALTHALL: Dad Brunn JOSEPH KING: Mr. Pierson

O'Brien logra un buen trabajo con su interpretación de un hombre que trataba de promocionar vuelos a través del pacífico. Aunque inicialmente fracasa (apenas logra fondos para ello). y tiene que abandonar a su mujer, finalmente consigue su objetivo.

ISLE OF FURY (1936)

60 minutos

Blanco y Negro

Director: Frank McDonald

Intérpretes:
HUMPHREY BOGART MARGARET LINDSAY DONALD WOODS
PAUL GRAETZ
GORDON HART
E.E. CLIVE

Apacible remake de “Somerset Maugham”, basado en la novela “Narrow Corner”, en el cual nos cuentan un triángulo de amor en una isla de los Mares del Sur.

EL BOSQUE PETRIFICADO The Petrified Forest (1936)

83 minutos

Blanco y Negro

Productor: Henry Blanke
Director: Archie Mayo
Guion: Charles Kenyon y Delmer Daves
Basado en la obra de: Robert E. Sherwood
Fotografía: Sol Polito
Director musical: Leo F. Forbstein
Compositor: Bernhard Kaun
Efectos especiales: Warren Lynch, Fred Jackman y Willard Van Enger Vestuario: Orry-Kelly

Intérpretes:
LESLIE HOWARD: Alan Squier BETTE DAVIS: Gabrielle Maple GENEVIEVE TOBIN: Señora Chisholm DICK FORAN: Boze Hertzlinger HUMPHREY BOGART: Duke Mantee JOSEPH SAWYER: Jackie
PORTER HALL: Jason Maple

Esta versión para la pantalla de la obra de Robert E. Sherwood, ha conseguido una gran popularidad, aunque creemos que sin la presencia de Leslie Howard y Humphrey Bogart como Duke Mantee, la película nunca habría conocido tanto reconocimiento. Para Bogart, además, supuso la primera película que le lanzó al estrellato. El filme está basado en la eterna confrontación entre el intelectualismo y la fuerza bruta, siendo considerada una obra maestra.

Un autostopista llamado Alan Squier (Leslie Howard), escritor idealista y viajero del mundo, ha crecido cansado de las crueldades de vida, sin conseguir ganar dinero y haciendo autostop a través del desierto de Arizona. Cuando él llega a El Bosque Petrificado, ocurre algo que le gusta: es una reliquia del pasado.

Detenido en un restaurante de una estación de servicio ruinosa, regida por Jason Maple (Porter Hall), Alan encuentra y se enamora de la poeta Gabrielle Maple (Bette Davis), la hija de Jason. Gabrielle lee sus poesías a Alan y le cuenta sus sueños de estudiar en París. Él la anima, pero le dice que personalmente no tiene ninguna otra ambición que no sea “ver el Pacifico, quizá, para ahogarse en él”. Gabrielle le pregunta, “¿no le gustaría que alguien estuviera enamorado de usted”? Alan le contesta: "Sólo las personas que aman se hacen viejas y yo soy ya muy viejo". Alan no puede responder al amor verdadero de Gabrielle, porque ha malgastado su propio tiempo viviendo una vida parasitaria entre los ricos. Para Alan, ella representa un pasado que no quiere revivir.

Boze Hertzlinger (Dick Foran), un medio campista de la universidad que maneja uno de los surtidores de Jason, está enamorado de Gabrielle, y, por consiguiente, celoso de Alan, pero Alan le asegura que no tiene por qué preocuparse. Cuando una pareja rica, el señor y la señora Chisholm (Paul Harvey y Genevieve Tobin) llegan a la estación, Gabrielle les persuade para que se lleven a Alan con ellos a California. En el momento en que se marchan, Jason, Gabrielle, Boze, y el anciano padre de Jason, Gramp Maple (Charley Grapewin), oyen en la radio que una banda de gángsters crueles que encabezan Duke Mantee y sus secuaces, están en esa carretera después de cometer unos asesinatos en Oklahoma, Arizona. Gramp se estremece al pensar en Mantee, considerado un moderno Billy el Niño.

En el camino, Mantee (Bogart) y su banda, se detienen en un establo por estar su automóvil estropeado. Cuando el automóvil del Señor Chisholm llega, ellos sacan a sus ocupantes fuera y se marchan con el automóvil. Mantee se hace fuerte en la estación de servicio de Jason y mantiene a todos prisioneros y espera reunir a todos sus secuaces allí. Cuando Alan, el señor y la señora Chisholm, y su chofer Joseph (John Alexander) regresan al café, Mantee los detiene.

Alan desafía a Mantee con palabras que el gángster no entiende y llama al gángster "el último gran apóstol de individualismo escabroso". Alan hace un pacto secreto con Mantee y le pide que le mate. Mantee no comprende dónde está el trato y cree que Alan está loco. Entretanto, Alan ha extendido sus 5.000 dólares de una póliza de seguro a nombre de Gabrielle y sabe que si se muere, Gabrielle tendrá el dinero que ella necesita para ir a París.

Cuando la policía llega al restaurante, Mantee y su banda disparan contra ellos. Cuando Mantee va hacia la puerta, Alan salta y le bloquea su camino, recordando a Mantee su promesa. Alan está firme en su propósito y Mantee le advierte que disparará. El disparo se produce y Alan muere con una sonrisa, pensando en su amada.

Leslie Howard es un actor que parece haber nacido para ser el eterno amante enfermo e idealista que es en “El Bosque Petrificado”. Ambos ya habían interpretado la misma obra en los escenarios de Broadway en 1935, pero cuando se decidió relanzar la película, Jack Warner no estaba de acuerdo con Bogart, quien solamente había aparecido hasta entonces en papeles pequeños en filmes de clase B. Él seleccionó entonces a Edward G. Robinson para el papel de Duke Mantee. Cuando Leslie Howard oyó esto, se fue a la Warner y les dijo que si Bogart no interpretaba el papel de gángster, él (Howard) tampoco actuaría. Warner necesitaba a Howard, y claudicaron, convirtiendo así a Bogart en una de las mayores estrellas del estudio. No olvidando nunca la lucha de Howard para tenerlo en la película, Bogart llamó a uno de sus hijos "Leslie", en recuerdo del actor.

El gángster en el cual está basado el personaje de Bogart, es una réplica exacta del Enemigo Público No. 1, John Dillinger. Coincidentemente, Bogart se parecía mucho a Dillinger, y había pasado mucho tiempo estudiando películas de ese gángster para perfeccionar sus movimientos. El papel de Duke Mantee también era una maldición, al ser recordado Bogart durante muchos años por el público como el cruel gángster, hasta que en 1941 él aparecía por fin como un gángster simpático en “El último refugio” y, en el mismo año, como Sam Spade en “El Halcón Maltés”.

Bette Davis, también, está excelente como la muchacha hambrienta de cultura que anhela poderse escapar del desierto y de “El Bosque Petrificado” que la oprime. Esta película alcanzaría un éxito extraordinario, lo mismo que sus actores.

La película se rehizo como “Escape in the Desert” en 1945. En 1955, Bogart, Lauren Bacall, y Henry Fonda realizaron la obra original en una excelente producción para la televisión.

TWO AGAINST THE WORLD/ONE FATAL HOUR (1936)

64 minutos

Blanco y Negro

Director: William McGann

Intérpretes:
HUMPHREY BOGART BEVERLY ROBERTS LINDA PERRY
CARLYNE MOORE Jr. HENRY O’NEILL
HELEN MacKELLAR CLAIRE DODD

Remake de “Five star final” (1931), donde nos narran la vida dentro de una emisora de radio, aunque con un resultado bastante pobre. Retitulada como “One fatal hour”

CALLE SIN SALIDA Dead End (1937)

93 minutos

Blanco y Negro

Productor: Samuel Goldwyn
Director: William Wyler
Guion: Lillian Hellman
Basado en la obra de: Sidney Kingsley Fotografía: Gregg Toland
Compositor: Alfred Newman
Efectos especiales: James Basevi Vestuario: Omar Kiam

Intérpretes:
SYLVIA SIDNEY: Drina
JOEL McCREA: Dave
HUMPHREY BOGART: Baby Face Martin WENDY BARRIE: Kay
CLAIRE TREVOR: Francie
ALLEN JENKINS: Hunk
MARJORIE MAIN: Señora Martin

Pobreza, barrios bajos, y crimen, eran las características de la Gran Depresión norteamericana que Hollywood parecía ignorar, buscando distraer al público con películas musicales de ambiente inocente que en nada reflejaban la realidad. Con “Calle sin salida” Sam Goldwyn trató de realizar una excepción a la línea seguida hasta entonces por el estudio. Basada en una obra de Sidney Kingsley que había sido representada en Broadway, consiguiendo más de 700 representaciones, nos mostró de una manera real la vida de aquellos años penosos. Tanto la crítica, como los resultados económicos, fueron muy buenos.

La historia nos habla de un gángster denominado Martin Cara de Niño (Humphrey Bogart), quien después de diez años de seguir una carrera delictiva, de robar y asesinar, regresó envejecido a su antiguo barrio de Nueva York. Con la cara cambiada gracias a la cirugía estética, deseaba ver de nuevo a su madre la señora Martin (Marjorie Main) y a la amiga de su infancia Francie (Claire Trevor). Con él volvía también su fiel amigo Hunk (Allen Jenkins), quien constantemente recuerda a Martin que él es un delincuente y que no hay ningún lugar en el mundo para un sentimental que quiere olvidar su pasado. Pero Martin no dejará el viejo barrio hasta que él encuentre a Francie, aun después de recibir una bofetada de su madre que le llama "perro sucio" por su vida de criminal.

Hay algunos recuerdos agradables cuando Martin encuentra finalmente a Francie, aunque se transforman en brutal desilusión cuando ella le dice que se dedica a la prostitución. En una escena traumática, Martin evoca con ella sus momentos anteriores, pero ella lo detiene y le dice que él tampoco es como ella le recordaba.

Juntamente con esa historia, nos hablan de un arquitecto escrupuloso pero hambriento llamado Dave (Joel McCrea), quién está esforzándose en salir de su barrio. Él cree estar enamorado de una muchacha rica, Kay (Wendy Barrie), que vive en un cercano edificio de apartamentos. Al mismo tiempo, Dave es amado por una mujer buena, Drina (Sylvia Sidney), una víctima más de la pobreza de su generación y que se esfuerza en cuidar de su hermano pequeño Tommy (Billy Halop). Ella sabe que no tiene ninguna oportunidad contra Kay y anima a Dave para que termine la escuela, olvidándose de las vacaciones pagadas en Europa que le ofrece Kay.

Entretanto, Martin empieza a dar instrucciones a Tommy y al resto de su pandilla sobre todos los trucos sucios que él ha aprendido en su vida anterior. Dave, su condiscípulo, advierte a Martin que él tomará medidas contra él a menos que deje de extender su negativa influencia.

Tommy entra en sus filas con Philip Watson, hijo de un ciudadano influyente que él apuñala cuando el Sr. Watson intenta llevarlo a la policía por atormentar a Philip. Tommy escapa y es buscado por la policía. Dave cree que el muchacho está volviéndose un delincuente como Martin, pero él promete a Drina que encontrará el dinero para defender al muchacho en el juicio.

Poco a poco Martin se ve abandonado por aquellos que una vez lo amaron, y absolutamente desilusionado con su retorno al barrio, decide volverse a su antiguo negocio secuestrando al joven y rico Philip. Cuando Dave intenta interferir, es apuñalado por Martin y se tiene que tirar al río para lograr sobrevivir. Antes que Martin pueda llevar a cabo el secuestro, Dave lo acorrala y le dispara. Mortalmente heridos, Martin vuelca un contenedor y comienza a disparar a la policía hasta que vacía totalmente su cargador.

La dirección de William Wyler logra capturar cada aspecto mugriento de la vida en ese viejo barrio, logrando una película sorprendente. Sus cámaras no huyen de la basura y nos muestran las calles sucias, las ratas, y las cucarachas que horrorizan a Kay cuando ella va en busca de Dave. Aunque la película está basada en la obra teatral de Broadway, y el Guion de Lillian Hellman cambia poco la prosa de Kingsley, se creyó conveniente modificar el final en el cual Martin es provocado por Dave. Bogart está cautivador como el gángster, consolidando su éxito del año anterior con “El Bosque Petrificado”.

Premios
“Calle sin salida” recibió cuatro nominaciones al Oscar: a la mejor película, mejor actriz secundaria (Claire Trevor), mejor fotografía y mejor dirección artística.

THE GREAT O'MALLEY (1937)

71 minutos

Blanco y Negro

Director: William Dieterle

Intérpretes:
PAT O’BRIEN
HUMPHREY BOGART ANN SHERIDAN
DONALD CRISP
MARY GORDON
FRIEDA INESCORT SYBIL JASON

Película almibarada sobre el cruel policía O'Brien y el hombre pobre Bogart, quien tiene una hija coja y necesita delinquir para curarla. Un material bastante conocido.

KID GALAHAD (1937)

101 minutos

Blanco y Negro

Productor: Samuel Bischoff Director: Michael Curtiz Guion: Seton I. Miller
Basado en la novela de: Francis Wallace
Fotografía: Tony Gaudio
Director musical: Leo F. Forbstein
Compositor: Heinz Roemheld y Max Steiner Efectos especiales: James Gibbons y Edwin DuPar Vestuario: Orry-Kelly

Intérpretes:
EDWARD G. ROBINSON: Nick Donati
BETTE DAVIS: Louise "Fluff" Phillips
HUMPHREY BOGART: Turkey Morgan
WAYNE MORRIS: Kid Galahad Ward Guisenberry JANE BRYAN: Marie Donati
HARRY CAREY: Silver Jackson
WILLIAM HAADE: Chuck McGraw

A través de 1937, Bette Davis había conseguido ya papeles bastante más acertados que este como Pluff, la novia de un promotor de veladas de boxeo (Edward G. Robinson). La película fue objeto de un remake posterior protagonizado por Elvis Presley en 1962, de bastante menor calidad, aunque en este caso tampoco es una buena película. Como ya ocurriera también con Danny Kaye en “El asombro de Brooklyn”, un joven sin experiencia en boxeo tumba de un puñetazo al campeón mundial durante una fiesta. Lógicamente, el avispado promotor y su novia piensan que puede ser el futuro campeón mundial y se dedican a entrenarlo, aunque el chico acaba enamorado de ella. ¿Su valor?: ver juntos a tres monstruos de la interpretación como Bogard, Davis y Robinson.

LA MUJER MARCADA Marked Woman (1937)

99 minutos

Blanco y Negro

Productor: Louis F. Edelman
Director: Lloyd Bacon
Guion: Robert Rossen, Abem Finkel y Seton I. Miller Fotografía: George Barnes
Director musical: Leo F. Forbstein
Compositor: Bernhard Kaun y Heinz Roemheld Efectos especiales: James Gibbons y Robert Burks Vestuario: Orry-Kelly

Intérpretes:
BETTE DAVIS: Mary Dwight
HUMPHREY BOGART: David Graham

JANE BRYAN: Betty Strauber
EDUARDO CIANNELLI: Johnny Vanning

ISABEL JEWELL: Emmy Lou Egan

Ahora tenemos a Bette Davis haciendo el papel de una guapa, valerosa y buena mujer que quiere meter en la cárcel a un malvado que dirige un garito de juego. Este melodrama está basado en la vida de Lucky Luciano, quien vivió unos años felices rodeado de cientos de prostitutas que trabajaban para él. En la película, Eduardo Ciannelli interpreta al popular gángster y Humphrey Bogart es el fiscal encargado de meterle entre rejas.

Una de las prostitutas (Bette) es persuadida para que testifique sobre la muerte de un cliente del garito, pero aunque acepta inicialmente en el juicio se retracta, para evitarse problemas mayores. La tensión aumenta cuando Davis le dice a Luciano-Ciannelli: "yo lo conseguiré aunque tenga que arrastrarme desde mi tumba para hacerlo". Ella se pone así de seria porque han matado a su pequeña hermana Betty.

