HARRISON FORD

Autor: © Adolfo Pérez Agustí

ISBN: 84-8403-67-1

Edita: Ediciones Masters

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HARRISON FORD

Cuando Harrison Ford comenzó seriamente su carrera cinematográfica con la película

“American Graffiti” a las órdenes de Coppola, probablemente, ni él mismo sospechase en ese momento que alcanzaría la fama que goza en la actualidad.

Pero empecemos desde su nacimiento:

Los primeros años: 1942 - 1964

Harrison Ford es el hijo de una familia estadounidense típica de la clase media, habitantes de una zona del oeste americano. Nació el 13 Julio 1942 en Chicago, Illinois y, según su propia definición, allí no había nada de excepcional, aunque su formación y años jóvenes transcurrieron con absoluta normalidad. Por ello se desarrolló como hijo serio de un padre católico-irlandés y una madre judeo-rusa, ella sin oficio reconocido, por lo que podemos considerarla como un ama de casa. Aunque se interesó prontamente por el mundo del cine, gracias esencialmente a su admiración por John Wayne, la familia Ford ya tenía sus propias conexiones con el mundo del espectáculo. Su abuelo había sido un comediante de vaudeville y su padre era un ejecutivo de una emisora de radio, antes de dedicarse plenamente a la publicidad en el campo de los anuncios para la televisión.

Cuando Harrison era muy joven solía frecuentar con su hermano Terence las salas de cine en compañía de su padre. La primera película que recuerda haber visto es “Bambi” de Disney y aunque entretenido por las imágenes de los dibujos, su pasión estaba en las obras de teatro que montaba con sus amigos. De hecho, era la gran pasión que su hermano sentía hacia el teatro (era un actor aficionado), lo que provocó esas visitas al cine. Durante toda su vida Harrison nunca ha sido un gran aficionado al cine y la razón principal por la cual no acudía con demasiada frecuencia a ver películas cuando era joven se debía a su extraordinaria pasión por el teatro y la pintura. Su afición al cine, no obstante, aumentó cuando empezó a salir con chicas, ya que, según sus palabras: " Era un lugar oscuro y barato donde se podía ir con una chica".

La atracción mágica de pertenecer a una pandilla no formaba parte del carácter de Ford.

Prefirió su propia compañía y rara vez se vio involucrado en peleas o problemas serios con otros muchachos en su juventud. "Yo creo que fue porque me había convertido en una persona solitaria". Pero durante su estancia en la Alta Escuela Municipal Oriental en Ds Plaines, Illinois, las cosas cambiaron dramáticamente para él, al ser intimidado y provocado implacablemente por unos bravucones, quizá porque no se adaptaba a la escuela al ser un muchacho tímido e independiente. Cada tarde, durante el recreo, era el blanco más atractivo para los chicos mayores, quienes le pegaban y le empujaban hasta provocar su caída, pues el objeto de este “juego” estaba en mirar a la víctima cuando estaba en el suelo llorando.

Pero en una ocasión el juego les salió mal, Ford se revolvió y quien acabó en el suelo fue el bravucón que le había provocado. "La escuela entera estaba reunida mirando esta exhibición Yo no sé qué esperaban que hiciera. Quizá pensaban que no pelearía de la misma manera que ellos. Estaban tan orgullosos de ganar siempre que no me dejaron nunca en paz y su persecución continuó en la escuela superior". Pero finalmente, un día, Ford sacó a relucir su reprimido enfado durante años y se libró de su agresor, empujándole escaleras abajo. Desde ese día nadie volvió a molestarle.

Poco a poco el adolescente Harrison llegó a ser un individuo más accesible y activo.

Comenzó a salir con sus compañeros y a participar en actividades de la escuela tales como el Club del Ferrocarril (utilizando su afición a los trenes de juguete), la asociación de alumnos, la clase de gimnasia y otros trabajos como coordinador juvenil para la ciudad universitaria y, ocasionalmente, como locutor en la emisora MTH-FM.

Evitó participar en cualquier deporte y odiaba el ejercicio y los juegos, permaneciendo bastante solitario y no siendo particularmente popular con las chicas. Sus compañeros de clase lo consideraron un excéntrico, pero a él no le importaba mucho, ya que estaba orgulloso de su forma de pensar.

Después de la escuela superior, donde se graduó en 1960, se fue de esa escuela y decidió estudiar Literatura Inglesa y Filosofía en un colegio pequeño de artes liberales llamado Ripon, situado en Wisconsin central. En el colegio era, según sus propias palabras, sumamente perezoso, un estudiante triste siempre al borde del fracaso. Durante sus años de academia no tuvo ambiciones impulsoras y su último año fue especialmente desastroso.

"Dormía bien todos los días del año y, simplemente, me despertaba de vez en cuando para comer una pizza".

Cuando fracasó al completar una tesis sobre el dramaturgo estadounidense Edward Albee, se fue del colegio, justo tres días antes de la graduación. En esos pocos meses en Ripon, Ford rehusó asistir a clases o presentarse a los exámenes; estaba convencido que los estudios que allí daban no le servirían en ninguna faceta de su vida. Solamente para no aburrirse y evitar convertirse en un golfo, se apuntó a un curso de arte dramático, y siendo una persona tímida e introvertida como era, esto suponía un paso muy decisivo que debía tomar.

La primera parte de esta etapa supuso una dura prueba para el asustado joven, pues la perspectiva de hacer el tonto delante de 600 estudiantes le aterrorizaban seriamente a sus 21

años. Esta era la primera vez que estaba delante de un auditorio, pero al mismo tiempo que la presencia de la gente le aterrorizaba, también le produjo una adicción para la escena.

Tratando de superar su temor, viajó con el mundo del teatro y apareció en un número impreciso de producciones del colegio, la mayoría de las veces como Sr. Antrobus en “The skin of our teeth” de Thornton Wilder. Actuando llegó a ver el camino perfecto para escapar de los horrores de un futuro como un trabajador a sueldo.

Lleno de entusiasmo por el teatro y la interpretación, firmó en junio de 1964 un contrato con un grupo que se llamaba “Player of Berfry”, para una temporada de actuaciones veraniegas en la Bahía Williams, en Wisconsin. Cuando las cortinas subieron en el teatro el 26 Junio, esto marcó el debut profesional de Harrison Ford. Nadie se dio cuenta entonces que era la primera etapa de una futura estrella de Hollywood. Entonces era, simplemente, uno de los muchos tipos que formaban el equipo. A mediados de Septiembre, y después de seis producciones, la llegada del invierno cerraba el periodo de actuaciones en Wisconsin.

Era el momento de buscarse otra ocupación.

Una cosa que Ford tuvo clara desde sus comienzos como actor es que si quería triunfar tenía que vivir en Nueva York o en Los Angeles. Para decidir a dónde debía ir, este u oeste, cogió una moneda y la tiró al aire. El resultado fue Los Angeles, donde se dirigió con su novia, aunque antes tuvo tiempo de casarse con ella. Mary Marquardt y Ford se habían conocido en el colegio y de común acuerdo cargaron todas sus pertenencias en un viejo Volkswagen y condujeron muchas horas sin parar hasta que llegaron a Los Angeles.

1964 - 1976

Harrison y su joven esposa Mary llegaron a los Angeles, California, en 1964 llenos de esperanzas y sueños, como correspondía a cualquier joven que empezaba una nueva vida.

Pero no fue fácil la vida para la joven pareja. Harrison tuvo muy poca fortuna con su recién elegida profesión de actor y se vio forzado a trabajar de camarero, dependiente de unos grandes almacenes, cocinero y, finalmente, ebanista en una importante factoría. Como luego veremos, este último trabajo sería el que marcaría posteriormente toda su vida.

Hollywood era probablemente el lugar donde tenía que vivir y aunque no tenía pretensiones de llegar a ser una gran estrella del cine, ni siquiera esa idea pasaba por su mente, se sentiría feliz trabajando en alguna serie de televisión como extra; con ello su ambición estaba colmada.

El largo viaje de la pareja había terminado en Playa Laguna, un pueblo costero del sur de Los Angeles, donde consiguió alquilar un pequeño apartamento. Después de un trabajo breve en un almacén de pintura, Ford consiguió un papel modesto en una producción local de John Body Brown, aunque se vería obligado a realizar una serie de trabajos de día para conseguir un sueldo que le permitiera pagar los 75$ mensuales del alquiler. Trabajó como vendedor de yates, aprendiz de contable en un gran almacén y como cocinero nocturno de pizzas, una experiencia con la que Ford disfrutó.

Mientras vivía en Playa Laguna, la potencialidad como actor de Ford se empezó a reconocer y un día se presentó en los estudios Columbia para una entrevista. Allí, se encontró delante del arquetípico cazatalentos de Hollywood, con sus gruesos cigarros, sentando detrás de un gran escritorio de roble. Le pidió a Ford su nombre, además de una información detallada sobre sí mismo: qué estatura tenía, su peso, cuáles eran sus aficiones, talentos especiales y todo cuanto de interés pudiera aportar. Después de esta entrevista, le dijeron que ya le llamarían si tenían algún trabajo para él. Estando aún en pie, Ford agradeció a sus anfitriones su interés. Antes de dejar el estudio, tuvo que ir a los servicios y cuando salió se encontró con un asistente del Sr. Gordon (el entrevistador), quien sumamente nervioso le dijo que le estaban buscando y que debía acompañarle.

"Venga aquí, venga aquí, mi jefe quiere verle". Una vez dentro de la oficina, para sorpresa de Ford, le ofrecieron un contrato permanente con la Columbia, por el que cobraría 150

dólares a la semana. Por qué el hombre gordo tomó esa decisión tan repentina, permanece aún como un misterio.

Su primera película

Con este contrato, que duraría siete años, la Columbia había contratado a una de las futuras estrellas más taquilleras de la historia del cine. Pero el júbilo inicial por ser reclutado por un gran estudio de Hollywood pronto se evaporó. Ford estuvo considerado casi co mo un extra sin interés, viendo morir semana a semana sus ambiciones y pronto se cansó de los métodos que empleaba la productora para promocionar a sus artistas y crear nuevas estrellas. Ford, el ser humano, carecía de interés para ellos. Cuando protestó le ofrecieron trabajos de publicidad y le financiaron estudios de arte dramático, pero de papeles importantes ninguno. Incluso le pidieron que cambiase de nombre, a lo que se negó.

La primera película como Harrison Ford llegó en 1966 con “Ladrón y amante”, donde interpretó a un botones que tiene que entregar un telegrama a la estrella de este drama, James Coburn. En este su primer contacto verdadero con el cine, su permanencia en la pantalla es de apenas cuarenta y cinco segundos de actuación, lo que le supuso un fuerte disgusto. Aún así, el vicepresidente de la Columbia le dijo personalmente: "Chico, usted por fin lo consiguió", y por este comentario Ford tuvo que volver a las clases de interpretación durante seis meses. Después de comparecer en papeles menores en películas como “Luv” y “A Time For Killing” en 1967, rescindió su contrato con un enfado enorme.

Tres de días después de su salida de la Columbia, y con gran sorpresa por su parte, Ford una vez más entra en una relación similar de trabajo con los estudios de la Universal.

Nuevamente estuvo bajo un contrato, pero este trabajo era ya diferente. La política del estudio consistía en poner a trabajar a sus artistas contratados en alguno de los muchos espectáculos televisivos que ellos producían. Entre 1967 y 1974 Ford apareció como invitado especial en numerosos espectáculos de la televisión estadounidense, como El Virginiano, Gunsmoke, Kung-Fú y la Familia Patrick. En medio del año 1969 fue prestado a la MGM (su contrato permitía estas cesiones), para que interviniera en la película más importante de su carrera, “Zabriskie Point”, del director italiano Micheangelo Antonioni.

Le hablaron en un principio que iba a ser el protagonista principal, posteriormente que un actor secundario y, finalmente, eliminaron totalmente su intervención por la excesiva duración del filme. Hoy día nadie es capaz de aclararnos si se conservó alguna secuencia con Harrison Ford en esta película. El año siguiente apenas si fue mejor, y de pronto se encontró pensando que debía tomar una de las decisiones más importantes en su vida, abandonar su trabajo como actor.

Harrison Ford carpintero

El ingreso regular de dinero le había permitido tener su primer hijo con Mary (Benjamín, nacido en 1967), y comprar una casa en la parte alta de las colinas de Los Angeles.

Pero la casa necesitaba una drástica restauración, y Ford no tenía dinero para contratar un equipo de profesionales. Sin desanimarse, compró algunas herramientas y se fue a una biblioteca local para leer todo lo necesario sobre carpintería y bricolaje, lo que le permitió adquirir en un corto espacio de tiempo los conocimientos necesarios para emprender él solo la labor de restauración de su vivienda. Podríamos considerar que usó su hogar como práctica para aprender el oficio de carpintero, lo que para un observador severo podría suponer un desastre. Pero, contra todo mal pronóstico, el resultado final constituyó todo un éxito para el debutante carpintero. Después de desguazar totalmente su casa de arriba abajo, la reconstruyó según sus propias especificaciones, aprendiendo día a día los secretos de la ebanistería y la restauración. Para su sorpresa, encontró que era capaz de convertir su afición, o necesidad, en un gran negocio, además de gozar y sentir satisfacción por su trabajo. Siendo capaz de poner en orden todas las cosas con sus propias manos, además de conseguir gran belleza estética partiendo de un tablón de madera, siguió leyendo libros sobre el tema y perfeccionándose mucho. Cuando su carrera como actor declinaba drásticamente y no conseguía ningún papel, las sesenta tardes que estuvo dedicado a la carpintería fueron su salvación. Desde ese momento se dio cuenta que no había aprendido nada de valor mientras estuvo contratado por los estudios de cine, y volvió su espalda a Hollywood y se dedicó a ser un carpintero profesional.

Su primer trabajo como profesional carpintero fue la conversión de un garaje en un estudio grabador para el compositor brasileño Sergio Mendes. Con un costo de 100.000 dólares, y pesando en el hecho que era un novato en el campo de carpintería, no es preciso decir que fue un compromiso arriesgado. Pero, después de muchas horas de biblioteca, y muchas otras dependiendo de su intuición y suerte, el estudio quedó listo. Este fue también un éxito inesperado, y las noticias sobre el trabajo de Ford se esparcen en medio de la gente de negocios. Él tiene ahora un buen futuro, y llegó a ser, según sus propias palabras, "el carpintero de las estrellas", y un miembro respetado de la comunidad. Pronto su nueva carrera estaba mejor pagada que la anterior, y con este logro vino el cambio de su personalidad, consiguiendo un respecto de la gente y una autoestima que no podría haber logrado nunca como un actor humilde bajo un contrato en el astuto mundo de Hollywood.

Pero Ford realmente nunca contempló dejar totalmente su trabajo como actor por los negocios, ya que había invertido demasiados años de su vida como para tirar la toalla ahora. Él no aceptaría la derrota. Ahora que tenía un trabajo permanente era capaz de bajar sus pretensiones económicas como actor, ya que el dinero no era una imperiosa necesidad en él. Lentamente, y tratando de aceptar solamente buenos papeles en películas de prestigio, su nombre comenzaba a ser asociado con un buen trabajo.

American Grafitti

Indiscutiblemente, para Ford su cliente más valioso en estos momentos era un hombre llamado Roos, un director de cine y uno de los pocos amigos que conservaba desde los días de su trabajo en la Universal. Durante algún tiempo Ford se dedicó a restaurar la casa de su amigo, al mismo tiempo que le realizaba nuevas pruebas cinematográficas para tratar de encajarle en cualquier posible papel. En esa época Roos trabajaba para Francis Ford Coppola, y esta asociación tan cercana les conduciría a una relación con un desconocido director llamado George Lucas.

Roos no tuvo ninguna dificultad para incluir el nombre de Ford entre las docenas de actores jóvenes que iban a intervenir en la película “American Graffiti”. El carácter arrogante de Ford le permitió llegar a formar parte del proyecto con un papel secundario de importancia.

La carpintería había llegado a ser tan lucrativa en esa época que él tuvo que tomar una seria decisión sobre lo que significaría disminuir sus ingresos para dedicarse al cine por mucho menos dinero. El y Mary esperaban el nacimiento de su segundo hijo (Willard, nacido en 1969), y por ello había contraído ciertas deudas con su seguro médico. Pero como él creía en su trabajo como actor y en la película que iban a rodar con George Lucas, aceptó tomar parte en el papel de Shake (incluso llegó a cantar) con un sueldo de 500$ a la semana.

Estrenada en agosto de 1973, “American Graffiti” fue la sorpresa del año. El filme recaudó el primer año 117 millones de dólares y permitió reunir a actores, por entonces desconocidos, como Richard Dreyfuss, Ron Howard y Bob Hopkins. Por primera vez en su carrera como actor, Harrison Ford había sentido que él había hecho realmente una contribución útil en una película. Artísticamente mucho más profesional por haber trabajado con Lucas, él volvió a su trabajo de carpintería, estando convencido de que finalmente podría intervenir en una película de éxito.

Durante los tres años siguientes, Ford aceptó únicamente tres papeles como actor (uno de ellos fue en la película de Coppola “La Conversación”, que Roos consiguió para él).

Después continuó desarrollando sus habilidades interpretativas y mejorando su confianza como actor.

Pero fue en 1976 cuando se dio cuenta de nuevo que su carrera no iba a ninguna parte.

Aunque había trabajado en algunas películas de gran popularidad en los últimos cinco años, el éxito no parecía haber llegado hasta él. Cuando Roos le llamó nuevamente para un tercer trabajo, apenas consiguió levantarle la moral. El papel que le ofrecían seguramente le pareció como algo sospechoso, un caballero interplanetario de nombre Han Solo.

La guerra de las galaxias

La trilogía galáctica estaba influida e inspirada en “Flash Gordon” un serial de la televisión (con el cual Ford había disfrutado mucho durante su juventud), “El mago de Oz”, “El Señor de los Anillos” y “Dune”. George Lucas comenzó en Enero de 1973 escribiendo los manuscritos que llegarían a constituir el guión de la serie épica de “La Guerra de las galaxias” y no fue hasta Marzo de 1976, poco tiempo antes del comienzo del rodaje de la primera película, cuando el final del guión estuvo terminado. El problema de su exhibición no estuvo resuelto hasta que el proceso de rodaje estuvo muy avanzado. Durante los dos meses de pre-producción de “La Guerras de las galaxias”, Lucas aprovechó toda la estrategia que había adquirido trabajando con “American Graffiti”, y le permitió combinar perfectamente a centenares de actores desconocidos para su película.

Quizás el papel más acaloradamente disputado estuvo en el de Han Solo. Los designios extraños del destino y una interpretación increíble, además de mucha suerte, condujeron a Harrison Ford a una de las audiciones que se realizaron para ese papel, aunque entre sus ambiciones nunca había estado el ser un caballero galáctico en “La Guerra de las galaxias”.

Ya sabemos que los contactos se produjeron gracias al trabajo anterior de Ford para Coppola y que este le puso en contacto con Lucas. En esos días, Ford elaboraba además un trabajo de carpintería consistente en la restauración de una de las viejas puertas de la MGM.

Esto le puso en contacto más directo con Lucas, quien mantuvo varias entrevistas con Ford para que le hiciera algunos trabajos de carpintería por las noches. Pero un día algo surgió y tuvo que trabajar por la tarde y desde ese momento comenzaron una relación personal mucho más importante y profesional.

Roos recuerda que Ford no era tan alto como George requería para el papel de Han Solo, pero tres o cuatro días antes de tomar la decisión final, le hizo un vídeo de prueba. Cuando le pidió que leyera unos párrafos como el oponente varón que ayuda a la Princesa Leia, él se tomó una semana de vacaciones en su trabajo de la carpintería para practicar. Días después, Lucas le llamó para que terminara los trabajos de carpintería en su residencia y Ford dejó su casa con tanta prisa que se olvidó todas sus herramientas. Él no volvería nunca por ellas.

El trabajo sobre “La guerra de las galaxias” comenzó oficialmente en 1975 y los efectos especiales se trataron de una manera primordial desde los comienzos. El planeta Tatooine y las escenas del desierto se filmaron en el sur de Túnez y de ahí en adelante el equipo se trasladó a los estudios Elstree en Londres, que son adecuados para rodar las nueve películas que en principio Lucas quiere realizar sobre Star Wars. Ford, entusiasmado con la oportunidad de brillar con su nuevo papel, trabajó con entusiasmo y determinación, procurando además proporcionar diversión que rompiera la rutina y la monotonía que desmoralizaba a todos. Cuando efectuaba una amplia gama de bromas pesadas, según las costumbres inglesas, el equipo de rodaje reía enormemente.

Pero como tenía mucho tiempo libre entre escena y escena, solía permanecer mucho tiempo solo y disfrutaba de la compañía de sus compañeros de rodaje cuando su estado anímico lo requería.

El miércoles 25 mayo se estrenó “La guerra de las galaxias”, sin demasiadas esperanzas de éxito, en 32 salas de cine de Estados Unidos. Pero al cabo de una semana de proyección casi había que pelear para conseguir una entrada. En Agosto “La guerra de las galaxias” había recaudado 100 millones de dólares (el costo final de la película fue de 10.5 millones de dólares), hasta entonces la recaudación más alta en la historia del cine. Por Navidad, la cara de Ford se conoció a través del mundo entero cuando los juguetes y los juegos con personajes de “La guerra de las galaxias” se comercializaron. Ford había llegado a ser uno de los actores más importantes y ahora los críticos le saludaban y le aplaudían por su triunfo. Pero de hecho, ese triunfo había llegado después de quince años y había estado lleno de enfados y frustraciones, aunque nunca había abandonando su búsqueda y el compromiso para sí mismo de hacer un buen trabajo, cualquiera que fuese su profesión.

Además, su anterior trabajo como ebanista ya le había permitido ganar cierto prestigio, antes de enfrentarse con la fama. “La guerra de las galaxias”, no hay que olvidarlo, le dio solamente la seguridad económica y la libertad creativa que lo acompaña.

Aterrorizado con los horrores de la popularidad, Harrison escapó del frenesí de “La guerra de las galaxias” y trabajó en películas que él pensaba ampliarían la percepción de los espectadores hacia él. Durante los años que transcurrieron entre “La guerra de las galaxias” y “El imperio contraataca” él intervino en seis películas. Su obsesión por trabajar contra el personaje de Han Solo casi destrozó su carrera. Aceptar una pequeña intervención en

“Héroes” era el primer paso en su cruzada, sabiendo de antemano que había aceptado un personaje secundario, aunque según su opinión sirvió para su propósito.

También hizo un papel secundario en la epopeya sobre el Vietnam “Apocalypse Now”, de Coppola. Posiblemente fue la única persona de todo el equipo que disfrutó de ese país, Filipinas, ya que además del buen tiempo que les acompañó consiguió no contagiarse del manicomio en el cual estaba inmerso.

Otra fuente de placer era su amistad creciente con una auxiliar de Coppola llamada Melissa Mathison, con la cual inició una relación sentimental que mantuvieron totalmente alejada de las cámaras de los reporteros.

En esta etapa de su vida es cuando él llega a ser más importante y se involucra en proyectos mucho más ambiciosos, aunque su matrimonio se comenzó a desmoronar. Con su compromiso para seguir trabajando en el cine, su matrimonio empezó a disgregarse. Su mujer seguía amando al carpintero que estaba todos los días a su lado, que cenaba con ellos, pero no le gustaba la popularidad de Ford, ni mucho menos los largos días de ausencia.

Tratando desesperadamente de mantener la familia unida, Mary y los niños le visitaron en los lugares de rodaje tantas veces como les fue posible. Pero en este momento, cuando muchas de sus producciones estaban siendo rodadas en el extranjero (especialmente en Londres), la relación llegó a ser más brusca. También, su nueva relación con Melissa, puso una tensión aún mayor en su matrimonio, hasta que éste se desmoronó.

Desde ese momento la ruptura era inevitable.

El imperio contraataca

“El imperio contraataca” llegó para resucitar la carrera de Harrison Ford, y le trajo de nuevo a la mente de los espectadores. La cálida familiaridad de Han Solo le proporcionó una gran comodidad y protección, en un hombre cuya realidad era bastante más frágil que como le mostraban en las películas. En la segunda parte de la saga, Han Solo hace un papel más dominante y el carácter creativo de Ford estuvo en su mejor momento.

"Es la primera vez que yo me encuentro a gusto. Soy feliz porque jamás pensé que conseguiría llegar tan lejos en el cine y creo que con esta película he logrado mi mejor interpretación”, dijo posteriormente.

“El imperio...” es el resultado de un trabajo muy concienzudo e intenso, a pesar de las circunstancias caóticas que rodearon toda la producción. La historia más compleja y la concentración en las relaciones humanas, hicieron un mejor trabajo que con “La guerra de las galaxias”.

Estuvo durante sus vacaciones de 1977 en Hawaii, junto con Lucas, quien había volado allí para encontrar exteriores para “El imperio”. Mientras estaban en la playa, su preocupación se centraba en recoger noticias sobre el éxito de Star Wars y Lucas comenzó a fantasear con Steven Spielberg respecto a cual de las películas era mejor. Spielberg estaba relajándose todavía de los dolores de cabeza ocasionados por “Encuentros en la tercera fase” y el concepto de una trilogía le servía para su historia sobre un arqueólogo de nombre de Indiana Jones. Comenzó a elaborar su proyecto como quien sueña despierto y aunque dijo que su trilogía estaba pensada antes de la de Lucas, era ahora, después de un montón de discusiones pueriles con su amigo, cuando la idea quedó bien clara en su mente. Spielberg tenía la intención de hacer una película de aventuras, por lo que tan pronto como volvió a California él se ofreció como director para la película que llevaría el título inicial de “En Busca del Arca Perdida”.

Indiana Jones

Todas las primeras elecciones sobre el actor que debía encarnar al inverosímil Indiana Jones recayeron sobre un actor de televisión, por entonces desconocido, llamado Tom Selleck.

La audición del casting por parte de todos impresionó a Lucasfilm, pero la CBS rehusó rescindir el contrato a Selleck de la serie televisiva “Magnum”. La no-disponibilidad imprevista de Selleck, provocó que Lucas y Spielberg, en unos pocos días eligieran al actor que encarnaría al personaje principal. Numerosos actores pasaron ante las cámaras de vídeo de Lucas antes de que Harrison Ford llegara a ser el sustituto de emergencia de Selleck.

Pero no fue hasta que Spielberg asistió a una selección de los actores que intervendrían en

“El imperio contraataca”, cuando se dio cuenta claramente que la elección debía recaer en Ford. Una vez que firmó el contrato con Spielberg, inmediatamente encontró que existía una llamativa desventaja, ya que no conocía a ninguno de los héroes clásicos sobre los cuales se iba a basar la película de Indiana Jones.

Por eso, en lugar de seguir los pasos ya marcados, él creó a Indy a su propia imagen. Se dedicó por su cuenta a elaborar detalles y a no dejar ningún cabo suelto en su papel. No quería correr riesgos que estropearan su carrera. Por ejemplo, él dedicó muchas horas para aprender a manejar el látigo de piel de toro, con tanta destreza que llegó a ser tan experto que lo incorporaron en varias de las escenas de combate. También insistió sobre cómo hacer muchas de las escenas de acrobacia, sin necesitar un doble. Cualquier cosa que supusiera un riesgo para su salud o incluso la incapacidad total, Harrison la hizo; cualquier cosa que supusiera un riesgo mortal a causa de un fatal error, también la realizó personalmente.

El continuado cambio de ideas, produjo una gran diversión a los trabajadores y Spielberg consintió en modificar en lo posible las nuevas sugerencias que le iban llegando, lo que produjo una película muy agradable. Por primera vez en su carrera él había sido llamado por su talento y podía usar su carisma y su capacidad para interpretar el papel de un soltero que vivía miles de aventuras. Sus bien templados nervios y su ya larga experiencia en el cine nunca le traicionaron en la pantalla, y la representación del arqueólogo Indiana Jones supuso los mejores galardones de su carrera, siendo comparado con actores como Clark Gable, Humphrey Bogart y John Wayne. No solamente fue una película extraordinaria, “En busca del Arca perdida” es también una obra maestra de la economía y el marketing.

La película se rodó en apenas 73 días, con una reducida plantilla de técnicos y se logró terminar con apenas 40 millones de dólares.

Repentinamente Ford se encontró como el centro absoluto de la atención. Únicamente con su nombre se garantizaba el éxito de una película. Había llegado a ser el número uno del mundo del cine y con su imagen desplazaba a toda una generación anterior de estrellas.

Esta veneración como héroe llegó a ser una gran carga sobre los hombros de Ford. Él realmente nunca había creído con obsesión en los héroes del cine, ni siquiera cuando era niño, y ahora que él había llegado a ser uno de ellos y sabía la fascinación que generaba, se acobardó. Los días en que podía caminar por las calles sin despertar curiosidad habían terminado y la enorme popularidad que alcanzó “En busca del Arca pedida” imposibilitó aún más ese pretendido anonimato.

Blade Runner

En Junio de 1982 estrenó “Blade Runner”, película que supuso en el momento de su estreno un gran fracaso comercial (apenas recaudó 14 millones de dólares), aunque con el paso de los años es considerada un clásico del cine de ciencia-ficción y su director, Ridley Scott, empezó una carrera ascendente de gran prestigio.

“En busca del Arca perdida” había creado en Ford una imagen de super-héroe, así como su papel en “La guerra de las galaxias”. Por eso, la representación de un desierto y sombrío futuro, fue una de las razones por las que Ford aceptó interpretar el papel de Rick Deckard.

No deseaba volver a sus papeles de héroe y quería prestar su nombre a un proyecto que ofreciera algún contraste a su reciente trabajo. Hoy “Blade Runner” se ha ganado su lugar probablemente como el clásico de culto de los años ochenta, y para muchos es una de las películas más logradas de la ciencia-ficción. Ford vio que su trabajo como el malvado policía Deckard, era un paso importante hacia papeles más serios.

