GENE KELLY

Autor: Adolfo Pérez Agustí

Edita: EDICIONES MASTERS

GENE KELLY

Renombrado bailarín-coreógrafo y una figura clave en formar la edad de oro del Hollywood musical. La primera prueba para el cine de Kelly, para la RKO en 1935, fue un fracaso, pero tres años después de irse a vivir a Nueva York en 1938, sin embargo, había conseguido establecerse una sólida reputación en los escenarios de Broadway, lo suficientemente fuerte como para que David Selznick le propusiera firmar un contrato por siete años.

Kelly intervino por primera vez en la MGM con la película, “For me and my Gal” (Por mi chica y por mí) (1942), con Judy Garland. La película no era nada excepcional, pero la interpretación de Kelly impresionó lo suficiente a la MGM como para comprar su contrato. Con el tiempo, logró ser la principal estrella de Hollywood, no solamente como actor sino como un director competente, aunque en la historia del cine figura con letras de oro por su trabajo como bailarín y coreógrafo de incomparable gracia y encanto.

Los logros más importantes de Kelly vinieron con una serie de musicales, particularmente

“Un día en Nueva York” (1949) y “Cantando bajo la lluvia” (1952), co-dirigidos con Stanley Donen. En 1951, recibió un Premio Especial de la Academia por sus talentos excepcionales, "especialmente por sus brillantes logros en el arte de la coreografía del cine".

Estuvo casado con la actriz Betsy Blair desde 1940 a 1957 y con la bailarina Jeannie Coyne (esposa anterior de Donen), desde el 1960 hasta que ella murió en 1973.

BIOGRAFIA

Profesión: Actor, bailarín, director y coreógrafo

Nombre de nacimiento: Eugene Curran Kelly (Existen otros biógrafos que le atribuyen nombres diferentes)

Fecha de Nacimiento: 23 de agosto de 1912 en Pittsburgh, PA Murió: 2 de febrero de 1996 en Los Angeles, California Educación: Pennsylvania, Universidad del Estado (economía) Fue el tercero de cinco hijos. Su padre James Kelly, un vendedor de fonógrafos, proporcionó una vida modesta pero estable a su familia, y su madre, Harriet Curran Kelly, introdujo a sus niños en el arte escénico En poco tiempo habían formado un grupo denominado "Los cinco Kellys" Jac, Jim, Gene, Louise, y Fred, quienes desempeñaban rutinas de baile amateur en las noches del vaudeville californiano.

Pero Gene prefirió el deporte y el baile. Experto en gimnasia, hockey sobre hielo, natación, fútbol y béisbol, hubo un momento en el cual verdaderamente deseó llegar un día a jugar en el béisbol profesional con Los Piratas de Pittsburgh. Estas proezas atléticas de Gene se demostraron posteriormente como muy beneficiosas cuando se convirtió en un bailarín. En los siguientes años y gracias a unos programas realizados para la televisión con el título de “Bailar: el trabajo de un hombre”, Gene demostró que el baile es meramente una extensión de los movimientos usados en los deportes.

Cuando era joven, sin embargo, el atlético Gene también ayudó a triunfar en el mundo del boxeo a su hermano Fred, mientras aprendía baile en una academia. Originalmente, Gene despreciaba las lecciones de baile que le fueron impuestas por su madre desde que comenzó a saber andar y solamente cuando llegó a la escuela superior y se dio cuenta de la gran popularidad que el saber bailar le proporcionaba con las chicas, le hizo disfrutar con la danza.

Gene y su hermano Fred comenzaron a aparecer en las salas de noche como unos aficionados llamados “Los Hermanos Kelly”, y hay quien recuerda con especial cariño un número musical titulado “Taxi Calloway”. Para perfeccionarse, ambos veían todos los espectáculos musicales que llegaban a su pueblo, aprovechando así para memorizar rápidamente sus pasos y poder elaborar los suyos propios.

En 1932, Gene Kelly fundó su propio estudio de baile, la “Gene Kelly School of the Dance”, montando un estudio en Pittsburgh y otro en Johnstown. Ambas academias eran parte del negocio familiar, estando mamá Harriet como gerente, papá Jim como contable, y Gene, Louise, y Fred como profesores. Uno de los muchos recuerdos de sus estudiantes sobre aquella época era la imagen de Gene como un profesor siempre entusiasta, siempre energético.