SAN QUINTIN San Quentin (1937)

70 minutos
Blanco y Negro Warner Bros

Productor: Samuel Bischoff

Director: Lloyd Bacon

Guion: Peter Milne y Humphrey Cobb

Basado en la historia de: Robert Tasker y John Bright Fotografía: Sid Hickox

Director musical: Joseph Nussbaum y Ray Heindorf Compositor: Heinz Roemheld, Charles Maxwell y David Raksin Efectos especiales: James Gibbons y H.F. Koenekamp Vestuario: Howard Shoup

Intérpretes:
PAT O’BRIEN: Capitán Stephen Jameson HUMPHREY BOGART: Joe "Red" Kennedy ANN SHERIDAN: May Kennedy
BARTON MacLANE: Druggin
JOSEPH SAWYER: "Sailor Boy" Hansen VEDA ANN BORG: Helen
JAMES ROBBINS: Mickey Callahan JOSEPH KING: Warden Taylor

Película bastante convencional sobre la vida en una prisión. La hermana del preso Kennedy (Bogart), ama al capitán de la prisión Stephen (O'Brien). MacLane realiza una buena actuación como el duro guardia de la prisión.

SIEMPRE EVA Stand-In (1937)

91 minutos

Blanco y Negro United Artists

Productor: Walter Wanger
Director: Tay Garnett
Guion: Gene Towne y Graham Baker
Basado en “Saturday Evening Post” historia de: Clarence Budington Kelland Fotografía: Charles Clarke
Director musical: Rox Rommel
Compositor: Heinz Roemheld
Vestuario: Helen Taylor

Intérpretes:
LESLIE HOWARD: Atterbury Dodd JOAN BLONDELL: Lester Plum
HUMPHREY BOGART: Douglas Quintain ALAN MOWBRAY: Koslofski
MARLA SHELTON: Thelma Cheri C. HENRY GORDON: Ivor Nassau JACK CARSON: Potts

Una película fallida sobre un director de Hollywood llamado Douglas (Humphrey Bogart), un experto economista sumamente elegante (Leslie Howard) que intenta mejorar los resultados económicos, y una muchacha sensata (Joan Blondell) que hace tiempo fue una niña prodigio. En un momento dado, ella hace una mala imitación de Shirley Temple. La película no tuvo mucho éxito en su momento, pero ahora se ve con más agrado.

EL SORPRENDENTE DOCTOR CLITTERHOUSE The Amazing Doctor Clitterhouse (1938)

87 minutos
Blanco y Negro

Productor: Anatole Litvak y Robert Lord Director: Anatole Litvak
Guion: John Wexley y John Huston Basado en la historia de: Barre Lyndon Fotografía: Tony Gaudio
Compositor: Max Steiner
Vestuario: Milo Anderson

Intérpretes:
EDWARD G. ROBINSON: Dr. Clitterhouse CLAIRE TREVOR: Jo Keller
HUMPHREY BOGART: Rocks Valentine GALE PAGE: Nurse Randolph
DONALD CRISP: Inspector Lane
ALLEN JENKINS: Okay
HENRY O’NEILL: Juez
RONALD REAGAN: La voz del anunciador

Película entretenida sobre los métodos del doctor Robinson que intenta descubrir un método infalible para robar.

ANGELES CON CARAS SUCIAS Angels With Dirty Faces (1938)

97 minutos
Blanco y Negro Warner

Productor: Samuel Bischoff
Director: Michael Curtiz
Guion: John Wexley y Warren Duff Basado en la historia de: Rowland Brown Fotografía: Sol Polito
Compositor: Max Steiner

Intérpretes:
JAMES CAGNEY: Rocky Sullivan PAT O’BRIEN: Jerry Connelly
HUMPHREY BOGART: James Frazier ANN SHERIDAN: Laury Ferguson GEORGE BANCROFT: Mac Keefer BILLY HALOP: Soapy

Una entretenida película que viaja entre el cielo y La Tierra. La Warner logró reunir en un mismo filme a James Cagney, en su más arrogante papel de gángster, a Pat O'Brien como un sacerdote, y Humphrey Bogart, Ana Sheridan y George Bancroft, como los miembros principales de una banda. Hay un gran sentido del humor en los diálogos, algo de romance, y hasta un momento dramático cuando el sacerdote Row le pide al gángster que se comporte cobardemente para que los niños no hagan de él un ídolo a imitar.

Premios:
Nominada al mejor actor 1938: James Cagney Nominada al mejor Director 1938: Michael Curtiz Nominada a la mejor historia 1938: Rowland Brown

CRIME SCHOOL (1938)

86 minutos

Blanco y Negro

Director: Lewis Seiler
Guion: Crane Wilbur y Vincent Sherman
Basado en la historia de: Crane Wilbur
Fotografía: Arthur Todd
Director musical: Hugo Friedhofer y George Parish Compositor: Max Steiner
Vestuario: Was McKenzie

Intérpretes:
BILLY HALOP: Frankie Warren BOBBY JORDAN: Squirt
HUNTZ HALL: Goofy
LEO GORCEY: Spike
BERNARD PUNSLEY: Fats
GABRIEL DELL: Bungs
HUMPHREY BOGART: Mark Braden GALE PAGE: Sue Warren

Bogart trata de mejorar una escuela reformatorio.

MEN ARE SUCH FOOLS (1938)

Director: Busby Berkeley Sin más datos

RACKET BUSTERS (1938)

71 minutos

Blanco y Negro Director: Lloyd Bacon

Intérpretes:
GEORGE BRENT
HUMPHREY BOGART GLORIA DICKSON ALLEN JENKINS
WALTER ABEL
HENRY O’NEILL
PENNY SINGLENTON

El gángster Bogie quiere entrar a formar parte del mundo del transporte en grandes camiones, pero su socio Brent no quiere cooperar.

SWING YOUR LADY (1938)

77 minutos

Blanco y Negro

Director: Ray Enright

Intérpretes:
HUMPHREY BOGART FRANK McHUGH
LOUISE FAZENDA NAT PENDLETON PENNY SINGLENTON ALLEN JENKINS
RONALD REAGAN

Bogart hace de promotor de boxeo para el púgil Pendleton, pero el resultado es una comedia penosa que consideramos poco digna de Bogart. Reagan aparece brevemente como un boxeador.

AMARGA VICTORIA Dark Victory (1939)

106 minutos

Blanco y Negro

Productor: David Lewis
Director: Edmund Goulding
Guion: Casey Robinson
Basado en la obra de: George Emerson Brewer, Jr. y Bertram Bloch Fotografía: Ernest Haller
Director musical: Leo F. Forbstein
Compositor: Max Steiner Vestuario: Orry-Kelly

Intérpretes:
BETTE DAVIS: Judith Traherne
GEORGE BRENT: Dr. Frederick Steele HUMPHREY BOGART: Michael O'Leary GERALDINE FITZGERALD: Ann King RONALD REAGAN: Alec Hamin
HENRY TRAVERS: Dr. Parsons
CORA WITHERSPOON: Carrie Spottswood

Ese año de 1939 fue un buen momento para el cine. Era el año de “Lo que el viento se llevó” (1939), “El Mago de Oz” (1939), Adiós Mr. Chips” (1939), “La Diligencia” (1939), “Cumbres Borrascosas” (1939), “Los hijos de la farándula”(1939), “Tu y Yo”(1939) y “Ninotchka” (1939).

Esta película fue nominada para el Premio a la Mejor película, Mejor Actriz, y Mejor Música, pero no ganó un solo Oscar. Basada en una obra de Tallulah Bankhead, “Amarga Victoria” fue primeramente adquirida por David O. Selznick, pero él perdió el interés justo antes de producirla. Warner Bros. la recogió y el resultado es un culebrón memorable que proporciona lágrimas durante 105 minutos.

El argumento nos habla de una heredera llamada Judith Traherne (Bette Davis), que posee Isla Larga, un lugar de juego. Su vida se mueve alrededor de la cría de animales de raza que están vigilados por un irlandés desagradable de nombre Michael O'Leary (Humphrey Bogart). Judith bebe y fuma sin descanso porque tiene un tumor en el cerebro que le causa fuertes dolores de cabeza. Cuando se agudizan, visita a un médico, el Dr. Frederick Steele (George Brent), quién determina que debe operarse inmediatamente. La cirugía tiene éxito, o lo parece, y Judith se enamora de Frederick. Ana King (Geraldine Fitzgerald), secretaria de Judith, sabe que a su jefa le quedan solamente diez meses de vida y se lo dice para que no se case con el doctor. Desde ese día Judith empieza a organizar fiestas, pero en ese momento aparece Michael que la confiesa su amor, diciéndola que ha permanecido apartado de ella por las diferencias sociales. Le aconseja que viva el día de hoy, que la vida es corta (especialmente para ella) y que hay que tomar la felicidad donde uno pueda. La boda con el doctor tiene lugar, y se marchan a su granja en Vermont, donde viven una vida sencilla que la proporciona más felicidad que las fiestas anteriores. Poco a poco su vida se va apagando, mientras que las lágrimas del espectador fluyen sin cesar.

INVISIBLE STRIPES (1939)

82 minutos

Blanco y Negro

Productor: Louis F. Edelman
Director: Lloyd Bacon
Guion: Warren Duff y Jonathan Finn Basado en la historia de: Lewis E. Lawes Fotografía: Ernest Haller
Compositor: Heinz Roemheld Efectos especiales: Byron Haskin Maquetas: Perc Westmore
Vestuario: Milo Anderson

Intérpretes:
GEORGE RAFT: Cliff Taylor
JANE BRYAN: Peggy
WILLIAM HOLDEN: Tim Taylor HUMPHREY BOGART: Chuck Martin FLORA ROBSON: Señora Taylor
PAUL KELLY: Ed Kruger
LEE PATRICK: Molly Daniels
HENRY O’NEILL: Parole Officer Masters

Historia sobre el oficial Parole que trata de controlar el negocio del crimen, protegiendo a su hermano Holden del gángster Bogart, quien intenta dominar todo el barrio.

EL REY DEL HAMPA
King of the Underworld (1939)

69 minutos

Blanco y Negro

Director: Lewis Seiler

Intérpretes:
HUMPHREY BOGART KAY FRANCIS
JAMES STEPHENSON JOHN ELDREDGE JESSIE BUSLEY

Historia improbable del doctor Francis que se ve envuelto involuntariamente con la banda de mafiosos que capitanea Bogart. Posee un absurdo final y tuvo un remake como “Dr. Sócrates”.

EL CHICO DE OKLAHOMA The Oklahoma Kid (1939)

85 minutos

Blanco y Negro

Productor: Samuel Bischoff
Director: Lloyd Bacon
Guion: Warren Duff, Robert Buckner y Edward E. Paramore Basado en la historia de: Paramore y Wally Klein Fotografía: James Wong Howe Director musical: Leo F. Forbstein Compositor: Max Steiner
Maquetas: Perc Westmore
Vestuario: Orry-Kelly

Intérpretes:
JAMES CAGNEY: Jim Kincaid
HUMPHREY BOGART: Whip McCord ROSEMARY LANE: Jane Hardwick DONALD CRISP: Judge Hardwick HARVEY STEPHENS: Ned Kincaid HUGH SOTHERN: John Kincad CHARLES MIDDLETON: Alec Martin

Cagney es el héroe, mientras que Bogie es un bribón en esta historia sobre un vaquero que busca venganza por el linchamiento de su padre.
Hay una escena muy sugestiva con Cagney cantando “"I Don't Want to Play in Your Yard”.

THE RETURN OF DR. X (1939)

62 minutos

Blanco y Negro

Director: Vincent Sherman

Intérpretes:
HUMPHREY BOGART ROSEMARY LANE DENNIS MORGAN JOHN LITEL
HUNTZ HALL
WAYNE MORRIS

Sólo Bogart como el auxiliar de un laboratorio tenebroso logra hacer que esta película de ciencia-ficción tenga algo más del valor cero. A pesar del título, no es una continuación del Dr. X.

LOS VIOLENTOS AÑOS VEINTE The Roaring Twenties (1939)

104 minutos
Blanco y Negro Warner

Productor: Samuel Bischoff
Director: Raoul Walsh y Anatole Litvak Guion: Jerry Wald, Richard Macaulay y Robert Rossen Basado en la historia de: Mark Hellinger
Fotografía: Ernest Haller
Director musical: Leo F. Forbstein
Compositor: Heinz Roemheld y Ray Heindorf Efectos especiales: Byron Haskin y Edwin DuPar Maquetas: Perc Westmore
Vestuario: Milo Anderson

Intérpretes:
JAMES CAGNEY: Eddie Bartlett PRISCILLA LANE: Jean Sherman HUMPHREY BOGART: George Hally JEFFREY LYNN: Lloyd Hart
GLADYS GEORGE: Panama Smith FRANK McHUGH: Danny Green PAUL KELLY: Nick Brown

El título y los nombres de las estrellas, James Cagney y Humphrey Bogart, le hace parecer mucho más importante de lo que es. Ellos interpretan a dos jóvenes menesterosos que crecen juntos, regresan de la Primera Guerra Mundial, y entran en el mundo de la delincuencia.

La película tiene un planteamiento muy mecánico y con grandes dosis de moral, por lo que no hay ninguna sorpresa de interés. Si usted ha visto las películas de gángsters de hace algunos años en el vídeo, este un prototipo de las de peor calidad.

YOU CAN'T GET AWAY WITH MURDER (1939)

78 minutos

Blanco y Negro

Productor: Samuel Bischoff
Director: Lewis Seiler
Guion: Robert Buckner, Don Ryan y Kenneth Gamet
Basado en la obra “Chalked Out” de: Lewis E. Lawes, Jonathan Finn Fotografía: Sol Polito
Compositor: Heinz Roemheld
Vestuario: Milo Anderson

Intérpretes:
HUMPHREY BOGART: Frank Wilson BILLY HALOP: Johnnie Stone
GALE PAGE: Madge Stone
JOHN LITEL: Abogado Carey
HENRY TRAVERS: Pop
HARVEY STEPHENS: Fred Burke HAROLD HUBER: Scappa
JOSEPH SAWYER: Red

Película sencilla, pero bien interpretada, sobre la historia de un crimen que involucra al joven Halop. Naturalmente, Bogart es el gángster que comparte celda con él en Sing Sing.

BROTHER ORCHID (1940)

91 minutos

Blanco y Negro

Productor: Mark Hellinger
Director: Lloyd Bacon
Guion: Earl Baldwin
Basado en un artículo de la revista Collier de: Richard Connell Fotografía: Tony Gaudio
Compositor: Heinz Roemheld
Efectos especiales: Byron Haskin
Vestuario: Howard Shoup

Intérpretes:
EDWARD G. ROBINSON: Pequeño John Sarto ANN SOTHERN: Flo Addams
HUMPHREY BOGART: Jack Buck
DONALD CRISP: el Hermano Superior RALPH BELLAMY: Clarence Fletcher ALLEN JENKINS: Willie el Cuchillo
CHARLES D. BROWN: El hermano Wren

Biografía manipulada pero entretenida sobre un comerciante llamado Pequeño John (Robinson), que busca la verdadera esencia de la vida. Sothern es una deliciosa y fiel novia.

IT ALL CAME TRUE (1940)

97 minutos

Blanco y Negro

Productor: Mark Hellinger
Director: Lewis Seiler
Guion: Michael Fessier y Lawrence Kimble
Basado en la novela “Better Than Life” de: Louis Bromfield Fotografía: Ernest Haller
Compositor: Heinz Roemheld
Efectos especiales: Byron Haskin y Edwin DuPar Coreografía: Dave Gould

Intérpretes:
ANN SHERIDAN: Sarah Jane Ryan JEFFREY LYNN: Tommy Taylor HUMPHREY BOGART: Grasselli Chips Maguire ZzSu PITTS: Srta. Flint
UNA O’CONNOR: Maggie Ryan
JESSIE BUSLEY: Señora Nora Taylor
JOHN LITEL: Señor Roberts

La historia combina comedia, drama, música y sentimiento, cuando el gángster que interpreta Bogart se esconde en una pensión elegante. Buena promoción para Sheridan, especialmente cuando canta “Angel in Disguise” y “The Gaucho Serenade”. A destacar: el trabajo del especialista en efectos especiales Byron Haskin.