El retorno del Jedi

Su gran profesionalidad le comprometió para rodar la tercera parte de la trilogía de Star Wars, algo que ya no deseaba hacer. Profesionalmente él estaba aburrido y mentalmente cansado de ser Han Solo. Reconocía que su popularidad y su papel en el mundo del cine se lo debían a “La guerra de las galaxias”, pero consideraba que con su regreso en “El Imperio” ya había consolidado su fama como actor e insistir con el mismo personaje en “El retorno del Jedi” sería dar un paso hacia atrás.

Pero su lealtad a Lucas finalmente lo convenció que él debía volver a interpreta a Han por última vez.

Los tres actores principales llegaron a este capítulo final con emociones distintas. Por un lado, ellos estaban de acuerdo en que debían terminar todos la tercera entrega, pero a la vez lamentaron la pérdida de su amistad y la unión que habían logrado durante esos seis años de trabajo. El Retorno del Jedi cerró el libro sobre Han Solo de una vez por todas.

“Para mí ha sido una gran diversión” dijo Ford . "Estoy contento que haya podido finalizar las tres películas pero, también, estoy contento de no tener que hacer una cuarta parte".

Ford conoció con posterioridad que su contribución en el último capítulo había sido menos importante que las dos anteriores y que ese Han Solo del Retorno era un personaje mucho más somero que en el Imperio. Cuando hizo “Indiana Jones”, y si juzgamos por el correo que recibió de sus fans, el número de seguidores había aumentado sensiblemente.

Nueva boda

En septiembre de 1982 Harrison y Melissa llevaban ya conviviendo juntos cuatro años, pero ellos habían guardado silencio sobre los rumores de un próximo casamiento. Después de seis meses más decidieron hacerlo público. Ambos estaban contentos con su convivencia y pensaron en formar una familia. Ford pensó que lo más apropiado era que se casaran y la ceremonia tuvo lugar en Santa Mónica, el 14 de Marzo de 1983 a puerta cerrada y con una reserva extrema. El ritual entero duró únicamente quince minutos y fue efectuado por un juez en un pequeño cuarto. Después, la pareja se marchó lejos en el Porsche negro de Ford.

Simultáneamente con su boda había tenido que interpretar el segundo capítulo de Indiana Jones, más cerca de la precuela que de una continuación. Como ya había ocurrido en “La guerra de las galaxias”, el segundo capítulo de Indy fue mucho más oscuro y menos infantil. Lucas tenía la intención de que la segunda película debería ser como un viaje a una casa muy frecuentada, comparado a una selva bien conocida por los espectadores. Las expectativas del público eran tan sumamente altas que cada defecto en la película se magnificaría, y es posible que los aficionados se volvieran demasiado exigentes y críticos.

Ford, consciente de este hecho, se dedicó a continuar fielmente su personaje de aventurero desgarbado y poco mujeriego, logrando con “Indiana Jones y el Templo maldito” una de las películas de mayor éxito de su filmografía.

Unico testigo

Conocido en el mundo entero como el más grande héroe del cine, con una gran dosis de humor, Ford se puso a la caza de un argumento que le pudiera redimir como un actor serio.

Pronto encontró un guión que hablaba de un misterioso asesinato ocurrido en la secta religiosa Amish. Cuando aceptó el papel de John Book, todos en el negocio del cine se dieron cuenta que, además de un actor taquillero era también un gran actor. En un principio nadie pensaba que sería capaz de llevar a buen fin su trabajo. En la película no había naves espaciales, nada de efectos especiales, ni aventuras increíbles que le pudieran ayudar. Todo dependía de él y de sus habilidades como actor.

Pero para alivio de todos, en 1985 la película recibe el más grande reconocimiento de todos al ganar tres oscar y ser nominado Ford como el mejor actor del año. Todo ello representa a

“Único testigo” como una de las películas más exquisitas de Ford y también marca la culminación de la mitad de una década que fue decisiva en su vida. Desde 1980 a 1985

Ford no tuvo ningún error en su vida profesional, haciendo algunas de las películas más populares en la historia del cine.

La costa de los mosquitos

Ford ha siempre ha sido muy selectivo en sus elecciones de nuevos proyectos. Años atrás recibió multitud de manuscritos, la mayoría de ellos carentes en absoluto de interés, y un superficial vistazo era suficiente para enviarlos a la papelera. Un año después firmó un discutible papel como Allie Fox en la adaptación para la pantalla del libro de Paul Theroux, un best-seller, titulado “La Costa de los Mosquitos”.

El manuscrito era el mejor que Ford había visto hasta entonces, un sueño para un actor.

Ahora ha quedado probado que no era así y el sutil actor no realizó una elección lógica para los aficionados. Este sería, además, su cometido más duro, requiriendo gran fortaleza física y emocional. Además de él, el reparto incluía otros actores interesantes, héroes que el público aceptó de buena gana en sus corazones, tal es el caso de River Phoenix. Durante esta época él había aceptado comportarse de una manera agradable y la oportunidad de trabajar con Peter Weir era un aliciente adicional.

El papel de Allie Fox mantuvo a Ford prácticamente inválido física y mentalmente. Tenía un carácter duro para estar trabajando catorce o dieciséis horas al día, seis días a la semana.

El rodaje se realizó en Belice y cuando finalizó él juró no volver a ningún país tan cálido y selvático. Acabó sensiblemente agotado.

Mientras que a ninguno de los otros actores parecía afectarles la selva, para Ford, que se tomaba su trabajo muy en serio y no quería dobles, supuso una dura prueba.

El personaje de Allie Fox era el más duro y activo de todo el reparto, y le tomó meses adaptarse después de una época de problemas personales en su familia.

La antipatía general mostrada en los Estados Unidos hacia “La Costa de los Mosquitos”, por el público y la prensa en general, enojó mucho al actor y casi con seguridad estos comentarios le robaron de una merecida nominación al Oscar. Normalmente él no suele dedicar una gran atención a los premios, pero en este caso había puesto mucho esfuerzo y corazón en la película y esperaba que el público supiera reconocer su esfuerzo y la que, al menos para él, suponía su mejor interpretación.

Escribió cartas de protesta a los periódicos y acusó a los críticos por el mal trato que le habían dado a la película. Pero no sirvió de nada. Era imposible que el público despreciara a su adorado Harrison Ford, a sus ojos un icono del heroísmo estadounidense, por causa de una antiamericana película. Pero, a pesar de su carencia de éxito, “La Costa de los Mosquitos” permanece como un testimonio de que Harrison Ford puede hacer cualquier tipo de papel en el cine. El trabajo de Allie Fox es uno de los mejores que haya realizado.

El retorno al campo

La mayoría de la gente de los suburbios que conocían a Ford como un importante habitante de las grandes ciudades, jamás podrían imaginarle como un pastor que vive trabajando la tierra, como un granjero o quizás también como un guarda forestal. Pero, de hecho, él podría fácilmente haber llegado a ser un granjero en vez de un actor, según reconoce.

Desde que era niño, había querido siempre poseer un lugar en el país que fuera tranquilo y aislado para recluirse. En 1985 hizo realidad su sueño.

A siete millas del pueblo Jackson Hole, en Wyoming, con una población de 4500

habitantes, encontró su Edén. Compró 800 acres de tierra virgen y se situó tan remotamente de la civilización que tuvo que construir un camino, traer la electricidad y el agua, antes de comenzar la construcción de su hogar. El resultado de todos sus esfuerzos es un sencillo cortijo blanco, con una serie de adosados para desahogar la vivienda familiar. Con respecto a la arquitectura, se trata de una casa donde la forma cumple una función práctica. Las únicas señales de riqueza hacia el exterior son una cancha de tenis y una antena parabólica cerca el garaje.

La deserción desde Fordes a Wyoming, desde el ambiente cosmopolita de Los Angeles, era porque consideraba que había perdido su privacidad y el anonimato, un trágico pero inevitable efecto de la fama. El cambio era simplemente una manera de comprar de alguna manera su libertad perdida.

Harrison ha llegado a ser un miembro más en esa zona rural y ha formado parte activa de la comunidad, participando orgulloso en la mejora del pueblo y prestando su nombre para conseguir dinero del Estado para su pueblo. Por ejemplo, él patrocina el equipo de esquí de los niños, y ha ayudado a recaudar fondos para una biblioteca local. Él es reconocido por su labor en pro de la comunidad. La gente de los alrededores generalmente respeta su privacidad y han crecido acostumbrados a su presencia. Cuando él decide ir al pueblo, algo que raramente hace, es difícil de reconocer y puede realizar fácilmente la compra de los víveres o utensilios para la granja.

Ford es muy severo con su derecho a llevar una vida que es tan normal como la de cualquier otro, y la cosa más asombrosa es que lo ha conseguido. Su hogar es, en muchos aspectos, exactamente igual al de los millones de estadounidenses que viven en zonas rurales.

Su familia

En marzo de 1987 Melissa dio a luz al tercer hijo de Ford, Malcolm. Aunque llegó en una época en que Ford ya era muy mayor, (tenía 44 años) y la diferencia de edad entre padre e hijo era grande, él comprendió que se trataba de una segunda oportunidad para ser padre.

Ese niño debía ser capaz de separar la imagen del hombre que se ve en las películas y aquel que se acuesta de noche en su cama y se levanta para coger en brazos a su hijo cuando llora.

De hecho, desde esa época él insiste que su familia siempre le acompañe en su trabajo.

"Si yo no los puedo traer conmigo, no hago ningún negocio", dijo en una ocasión.

Con Ben y Willard él no estaba todavía satisfecho como padre. En Junio de 1990 había un nuevo personaje en la familia Ford con el nacimiento de la niña Georgia. Después de tres muchachos, Ford se quedó emocionado al ser el padre de una hija. Sus hijos del anterior matrimonio con Mary, tenían ahora veinte años, y ninguno de los dos quiere realizar una carrera en el mundo del espectáculo. Benjamín, el mayor de ellos, es un cocinero hogareño, mientras que Willard ha llegado a ser un profesor de la escuela superior.

Frenético

En 1988 Ford apareció en el thriller psicológico de Román Polanski, “Frenético”. Su personaje, Richard, es un héroe típico de Ford, - un honorable y ordinario hombre de negocios, cuyas cualidades profundas de coraje, se unen al gran amor por su esposa.

“Frenético” nunca llegó a ser un éxito, quizás a causa de esa carencia de interés para el público europeo.

Armas de mujer

Entonces, mientras efectuaba el rodaje con Polanski, le llegó el manuscrito de “Armas de mujer”, que pareció ideal para su carácter. Ford encontró que las relaciones modernas son muy interesantes y se sintió atraído por la producción y por la elección del director, Mike Nichols.

Por primera vez en la carrera de Ford, interpretaba un personaje secundario, Jack Trainer, y él eran muy felices por compartir el reparto con las dos mujeres principales: Sigourney Weaver y Melanie Griffith. No estaba acostumbrado a realizar papeles secundarios, pero encontró que este papel en particular podía ser demasiado interesante como para dejarlo pasar. El resultado fue que “Armas de mujer” llegó a ser una de las películas mejor aceptadas en 1988, por críticos y público, especialmente por las aptitudes cómicas de Ford que fueron elogiadas grandemente.

Datos biográficos de interés

Esta parte de la biografía de Harrison se caracteriza por suministrar una información breve sobre su vida actual. Puede ser que algún acontecimiento reciente no haya sido incluido, pero es comprensible teniendo en cuenta la diferencia de tiempo entre que este libro ha sido escrito y ha podido ser editado.

30 de enero

Harrison Ford cenó con Ivan Reitman, donde ellos hablaron de la película "Seis Días y Siete Noches," que se tiene que filmar en el verano de 1997, en un país del Caribe para la productora Disney. En esta cena hablaron de la otra protagonista, Juliette Binoche, que había actuado en “El Paciente Inglés”. El manuscrito está siendo revisado por Babaloo Mandel y Lowell Ganz.

Ford también ha realizado “El avión del Presidente” (Air force une) y los derechos sobre el título se han protegido. Anteriormente rodó “La sombra del diablo”, que no ha tenido el éxito deseable a causa de la mala publicidad que hicieron, incluyendo una entrevista a Brad Pitt en la revista “Newsweek”, en la que vertía veneno sobre su compañero de reparto.

Harrison Ford no tuvo nada que ver con esta aptitud tan negativa, aunque comentó que no deseaba trabajar nunca más con Pitt.

Más datos

Brad Pitt cambia sus ataques y a los pocos días de terminar el rodaje de “La sombra del diablo” dice que le gustaría volver a realizar una nueva película con Ford. "Yo estoy muy orgulloso de haber trabajado en esta película y de la enorme dedicación que he empleado.

Soy una persona que respeta a mis compañeros y les quiere".

Esa declaración se publicó una semana después de la anterior en el Newsweek, y supuso nuevos comentarios sobre la relación entre Pitt y Ford.

Pero según el periodista de la primera entrevista, Pitt había afirmado que no le gustaba en absoluto la película y que ahora pretendía rectificar en vista del mal resultado en taquilla.

La polémica entrevista

3 de febrero 1997

La parte más interesante de la entrevista del Newsweek con Brad Pitt, se hizo en Argentina donde él estaba haciendo “Siete Años en el Tíbet”. Estas son algunas de las preguntas:

- Usted hizo “La Sombra del Diablo” el año pasado con Harrison Ford. El rodaje fue duro, obviamente.

- Quizá usted sabe la historia. Nosotros no teníamos ningún manuscrito. Bueno, nosotros teníamos un gran manuscrito pero fue desechado por diversas razones. Lo que ocurrió fue que no teniendo guión no podíamos trabajar, pero tampoco estar cruzados de brazos. ¡Jesús, qué presión!. Era ridículo. Era la situación más irresponsable de un rodaje, al menos yo nunca había estado en una situación semejante. Yo no lo podía creer. No sé por qué nadie quería continuar haciendo la película. Nosotros no tuvimos nada que ver con esta situación.

El estudio que dirigía Mark Canton dijo: “Yo no ruedo. Nosotros haremos un nuevo guión y este hay que tirarlo”.

-¿Por qué no abandonó el rodaje?

- Yo traté de hacerlo cuando faltaba una semana antes del rodaje y en ese momento solamente teníamos 20 páginas de texto. Y el manuscrito que podía habernos servido se lo llevaron. Creo que los especialistas o la productora simplemente tuvieron visiones diferentes y nunca supe porqué. Pero entonces yo quise renunciar y que la dirección del estudio decidiera, "Tenemos todo el derecho a dejarle que se vaya, pero deberá pagarnos 63

millones de dólares de indemnización". Ellos venden sus películas a países extranjeros antes de estar incluso filmadas y pueden pleitear sobre mis obligaciones como actor.

Al final, los estudios sabían que Brad Pitt no promocionaría “La Sombra del Diablo” y según noticias posteriores estas fueron algunas de sus declaraciones en el momento de su estreno:

Noticia aparecida en un diario de Nueva York

Brad Pitt no tiene nada bueno que decir sobre la nueva película “La Sombra del Diablo”, aunque él sea la estrella.

“El manuscrito original se eliminó y se renovó una nueva versión durante una corta estancia en un rancho.

La película es un desastre, siguió afirmando Pitt en una entrevista concedida el 3 de febrero . Yo solamente continué con el rodaje porque la Columbia Pictures me amenazó con pleitear si abandonaba”.

“Ha sido la producción más irresponsable que yo he visto en mi vida.

Yo no podría creerlo, dice Pitt”.

Su papel en esta película consistía en ser un miembro liberado del IRA, que recibe ayuda de un americano interpretado por Harrison Ford.

El avión del Presidente

Jugueteando con un arma diabólica, Gary Oldman permanece sumamente estático enfundado en un traje negro con un chaleco a prueba de balas, haciendo un buen papel como el perverso terrorista Ruso. Espera para averiguar quién puede haber escapado cuando sus lacayos asumen la dirección de la Casa Blanca. Él saca una mecha larga junto a su cigarrillo, lentamente exhala una bocanada de humo, y entonces tira fuera el cabo de mecha sobre un podio iluminado que está enfrente.

"Él no es un psicópata", dice Oldman sobre su personaje en “El Avión del Presidente”. "Él considera que matar es una parte necesaria en una situación de guerra". El secuestro de la hija y de la primera dama que toman como rehén, se hacen para forzar al gobierno de los Estados Unidos a que liberen a un general Ruso encarcelado. Gracias a la acción rápida del Servicio Secreto, el Presidente (Harrison Ford) elude su propio secuestro y siendo el principal elemento que aún está libre, se mueve para liberar a los rehenes, mientras la vicepresidente Glenn Close atiende a los terroristas.

"Yo había dicho (esta película lo muestra) que tenía solamente una pequeña parte de la responsabilidad como Presidente" dice Ford. "Aquí yo lo único que tengo que hacer es salvar el avión, a mi hija, y a mi esposa, no al mundo entero.” Ford llegó hasta este proyecto cuando Kevin Costner no pudo realizarla, aunque el guión estaba pensado para él. El Director Wolfgang Petersen y Ford fueron invitados a viajar en el verdadero avión del Presidente Clinton. "Era como una sala grande de un maravilloso hotel", dice Petersen. "Pero siempre presentí que ellos no me habían mostrado todo el avión, ni por supuesto sus secretos. Yo pienso que las Fuerzas Aéreas tienen una porción muy grande de materia reservada bien oculta, que únicamente unos pocos agentes secretos conocen y esto lógicamente no ha podido ser filmado en la película".

“La idea era crear un fuerte suspense dentro de la cabina del avión, algo que genera una gran claustrofobia, elementos que proporcionan la base para la intriga”, dice Petersen.

"Estos dos adversarios peleando el uno contra el otro sobre el mismo avión, no pueden generar situaciones buenas, sino catástrofes". No es una trama sobre una llamada telefónica a larga distancia, como en mi anterior filme. Si algo va mal, no hay oportunidad para escapar, ninguna oportunidad para sobrevivir". "Es una película de acción", recuerda Ford.

"Wolfgang es uno de los mejores directores del cine claustrofóbico".

Con pocas películas sin éxito, Harrison Ford ha vuelto a un proyecto que agradará a las masas, de gran potencialidad económica, siguiendo en la línea que el actor se ha marcado.

En esta película, el avión del Presidente de los Estados Unidos es el principal protagonista, y es una base perfecta para lograr un gran éxito de taquilla. Precisamente como muchas otras películas, para triunfar necesitará estar sólidamente sostenida con un buen guión, una buena interpretación y una buena dosis de creatividad.

Al contrario que su anterior película “La sombra del diablo”, estrenada con gran retraso, que resultó decepcionante, demostrando que no basta con poner dos estrellas taquilleras para que la película triunfe, y con muchas ganas de recuperarse también del semi-fracaso de “Sabrina”, Ford puede usar “El avión del Presidente” para relanzar su estrellato.

El director Wolfgang Petersen no es el tipo habitual de director-estrella y gusta de no repetir nunca sus películas, buscando argumentos totalmente dispares. Entre sus películas están “La historia interminable”, “El submarino”, “En la línea de fuego” y “Shattered”. La mejor cosa que se puede decir de él es que no quiere que el espectador descanse ni un minuto con sus películas; tiene que tener los ojos puestos siempre en la pantalla sin posibilidad de evadirse. Por eso, la película “El avión del Presidente” es simplemente un film de acción, con diversión asegurada, pero de gran calidad, de la cual han dicho los críticos que es la película que coloca en la cima del estrellato a Harrison Ford, justo en un momento en el cual debería iniciar un lento declive al olvido.

Lo que distingue a esta historia sobre el presidente de los Estados Unidos de otras similares, es que consigue aterrorizarnos cuando estamos a bordo del avión dominado por los terroristas. Una de las personas que más nos atenazan la garganta es el terrorista interpretado por Gary Oldman (con un fuerte acento extranjero), quien posa como un periodista para conseguir entrar en el avión y entonces realizar su maquiavélico plan de terrorismo.

También es importante el papel de Glenn Close, que consigue con autoridad controlar el desconcierto que genera el secuestro del Presidente, aunque el guión original no fue escrito para una mujer. El papel de Ford tampoco estaba pensado para él y podría haber estado interpretado por Jack Nicholson o Michael Douglas o alguien a quien nosotros podamos imaginar que puede pelear con terroristas con sólo sus manos, sin armas. Si nosotros pensamos que podemos tener Presidentes que son capaces de repeler personalmente una acción terrorista, y que además pueden moverse con eficacia estando su hija y esposa amenazadas por terroristas, obviamente somos un poco ilusos, tanto como pensar que podemos pelear con unos bandidos durante un incendio y encima romperles el cuello con las manos. Sus compañeros eran en total 11, incluyendo un miembro femenino de la prensa.

Ford hace todo lo posible para hacer creíble su papel como Presidente del Gobierno y quizás algún día acabe como ejecutivo principal en la Casa Blanca.

Los últimos informes nos hablan que el manuscrito de la próxima película de Harrison, Seis Días, Siete Noches, está terminado y la película en rodaje. La película cuenta con la presencia de Kristin Scott Thomas, quien actualmente es popular por “El Paciente Inglés”.

Recuerden que Ford fue al estreno de esa película, y quedó tan impresionado por ella que ahora quiere que Kristin sea su oponente femenina en la película “Seis Días, Siete Noches”. ¿ Puede significar esto que ella va a reemplazar a Julia Roberts en la cima del estrellato femenino?.

Filmografía

LADRON Y AMANTE

Death Head on a Merry go-round

1966

Columbia Pictures

Color

104 minutos

Director: Bernard Girard

Guión: Bernard Girard

Música: Stu Phillips

Director Artístico: Walter M. Simonds

Intérpretes:

TODD ARMSTRONG: Alfred Morgan

JAMES COBURN: Eli Kotch

SEVERN DARDEN: Miles Fisher

HARRISON FORD: Botones de hotel

ALDO RAY: Eddie Hart

CAMILLA SPARY: Inger Knudson

En esta historia nos cuentan cómo lograr un robo perfecto, tema que estuvo muy de moda durante esos años. Los protagonistas planean robar el banco de un aeropuerto y para ello utilizan las dotes de seducción de James Coburn.

Harrison Ford realiza un papel minúsculo, entregando un telegrama a James Coburn y no volviendo a salir en toda la película. “Mister Jones”, es todo el extenso diálogo que tuvo que pronunciar.

LUV QUIERE DECIR AMOR

Luv

USA-Suecia

1967

Color

Columbia Pictures Corporation

Comedia

Productor: Martin Manulis

Música: Gerry Mullican

Guión: Elliot Baker

Director: Clive Donner

Intérpretes:

SEVERN DARDEN: (Vandergist)

PETER FALK: (Milt Manville)

HARRISON FORD: (Bit Part)

PAUL HARTMAN: (Doyle)

JACK LEMMON: (Harry)

BERLIN ELAINE: (May)

NINA WAYNE: (Linda)

LA CABALGATA DE LOS MALDITOS

A Time for killing

1967

80 minutos

Director: Phil Karlson

Basado en una novela de: Nelson y Shirley Wolfor

Intérpretes:

GLENN FORD

INGER STEVENS

GEORGE HAMILTON

MAX BAER

Un grupo de combatientes confederados se escapan del fuerte donde estaban encarcelados, y sus carceleros salen en su búsqueda.

VIAJE A SHILOH

Journey to Shiloh

1968

101 minutos

Technicolor

Director: William Hala

Intérpretes:

JAMES CAAN

BRENDA SCOTT

PAUL PETERSEN

DON STROUND

HARRISON FORD

Un joven, ansioso por entrar en la guerra civil en Texas se une a varios veteranos y organizan su propia batalla.

THE INTRUDERS

The Intruders

1970

95 minutos

Color

Director: William Graham

Intérpretes:

HARRISON FORD

DON MURRAY

EDMOND O´BRIEN

JOHN SAXON

ANNE FRANCIS

GENE EVANS

EDWARD ANDREWS

HARRY STATON

El joven ex - combatiente Billy Pye (Saxon) vuelve a Medelia para llegar a ser un gran hombre, y lograr un poco de paz en su vida. Muchas situaciones y caracteres para conseguirlo, pero nada importante en suma.

ZABRISKIE POINT

Zabriskie Point

1970

112 minutos

Color

Productor: Carlo Ponti

Director: Michelangelo Antonioni

Guión: Michelangelo Antonioni,

Fred Gardner

Sam Shepard

Tonino Guerra

Clare Peploe

Basada en la historia de: Michelangelo Antonioni

Fotografía: Alfio Contini

Intérpretes:

HARRISON FORD:

MARK FRECHETTE: Mark

DARIA HALPRIN: Daria

ROD TAYLOR:

Lee Allen

Una de las situaciones más desagradables de esta película es cuando los adultos son felices comportándose como niños. El héroe y la heroína se enamoran, y gustan de realizar escenas románticas y sensibleras. Ellos corren por el parque, vuelan las cometas, alimentan a los cisnes en el cementerio, y (muy importante), se ríen enormemente cuando la mostaza gotea fuera de sus perritos calientes. Yo todavía desearía ver alguna de estas escenas en la vida real, para observar cómo terminan los amantes cuando la salsa espesa y coloreada de sus perritos les manchan los vestidos. La película responde a la metodología habitual de Antonioni, y mire usted, consigue que todos nos riamos con la escena de los perritos mancha-camisetas

.

El director:

MICHELANGELO ANTONIONI

Michelangelo Antonioni es un director irregularmente brillante cuyo mejor, y básico mérito, es el conocimiento de que si cultivamos una forma elegante de aburrirnos podremos estropear nuestra capacidad para sentir y amar.

En el decenio de 1950, sus películas tuvieron gran popularidad, quizás porque eran espontáneas, pero poco a poco perdió su don (quizás no pagó el sueldo a su musa), y sus personajes comenzaron a ser vulgares y espiritualmente agotados, aburriéndonos ya en la primera parte de sus filmes.

A nosotros nos gustó “Eclipse” (1962), una deliciosa obra basada en una pieza teatral y quizás también “Blowup” (1966). Después Antonioni nos dio “The Red Desert” (1964), posiblemente la película más seria, pasiva y vacía de la década. Qué es lo que pretendía Antonioni con sus películas, era algo que solamente sabía él mismo. Pero algo deben tener este tipo de directores para que la gente joven demuestre un gran entusiasmo por películas como Blowup. Quizás se deba al hecho de sentirse diferentes como aficionados aplaudiendo una obra que aburre al más entusiasta.

Antonioni había conseguido el material necesario empleando su instinto para buscar una historia, pero posteriormente decidió que debía hacer películas más "comprometidas" si quería llegar al público estadounidense y al movimiento radical.

Yo sospecho que en su proyecto también estaba el entretener al público y mostrar sus talentos. Él no es ni remotamente un activista en su estilo personal, y tengo la sospecha que lo que pretende es que la gente se mezcle en enormes polémicas a causa de sus películas; ya saben, entre los que se han dormido y los que tienen las manos coloradas de tanto aplaudir.

Por eso decidió hacer “Zabriskie Point” a su manera (de cualquier manera) y lanzar su alegato intelectual a sus incondicionales.

El resultado es que nos encontramos ante una película majadera y estúpida, sumamente cargada con un equipaje ideológico incomprensible, que nos lleva inmediatamente a la compasión. Sus películas anteriores nos han hecho pensar que Antonioni era vulnerable; aunque no tenía que haberlo demostrado con tanta claridad.

El director que descubrió a Mónica Vitti parece increíble que sea tan capaz, en Zabriskie Point, de hacer que sus personajes jóvenes parezcan tan superficiales. Sus voces son vacías y no tienen ninguna trascendencia como seres humanos. Ellos no juegan el uno con el otro, pero sus distintivos narcisistas quedan bien claros. Cualquier parecido con una película de Hollywood, es pura coincidencia. Después que el héroe rechaza la retórica radical, él decide tratar de efectuar una acción personal y allí empieza una sucesión torpe de escenas, durante las cuales mata a un policía (el asesinato en una de las constantes en Blowup). Entonces el héroe roba un avión, vuela por el desierto, ve a su chica en un Buick del 52, zumba sobre ella varias veces, aterriza, y se van al desierto para hacer el amor.

Las escenas de amor son odiosamente crudas, aunque todas las escenas parecen sacadas de otras películas similares. No hay sentimiento de liberación, o de entusiasmo, ni ninguna otra excepción que nos haga mitigar ese tiempo ridículo y largo que hemos empleado en ver la película.

Después vemos que el héroe pinta el avión de colores psicodélicos, vuela sobre Los Angeles, y es matado por la policía. La película no es ciertamente nada complicada, y para darle alicientes Antonioni intenta sacar las cámaras al exterior y mostrarnos millares de jardines con carteleras y anuncios, que se suponen son para mostrar que América está siendo corrompida por la publicidad y el capitalismo, creo.

El hecho es que Antonioni ha dejado de tener sentido para la gente joven. En sus películas europeas, él permitió que sus actores jóvenes se comportaran como adultos, pero en Zabriskie Point nosotros vimos a los chicos haciendo el amor como adultos y jugando como los niños (corriendo arriba y abajo por las dunas de arena, etc.), lo que resulta deprimente. Aunque pudiera ser que hubiera tratado de hacer una película seria, no ha conseguido su propósito.

CAMINO RECTO

Getting straight

1970

124 minutos

Color

Drama

Productor: Richard Rush

Director: Richard Rush

Basada en la novela de: Ken Kolb

Música: Ronald Stein

Efectos especiales: Ira Anderson

Guión: Bob Kaufman

Intérpretes:

ELLIOTT GOULD: Harry Bailey

JEFF COREY: Dr. Willhunt

CECIL KELLAWAY: Dr. Kasper

JEANNIE BERLIN:

HARRISON FORD

El punto central de este argumento está en un estudiante graduado, Elliott Gould, que ha de elegir entre ser un gran académico y sus fuertes creencias. La personalidad de Gould hace que la película sea brillante.