LA PASION CIEGA They Drive By Night (1940)

93 minutos
Blanco y Negro Warner

Productor: Mark Hellinger
Director: Raoul Walsh
Guion: Jerry Wald y Richard Macaulay
Basado en la novela “The Long Haul” de: A.I. Bezzerides
Fotografía: Arthur Edeson
Director musical: Leo F. Forbstein
Compositor: Adolph Deutsch
Efectos especiales: Byron Haskin, H.F. Koenekamp, James Gibbons, John Holden, Edwin DuPar

Maquetas: Perc Westmore
Vestuario: Milo Anderson

Intérpretes:
GEORGE RAFT: Joe Fabrini
ANN SHERIDAN: Cassie Hartley IDA LUPINO: Lana Carlsen
HUMPHREY BOGART: Paul Fabrini GALE PAGE: Pearl Fabrini
ALAN HALE: Ed J. Carlsen
ROSCOE KARNS: Hrish McGurn JOHN LITEL: Harry McNamara HENRY O’NEILL: District Attorney

El director Raoul Walsh, tenía probablemente poco que ver con la naturaleza esquizofrénica de la película. La primera parte involucra a George Raft, Humphrey Bogart y Alan Hale, y es una buena historia de acción, realista, sobre los camioneros que compiten por libre en el abastecimiento del mercado de frutas y verduras de la gran ciudad. En la segunda parte, los transportistas bien trajeados, afeitados y aseados, realizan cómodos trabajos de oficina y tiene como principal protagonista a Ida Lupino, la esposa del patrón, quien siente un especial cariño por Ana Sheridan. En ese momento nadie se preocupa ya que las naranjas y las lechugas se comercialicen a tiempo, ya que Lupino tiene más interés en vigilar a su amor. Hay una escena en el Tribunal Supremo que nos recuerda a una película de Bette Davis de 1935, titulada “Bordertown”, aunque no es precisamente la mejor escena del filme.

ORO, AMOR Y SANGRE Virginia City (1940)

121 minutos

Blanco y Negro

Productor: Robert Fellows
Director: Michael Curtiz
Guion: Robert Buckner, Norman Reilly Raine y Howard Koch Fotografía: Sol Polito
Compositor: Max Steiner
Efectos especiales: Byron Haskin y H.F. Koenekamp Maquetas: Perc Westmore

Intérpretes:
ERROL FLYNN: Kerry Bradford MIRIAM HOPKINS: Julia Hayne RANDOLPH SCOTT: Vance Irby HUMPHREY BOGART: John Murrell FRANK McHUGH: Señor Upjohn ALAN HALE: Olaf "Moose" Swenson GUINN WILLIAMS: “Marblehead” JOHN LITEL: Marshall

La película “Dodge City” supuso un gran suceso norteamericano durante los años de la Guerra Civil, aunque esta revisión es más un cuento de espías en donde Hopkins hace de una chica rebelde, bailarina para más señas, que mantiene relaciones con un bandido mexicano interpretado por Bogart.

EL ÚLTIMO REFUGIO High Sierra (1941)

100 minutos

Blanco y Negro

Productor: Mark Hellinger
Director: Raoul Walsh
Guion: John Huston y W.R. Burnett Basado en la novela de: Burnett Fotografía: Tony Gaudio
Director musical: Leo F. Forbstein Efectos especiales: Byron Haskin y H.F. Koenekamp Maquetas: Perc Westmore
Vestuario: Milo Anderson

Intérpretes:
IDA LUPINO: Marie Garson
HUMPHREY BOGART: Roy Earle DONALD MacBRIDE: Big Mac ALAN CURTIS: Babe Kozak ARTHUR KENNEDY:Red Hattery JOAN LESLIE: Velma
HENRY HULL: Doc Banton
VARTON MacLANE: Jake Kranmer

Con excepción de “White Heat” (1949), “El último refugio” fue la última vez en la cual se hablaba del mundo de los gángsters a la manera tradicional. Humphrey Bogart interpreta a un delincuente con el pelo lleno de canas que presiente que su vida se acaba. Él lo sabe y lo acepta, y para dar sabor a esos últimos años decide emprender su mejor hazaña delictiva.

Roy (Humphrey Bogart) es puesto en libertad de la Prisión de Mossmoor, después de haber pasado un largo encarcelamiento por el robo de un banco, y se reúne con un expolicía llamado Jake Kranmer (Barton MacLane), y con el jefe de una organización criminal, Big Mac (Donald MacBride). Big Mac quiere que Roy robe una joya de gran valor y la lleve a un refugio de California. Kranmer le proporciona dinero y un automóvil diciéndole que se vaya al refugio de la montaña donde él se encontrará con dos matones jóvenes, Red Hattery (Arturo Kennedy) y Babe Kozak (Alan Curtis), quienes le ayudarán en el robo.

Roy emprende el camino pero se detiene para hablar de cosas pasadas en una pequeña granja de Indiana que su familia poseía. Él ha sido en el pasado un gángster con una mancha delictiva pequeña, pero posee una gran habilidad para destruir a cualquiera que intente hacerle daño. Después, durante su viaje por el desierto, se detiene en una vieja cafetería que es regentada por una bonita muchacha llamada Velma (Joan Leslie). Sus sentimientos hacia la chica hace que trate de ayudarles, a ella y a su padre. Los dos delincuentes jóvenes están en el refugio con la novia de Babe Kozak, Marie Garson (Ida Lupino). Cuando llega Roy ella se sienta atraída inmediatamente hacia él, aunque Roy no la quiere y no desea trabajar con dos personas tan inexpertas. Hay un hombre que es el contacto para el robo, Louis Mendoza (Cornel Wilde), quien llega y tiene una bronca con Roy. Este se enfrenta a los dos matones y sospecha que Mendoza es un chivato de la policía

“El último refugio” es una película de crímenes que separa dos épocas cinematográficas. Fue el primer papel sólido de Humphrey Bogart como un personaje simpático, un tipo a caballo entre la bondad y la maldad, fuera de su elemento habitual y más allá de su tiempo. Como ocurrió con sus primeros papeles como el gángster Duke Mantee, en “El bosque petrificado” (1936), Bogart termina emulando a John Dillinger, con quien tenía un parecido asombroso. No es una casualidad, por tanto, que el nombre de Dillinger se mencione en “El último refugio” que se estrenó siete años después de la muerte de Dillinger en Chicago.

Se contaba con James Cagney, George Raft, y Paul Muni para interpretar al gángster anacrónico de las películas anteriores, pero cada uno puso una excusa. Raft dijo a Jack Warner que estaba enfermo y cansado de interpretar a los gángsters y, después de leer el Guion, se negó a ser asesinado al final del filme. Bogart no estaba de acuerdo con figurar debajo de Ida Lupino, sin embargo, su actuación mostró su habilidad para realizar escenas sensibles con profundidad, y el público respondió entusiásticamente. Finalmente, James Cagney dijo que él nunca aceptaría ir en segundo lugar en una película.

Cuando esta película se estrenó, Bogart era ya una estrella muy popular y bien pagada, y estaba consolidada como una de las mayores personalidades de la pantalla en América. El director Raoul Walsh estaba a favor de incluir a Bogart para el principal papel, haciéndole razonar a Jack Warner cuando otros actores fueron propuestos. Walsh hace un trabajo extraordinario procurando una acción continuada y directa, haciendo pausas solamente para que Bogart pueda mostrar las otras facetas de su carácter, logrando así un equilibrio entre movimiento y reposo.

Mucho del mérito de la película se debe al Guion del veterano escritor W.R. Burnett, quien estuvo asistido por el experto John Huston, quien dejaría posteriormente su trabajo como guionista a favor de su labor como director.

La mayor parte de la acción de “El último refugio” tiene lugar alrededor de Lone Pine, California, y en las cimas de la Montaña Whitney, donde el operador cinematográfico Tony Gaudio rodaba a 11.000 pies. El rodaje continuó con la persecución policíaca a través del desierto, logrando la persecución más larga hasta entonces filmada por Walsh. El director puso a Bogart en lo alto de las piedras de la montaña, ya que quería que Bogart se expusiera al sol caliente y sudara realmente, permitiendo así que el actor consiguiera una interpretación memorable y real.

Sabía que Bogart explotaría a cualquier incomodidad impuesta durante la producción, y el director lo hizo intencionadamente, e incluso evitó que pudiera comer cuando estaba en la cima de la montaña. Quería verle demacrado, enfadado y maltrecho, pero cuando por fin subió a la montaña llevándole un minúsculo almuerzo, Bogart se puso a insultarle y a maldecirle. Esto provocó la risa de Walsh quien, además, se tomó delante de Bogie un suculento almuerzo especialmente preparado para la ocasión. El resultado fue una de las mejores actuaciones de Bogart.

De “El último refugio” se hizo un remake dos veces: “Colorado Territory” (1949), y como “I died a thousand times” (1955).

EL HALCON MALTES The Maltese Falcon (1941)

100 minutos

Blanco y Negro

Productor: Henry Blanke
Director: John Huston
Guion: John Huston
Basado en la novela de: Dashiell Hammett Fotografía: Arthur Edeson
Director musical: Leo F. Forbstein Maquetas: Perc Westmore Vestuario: Orry-Kelly

Intérpretes:
HUMPHREY BOGART: Sam Spade
MARY ASTOR: Ruth/Brigid O'Shaughnessy
GLADYS GEORGE: Iva Archer
PETER LORRE: Joel Cairo
JEROME COWAN: Miles Archer
BARTON MacLANE: Detective Dundy
LEE PATRICK: Effie Perine
SYDNEY GREENSTREET: Kasper Gutman “el hombre gordo” WARD BOND: Detective Tom Polhaus
JOHN HAMILTON: Bryan

El primer esfuerzo del director John Huston demostró que podía seguir haciéndose películas de cine negro de gran calidad durante muchos años. “El Halcón Maltés” también le proporcionó a Bogart su primer papel de proyección internacional, aportando un inimitable Sam Spade.

La película empieza con un misterio dentro de un misterio. Siguiendo los créditos, nos cuentan una leyenda fechada en 1539 en donde los Caballeros Templarios de Malta pagaron el tributo a Carlos V de España enviándole una pequeña estatua que representaba un Halcón Dorado, con el pico lleno de joyas raras. Pero los piratas asaltaron la galera que llevaba ese regalo, y el destino del Halcón Maltés sigue siendo un misterio hasta el momento.

Hay unas secuencias exteriores lloviendo fuertemente en San Francisco, mientras la cámara recorre los lugares más emblemáticos hasta llegar a la ventana de una oficina con los nombres de Spade y Archer, mostrándonos a Sam Spade (Humphrey Bogart), sentado en su escritorio mientras fuma un cigarro.

La secretaria, Effie Perine (Lee Patrick) anuncia a un nuevo cliente, Ruth (Mary Astor), quién le pide a Sam que localice a su hermana perdida, una joven desvalida que está en alguna parte de San Francisco con un hombre misterioso llamado Thursby. Ruth dice que ella tiene una cita para encontrarse con Thursby esa noche y está esperando que su hermana esté allí también. Todo esto se lo explica Sam a su compañero Miles Archer (Jerome Cowan), cuando él entra en la oficina. Sam instruye a Miles para que siga a Ruth esa noche y le ayude a liberar a su hermana de Thursby.

Cuando el detective Miles llega al lugar de la cita en Bush Street, él se sobresalta cuando se encuentra con alguien sosteniendo un arma contra él. El arma se dispara, y Miles rompe una barrera con su cuerpo, mientras cae por una pendiente. Después de recibir una llamada que le informa del fallecimiento súbito de su compañero, Sam va corriendo a Bush Street, donde el detective Tom Polhaus (Ward Bond) le muestra el arma del asesinato. Él dice a Polhaus que Miles estaba yendo detrás de un tipo llamado Thursby, pero se niega a darle más información. Sam llama al hotel de Brigid, pero no la encuentra.

Volviendo a su modesto apartamento, Sam es visitado pronto por Polhaus y su superior, el Teniente Dundy (Barton MacLane).

Le preguntan sobre el caso en el que él y Miles estaban trabajando, pero Sam se niega a identificar a su cliente, lo que hace que le crean cómplice del asesinato. Thursby aparece muerto delante de su hotel y Sam aporta una coartada que evita su detención. A la mañana siguiente Sam es visitado por Iva Archer (Gladys George), viuda de Miles, que lo abraza apasionadamente. Ruth (que en realidad se llama Brigid O'Shaughnessy), le telefonea en ese momento y le pide que vaya a verla. Cuando lo hace, Sam le asegura que él no ha dicho a la policía que ella es su cliente pero le dice que sabe que ella se inventó la historia sobre su hermana. Ruth explica que ese Thursby era su compañero, que llevaba un arma, y probablemente mató a Miles, pero no tiene idea de quién mató a Thursby. Sam está de acuerdo en encontrar a quien está detrás de las matanzas, pero le exige más dinero para seguir trabajando.

Cuando él vuelve a su oficina, Sam encuentra esperando a Joel Cairo (Peter Lorre), que le ofrece 5.000 dólares si encuentra "la figura negra de un pájaro". Entonces, inexplicablemente, Joel encañona a Sam con un arma e insiste en investigar la oficina. Pero Sam es demasiado rápido para él y le golpea, quitándole el arma.

Mientras Joel está desmayado, Sam revisa sus cosas e inspecciona sus pasaportes franceses y británicos, el dinero, y un asiento para el Teatro Geary. Cuando Joel se recupera, le pregunta si Sam tiene la figura, pero Sam no sabe de lo que está hablando. Ellos pelean y Joel recupera su arma, aprovechando para inspeccionar la oficina. Después, Sam visita a Brigid y le dice que un tal Joel le ha ofrecido 5.000 dólares por "el pájaro negro". Allí surge un idilio entre los dos y después se van al apartamento de Sam, donde se encuentran con Joel. Brigid y Joel hablan sobre el paradero del Halcón negro. La conversación es interrumpida por un golpe fuerte a la puerta. Sam abre, y entran el detective Polhaus y Dundy, mientras que Joel se queja que Brigid le atacó. El Teniente Dundy dice que todos le deben acompañar a la comisaría, pero Sam les dice que están perdiendo el tiempo con ellos.

La historia de ese pájaro tan codiciado se remonta al robo por los piratas de una joya en forma de halcón, un trofeo que no tiene precio por haber pertenecido al Rey Carlos. Siglos después fue descubierta en París donde se pintó con esmalte negro. Entonces, en 1923, un anticuario griego encontró el halcón y le dio otra mano de pintura. Pero el anticuario fue asesinado y el halcón robado de nuevo.

Cuando la joya es encontrada y abierta para coger la joya incrustada en su interior, no hay nada en su interior y todos piensan que es una imitación. Brigid insiste que esta es la estatuilla auténtica. Sam tiene que devolver el dinero que le dieron por encontrar el Halcón Maltés, pero se guarda 1.000 dólares “por su tiempo y los gastos”. Cuando la policía viene y detiene a Brigid por el asesinato de Miles, le preguntan qué es ese objeto tan pesado con forma de pájaro. Sam contesta: “Es el material del que están hechos los sueños”.

“El Halcón maltés” es una producción sólida de Jack Warner, cabeza de la Warner Bros., revisada escena por escena por su director John Huston (entonces un escritor contratado asignado a la sección de guiones de la Warner). Creyendo que el sabor de la novela de Dashiell Hammett había sido asimilado completamente por Huston, Warner avaló la producción pero advirtió al director que su rodaje se limitaba a seis semanas y que si él se pasaba de los 300.000 dólares de presupuesto, ya podía buscarse otro trabajo.

Huston planeó todo cuidadosamente y elaboró el Guion con instrucciones precisas para rodar escenas muy cortas, haciendo sus propios bocetos para cada escena, con el fin de que no se invirtiera mucho tiempo en cada una.

Este método es exactamente igual al que seguía Alfred Hitchcock en sus películas, consiguiendo los mismos resultados en tiempo y presupuesto. Huston estaba en todos los ensayos y permitía a los actores revisar sus propias escenas sin interrumpirles ni darles ninguna instrucción. Todo lo que les pedía era que siguieran fielmente el Guion que había escrito minuciosamente.

Ni una línea del diálogo perteneciente al Guion original de Huston fue olvidada, y solamente cortó una breve escena cuando comprendió que Bogart pudiera lograr el mismo efecto haciendo una llamada telefónica rápida. Salvo algunas secuencias nocturnas exteriores, Huston filmó la película entera en interiores, lo que fue un alivio para los actores. El rodaje fue tan fácil que había tiempo realmente extra para divertirse, y Huston llevó a Humphrey Bogart, Mary Astor, Peter Lorre y otros, al club de golf de Lakeside cerca de los estudios de la Warner. Allí nadaron en la piscina, cenaron, bebieron y hablaron hasta medianoche sobre cualquier cosa menos un Halcón Maltés. Huston realizó una brillante fotografía, y aunque evitaba salirse de las líneas del Guion, filmó algunas escenas improvisadas. En una de ellas él había especificado muchos cortes pero entonces le había permitido a su operador cinematográfico Artur Edeson rodar la escena toda seguida, aunque con 26 movimientos de cámara diferentes. Con su iluminación de baja intensidad y los ángulos inventivos y notables, la fotografía es uno de los grandes recursos de la película. Huston se acostumbró a rodar con techos bajos y a crear imágenes en sitios cerrados, por lo que la mayoría de la trama, salvo en el hotel y la escena del andén, son casi claustrofóbicos. Es más, se utilizan ángulos de la cámara raros para dar énfasis a la naturaleza de los personajes. Algunas de las escenas técnicas más llamativas involucran al Hombre Gordo, Sydney Greenstreet, sobre todo en la escena donde él explica lentamente la historia del halcón a Bogart, esperando que la droga que le ha puesto a Bogart en la bebida haga su efecto.

También muy evocadoras visualmente son las escenas que involucran a Astor, casi toda ellas con su pensamiento en la prisión. En una escena ella lleva pijama a rayas, el mobiliario en el cuarto está rayado, y las rajas de luz que pasan por las persianas venecianas sugieren que la celda está cerrada, como cuando es detenida y vemos las barras del ascensor al final de la película.

Basada en la novela de Hammett, esta tercera versión de la película (la primera en 1931, con Ricardo Cortez), mientras que la segunda, titulada “Satan Met a Lady” (se estrenó en 1936 con Bette Davis), no fue vista por el escritor Hammett hasta unos seis meses después de su estreno. Cuando lo hizo dijo que era aburrida, aunque según cuentan él estaba medio bebido en ese momento. La volvió a ver de nuevo algunos años después, ya sereno, y les dijo a los amigos que no sólo le agradó, sino que probablemente era la mejor versión de todas.

Por supuesto, Sam Spade el anti-héroe, un hombre ingenioso que bebe whisky, estaba basado en el propio Hammett, quién durante muchos años estuvo empleado como detective privado para la agencia Pinkerton de San Francisco. Hammett no sólo describió a Spade con características sacadas de su propia personalidad, sino que también lo dio su primer nombre, Sam (que Hammett desechó cuando comenzó su carrera de escritor).

Huston era igualmente juicioso seleccionando los actores, y sorprendentemente, Bogart no fue la primera opción para interpretar al legendario Sam Spade. El productor Hal Wallis ofreció el papel inicialmente a George Raft, aunque lo rechazó porque no quería trabajar con un director inexperto.

En el 42 cumpleaños de Bogart le fue ofrecido el personaje de Sam Spade, un carácter complejo que incluía a un hombre de honor, cansado del mundo, aunque listo para otra nueva aventura, y todavía capaz de amar profundamente. Bogart aceptó el papel con agrado, algo de lo que Huston nunca se arrepentiría. Fue la película que consolidó su amistad para toda la vida y puso los cimientos para una colaboración extraordinaria en otras películas.

El actor George Raft rechazó el papel, lo mismo que hizo también con el de “Casablanca”, pero la actriz Ingrid Bergman aceptó encantada. Para asegurarse una buena interpretación vio la película “El Halcón maltés” varias veces, con el fin de poder trabajar más adecuadamente con Bogart en “Casablanca”.

Encontrar al actor que debía interpretar al Hombre Gordo, basado en un bribón de la vida real llamado A. Maundy Gregory (un empresario que estuvo envuelto en muchas intrigas sofisticadas), no fue fácil. El productor Wallis resolvió ese dilema sugiriendo que Huston probara con Greenstreet, un actor de gran carácter que había tenido una larga carrera en el teatro, pero nunca había aparecido en una película.

Greenstreet que tenía entonces 61 años y pesaba entre 280 y 350 libras era absolutamente maravilloso y con su forma de andar y sus rasgos suaves, no daba la impresión de albergar un carácter siniestro. Posteriormente filmaría “El Veredicto” (1946), “Three Strangers” (1946), y “The Mask of Dimitrios” (1944).

Greenstreet solía emplear la expresión “por Dios” frecuentemente, aunque posteriormente los censores recomendaron sustituirla “por vagancias”, algo totalmente sin sentido. Además de estos cambios en el Guion original, Huston fue advertido también para que no mostrara a los personajes bebiendo en exceso. El director criticó esa decisión alegando que si mostraba algunos de sus personajes sobrios no serían creíbles.

La obra de Hammett estaba basada en la vida de un delincuente capturado por Pinkerton en 1920 en Washington. En la novela, Joel Cairo es descaradamente homosexual, pero para evitar problemas con los censores, la Warner Bros. suprimió este detalle en la película. No obstante, el retrato de Peter Lorre como Joel Cairo es decididamente afeminado, especialmente cuando se preocupa por pequeñeces sobre su ropa. Se pone histérico cuando la sangre de un arañazo estropea su camisa, mientras que sus tarjetas de visita y sus pañuelos tienen un penetrante olor a gardenias.

La versión de 1931 también indica la homosexualidad de Joel Cairo, aunque en la segunda versión “Satanás es una señora” la orientación sexual es mucho menos intensa, transformándose sencillamente en un asesino excéntrico.

El director Huston realiza también una corta intervención, enmascarado como el capitán del barco mercante que entrega el halcón en la oficina de Azada. Curiosamente, Huston tuvo que prometer a Jack Warner que él no exigiría ni diez centavos por su pequeño papel tambaleándose en la oficina de Azada.

El éxito popular de “El Halcón Maltés” fue un triunfo de crítica y de público. Como resultado, el estudio hizo inmediatamente otros planes para producir una continuación titulada “Las nuevas aventuras de El Halcón Maltés”, que Huston tenía que dirigir en 1942. Pero en ese año Huston ya había ganado un sólido prestigio como director y estaba inmerso en otras películas, abandonándose el proyecto definitivamente. La radio elaboró una historia de Sam Spade en un corto de 30 minutos para la CBS, en el programa "La Señora Esther” el 20 de septiembre de 1943, con Bogart, Astor, Greenstreet y Lorre que realizan sus papeles originales. La historia tuvo una revisión para la CBS el 3 de julio de 1946, cuando la ceremonia de los Oscars presentó a Bogart, Astor y Greenstreet.

En 1975, la Columbia produjo un remake de “El halcón maltés” titulado “El pájaro negro”, con George Segal como Sam Spade, y Patrick Cook.

Se usaron siete estatuillas de yeso del halcón durante la producción de 1941 y después se mostraron en el Museo de Arte del Condado de Los Angeles, una de las cuales fue robada en 1974, durante la producción de “El pájaro negro”. Se dijo que todo era un truco publicitario para la nueva versión. Si fue así, el truco no funcionó puesto que la película fue un fracaso.

Por supuesto, la extraordinaria película de Huston, una de las mejores de la historia de Hollywood, no necesitó nunca trucos publicitarios, continuando así durante más de cincuenta años.

Premios

“El Halcón Maltés” fue nomina a la mejor película (perdiendo a favor de “Qué verde era mi valle”). Otra nominación fue para el mejor Guion. Greenstreet también recibió una nominación como mejor actor secundario.

THE WAGONS ROLL AT NIGHT (1941)

84 minutos

Blanco y Negro

Productor: Harlan Thompson
Director: Ray Enright
Guion: Fred Niblo Jr. y Barry Trivers
Basado en la novela “Kid Galahad” de: Francis Wallace Fotografía: Sid Hickox
Compositor: Heinz Roemheld
Efectos especiales: Byron Haskin y H.F. Koenekamp

Intérpretes:
HUMPHREY BOGART: Nick Coster SYLVIA SIDNEY: Elo Lorraine EDDIE ALBERT: Matt Varney JOAN LESLIE: Mary Coster
SIG RUMANN: Hoffman el Grande CLIFF CLARK: Doc
CHARLEY FOY: Snapper

Sin datos

ACROSS THE PACIFIC (1942)

97 minutos
Blanco y Negro Warner

Productor: Jerry Wald y Jack Saper Director: John Huston
Guion: Richard Macaulay
Basado en el Saturday Evening Post serial “Aloha Means Goodbye” de: Robert Carson Fotografía: Arthur Edeson
Compositor: Adolph Deutsch
Efectos especiales: Byron Haskin, Willard Van Enger
Vestuario: Milo Anderson

Intérpretes:
HUMPHREY BOGART: Richard Lomas Leland MARY ASTOR: Alberta Marlow
SYDNEY GREENSTREET: Dr. Lorenz CHARLES HALTON: A.V. Smith
VICTOR SEN YUNG: Joe Totsuiko
ROLAND GOT: Sugi
LEE TUNG-FOO: Sam Wing On
FRANK WILCOX: Capitán Morrison

Después del éxito de “El Halcón maltés”, su primera película como director, John Huston, tuvo un fracaso comercial con “Como ella sola”. En esta ocasión intentó repetir el éxito del “Halcón” con una historia de acción y aventura, empleando a los mismos actores, entre ellos a Humphrey Bogart, Mary Astor y Sydney Greenstreet. La historia trata de un grupo de personas que están a punto de navegar a Honolulu, para frustrar un plan japonés para invadir Pearl Harbor. Cuando la producción estaba a punto de comenzar, el Guion aún no había sido escrito y el resultado es una obra complicada sobre espías que planean explotar el Canal de Panamá, en donde hay abundancia de persecuciones y capturas.

Huston maneja correctamente las escenas de tensión, menos hábilmente las marinas, aunque en conjunto logra salir airoso, lo que es un mérito teniendo en cuenta la pobreza del Guion. Cuando indagó sobre los Servicios Especiales del Ejército, antes de terminar el filme, introdujo algunas escenas nuevas en las cuales Bogart no acaba muerto. Con la ayuda de su ayudante Vincent Sherman, pensaron que era imprescindible salvarle para que llegara a tiempo de impedir el bombardeo del Canal.

La película no aporta ninguna novedad, es bastante desconcertante, y lo peor de todo es Mary Astor, con su increíble papel de heroína.

A TRAVES DE LA NOCHE

107 minutos
Blanco y Negro Warner

Productor: Jerry Wald
Director: Vincent Sherman
Guion: Leonard Spigelgass y Edwin Gilbert
Basado en la historia de: Leonard Spigelgass y Leonard Ross Fotografía: Sid Hickox
Compositor: Adolph Deutsch

Intérpretes:
HUMPHREY BOGART: Gloves Donahue CONRAD VEIDT: Hall Ebbing KAAREN VERNE: Leda Hamilton JANE DARWELL: Ma Donahue FRANK McHUGH: Barney
PETER LORRE: Pepi
JUDITH ANDERSON: Madame WILLIAM DEMAREST: Sunshine

El título de esta película de Humphrey Bogart está sacado de una canción de Johnny Mercer y Artur Schwartz , cantada en una sala de fiestas, y no proporciona ninguna pista sobre la historia. El tema se centra en una alegoría anti-nazi, cubierta por un tono de comedia, que se hace insoportable en los primeros minutos de proyección. Ambientada en Nueva York, durante la Segunda Guerra Mundial, Bogart es “Gloves” Donohue, un artista y promotor de Broadway, quien trata de ser amable con sus pupilos, mientras los nazis intentan socavar los cimientos de la democracia. Uno de ellos es Peter Lorre, que trabaja camuflado como un anticuario. La película rezuma sentimentalismo, y se parece demasiado a un telefilme.

THE BIG SHOT (1942)

82 minutos

Blanco y Negro

Productor: Walter MacEwen
Director: Lewis Seiler
Guion: Bertram Millhauser, Abem Finkel y Daniel Fuchs Fotografía: Sid Hickox
Compositor: Adolph Deutsch
Maquetas: Perc Westmore
Vestuario: Milo Anderson

Intérpretes:
HUMPHREY BOGART: Duke Berne IRENE MANNING: Lorna Fleming RICHARD TRAVIS: George Anderson SUSAN PETERS: Ruth Carter
STANLEY RIDGES: Martin Fleming MINOR WATSON: Warden Booth

Ahora vemos de nuevo a Bogie como un gángster involucrado en un robo que finaliza con una temporada de descanso en prisión.

CASABLANCA (1942)

Warner
102 minutos
Blanco y Negro Productor: Hal B. Wallis
Director: Michael Curtiz
Guion: Julius J. Epstein, Philip G. Epstein y Howard Koch
Basado en la obra “Everybody Goes to Rick's” de: Murray Burnett y Joan Alison Fotografía: Arthur Edeson
Director musical: Leo F. Forbstein
Compositor: Max Steiner
Canción: El tiempo pasará
Efectos especiales: Lawrence Butler y Willard Van Enger
Maquetas: Perc Westmore
Vestuario: Orry-Kelly

Intérpretes:
HUMPHREY BOGART: Richard "Rick" Blaine INGRID BERGMAN: Ilsa Lund Laszlo PAUL HENRIED: Victor Laszlo
CLAUDE RAINS: Capitán Louis Renault CONRAD VEIDT: Mayor Heinrich Strasser SYDNEY GREENSTREET: Señor Ferrari PETER LORRE: Ugarte
S.Z. SAKALL: Carl, Headwaiter
MADELEINE LeBEAU: Yvonne
DOOLEY WILSON: Sam

Es difícil encontrar una película que resista mejor el paso del tiempo y que consiga ser aclamada por las nuevas generaciones. Obviamente en la historia del cine hay películas más importantes, más profundas. También otras de gran perfección artística, originales o de fuerte mensaje social, pero siempre que un grupo de amigos se reúnen para encontrar las mejores películas de la historia del cine allí está “Casablanca”.

Se trata de una película que ha conseguido cambiar el modo de hacer cine. Ha sobrevivido a la pasión por Bogart, ha conseguido mantenerle en la mente de los nuevos aficionados, y no existe cinéfilo que se precie que no la tenga en formato vídeo como si fuera su más preciado tesoro.

¿Qué tiene “Casablanca” de interés, ahora en los últimos días del siglo XX? A sus espaldas hay ya 56 años y eso ya es demasiado tiempo para cualquier película. Los actores que intervinieron ya han muerto, del mismo modo que la mayoría de los técnicos, por lo que ni siquiera se puede revivir su esencia con homenajes. La historia de cómo fue hecha, tan rápida e improvisadamente, forma parte ya de la leyenda de Hollywood.