AMERICAN GRAFFITI

American Graffiti

1973

110 minutos

Color

Productor: Francis Ford Coppola, Gary Kurt

Director: George Lucas

Guión: George Lucas, Gloria Katz y Willard Huyck

Fotografía: Ron Everslage, Jan D'Alquen

Intérpretes:

RON HOWARD: Steve

CINDY WILLIAMS: Laurie

RICHARD DREYFUSS: Curt

PAUL LE MAT:

John

MACKENZIE PHILLIPS: Carol

CHARLES MARTIN SMITH: Terry

CANDY CLARK: Debbie

HARRISON FORD: Shake

BO HOPKINS: Joe

Mi primer automóvil era un Ford del año 54 que yo compré por 435$. No era bonito, potente, estable ni estaba pintado con acierto, tampoco tenía un buen sonido, pero su tapacubos eran un portento cuando los miraba.

Durante los fines de semana mis amigos y yo circulamos alrededor del centro urbano cercano al Princess Theater, próximo al palacio de justicia, a veces parando en un baile para jóvenes o en una hamburguesería. Nosotros escuchábamos "In sight, it must be right"

cantada por Dick Biondi, aunque en los dos años anteriores nuestro preferido había sido

“The Prairie Farmer Station”, una canción que había sido muy popular en todo el oeste.

(Extracto de la película).

Cuando fui a ver la película de George Lucas “American Graffiti” que ahora a todo el mundo le resulta incomparable, me pareció que tenía un argumento sencillo y con grandes dosis de nostalgia. Me recordaba mi generación de la escuela superior, en una época en la cual nuestra única preocupación era que nos cogiera desprevenidos la pérdida de la inocencia.

Esos años coincidieron con el tremendo choque moral que supuso para América la muerte violenta del Presidente Kennedy.

La fecha de partida es el 22 de noviembre de 1963, y nada importante estaba sucediendo.

Los adolescentes en American Graffiti son, en un sentido, como ese personaje de caricatura en los anuncios de las revistas: una persona que anula su seguro de vida, inconsciente que un alud de tierra está a punto de caer encima de él. Las opciones en esos años eran muy simples: ir al colegio o permanecer en casa; buscar un trabajo o pasear por la avenida central buscando chicas.

Las opciones eran tan simples, que la música llegó a formar parte esencial en nuestras vidas. La banda sonora de American Graffiti tiene una importancia crucial en el filme y encaja perfectamente con el argumento como si fuera un espectáculo más. La radio está presente en la mayoría de las escenas para mantenernos alertas en todo momento. Uno de los personajes de la película se da cuenta que su automóvil, estacionado cerca, ha sido robado, pero en ese momento oye su música mientras lo ve en la lejanía.

La música era tan inocente como el tiempo. Las canciones como "Sixten Candles", "Gonna Find Her" y "El Libro de Amor", suenan conmovedoras e infantiles hoy; nada nos preparó para la decadencia y la agresión de la música y la sociedad en los años posteriores. Los Rolling Stones de 1972 tienen algunas canciones pertenecientes a esa época.

American Graffiti actúa casi como un hito para mostrarnos a qué distancia (y en muchos casos cuan trágicamente) nosotros hemos vivido. George Lucas consiguió fascinar a la generación que ahora tiene entre 30 y 40 años, aunque podría igualmente fascinar a generaciones más jóvenes o más viejas.

Pero no es la edad de los personajes lo que importa; es el tiempo en el cual vivieron. Las culturas y las sociedades han pasado y han cambiado mucho desde 1962. American Graffiti es no solamente una gran película, sino un trabajo brillante de ficción histórica; ningún tratado sociológico podría duplicar la película con éxito, ni recordar exactamente cómo fueron las personas en ese instante cultural.

Si la analizamos superficialmente, Lucas ha hecho una película que parece casi tosca; sus adolescentes navegan por la avenida central, se paran en Mel's Drive-In y escuchan a Jack Wolfman en la radio. Usan gomina en su pelo y están convencidos que este tipo de vida les durará para siempre. Pero la estructura oculta de la película muestra una inocencia en el proceso del perdedor, y como si fuera un símbolo, Lucas pone a una escurridiza rubia en el Thunderbird blanco, aportando una visión de la belleza que se vislumbra en la próxima intersección, al final de la próxima calle.

¿ Quién es ella?. "Yo le amo a usted" susurró ella en la última señal de tráfico. En “8½”, Fellini usó a Claudia Cardinale como su ángel misterioso blanco, y la imagen permanece como una de las mejores; pero George Lucas sabe que en una tarde festiva los ángeles estadounidenses de esta historia conducían Thunderbirds y podrían posiblemente encontrarse en una discoteca, quizás esta noche... o quizá mañana por la noche, o la noche después.

Premios:

Nominada cómo mejor película en el año 1973

Nominada como mejor actriz secundaria: Candy Clark

Nominada cómo mejor Director en 1973: George Lucas

Nominada para el mejor guión

El director:

GEORGE LUCAS

(1944- )

Profesión: Director y productor

Nombre: George Walton Lucas, Jr.

Nacido: EL 14 de Mayo de 1944, en Modesto, CA

Estudios: La universidad del sur de California

El supremo anti-autor George Lucas, ha logrado una sorprendente línea de éxitos comerciales e influencia cultural, con sorprendentemente pocas películas como director.

Aunque él no sea uno de sus críticos favoritos, (su trabajo carece de "peso temático"), ha mejorado año tras año cultivando su trabajo con un entusiasmo irrefrenable. Casi sin ayuda, él se estableció en el decenio de 1960 con un tema apropiado para salas de cinéfilos y amantes de la nostalgia, con “American Graffiti” (1973). Después dio al género de la ciencia-ficción un nuevo impulso con la trilogía de “La Guerra de las Galaxias”, combinando fantasía y nostalgia (perfectamente personificado en los títulos de apertura de

“La Guerra de las Galaxias”, "hace muchos años, en una galaxia muy lejana"), de una forma tan rotunda que se hizo muy popular entre los jóvenes y también entre los adultos.

Mientras fue un estudiante de la Universidad del sur de California, Lucas sirvió como un técnico de sonido para el musical de Francis Ford Coppola, “Finianś Rainbow” (1968).

Los dos hombres rápidamente descubrieron su amor mutuo por el cine y llegaron a ser amigos muy cercanos. Fue Coppola quien se encargó de respaldar la primera película de Lucas, “THX-1138” (1971), una expansión de un corto de unos 20 minutos que hizo Lucas durante los días de estudiante. Con un trabajo inteligente de ciencia-ficción, la película demostró que Lucas tenía una comprensión aguda de ese género. El filme recurre profundamente a otros clásicos anteriores del cine de ciencia-ficción, y para muchos esta película ofrece unas buenas imágenes, gran inventiva y una confianza mínima en los efectos especiales.

Para desilusión de Lucas, la Warner Bros. reeditó la película y la exhibió como un largometraje futurista. THX-1138 (1971) tuvo un resultado muy pobre en taquilla, tampoco funcionó en vídeo ni en televisión, aunque logró luego algo de prestigio como cine de culto.

También Lucas ha ganado una buena reputación como un director intelectual de ciencia-ficción, especialmente por la reacción tan favorable que obtuvo con su semi-autobiografía

“American Graffiti” (1973), una historia diseñada para llegar a un gran público. Producida con un presupuesto de únicamente 750.000$, nuevamente con la ayuda de Coppola, la película llegó a ser una de las más lucrativas de la década. “American Graffiti” es una buena película que sirvió para establecer la potencialidad comercial de su director, además de permitirle producir con éxito sus siguientes películas de forma independiente.

Posteriormente, y con pocos meses de diferencia, realiza como guionista y director la historia de la película de ciencia-ficción “La Guerra de la Galaxias”, publicada como novela en 1976 y estrenada como una película al año siguiente. Esta ópera del espacio, posee un argumento bastante estándar: los villanos fascistas intentan ganar el control de la gente democrática decente, quienes se fuerzan en llegar a ser héroes y derrotarles.

Los personajes son parecidos a otros habituales en este género, pero Lucas los administra y los presenta con una frescura y exuberancia que habían estado ausentes de la pantalla desde

“Flash Gordon" y "Buck Rogers", seriales de décadas anteriores, a las que ellos homenajean.

Lucas sostuvo que él quiso restaurar las películas de romance y acción habituales, que él consideraba que se habían desarrollado demasiado intelectualmente. Así, “La Guerra de las Galaxias” es distinguida por su bravura en las escenas de acción, los efectos especiales llegaron al estado de arte, la producción fue cuidadosamente considerada y bien diseñada, con un ritmo grandioso, y se eludió cualquier punto temático serio. El corazón de la aceptación popular de la película es el concepto de "la Fuerza", y aunque nunca lo explicó totalmente, y funcionó como una cosa más dentro del conjunto, su función primaria estaba en sugerir una ilusión de unión entre la vida y la ciencia, la biología y la tecnología.

Lucas ha reconocido los trabajos de las tardes mitológicas de Joseph Campbell, como una influencia creativa para “La Guerra de las Galaxias”. En sus entrevistas extensivas con el periodista Bill Moyers, Campbell observaría luego que mucha de la popularidad de la película puede ser atribuida a la asimilación inteligente de leyendas antiguas y temas mitológicos.

Lucas ganó una fortuna con esta película de ciencia-ficción, la más popular desde que Steven Spielberg filmara E.T. El Extraterrestre (1982). Realizada con 10.5$ millones, ganó más de 400$ millones en su exhibición mundial y promocionó una campaña inaudita de merchandising de juguetes, cajas de comida, camisetas, juegos y otros recuerdos. El mito de “La Guerra de las Galaxias” ha sido una trampa poderosa para la cultura de los niños de los 70, apasionados hasta entonces por las marionetas de Jim Henson. Con las ganancias de la película, Lucas instaló su propia productora, Lucasfilm Ltd., en Marin, Condado, California.

La Guerra de las Galaxias fue una experiencia agotadora para Lucas, y él se juró que nunca volvería a dirigir una película tan grande. Su papel como director de tal enorme producción y las ocupaciones adicionales en la producción, merchandising, efectos especiales y elaboración de guiones, le ha hecho reflexionar sobre su trabajo. Desde 1977 Lucas ha evitado hacer labores de dirección y se ha concentrado en la producción. Dos continuaciones de La Guerra de las Galaxias, El Imperio Contraataca (1980) y El Retorno del Jedi (1983), han reforzado el mito (Lucas originalmente planificó un ambicioso proyecto de nueve películas la cuarta de ellas ya en pleno rodaje).

También ha producido otras películas en otros géneros con un éxito variable, desde el lucrativo de aventuras Indiana Jones (en asociación con Steven Spielberg), al desastroso (económicamente hablando) el Pato Howard (1986). Sin embargo, Lucas es ahora un símbolo para el comercio del cine y tiene proyectos para realizar empresas importantes relacionadas con la cultura, poniendo su estilo más personal en la producción. Parece que su contenido será continuar destilando materia para las próximas 30 o 40 películas populares estadounidenses, traspasando sus propias emociones de niño grande con sus aventuras heroicas destinadas a las nuevas generaciones de niños que ven cine los sábados por la tarde.

Desde la mitad de los años 80, Lucas ha continuado expandiendo su visión del futuro en el cine a través de su rancho Skywalker, un compuesto rústico cerca de San Francisco que sirve como una post-producción al estar situado cerca de Lucasfilm.

Entre las otras divisiones de Lucasfilm están el imperio de ILM, el innovador sistema de efectos visuales especiales, el Skywalker Sound, la perfección del sonido grabado mediante ordenador; Pixar, una compañía dedicada al desarrollo y evolución de imágenes generadas por computadora; y LucasArts, que desarrolla y autoriza que numerosos proyectos relativos a La Guerra de las Galaxias se puedan realizar.

Lucas se involucró estrechamente como el creador y contramaestre de "Las crónicas del joven Indiana Jones”, una costosa y ambiciosa serie de televisión que se estrenó en la ABC

en 1992. Filmada en numerosos países y dirigida por diferentes directores, la serie usó la juventud y la madurez del carácter de Indiana Jones como un trampolín para unas aventuras que tenían un buen soporte histórico. Era el intento de Lucas por mezclar diversión popular con lotes educativos, pero la serie no consiguió los niveles de audiencia que se esperaban.

A lo largo de los años, Lucas ha continuado desarrollando la primera y segunda trilogía de la saga de Star Wars, relanzando y mejorando la primera al coincidir con el 20th aniversario del estreno de La Guerra de las Galaxias. Lucas ha autorizado también la publicación de numerosas novelas y libros cómicos que, conjuntamente con las películas, continuarán expandiendo la popular saga popular durante los próximos años.

LA CONVERSACION

The Conversation

1974

113 minutos

Color

Productores: Fred Roos y Francis Ford Coppola

Director: Francis Ford Coppola

Guión: Coppola

Fotografía: Bill Butler

Intérpretes:

GENE HACKMAN: (Harry Caul)

JOHN CAZALE: (Stan)

ALLEN GARFIELD: (Bernie Moran)

FREDERIC FORREST: (Mark)

CINDY WILLIAMS: (Ann)

MICHAEL HIGGINS: (Paul)

HARRISON FORD: (Martin Street)

El papel que interpreta Gene Hackman en “La Conversación”, un experto en electrónica llamado Harry Caul, es uno de los caracteres más conmovedores y trágicos en las películas; él figura como alguien que le gusta el personaje de Willy Loman en “La Muerte de un Viajante”.

Hackman es un actor elegante en cualquier papel, desde sus papeles de acción en “French Connection” a este introvertido, asustado y paranoide que es "el mejor tipo de la Costa oeste." Él es, desde luego, quizá el mejor experto en electrónica del país, pero no ha ido hasta la Costa Oriental para realizar una misión que condujera a la muerte a tres personas.

Él es únicamente un profesional, pero no un asesino. Hace su trabajo y nunca realiza ninguna pregunta, no quiere saber las respuestas.

Su último trabajo ha sido una obra maestra táctica. Su cometido: escuchar a una hora del mediodía la conversación entre dos personas jóvenes cuando caminan por una plaza llena de gente. Trabaja en unión a otra persona que se encarga de grabar el sonido y de situar los micrófonos parabólicos desde edificios cercanos a la plaza que no están habitados. Esto le proporciona tres grabaciones imperfectas de su conversación, que posteriormente debe unir electrónicamente en una cinta bastante buena. Es un buen profesional, y aunque la película no critica sus técnicas, nos muestra lo suficiente de cómo ha hecho para conseguir una profesión tan cínica.

Es una película no tanto sobre la técnica del espionaje sonoro como sobre el hombre que lo hace, y el trabajo de Gene Hackman es muy bueno. No quiere seguir implicado con este trabajo (a él no le gusta nada escuchar palabras cursis), pero lo realiza. Después que tiene registrada la conversación, insiste nuevamente hasta que llega a convencerse que puede ocurrir un asesinato si entrega la cinta. Las maneras con las que interpreta la cinta, y los matices diferentes que puede significar, le indican que contiene una información distinta a la que en principio parece. Pronto se da cuenta que tiene en sus manos un documento que es enloquecedor y concreto y rehusa dar a conocer su significado, el cual indica muerte.

La película es un thriller con un desenlace espantoso, pero es también un estudio sobre el comportamiento humano. Hackman interpreta a un artesano que ha perfeccionado su habilidad para analizar la conducta de las personas. Vive en un estado de paranoia profesional, en un apartamento, y se aterroriza cuando descubre que su dueña tiene una llave. Ella le explica que podría tener que entrar en el supuesto de alguna emergencia que pueda quemar sus muebles o el resto de la casa. Él explica que ninguna de sus posesiones es importante para él excepto sus llaves.

No tiene ningún amigo, pero es muy conocido en la industria del espionaje, y ahora están en el pueblo para asistir a una convención. Uno de los asistentes (interpretado por Allen Garfield) tiene un carácter que asusta. Él mantiene una charla sobre los tres asesinatos, y no deja de generar envidia cuando da a conocer lo bueno que es Harry Caul con su trabajo.

Una escena en el cursillo de Harry, con algunos colegas y sus fechas previstas de actuación, nos muestra una ilustración perfecta de las maneras en que las parejas de espías se expresan socialmente mediante su trabajo.

La Conversación está elaborada sobre una situación paranoica: la invasión de la intimidad, el desprecio por la vida ajena y también sobre el problema molesto de la conciencia. El Watergate que estos profesionales se montan parece que, en su mayoría, demuestra que ellos no tienen una noción clara del daño que están haciendo a las personas que espían.

Cuando se dan cuenta, quieren destruir su trabajo y le piden a Martin (Harrison Ford), uno de los ejecutivos de la empresa que le ha encargado las grabaciones, que les devuelvan las cintas.

Premios:

Nominada como la mejor película en 1974

Nominada para el mejor guión

Nominada para el mejor sonido: Walter Murch, Arthur Rochester JAMES MICHENERŚ DYNASTY

James Michener's Dynasty

1976

100 minutos

Color

Director: Lee Philips

Intérpretes:

HARRISON FORD

SARAH MILES

STACY KEACH

HARRIS YULIN

GRANVILLE VAN DUSEN

AMY IRVING

En Ohio, los granjeros de una sociedad establecen un poderoso negocio familiar en la mitad del siglo 19.

Los trabajos interpretativos más importantes son los de Yulin, Miles y Keach como esposo, esposa y cuñado, en una situación en la cual ella trata de controlar a su familia en sus desenfrenos, pero los comportamientos no se corrigen y con el tiempo toda la familia sufre.

THE POSSESSED

The Possessed

1977

78 minutos

Color

Director: Jerry Thorpe

Intérpretes:

HARRISON FORD

JAMES FARENTINO

JOAN HACKETT

CLAUDETTE NEVINS

ANN DUSENBERRY

Un drama sobrenatural con Farentino, como el sacerdote al que llaman para hacer un exorcismo en Hackett, una escuela privada de chicas.

LA GUERRA DE LAS GALAXIAS

Star Wars

1977

121 minutos

Color

Productor: Gary Kurtz

Director: George Lucas

Guión: George Lucas

Música: John Williams

Fotografía: Gilbert Taylor

Maquetas: Stuart Freebom y Douglas Beswick

Efectos Especiales: Rick Baker, John Dykstra y Joe Johnston Intérpretes:

MARK HAMILL: Luke Skywalker

CARRIE FISHER: Princesa Leia

HARRISON FORD: Han Solo

DAVID PROWSE: Darth Vader

JAMES EARL JONES: Voz de Darth Vader

KENNY BAKER: R2D2

ANTHONY DANIELS: C3PO

PETER CUSHING: Grand Moff Tarkin

ALEC GUINNESS: Ben (Obi-Wan) Kenobi

Uno de los más grandes y mejores negocios en la historia de Hollywood, escrito y dirigido por George Lucas. “La Guerra de las Galaxias” fue una película enormemente influyente, dando origen a dos continuaciones iniciales y veintenas de imitaciones, abriendo nuevas ideas en el merchandising de las películas, y poniendo nuevas normas en los efectos especiales. Después de “La Guerra de las Galaxias”, las demás películas tuvieron que adaptarse, tal eran las nuevas expectativas del público. Conjuntamente con “Tiburón” de Steven Spielberg” (1975), “La Guerra de las Galaxias” llegó al espectador medio que quiere más, más, y más emociones.

Después de unos títulos de información sobre la historia que tuvo lugar "hace mucho tiempo, en una galaxia muy lejana”, “La Guerra de las Galaxias” comienza como una epopeya galáctica. Las fuerzas Imperiales, conducidas por el malvado Grand Moff Tarkin (Peter Cushing) y su segundo y fiero comandante Darth Vader (David Prowse), con James Earl Jones que aportaba la perversa y profunda voz, manda a través de la galaxia aplastar con fuerza la rebelión desde su demoníaca estación espacial llamada la Estrella de la Muerte.

El Imperio es contrarrestado por las fuerzas de la Alianza Rebelde conducidas por la Princesa Leia Organa (Carrie Fisher), quien está siendo perseguida por un Destructor Imperial. Ella ha conseguido obtener los planos del destructor y para que no se pierdan los introduce en su computadora – robot R2-D2 (Kenny Baker), quien, con su compinche dorado C3PO (Anthony Daniels), tratan de escaparse del buque de Fisher a bordo una nave auxiliar.

El equipo de robots es similar a Laurel y Hardy, aportando situaciones y diálogos cómicos con su personalidad en la tierra del árido planeta de Tatooine, donde ellos son capturados por los recogedores de basura y puestos sobre el bloque de chatarra. Unos compradores ofrecen una gran cantidad de dinero por esos androides. Ellos son Luke Skywalker (Mark Hamill) y su tío (Phil Brown), unos granjeros que tratan de seguir viviendo en una tierra tan seca.

Cuando Hamill tratar de reparar los daños que se han producido en R2-D2, queda sorprendido cuando un mecanismo automático libera un holograma de la Princesa que demanda ayuda a un tal Ben (Obi - Kenobi, el último miembro vivo de una interplanetaria mesa redonda conocida como los Caballeros Jedi). Hamill ha oído vagamente hablar del Jedi y sabe que ellos fueron una vez buenos guerreros que llevaban el orden en el universo.

El joven granjero decide ponerse en contacto directo con el Jedi después de escuchar al androide R2, todavía mareado por sus circuitos cruzados. Ambos vagan por el desierto, junto a C3-PO y son capturados por los moradores nómadas de las arenas, y antes de que sean ejecutados aparece repentinamente Ben Kenobi (Alec Guinness), y les rescata.

Cuando Ben se presenta como el personaje que andaban buscando, Luke es informado por primera vez que su padre era un Jedi asesinado por el renegado Prowse (Darth Vader), un caballero Jedi anterior que fue seducido por el lado oscuro de la Fuerza. Ben le entrega a Hamill un sable láser y le explica que el poder de un Jedi se deriva desde la mística

"Fuerza," una poderosa energía cósmica que confiere gran fortaleza a los pocos y seleccionados mortales que la pueden emplear.

Aunque Guinness presiona al nuevo Jedi para que se una a la batalla y rescate a la Princesa, Hamill no está seguro de querer ayudar. Cuando las fuerzas Imperiales que buscan a los androides matan a sus tíos, él cambia su manera de pensar y decide seguir los pasos de su padre, acompañado por los robots.

Necesitan una nave espacial que consiga llevarles fuera de Tatooine hasta Alderaan (el planeta de Leia), y para conseguirla visitan una cantina (es una de las muchas secuencias humorísticas de la película), en la que beben y se divierten las criaturas del espacio más raras y con ganas de pelea. En la barra está Han Solo (Harrison Ford), un piloto que tiene su propia nave espacial para cualquier trabajo, siempre que la paga sea suficiente. Está acompañado de su copiloto y socio, un Wookie (combinación de gorila, humano, y varios otros) llamado Chewbacca (Peter Mayhew).

Hamill y los robots acuerdan el negocio con Ford, y se ponen en marcha con una nave espacial antigua pero cuya potencia ha sido aumentada de manera artesanal. Una vez en el sistema Alderaan, ellos se dan cuenta que ha sido destruida por las fuerzas imperiales, como una brutal revancha porque la Princesa ha rehusado denunciar dónde se encuentran concentradas las fuerzas rebeldes.

Cuando Ford, Hamill, y su tripulación divisan la Estrella de Muerte, la enorme estación captura El Halcón Milenario mediante un rayo tractor magnético. Dentro, ellos se disfrazan para evitar ser capturados y se ponen uniformes de los guardias del Imperio, después de golpear a unos guardianes. Mientras tanto, Ben sabotea parcialmente los controles de la Estrella de la Muerte, mientras que los androides descubren que Leia está retenida a bordo de la nave y la rescatan. Pero son perseguidos por las fuerzas Imperiales y en su huida los cuatro caen en un triturador de basura, donde vive un monstruo enorme que se come todo lo que encuentra. Todos parecen estar perdidos cuando las paredes del contenedor comienzan a comprimirse, pero los robots consiguen parar la trituración y logran escapar.

Mientras nuestros héroes se dirigen a la salida de la nave espacial, Darth Vader, dotado de las facultades extrasensoriales y perceptivas de un caballero Jedi, siente la presencia de Ben y le busca por la Estrella de la Muerte. Cuando los dos enemigos mortales se enfrentan con sus sables láser, Guinness (mirando de reojo la huida de sus amigos hacia la nave espacial de Han Solo), permite que Vader le pueda inferir una herida mortal. Su muerte libera la Fuerza desde su cuerpo, y viaja hacia Luke y Leia.

Después de realizar una angustiosa fuga de la Estrella de la muerte, los prófugos se dirigen hacia el pequeño planeta donde se esconde la base rebelde. Anteriormente habían extraído toda la base de datos relativas a los planes de ataque de las Fuerzas Imperiales y consiguen descubrir además su talón de Aquiles. Deben efectuar un veloz ataque a través de un angosto pasillo hasta llegar al centro de la estrella de la Muerte, efectuar un disparo y así se provocará una reacción en cadena que demolería la Estrella de la Muerte.

La misión requiere un piloto muy diestro y aunque Hamill se ofrece, el mercenario Ford no quiere tomar parte en ello. ( El drama adicional se agudiza por el hecho de que Hamill se ha enamorado de Fisher, mientras ella y Ford sienten una complicada y mutua atracción).

Las cosas se precipitan y mientras algunas naves tratan de evitar una respuesta adecuada de la Estrella de la Muerte, otras entran en su perímetro para provocar una explosión que la destruya definitivamente. Cuando parte de las naves rebeldes son destruidas, Luke, asistido por R2, teme que él fracasará. Repentinamente, él se encuentra prácticamente sólo para salvar a sus amigos y mientras Ben se pone en contacto telepático para transmitirle confianza en la Fuerza, es respaldado en su acción por Han Solo y su nave, quien en el último momento ha reconsiderado su postura y decide ayudarle. Y así, mientras Darth Vader se queda solo persiguiendo a Luke, este consigue su objetivo y dispara un proyectil que destruye la Estrella de la Muerte.

La Estrella de Muerte estalla, matando a todos sus habitantes, Darth Vader logra ponerse a salvo y la historia finaliza... de momento.

El rodaje se efectuó en Guatemala, Túnez, el Valle de Muerte, y en los estudios Elstree de Inglaterra. La Guerra de las Galaxias era el segundo largometraje de ciencia-ficción de Lucas, quien hizo su estreno como director con THX-1138 (1971), una fantasía futurista que tuvo una mala aceptación comercial. Lucas siguió con THX-1138 en la línea de romper moldes cinematográficos, como antes lo hiciera con “American Graffiti” (1973), un éxito que motivó a la Fox para rodar La Guerra de las Galaxias, que había sido rechazada por otros estudios porque el auditorio para las películas de ciencia-ficción se pensaba había disminuido.

La Fox invirtió en el proyecto 11.5 millones de dólares y la primera película proporcionó aproximadamente 200 millones de dólares de beneficio, superando a “Tiburón”, la película más taquillera de los estudios hasta la fecha, e iniciándose una agresiva campaña para vender el merchandising. La parafernalia de La Guerra de las Galaxias asaltó el mercado de tal forma, que se vendieron hasta colchas para la cama y camisetas, así como una gran variedad increíble de juguetes. Todavía en la década de los 90 se seguían vendiendo estos artículos, alcanzando unas cotas mucho más altas en la edición remasterizada de 1997.

La película de Lucas dio un nuevo empuje a la ciencia-ficción. Se hicieron muchas más películas de este género que en la década anterior, y muchas de ellas consiguieron éxitos de taquilla que desbordaron todas las previsiones. John Williams fue un colaborador eficaz en estas películas, aportando partituras musicales que incluso han sido premiadas con un oscar.

La idea original de Lucas para la película estaba inspirada en el personaje de “Flash Gordon”, que había alcanzado cierta fama en unos seriales radiofónicos de 1930 y posteriormente en la televisión. Su problema era encontrar productores que quisieran aportar el dinero necesario para su proyecto. Hacer una película de ciencia-ficción que fuera una mezcla de Flash Gordon, los seriales de Buck Rogers, los cómic, la Biblia, las leyendas del Santo Grial, “Las Aventuras de Robin Hood” (1938) y “El Mago de Oz”.

(1939), suponía un cóctel demasiado complejo para que nadie se sintiera interesado desde el primer momento.

La trama era sumamente sencilla en esencia, ya que hablaba de villanos y héroes, tan reconocibles como los conflictos eternos entre Dios contra el demonio. Con una pizca de seudo-religión (la Fuerza), “La Guerra de las Galaxias” no dispone de material sumamente original, y la película tiene cientos de referencias que ya hemos visto con anterioridad.

El éxito de la película yace en una mezcla correcta de la síntesis de sus divertidos personajes, integrados dentro del desfile espectacular de las naves espaciales y sus confrontaciones, los duelos con rayos láser, el estallido de los planetas, la persecución de los protagonistas, y sobre todo, la producción diseñada por Jonathan Barry, sin olvidar los efectos especiales de la ILM bajo la supervisión de John Dykstra, que coloca nuevas normas en las películas de fantasía. Usando un sistema automático de cámara con una memoria sofisticada que permitía la adición precisa y rápida de diferentes elementos en el montaje final, La Guerra de las Galaxias agrupó 363 efectos especiales para aumentar la eficacia de los diálogos y la trama narrativa.

Los actores de Star Wars nunca abruman con sus personajes ni con su interpretación, permaneciendo en un discreto segundo plano ante la presencia de las naves y robots. Sin embargo, el público se llegó a encariñar por ambos, actores y aparatos, y Fisher, Hamill, y Ford consiguieron un gran reconocimiento por parte de los aficionados. Aunque sus caras llegaron a ser famosas en todo el mundo después de La Guerra de las Galaxias, todos fueron parcialmente olvidados, salvo Harrison Ford, quien habiendo aparecido anteriormente en “Ladrón y Amante” (1966), “Camino Recto”(1970), “American Graffiti”,

“La Conversación” (1974), y algunas películas menores desde 1960, tuvo posteriormente un currículum impresionante, hasta tal punto que mantendría posteriormente su categoría de gran estrella. Indiana Jones, de Steven Spielberg, le daría el soporte definitivo para pasar a la historia del cine. La suma aun mayor del interés hacia la película son los encantadores actores que interpretaron a R2D2, C3P0 y Chewbacca, un conjunto de rarezas, unos especímenes poco tenebrosos, que hábilmente apoyan al trío protagonista.

La saga continuaría con El Imperio Contraataca (1980) y El Retorno del Jedi (1983).

Aunque La Guerra de las Galaxias fracasase en conseguir el Oscar a la Mejor Película (se lo llevó Annie Hall), fue nominada a la Mejor Dirección, Mejor argumento original, y Mejor Actor secundario. No obstante, le concedieron premios a la mejor Dirección Artística, Decorados, Redacción, Disfraces, Partitura, Efectos Visuales y Sonido, con un Oscar especial para Benjamín Burtt, Jr., el creador del robot C3-PO, inspirado en el androide femenino de “Metrópoli” Este tributo a la gente que estuvo detrás de las escenas de La Guerra de las Galaxias fue muy merecido, ya que rara vez se consigue un trabajo de alta tecnología adaptado a una película tan buena y tan comercial.

HEROES

Heroes

1977

113 minutos

Color

Productor: David Foster y

Lawrence Turman

Director: Jeremy Paul Kagan

Guión: Jim Carabatsos

Fotografía: Frank Stanley

Intérpretes:

HENRY WINKLER: Jack

SALLY FIELD: Carol

HARRISON FORD: Ken

VAL AVERY: Bus Driver

OLIVIA COLE: Jane

HECTOR ELIAS: Dr. Elias

La película fue el primer papel como estrella para Winkler.

Un soldado enloquecido en la guerra del Vietnam, cruza el país persiguiendo un sueño de riqueza y éxito. En el camino encuentra una chica a la que conquista, aunque su relación le hace sumamente desgraciado. Con la ayuda de algunos amigos (uno de ellos es Ford), pretende montar una granja para la cría de gusanos.

FUERZA DIEZ DE NAVARONE

Force 10 from Navarone

1978

118 minutos

Color

Panavisión

Basada en la novela de: Alistair MacLean

Director: Guy Hamilton

Intérpretes:

ROBERT SHAW

HARRISON FORD: (Coronel Barnsby)

EDWARD FOX

BARBARA BACH

RICHARD KIEL

FRANCO NERO

CARL WEATHERS

Esta continuación de la película “Los Cañones de Navarone”, es bastante pobre en todos los aspectos, aunque Shaw, Ford, y Nero tratan de darle un toque de categoría.

La película empieza donde terminaba la anterior, cuando son destruidos los poderosos cañones de largo alcance de Navarone. En esta ocasión, su misión es eliminar a un poderoso espía alemán que ha conseguido producir serias bajas en la resistencia, además de volar un puente vital para el avance nazi.

El actor Robert Shaw moriría antes de ver la película estrenada.

LA CALLE DEL ADIOS

1979

109 minutos

Color

Panavision

Director: Peter Hyams

Guión: Peter Hyams

Fotografía: David Watkin

Música: John Barry

Intérpretes:

HARRISON FORD: (David Halloran)

LESLEY-ANNE DOWN: (la enfermera)

CHRISTOPHER PLUMMER: (el marido)

ALEC McCOWEN

Esta historia nos cuenta un romance entre una enfermera inglesa casada con un soldado estadounidense, quien es enviado a una misión detrás de las líneas del enemigo, durante la II Guerra Mundial, conjuntamente con el amante de su mujer. En esa misión ambos hombres conocen su pasión por la misma mujer y cuando su avión es derribado por el enemigo deben aprender a sobrevivir juntos, mientras se debaten sobre quién debe ser el amante de la enfermera. La película es vistosa pero poco convincente.

El papel de Ford estuvo previsto para Kris Kristofferson.

APOCALYPSE NOW

Apocalypse Now

1979

150 minutos

Color

Productor: Francis Ford Coppola

Director: Francis Ford Coppola

Guión: Michael Herr, John Milius y Francis Ford Coppola Música: Carmine Coppola y Francis Ford Coppola

Fotografía: Vittorio Storaro

Intérpretes:

MARLON BRANDO: Coronel Kurtz

ROBERT DUVALL: Lugarteniente Kilgore

MARTIN SHEEN: Capitán Willard

FREDERIC FORREST: Cocinero

ALBERT HALL: Jefe de cocina

SAM BOTTOMS: Soldado

DENNIS HOPPER: Fotógrafo

HARRISON FORD: Coronel

Esta brillante, rara, y confusa película, ha proporcionado a su director Francis Ford Coppola gran celebridad. Él fue también muy aplaudido por su postura antibelicista, aunque ahora se nos muestre llena de defectos. También aportó el aliciente de ver a una leyenda del cine como Marlon Brando, en un papel incomprensible. Curiosamente, la película iba a ser dirigida inicialmente por George Lucas, ya que era un proyecto suyo.

Un capitán harto de la guerra y el sufrimiento de la batalla (Martin Sheen), ordena que cuatro hombres de su batallón vayan arriba del río Mekong, en Camboya, para apresar, o matar si es necesario, a un furioso coronel estadounidense (Marlon Brando), que ha establecido una dictadura despiadada. Sheen y sus hombres llegan con sus helicópteros, acompañados de un coronel (Robert Duvall) que "ama el olor del napalm por la mañana", a una fortaleza del Vietcong. Los helicópteros vuelan mientras suena "Paseo del Valkyries"

de Wagner y entonces proceden a bombardear todo lo que ven.

Después llegan al lugar donde millares de reclutas están mirando frenéticamente las páginas del Playboy, mientras otros se despiertan al lado de guapas nativas. Después reanudan su viaje y finalmente alcanzan la fortaleza de Brando.

Las señales de su dictadura se observan mirando simplemente la gran cantidad de cabezas de disidentes empaladas sobre palos, mientras que los cadáveres cuelgan de los árboles. A su alrededor hay multitud de rezagados estadounidenses, seguidores fanáticos de Brando, especialmente un fotógrafo neurótico (Dennis Hopper).

Brando permanece en la oscuridad de una húmeda cueva, meditando sobre la vida y la muerte, y le cuenta a Sheen que " el terror moral" es necesario para la conservación de la civilización. A pesar de su admiración por Brando, Sheen efectúa la ejecución y huye con otro soldado (Sam Bottoms), cuando los nativos le cierran la retirada.

Cinco años para el rodaje con gran indecisión, costos enormes, tecnología cara, progreso muy lento, contaminación del agua, etc., son como una metáfora irónica sobre la involucración de América en Vietnam.

La película originalmente fue un desastre financiero, para la que se calculó un presupuesto inicial de poco más de 5 millones de dólares. Pero cuando el director comenzó el rodaje ya eran necesarios unos 12 millones de dólares que sobrepasaron los 31 millones antes del día 238 del rodaje. El costo final fue tan alto que Coppola tuvo que poner dinero propio en la producción. Además, la película estuvo suspendida unos días a causa de un ataque al corazón de Sheen.

Coppola produjo una película imponente que retrata la polémica Guerra del Vietnam. Todo aquí está pervertido, desde los funcionarios, los comandantes, hasta la diversión de los soldados estadounidenses: en lugar de Bob Hope y cómicos, hay prostitutas; en lugar de militaristas determinados y melancólicos, hay esquizofrénicos y locos paranoides.

Los valores de producción y fotografía son impecables y Coppola reprodujo con acierto el sabor del Vietnam Camboyano, la jungla y el ramaje sofocante escondiendo peligros. Pero la historia se demora por pasajes introspectivos, particularmente los incomprensibles monólogos mascullados por Brando que repite una y otra vez en su cueva (según nos informan inspirados en la novela de Joseph Conrad “Corazón oscuro”). Uno nunca comprende con claridad el punto de vista de este lunático, como tampoco la incorporación de muchas escenas tan surrealistas. Aquí, nuevamente, se envió un mensaje que nadie entendió.

La yuxtaposición de Coppola, más veloz; con Brando, más lento, no justifica el resultado final. El punto neurálgico, por supuesto, es esa guerra inútil, horrorosa e inhumana, en donde “Apocalipsis Now” triunfa con exactitud devastadora. No hay un sentimiento verdadero aquí para la guerra del Vietnam donde centenares de millares de estadounidenses pelearon y en donde hubo más de 50.000 muertos, una actitud universal que se encuentra mejor reflejada en “El Cazador” (1978) e iguala “Boinas verdes” (1968).

La interpretación intensiva de Coppola sobre la guerra es técnicamente impresionante y espantosa, pero carente de humanidad.

Premios:

Premio de la Academia al mejor sonido y mejor fotografía.

Nominada cómo mejor película (perdió a favor de “Kramer contra Kramer”) Nominado cómo mejor actor secundario: Robert Duvall

Nominada al mejor Director

Nominada al mejor guión

Nominada a la mejor dirección artística.

El Director:

FRANCIS FORD COPPOLA

1939

Profesión: director, productor, guionista

Nacimiento: 7 de Abril de 1939 en Detroit, MI

Estudios: Colegio de Hofstra (ahora Universidad); UCLA Escuela de cine Francis Ford Coppola es uno de los cineastas americanos más erráticos, energéticos y discutibles. Conocido primariamente para su exitosa trilogía "El Padrino" (1972), (1974) (1990), Coppola ha tenido una vida y una carrera de triunfos y retrocesos trágicos.

Ha ganado cinco Premios de la Academia, recibiendo diez nominaciones al Oscar y es el ganador de dos festivales de Cannes en donde consiguió la Palma de oro. Pero a lo largo del decenio de 1980, los detractores financieros de Coppola (incluyendo su descontrol sobre los presupuestos que dejaron afectados seriamente a los estudios Zoetrope), le cerraron las puertas. La tragedia personal le golpeó en 1986 cuando su hijo Gio murió en un accidente de barco.

Los filmes de Coppola, sobre los cuales él habitualmente tiene el control total, varían apreciablemente en el estilo, genero y contenido. Con la excepción de trabajos más personales (la serie “El Padrino" y “Apocalipsis Now”), y las películas que reflejan su fascinación por la tecnología (“La Conversación” en 1974, y “Corazonada” en 1982), Coppola no tiene una línea muy completa en sus películas.

Coppola se crió en los suburbios de Nueva York, en una familia italo-americana (el padre de Coppola era un compositor/músico y su madre había sido una actriz en Italia). Estudió teatro en la Universidad de Hofstra, donde él montó su primera escuela de producción.

En 1960, Coppola entra en la escuela de cine UCLA, consiguiendo un Masters.

Aprendiendo simultáneamente en el aula y en el campo, los años de Coppola en UCLA fueron altamente productivos. Trabajó en diversas películas pornográficas, así como también hacía proyectos presupuestarios para Roger Corman. También escribió un manuscrito para Samuel Goldwyn que no se filmó nunca, y dirigió su primera película para Corman titulada “Dementia 13”, en Irlanda, durante el verano de 1963.

En 1966 realiza en UCLA una tesis titulada “Youŕea Big Boy Now”, que sirve de base para que Richard Lesters haga una comedia que distribuyó la Warner Bros.

En 1968, Coppola hizo su primer trabajo como director, con gran presupuesto, pero que fue un fracaso en taquilla: “Finianś Rainbaw”. Luego escribió y dirigió “The Rain People” (1969), una película personal sobre un ama de casa desconsolada.

Durante el decenio de 1960, Coppola escribió o colaboró en una docena de guiones, incluyendo la adaptación de “This Property is Condemened” (1966) y co-escribió con Gore Vidal el guión para “Is Paris Burning” (1966). A los 31 años tuvo su primer Oscar por el guión de “Patton” (1970), co-escrito con Edmund Nort.

En 1972, alcanzó un gran éxito artístico y financiero con “El Padrino”, que dirigió para la Paramount. La película, co-adaptada con Mario Puzo desde el best-seller, llegó a ser una de las más grandes películas en la historia del cine y proporcionó a Coppola otro Oscar por el mejor guión adaptado. La película también ganó el Oscar a la mejor película y una nominación como mejor director.

Siguió su trabajo con el guión de “El Gran Gatsby” (1974), volvió a dirigir en 1974 con

“La Conversación” y esta película le proporcionó dos nominaciones al Oscar, ganado además la Palma de Oro en el festival de Cannes.

Ese mismo año, dirigió y co-escribió con Puzo “El Padrino II” (1974), ganadora de seis Oscars, incluyendo tres para Coppola como productor, director y escritor.

Coppola siguió su carrera con un desatinado presupuesto en “Apocalipsis Now”. La producción de la película era tan problemática que, según Coppola, “poco a poco nosotros enloquecimos”.

“Apocalipsis Now” fue seguida de 11 años de desilusiones, con películas de pésimo resultado económico a causa de sus tendencias egocéntricas como director. Los 26 millones de dólares que costó “One From The Heart” (1982) supusieron una importante desilusión financiera y crítica, especialmente por su deseo de incorporar artefactos costosos de alta tecnología y técnicas experimentales de vídeo y computadora.

En 1983 Coppola invirtió su dinero propio en dos adaptaciones de novelas sobre adolescentes, “The Outside” y “Rumble Fish”, ambas sumamente criticadas y de malos resultados financieros. No obstante, consiguió introducir en el cine a actores que posteriormente alcanzarían gran fama, como Matt Dillon, Mickey Rourke, Nicolas Cage, C.

Thomas Howell, Ralph Macchio, Patrick Swayze, Roba Lowe, Emilio Estevez, Tom Cruise y Cristóbal Penn, así como también a Diane Lane, Tom Waits y Dennis Hopper.

El tesón considerable para realizar películas, le hizo volver con “Cotton Club” (1984), un conjunto musical ambicioso sobre un famoso club de jazz de Harlem en 1920. Él realizó el manuscrito reescribiéndolo 40 veces antes de comenzar la producción. Durante el rodaje, que costó 48 millones de dólares, Coppola gastó la mayoría de su tiempo personalizando su remolque “Silverfish” con alta tecnología, dotándolo de audio/vídeo, cámaras, controladores y computadoras.

Después del fracaso financiero de “Cotton Club”, Coppola llegó a dirigir una comedia sobre viajes en el tiempo titulada “Peggy Sue se casó” (1986), que fue bastante bien aceptada por el público al recrear con buena precisión épocas pasadas. Rápidamente,

“Peggy Sue se casó” llegó a ser un éxito en los vídeoclubs y en su pase por televisión. La película consolidó la reputación de Kathleen Turner e hizo una estrella del sobrino de Coppola, Nicolas Cage.

Mucho más impresionante fue “Tucker: The Man and His Dream” (1988), en donde Jeff Bridges hace el papel de la verdadera vida de un visionario de la industria del automóvil en la década de los 40. Coppola había planificado hacer esta película desde hacía tiempo, cuando él había quedado fascinado con la historia de Tucker, el impetuoso pero inteligente empresario que osó desafiar a la industria de Detroit.

En 1989, Coppola dirigió “Life Without Zoe” (Vida sin Zoe) a partir de una idea co-escrita con su hija Sofia y en la que cuentan una historia de Nueva York, más otras dos contadas por Martin Scorsese y Woody Allen.

A lo largo de su carrera, la mayoría de las empresas que ha montado Coppola han sido catastróficas, como una que se llamaba Scopitone, en la cual pretendía vender un tocadiscos automático para visionar películas cortas musicales; el mundo no estaba preparado aún para los videos de música. En 1970, en San Francisco, publicó la Revista Urbana que también fracasó, así como creó los estudios Zoetrope de San Francisco. También fue un fracaso la compra de los estudios Goldwyn, con los cuales quería crear un estudio controlado por artistas. Después del fracaso de “One From The Heart” (Corazonada), él estuvo al borde de la bancarrota cuando sus deudas llegaron a los 30 millones de dólares. En enero de 1990, cuando realizó “El Padrino III” (1990), los estudios Zoetrope se recuperaron económicamente.

Coppola trabajaba en Roma cuando tuvo la oportunidad para dirigir “El Padrino III” (1990). A punto de la ruina financiera y con la imperiosa necesidad de conseguir un éxito cinematográfico, el presidente de la Paramount, Frank Mancuso, le pidió realizar la tercera parte.

Cualquier análisis sobre Coppola que se haga en el futuro, la película "El Padrino"

permanecerá como el mejor logro de su carrera. Esta película, además, implicaba razones sentimentales en el corazón de Coppola. En ella intervinieron personas claves de su propia familia, incluyendo a su hermana Talia Shire, su sobrino Nicolas Cage y su hija Sofía, contribuyentes claves en sus películas. Dar trabajo a su familia no es algo exclusivo de Coppola ya que anteriormente lo han hecho John Cassavetes, Martin Scorsese y Paul Mazursky. No obstante, la incorporación de Sofía en un papel estelar en “El Padrino III” (el 1990), se ha considerado siempre como un error.

Coppola consiguió también combinar la buena literatura con el cine de entretenimiento, al realizar “Drácula” de Bram Stoker (1992), una adaptación popular de la clásica novela de terror.

El éxito de la película condujo a Coppola para ejercer como co-productor en

“Frankenstein” de Mary Shelley (1994), dirigida por Kenneth Branagh.

Aparte de su familia, Coppola ha sido una especie de "padrino" para otros directores, apoyando y actuando como productor ejecutivo en obras de Paul Schrader, Wim Wenders y Akira Kurosawa, realizando además una parte importante en la restauración de la película muda de Abel Gance, Napoleón (1927). Coppola ha concedido también su amor por la tecnología en una versión del “Rip Van Winkle”, una historia para la TV por cable, así como en la fantasía corta de Miguel Jackson, “Capitan” (1986).

EL RABINO Y EL PISTOLERO

The Frisco Kid

1979

122 minutos

Color

Productor: Howard W. Koch Jr.

Director: Robert Aldrich

Intérpretes:

GENE WILDER: (el rabino)

RAMON BIERI

HARRISON FORD: (Tommy)

PENNY PEYSER

Cuenta la historia del rabino Polish quién cruza los Estados Unidos en 1850 para reunirse con su prometida que vive en San Francisco, y en el camino es engañado por unos tramposos que le quitan todo el dinero. Entabla amistad con un joven ladrón de bancos, quien se ofrece para acompañarle en su viaje.

La interpretación de Wilder, y algunas encantadoras escenas, suavizan otras muchas deficiencias, aunque su éxito en taquilla fue bastante mediocre.

EL IMPERIO CONTRAATACA

The Empire Strikes Back

1980

124 minutos

Color

Productor: Gary Kurtz

Director: Irvin Kershner

Guión: Leigh Brackett y Lawrence Kasdan

Basada en la historia de: George Lucas

Fotografía: Peter Suschitzky

Música:

John Williams

Efectos Especiales: Brian Johnson, Richard Edlund, Dennis Muren, Bruce Nicholson

Intérpretes:

MARK HAMILL: Luke Skywalker

HARRISON FORD: Han Solo

CARRIE FISHER: Princesa Leia

BILLY DEE WILLIAMS: Lando Calrissian

ANTHONY DANIELS: C-3PO

DAVID PROWSE: Darth Vader

PETER MAYKEW: Chewbacca

KENNY BAKER: R2-D2

FRANK OZ: Yoda

ALEC GUINNESS: Ben Kenobi

JEREMY BULLOCH: Boba Fett

JOHN HOLLIS: Lando Aide

A pesar de sus 30 millones de dólares de presupuesto, el segundo capítulo de "La Guerras de las galaxias" no consiguió entusiasmar tanto como la primera parte, aunque la película es superior en todos los aspectos a la anterior.

Una vez más, el perverso Darth Vader (David Prowse) intenta asumir la dirección del universo. Las fuerzas de los rebeldes están en el planeta helado Hoth, y el imperio envía tropas para expulsarlos. Forzados a huir, Han Solo (Harrison Ford) y la Princesa Leia (Carrie Fisher) se reagrupan en la Ciudad de la Nube, que es la guarida de Lando Calrissian (Billy Dee Williams). Mientras tanto, Luke Skywalker (Mark Hamill) busca y encuentra a Yoda, una sabia criatura que le enseña los puntos más importantes de la Fuerza. En la mejor secuencia de la película, Han y Chewbacca (Peter Mayhew) son perseguidos por sus enemigos entre un cinturón de asteroides. Después que los espectadores han disfrutado de un conjunto de efectos especiales asombrosos, la película culmina con una confrontación decisiva entre Luke y Darth Vader, con algunas secuencias increíbles.

Leigh Brackett y Lawrence Kasdan colaboraron en el guión, aunque pensamos que el productor George Lucas, el creador de La Guerra de las Galaxias, podría haber hecho una elección mejor dirigiendo personalmente la continuación, ya que Kershner solamente posee una filmografía llena de logros menores.

Premios:

Nominado para tres Oscar (Mejor Dirección Artística, Mejor Sonido, Mejor Música), la película ganó un Oscar al mejor sonido, más un premio especial.

EN BUSCA DEL ARCA PERDIDA

Raiders of the Lost Ark

1981

115 minutos

Color

Productor: Frank Marshall

Director: Steven Spielberg

Guión: Lawrence Kasdan

Basada en la historia de: George Lucas y Philip Kaufman

Fotografía: Douglas Slocombe, Paul Beeson

Música: John Williams

Efectos Especiales: Richard Edlund, Kit West

Intérpretes:

HARRISON FORD: Indiana Jones

KAREN ALLEN: Marion Ravenswood

PAUL FREEMAN: Belloq

RONALD LACEY: Toht

JOHN RHYS-DAVIES: Sallah

DENHOLM ELLIOTT: Marcus Brody

Steven Spielberg contaba con una gran fama en Hollywood por ser un director que siempre se excedía de los presupuestos, pero cuando decidió llevar a cabo el rodaje de “En Busca del Arca Perdida” se comprometió a no sobrepasar el presupuesto marcado en 20 millones de dólares y así lo cumplió.

Las aventuras y desventuras que han de atravesar los protagonistas, nos recuerdan los cómics en los que el héroe y su heroína siempre acaban en situaciones difíciles, intrigándonos así hasta el siguiente capítulo. El mismo George Lucas, autor de la historia junto a Philip Kaufman, declaró que para escribirla se había inspirado en los seriales que él veía cuando era niño. Steven Spielberg también contó con sus recuerdos para llevar a cabo la dirección de la película, basándose en cómics como “The Green Lantern” o “Blackhawk y Sergeant Rock”. El resultado fue una película de aventuras, que nos mantiene preocupados por las vidas de los protagonistas durante todo el tiempo.

A pesar de haber encabezado las listas de taquillaje el año de su estreno, obtuvo una crítica negativa, ya que, al igual que ocurrió posteriormente con “Indiana Jones y el Templo Maldito”, está sobrada de detalles sangrientos, siendo una película dirigida al público infantil. El resto, sin embargo, fue totalmente espectacular, de una gran labor y de una gran dosis de paciencia por parte de los actores. La actriz Karen Allen (Marion), cuenta que se encontraba horrorizada metida en un foso con nada menos que siete mil quinientas pitones, cobras y boas, o en la escena que tuvo que rodar teniendo cincuenta tarántulas por compañeras.

Para el rodaje de tan espectaculares escenas tuvieron que recorrer medio mundo, utilizando escenarios como el desierto de Tunicia, un desfiladero situado en la isla hawaiana de Kawai, o las cavernas utilizadas por los alemanes durante la segunda guerra mundial.

Para llevar a cabo tanta aventura, Steven Spielberg ofreció el papel al actor Tom Selleck, pero el destino hizo que a éste le ofrecieran a la vez ser el protagonista para una serie de TV, y decidió ser el detective Magnum, siendo entonces sustituido por Harrison Ford, nuestro héroe (en esos momentos) de “La Guerra de las Galaxias”.

“En busca del Arca Perdida” es un filme distinto, una película de imaginación gloriosa y escenas efectuadas a gran velocidad que se abalanzan sobre el espectador mediante una serie de aventuras increíbles, que le hacen mantener su espalda fuertemente pegada a la butaca del cine durante dos de horas de acción desenfrenada.

Esta película cuenta las historias que nosotros leíamos en nuestra adolescencia en las revistas de aventuras, en las novelas de Edgar Alan Poe, Emilio Salgari, en los cómics y escuchábamos en los seriales de la radio. Si leen algunas de estas historias estarán viendo también las aventuras de Indy, un héroe que realiza miles de proezas, entre ellas, asombrarnos cuando se queda colgado sobre un acantilado, desafiando a la muerte con una sonrisa burlona, sabiendo que en pocos segundos habrá logrado sobrevivir.

Es realmente más que una película; es un catálogo de aventuras. Para su rodaje, se encontraron lugares en las selvas de Sudamérica, las ciudades campesinas del Tibet, los desiertos de Egipto, una base submarina oculta, una isla perdida, una olvidada mina y un aula estadounidense de antropología. En cuanto a los villanos, tenemos a Nazis sádicos, sepultureros viscosos, sherpas ebrios, y muchos alemanes. Como amenazas tenemos a la cólera de Dios, el recorrido espectacular por lugares difíciles, tarántulas, piedras enormes galopantes, lanzas ocultas, porciones de roca cayendo, aviones incendiados, camiones veloces, tumbas selladas, y serpientes, una gran cantidad de serpientes. En cuanto a los medios de transporte, tenemos a los caballos, biplanos, motocicletas, submarinos, embarcaciones, más caballos, y camiones. Ninguna bicicleta.

El Director:

STEVEN SPIELBERG

1947

Ocupación: director, productor, ejecutivo

También: escritor

Nacido: el 18 de diciembre de 1947, en Cincinnati, OH

Estudios: escuela superior de Saratoga, California. También el Colegio del Estado (Inglés) Aunque los críticos y los espectadores tienen aún problemas para lograr que ambos estén de acuerdo en las virtudes de Steven Spielberg, nadie puede dudar que es la figura más importante que ha surgido en la industria del cine estadounidense en el decenio de 1970.

Para bien o para mal, él ha cambiado el modo de realizar películas. Spielberg es el occidental más famoso en el mundo del cine, y como un productor y director, él ha llegado a ser una figura familiar y una marca por sí mismo.

Siete películas de Spielberg, unas incluso como director, “Tiburón” (1975); “Encuentros en la Tercera Fase” (1977); “En busca del Arca Perdida” (1981) y la dos secuelas, están entre la más grandes producciones en la historia del cine, junto a “E.T. El Extraterrestre” (1982), la esencia de Spielberg, reina de la taquilla durante muchos años, hasta que “Parque Jurásico” (1993) llegó y rompió todos los récords. Con ellas ha ganado aproximadamente 1

billón de dólares para su compañía de producción, Amblin, responsable de otras producciones como “Los Gremlins” (Joe Dante, 1984), “Regreso al futuro” (Robert Zemeckis, 1985), y “¿Quién mató a Roger Rabbit?” (Zemeckis, 1988). La mayoría de las veces, Spielberg ha triunfado combinando la intimidad de una visión personal, con los requerimientos de un cine comercial moderno, y su éxito asombroso convalida su modo de trabajar.

Varias películas de Spielberg han llegado a ser puntos destacados en el desarrollo de los efectos especiales, sin embargo este cineasta no es un tecnócrata ni trata de mostrar un interés intelectual serio en sus películas de ciencia ficción, al modo de Stanley Kubrick.

Spielberg puede utilizar elementos de ciencia-ficción y fantasía, pero él tiende a evitar ideas filosóficas en favor de sentimientos sencillos, particularmente que no asusten y creen confianza. Desde luego, su trabajo ha influido decisivamente en el desarrollo de la ciencia-ficción contemporánea, un género que tuvo su mejor momento en los años 50. Sus películas frecuentemente triunfan a pesar de sus aspectos descaradamente sentimentales, porque el director es capaz de mantener igualado el más tembloroso ritmo narrativo con el uso dominante de imágenes visualmente potentes. Spielberg posee, en suma, un don sobrenatural para obtener una respuesta favorable en los espectadores.

Quizá más que cualquier cineasta desde los días de gloria de la Nueva ola francesa, Spielberg hace uso extensivo de la reflexión y el comportamiento humano para lograr dar un significado a sus películas. Estas herramientas narrativas hacen sus imágenes muy poderosas. Ejemplos de ello los tenemos en la vagoneta de la mina perseguida por los malvados en una carrera desenfrenada en “Indiana Jones y el templo maldito”, los extraterrestres aterrizando en “Encuentros en la tercera fase”, para justificar nuestra propia experiencia, y la resurrección de los dinosaurios en “Parque jurásico” como una metáfora para el moderno proceso de crear grandes empresas. A lo largo de su trabajo incluye referencias para “Lo que el viento se llevó” (1939) en “El imperio del sol” (1987); “Los diez mandamientos” (1956) y “Pinocho” (1940) en “Encuentros en la tercera fase”, “El hombre tranquilo” (1952) y “El mago de Oz” (1939) en “E.T. El extraterrestre”, y

“Ciudadano Kane” (1941) en “La lista de Schindlers” (1993).

Considerado como uno de los mejores cineastas de la historia, Spielberg usa creadoramente las bromas como una parte crucial de sus películas. Más allá de sus incuestionables calidades como diversión, las películas de Spielberg ofrecen claramente una diversión amplia para todos los niveles, desde el niño al anciano, e incluso al intelectual.

A diferencia de George Lucas, John Carpenter y otros cineastas americanos que han conseguido éxitos entre los jóvenes de dos décadas, Spielberg no asistió nunca a una universidad estadounidense de cinematografía.

En su mayor parte autodidacta, él realizó su primer film titulado “Firelight” a los 16 años, en un pequeño local de Fénix, Arizona, rodándolo en una sola tarde. En 1969, su película corta “Amblin” fue un trabajo para los estudios de televisión de la Universal, donde después dirigió a la formidable Joan Crawford en el episodio piloto de “Galería de noche”, además de intervenir en episodios de la series "Columbo", "El Psiquiatra", "Marshall Owen” y "Marcus Welby, doctor en medicina". También hizo tres películas televisivas, una

“El diablo sobre ruedas” (1971), que se estrenó en Europa en el cine, consiguiendo un gran éxito comercial. La historia, un vendedor (Dennis Weaver) perseguido por un camión diesel gigante, cuyo conductor no se ve nunca y ni siquiera se explica el móvil, se transmite con una gran dosis de suspense.