En cierto sentido, el cine es inmortal. Nos permite ver una y mil veces las mismas escenas, escuchar las mismas voces y hacernos creer que el tiempo se ha detenido, que nadie envejece. Cuando en el siglo XXI las personas vean “Casablanca” no solamente estarán viendo una obra maestra, estarán viéndonos a nosotros, los que vivimos antes que ellos. El único problema es que los técnicos logren preservar del deterioro las cintas maestras, aunque con su pase a los nuevos formatos probablemente esto no será un problema.

“Casablanca”, ha sido restaurada recientemente en formato de 35mm y es posible que se vea mucho mejor que en el momento de su estreno, incluso en la versión para vídeo doméstico. Obviamente, en el formato de láserdisc la calidad está fuera de toda duda.

Aunque la película en su conjunto es de recuerdo imborrable, existen algunas escenas que ya están inmortalizadas, entre ellas cuando Ingrid Bergman, como Ilsa, entra inesperadamente donde está Rick. La otra gran escena, la inmortal, es en el aeropuerto, cuando Rick se despide de Ilsa. Después, entre la niebla, y mientras el avión inicia su vuelo, pasea con el inspector vaticinando el comienzo de una gran amistad. La historia comienza sin que sepamos nada sobre el anterior romance entre Rick e Ilsa en París, y solamente vemos algunas escenas de ambos hablando de situaciones que deben ser descifradas. Sabemos que significan algo, pero todavía no lo entendemos totalmente. Cuando la película continúa, nos llevan a unos recuerdos ambientados en París, en donde nos damos cuenta ya de la profundidad de los sentimientos de Ilsa. La próxima vez que la vemos, entendemos cada palabra entre Ilsa y Rick, cada matiz, cada mirada o cada rechazo.

En cierto sentido la película entera exige el mismo tipo de secuencia repetida, por eso, en la medida en que vemos la película repetidas veces, es cuando más nos gusta. Si la familiaridad hace la película más eficaz, también expone algunas debilidades que no están al principio claras. El personaje de Víctor Laszlo, interpretado por Paul Henreid, no es el mejor de todos. Él es un líder heroico de la resistencia, pero está amargado, nunca ríe y es bastante apático. Cuando al final de la película Rick dice una mentira sobre lo que pasó entre Ilsa y él para conservar la buena imagen de Ilsa a los ojos de Laszlo, a éste apenas parece importarle. De hecho, yo pienso que él no se merece a Ilsa. Cuando Rick le dice que su lugar está al lado de Víctor, no vemos ningún interés de Víctor hacia ella. A la larga se le nota más entusiasmado por su carrera y su heroísmo, y es posible que estuviera arrepentido de que ella se fuera con él en el avión. . Por supuesto, “Casablanca” no es una historia de amor, aunque sí de nobleza. Realizada en una época en la cual parecía probable que los Nazis se extendieran por todo el mundo, hace una defensa de la democracia y se toma en serio los problemas de las personas sencillas. La gran diferencia entre “Casablanca” y casi todas las historias de amor ambientadas en época de guerra realizadas por Hollywood, es que no cree que el amor puede conquistarlo todo.

Para el público es fácil identificarse con alguno de los personajes de “Casablanca”, especialmente con Rick, quien está más interesado en los sentimientos de Ilsa que en los suyos propios. El personaje de Víctor, por el contrario, es muy egoísta porque él quiere tener su pastel y comerlo también. Además, ¿qué miembro de la resistencia arrastraría a una mujer con él, poniendo a ella y a su trabajo en un peligro innecesario? Un verdadero héroe habría insistido en marcharse de Casablanca solo, así lograría cumplir su trabajo y permitiría la felicidad de ella. Claro que esto es fácil decirlo así, a distancia. Víctor, además, parece tonto al no entender lo que existe entre Ilsa y Rick y en la película no muestra ningún sentimiento cuando averigua que ella ama a los dos.

Si fuera verdad, como la leyenda nos dice, que el final de la película no se escribió hasta el último día, y que Ingrid Bergman nunca supo cual de los dos hombres se iría con ella, eso explicaría su aire de estar confusa. Por desgracia, estamos casi seguros que esta leyenda no es cierta, porque el Código de Censura de Hollywood no le habría permitido abandonar al hombre con el cual ella estaba casada legalmente, y dejar atrás al hombre que ella amaba.

No importa que a menudo nosotros oigamos que el final no se entregó hasta el último día de rodaje, puesto que “Casablanca” sólo podría acabar como lo hace. Y no simplemente debido al código, sino también porque todo el fondo moral de la película le exige a Rick que sacrifique a Ilsa.

Incluso Ingrid Bergman está convencida absolutamente de su destino cuando ella se vuelve de un hombre al otro en la pista del aeropuerto. Ella está confundida y triste, y esa duda en presencia del hombre que ama siempre será uno de los momentos más importantes en su carrera de actriz.

La dirección de Michael Curtiz en “Casablanca” es notable para tratarse de un filme de bajo costo. Consigue crear secuencias que nadie podría realizar con tan poco presupuesto, y lo hace de manera sencilla. Principalmente, usa el repertorio básico de la narrativa cinematográfica, descubierta por Griffith, y mostrada en miles de películas anteriores. Según Howard Hawks, hay tres grandes escenas en “Casablanca” y ninguna mala.

Premios
Oscar a la mejor película 1943: Hal B. Wallis
Nominada al mejor Actor 1943: Humphrey Bogart
Nominada al mejor actor secundario 1943: Claude Rains
Oscar al mejor director 1943: Michael Curtiz
Oscar al mejor Guion 1943: Julius J. Epstein, Philip G. Epstein, Howard Koch Nominada a la mejor fotografía en blanco y negro 1943: Arthur Edeson Nominada al mejor filme editado 1943: Owen Marks
Nominada a la mejor música para película 1943: Max Steiner

COMO ELLA SOLA In This Our Life (1942)

97 minutos

Blanco y Negro

Productor: David Lewis
Director: John Huston
Guion: Howard Koch y John Huston
Basado en la novela de: Ellen Glasgow
Fotografía: Ernest Haller
Director musical: Leo F. Forbstein
Compositor: Max Steiner
Efectos especiales: Byron Haskin y Robert Burks Vestuario: Orry-Kelly

Intérpretes:
BETTE DAVIS: Stanley Timberlake OLIVIA DE HAVILLAND: Roy Timberlake GEORGE BRENT: Craig Fleming
DENNIS MORGAN: Peter Kingsmill CHARLES COBURN: William Fitzroy FRANK CRAVEN: Asa Timberlake BILLIE BURKE Lavinia Timberlake HATTIEN McDANIEL: Minerva Clay PETER LORRE:
HUMPHREY BOGART: cliente del Motel

La madre de Stanley (Bette Davis) admira a su cuñado William por tener mucho dinero, aunque es un malvado. También desprecia a su marido que tiene un buen corazón pero apenas logra ganar lo suficiente para su familia. Por eso Stanley, debidamente instruida por su madre, deja a su novio Craig y se fuga con un cirujano adinerado que estaba casado con su hermana. Todo va mal, a pesar del dinero, y Stanley retorna al redil y pretende volver con su antiguo novio Craig, pero él ya no la quiere porque ama a su hermana.

Aunque un poco complicado todo este juego de nombres, la película se complica aún más con un atropello, un juicio, un muchacho inocente, un tío moribundo que necesita amor y nuestra heroína que muere en un accidente.

ACCION EN EL ATLANTICO NORTE Action in the North Atlantic (1943)

127 minutos Blanco y negro

Productor: Jerry Wald
Director: Lloyd Bacon
Guion: John Howard Lawson
Basado en la novela de: Guy Gilpatrick Fotografía: Ted McCord
Director musical: Leo F. Forbstein
Compositor: Adolph Deutsch
Efectos especiales: Jack Cosgrove, Edwin DuPar Maquetas: Perc Westmore
Vestuario: Milo Anderson

Intérpretes:
HUMPHREY BOGART: Joe Rossi
RAYMOND MASSEY: Capitán Steve Jarvis ALAN HALE: Boats O'Hara
JULIE BISHOP: Pearl
RUTH GORDON: Señora Jarvis
SAM LEVENE: Chips Abrams
DANE CLARK: Johnny Pulaski
PETER WHITNEY: Whitey Lara

Conmovedor tributo a un marino mercante de la Segunda Guerra Mundial, con los funcionarios Bogart y Massey, los marineros Alan y Levene, además de una persona muy impetuosa llamada Clark, y Gordon como la esposa de Massey.

SAHARA (1943)

97 minutos
Blanco y negro Columbia

Productor: Harry Joe Brown
Director: Zoltan Korda
Guion: John Howard Lawson, Zoltan Korda y James O'Hanlon Basado en una historia de: Philip MacDonald
Fotografía: Rudolph Maté
Director musical: M.W. Stoloff
Compositor: Miklos Rozsa

Intérpretes:
HUMPHREY BOGART: Sargento Joe Gunn BRUCE BENNETT: Waco Hoyt
LLOYD BRIDGES: Fred Clarkson
REX INGRAM: Sargento Tambul
J. CARROL NAISH: Giuseppe
DAN DURYEA: Jimmy Doyle
RICHARD NUGENT: Capitán Jason Halliday

Bogart encabeza un reparto de actores masculinos que incluyen a J. Carrol Naish y Rex Ingram, en una historia sobre una patrulla perdida en el desierto durante la Segunda Guerra Mundial. Bogart es un sargento a cargo de un tanque americano que se ha separado del resto del Ejército durante la retirada británica a El Alamein. El tanque perdido recoge en su camino a un grupo de personas de diferentes nacionalidades, un tejano, un habitante de Brooklyn, un blanco del sur y un negro del Sudán. Bien narrada y estupendamente fotografiada, la película podría haber sido un melodrama ambientado en tiempos de guerra si no fuera tan ofensivamente didáctica. El Guion original era una historia rusa, escrita por un soviético, y por eso es similar a otras películas rusas.

Premios:

Nominada al mejor actor secundario 1943: J. Carrol Naish Nominada a la mejor fotografía en blanco y negro 1943: Rudolph Maté Nominada al mejor sonido 1943: John Livadary

ADORABLES ESTRELLAS Thank Your Lucky Stars (1943)

127 minutos
Blanco y Negro Warner

Productor: Mark Hellinger Director: David Butler Guion: Norman Panama, Melvin Frank y James V. Kern Basado en la historia de: Everett Freeman y Arthur Schwartz Fotografía: Arthur Edeson
Director musical: Leo F. Forbstein
Efectos especiales: H.F. Koenekamp
Maquetas: Perc Westmore
Coreografía: LeRoy Prinz
Vestuario: Milo Anderson

Intérpretes:
EDDIE CANTOR: Joe Sampson JOAN LESLIE: Pat Dixon
DENNIS MORGAN: Tommy Randolph

Actores invitados:
HUMPHREY BOGART, BETTE DAVIS, OLIVIA DE HAVILLAND, ERROL FLYNN, JOHN GARFIEL, IDA LUPINO, ANN SHERIDAN

Tiempos de guerra para este musical con tintes patrióticos, con el cual la Warner mostraba al público a algunas de sus mejores estrellas reunidas. La fórmula ya había sido utilizada con éxito por la Metro y era la mejor ocasión para satisfacer los deseos de los aficionados.
Bette Davis se atreve a cantar un tema titulado “They're Either Too Young or Too Old”, en el cual se queja de la falta de varones en las ciudades, puesto que la mayoría están en el ejército.

PASAJE PARA MARSELLA Passage to Marseille (1944)

110 minutos Blanco y negro

Productor: Hal B. Wallis
Director: Michael Curtiz
Guion: Casey Robinson y John C. Moffitt
Basado en la novela “Men Without a Country” de: Charles Nordhoff y James Norman Hall
Fotografía: James Wong Howe
Compositor: Max Steiner
Efectos especiales: Jack Cosgrove, Edwin DuPar, Byron Haskin, Roy Davidson y Rex Wimpy
Maquetas: Perc Westmore
Vestuario: Leah Rhodes

Intérpretes:
HUMPHREY BOGART: Matrac CLAUDE RAINS: Capitán Freycinet MICHELLE MORGAN: Paula PHILIP DORN: Renault
SYDNEY GREENSTREET: Maj. Duval PETER LORRE: Marius
GEORGE TOBIAS: Petit
VICTOR FRANCEN: Capitán Patain Malo

La película nos narra la huida de la Isla de Diablo durante la Segunda Guerra Mundial. La narrativa queda estropeada por la confusión entre las escenas retrospectivas que se incluyen dentro de otra escena retrospectiva, lo que genera una confusión total. No es una mala película de guerra, pero es sumamente confusa de entender, a no ser que la veamos de nuevo.

TENER Y NO TENER
To Have and Have Not (1944)

100 minutos Blanco y negro

Productor: Howard Hawks
Director: Howard Hawks
Guion: Jules Furthman y William Faulkner Basado en la novela de: Ernest Hemingway Fotografía: Sid Hickox
Director musical: Leo F. Forbstein
Compositor: Franz Waxman
Efectos especiales: Roy Davidson
Vestuario: Milo Anderson

Intérpretes:
HUMPHREY BOGART: Harry Morgan WALTER BRENNAN: Eddie
LAUREN BACALL: Marie Browning DOLORES MORAN: Helene De Bursac HOAGY CARMICHAEL: Cricket WALTER MOLNAR: Paul De Bursac SHELDON LEONARD: Lt. Coyo MARCEL DALIO: Gerard
WALTER SANDE: Johnson
DAN SEYMOUR: Capitán M. Renard

Ya tenemos a la pareja Bogart y Bacall en su primera película juntos, en donde él es un héroe cínico que encuentra a una guapa y flaca chica en Martinica. Lauren Bacall no estuvo muy acertada en esta su primera intervención en el cine, aunque consiguió que su frase "¿Alguien tiene un fósforo?", pasara a la historia como la pregunta más insolente e insinuante de las demandas. Igualmente memorable es el diálogo en el cual ella le dice que si quiere tenerla solamente tiene que silbar, algo que Bogart empezó a practicar desde ese día con sumo entusiasmo.

Howard Hawks dirigió con ingenio este melodrama de sexo y política en la Segunda Guerra Mundial, basado en una novela de Ernest Hemingway, con William Faulkner y Jules Furthman como guionistas, con lo cual la historia final es obra de dos premios Nobel. Howard Hawks explicó que una vez cuando él y Ernest Hemingway estaban cazando juntos, le había pedido al escritor que le aportara su peor historia para hacer una buena película. Hemingway preguntó cuál era en su opinión la peor y Howard Hawks dijo que “Tener y no Tener”. Según Howard Hawks, Hemingway le explicó entonces que la había escrito sentado en el water en una época en la cual necesitaba dinero. A Hawks le agradó esta presunción, pero junto con los guionistas cambiaron el original, ya que la película trata de lo que ocurría a los personajes antes del principio de la novela. El final de la novela se incluyó en la película “Cayo Largo” y el resto en “The Breaking point”, dirigida por Michael Curtiz, en 1950. Una historia corta, “One Trip Across”, que Hemingway había escrito para añadir a “Tener y no Tener”, se usó para “The Gun Runners”, dirigida por Don Siegel, en 1958.

No hay ninguna duda que Hawks alteró el original de Hemingway para combinar elementos que habían dado buen resultado en “Casablanca” de Curtiz. Esta película pertenece a una época en la cual no había personajes sorpresa y si un hombre era malvado, es que era un Nazi.