La primera película importante fue, “Loca evasión” (1974), siendo considerada por Pauline Kael como "uno de los estrenos más fenomenales filmados en la historia del cine", aunque fracasó económicamente en taquilla, especialmente por la poca publicidad que se hizo de ella. Su segunda producción, “Tiburón”, superó en recaudación a “El padrino”, que ostentaba el liderazgo hasta entonces. La película tuvo sus momentos de rodaje complicados, especialmente por el equipo técnico que trabajó a disgusto y el mal funcionamiento del tiburón mecánico, aunque felizmente el espectador no notó nada especial y disfrutó con las escenas del gran escualo blanco. Spielberg había entrado ya en la lista de los grandes directores de Hollywood.

Siguiendo con la línea del cine fantástico hizo”Encuentros en la tercera fase”, dándonos a conocer el mundo que le había entusiasmado en su niñez, compartiendo el rodaje con el director de cine francés Francoise Truffaut, quien hizo el papel de un científico que cree sin reservas en los extraterrestres. La película reconoce la existencia de facultades inteligentes en el universo y los seres Alien ofrecen la promesa de una vida más allá de las restricciones de la cotidiana existencia de la clase media convencional. Las naves espaciales en

“Encuentros en la tercera fase” vuelan veloces sobre la carretera estatal y el despegue de la nave nodriza hacia aventuras desconocidas es el final grandilocuente de la película.

Estos triunfos le llevaron a realizar una colosal comedia con un gran presupuesto titulada

“1941” (1979), una fuerte, tendenciosa y desatinada película sobre la paranoia de los habitantes de un pequeño pueblo costero del sur de California, después del ataque japonés sobre Pearl Harbor. Aunque finalmente consiguió algunos beneficios económicos, “1941” no fue una película bien aceptada por casi nadie. Después hizo “En busca del Arca perdida”, con el productor George Lucas y Harrison Ford como actor, y nos introdujo en el mundo del Dr. Indiana Jones. El popular arqueólogo, prestigioso profesor, y aventurero impertérrito, llegó a ser el héroe de pantalla más popular desde James Bond. Durante la producción, Spielberg estaba cansado por los rigores de su ubicación, y dijo que después haría una historia relajante entre un niño y un extraterrestre.

La película se tituló “E.T. el extraterrestre” y fue la que más fama y dinero le proporcionó.

Alcanzó enseguida la categoría de clásico, casi una obra maestra, y fue la culminación de su trabajo como director.

La capacidad de Spielberg para retratar posibilidades imaginativas más allá del reino de la razón, es el resultado de su parecido emocional con un niño. En 1982 él admitió, “Yo siento que todavía soy un niño. Tengo 34 años y realmente no he crecido todavía”.

En la mayoría de las películas de Spielberg, cualquier cosa que amenaza a la familia o la existencia de una rutina, es perversa.

En “Tiburón”, el puerto normalmente seguro de una playa pública llega a estar amenazando a causa de un gran tiburón blanco, un gigante devorador parecido al camión en “El diablo sobre ruedas”.

Como un cineasta joven, Spielberg le gusta realizar aventuras inofensivas del mundo de los niños, como “Los Goonies” (Richard Donner, 1985), en donde la violencia está contenida.

Significativamente, Spielberg presentó de manera diferente el mundo a su protagonista juvenil en “El imperio del sol” (1987), un trabajo correcto, seguido de su trabajo como productor en “Regreso al futuro”, en el cual un hijo conoce a sus padres antes de nacer.

Tal visión de lo que es comercial, le llevó a colaborar con Lucas en “Indiana Jones y el templo maldito”, película que algunos encuentran que tiene aspectos racistas e imperialista, en un delirio de imaginación. También es interesante la película “El color púrpura” (1985), con un colorido que nos recuerdan a las películas Disney. Después escribió y co-produjo

“Poltergeist” (Tobe Hooper, 1982), una película importante sobre el lado oscuro de la muerte y la otra vida.

Posteriormente hay un marcado cambio en Spielberg en sus intereses artísticos y comerciales que comienzan en la mitad de los 80. Empezó dedicando más tiempo a producir que a dirigir, con la excepción notable de “Indiana Jones y la última cruzada”. A finales de los 80, la creencia aceptada era que Spielberg había llegado a ser más importante en la industria como productor que como un director.

Algunos críticos, políticamente comprometidos, condenaron a “El color púrpura” por su versión libre de la novela original, pero hay que reconocer el coraje que tuvo que tener para emprender un proyecto tan delicado. Ninguna otra película había tratado de esa manera tan especial y precisa el mundo de los negros, especialmente de las mujeres. Para sorpresa de la industria, los ingresos brutos de la película fueron de 100 millones de dólares y promocionó a estrellas como Whoopi Goldberg y Oprah Winfrey.

“El imperio del sol” mostró un nuevo aspecto de la guerra, bajo la visión de un niño. Sin recurrir a estrellas o extranjeros encantadores, Spielberg y el dramaturgo Tom Stoppard, trataron de reflejar el mundo descrito por el novelista Ballard. Un niño contempla los efectos del colonialismo europeo y la guerra.

“Always” (1989), fue una visión romántica y fantástica de hechos recientes, consiguiendo que hiciera un papel la exquisita Audrey Hepburn.

Mediante Amblin, Spielberg ha continuado con la producción de una serie popular de fantasías, dibujos animados y otros filmes más convencionales a lo largo de los 80 y los 90. También intervino en la serie de televisión “Cuentos asombrosos” (NBC, 1985 -1987), donde fue el productor ejecutivo y en ocasiones el autor de la historia. Spielberg consiguió para esta serie la colaboración de personajes tan importantes como Martin Scorsese, Robert Zemeckis, Paul Bartel, Danny De Vito, Joe Dante, y Clint Eastwood . También prestó su prestigioso nombre para la serie "Sea Quest DSV," que debutó a finales de 1993 en televisión con un mediocre éxito de público.

“Hook” (1991) era un antiguo proyecto de Spielberg en el mundo de la fantasía. Admirador de la leyenda de Peter Pan, quiso realizar una actualización del personaje y lo llevó hasta nuestros días, pero con una fortuna muy desigual. Con un presupuesto de 60 millones de dólares, la película recaudó tanto dinero como desilusiones, y eso que en el filme intervinieron actores de la talla de Dustin Hoffman, Robin Williams, y Julia Roberts, esta última mostrando unos ojos llorosos a causa de su reciente divorcio.

El Spielberg de los 90 trata de dirigir menos películas y concentrarse en su productora Amblin, mientras deja las labores de dirección a otras personas. “Parque Jurásico” (1993), costó 70 millones de dólares, y fue una adaptación de la novela de Michael Crichton sobre el desastre que supone crear unos dinosaurios en nuestra época. La película era un adelanto tecnológico en cuanto a los efectos especiales, incorporados en escenas imponentes de acción, aunque proporciona unos personajes humanos poco dibujados y demasiado vistos.

Parecía como si que las energías creativas del cineasta no estuvieran comprometidas totalmente con el proyecto. Él había escamoteado a la prensa la post-producción trabajado en París con George Lucas, mientras preparaba su esperado proyecto sobre el drama del Holocausto con “La lista de Schindler” (1993) en Polonia. Filmada en blanco y negro, sin ninguna gran estrella en el reparto y con pocos toques estilísticos vistosos (p. ej. ninguna escena sobre grúa), adaptó la novela de Thomas Keneally Booker (basada en una historia cierta), y marcó un cambio dramático en su carrera. Por una vez, él fue contra sus instintos naturales e hizo un grandioso documental, un drama que construyó sobre gente destrozada, muchos aún con vida, y nos dejó una conclusión. La película resultante le hizo ganar a Spielberg muchas buenas críticas, incluyendo el gran premio que la industria del cine le otorgó en 1993, además de otro del Gremio de Directores de América, el Globo de Oro, y siete oscar de la Academia (fueron doce nominaciones), incluyendo un Oscar para la mejor fotografía, mejor director, y mejor guión adaptado.

Después de conseguir una buena reputación con esta película, Spielberg se encontró en un punto muy decisivo de su carrera. A continuación de este triunfo, reanudó sus deberes como un productor de proyectos muy divertidos, entre ellos “Los Picapiedra” (1994).

A finales de 1994, Spielberg, conjuntamente con David Geffen y un antiguo ejecutivo de Disney, Jeffrey Katzenberg, anunció la formación de “DreamWorks SKG”, un nuevo estudio que produciría películas para televisión, multimedia y otros aspectos.

BLADE RUNNER

Blade Runner

1982

118 minutos

Color

Productor: Michael Deeley

Director: Ridley Scott

Guión: Hampton Fancher, David Peoples

Basada en la novela: “ Do Androids Dream of Electric Sheep?” de Philip K. Dick Fotografía: Jordan Cronenweth

Efectos especiales: Douglas Trumbull

Música: Vangelis

Intérpretes:

HARRISON FORD: Rick Deckard

RUTGER HAUER: Roy Batty

SEAN YOUNG:

Rachael

EDWARD JAMES OLMOS: Gaff

M. EMMET WALSH: Bryant

DARYL HANNAH: Pris

WILLIAM SANDERSON: Sebastián

Basada en la novela de Philip K. Dick, se pensó llevar al cine al año siguiente de su creación, pero la adaptación de los guionistas no conseguía convencer al autor. Durante un tiempo, el proyecto quedó abandonado, hasta que un actor llamado Hampton Fancher interesado por la novela, pidió a David Peoples que la reescribiera y cuando presentaron de nuevo el guión al autor, fue aceptado en su totalidad.

Durante los 10 años que duró la preparación del proyecto, no habían contado con ningún director, hasta que apareció Ridley Scott.

De los actores escogidos para el reparto (en principio se pensó en Dustin Hoffman), sólo Harrison Ford había alcanzado ya popularidad con sus intervenciones en La Guerra de las Galaxias e Indiana Jones, los personajes femeninos fueron interpretados por Sean Young, (como la replicante Rachel). Sean, tan popular ahora, era entonces una total desconocida y Daryl Hannah (la replicante Pris), saltaría a la fama un año más tarde como protagonista de Un, dos, tres... Splash.

Rutger Hauger, a pesar de haber intervenido sin descanso en el cine holandés y el cine alemán, fue con Blade Runner cuando alcanzó la popularidad.

La película nos sitúa en el año 2019, en la ciudad de los Angeles, convertida en un zona superpoblada, en un momento en el cual el mayor invento de la historia se torna a la vez en la mayor amenaza, cuando el hombre ha fabricado otros hombres denominados replicantes.

Estos humanoides huyen de su confinamiento y se dedican a matar personas; detener esta matanza es la misión de Rick.

Uno de los beneficios del vídeo doméstico es que a veces permite que el director pueda añadir secuencias a su película después del estreno. Steven Spielberg hizo la Edición especial de “Encuentros en la Tercera Fase” (1977), y otros directores han conseguido sacar al mercado versiones más largas, o más eróticas, o más profundas, o en todo caso diferentes, de las versiones que se estrenaron originalmente en el cine.

A veces los cambios son pequeños, con pocas escenas más, o algún diálogo más largo, pero en ocasiones los cambios son importantes, como en la nueva versión de Blade Runner (1982), en donde el director Ridley Scott modificó su película para el mercado del vídeo.

Scott apartó a Harrison Ford como narrador en la versión original, agregó algunos momentos a la aventura amorosa entre Ford y Sean Joung, cortó algunas escenas violentas y consiguió que la película tuviera una “conclusión algo más libre”.

Esta es, según dice, la versión que él habría estrenado en 1982 si la hubiese tenido. La narración de Ford se agregó porque el estudio temió que el público no comprendería su historia futurista de Los Angeles. La nueva conclusión, que es irónica e inconclusa, da a Ford una existencialista línea de salida, y logra disminuir la violencia. El resultado es una película fabulosa, en la que los efectos especiales crean un nuevo mundo, pero que tiene poca calidad en los personajes humanos. La película crea una visión de Los Angeles, hacia el 2019, que es tan original y memorable como la de otros futuros mundos como Metropoli (1926) de Fritz Lang o La Guerra de las Galaxias (1977) de Lucas. Unos gigantescos rascacielos ahogan con su presencia a los habitantes, mientras que el dólar se convierte en el bien más deseado, teniendo la ciudad la apariencia de un enorme bazar.

El personaje de Ford es un habitante conocido como un "Blade Runner", asignado para investigar la matanza de replicantes, humanos artificiales, construidos mediante ingeniería genética. Después de una sublevación en su mundo, seis replicantes han vuelto en secreto a La Tierra, donde sus muertes han sido ordenadas por el líder viscoso de una organización tenebrosa. Ford, va sobre su pista, y encuentra a Rachael (Sean Joung) y se enamora de ella.

La película nos muestra la especial crueldad de los replicantes, quienes se abastecen con memorias falsas (ellos tienen una vida de solamente cuatro de años), y aún así recuerdan una niñez que nunca han tenido, en un desesperado intento por parecerse a los humanos.

Viendo la película nuevamente, en la nueva versión, aún notamos que le falta dimensión humana. Ford está correcto lo mismo que Sean Joung, y Rutger Hauer, este último un efectivo replicante que lo único que pretende es vivir una existencia tan larga como la de los humanos. El personaje de Tyrell, el millonario perverso, no nos ha convencido, lo mismo que la aventura amorosa entre Ford y Joung, incorporada quizás para suavizar la violencia de la película.

Aún con todo ello, el mundo de Blade Runner ha llegado a ser considerado como una de las mejores películas modernas. La película nos muestra la ciudad de Los Angeles, con su nube oscura permanente de smog, sus centenares de carteleras de varios metros de alto y la pobreza de la gente que vive en las calles al lado de una riqueza increíble, mostrándonos un futuro profético nada tranquilizador.

Premios:

Nominada a la mejor dirección Artística en 1982: Lawrence G. Paull, David L. Snyder, Linda DeScenna

Nominada a los mejores efectos Especiales: Douglas Trumbull, Richard Yuricich, David Dryer

El director:

RIDLEY SCOTT

Profesión: director, productor

Nacimiento: 30 de Noviembre de 1937, en Northumberland, Inglaterra Estudios: Hartlepool Oeste, Colegio de Arte

Hacia mediados de 1960, Ridley Scott trabajó para la BBC de Televisión como un diseñador de escena, una experiencia que ha coloreado muchos de sus trabajos posteriores como director. Desde su primera película, The Duels (1977), y posteriormente con Black Rain (1989), Scott ha resultado ser muy coherente con los aspectos visuales más espectaculares.

Scott comenzó su carrera de director en la televisión, trabajando en episodios de las series

“Z Cars” y “The Informer”. En 1967, dejó la BBC y gastó sus siguientes diez años haciendo centenares de anuncios de TV, mediante su compañía comercial de producción, RSA (Ridley Scott Asociados).

Scott dedicó un total de cinco años, desde la concepción, la financiación y la producción, a su primera película, The Duels (1977) y aunque ganó un premio especial del jurado en Cannes, recibió muchas críticas por su visión superficial de los dos personajes centrales (Keith Carradine y Harvey Keitel).

La siguiente película de Scott tuvo bastante éxito, tratándose de un tenso thriller de ciencia-ficción titulado Alien (1979). La película consiguió una buena recaudación e hizo una estrella de Sigourney Weaver (a partir de 1996), realizándose posteriormente dos secuelas, Alien de James Cameron (1986) y Alien 3 de David Fincher (1992), estando a punto de estrenarse la cuarta entrega.

Blade Runner presentaba una visión futurista, saturada y violenta de Los Angeles en el año 2019. La historia, sobre un cazador de recompensas (Harrison Ford), que investiga a una pandilla de androides forajidos, ofrece un tratamiento extraordinariamente simpático de los

"replicantes" en busca de su creador, tratando de prolongar sus únicos cuatro años de vida.

La película ha desarrollado un culto importante, aunque algunos críticos fueron severos con la dureza de Ford.

La reacción de los críticos con Legend (1985) fue generalmente pobre, centraliza sobre una débil historia de hadas, amparada en una producción demasiado suntuosa (la película entera fue rodada en los estudios Pinewood de Londres). “Someome To Satch Over Me” (1987) era un bien estructurado thriller de suspense, interpretado por Tom Berenger y Mimi Rogers, mientras que Black Rain (1989), una película sobre la corrupción de la policía, rodada en Nueva York y Japón, consiguió también una buena taquilla. Aunque la narrativa es algo confusa y la parte romántica, entre el detective (Michael Douglas) y la anfitriona de un centro nocturno (Kate Capshaw), poco elaborada, algunas de las confrontaciones urbanas estaban francamente bien.

Scott disfrutó de uno de sus más grandes éxitos comerciales y críticos con el filme “Thelma y Louise” (1991). La película también engendra un alto nivel de controversia cuando juzga las costumbres sociales de Hollywood. Escrita por Callie Khouri, y con las actrices Susan Sarandon y Geena Davis como protagonistas, indignó al espectador varón y encantó a las mujeres.

Los posteriores trabajos de Scott consistieron en la epopeya de Colón, con “1492: La conquista del paraíso” (1992), una estupenda película que nos ofreció algunos placeres visuales, aunque los resultados en taquilla fueron muy pobres, quizás porque no siguió fielmente la biografía del descubridor.

Una de sus últimas películas fue “Tormenta blanca” (1996) bien realizada, pero un fracaso para la prensa y el público. La película estaba interpretada por actores jóvenes, atractivos, y nos contaba la historia de unos estudiantes privilegiados que se ven obligados a madurar sobre la cubierta de un buque escuela privado. Jeff Bridges recibió bastantes elogios por su interpretación y Scott ganó cierta celebridad por las hermosas imágenes náuticas y su dinámico montaje de la tormenta en el mar.

En 1995, Scott y su hermano Tony compraron los estudios Shepperton de Londres para que Scott rodara sus propias producciones.

EL RETORNO DEL JEDI

Return of the Jedi

1983

133 minutos

Color

Productor: Howard Kazanjian, Robert Watts y Jim Bloom

Director: Richard Marquand

Guión: Lawrence Kasdan y George Lucas

Basada en la historia de: George Lucas

Fotografía: Alan Hume, Jack Lowin y James Glennon

Música: John Williams

Efectos especiales: Roy Arbogast, Kit West, Richard Edlund, Dennis Muren, Ken Ralston

Intérpretes:

MARK HAMILL: Luke Skywalker

HARRISON FORD: Han Solo

CARRIE FISHER: Princesa Leia

BILLY DEE WILLIAMS: Lando Calrissian

ANTHONY DANIELS: C-3PO

DAVID PROWSE: Darth Vader

JAMES EARL JONES: Voz de Darth Vader

ALEC GUINNESS: Obi-Wan Kenobi

IAN MC DIARMID: Emperdor

Luke Skywalker se ve inmerso en una batalla feroz en las mazmorras de la sala del trono de Jabba el Hutt. Su adversario es un viscoso monstruo, un reptil horrible lleno de verrugas y dientes. Las cosas se le presentan mejor cuando, repentinamente, el monstruo queda aplastado debajo de una puerta descendente.

Esto es una muestra del alto nivel que se puede ver en “La Guerras de las Galaxias”, muy superior a cualquier otra película sobre el espacio. Las otras películas podrían tener buenos efectos especiales y quizás una mejor fotografía, así como una narrativa adecuada, pero en

“El Retorno del Jedi”, como en “La Guerra de las Galaxias” y “El Imperio Contraataca”, hay todo un conjunto de situaciones perfectas.

El Retorno del Jedi es una película familiar en la que concluyen las historias de los personajes humanos más importantes de la saga, particularmente Skywalker, Han Solo, Princesa Leia, y Darth Vader. La revisión de los otros personajes, que parecen más o menos humanos, incluyendo Ben (Obi Wan Kenobi), Yoda, Chewbacca, y los robots C-3PO y R2-D2, se hace de una manera parcial pero correcta. Si George Lucas persiste en su idea para hacer nueve películas de La Guerra de las Galaxias, los aficionados del mundo entero y varias generaciones, se lo agradecerán.

La historia en las películas de Star Wars es, sin embargo, la única parte del film que menos resiste el paso del tiempo. El retorno del Jedi es realmente un picaresco viaje mediante la imaginación, y una introducción a formas de vida menos mundanas que la nuestra.

Nosotros encontramos varios personajes inolvidables, incluyendo el perverso Jabba el Hutt, quien es un cruce entre un sapo y un gato; los adorables y cariñosos Ewoks (habitantes peludos de la " luna del bosque de Endor"); un monstruo terrible del desierto con uñas y dientes, y un montón de odiosas criaturas que se encuentran por todos los rincones.

Una de las virtudes de la trilogía de La Guerras de las galaxias es que nunca hacen una introducción muy larga, además de incorporar a una gran cantidad de monstruosas criaturas sin necesidad de justificar su presencia. Quizá es por eso que la película tiene una gran riqueza visual. La sala del trono de Jabba, por ejemplo, se puebla con varias criaturas raras, algunas de ellas apenas enfocadas con la cámara. Cualquiera de estos personajes podría dar origen a una película para si solo.

La película también tiene, por supuesto, más batallas asombrosas en los exteriores del espacio intergaláctico, como si se tratase de un vídeo juego, con una variación continuada en la sucesión de persecuciones, especialmente cuando las naves vuelan veloces sobre los desfiladeros estrechos de la superficie de la nueva Estrella de la Muerte. También es memorable la persecución en el bosque con las motocicletas aerotransportadas. Después de varias persecuciones entre los árboles, el espectador pide una pausa para recuperarse de su asombro, pero el relax no llega y nuevas persecuciones tienen lugar.

El Retorno del Jedi es ante todo una magnífica diversión. La película es un festejo para los ojos y una delicia para la fantasía. Es un poco asombroso cómo Lucas y sus socios consiguieron superarse. Desde el punto de vista de simple logística, hay una cantidad imponente de trabajo sobre la pantalla en “El retorno del Jedi” (dos veces más efectos visuales que en La Guerra de las Galaxias).

Premios:

Oscar a los mejores efectos especiales

Nominada a la mejor Dirección Artística en 1983: Norman Reynolds, Fred Hole, James Schoppe, Michael Ford

Nominada para la mejor música: John Williams

Nominada para el mejor sonido: Ben Burtt, Gary Summers, Randy Thom, Tony Dawe Nominada para el mejor realizador: Richard Edlund

INDIANA JONES Y EL TEMPLO MALDITO

Indiana Jones and the Temple of Doom

1984

118 minutos

Color

Productor: George Lucas

Director: Steven Spielberg

Guión: Willard Huyck y Gloria Katz.

Basado en la historia de: George Lucas

Fotografía: Douglas Slocombe

Música: John Williams

Intérpretes:

HARRISON FORD: Indiana Jones

KATE CAPSHAW: Willie Scott

KE HUY QUAN: Short Round

AMRISH PURI: Mola Ram

ROSHAN SETH: Chattar Lal

PHILIP STONE: Capitán Blumburtt

Producida tres años después de “En busca del

Arca Perdida” (1981), “Indiana Jones y el Templo Maldito” de Steven Spielberg, es una de las más grandes películas de aventuras que siempre se hicieron. En ella se hace un homenaje a las películas musicales, incluyendo escenas que hacen referencia a este género.

En esta parte de la trilogía, en vez de viajar por medio mundo, el protagonista se mueve en sólo dos puntos: Shanghai y la India. El fin perseguido era encontrar el templo indio ubicado en un enorme escenario.

En esta película no faltaron los homenajes a otras películas, como ya es habitual en las producciones de Lucas y Spielberg, pero también obtuvo su ración de crítica, ya que al ser una película dirigida al público infantil, hubo quién vio innecesarios determinados planos de corazones palpitantes extraídos de los cuerpos de las víctimas, que causarían alguna que otra pesadilla en los pequeños.

Dotada de un sinfín de efectos especiales, que nos hacen perder el sentido de lo que es real y lo que es ficción, sabe lograr la inquietud del personal con situaciones extremas, como la que se da en la vagoneta descontrolada por los laberintos de la mina, o la huida a través de un puente por encima de un desfiladero.

Después de ver la película, usted seguramente ha tenido un buen tiempo su brazo agarrotado, consecuencia de haber estado en el cine con su mano apretando la butaca. Esta película es de una acción implacablemente directa, con una serie de virtuosas sucesiones culminantes que deben durar una hora y nunca paran un segundo. No se trata de una segunda parte de “En Busca del Arca Pérdida”, la primera película sobre Indiana Jones, sino de una nueva película, aunque con similar equipo técnico y artístico.

“En busca del Arca Pérdida” estaba inspirada en los seriales de los sábados por la tarde. Era una serie de puentes colgantes sobre acantilados, un viajero llamado Indiana Jones que se mueve desde San Francisco al Tíbet, Egipto, y otras localidades románticas, en resumen, un recorrido por caminos exóticos.

Este Indiana Jones se mueve sobre una determina ubicación, y pertenece más tiempo allí que en la primera entrega, de manera similar a otras películas de James Bond. En este lugar se encuentran escondites increíblemente raros, comúnmente enterrados bajo tierra, bajo el mar, sobre la luna, o dentro de un volcán. Nuestra visión de la Fortaleza es siempre la misma: una gran cueva, la música de Wagner, y multitud de uniformados malvados que trabajan sin cesar.

El papel del héroe en la película se basa primero en cómo entrar en la fortaleza, robar el premio, y conseguir alejarse rápidamente. Esta tarea siempre involucra una gran dificultad, sorpresas horrendas, peligros indecibles, y una sucesión de persecuciones. La gran cantidad de tiros que se ven al final son obligatorios: la fortaleza debe destruirse. También hay grandes paredes de llama y agua, nuevamente montones de serpientes (también cucarachas

) y los acostumbrados malvados acorralando a nuestros héroes que parecen avanzar hacia una muerte segura. Parece suficiente argumento para no caer en una película intelectual.

Cuando el filme comienza, Indiana está en un centro nocturno de Shanghai llamado Obi Wan, y mientras las bailarinas interpretan “Anthing Goes” de Cole Porter, y Jones debe encararse con los malvados.. Se escapa en el momento preciso, tomando de la mano a una hermosa mujer (Kate Capshaw, esposa de Steven Spielberg)), y acompañado por su joven compinche Short Round (Ke Huy Quan “Tapón”) ponen pies en polvorosa. Su huida les conduce a una serie de aventuras: un vuelo sobre el Himalaya, una escapada grandiosa del avión a punto de estrellarse, y una reunión con el líder de una aldea que ruega a Indiana que encuentre y devuelva una piedra preciosa con poderes mágicos, que desapareció conjuntamente con todos los niños de la aldea. Indiana es una buena persona y acepta el encargo.

Entonces hay una cena en el palacio de un señor siniestro. La secuencia de la cena, por la manera de mostrarla (ciertamente asquerosa), también crea polémica en el espectador, aunque parece que es una parte obligatoria de cada aventura.

Después Indiana y Willie se acuestan, y comienza entonces una secuencia larga y simpática sobre las posibles relaciones amorosas entre la pareja, a caballo entre el amor y el odio.

Después viene la segunda parte de la película, con una serie grandiosa de aventuras que involucran las minas que existen debajo del palacio, en donde hay una visión del infierno.

El diseño en conjunto, la dirección, los efectos especiales, y los efectos sonoros dentro de este antro subterráneo, están entre los logros más impresionantes en la historia entera de

“En busca del Arca Pérdida” y los filmes de James Bond. Hay docenas de niños que trabajan en cadenas de montaje, mientras la maldad del maharajá los guarda en la esclavitud para usar las facultades siniestras de la joya. Indiana y sus amigos miran todo con asombro y entonces Indy intenta robar la joya. En ese momento hay algunas de las mejores escenas de la película: las víctimas humanas son bajadas a un volcán subterráneo en una jaula de acero, unos raros rituales se celebran, y hay una escena de persecución que involucra al ferrocarril en miniatura de la mina. Esta persecución tiene que ser vista para ser creída. Spielberg obviamente ha estudiado “El Maquinista de la General” de Buster Keaton, un clásico del cine mudo que resolvió el mismo problema logístico durante una persecución sobre el ferrocarril.

Como Indiana y sus amigos pierden el control de la vagoneta de la mina, los perseguidores les alcanzan por detrás, delante, arriba, más adelante, y al lado de ellos, y la escena se complicará hasta que el espectador acaba acalorado.

Indiana Jones y el Templo Maldito no hace ninguna apología: simplemente trata de divertir.

Esta es la más animada, excitante, rara y romántica película de aventuras desde “En busca del Arca Pérdida”, y es la mejor alabanza que se puede decir.

Premios:

Nominada para la mejor música: John Williams

Nominada a los mejores efectos especiales: Dennis Muren, Michael McAlister, Lorne Peterson, George Gibbs

UNICO TESTIGO

Witness

1985

112 minutos

Color

Productor: Edward S. Feldman

Director: Peter Weir

Guión: Earl W. Wallace, William Kelley

Basada en la historia de: William Kelley, Earl W. Wallace, Pamela Wallace Fotografía: John Seale

Música: Maurice Jarre

Efectos especiales: John R. Elliott

Intérpretes:

HARRISON FORD: John Book

KELLY McGILLIS: Rachel

JOSEF SOMMER: Schaeffer

LUKAS HAAS: Samuel

JAN RUBES: Eli Lapp

ALEXANDER GODUNOV: Daniel Hochleitner

PATTI LUPONE: Elaine

DANNY GLOVER: McFee

Accidentalmente, un niño que se encontraba con su madre presencia un asesinato, convirtiéndose en el Unico Testigo para la policía. En la investigación del caso, el capitán de policía John Book (Harrison Ford) es herido. Los tres se ven obligados a ocultarse, pero el hecho de que el niño y su madre pertenezcan a una secta religiosa llamada Amish (una ramificación de la secta luterana) complica la situación. Los adeptos a esta secta viven con una forma de vida anclada en el siglo XVII, para quienes no existe ningún progreso.

Su vida en plena naturaleza, con costumbres tan arraigadas al pasado, no permiten ni el cambio de indumentaria. Valoran por encima de todo la vida en comunidad y sus principios morales están basados en la pureza de las relaciones y el rechazo a las jerarquías.

También en la realidad hubo algunos enfrentamientos con ellos, ya que la película fue rodada en el condado de Lancaster, con la oposición de la comunidad Amish. La comunidad no dejó que colaborase ningún miembro y se opusieron a que rodaran ninguna escena en sus granjas. Para salvar esta situación, el equipo se vio obligado a alquilar una granja vecina a la comunidad.