Refrescante y osadamente sexy, Lauren Bacall provocó no pocos comentarios obscenos en su estreno cinematográfico. Está especialmente sugestiva cuando canta una canción popular de Andy Williams y aunque solamente sea por eso su debut no pudo ser más afortunado

RETORNO AL ABISMO Conflict (1945)

86 minutos

Blanco y negro

Productor: William Jacobs
Director: Curtis Bernhardt
Guion: Arthur T. Horman y Dwight Taylor
Basado en la historia de: Robert Siodmak y Alfred Neumann Fotografía: Merritt Gerstad
Director musical: Leo F. Forbstein
Compositor: Frederick Hollander
Efectos especiales: Roy Davidson y H.F. Koenekamp Maquetas: Perc Westmore
Vestuario: Orry-Kelly

Intérpretes:
HUMPHREY BOGART: Richard Mason ALEXIS SMITH: Evelyn Turner
SYDNEY GREENSTREET: Dr. Mark Hamilton ROSE HOBART: Katherine Mason
CHARLES DRAKE: Prof. Norman Holdsworth GRANT MITCHELL: Dr. Grant
PATRICK O´MOORE: Detective Lt. Egan

Macabra historia sobre un marido (Bogart) que traza un plan para matar a su esposa (Hobart), para así poder casarse con su hermana (Smith). Película poco convincente.

EL SUEÑO ETERNO The Big Sleep (1946)

114 minutos Blanco y negro Warner

Productor: Howard Hawks
Director: Howard Hawks
Guion: William Faulkner, Jules Furthman y Leigh Brackett Basado en la novela de: Raymond Chandler
Fotografía: Sid Hickox
Director musical: Leo F. Forbstein
Compositor: Max Steiner
Efectos especiales: Roy Davidson
Vestuario: Leah Rhodes

Intérpretes:
HUMPHREY BOGART: Philip Marlowe LAUREN BACALL: Vivian
JOHN RIDGELY: Eddie Mars
LOUIS JEAN HEYDT: Joe Brody ELISHA COOK Jr. Jones
REGIS TOOMEY: Bernie Ohls
SONIA DARRIN: Agnes
BOB STEELE: Canino
MARTHA VICKERS: Carmen
TOM RAFFERTY: Carol Lundgren

Humphrey Bogart es un detective privado en este ingenioso thriller, increíblemente complicado. Es difícil deducir y asimilar todo cuanto ocurre, ni aunque la veamos tres veces. Según dijo Chandler, el autor de la novela original, mientras la película estaba en producción, William Faulkner y los otros guionistas tenían que contar con él para asesorarles, lo que nunca ocurrió.

La historia tiene lugar en una gran ciudad, con personas cambiando de sitio, lo que provoca una gran acción tensa y rápida, dentro de una atmósfera pavorosa. Los personajes son una colección de monstruos malvados y sofisticados, amantes del sexo duro, y unas muchachas apáticas (Lauren Bacall y Martha Vickers), que llevan un mal camino en la vida. También hay drogadictos, ninfómanas ( Dorothy Malone seduce al héroe), y asesinos. Todos ellos hablan fatal, con numerosas palabrotas, como si ése fuera un nuevo estilo del idioma, y el espectador educado termina por no entender muchas de sus palabras.

Aquí las malvadas son las mujeres, ricas gracias a la fortuna de su padre, quien no supo hacerlas entender que cada cual debe ganarse su propio dinero con el sudor de su frente, tal y como El Evangelio dice muy acertadamente. Ellas solamente quieren seducir y burlarse de sus amantes, y la muerte de sus contrincantes es siempre motivo de alegría, nunca de reflexión. Marlow (Bogart), siempre en medio de todo tratando de impactir justicia, recibe palos y balazos en cada escena, pero su sangre se le coagula pronto, lo mismo que su miedo.

Se realizó un remake en 1978 con Robert Mitchum como protagonista.

TWO GUYS FROM MILWAUKEE (1946)

90 minutos

Blanco y negro

Productor: Alex Gottlieb
Director: David Butler
Guion: Charles Hoffman y I.A.L. Diamond Fotografía: Arthur Edeson
Compositor: Frederick Hollander
Maquetas: Perc Westmore

Intérpretes:
DENNIS MORGAN: Príncipe Henry JOAN LESLIE: Connie Reed
JACK CARSON: Buzz Williams
JANIS PAIGE: Polly
S.Z. SAKALL: Count Oswald
ROSEMARY DeCAMP: Nan
LAUREN BACALL: Como ella misma HUMPHREY BOGART: Como él mismo

Historia intrascendente sobre un príncipe europeo llamado Henry (Morgan), muy americanizado por su tutor Williams (Carson). Aunque no es una película interpretada por Bogart, su pequeña intervención puede justificar una revisión por sus fans.

LA SENDA TENEBROSA Dark Passage (1947)

106 minutos Blanco y negro Warner

Productor: Jerry Wald
Director: Delmer Daves
Guion: Delmer Daves
Basado en la novela de: David Goodis Fotografía: Sid Hickox
Director musical: Leo F. Forbstein Compositor: Franz Waxman
Efectos especiales: H.F. Koenekamp Maquetas: Perc Westmore
Vestuario: Bernard Newman

Intérpretes:
HUMPHREY BOGART: Vincent Parry LAUREN BACALL: Irene Jansen BRUCE BENNETT: Bob
AGNES MOOREHEAD: Madge Rapf TOM D´ANDREA: Sam
CLIFTON YOUNG: Baker
DOUGLAS KENNEDY: Detective RORY MALLINSON: George Fellsinger

El título en inglés “Dark” pudiera dar la impresión de que nos encontramos ante una película de argumento siniestro, como en “The Dark corner”, “Dark waters” o The Dark mirror”, y esa conclusión no está del todo desacertada. Este dúo interpretativo entre Bogart y Bacall nos muestra a un acusado de asesinato, Bogart, quien se tiene que esconder en el apartamento que tiene Bacall en San Francisco, mientras espera una operación de cirugía plástica. Con sus vendas en la cabeza, no puede hacer muchos gestos, excepto la inclinación de su cabeza mientras Bacall lo alimenta a través de un tubo de cristal. En los momentos de tensión, ella dilata sus orificios nasales y Bogart sufre porque ni siquiera puede hacer eso.

La película mantiene cierto interés por la actuación de la pareja protagonista, aunque también hay que destacar la presencia de Agnes Moorehead, como la villana.

CALLEJON SIN SALIDA Dead Reckoning (1947)

100 minutos

Blanco y negro

Columbia

Productor: Sidney Biddell
Director: John Cromwell
Guion: Oliver H.P. Garrett, Steve Fisher y Allen Rivkin
Basado en una historia inédita de: Gerald Drayson Adams y Sidney Biddell Fotografía: Leo Tover
Director musical: M.W. Stoloff
Compositor: Marlin Skiles
Maquetas: Clay Campbell
Vestuario: Jean Louis

Intérpretes:
HUMPHREY BOGART: Rip Murdock LIZABETH SCOTT: Coral Chandler MORRIS CARNOVSKY: Martinelli CHARLES CANE: Lt. Kincaid
WILLIAM PRINCE: Johnny Drake MARVIN MILLER: Krause
WALLACE FORD: McGee
ROBERT SCOTT: Band Leader

Un melodrama de Bogart poco gratificante, especialmente por lo vulgar del argumento. Hay escenas que parecen copiadas de otros filmes en los cuales trabajaban Mary Astor y Lauren Bacall, pero que ahora, con Lizabeth Scott, son totalmente ingratos. La señorita Chandler (Scott) traiciona a un amigo de Rip (Bogart), y cuando él la entrega a las autoridades le amenaza diciéndole que le va a freír vivo. En otra escena le seduce pidiéndole que junten sus orificios nasales y cuando él se niega le pregunta si es porque no le quiere. Bogart, lógicamente, sonríe con desprecio, aunque podemos ver que en el fondo la quiere pero no le gusta que le hagan proposiciones deshonestas de ese modo.

LAS DOS SEÑORAS CARROLLS The Two Mrs. Carrolls (1947)

99 minutos

Blanco y Negro

Productor: Mark Hellinger
Director: Peter Godfrey
Guion: Thomas Job
Basado en la obra de: Martin Vale Fotografía: Peverell Marley
Director musical: Leo F. Forbstein Compositor: Franz Waxman
Efectos especiales: Robert Burks Maquetas: Perc Westmore
Vestuario: Edith Head y Milo Anderson

Intérpretes:
HUMPHREY BOGART: Geoffrey Carroll BARBARA STANWYCK: Sally Morton Carroll ALEXIS SMITH: Cecily Latham
NIGEL BRUCE: Dr. Tuttle
ISOBEL ELSOM: Señora Latham
PATRICK O´MOORE: Charles Fennington ANN CARTER: Beatrice Carroll

Drama sobre un asesinato espectacular con Bogie en el papel de un artista psicópata que pinta a las esposas como Ángeles de la Muerte, y después las mata. Barbara Stanwyck logra una buena interpretación aportando toda clase de rostros temerosos cuando percibe que ella es la próxima víctima.

ALWAYS TOGETHER (1948)

78 minutos
Blanco y negro Warner Bros

Productor: Alex Gottlieb Director: Frederick de Cordova
Guion: Phoebe Ephron, Henry Ephron y I.A.L. Diamond Fotografía: Carl Guthrie
Compositor: Werner R. Heymann
Efectos especiales: William McGann y Edwin DuPar Maquetas: Perc Westmore
Vestuario: Travilla

Intérpretes:
ROBERT HUTTON: Donn Masters JOYCE REYNOLDS: Jane Barker CECIL KELLAWAY: Jonathan Turner ERNEST TRUEX: Señor Bull
DON McGUIRE: McIntyre
RANSON SHERMAN: Juez
DOUGLAS KENNEDY: Doberman HUMPHREY BOGART

Un millonario que está a punto de morir, interpretado por Cecil Kellaway, le da todos sus bienes a la joven Jane (Reynolds), descubriendo que esto le ayuda bastante en su salud. Película a descubrir solamente por las pequeñas intervenciones de Bogart y otros actores que no figuran en los títulos de crédito.

CAYO LARGO Key Largo (1948)

101 minutos Blanco y negro Warner

Productor: Jerry Wald
Director: John Huston
Guion: Richard Brooks
Basado en la obra de: Maxwell Anderson
Fotografía: Karl Freund
Compositor: Max Steiner
Efectos especiales: William McGann y Robert Burks Maquetas: Perc Westmore
Vestuario: Leah Rhodes

Intérpretes:
HUMPHREY BOGART: Frank McCloud EDWARD G. ROBINSON: Johnny Rocco LAUREN BACALL: Nora Temple
LIONEL BARRYMORE: James Temple CLAIRE TREVOR: Gaye Dawn
THOMAS GOMEZ: Curley
HARRY LEWIS: Toots
JOHN RODNEY: Diputado Sawyer de Clyde DAN SEYMOUR: Angel Garcia

Basada en una aburrida obra de Maxwell Anderson, parecía bastante improbable que John Huston lograra hacer una buena película, pero asuntos más difíciles ha sacado adelante. Dirigida sutilmente consigue llevarla a buen fin, aunque para ello tuviera que cambiar sensiblemente la base argumental gracias al guionista Richard Brooks. El resultado es una película entretenida, bien dirigida y que proporciona agrado a cualquier espectador.

La historia comienza en un viejo hotel de Florida, en el cual pronto se dan cita algunos gángsters. Bogart interpreta a un comandante veterano de la Segunda Guerra Mundial, quien va al hotel que está dirigido por la viuda Nora (Lauren Bacall) y su padre James (Lionel Barrymore). El comandante está desilusionado por los efectos de la guerra, pero cuando los gángsters (quienes son peores que Hitler), llegan al hotel, se da cuenta que debe volver a la acción bélica.

Bogart enamora a Bacall, la guapa chica que esconde un cadáver. Hay una imagen memorable cuando Edward G. Robinson, como el jefe de los malos, mantiene su puro en la boca mientras está en la bañera. Según Huston, se parecía a un cangrejo fuera de su cáscara. Y para que no nos aburramos, encontramos a Hitler preocupado por su envejecimiento, y a una señora borracha interpretada por Claire Trevor (ganó el Oscar a la Mejor actriz secundaria).

EL TESORO DE SIERRA MADRE The Treasure of the Sierra Madre (1948)

124 minutos Blanco y negro Warner

Productor: Henry Blanke
Director: John Huston
Guion: John Huston
Basado en la novela de: Berwick Traven Torsvan Fotografía: Ted McCord
Director musical: Leo F. Forbstein
Compositor: Max Steiner
Efectos especiales: William McGann y H.F. Koenekamp Maquetas: Perc Westmore

Intérpretes:
HUMPHREY BOGART: Fred C. Dobbs WALTER HUSTON : Howard
TIM HOLT : Curtin
BRUCE BENNETT: Cody
BARTON MacLANE: McCormick ALFONSO BEDOYA: Gold Hat JOSE TORVAY: Pablo
MARGARITO LUNA: Pancho

Una película excepcional sobre el western americano. Tres hombres abandonan una zona de excavaciones de oro en Méjico una vez que descubren una mina. Fred C. Dobbs (Bogart) es el tipo duro algo paranoico, Howard (Walter Huston) es el viejo buscador sin dientes, pero bastante listo, y Curtin (Tim Holt) es un hombre joven algo tonto, pero honrado.

Basada en la novela de Traven, y reformada en el Guion por el veterano Huston, los primeros 20 minutos nos sitúan en Tampico (Méjico), con Bogart y Barton MacLane. John Huston intentó hacer una película aún mejor que “El Halcón Maltés”, sólida y de poco presupuesto, pero se quedó solamente en una buena intención. Hay una escena en la cual la lectura de una carta escrita por la esposa de Cody (Bruce Bennett) es tan falsa que nos hace creer que Huston estaba durmiendo en aquél momento. No obstante, si la analizamos en su conjunto, la película es buena, con un interés creciente y en ningún modo defrauda. En su momento no fue un éxito económico, quizá porque aún estaba muyreciente el tremendo impacto de “Casablanca”.

Premios:

Nominada a la mejor película 1948: Henry Blanke Oscar al mejor actor secundario 1948: Walter Huston Oscar al mejor director 1948: John Huston Oscar al mejor Guion 1948: John Huston

LLAMAR A CUALQUIER PUERTA Knock on Any Door (1949)

100 minutos Blanco y negro Columbia

Productor: Robert Lord
Director: Nicholas Ray
Guion: Daniel Taradash y John Monks Jr. Basado en la novela de: Willard Motley Fotografía: Burnett Guffey
Director musical: M.W. Stoloff
Compositor: George Antheil
Maquetas: Clay Campbell
Vestuario: Jean Louis

Intérpretes:
HUMPHREY BOGART: Andrew Morton JOHN DEREK: Nick Romano
GEORGE MACREADY: Attorney Kerman ALLENE ROBERTS: Emma
SUSAN PERRY: Adele
MICKEY KNOX: Vito
BARRY KELLY: Juez Drake

John Derek es un joven delincuente que comienza su carrera en el crimen matando a un policía, y Humphrey Bogart es el abogado que lo defiende.

Cuando les vemos charlando sobre la defensa, nos muestran algunas escenas retrospectivas, mediante las cuales sabemos que su padre murió en prisión, a él le enviaron a un reformatorio, y la madre se suicidó. Seguramente el chico pensó que la mejor manera de solucionar sus traumas infantiles era matando a un policía. Luego vemos cómo Bogart renuncia a defenderle por considerar que el chico no tiene remedio, que es un delincuente nato y que gusta de robar y golpear a los propietarios de pequeñas tiendas. El chico cambia cuando se enamora de una guapa chica, decente y muy sobria vistiendo, que debe cuidar de su tía enferma mientras atiende su pequeño negocio. Allí había entrado nuestro amigo Romano para robar, pero cuando mira los ojos de la dependienta se gasta el poco dinero que tiene en comprar cosas inútiles. La delicada sonrisa de la chica le hará ir poco a poco por el camino correcto.