Aún así, los adeptos a Amish quisieron boicotear el estreno por medio de su Comité Nacional de Defensa.

Para el director australiano Peter Weir esta es su primera película estadounidense. Unico Testigo resultó ser un éxito de crítica y comercial, llegando a recibir nominaciones al Oscar. Weir, quien está mejor identificado por su atmósfera de misticismo y de espiritualidad que muestra en sus películas (“El año que vivimos peligrosamente”, “La última ola” 1977), ha conseguido mezclar las costumbres australianas con las expectativas de diversión que Hollywood requiere.

La película empieza con un fuerte viento soplando sobre los campos de trigo de los granjeros Amish de Pennsylvania.

Después vemos a Rachel (Kelly McGillis), que lleva un bonito pero sencillo vestido Amish de viuda, que llega a la ciudad con su hijo pequeño Samuel (Lukas Haas). Mientras McGillis y Haas esperan la llegada de su tren en la bulliciosa y apiñada estación de Filadelfia, el joven vaga por los servicios de caballeros. Una vez que está dentro de una sala de baño libre, Haas oye una conmoción. Él atisva por la puerta de su cuarto y observa cómo un hombre es asesinado de un tajo en la garganta. Para evitar ser descubierto por los asesinos se esconde y espera a que se vayan. Finalmente, se marcha sin ser descubierto e informa del asesinato.

John Book (Harrison Ford), el investigador que interroga al muchacho, quiere ganarse la confianza de ambos, Haas y McGillis, quienes se sienten asustados por estar en una ciudad tan grande. Aunque algo a disgusto por las costumbres de la comunidad Amish, McGillis y Haas se encuentran también desconcertados por las costumbres del mundo moderno, prefiriendo sus sencillas vidas religiosas pacíficas y el aislamiento de su hogar.

Después de ser interrogados en la comisaría, Haas identifica a McFee (Danny Glover), un funcionario de la oficina de narcóticos, como el asesino. Sospechando lo peor y temiendo para la seguridad de su joven testigo, Ford toma a Haas y McGillis bajo su protección, y les da refugio en su casa, aunque es herido por los asesinos. El problema sigue, sin embargo, y Ford intenta conseguir para McGillis y Haas un lugar más seguro en Lancaster County.

Ford encuentra el lugar adecuado y lo habilita como refugio para McGillis.

Ella cuida su herida y poco a poco empiezan a interesarse el uno al otro, pero los aldeanos y los dirigentes de Amish y Mennonite discuten si es o no apropiado ocultar a Ford en su comarca, especialmente porque él ha venido armado con un revólver. Cuando Ford comienza su recuperación, se siente más cerca de Haas. Hay un momento en el cual, cuando él permite que el joven curioso coja su revólver, muy complicado, lo mismo que cuando Ford inocentemente vislumbra el desnudo de McGillis cuando toma un baño y ella no muestra ningún deseo de ocultar su desnudez. Lógicamente, en ese momento crece, aún más, el interés del uno al otro.

Ford llega a estar cada vez más envuelto en la pasividad y quietud del modo de vida en Amish. A fin de ajustarse mejor en la comunidad y por medio de su condición de policía, Ford poco a poco consigue integrarse en esta nueva y misteriosa cultura. Lo mismo echa una mano para levantar un hórreo, que trabaja con el resto de la aldea cuando ellos reparan juntos el marco de madera de un establo. (Esta escena, una de las mejores, unifica las diversas culturas mediante el trabajo y documenta el espíritu místico de los americanos hacia la secta Amish).

Cuando Ford llega a estar más involucrado en las costumbres de Amish, McGillis llega a interesarse a su vez por la vida moderna. Sus dos intereses y su floreciente amor, llegan a estar muy claros en otra escena soberbia cuando ellos bailan juntos una tarde, mientras la radio del coche de Ford toca la canción de Sam Cookes "What a Wonderfull World".

La dicha de Ford se interrumpe finalmente, sin embargo, cuando la conexión mafiosa de Filadelfia llega a Lancaster County, donde alteran la serenidad del hogar de McGillis, esgrimiendo pistolas, y persiguiendo a Ford. En una escena final, los perseguidores de Ford se arrastran por estiércol de vaca y en un almacén de alimentos les revienta una escopeta, bañando todo de sangre.

Aunque este final parezca algo tópico en relación el resto de la película, es muy adecuado.

Como Ford debe pelear para su vida, su carácter se inclina a emplear la violencia que ha ejercido como policía. Mientras la mayoría de los cineastas de Hollywood serían incapaces de resistir la tentación de poner a los granjeros Amish resistiendo y derrotando a los tipos malos, Weir muestra sus caracteres en su forma más acertada. Ford es inherentemente violento, mientras que McGillis es inherentemente pacífica. Ellos viven en dos mundos opuestos y quizás son demasiado diferentes para vivir juntos y Ford debe regresar a su mundo de policías y ladrones, y McGillis debe permanecer detrás de su refugio de Lancaster County.

Rodada en la ubicación real de la comunidad Amish y Mennonite del condado de Lancaster, Pennsylvania, “Unico Testigo” rápidamente llegó a ser tema de crítica para algunos de los miembros más fieles y francos de la comunidad Amish, quienes estaban contra el rodaje de una película de Hollywood sobre ellos. Muchas de las facciones más extremas del Amish, especialmente aquellos que no creen conveniente introducir las costumbres modernas y nunca habían visto una película cinematográfica, estaban en contra de la llegada de Weir y su tripulación; los otros, de un modo típicamente pasivo, no pusieron ninguna objeción.

Esa intromisión en la vida de esta comunidad, sin embargo, puede verse más bien insignificante en vista de que ese condado de Lancaster tiene una población de 29.000

habitantes, y posee un comercio turístico de más de 4 millones de turistas al año.

Weir tuvo cuidado en indicar (y es evidente cuando vemos la película terminada), que él ha tenido un profundo respecto para Amish y no ha querido reflejar con severidad sus costumbres. Como resultado de la producción, el estado de Pennsylvania fue apremiado por los líderes de Amish, para permitirles controlar el filmación y evitar en lo sucesivo cualquier otro proyecto de ese tipo en Lancaster Country.

Aunque esta era la primera película estadounidense de Weir, él había comenzado con las labores de dirección ayudando a Paul Schrader en la adaptación de la novela de Paul Theroux “La Costa de los Mosquitos”.

“Unico Testigo” no era la primera película sobre la secta Amish a la pantalla, ya que, en 1955 Ernest Borgnine interpretó a un granjero Amish en el crimen filmado para “Sábado Trágico”. El decenio de 1970 también vio un par de películas sobre Amish, “Birch Interval” (1977) producida por Robert Radnitz, y “Sounder” (1972).

Premios:

Oscar para el mejor guión original y mejor redacción.

Nominada para la mejor película: (perdió a favor de “Memorias de Africa”) Nominada al mejor actor: Harrison Ford (le dieron el oscar a Wiiliam Hurt) Nominada al mejor director, mejor fotografía, mejor dirección artística y mejor música.

LA COSTA DE LOS MOSQUITOS

The Mosquito Coast

1986

117 minutos

Color

Productor: Jerome Hellman

Director: Peter Weir

Guión: Paul Schrader

Basada en la historia de: Paul Theroux

Fotografía: John Seale

Música:

Maurice Jarre

Intérpretes:

HARRISON FORD: Allie Fox

HELEN MIRREN: Mother

RIVER PHOENIX: Charlie

MARTHA PLIMPTON: Emily

ANDRE GREGORY: Mr. Spellgood

Usted soporta a algunas personas y a otras no. “La Costa de los Mosquitos” se basa sobre las personas del segundo tipo que se mueven alrededor de un hombre que es celoso en el seguimiento de sus obsesiones y anhelos, después que ha dejado de interesarse por los demás asuntos.

La persona se llama Allie Fox, y él está

convencido que la civilización estadounidense está camino de la destrucción y basándose en su temor, coge a su esposa e hijos y se los lleva a los bosques lluviosos de Centroamérica, a Jerónimo, donde él planea establecer una nueva civilización. Este hombre es muy inteligente; ha inventado, por ejemplo, un nuevo tipo de máquina para hacer hielo, y nadie puede decir que no sea algo práctico en la selva. Pero también comparte la falta de sentido común de muchas utopías; quiere crear una sociedad en que los hombres serán libres, pero libres únicamente en la manera que él piensa deben ser libres.

Allie Fox, interpretado en “La Costa de los Mosquitos” por Harrison Ford, es una de las películas en las que realiza un mejor trabajo. Ford nos da un personaje que tiene la visión de un túnel, que es muy cariñoso hacia su familia y quizás para alguien más, que carece totalmente de sentido del humor, y que es un egocéntrico cerca de la locura. Se trata de una brillante película, desde luego, que nosotros hemos disfrutado sin problemas.

Ha habido otros locos en otras películas que trataron de encontrar su visión en estos mismos bosques lluviosos. Podemos pensar inmediatamente en “Aguirre: La Ira de Dios”, y “Fitzcarraldo”, dos películas de Werner Herzog sobre excéntricos enloquecidos que llegaron a la selva, conducidos por sus obsesiones. Esas películas eran algo más destacables que “La Costa de los Mosquitos”, porque ellos crearon unos caracteres (ambas interpretadas por Klaus Kinski) que eran unos locos resplandecientes, brillantes en su personalidad. Allie Fox es más bien un vago, alguien que se queja siempre de todas las cosas. Ciertamente no es un loco, pero cuando habla no parece interesado en saber si alguien le está escuchando.

La película está basada en una novela de Paul Theroux, en la que el narrador es el hijo adolescente de Fox, Charlie. Mediante los ojos de Charlie, nosotros gradualmente vemos al padre que se convierte en un idealista obsesivo, y también le vemos llegando a ser un hombre en el proceso de compartir el cambio de residencia. En la película, Charlie (River Phoenix) es todavía el narrador, pero él nos cuenta la historia, de lo que nosotros vemos en la pantalla. Charlie escapa con su familia, y llega a ser simplemente una víctima desde que fue arrastrado a vivir en la selva por su padre.

Otro carácter misterioso en la película es la madre (Helen Mirren), la esposa, quien permanece callada y sin quejarse mientras Allie Fox somete a su familia a experiencias peligrosas e inútiles. ¿Qué siente ella? ¿ Qué piensa ella realmente?. Aparte de una especie de saludo de bienvenida, nosotros nunca lo sabemos. Mirren ha dicho que su personaje era totalmente opuesto en todo a su propia naturaleza, y que ella interpretó a la madre para tratar de llegar a ser alguien completamente pasivo. Probablemente fue la única manera de poder conseguir el trabajo.

La Costa de los Mosquitos, está dirigida por Peter Weir, un australiano que ha hecho grandes películas sobre los silencios y misterios de naturaleza. En “Picnic at Hanging Rock”, él nos mostró a un grupo de colegialas durante una excursión, que se pierden misteriosamente en cualquier parte dentro de una formación extensa de rocas prehistóricas.

A lo largo de su carrera, Weir ha sido capaz de capturar la majestad de la naturaleza y la producción en La Costa de los Mosquitos es impresionante, especialmente en una escena donde un tifón amenaza barrer lejos la frágil vivienda de Ford sobre una playa.

La película está bien dirigida e interpretada y la pregunta sobre el argumento podría ser: ¿

Por qué se hizo el héroe tan incomprendido y odioso?. Al final, es inevitable que el espectador sienta profunda lástima por ese idealista que nadie ha comprendido y ni siquiera amado. El guión está escrito por Paul Schrader, cuyas películas propias (“Hardcore, un mundo oculto”, “Mishima”) y como guionista en “Taxi Driver”, tratan frecuentemente sobre hombres obsesionados por su estrecha visión de la vida, aunque los personajes de Schrader siempre tienen alguna medida de humanidad.

FRENETICO

Frantic

1988

120 minutos

Color

Productor: Thom Mount y Tim Hampton

Director: Roman Polanski

Guión: Polanski y Gérard Brach.

Fotografía: Witold Sobocinski

Música: Ennio Morricone

Intérpretes:

HARRISON FORD: Dr. Richard Walker

EMMANUELLE SEIGNER: Michelle

BETTY BUCKLEY: Sondra Walker

La primera cosa que

yo noté eran los tonos de las voces, bajas, planas, y cansadas. Parecidas a como deben sonar las voces de los conductores que hacen Barcelona-Sevilla de un tirón. Quizás sean felices por llegar a su destino, pero serían más felices estando en la cama. Nuestros protagonistas vuelven a donde pasaron su luna de miel, hace veinte años, aprovechando que el Dr.

Richard Walker y su esposa, Sondra, tiene que ir a una convención médica.

Hay una confusión con el equipaje y aparentemente lo han recuperado en el aeropuerto.

Todo lo demás parece estar yendo perfectamente cuando Walker se mete en la ducha del hotel. El teléfono suena, su esposa contesta y dice algo, pero él no la puede oír porque el ruido del agua se lo impide. Al poco tiempo el sale de la ducha, y ella ha desaparecido.

En la estructuración de “Frenético”, el thriller de Roman Polanski, un director eficaz en películas como “La Semilla del Diablo” y “Chinatown”, notamos su buena experiencia en contar historias. Cada escena de esta película supone un esfuerzo de Polanski para probarnos que él todavía es capaz de generar el tipo de suspense que le hizo famoso. Cada escena es como si fuera una película independiente. Por eso cada secuencia es tan compleja, demasiado elaborada, con demasiadas complicaciones, hasta que la construcción delgada y económica de la primera hora comienza a demostrar su personalidad.

La estrella es Harrison Ford, el doctor americano que es incapaz de convencer al detective del hotel, a la policía, y a los funcionarios estadounidenses de la Embajada, que su esposa (Betty Buckley) ha sido secuestrada. Él trata de investigar con sus propios medios, con unas pocas pistas. Después de encontrar a un borracho que vio a su esposa siendo forzada a entrar en un automóvil, él abre la maleta objeto del equívoco y entre ropa interior de mujer, maquillajes y revistas, encuentra un número de teléfono de un tal Dedé, que puede ser una pista.

La película entonces desarrolla el juego del gato y el ratón, buscando en centros nocturnos de París, aeropuertos, y garajes. A lo largo de su búsqueda, Ford encuentra a la mujer joven (Emmanuelle Seigner) que se confundió de maleta, quien le cuenta que es solamente un correo contratado para llevar la maleta, no sabe qué es lo que contiene, pero quiere que le paguen los 10.000 francos prometidos.

La naturaleza del misterio llega a estar clara para el público, desde el mismo momento en que también lo está para Ford, y la película comienza a perder entonces interés, especialmente cuando aparece de nuevo Seigner. Hasta entonces, todo se desarrolla lógicamente, aunque flaquea sensiblemente cuando el doctor y la chica llegan a ser socios, algo demasiado convencional.

Todavía, cuando miramos las diferentes formas de presentarnos a los personajes, recordamos el talento de Polanski. Aquí sigue siendo uno de los pocos directores válidos del thriller, cuya carrera en el exilio ha resultado muy acertada. “Frenético” se habría beneficiado del corte de algunas escenas y de la prolongación de otras (especialmente el baile dentro de un centro nocturno que continúa hasta el aburrimiento), pero quizás Polanski era tan feliz por estar de vuelta, que el hecho de volver a rodar un thriller de gran presupuesto y con una estrella popular, le hizo perder objetividad. Aún así, debemos ser comprensibles y reconocer que aún con sus erxcesos, “Frenético” es un recordatorio de cómo se debe realizar un buen un thriller.

El Director:

ROMAN POLANSKI

Profesión: Director, escritor

También: actor, director de teatro, productor

Nombre: Raimund Polanski

Nacido: el 18 de Agosto de 1933 en París, Francia

Estudios: escuela de cine Lòdz

Este cineasta, internacionalmente renombrado, ha llegado a ser sumamente conspicuo con su vida tumultuosa, en lo que concierne a sus a veces oscuramente cómicos (pero hondamente inquietantes) dramas psicológicos, sus comedias negras, y los malvados que

representa en sus películas. Después de su niñez, manchada con las atrocidades de los nazis, Polanski comenzó su primera carrera en el cine como un actor juvenil y luego como un director neófito en Polonia. Consiguió establecer una buena reputación con varias películas filmadas en Inglaterra, antes de encontrar su apoteosis artística y comercial en Hollywood. El expatriado europeo, también encontró su sitio en el sur California para vivir con espantosa violencia una profunda tragedia personal. Polanski huyó de los Estados Unidos en 1977 para escapar de las consecuencias de un escándalo de sexo, en el cual aparecía involucrada una chica menor de edad, pero continuó haciendo películas en el exilio, aunque con menos frecuencia y presupuestos menores. No por ello hay que olvidar que Polanski continúa siendo unos de los grandes directores.

Roman Polanski nació en París de padres polaco - judíos. A los tres años de edad, él y su familia volvieron a Krakow, la ciudad de su padre. Con siete años, Polanski vivió con su familia en un gueto de los nazis, aunque pronto comenzó a salir fuera para realizar operaciones pequeñas de contrabando que vendía posteriormente dentro del gueto. Mientras realizaba estas misiones, Polanski se escabullía a las lejanas salas de cine. Al año siguiente, sus padres fueron recluidos por los nazis en un campo de concentración, donde su madre encinta fue llevada a la cámara de gas. Al poco tiempo de llegar, Polanski consiguió escapar de la captura cuando su padre le ocultó en un agujero en la pared cuando los nazis se acercaban.

Algunos de estos sucesos espeluznantes luego serían recreados por Steven Spielberg en “La Lista de Schindler” (1993). Durante su largo trabajo como guionista, Spielberg, según nos informa Polanski, le consultó en varias ocasiones sobre cómo dirigir la película. Sin embargo, con varios amigos y los parientes que tenía en Krakow, además de los judíos sobrevivientes a quien Schindler había salvado en los campos, Polanski encontró un material demasiado personal y doloroso.

Creciendo en un país gastado por la guerra, Polonia, el joven Polanski encontró una vía de escape en las salas de cine y en su trabajo en la radio. Su primera incursión en el cine incluyó un trabajo con el director polaco Andrzej Wajda. En 1954, aceptó un programa quincenal intenso en la escuela de cine Lòdz. En 1962, Polanski dirigió su primer filme de larga duración, “Knife in the Water”, pobremente recibido por los funcionarios estatales polacos y algunos críticos. La película, no obstante, causa una gran sensación en occidente, y ganó el Premio de los Críticos en el Festival de Venecia, así como una nominación al Premio de la Academia a la Mejor Película Extranjera.

Polanski se fue a Inglaterra para rodar sus tres próximas películas: “Repulsión” (1965), una historia psicológica de horror sobre el desmoronamiento mental de una joven mujer; y “Cul De Sac” (1966), una comedia de pandilleros y una desigual pareja que viven en un castillo aislado, y “El baile de los vampiros” (1967), en la cual Polanski trabajó con la actriz estadounidense Sharon Tate. Ambos se casaron en 1968, el año en que también Polanski estrenó en América “La Semilla del Diablo”, una adaptación enormemente exitosa de la historieta de horror ginecológico de Ira Levin. El verano siguiente, Polanski nuevamente tiene que compartir la emoción de su éxito con una gran tragedia: su esposa Sharon Tate, embarazada de ocho meses, y tres amigos, son asesinados por miembros del culto a Charles Manson.

Su próxima película, “Macbeth” (1971), era una adaptación brutalmente realista de la violenta tragedia de Shakespeare, que era interpretada por algunos críticos como la respuesta del cineasta al asesino Manson. Polanski, sin embargo, negó cualquier nexo entre la película y los trágicos asesinatos.

En 1974, vuelve de nuevo a Hollywood para su más grande triunfo, “Chinatown”, una historia de concupiscencia, corrupción, y de incesto, situada en el decenio de 1930, en Los Angeles. El director hizo una memorable película, sobre el bandido que corta la nariz de Jack Nicholson. Después de dos años, Polanski emprendió su trabajo más arduo, dirigiendo

“The Tenant”.

En 1977, Polanski fue arrestado en California acusado de mantener intercambios sexuales ilegales con una niña de trece años. Él estuvo cuarenta y dos días bajo observación psiquiátrica en California, en conformidad con sus denunciantes. El juez del caso se cebó con él y Polanski, después de conseguir un aplazamiento del juicio, huyó de los Estados Unidos. En Francia hizo su próxima película, “Tess” (1979), una clamorosa versión de la obra de Thomas Hardy, en la cual contaba la historia de una hermosa chica (Nastassja Kinski) que es seducida por un viejo. En 1981, volvió a Polonia para dirigir e interpretar una producción sobre Amadeus.

La próxima película de Polanski que tuvo cierto éxito crítico y comercial, fue la misteriosa y en ocasiones somnolienta “Frenético” (1988), caracterizando a Harrison Ford como un estadounidense en París que busca a su desaparecida esposa (Betty Buckley). También en París hizo “Bitter Moon” (estrenada en 1992, aunque en Estados Unidos lo hizo en 1994), que contó la historia de un viaje en barco de un educado inglés (Hugh Grant), viaje que llega a convertirse en algo tortuoso a causa de un tal Henry Miller interpretado por Peter Coyote. “Bitter Monn” también contó con Emmanuelle Seigner, esposa de Polanski, como la mujer fatal, 20 años más joven que el escritor. Este argumento ha fomentado la imaginación de los críticos que ven en ella una autobiografía refractada. Era obviamente otra variación sobre la preocupación del director por el deterioro psíquico y sexual.

“Death and the maiden” (1994) fue una aclamada adaptación para el cine de la novela del dramaturgo chileno Ariel Dorfman, una alegoría política. La acción se desarrolla en un país sudamericano no identificado, y la historia cuenta la vida de un abogado especializado en los derechos humanos (Stuart Wilson) quien pide ayuda cuando su automóvil se estropea.

Un bondadoso doctor (Ben Kingsley) le lleva a su hogar donde su esposa (Sigourney Weaver) le espera. La esposa inmediatamente reconoce la voz del doctor como perteneciente al hombre que supervisó su tortura bajo el régimen anterior. Ella le toma como rehén, le acusa de sus delitos y le tortura antes de que lo sepa su esposo el abogado.

Polanski ha tenido una menor, pero interesante carrera, como actor desde su niñez. A los 21

años, él hizo una buena interpretación en una película de Andrzej Wajdás titulada “A Generation” (1954). Después aparecería consecutivamente en “Lotna” de Wajda (1959),

“Innocent Sorcerors” (1960), y “Samson”(1961). Además de actuar en muchos papeles menores cuando era muy joven, Polanski trabajó en diversas películas europeas. Él era el encantador bandido Soviético en el vídeo romántico “Back in the URSS” (1991), apareció en un pequeño papel como sí mismo en la comedia-drama de Michel Blanc “Grosse Fatigue” (1994) y brilló con gran fuerza como el personaje opuesto a Gerard Depardieu en

“Giuseppe.Tornatorés”, además de actuar en el drama “A Pure Formalite” (1994).

Posteriormente, Polanski actuó en un capítulo de la serie "Columbo", haciendo el papel de un inspector de policía que interroga a un escritor sospechoso de asesinato.

Como un artista que ejerce un control tremendo sobre sus películas, frecuentemente co-escribiendo el guión y a veces actuando en ellos, Polanski proporciona un trabajo singularmente personal. Sus temas preferidos son la violencia y el engaño, el aislamiento y la enajenación, y un sentido profundo del absurdo. La relación entre la vida personal de Polanski y su trabajo, ha sido siempre motivo de negocio para la prensa amarilla. Esto le ha eclipsado en ocasiones su valía como cineasta.

ARMAS DE MUJER

Working Girl

1988

113 minutos

Color

Productor: Douglas Wick

Director: Mike Nichols

Guión: Kevin Wade

Fotografía: Michael Ballhaus

Música: Carly Simon

Intérpretes:

MELANIE GRIFFITH: Tess McGill

HARRISON FORD: Jack Trainer

SIGOURNEY WEAVER: Katherine Parker

ALEC BALDWIN: Mick Dugan

JOAN CUSACK: Cyn

El problema de trabajar tratando de escalar peldaños sin importar cómo, es que posiblemente nuestra vida privada se vea afectada. La gente está pendiente de nuestros fallos y en ese momento se ponen en medio para tratar de sacar provecho de ellos. Algo similar es lo que Tess McGill siente en las primeras escenas de Armas de Mujer. Ella es inteligente y agresiva, y tiene muchas ideas buenas sobre cómo hacer dinero en el mundo de las grandes de finanzas. Pero es solamente una secretaria; una secretaria que trata de ser útil.

Una secretaria que utiliza

los medios públicos de transporte para acudir a su trabajo en Staten Island y que comenzó a trabajar cuando era solamente una jovencita guapa y que ahora, con treinta años, sigue hablando como cuando tenía once. Por eso no hay manera que nadie la vaya a tomar en serio jamás.

Un día, Tess (Melanie Griffith) consigue un empleo y al poco tiempo le ponen como secretaria de una mujer que lleva el departamento de fusiones y adquisiciones donde ella trabaja. El jefe, la jefa, (Sigourney Weaver) es una mujer de casi exactamente la misma edad de Tess, pero con un tipo de vida laboral y personal totalmente diferente. Por ejemplo, ella habla con una voz modulada y baja, y viste más como una mujer ejecutiva, peinándose de manera discreta. "Si usted quiere conseguir salir adelante en los negocios," le dice a Tess, "tiene que tener un peinado serio". Ella consigue determinados avances en los negocios, pero un día tiene un accidente de esquí y debe permanecer en cama durante seis semanas. En su ausencia, Tess es la encargada de llevar a cabo los trabajos pendientes de Katheriene, para ello acude a su casa y allí, casi por casualidad, lee en el ordenador de su jefa que ha hecho suyas las buenas ideas de negocios que ella le había dado.

Esto hace que se ponga en su contra y sumamente decepcionada empieza un plan para desenmascararla ante sus jefes y clientes. Pronto conoce en una cafetería a Jack Trainer (Harrison Ford), quien es la persona encargada para lograr la fusión del negocio supuestamente idea de Katherine. Ambos sienten atracción mutua y el hecho de que Tess esté algo borracha hace que Jack tenga que llevarla a su casa, y aunque ella le matiza que:

"Yo tengo mi cabeza para los negocios y mi cuerpo para el pecado". Solamente está preocupada porque él no la tome en serio, o que solamente la considere una mujer guapa.

La estructuración en “Armas de Mujer”, logra que la comedia se desarrolle de manera divertida, donde podemos reírnos discretamente a lo largo de la película. Para algunos, la forma de contar la historia es similar a la película “El Graduado”, de Nichols (1967), un clásico que incluye una escena culminante cuando una ceremonia importante es interrumpida por la persona equivocada que irrumpe en la puerta, aunque esta película proporciona otra escena algo diferente. “El Graduado” hablaba de un hombre joven y en

“Armas de Mujer” se trata de una mujer joven que quiere hacer dinero con las fusiones empresariales.

Esta es la película de Melanie Griffith, del mismo modo que “El Graduado” perteneció a Dustin Hoffman. Ella no era una elección obvia, pero consiguió el trabajo por haber realizado anteriormente dos películas de gran impacto, como fueron “Doble Cuerpo” y

“Algo Salvaje”. Nosotros la podemos recordar como una actriz ligada a papeles eróticos, en ocasiones poco serios, aunque a su manera, en ambos casos, Griffith ha conseguido ganarse el respeto del público y demostrar que no tiene un pelo de tonta.

Mejorar el personaje es crucial en películas como esta. El papel de Sigourney Weaver es bastante ingrato, ya que debe hacer el juego a todos los ejecutivos para lograr sus fines, traicionar a su secretaria y además perder el amor de su amante. Afortunadamente, su gran calidad como actriz no nos hace perder ni un gramo de entusiasmo hacia ella. Desde su primera aparición en la película, tiene que decir todas las cosas necesarias para lograr que las fusiones empresariales lleguen a buen término, pero de una manera tan sutil que quede claro que ella es el cerebro. Pero si ella es sutil, no lo es menos Harrison Ford, un actor cuya constancia va unida a un hombre sumamente apasionado; cuando él está haciendo el amor con una mujer, él no la posee, simplemente parece que la analiza. Weaver y Ford proporcionan el marco imprescindible para que el carácter de Griffith pueda destacar también.

El guión de Kevin Wade consigue proporcionarnos risas y hasta situaciones melodramáticas, aunque deriva poco a poco a un clímax de tensión, llegando a convertirse en las últimas escenas en un thriller. Con “Armas de Mujer” Mike Nichols consiguió una buena reputación y Melanie Griffith dejó de ser una chica guapa que hacía papeles sexys.

Premios:

Oscar a la mejor canción: “Let the River Run cantada por Carly Simon Nominada cómo mejor película 1988

Nominada a la mejor actriz 1988: Melanie Griffith

Nominada a la mejor actriz secundaria 1988: Sigourney Weaver Nominada para el mejor actor secundario 1988: Joan Cusack Nominada al mejor director 1988: Mike Nichols

INDIANA JONES Y LA ULTIMA CRUZADA

Indiana Jones and the Last Crusade

1989

127 minutos

Color

Productor: Robert Watts

Director: Steven Spielberg

Guión: Jeffrey Boam

Fotografía: Douglas Slocombe

Música: John Williams

Intérpretes:

HARRISON FORD: Indiana Jones

SEAN CONNERY: Dr. Henry Jones

DENHOLM ELLIOTT: Marcus Brody

ALISON DOODY: Dra. Elsa Schneider

JOHN EHYS-DAVIES: Sallah

RIVER PHOENIX: Indiana Jones (joven)

Esta última entrega de la trilogía,

fue el broche de oro para una estrecha colaboración entre Steven Spielberg y George Lucas.

La película, que contó con un presupuesto de 36 millones de dólares, tuvo algunas dificultades para su producción, motivadas por las discrepancias que originaron algunas escenas de su predecesora “Indiana Jones y el Templo Maldito”. Finalmente, George Lucas dio el visto bueno y la película llegó a su estreno proporcionando cuantiosos beneficios en taquilla.

El rodaje comenzó en Almería, el 16 de mayo de 1988.