SECUESTRO Tokyo Joe (1949)

88 minutos

Blanco y negro

Productor: Robert Lord
Director: Stuart Heisler
Guion: Cyril Hume, Bertram Millhauser y Walter Doniger Basado en la historia de: Steve Fisher
Fotografía: Charles Lawton Jr.
Director musical: M.W. Stoloff
Compositor: George Antheil
Maquetas: Clay Campbell
Vestuario: Jean Louis

Intérpretes:
HUMPHREY BOGART: Joe Barrett ALEXANDER KNOX: Mark Landis FLORENCE MARLY: Trina
SESSUE HAYAKAWA: Baron Kimura JEROME COURTLAND: Danny GORDON JONES: Idaho

Película de poco interés sobre un americano (Bogart) en tiempos de la posguerra que se dedica a pasar contrabando desde Tokio y es chantajeado por causa de su ex-esposa y niño.

UNA LLAMA EN EL ESPACIO Chain Lightning (1950)

94 minutos

Blanco y negro

Director: Stuart Heisler

Intérpretes:
HUMPHREY BOGART ELEANOR PARKER RAYMOND MASSEY RICHARD WHORF

Después de la Segunda guerra Mundial, el piloto de un bombardero (Bogart), se pone a trabajar como piloto de pruebas para un fabricante (Massey) de motores a reacción. Hay algo de rivalidad sentimental entre el inventor de los motores (Whorf) y Bogart, a causa de su mujer (Eleanor).

EN UN LUGAR SOLITARIO In a Lonely Place (1950)

91 minutos
Blanco y negro Columbia

Productor: Robert Lord y Henry S. Kesler
Director: Nicholas Ray
Guion: Andrew Solt
Basado en una historia de: Edmund H. North, desde la novela de: Dorothy B. Hughes Fotografía: Burnett Guffey
Director musical: M.W. Stoloff
Compositor: George Antheil
Maquetas: Clay Campbell
Vestuario: Jean Louis

Intérpretes:
HUMPHREY BOGART: Dixon Steele GLORIA GRAHAME: Laurel Gray FRANK LOVEJOY: Brub Nicolai
CARL BENTON REID: Capitán Lochner ART SMITH: Mel Lippman
JEFF DONNELL: Sylvia Nicolai
MARTHA STEWART: Mildred Atkinson ROBERT WARWICK: Charlie Waterman HADDA BROOKS: Cantante

Bogart es ahora un cínico escritor de Hollywood llamado Dixon Steele, envuelto en un asfixiante y frustrante melodrama sobre un asesinato. Dirigida por Nicholas Ray, le vemos hablando con una mujer muy elegante, quien debería aprobar el Guion que él ha escrito para una película. Ella no quiere leerlo y para motivarla la invita a cenar, pero antes de que acuda ella es asesinada.

La policía piensa que Bogart lo hizo y todo se le complica cuando la chica de la que está enamorado (Gloria Grahame), le culpa también y entonces casi la estrangula de rabia. Agobiado por la persecución policial se encuentra perdido en un callejón sin salida.

La película carece de suficientes ideas para que resulte creíble, los diálogos son superficiales y Nicholas Ray no parece moverse a gusto con un presupuesto económico tan bajo. Las malas lenguas dicen que Gloria Grahame y Nicholas Ray, matrimonio en la vida real, se separaron inmediatamente después del estreno del filme, responsabilizándose ambos del fracaso.

LA REINA DE AFRICA The African Queen (1951)

105 minutos Color

Productor: Sam Spiegel
Director: John Huston
Guion: James Agee y John Huston Basado en la novel de: C.S. Forester Fotografía: Jack Cardiff
Compositor: Allan Gray

Intérpretes:
HUMPHREY BOGART: Charlie Allnut KATHARINE HEPBURN: Rose Sayer ROBERT MORLEY: Reverendo Samuel Sayer PETER BULL: Capitán
THEODORE BIKEL: 1º Funcionario
WALTER GOTELL: 2º Funcionario
GERALD ONN: El pequeño funcionario

Un comerciante, Charlie Allnut (Humphrey Bogart), está navegando con su barco de vapor, La Reina de Africa, aportando suministros a los pequeños pueblos de Africa Oriental durante la Primera Guerra Mundial. Llega a un pueblo que está dominado por un misionero británico malhumorado, el reverendo Samuel Sayer (Robert Morley). Allí está también su solterona hermana, Rose Sayer (Katharine Hepburn), quién se consagra absolutamente a su hermano. Ella cuida a los enfermos, toca el órgano en la iglesia, y controla a sus feligreses para que todo se parezca lo más posible a su Inglaterra. Charlie piensa que la pareja de hermanos están un poco locos, pero trata de sobrellevarles con bromas y aportando algo de alegría al lugar. Tampoco se olvida de su habitual taza de té y de pedir comida.

Una vez que el barco está cargado de suministros, sale para entregarlos a su destino y vuelve de nuevo a la misión. Allí se encuentra con la triste situación de que el poblado ha sido invadido por las tropas alemanas y han matado al reverendo y destruido todas las instalaciones. Charlie se ofrece para devolver a la mujer a la civilización. Se pone de nuevo en marcha con su destartalada embarcación, ahora con Rose a bordo, y pronto se da cuenta del tremendo error que ha cometido al admitir a tan insoportable mujer. Lo primero que ella hace es tirarle la ginebra al agua, aunque él encuentra nuevos suministros y aprovecha para insultarla y decirla lo fea y loca que está. Rose decide que la solución a todo estriba en tirar todo el licor por la borda.

La guerra en el mundo continúa y Rose le propone un plan para unir sus esfuerzos contra los alemanes. Ella sugiere que naveguen río abajo desde Ulonga-Bora a un lago en Africa Central donde ellos hundirán la poderosa nave alemana Louisa. Charlie piensa que ella está loca, pero su persistencia le agota y claudica. El barco inicia entonces una escalofriante aventura por aguas turbias y revueltas, mientras que el asombrado Charlie se pregunta la razón por la cual está haciendo tal estupidez. Pasando mucha hambre y cayendo enfermos, ambos terminan enamorados y deciden acostarse juntos para esperar la muerte. El viento les lleva finalmente fuera del lago donde ellos se recuperan y se topan con la nave enemiga. Charlie diseña un torpedo rudimentario y lo inserta a través de unos agujeros en el casco del buque. Realizan un ataque nocturno contra el Louisa, pero una tormenta provoca el vuelco del barco y son recogidos por el buque de guerra alemán. Cuando les recibe el capitán Peter Bull, les hace ver su condición de espías y su condena a muerte.

Demandando una última voluntad, le piden que les case. Con las sogas alrededor de sus cuellos, Rose y Charlie intercambian piropos y sonrisas. Todo parece perdido pero en el último momento el torpedo armado en el viejo barco hace explosión y hunde el buque de guerra. Charlie y Rose se van nadando hasta la orilla alegremente, felices por ser marido y mujer, además de considerarse unos saboteadores con éxito.

El Guion de “La Reina de Africa” fue retocado p or John Huston y transformó el drama original casi en una comedia romántica. El resultado es una película de acción alegre y con gran humanidad. Los exteriores se rodaron en Penthierville, en el Río Lualaba, y Huston decidió que el barco Reina viajara 1.500 millas para llegar a un gigantesco lago que se encuentra en Uganda, lo que generó grandes problemas a todos. Muchas personas se pusieron enfermas, e incluso Lauren Bacall que estaba viajando con su marido Bogart. Parece ser que solamente Bogart y Huston evitaron caer enfermos utilizando las botellas de ron como medicina. Inmunizados, Huston y Bogart se dedicaron a gastar bromas a Hepburn, hasta que ella se enojó seriamente.

Premios

La buena camaradería que reinó durante todo el rodaje permitió que Hepburn realizara una de sus mejores actuaciones y Bogart consiguió por fin ganar su primer Oscar como el mejor actor. Hepburn también fue nominada pero perdió a favor de Vivien Leigh en “Un tranvía llamado deseo” (1951).

Huston fue nominado para el mejor director, y también se nominaron él y Agee por el mejor guion.

SIN CONCIENCIA The Enforcer (1951)

87 minutos
Blanco y negro Warner

Productor: Milton Sperling Director: Bretaigne Windust Guion: Martin Rackin
Fotografía: Robert Burks Compositor: David Buttolph

Intérpretes:
HUMPHREY BOGART: Martin Ferguson ZERO MOSTEL: Big Babe Lazich TED DE CORSIA: Joseph Rico
EVERETT SLOANE: Albert Mendoza ROY ROBERTS: Capitán Frank Nelson LAWRENCE TOLAN: Duke Malloy KING DONOVAN: Sargento Whitlow BOB STEELE: Herman

Este melodrama, inspirado en unas noticias que aparecieron en los periódicos sobre la organización de asesinos conocida como Asesinato, S.A., tiene unas secuencias iniciales muy buenas, tensas, con Humphrey Bogart como un detective privado intentando proteger al gángster Joseph (Ted de Corsia). Este hombre debe testificar en un juicio esa misma mañana.

En unas escenas retrospectivas, vemos que las cosas han sido muy complicadas hasta llegar allí. El problema es que los saltos en el tiempo no están bien definidos, crean confusión y en lugar de aumentar la tensión aburren. Bogart, que parece ser más un fiscal que un investigador privado, no logra tampoco una buena actuación.

Las mujeres (Adelaide Klein, Pat Joiner, y Susan Cabot) no aportan nada esencial en el argumento, siendo tratadas más como accesorios bonitos que como parte importante para la historia. Afortunadamente existe una buena fotografía obra de Robert Burks, astutamente diseñada.

La película fue realizada por una compañía independiente.

SIROCO. Sirocco (1951)

98 minutos

Blanco y negro

Productor: Robert Lord
Director: Curtis Bernhardt
Guion: A.I. Bezzerides y Hans Jacoby
Basado en la novela “Coup de Grace” de: Joseph Kessel Fotografía: Burnett Guffey
Director musical: M.W. Stoloff
Compositor: George Antheil
Maquetas: Clay Campbell

Intérpretes:
HUMPHREY BOGART: Harry Smith MARTA TOREN: Violette
LEE J. COBB: Coronel Feroud EVERETT SLOANE: General LaSalle GERALD MOHR: Maj. Leon
ZERO MOSTEL: Balukjian
NICK DENNIS: Nasir Aboud
ONSLOW STEVENS: Emil Hassan

El Siroco es un viento huracanado que recorre los desiertos del norte de Africa, incluida Siria. En esta ocasión Bogart representa a un aventurero norteamericano que colabora con las fuerzas rebeldes durante el año 1920. Cualquier parecido con “Casablanca” es mera coincidencia.

EL CUARTO PODER Deadline U.S.A. (1952)

87 minutos

Blanco y negro

Productor: Sol C. Siegel
Director: Richard Brooks
Guion: Richard Brooks
Fotografía: Milton Krasner
Director musical: Lionel Newman
Compositor: Cyril J. Mockridge y Sol Kaplan Efectos especiales: Ray Kellogg
Maquetas: Ben Nye
Vestuario: Elois Jenssen y Charles LeMaire

Intérpretes:
HUMPHREY BOGART: Ed Hutcheson ETHEL BARRYMORE: Señora Garrison KIM HUNTER: Nora
ED BEGLEY: Frank Allen
WARREN STEVENS: Burrows
PAUL STEWART: Thompson
MARTIN GABEL: Rienzi

La historia rutinaria de un periódico que trata de sobrevivir realizando un periodismo honrado y cívico, algo inédito en cualquier época y menos ahora. Bogart es el editor honrado que no quiere prostituirse por dinero. Buen argumento y correcta dirección a cargo de Brooks.

ROAD TO BALI (1952)

90 minutos Color

Productor: Harry Tugend
Director: Hal Walker
Guion: Frank Butler, Hal Kanter y William Morrow Basado en la historia de: Butler y Tugend Fotografía: George Barnes
Director musical: Joseph J. Lilley
Coreografía: Charles O'Curran Vestuario: Edith Head

Intérpretes:
BOB HOPE: Harold Gridley BING CROBY: George Cochran DOROTHY LAMOUR: Lalah MURVYN VYE: Ken Arok PETER COE: Gung
RALPH MOODY: Bhoma Da HERMAN CANTOR: Priest KATHARINE HEPBURN HUMPHREY BOGART

La serie de películas “Camino a...” fueron un extraordinario éxito de taquilla en los Estados Unidos, figurando algunas de ellas como las de mayor recaudación durante muchos años. En esta ocasión estrenaban el color, y tuvieron numerosas estrellas invitadas, entre ellos Hepburn y Bogart. Aunque sencilla en su argumento, la pareja de protagonistas tenían la suficiente experiencia juntos como para proporcionar un buen espectáculo musical y cómico.

Carolyn Jones realiza su debut en el cine.

CAMPO DE BATALLA Battle Circus (1953)

90 minutos

Blanco y negro

Director: Richard Brooks

Guion: Richard Brook

Intérpretes:
HUMPHREY BOGART JUNE ALLYSON
KEENAN WYNN
ROBERT KEITH
PHILIP AHN

Un cuento sobre un batallón militar durante la Guerra coreana, bien interpretado por actores de prestigio. Posee momentos excitantes, aunque el romance entre el cirujano Bogart y la enfermera Allyson, distrae bastante la atención del tema principal.

LA CONDESA DESCALZA The Barefoot Contessa (1954)

128 minutos Color

United Artists Productor: Joseph L. Mankiewicz

Director: Joseph L. Mankiewicz

Guion: Joseph L. Mankiewicz

Fotografía: Jack Cardiff

Compositor: Mario Nascimbene Vestuario: Sorelle Fontana

Intérpretes:
HUMPHREY BOGART: Harry Dawes
AVA GARDNER: María Vargas
EDMOND O’BRIEN: Oscar Muldoon
MARIUS GORING: Alberto Bravano
VALENTINA CORTESE: Eleanora Torlato-Favrini

ROSSANO BRAZZI: Vincenzo Torlato-Favrini ELIZABETH SELLARS: Jerry
WARREN STEVENS: Kirk Edwards

Joseph L. Mankiewicz, como escritor y director, intenta demostrarnos a todos que las estrellas de Hollywood son magníficas, aunque fracasa en su intento.

El Guion nos introduce en la vida de una bailarina de flamenco, María Vargas (Ava Gardner), quien es descubierta en los barrios bajos de Madrid por un productor y millonario vicioso (Warren Stevens). Él contrata a un agente artístico (Edmond O'Brien), y a un director aficionado a la bebida (Humphrey Bogart), para que lleven la película.

Pronto, su interés en la chica es recompensado y ella triunfa fascinando a los espectadores, aunque solamente se siente atraída por hombres desagradables. La película muestra de una manera estereotipada la vida en España, por lo que resulta poco creíble y sin interés. Por si fuera poco, su príncipe azul es impotente.

Con semejante argumento era casi imposible que Mankiewicz realizara una buena película y mucho menos que mostrara una imagen de España que se aproximara a la realidad.

Premios:

Oscar al mejor actor secundario 1954: Edmond O'Brien Nominada al mejor Guion 1954: Joseph L. Mankiewicz

LA BURLA DEL DIABLO Beat the Devil (1954)

89 minutos

Blanco y negro

Director: John Huston
Guion: John Huston y Truman Capote Basado en la novela de: James Helvick

Fotografía: Oswald Morris
Director musical: Lambert Williamson

Compositor: Franco Mannino

Intérpretes:
HUMPHREY BOGART: Billy Dannreuther GINA LOLLOBRIGIDA: María Dannreuther JENNIFER JONES: Gwendolyn Chelm ROBERT MORLEY: Peterson. PETER LORRE: O'Hara. EDWARD UNDERDOWN: Harry Chelm IVOR BARNARD: Mayor Ross

Cinco hombres desesperados, Billy (Humphrey Bogart), O'Hara (Peter Lorre), Peterson (Robert Morley), Mayor Ross (Ivor Barnard), y Ravello (Marco Tulli), andan detrás de una mina de uranio situada en la zona este de Africa. Su barco ha llegado a Italia y allí Billy lo primero que hace es casarse con María (Gina Lollobrigida), algo nada sorprendente.

Billy y María se encuentran a otra pareja, Gwendolyn (Jennifer Jones) y Harry (Edward Underdown). Ella está tan enamorada que no se da cuenta que su amor es un farsante. Gwendolyn roba parte de las pertenencias de los cinco socios, pero estos creen que la culpa es de Billy, cuando en realidad es el único que se da cuenta de todo. María está a favor de Harry.

El barco pone rumbo a Africa y una tormenta le hace zozobrar, siendo rescatados por unos árabes hostiles. Afortunadamente logran evitar que les maten cuando Billy dice que les puede proporcionar la oportunidad para encontrarse con su actriz favorita, Rita Hayworth. Harry se ha ahogado durante la tormenta y pronto la policía italiana detiene a los cuatro socios. En ese momento Gwendolyn recibe un telegrama de su marido Harry todavía vivo y todos se enteran que por fin llegó a Africa y adquirió la mina de uranio que tanto anhelaban.

Lo que parecía una historia de aventuras se convierte en una extraña comedia. El problema es que el director no acierta a definirse y el espectador navega entre dos estilos aparentemente incompatibles. John Huston, trabajando con un buen Guion de Truman Capote, intentaba parodiar sus anteriores películas, incluso a “El Halcón Maltés” (1941), “El Tesoro de Sierra madre” (1948), y “Cayo Largo” (1948). Bogart que, por supuesto, trabajaba en esas películas, parece estar cómodo con este tipo de filmes y realiza una buena interpretación.

El humor de la película no está bien definido, y quizá ahí está la causa de su poca aceptación popular. Hoy en día se ve con bastante más benevolencia.

EL MOTIN DEL CAINE The Caine Mutiny (1954)

125 minutos Color

Productor: Stanley Kramer
Director: Edward Dmytryk
Guion: Stanley Roberts y Michael Blankfort Basado en la obra y novela de: Herman Wouk

Fotografía: Franz Planer
Compositor: Max Steiner
Efectos especiales: Lawrence Butler Maquetas: Clay Campbell
Vestuario: Jean Louis

Intérpretes:
HUMPHREY BOGART: Capitán Philip Francis Queeg

JOSÉ FERRER: Teniente Barney Greenwald

VAN JOHNSON: Teniente Steve Maryk
FRED MacMURRAY: Teniente Tom Keefer

ROBERT FRANCIS: Ens. Willie Keith
MAY WYNN: May Wynn
TOM TULLY: Capitán DeVriess
LEE MARVIN: Meatball

Willie Keith (Robert Francis), el Teniente Steve Maryk (Van Johnson), y el Teniente Tom Keefer (Fred MacMurray), están a bordo del buque El Caine, un destructor antisubmarinos, durante la Segunda Guerra Mundial. El Capitán De Vriess (Tully) es reemplazado por el Capitán Philip Francis Queeg (Humphrey Bogart), quien nada más hacerse con el mando mantiene una férrea disciplina a la tripulación, especialmente en lo concerniente a la limpieza. En su intento por mantener una nave limpia, abandona sus obligaciones más urgentes y pronto pierde el control de la nave que gira a la deriva. Otras circunstancias someten a una gran tensión al capitán Queeg y el teniente Maryk empieza a pensar que la conducta del capitán está desequilibrada. Junto al teniente Tom Keefer planean quitarle el mando y aprovechando una tormenta, en la cual el capitán Queeg parece indeciso, el teniente Maryk hace uso de una ley de la armada que le faculta para hacerse con el mando, y destituye a su capitán. La nave logra llegar a puerto, pero el teniente Maryk es sometido a un consejo de guerra.

Durante el juicio, el teniente Barney Greenwald (José Ferrer) es nombrado defensor del joven lugarteniente, mientras que el teniente Comandante Challee (E.G. Marshall) habla en nombre de la Armada. La evidencia demuestra que el teniente Maryk asumió la responsabilidad de tomar el mando de la nave, apoyado por sus compañeros. Finalmente, en un desenlace extraordinario, el teniente Greenwald trata de demostrar el desequilibrio mental del capitán Queeg, sometiéndole a una fuerte tensión durante el proceso. En la escena más famosa de la película, cuando el capitán Queeg maneja con insistencia sus bolas de acero entre sus dedos, en un intento de aliviar su tensión, los otros funcionarios navales comprenden que efectivamente la tensión del momento desequilibró al veterano capitán. Los cargos contra el teniente Maryk son retirados. Después, durante la celebración, el teniente Greenwald llega y dice a toda la tripulación que el capitán Queeg es un gran oficial que había ejercido con eficacia su trabajo durante años, mucho antes de que ellos llegaran a la Armada. Ante el asombro de todos, arroja al teniente Keefer su copa de champán en señal de desprecio.

Las escenas con Bogart en el juicio, moviendo sus bolas de acero, han pasado a la historia del cine norteamericano. Por el contrario, la historia de amor entre Wynn y Willie Keith, añadida para aliviar la tensión del espectador, no aporta nada bueno al filme, y fueron añadidas por el guionista, ya que en la obra original no existían. Cuando le preguntaron a Bogart cómo logró manejar tan hábilmente la personalidad paranoica de Queeg, dijo: "Simple, todos sabemos que yo estoy chiflado".

Nominada a la mejor película 1954: Stanley Kramer
Nominada para el mejor actor 1954: Humphrey Bogart
Nominada para el mejor actor secundario 1954: Tom Tully
Nominada para el mejor Guion 1954: Stanley Roberts
Nominada para el mejor filme editado 1954: William Lyon, Henry Batista Nominada para la mejor música 1954: Max Steiner
Nominada para el mejor sonido de grabación 1954: John P. Livadary

SABRINA (1954)

113 minutos

Blanco y negro

Paramount

Productor: Billy Wilder
Director: Billy Wilder
Guion: Billy Wilder, Samuel Taylor y Ernest Lehman Basado en la obra “Sabrina Fair” de: Taylor Fotografía: Charles Lang
Compositor: Frederick Hollander
Efectos especiales: John P. Fulton y Farciot Edouart Maquetas: Wally Westmore
Vestuario: Edith Head

Intérpretes:
HUMPHREY BOGART: Linus Larrabee AUDREY HEPBURN: Sabrina Fairchild WILLIAM HOLDEN: David Larrabee WALTER HAMPDEN: Oliver Larrabee JOHN WILLIAMS: Thomas Fairchild MARTHA HYDER: Elizabeth Tyson JOAN VOHS: Gretchen Van Horn MARCEL DALIO: Baron

Audrey Hepburn realiza una interpretación encantadora como una chica de clase humilde enamorada de un guapo millonario de Isla Larga. Al igual que una Cenicienta o la reconvertida muchacha de Pigmalión, ella cautiva al espectador haciendo de la hija de un modesto chófer que está enamorada de un playboy llamado David (William Holden), hijo del patrón de su padre (Walter Hampden). Hay también otro hijo más viejo, un hombre que ha sabido manejar bien las finanzas, de nombre Linus (Humphrey Bogart), que no quiere que la muchacha se case con el hermano más joven.

Billy Wilder dirigió con acierto esta novela de amor basada en la obra de Samuel Taylor “Sabrina Fair”, aunque en ella el personaje de Bogart era bastante mayor y menos educado.

Hay un remake en 1955 con Harrison Ford emulando a Bogart.

Nominada a la mejor actriz 1954: Audrey Hepburn

Nominada al mejor director 1954: Billy Wilder

Nominada al mejor Guion 1954: Billy Wilder, Samuel Taylor, Ernest Lehman

Nominada para la mejor dirección artística y decoración 1954: Hal Pereira, Walter Tyler, Sam Comer y Ray Moyer

Nominada a la mejor fotografía en blanco y negro 1954: Charles B. Lang, Jr.

Oscar al mejor vestuario 1954: Edith Head

HORAS DESESPERADAS The Desperate Hours (1955)

112 minutos Blanco y negro VistaVision

Productor: William Wyler
Director: William Wyler
Guion: Joseph Hayes
Basado en su propia obra y novela
Fotografía: Lee Garmes
Compositor: Gail Kubik
Efectos especiales: John P. Fulton y Farciot Edouart Maquetas: Wally Westmore
Vestuario: Edith Head

Intérpretes:
HUMPHREY BOGART: Glenn FREDERIC MARCH: Dan Hilliard ARTHUR KENNEDY: Jesse Bard MARTHA SCOTT: Eleanor Hilliard DEWEY MARTIN: Hal. GIG YOUNG: Chuck. MARY MURPHY: Cindy

Con un Bogart ya ciertamente envejecido y agotado, nos habla de unos presos escapados de prisión que aterrorizan a una familia. Basada en la novela de Joseph Hayes, anteriormente mostrada en Broadway, e inspirada en hechos reales, vemos un binomio extraordinario entre Bogart y March.

Se realizó un remake en 1990.

LA MANO IZQUIERDA DE DIOS The Left Hand of God (1955)

87 minutos
Color
CinemaScope. Productor: Buddy Adler
Director: Edward Dmytryk
Guion: Alfred Hayes
Basado en la novela de: William E. Barrett Fotografía: Franz Planer
Compositor: Victor Young
Efectos especiales: Ray Kellogg
Vestuario: Travilla

Intérpretes:
HUMPHREY BOGART: Jim Carmody

GENE TIERNEY: Ann Scott
LEE J. COBB: Mieh Yang
AGNES MOOREHEAD: Beryl Sigman

E.G. MARSHALL: Dr. Sigman
JEAN PORTER: Mary Yin
CARL BENTON REID: Rev. Cornelius

VICTOR SEN YUNG: John Wong

Bogart interpreta a un sacerdote que llega a China durante la Segunda Guerra Mundial, en una obra que no alcanzó la categoría que de ella se esperaba. Muy buena la actuación de los secundarios Tierney, Cobb y Marshall.

NO SOMOS ANGELES We're No Angels (1955)

106 minutos Color
Paramount.

Productor: Pat Duggan
Director: Michael Curtiz
Guion: Ronald MacDougall
Basado en la obra “La Cuisine des Anges” de: Albert Husson

Fotografía: Loyal Griggs
Compositor: Frederick Hollander
Efectos especiales: John P. Fulton
Maquetas: Wally Westmore
Vestuario: Mary Grant

Intérpretes:
HUMPHREY BOGART: Joseph

ALDO RAY: Albert
PETER USTINOV: Jules
JOAN BENNETT: Amelie Ducotel

BASIL RATHBONE: Andre Trochard

LEO G. CARROLL: Felix Ducotel

JOHN BAER: Paul Trochard
GLORIA TALBOTT: Isabelle Ducotel

Humphrey Bogart, Peter Ustinov y Aldo Ray, intentan el muy difícil intento de hacer de actores cómicos, como un trío de convictos que se escapan de la Isla del Diablo en el siglo XIX. Ellos encuentran refugio en la casa de un comerciante demasiado estúpido (Leo G. Carroll) y de su tímida esposa (Joan Bennett), quien se dedica a proteger a un primo suyo llamado André (Basil Rathbone).

El argumento proviene de una obra francesa “La Cuisine des anges”, adaptada a su vez de una obra teatral de Broadway titulada “My 3 Angels was also taken”.

MÁS DURA SERA LA CAIDA The Harder They Fall (1956)

109 minutos Blanco y negro

Productor: Philip Yordan
Director: Mark Robson
Guion: Philip Yordan
Basado en la novela de: Budd Schulberg

Fotografía: Burnett Guffey
Director musical: Lionel Newman

Compositor: Hugo Friedhofer
Maquetas: Clay Campbell

Intérpretes:
HUMPHREY BOGART: Eddie Willis

ROD STEIGER: Nick Benko
JAM STERLING: Beth Willis
MIKE LANE: Toro Moreno
MAX BAER: Buddy Brannen
JERSEY JOE WALCOTT: George

EDWARD ANDREWS: Jim Weyerhause

HAROLD J. STONE: Art Leavitt

CARLOS MONTALBAN: Luis Agrandi

Un ex-luchador, Nick Benko (Rod Steiger), acepta un trabajo como promotor de combates amañados. Beth (Jam Sterling), pide a su marido Eddie Willis (Humphrey Bogart) que busque trabajo en otro lugar, pero el dinero que gana es alto y Eddie publica ese día el nuevo hallazgo del promotor Nick, un luchador argentino gigante, Toro Moreno (Mike Lane). El boxeador de gigantesca estatura parece insuperable, pero Eddie sabe que tiene una mandíbula sumamente sensible y un carácter demasiado pacífico.

Nick y sus muchachos ponen todo en orden para que amañen las peleas una tras otra, buscando antagonistas que caen a la lona por su propia voluntad, mientras que el torpe gigante cree que realmente es invencible. Eddie rechina sus dientes cuando nota el fraude, pero en lugar de desenmascararle busca la ayuda de sus compañeros periodistas para que promocionen al nuevo ídolo. Art Leavitt (Harold J. Stone), quien sabe que Eddie simplemente está construyendo un mito basándose en trampas, no está dispuesto a secundarle.

El próximo adversario será Danny, quien debe luchar primero con un antiguo campeón llamado Gus Dundee (Pat Comiskey), el cual tiene un coágulo en el cerebro como consecuencia de sus anteriores peleas y tiene prohibido por los médicos volver a pelear. Eddie lo sabe, pero sigue adelante con el combate, terminando lógicamente con Danny como ganador y Gus muerto por hemorragia cerebral.

Danny siente remordimientos por su muerte y se niega a pelear de nuevo.

La película es una fiel adaptación de una historia escrita por Schulberg, en la cual trata de reflejar el mundo del boxeo como una lucha entre gladiadores honrados, movidos por empresarios sin escrúpulos. Nada en la película es aleccionador ni encantador, por lo que el rodaje en blanco y negro era la mejor opción para mostrar todo muy sombrío y triste.
La historia es más real de lo que se piensa, al estar basada en la vida del pugilista Primo Carnera, un peso pesado de gran estatura que alcanzó rápidamente el título mundial para perderlo a los pocos días en manos del experto Max Baer, en 1934.

El director Robson supo bien lo que debía mostrar y refleja con bastante exactitud el mundo del boxeo, su vida familiar y sus modos de entrenamiento. La veracidad cobra nuevos alicientes cuando vemos al campeón de los pesos pesados Jersey Joe Walcott, y a Joe Greb, otro ex-boxeador, realizando una entrevista para Stone.

Las interpretaciones son todas correctas, incluso la del gigante boxeador (quien es comparado en los carteles de promoción como el nuevo Frankenstein). La actuación de Sterling como la virtuosa esposa, es sumamente pesada, pero ella afortunadamente aparece pocos minutos. Steiger está terrorífico como el jefe de la agencia que amaña los combates, aunque en ocasiones se le nota que trata de arrebatarle a Bogart su protagonismo.

Durante la producción, Bogart tuvo una gran aversión al método de trabajo de Steiger (aprendido en el Actor’s Studio), lo que se deja traslucir en numerosas secuencias en las que ellos salen juntos. Quizá por esa hostilidad Bogart logró una de sus mejores interpretaciones, o quizá porque era consciente de que esa podría ser su última película. Durante el rodaje, que agotó al gran actor, le fue comunicado que tenía cáncer de esófago. Los tratamientos no funcionaron, y su condición física empeoró día a día, aunque él se negó a dejar de fumar y beber. Los amigos le visitaron en casa y siempre se encontraron con una bebida y una sonrisa, una larga conversación con ellos; casi como si Bogart se estuviera dirigiendo a su último público.

Cohn mostró una gran preocupación hacia el actor. Llamaba a Bogie todas las semanas y le decía que estaba planeando filmar otras películas con Bogart como estrella. Lógicamente, esas llamadas alegraron a Bogart, quien en unión a su esposa Lauren Bacall, hicieron planes para interpretar juntos otra película.

Bogart murió en su casa de California, a las 2:10 de la madrugada del 14 de enero de 1957, nueve días antes de su 58 cumpleaños. Él dejó esta película, y muchas otras de importancia, como su herencia.