La intervención de Sean Connery en el reparto, como padre de nuestro aventurero, fue un acierto total. Su afán de educador le llevan a estar siempre pendiente de su hijo, que por el contrario, a pesar de admirar profundamente a su padre, es básicamente un aventurero y esto hace que esté lejos de él durante años.

La acción se desarrolla en 1938, cuando el Dr. Henry Jones (Sean Connery) es secuestrado, y su hijo Indiana Jones (Harrison Ford) recorre medio mundo para encontrarle. Cuando le encuentra, entre los dos se da una relación mezcla de ironía y humor, logrando unos resultados muy agradables.

Como ya era habitual en las anteriores, también aquí se contó con la intervención de innumerables “bichitos” y los actores se tuvieron que mezclar con veinticinco caballos, cinco cocodrilos, dos tortugas, un león, quince camellos y cientos de serpientes que tuvieron que ser controladas por el especialista Mike Culling.

Para rodar las escenas exteriores el equipo de Spielberg hubo de trasladarse a distintos países. Algunas zonas de España como la playa del Cabo de Gata o el desierto almeriense de Tabernas, sirvieron de escenario simulado de tierras turcas, mientras que el puerto de Londres se utilizó para rodar la persecución por los canales de Venecia.

Hay un estilo de narrativa que apareció en las revistas de aventuras para muchachos en los años 40, la mayoría de cuyas inocentes aventuras han sido reemplazadas por revistas sobre monstruos de película y estilos de vida. Las ilustraciones eran siempre sobre lo mismo.

Mostraban un grupo pequeño de hombres morenos que revolotean con ávido interés sobre un tesoro escondido, con una expresión de alegría en sus rostros barbudos, mientras en los alrededores, dos muchachos espiaban escondidos detrás de una roca. El punto de vista era siempre sobre los hombros de los muchachos y al lector se le invitaba a compartir la escena.

“Indiana Jones y la Ultima Cruzada” comienza con la misma escena; Steven Spielberg debe haber encontrado en el sótano de su casa viejos ejemplares de “Boyś Life” y “Thrilling Wonder Tales”. Cuando yo los leí he sentido un gran placer, porque las últimas películas de Hollywood han llegado a ser demasiado simples y cínicas, y han perdido la ilusión de que usted pueda encontrarse con aventuras inauditas, simplemente yendo por el campo de excursión con su tropa de Boys Scouts.

Spielberg ilumina las escenas con los colores básicos fuertes de las viejas revistas, y por supuesto cuando los hombres morenos se inclinan sobre su descubrimiento, parecen relucir con una luz propia que baña sus caras en un resplandor dorado. Este es el tipo de escena que puede justificar realmente ver la película.

Uno de los dos niños que hay detrás de la piedra es, por supuesto, el joven Indiana Jones.

Pero él es descubierto por exploradores que están robando el tesoro, y se impone en ese momento realizar una veloz escapada. La carrera termina y de repente nos encontramos en los años de la Segunda Guerra Mundial.

La primera escena de esta tercera entrega de Indiana Jones, es la única que parece verdaderamente original, aunque quizás yo debería decir que a partir de entonces se incorporan imágenes similares a los seriales de los años 40, que Spielberg no había incluido antes. El resto de la película no constituye ninguna sorpresa ni una novedad sobre las dos anteriores, pero quizás ha sido mejor así, ya que el público aficionado esperaba realmente lo que se le estaba ofreciendo, una continuación de las aventuras de Indy.

La película continúa mostrándonos el familiar mundo del desafío a la muerte, las acrobacias increíbles, las eternas persecuciones y la búsqueda de metas imposibles en lugares impracticables, todo ello adornado con un estupendo humor seco.

Cuando “En Busca del Arca Pérdida” apareció, definió una nueva energía para las películas de aventuras; era un adelanto delirante.

Pero no había manera para que Spielberg pudiera superarse a sí mismo, y quizás este es el motivo por el cual “La Ultima Cruzada” debería ser la última película de Indy; y digo debería porque ya está en marcha la producción de la cuarta parte, nuevamente con Harrison Ford como protagonista. Para algunos jovencitos, quizás sea demasiado triste verle envejecido y delgado, como ocurrió con las películas de James Bond, pero afortunadamente los aficionados hemos crecido al mismo tiempo y nos agradará ver a nuestro héroe, el auténtico, de nuevo en acción.

Unidos a esta tercera aventura, algunos de los elementos claves se vuelven a incluir desde

“En Busca del Arca Pérdida”. En este tiempo, la búsqueda de Indy se centra en encontrar el Santo Grial, la taza que Jesucristo usó en su Ultima Cena y que se supone contiene su sangre. (Bebiendo en esa taza se conseguiría la eterna juventud). El Santo Grial nos recuerda al Arca de la Alianza de la primera película y en ambos casos la persecución está efectuada por nazis asesinos.

El nuevo elemento que se incorpora es la manera en que Spielberg llena alguna faceta del carácter de Jones. Nosotros aprendemos su verdadero nombre (que yo no les voy a dar a conocer aquí), y por fin encuentra a su padre, el profesor Henry Jones, que es interpretado por Sean Connery con gran maestría.

Aunque pueda parecernos una clásica historia para muchachos, el Dr. Jones no es tanto un padre como un compañero aliado, un compinche más viejo que tiene una gran dimensión humana, aunque los niños son incapaces de ver en sus padres esa complejidad. Junto con los espías nazis y los ladrones de joyas, la presencia del padre, encarnada por Connery, nos asegura diversión y nuevos elementos.

Harrison Ford es nuevamente Indiana Jones, por supuesto, y con él todo nos parece más fácil y creíble, ya que pocos otros actores puedan mantener una presencia tan adecuada en medio de tal caos. Después que Indy descubre la misión de su vida en las primeras escenas, la historia central tiene lugar unos años después, cuando el Profesor Jones (la persona que más sabe en el mundo sobre la Cruz de Oro de Coronado), es raptado por unos malhechores que están convencidos que él sabe el secreto de donde se oculta la joya.

Pero Indy, trabajando con el cuaderno de su padre, sigue una pista desde América a las catacumbas ocultas debajo de las aguas de Venecia, y desde allí a los desiertos de la Tierra Santa (para encontrar el Santo Grial), donde hay una escena sensacional de persecución que involucra un gigantesco tanque blindado de los nazis. El está acompañado en su misión por la Dra. Elsa Schneider (Alison Doody), un científico que ha encontrado en Venecia, pero su personaje supone una desilusión después del incendio de Karen Allen en la primera película, e iguala el bochorno de Kate Capshaw en la segunda.

Spielberg idea varias escenas muy elaboradas, de las cuales se pueden escoger especialmente las ratas que se encuentran en las catacumbas y alcantarillas de Venecia (aunque es posible que Venecia no tenga ningún tipo de catacumbas). Otra escena importante involucra a un zepelín (gigantesco globo dotado de motores y tripulantes), y una escapada de la aeronave mediante un avión, además del gigantesco tanque caminando sobre el desierto, con su aspecto terrible y convincente.

Si hay simplemente una sombra de desilusión después de ver esta película, tiene que ser porque nosotros no nos hemos encontrado con ningún material nuevo. “En Busca del Arca Pérdida” ahora nos parece más que nunca como un punto decisivo en el cine de pura diversión, y es posible que no hubiera realmente ninguna otra manera de que Spielberg pudiera aportarnos nuevos elementos en una aventura sobre Indiana Jones. Lo que ha hecho es tomar los mismos elementos anteriores, aplicar su buena tecnología y acertada dirección, y proporcionarnos una nueva diversión. Casi nada.

Premios:

Oscar a los mejores efectos especiales

Nominada a la mejor música: John Williams

Nominada al mejor sonido: Ben Burtt, Gary Summers, Shawn Murphy, Tony Dawe PRESUNTO INOCENTE

Presumed Innocent

1990

127 minutos

Color

Productor: Sydney Pollack, Mark Rosenberg

Director: Alan J. Pakula

Guión: Frank Pierson, Alan J. Pakula

Basada en la novela de: Scott Turow

Fotografía: Gordon Willis

Música: John Williams

Intérpretes:

HARRISON Ford: Rusty Sabich

BRIAN DENNEHY: Raymond Horgan

RAUL JULIA: Sandy Stern

BONNIE BEDELIA: Barbara Sabich

PAUL WINFIELD: Judge Larren Lyttle

“Presunto Inocente” comienza en una sala de un juicio vacía, con la oscuridad a lo largo de las paredes, los tonos de madera un profundo caoba, y la sala entera sugiriendo que todo aquel que entre allí debe abandonar cualquier esperanza de inocencia. Pronto oímos a Harrison Ford que habla de su trabajo como un abogado, pero como él habla del deber de la ley de no declarar a ningún inocente culpable hasta que no haya pruebas concluyentes, notamos poca fe en su voz.

“Presunto Inocente” habla de uno de los más fundamentales temores del hombre civilizado: el temor de ser declarado culpable de un crimen que no cometió. Ese mismo temor está en el corazón de más de la mitad de las películas de Hitchcock, y es una de las razones que ellos muestran para toda clase de públicos, ya que es algo que todos temen.

Esta película está basada en una novela escrita por Scott Turow que llegó a ser conocido por su explícito contenido sexual, sin el cual posiblemente no hubiese vendido más de diez ejemplares. ¿Cómo defiende usted mismo un cargo de violación cuando usted tenía una aventura romántica con la mujer muerta, y sus huellas digitales están sobre un vaso en su apartamento, y los registros de teléfono dan a conocer que usted la llamó la noche anterior, y su esperma se ha encontrado en la escena del crimen?.

Este es el dilema en que Rusty Sabich se encuentra metido en “Presunto Inocente”. Sabich, interpretado por Harrison Ford, como un hombre cuya voz suave enmascara grandes pasiones y terrores, interpreta a un abogado que debe descubrir al asesinato de una mujer joven, abogada de esa misma oficina estatal. Su nombre era Carolyn Polhemus (Greta Scacchi), y ella tuvo la capacidad para liarse con varios hombres, especialmente con aquellos que podían promocionarla en su cargo. Entre esos hombres, según descubrimos, estaba Rusty Sabich y también su jefe, el abogado del Estado Raymond Horgan (Brian Dennehy), quien le ha asignado el caso.

Al principio la investigación va lentamente, pero repentinamente surge la evidencia que incrimina al abogado, y el investigador se encuentra así mismo como el acusado principal.

La situación se ha hecho más complicada porque Dennehy prepara su elección en unos días. ¿ Cómo puede hacer campaña de honradez cuando el candidato de la ley y el orden tiene un violador y asesino entre su propio personal?. El personaje de Ford encara el desplome completo de su vida cuando él conoce la acusación. Junto a él permanece su esposa, amargada a causa de su infidelidad, interpretada por Bonnie Bedelia.

No se preocupen que no les aportaré ningún dato más sobre la inocencia o culpabilidad de Ford. Todos los que hayan leído el libro, por supuesto, tendrán una idea clara sobre cómo se desarrolla y termina la historia, pero los productores hábilmente decidieron que la película debería desarrollarse de manera diferente al libro. Aún cuando usted cree saber el final a la media hora de comenzada la película, la trama está llevada tan inteligentemente (obra del guionista Frank Pierson y el director Alan J. Pakula) y de un modo tan sutil, que es difícil descubrir el desenlace antes de que lo decida el director.

Pakula ha hecho versiones de película basadas en libros difíciles, como “El informe pelícano” y “Todos los Hombres del Presidente”, por eso es lógico que sepa llevar con acierto historias similares y aportar buenos diálogos. La adaptación de la novela de Turow permite hacer un buen trabajo y presentar los personajes poco a poco, permitiendo que el espectador gane paulatinamente interés por la película.

El papel principal, interpretado por Harrison Ford, aporta un aspecto equilibrado y delicado, desde el punto en que él debe aparecer simultáneamente como un asesino y como un hombre inocente. Ford, taciturno y meditabundo, favorece al personaje.

Greta Scacchi, como la cruel Carolyn Polhemus, es al mismo tiempo ardiente y fría.

Bonnie Bedelia, en el papel de la esposa es otro desafío, lo mismo que los personajes secundarios que incluyen a Paul Winfield como un juez con móviles ocultos y Raúl Juliá como un abogado defensor que no puede conseguir que su cliente permanezca al margen como acusado.

“Presunto Inocente” no es una película de acción, y se desarrolla de manera sigilosa, hablándonos de gente que suelen ocultar sus emociones, mientras el público mira en silencio. La parte de la quietud es esencial para que la historia absorba y nadie se distraiga con toques de acción o persecuciones.

A PROPOSITO DE HENRY

Regarding Henry

1991

107 minutos

Color

Productor: Scott Rudin y Mike Nichols

Director: Mike Nichols

Guión: Jeffrey Abrams.

Fotografía: Tony Walton

Música: Hans Zimmer

Intérpretes:

HARRISON FORD: Henry Turner

ANNETTE BENING: Sarah Turner

BILL NUNN: Bradley

MIKKI ALLEN:

Rachel Turner

DONALD MOFFAT: Charlie

NANCY MARCHAND: Mrs. O´Brien

“A Propósito de Henry”, de Mike Nichols, comienza con el retrato de un abogado de Manhattan, al que refleja como un hombre ambicioso que vive con gran riqueza y poca felicidad. Pero una catástrofe cambia radicalmente su vida. Cuando una noche sale para comprar algunos cigarrillos, es alcanzado por los disparos de un delincuente, que en esos momentos estaba atracando el estanco, y una de las balas penetra en su cerebro. Durante unas semanas él queda en coma, hasta que finalmente despierta y ha de comenzar un largo proceso de rehabilitación. La película nos muestra cómo Henry llega a ser más adorable y humano, como resultado de su incapacidad, mientras su alma y su familia se benefician de la experiencia.

Es de destacar la intervención de Harrison Ford que logró encarnarse en Henry y representar un cambio tan brusco en su personalidad al interpretar dos personajes totalmente distintos: uno, el agresivo y ambicioso abogado, y otro, el hombre que empieza a crecer con la inocencia de un niño, descubriendo todo por primera vez.

Pero si para Ford fue uno de los

retos más difíciles a los que tuvo que enfrentrarse, tampoco lo tuvo fácil su esposa Sarah (interpretada por Annette Bening), que pasa de ser una sufrida esposa que desea el divorcio, a enamorarse nuevamente de su marido.

El choque de la bala en su cerebro no supuso ninguna sorpresa para el público, porque toda la publicidad para esta película, incluyendo las fotografías y los anuncios comerciales de televisión, estropeó la sorpresa. Pero la película no trata realmente sobre la herida por arma de fuego, y se centra más sobre un hombre herido que vuelve a ser un niño, y éste cambio es para mejor.

El Henry original está interpretado por Harrison Ford, como un taciturno capataz que habla con su joven hija como si ella fuera un cliente, y con su esposa (Annette Bening) como si fuera un socio con quien él es muy amistoso pero no íntimo. Después de la herida dolorosa en su cabeza, Henry se recupera como una persona enteramente más agradable. Él no puede recordar casi nada de su vida anterior, y tiene que vivir basándose en la confianza que tiene en su esposa e hija. Pero como cualquier niño, valora la honestidad y la lealtad, dos cualidades que el antiguo Henry no conocía.

Existe posiblemente una buena película para ser encontrada en alguna parte dentro de los resúmenes de esta historia, pero Mike Nichols no ha encontrado lo mejor de “A Propósito de Henry”. Esta es una película de ficción muy superficial, que resuelve todas las situaciones con emociones fáciles, y trata de manipular al espectador incorporando alicientes que están fuera de lugar.

La inseguridad económica de su familia y la reacción de la esposa cuando ve finalizados los años de opulencia económica, convierte en estos momentos a la película en una telenovela sobre asuntos de oficina, y dedica una gran cantidad de tiempo a Henry para que se enfrente a la falta de honestidad que caracterizó su vida anterior.

Para muchos espectadores, Henry es un atractivo, agradable, sencillo y simpático personaje.

Pero es tan sumamente simple que la película parece tratar su vacío mental como algo conveniente. Él es sencillo cuando dice cosas embarazosas en público, pero suficientemente inteligente para saber qué es lo que realmente están tramando sus antiguos compañeros del bufete. En ese momento nosotros comenzamos a notar, después de una corta meditación, que en cualquier escena determinada Henry poseerá el desarrollo mental necesario para hacerse con el control y desenmascarar a los corrompidos.

Las facetas del carácter de Annette Bening parece que están alejadas del personaje central de Henry, y ella quiere realizar preguntas que nadie contesta. El intento de seguir con los pensamientos de ella, especialmente cuando Henry pierde eventualmente sus ingresos y la familia se muda a otra casa (pero de ninguna manera poco lujosa), se queda solamente en la superficie del personaje. Hay también otras pocas escenas esparcidas en la película que parecen destinadas a conceder más importancia a la situación financiera de la familia que a la enfermedad de Henry, pero si esa fue la intención del director no lo logró.

Si usted es un espectador exigente, no demasiado, que trate de indagar sobre la vida física y sexual entre los dos esposos, se encontrará con otro hilo imposible de desenredar. Unas pocas escenas románticas en las cuales se deja ver solamente la torpeza de Henry después de su accidente, es todo lo que podrá encontrar, ya que cuando se les ve en alguna escena íntima, similar a dos jóvenes en su primer encuentro sexual, no escucharemos ningún diálogo correcto y ni siquiera alguna exploración corporal que nos haga meditar.

El guión de Jeffrey Abrams, de hecho, constantemente va desde la risa a la realidad. Tiene el molesto truco de enseñar a Henry una nueva palabra y entonces la repite orgullosamente moviéndose como si eso fuera algo complicado. La manera en que la película hace una conexión entre el hotel Ritz Crackers y el Ritz-Carlton es especialmente molesta, combinando sentimientos baratos con una risa también barata.

El espectador no acaba de conmoverse por el proceso de rehabilitación física y mental de Henry, durante el cual el terapeuta (Bill Nunn) usa técnicas Pavlovianas para restaurar las facultades de Henry para hablar. ¿Qué él no puede hablar nada?, ponga mucho Tabasco en sus huevos fritos y verá como comienza a hablar.

La película tuvo un presupuesto de 2.500 millones de pesetas y recaudó 7.000 millones, aunque todo el mundo está convencido que fue Harrison Ford, solamente, el artífice de esa recaudación.

JUEGO DE PATRIOTAS

Patriot Games

1992

116 minutos

Color

Productor: Mace Neufeld, Robert Rehme

Director: Phillip Noyce

Guión: W. Peter Iliff, Donald Stewart

Basado en la novela de: Tom Clancy

Fotografía: Donald M. McAlpine

Música: James Horner

Intérpretes:

HARRISON FORD: Jack Ryan

ANNE ARCHER: Dr. Cathy Ryan

PATRICK BERGIN: Kevin O'Donnell

SEAN BEAN: Sean Miller

THORA BIRCH: Sally Ryan

JAMES FOX: Lord Holmes

POLLY WALTER: Annette

RICHARD HARRIS: Paddy O'Neil

ALEX NORTON: Dennis Cooley

El personaje interpretado por Harrison Ford (Jack Ryan) ya había sido llevado a la gran pantalla en otra película anterior, “La Caza del Octubre Rojo” (con Alec Baldwin como protagonista), y fue quizá el éxito de esta película lo que le hizo al productor de las dos, Mace Neufeld, repetir la experiencia con este personaje del espionaje. Para ello contó en primer lugar con el mismo actor de antes, Alec Baldwin, pero el éxito que este actor había obtenido desde que hiciera “La Caza del Octubre Rojo” con sus interpretaciones en: “Ella siempre dice sí” o el remake de “Un tranvía llamado Deseo” (además de su matrimonio con Kim Basinger), hizo que el actor pidiera una cifra demasiado elevada y por tanto no pudieran contar con él. Fue entonces cuando contaron con Harrison Ford, a quién (casualidades de la vida) le habían ofrecido anteriormente encarnar al protagonista de “La Caza del Octubre Rojo” y lo había rechazado; pero en esos momentos Ford debía de estar cansado de interpretar personajes de traje y corbata, con sus intervenciones en “Presunto Inocente” y “A propósito de Henry”, y deseoso de aventuras aceptó el papel.

Qué duda cabe que la negación de Alec Baldwin, benefició enormemente a Harrison Ford, quien no solamente cobró 12 millones de dólares por rodar esta película, sino que se comprometió para dos entregas más.

Anterior analista de la CIA, Jack Ryan (Harrison Ford) está en Londres con su esposa Cathy (Anne Archer), y su hija pequeña, Sally (Thora Birch), cuando sucede un ataque contra el Sr. Holmes (James Fox), un miembro de la familia real, por un comando terrorista del ULA (brazo armado del IRA).

Incapaz simplemente

de permanecer quieto, Ford comienza a actuar y en la confrontación, mata a uno de los terroristas y detiene a otro llamado Sean Miller (Sean Bean). Bean es condenado y jura venganza contra Ford. Sus conspiradores, Kevin O’Donnell y Annette (Patrick Bergin y Polly Walter), burlan la custodia de policías, liberan a Miller y la batalla para matar a Ryan comienza.

Ford usa sus contactos en la CIA para investigar a los terroristas, pero no los pueden detener cuando llegan a su casa, donde están Anne Archer y Birch. Ellos lanzan sobre Ford un ataque final, cuando están celebrando el cumpleaños de Birch (Fox es un invitado), matando a sus guardaespaldas, cortando las líneas de teléfono, y entrando con armas de alta tecnología. Lo que ocurre a continuación es casi inevitable, una batalla a muerte entre Ford y Bean, con el resultado obvio de la victoria de Ford que respira nuevamente.

La continuación de la pretenciosa, pero altamente lucrativa, “La Caza del Octubre Rojo”, supuso la adaptación del best-seller de Tom Clancy al thriller “Juego de Patriotas”, que supone la evidencia del doloroso dilema en que la disolución de la Unión Soviética ha puesto a los escritores de thrillers sobre espías. Ahora se ha puesto de moda las películas sobre los nuevos nazis, pero el hecho es que los comunistas eran mejores villanos en el cine; y ahora se han ido. Considerando que el IRA no son un grupo suficientemente interesante para hacerles parecer como terroristas internacionales (de momento parece ser que solamente operan en Irlanda e Inglaterra) y que sus atentados no suelen afectar a los norteamericanos, ni siquiera emocionalmente, los terroristas disponibles para el cine son los procedentes de Oriente Medio, aunque su potencial destructivo tampoco parece asustar demasiado a los americanos. También quedan los cubanos (cuentan ya con muchas simpatías internacionales y es delicado incluirles como terroristas) y los narcotraficantes.

Con estos grupos y la tradicional Mafia, no parece que exista por el momento problema para llevarlos al cine como villano despiadados. A fin de cuentas, nadie va a defenderlos.

En los comienzos de la agresión en “Juego de Patriotas”, dejaron claro que nunca había habido un ataque terrorista sobre el suelo estadounidense, y con ello se trataba de conmocionar al público norteamericano.

El terrorismo es un arma política, y lo más aterrorizante es que puede atacar en cualquier lugar y a cualquier persona. La gente inocente muere horriblemente simplemente porque ellos estaban en el restaurante equivocado, o en el lugar elegido para poner su bomba.

“Juego de Patriotas”, por otra parte, es una historia personal, simplemente como las docenas, si no los centenares, de thrillers en que hombres solitarios (y ocasionalmente mujeres) deben protegerse a sí mismos y a sus familias de los asesinos implacables que no se detendrán ante nada. Por eso, toda esta charla preliminar sobre el IRA es una pantalla de humo; Jack Ryan ocupa simplemente una posición favorable para hacer una película de acción sobre unos terroristas.

Como Ryan, Harrison Ford reemplaza a Alec Baldwin, y nos aporta un personaje más intelectual, o al menos más cerebral cuando debe responder a la agresión. Aunque él está en forma física, la expresión de su rostro y su forma de moverse, dan la impresión de pesadez.

Podemos considerar entonces a Ryan como un analista, no un hombre de acción, pero como parte de la película se desarrolla con mucha violencia y movimiento, el personaje principal no acaba de encajar y tiene su pizca de gracia. Afortunadamente, su compañero de fatigas Richard Harris, tampoco está en una buena forma física y podemos establecer comparaciones favorables para Ford.

Harris hace el papel de un portavoz del IRA, y su alta capacidad como actor hace que en las escenas de acción en las que aparece también Ford, se mueva correctamente. El despiadado trío de terroristas está compuesto por los fotogénicos Bergin, Walker y especialmente Bean, que debidamente caracterizados gesticulan, echan humo y demuestran una rabia sumamente teatral.

Philip Noyce, director de la interesante “Calma Total”, y actualmente considerado por Hollywood como un acertado director para thrillers, hace un trabajo competente con el material disponible, aunque quizás esperábamos bastante más de una película que tuvo un presupuesto de 45 millones de dólares.

EL FUGITIVO

The Fugitive

1993

127 minutos

Color

Productor: Arnold Kopelson

Director: Andrew Davis

Guión: Jeb Stuart, David Twohy

Basada en la historia de: Twohy

Fotografía: Michael Chapman

Música: James Newton Howard

Intérpretes:

HARRISON FORD: Dr. Richard Kimble

TOMMY LEE JONES: Marshall norteamericano Samuel Gerard

JEROEN KRABBE: Dr. Charles Nichols

JOE PANTOLIANO: Cosmo Renfro

ANDREAS KATSULAS: El asesino

SELA WARD: Helen Kimble

JULIANNE MOORE: Dra. Ann Eastman

Con un estreno teatral y efectista, “El Fugitivo” trajo de nuevo a las pantallas la elegante y acertada historia narrada en el serial de televisión del mismo título que pudimos ver en la década de los 60. Este thriller, altamente competente, consiguió una nominación al oscar por la Mejor Película. La serie de televisión estaba protagonizada por David Janssen, fallecido en 1980, y constituyó un gran éxito mundial durante los tres años que duró en antena. La esposa y la madre del actor tuvieron un pequeño papel en este remake para el cine.

El Dr. Richard Kimble (Harrison Ford), respetado ciudadano ejemplar y cirujano vascular, es injustamente acusado de asesinar a su esposa Helen (Sela Ward). El verdadero asesino (Andreas Katsulas), con quien Ford peleó en su hogar una noche después de volver de una operación de emergencia, consigue escapar y Ford es acusado de asesinato. Una vez detenido y sentenciado a muerte, Ford es transportado a la prisión con otros presidiarios, cuando uno de ellos efectúa un plan de fuga y consiguen escapar. El autobús en el cual viajan los presos cae hasta la vía del ferrocarril y Ford aprovecha esta circunstancia para escapar en un tren que llega en ese momento. Ford y Copeland (Eddie "Bo" Smith), un presidiario negro que también escapó, siguen caminos diferentes.

El diputado norteamericano y Marshall Sam Gerard (Tommy Lee Jones), llegan a la escena del accidente, acompañado por un equipo de agentes federales. El rápidamente se da cuenta de las verdaderas circunstancias de la fuga y cuando interroga a uno de los presos infiere que Ford y otro presidiario han sobrevivido y escapado. Cuando Jones asume la dirección de la caza de los presos, Ford llega a un hospital donde él sutura su herida, afeita su barba, y hace el papel de doctor antes de marcharse fuera en una ambulancia robada, con un helicóptero pilotado por Jones siguiéndole. Los policías cierran el paso a la ambulancia bloqueando la salida de un túnel, pero la encuentran vacía; Ford ha descendido en el sistema subterráneo de drenaje.

Siguiendo a su presa humana, Jones se separa de su equipo y se encuentra con Ford, quien consigue su revólver. El Fugitivo le declara su inocencia y el desarmado policía no le cree.

Las persecuciones continúan a lo largo de un tubo de drenaje que finaliza en una salida sobre el dique de una presa. Respaldado todavía por su arma, Ford trata de hacerle razonar, pero Jones le manda que baje su revólver. Finalmente, Ford se ve obligado a tirase al abismo.

Aunque existen serias dudas para creer que Ford pueda haber sobrevivido, el Marshall insiste en que se busque en el agua el cuerpo del fugitivo. Mientras tanto, Ford llega a su nativa ciudad de Chicago, donde llama su abogado y a un buen amigo (al menos eso cree), el Dr. Charles Nichols (Jeroen Krabbé). Jones escucha por teléfono la conversación y reanuda la caza. Mientras tanto, Ford encuentra un albergue barato y comienza a buscar al verdadero asesino de su mujer. Haciéndose pasar por un portero de un hospital, consigue acceso al archivo de la policía y reúne datos sobre los sospechosos probables. Mientras rastrea su localización, él realiza una cura de emergencia en un muchacho enfermo y da las oportunas instrucciones de cirugía.

Sus pesquisas le llevan a un grupo de doctores corrompidos que tratan de promocionar una nueva medicación para el hígado. Este grupo incluye a su amigo Krabbé, quien había planeado el asesinato de la esposa de Ford para impedir que vetara la aprobación de este peligroso medicamento. Las batallas de la huida y la derrota del asesino sobre un tren elevado no logran asegurar la inocencia de Ford. Poco después se realiza una conferencia para presentar el nuevo y peligroso medicamento, Ford aparece en ese momento para desenmascararles y tiene lugar una pelea sobre una azotea, mientras un helicóptero de la policía dispara sobre ellos. Jones finalmente reconoce la inocencia de Ford.

El resumen de la película es sencillo: Ford escapando de Lee Jones. Es tan simple que el espectador no se siente a gusto con una historia tan sencilla. La forma en que Ford consigue siempre comida y albergue, así como sus andanzas increíbles sobre los hospitales, se nos antojan delirios del guionista. Afortunadamente, pocos cogerán estos defectos como algo negativo. Ver a nuestro perseguido héroe sobrevivir no nos molesta; casi lo deseamos. Más adecuada es la conspiración médica para eliminar a Ford como opositor, aunque algo rebuscado.

La interpretación de Ford y Jones son lo mejor del filme, y el Oscar al Mejor Actor Secundario concedido a Jones por su interpretación así lo demuestra. Sus personajes son tan carismáticos que el espectador felizmente se pone de su parte y disfruta de la película gracias a ellos. La presencia de Ford, con su imagen de hombre honrado, valeroso y hábil para resolver sus problemas, además de su gran atractivo con las mujeres, nos transmite una gran seguridad en cada película que trabaja. Su presencia nos hace creer que incluso las malas películas donde actúa son buenas. Todo un logro y un gran mérito.

Ford es un gran actor físico, y sus manos dicen más sobre su carácter que lo que dice su boca. Incluso es capaz de hacernos creer que es un experto cirujano. A Jones, por el contrario, le vuelve a tocar hacer el papel de malo, aunque ahora, al final, casi nos apetezca darle un abrazo.

El Fugitivo es una película de acción, basada en un personaje popular de la televisión, aunque bastante desconocido para las personas menores de 30 años. La película ha querido seguir fiel al personaje original, aunque dotándola de una acción más espectacular, como corresponde a los tiempos actuales.

Como siempre, Ford y Jones son expertos en su trabajo y muy eficaces, del mismo modo que los malos son totalmente ineptos. Como resultado de todo ello, “El Fugitivo” es una diversión memorable con muchas escenas de acción bien resueltas, especialmente la acción sobre el tren.

Premios:

Nominada al Oscar por la mejor película: (perdió a favor de “La Lista de Schindler”) Nominada para el mejor actor principal: Harrison Ford (ganó Ralph Fiennes de “La Lista de Schindler”)

Oscar al mejor actor secundario: Tommy Lee Jones

Nominada a la mejor música: James Newton Howard (ganó el Oscar John Williams) Nominada a la mejor fotografía.

Nominada al mejor sonido.

PELIGRO INMINENTE

Clear and Present Danger

1994

141 minutos

Color

Productor: Mace Neufeld y Robert Rehme

Director: Phillip Noyce

Guión: Donald Stewart, Steven Zaillian y John Milius

Basada en la novela de: Tom Clancy

Fotografía: Donald M. McAlpine

Música: James Horner

Intérpretes:

HARRISON FORD: Jack Ryan

WILLWEM DAFOE: CIA Field Contractor Mr. Clark

ANNE ARCHER: Dr. Cathy Ryan

JOAQUIN DE ALMEDIA: Felix Cortez

DONAL MOFFAT: US Presidente Edward Bennett

Jack Ryan, personaje creado por Tom Clancy, uno de los escritores más leídos de Norteamérica, subió por primera vez a la pantalla en “La Caza del Octubre Rojo” interpretado por Alec Baldwin, siguió su vida en el cine en “Juego de Patriotas”, esta vez interpretado por Harrison Ford, y lo hizo de nuevo con “Peligro Inminente” con el mismo Ford. En esta ocasión desempeña un papel como sub-director de inteligencia de la CIA, ya que, al caer enfermo James Greer (sub-director) pide a Jack Ryan (Harrison Ford) que se haga cargo del puesto de forma temporal. El desempeño de este cargo le hacer despachar de forma habitual con el presidente, creándose entre los dos hombres una buena sintonía. Ryan descubre que un íntimo colaborador de la presidencia tiene conexión con las redes del narcotráfico colombiano, y a pesar de la amistad que les une, el presidente ordena tomen represalias a espaldas de Ryan.

El rodaje de la película se

realizó en México, California y Washington, y nos lleva de lleno al mundo del cártel de Medellín colombiano., aunque los escenarios reales fueron rodados en Méjico, quizás para evitar serios problemas con los narcotraficantes. Aún así, el rodaje fue paralizado primeramente por las autoridades mejicanas que no quisieron que se introdujeran tantos kilos de explosivos en su país y posteriormente por los guerrilleros de Chiapas, que deseaban llamar así la atención sobre sus reivindicaciones políticas. Dicen quienes allí estuvieron que fue el propio Harrison Ford quien habló con los guerrilleros para que les dejasen continuar con su trabajo.

La recaudación mundial de esta película superó los 100 millones de dólares y por ello la Asociación de Exhibidores norteamericanos le otorgaron un premio como la Estrella del Siglo.

Premios:

Nominada al mejor sonido:

Nominada a los mejores efectos secundarios: Bruce Stambler, John Leveque JIMMY HOLLYWOOD

Jimmy Hollywood

1994

109 minutos

Color

Productor: Mark Johnson y Barry Levinson

Director: Barry Levinson

Guión: Barry Levinson

Fotografía: Peter Sova

Música: Robbie Robertson

Intérpretes:

JOE PESCI: Jimmy

CHRISTIAN SLATER: William

VICTORIA ABRIL: Lorraine

JASON BEGHE: Detective

HARRISON FORD: Himself

Jimmy Hollywood, de Barry Levinson, tiene un momento maravilloso en el comienzo cuando el actor que encarna a Jimmy camina por el Bulevar de Hollywood y recita el nombre de cada estrella que hay sobre el pavimento en memoria de ellos. Hay gente que también quiere hacer esto y hay mucha gente como Jimmy (Joe Pesci), que mantiene desesperadamente su vida sosteniéndose sobre sus sueños aún no realizados, quizás esperando ser descubiertos como estrellas del cine.

La propia vida de Pesci es un claro ejemplo de ello: él había abandonado toda esperanza de que pudiera realizar una carrera como actor y había renunciado a ello cuando en 1980, Martin Scorsese y Robert De Niro le descubrieron y lo lanzaron al cine en un papel en

“Ranging Bull”. Este golpe de suerte le llega cuando estaba vagando por los bares, y vivía en un apartamento donde el alquiler era pagado por su amiga, aunque a veces conseguía un trabajo como camarero. Su pelo, rizado y rubio, es igual a esos que aparecían en viejas fotos publicitarias. Pero él ha estado cerca de la gloria: "Yo estuve trabajando en el papel de Steep en 'Matlock,'", cuenta mientras hace su trabajo de cocinero. "Pero los productores pensaron que yo era demasiado fuerte para el papel de Andy Griffith."

Jimmy es el mejor amigo de William (Christian Slater), una inofensiva, opaca e ingenua persona de la calle que escucha las charlas de Jimmy. La vida es un monólogo para Jimmy, quien tiene opiniones sobre todo, desde las películas de momias, los espectáculos nocturnos de Hollywood, o los crímenes de la calle. Un día, decide hacer una labor como vídeo vigilante, ya que está convencido que la policía no se preocupa de los robos. De esta manera, y a través de la cámara de vídeo, él capturará a los ladrones de coches.

La historia de Jimmy Hollywood, continúa cuando consigue grabar a algunos ladrones y envía las cintas a las emisoras de televisión, representándose a sí mismo como un sombrío vigilante de una organización llamada "S.O.S.", similar a “Save Our Streets”.

El liderazgo de la S.O.S. es el más grande papel en la vida de Jimmy, y él lo interpreta con eficacia, monopolizando las noticias de Los Angeles con una organización de guardianes del crimen que crece cada vez más osada y peligrosa. Lorraine (Victoria Abril), su amiga latina, piensa que él está haciendo lo que le dicta su corazón y su sentido común, pero los espectadores sabemos que en realidad es un actor desempleado que piensa que finalmente ha encontrado su gran papel en la vida.

“Jimmy Hollywood” está escrita y dirigida por Barry Levinson (“Rain Man”, “God Morning; Vietnam”), quien probablemente ha tenido muchos contratos con otros Jimmys en su oficina. Con Pesci, Slater y Abril, él tiene los actores que necesita para la película, aunque este lote no sea el más adecuado. Ellos deberían haber interpretado una comedia humana sobre los sueños y otras maneras de matar tiempo. Cuando ellos consiguen coger el ritmo del mecanismo de Levinson, pierden su credibilidad de personas de la calle y llegan a ser unos personajes diferentes. Los sucesos se mezclan, y la escala de la historia aumenta, hasta que finalmente nada es creíble, y eso que la primera hora de la película estuvieron correctos y adecuados. A partir de ese momento, nadie es capaz de creerse que esa historia pueda ser cierta.

Jimmy Hollywood podría haber sido una historia de esas miles de personas que sueñan con ser estrellas del cine, pero que es solamente un producto de sus sueños, nunca una historia real. Una vez que la historia pierde desde su base de realismo, no queda mucho más que contar.

Cuando vemos los actores que componen el reparto, lógicamente tenemos que esbozar un disgusto, ya que el espectador seguramente esperaba más de esos actores y hasta de esa historia.

SABRINA

Sabrina

1995

127 minutos

Color

Productor: Scott Rudin y

Sydney Pollack

Director: Sydney Pollack

Guión: Bárbara Benedek y David Rayfiel

Música: John Williams

Intérpretes:

HARRISON FORD: Linus Larrabee

JULIA ORMOND: Sabrina Fairchild

GREG KINNEAR: David Larrabee

NANCY MARCHAND: Maude Larrabee

LAUREN HOLLY: Elizabeth Tyson

ANGIE DICKINSON: Ingrid Tyson

El tema de esta película está basado en la

misma historia que otra anterior, del mismo nombre, dirigida por Billy Wilder.

Para su desarrollo, el productor Scott Rudin pidió a Bárbara Benedek que le escribiese un guión romántico que partiera de esa historia, y buscó un actor de gran talla que no desmereciera ante el recuerdo inolvidable de Humphrey Bogart en la anterior “Sabrina”. Al parecer, lo encontró en Harrison Ford, para quien también supuso un cambio en sus actuaciones, ya que en ella desarrolla un papel romántico al que no estamos acostumbrados.

Sólo en contadas ocasiones a lo largo de toda su carrera cinematográfica, interpretó papeles así. Podemos recordarle en “La Calle del Adiós”, “Armas de Mujer” y “A propósito de Henry”.

Fue el mismo Harrison Ford quién pidió a Sydney Pollack que dirigiese el film, pero éste no estaba de acuerdo al tratarse de un remake, pues opinaba que la gente no parece olvidarse de las primeras versiones, dando pie a las comparaciones. Más tarde, y después de hacer algunos cambios en el argumento, decidió aceptar, no sin antes hablar con Billy Wilder (el director de la primera versión) sobre los posibles cambios del guión.

Encontrar a Sabrina tampoco supuso un trabajo fácil, y tras un largo casting (incluida la actriz Winona Ryder), fue la actriz Julia Ormond (“Leyendas de Pasión” y “El primer Caballero”), quien conseguiría enamorarse de Harrison Ford (solamente en la pantalla).

Para Julia Ormond, el ser comparada con una actriz como Audrey Hepburn, fue algo que le hizo dudar hasta el último momento si debía aceptar el papel o no; al final Pollack pudo convencerla, como ya sabemos.

Una vez que ya se tenía la pareja principal, y dado que el problema amoroso se daba entre tres, había que buscar al tercer personaje. Para éste papel se pensó primero en Tom Cruise y John John Kennedy, pero Pollack se fijó en un joven presentador de la NBC, sin ninguna experiencia cinematográfica, pero que reunía las cualidades para encajar en el papel del rico e irresponsable David Larrabee; su nombre, Greg Kinnear éste daría la réplica a William Holden.

La película nos cuenta la historia de una joven llamada Sabrina, hija del chofer de los Larrabee, (familia de alta posición social). Ella crece contemplando la opulencia que ve a su alrededor y se enamora de uno de los hermanos Larrabee, el juerguista y simpático David, al que cree no puede aspirar dada su diferencia social. Cuando su padre la manda a París para completar sus estudios, ella cree morir, pero el cambio que se produce en su personalidad y en su físico durante este tiempo, hace que a su regreso David se enamore perdidamente de ella, llegando a anular su matrimonio con su novia oficial (Lauren Ho lly).

Pero en esa boda había más que una simple unión: con ella se llevaba a cabo la fusión de la empresa Larrabbe con la familia Tyson, negocio que implicaba mil millones de dólares. Por este motivo, el frío y calculador Linus toma parte en el asunto, pues ve en Sabrina un obstáculo para sus planes, e intenta separarla de su hermano, hasta que es él mismo quién sucumbe a los encantos de la joven.

Es fácil saber por qué este lote es tan poderoso: nos proporciona los mitos de "La Cenicienta" y el "Patito feo", además de incluir algunos impulsos freudianos poderosamente lóbregos, y los envuelve en una comedia romántica. Si la mezcla no es correcta y bien hecha, puede fracasar.

La historia estuvo contada en un principio por Samuel Taylor, quien la adaptó en 1954 para una película de Billy Wilder, con Audrey Hepburn como la hija del chofer, William Holden como el rico playboy que se casa con ella, y Humphrey Bogart como su hermano más viejo,

quien la enamora. Esos nombres, Wilder, Hepburn, Holden y Bogart, eran monumentos vivientes de Hollywood y conseguían hacer triunfar cualquier película en la que interviniesen.

El reto para Sidney Pollack era muy alto y con esta versión de 1995, él ha conseguido llegar muy lejos. La nueva versión ha quedado correcta, no tan seca y cínica como el original.

Pero no tiene sentido que nosotros podamos aceptar una historia tan realista. Si es un hada madrina la que hace el milagro, entonces los actores deben personificar bien sus caracteres para que sea creíble. En una película como esta, la habilidad y el talento pueden producir nuevos giros al argumento, y entonces la cámara simplemente se pone allí y se limita a filmar, pero el interés disminuye.

Julia Ormond, en el papel de Hepburn, está exquisitamente agradable. Ella tiene la frescura, la abierta mentalidad y nos recuerda a Ingrid Bergman de joven Aunque ella nunca podrá ser ese cisne que era Hepburn, hace un patito feo adorable, escalando un árbol sobre la hacienda de Isla Larga donde su padre trabaja como un chófer, y desde donde puede espiar a la gente rica durante sus fiestas. En las primeras escenas ella se oculta detrás de los vasos y tras un pelo enredado y largo, y se viste como si fuera a reparar las cañerías.

Posteriormente ella vuela a París, y se transforma allí en una mujer joven y tan hermosa que cuando vuelve ni siquiera es reconocida por el chico guapo que ella adora.

Su nombre es David Larrabee, con Greg Kinnear en el papel que hizo William Holden, probando que entre las muchas habilidades de Sidney Pollack como director está la capacidad para tomar una oportunidad sobre un recién llegado, y tiene razón. Kinnear es más conocido como el anfitrión anterior de "Soup Chat", una antología televisiva sobre los espectáculos nocturnos. Cuando Pollack le conoció pensó que él sería capaz de realizar este papel. Según se puede comprobar, Kinnear se prueba a sí mismo como un comediante adecuado, capaz de hacer de payaso en algunas escenas (como cuando él se sienta sobre los vasos de champán), y aún desarrolla dignidad suficiente para hacer luego otras escenas.

Harrison Ford hace de Linus Larrabee, el hermano más viejo del millonario, quien ha llevado el negocio de la familia mientras David se ha especializado en automóviles rápidos y mujeres alegres. Linus nunca ha tenido tiempo para el romance. Durante la mayor parte de la película él se obsesiona con la fusión entre su compañía y otro conglomerado que posee las patentes sobre una indestructible pantalla plana de televisión.

Cuando David llega a comprometerse con Elizabeth Tyson (Lauren Holly), la hija del hombre que posee las pantallas planas, Linus no podría estar más a su favor. Sus familias combinarán personalmente y profesionalmente. Pero entonces Sabrina vuelve desde París, David está tan entusiasmado por ella que se olvida de Elizabeth, y Linus ve que es algo muy peligroso la obsesión de David por seducir a Sabrina.

Hasta aquí, ya hemos visto la similitud con el cuento de “La cenicienta” y “El Patito feo”, aunque vislumbremos cierta dosis de freudianismo. Linus es suficientemente viejo, según mis cálculos, para ser el abuelo de Sabrina, aunque en las películas tales consideraciones no se apliquen (y nadie pensó en ello viendo a Bogart expulsando humo con su cigarrillo durante sus escenas de amor con Hepburn). Cuando se enamora de él, Sabrina en algún sentido está eligiendo un padre que le proporcione amor, quizás porque su propio padre (John Woody), era un británico que eligió ser un chófer porque así tendría mucho tiempo para leer.

Para conseguir alejar a Sabrina de David, Linus pide que ella haga un viaje a Marthas Vineyars, supuestamente para hacer algunas fotos de una cabaña que la familia piensa vender. Su comportamiento inocente confunde a Linus (además de los paseos en bicicleta, navegando, un picnic y una hoguera sobre la playa), e inevitablemente Sabrina cae enamorada, aunque, por supuesto, con una gran cantidad de dificultades y malentendidos.

La película “Sabrina” hay que considerarla como un puro entretenimiento para el espectador. La protagonista trata de escapar en la película como muchos de nosotros lo hacemos en la vida real. Aunque Pollack no ha pretendido realizar un cuento de hadas; cuando Sabrina se sube a su árbol en una de las primeras escenas, para espiar a David, la película pide que nosotros creamos que ella podría estar perfectamente manteniendo una charla superficial en el baile, y nosotros terminamos creyéndolo.

Cuando la película pide que nosotros creamos que Sabrina no sabe que Linus la está seduciendo, y cuando quiere que nosotros creamos que Linus no sabe que él se está enamorando, nosotros también lo admitimos. Hay una voz de cordura en la película, especialmente en el carácter de Linus y la madre de David (Nancy Marchand, una curiosa viuda), pero es únicamente para retrasar el desenlace amoroso que ya presentiamos.

Se ha dicho que ya no hacen películas como “Sabrina” y la afirmación es acertada. El erotismo tan crudo que se muestra en las películas de amor actuales no tiene nada que ver con el romanticismo que hemos visto en esta película. Aunque solamente sea por este motivo, merece la pena verla.

Premios:

Nominada a la mejor música: John Williams

LA SOMBRA DEL DIABLO

The Devil’s Own (1996)

Columbia

Producción: Lawrence Gordon y Robert F. Colesberry

Director: Alan F. Pakula

Guión: Kevin Jarre y Robert Mark Kamen

Fotografía: Gordon Willis

Música: James Horner

Intérpretes:

BRAD PITT: (Francis McGuire)

HARRISON FORD: (Tom O’Meara)

NATASCHA McELHONE: (Megan Thompson)

MARGARET COLIN: (Sheila O’Meara)

El protagonista Francis "Frankie" McGuire nació en una familia Católica en Belfast en 1964. Su padre, Tom Devaney, era un colaborador conocido del IRA cuando comenzaba sus operaciones terroristas. Frankie actuó como Comandante de la Unidad del Servicio Activo, la Brigada del Ira desde diciembre de 1985.

Su nombre de código llegó a ser " Frankie el Angel". El protagonista y varios camaradas fueron apresados y encarcelados durante una operación policial, cuando estaban intentando secuestrar un convoy Británico. Hábilmente entrenados para superar los prolongados interrogatorios policiales, no suministraron ningún tipo de información. Frankie montó una operación muy osada para evadirse del penal y en su maniobra mata a varios soldados Británicos. Su amigo más cercano, Gerard OĆonnor, no tiene éxito en el esfuerzo por escapar. Después de la huida desapareció y se cree que puede estar viviendo fuera de Irlanda.

Sobre

el

otro

personaje, Tom O’Meara (Harrison Ford), los datos biográficos nos hablan de que efectivamente nació en Irlanda en el seno de una familia de inmigrantes católicos, y que ha vivido y trabajado en la isla de Staten toda su vida. Después de 23 años de servicio en las fuerzas especiales, su trabajo durante el curso del deber es impecable y eso queda demostrado mediante las numerosas medallas de honor que recibió y el reconocimiento de la comunidad. O´Meara trabaja en unión a Edwin Díaz (Rubén Blades), al que se conoce como un brillante y vigoroso sargento, en ocasiones algo violento pero sin lugar a dudas eficaz en su trabajo.

El Sargento O´Meara vive con su esposa Sheila O´Meara, y ellos forman una pareja modelo, aunque como ocurre con la esposa de cualquier policía, ella desea que él tenga otra profesión. El matrimonio tiene tres de hijas, Bridget, Morgan, y Annie. A pesar de sus raíces, O’Meara no tiene ningún interés evidente en "los problemas" separatistas del norte de Irlanda.

Ya sabemos los problemas que surgieron entre Harrison Ford y Brad Pitt, con acusaciones mutuas de obstaculizar el rodaje y alterar el guión, así como las posteriores declaraciones de Pitt pidiendo perdón por lo que él consideraba un arrebato de nervios.

El papel de Ford en un principio estuvo pensado para Sean Connery o Gene Hackman, pero al final se pensó que hacía falta un actor un poco más joven y se llamó a Harrison Ford, quien aceptó encantado el papel de policía. Pero el guión estaba hecho para el lucimiento de Brad Pitt y llegó un momento en que había tres borradores del guión: el que escribió Ford, otro de Pitt y el de la propia productora. Además, el sueldo de Ford alcanzaba los 20

millones de dólares y la diferencia con el de Brad Pitt era tan alta que le hizo perder los nervios. Había pasado, en cuestión de unos pocos días, de ser el actor de esa película mejor pagado y sobre el cual giraba el guión, al segundo de la fila.

La amistad entre el director Pakula y Ford, que se conocían desde el rodaje de “Presunto inocente”, complicó aún más las cosas y Pitt desapareció un día entero del rodaje, esto le impidió empezar el rodaje de “Siete días en el Tíbet” en la fecha prevista. El enfado de Pitt aumentaba cada día, realizó unas declaraciones a la prensa hablando mal de Ford y si no llega a ser porque rectifica a tiempo, la película no se hubiera terminado. Todo ello provocó que el presupuesto superase los 90 millones de dólares y que, además, la película no funcionase en taquilla, especialmente en Inglaterra, donde están muy sensibilizados por los atentados sangrientos del IRA.

El director:

ALAN J. PAKULA

Ocupación: director, productor

Nacimiento: 7 de Abril de 1928, Nueva York, NY

Estudios: Escuela de Arte dramático de Yale.

Comenzó su carrera como un asistente en la Warner Bros. en el departamento de dibujos animados en 1949 y debutó como productor para la Paramount con un psicodrama sobre el mundo del béisbol titulado “Fear Strikesout” (1957). La película marcó la primera de las siete colaboraciones con el director Robert Mulligan que incluyó “To Kill a Mockingbird” (1962), “Inside Daisy Clover” (1965) y “Up the Down Staircase” (1967).

Pakula lanzó su propio estilo como director con la sensible, melodramática y algo estática,

“The Sterile Cuckoo” (1969), alcanzando gran renombre dos años después con “Klute” (1971), un thriller psicológico y malhumorado en el que Donald Sutherland y Jane Fonda hacían una de sus mejores interpretaciones en el cine. Pakula consolidó su posición como uno de los mejores directores de Hollywood con su adaptación acertada del Watergate en

“Todos los hombres del presidente” (1976), y ha continuado demostrando su estilo inteligente y culto, casi siempre muy comercial, en cualquiera de sus películas.

Pakula ganó un gran reconocimiento de la crítica por su traducción del drama de William Styron sobre el Holocausto en “La decisión de Sophie” (1982), y por la versión para la pantalla del best-seller de Scott Turow, “Presunto inocente” (1990). Su habilidad probada con thrillers políticos, incluye su clásico paranoide de 1974 “The Parllax View”, y “El informe pelícano” (1993), basado en una novela de John Grisham.

EL AVION DEL PRESIDENTE

Air Force One

1997

Música: Jerry Goldsmith

Director: Wolfgang Petersen

Efectos visuales: Richard Francis-Bruce

Guión: Andrew W. Marlow

Intérpretes:

HARRISON FORD: (Presidente J. Marshall)

GARY OLMAN: (terrorista)

GLENN CLOSE: (Vicepresidente)

WILLIAM H. MACY: (piloto)

JURGEN PROCHNOW: (General Radeck)

“El Avión del Presidente” se estrena en un momento de la política de Estados Unidos muy significativo. El papel del Presidente James Marshall, se basa en unas recientes declaraciones del verdadero presidente en las cuales afirmó su intolerancia política al terrorismo.

HARRISON FORD (El Presidente)

Harrison Ford, que anteriormente había fracasado con la película “La Sombra del Diablo” y que había ganado una nominación al oscar por su papel de un detective que se ve involucrado en el mundo de la secta Amish en “Unico testigo”, ha sido el protagonista de algunos de los éxitos de taquilla más grandes de todos los tiempos, incluyendo “La Guerra de las Galaxias” e “Indiana Jones”. Fue nombrado la “Estrella del Siglo” por el Asociación Nacional de Propietarios de salas de Cine en 1994.

GARY OLDMAN (Korshunov)

Ahora conocido en todo el mundo por dirigir magistralmente el secuestro del Avión del Presidente, el terrorista llamado Korshunov, pide ayuda al general Alexander Radek.

A Gary Oldman le vimos recientemente en la epopeya de “El Quinto Elemento”, así como también en “Drácula” de Bram Stoker y JFK. Recientemente se ha incorporado a las labores de dirección y guionista.

GLENN CLOSE (vicepresidenta Bennett)

La vicepresidenta Bennett destaca por su resolución y la calma que adopta cuando está bajo presión. Con la US en la crisis constitucional, hay muchos que esperan que ella fracase.

Glenn Close ha sido nominada al Oscar cinco veces, y ha interpretado películas tales como

“101 Dálmatas”, “Mars Attacks”, “Las amistades peligrosas” y “Atracción fatal”. Veterana estrella del teatro, ella divide su tiempo entre los escenarios y la pantalla.

XANDER BERKELEY (Gibbs)

Un miembro de confianza

del círculo personal del Presidente, en quienes los funcionarios de la Casa Blanca confían para proteger a la familia presidencial.

Xander Berkely recientemente terminó el thriller “The Phoenix”, y está trabajando en una película de Steven Spielberg. Sus otras películas incluyen “Apolo 13”, “La Roca” y

“Terminator 2”, entre otras.

JURGEN PROCHNOW (General Radek )

El general Alexander Radek es conocido a través del mundo por su liderazgo en el núcleo nacionalista de Kasakhstan.

Considerado como un popular actor en su Alemania nativa, Prochnow ha trabajado en películas como “Juez Dredd”, “Dune”, y “El Paciente Inglés”.

6 DIAS, 7 NOCHES

Six Days, Seven Nights

1998

Director: Ivan Reitman

Fotografía: Michael Chapman

Productor: Roger Birnbaum

Guión: Michael Browning

Intérpretes:

HARRISON FORD: Quinn Harris

ANNE HECHE: Robin Monroe

DAVID SCHWIMMER

TEMUERA MORRISON:

Un aterrizaje forzoso en una isla desierta, obliga al piloto y a su pasajera a efectuar un ejercicio intenso de supervivencia. Ella es una periodista que debía acudir a cubrir un reportaje y cuando se encuentra perdida en una isla abandonada no puede evitar descargar su furia en el piloto por no haber previsto el accidente. Poco a poco, lo que en principio era una guerra abierta entre ambos, se transforma en amistad para sobrevivir y posteriormente en un sentimiento más profundo. La llegada de unos piratas modernos, dotados de buena tecnología y armas poderosas, les hace salir de su ensueño y deben pelear y correr, especialmente correr, para ponerse a salvo. Aunque afortunadamente no contaban con la pericia de Quinn (Ford) y su habilidad para enfrentarse a tan torpes delincuentes.

Los exteriores se rodaron en una pequeña isla de Hawai, Kauai, y como dato curioso hay que decir que Harrison Ford pilotó en verdad la avioneta que se estrella, puesto que es un consumado piloto.

La actriz Anne Heche, por su parte, es lesbiana y mantiene un romance intenso con Elle DeGeneres, por lo que es difícil de creer el supuesto amor que surge entre ella y Ford. Con anterioridad a este filme la habíamos visto en “Volcano” y posteriormente su carrera en el cine no ha sido importante, salvo en “Force Majeure” y el remake de “Psicosis”.

THE AGE OF AQUARIUS

1998

Universal Pictures/Dream Works

Productor: Sean Daniel Branko

Director: Phil Alden Robinson

Guión: Phil Alden Robinson

Intérpretes:

HARRISON FORD:

KRISTIN SCOTT THOMAS

LO QUE LA VERDAD ESCONDE

Gat lies beneath 2000

Director: Robert Zemeckis

Guión: Clark Gregg

Fotografía: Don Burgess

Música: Alan Silvestri

Intérpretes:

MICHAELLE PFEIFFER

HARRISON FORD

DIANA SCARWID

Con los maravillosos exteriores del lago de Vermont, idóneos para esta historia de misterio, nos hablan de un profesor de genética y su esposa, ella clarividente y capaz de ver fantasmas bien ocultos. Curiosamente, uno de ellos es el de una antigua amante de su marido, y cuando la desconcertada esposa se quiere dar cuenta es poseída por ese espíritu con ganas de complicarla la vida. Pronto su apacible e inocente marido cambia de fisonomía y un espantoso misterio queda al descubierto.

La historia es de Steven Spielberg, aunque le podemos considerar inspirado en “Vértigo”, aunque con más sexo, tensión y carga psicológica oculta. Indudablemente, los efectos especiales tienen aquí un papel importante, pero la tecnología digital ha conseguido mostrarnos las apariciones fantasmales más creíbles que nunca.

Sus trabajos anteriores en la televisión:

La ley del revólver

El Virginiano

The FBI

"Kung Fu" (1972) en el papel de "Mr. Harrison" en el episodio "Crossties" 1974

El joven Indiana Jones (1992)

Ironside

"Petrocelli" (1974) como "Tom Brannigan" en el episodio "Edge of Evil"

"Gunsmoke" (1955) como "Print" en el episodio "The Sodbusters”

"Bonanza" (1959) en el episodio "Leave It to Beaver"

Serie de TV USA (1959-1973) Color

Producida para la NBC

Intérpretes:

LORNE GREENE (Ben Cartwright)

MICHAEL LANDON (Joe Cartwright)

DAN BLOCKER (Eric "Hoss" Cartwright) (1959-72) PERNELL ROBERTS (Adam Cartwright) (1959-65)

VICTOR SEN YUNG (Hop Sing) (1959-73)

Bonanza: The Next Generation (1988) (TV)

Bonanza: The Return (1993) (TV)

Bonanza: Under Attack (1995) (TV)

Otros títulos:

“Still the Beaver” (1983) (TV)

"Still the Beaver" (1985)

“Leave It to Beaver” (1997)