Sus estudiantes siempre recordaron a Gene durante toda su vida profesional y aunque posteriormente se mantuvieron alejados de él por cuestiones profesionales, Gene nunca les abandonó. Les proporcionó trabajos y consejos para que no retrocedieran en su trabajo como bailarines, incluso a aquellos menos dotados para la danza. Gene continuó enseñando danza en su academia siempre que su trabajo en los estudios se lo permitía.

También coreografió y dirigió espectáculos musicales en Pittsburgh y montó la obra

“Cap and Gown” para la Universidad de Pittsburgh.

En 1933 se graduó en la Universidad de Pittsburgh como licenciado en economía. En esa época, la Gran Depresión norteamericana había golpeado económicamente a la familia y Gene se vio en la necesidad de dedicarse a otros trabajos para poder seguir manteniendo abierta su escuela, incluyendo excavar zanjas en las calles y trabajando como fontanero.

Pero nunca abandonó en aquella época la danza, lo único que le hacía ser feliz .

En 1938 había logrado todo lo que él podría conseguir como profesor, y se sintió tentado por Broadway. Su primer trabajo allí como bailarín fue en “Leave it to Me”, una obra de Cole Porter en la cual la estrella principal era Mary Martin, y donde Kelly aparecía vestido de esquimal mezclado con un coro de cantantes y bailarines. Nadie, por supuesto, reparó en él. Después tuvo que esperar todo un año para volver a trabajar, ahora en la revista musical “One for the Money” de Nancy Hamilton, en donde, además de bailar con el coro, podía mantener un corto diálogo.

La primera gran ruptura con su trabajo anterior le vino cuando tenía ya veintisiete años de la mano de Harry Hoofer para trabajar en la obra “Time of Your Life” de William Saroyan, un premio Pulitzer. La representación, que estaba dirigida por Lawrence Langner, duró 22 semanas y con ella ganó el Premio de la Crítica de ese año. Esto motivó el interés por la industria del cine hacia él y sabemos que recibió una buena oferta por parte de Arthur Freed, un cazatalentos de la Metro que le propuso firmar un largo contrato con ellos.

Pero Gene había ya saboreado el triunfo en la actuación en directo y prefirió seguir viajando por los escenarios norteamericanos y no atarse en una nueva aventura. Con el tiempo, abandonaría este trabajo y se lo cedería a su hermano Fred, quien conseguiría ganar un premio Tony por su desempeño.

El próximo trabajo de Gene como coreógrafo fue en “Diamond horse-shoe”, una obra musical de Billy Rose. Allí conoció a una bailarina llamada Betsy Blair de 16 años de edad, que rápidamente desarrolló un gran interés por su instructor de baile. A principios de 1940, Gene fue elegido para interpretar el principal papel en la obra teatral “The Pal Joey” como Joey Evans, un malvado propietario de un centro nocturno quien emplea toda clase de artimañas para conseguir sus deseos. El espectáculo, y Gene, llegaron a constituir un éxito inmediatamente. “The Pal Joey” permaneció en el Ethel Barrymore Theatre durante 270 funciones, desde la Navidad de 1940 hasta el verano de 1941.

Una vez finalizada esta obra, Gene coreografió “Foot the best Transmits” de George Abbott, y volvió a interpretar durante dos semanas más “The Pal Joey”, siendo aplaudido por el mismísimo Louis B. Mayer en persona, quien le volvió a ofrecer un sustancioso contrato con la Metro. Al día siguiente se realizó una prueba en los estudios de cine y allí todo salió mal, tan mal que Gene se marchó enfadado de los estudios diciendo que antes prefería trabajar en un saloon (un burdel) que en esos estudios. Quizá para curarse un poco de su desilusión, el 22 de septiembre de ese año 1941 se casó con Betsy Blair, en una rápida y alegre ceremonia celebrada en Philadelphia. Un año después nacería su primera hija, Kerrie.

Gene Kelly reconsideró su postura con respecto al cine y volvió a Hollywood unos meses después para firmar un contrato con David O. Selznick, yerno de Mayer y propietario de un prestigioso estudio cinematográfico. Y así, unos días después de su boda con Betsy, llegó a los estudios de Hollywood pero allí nadie sabía qué hacer con un actor que bailaba y cantaba. La idea de hacer un musical existía, pero no un guión adecuado.

El productor Arthur Freed, que tenía unos pequeños estudios de cine, liberó a ambos, Gene y David, de su recién estrenado contrato e insistió en que B. Mayer estableciera un nuevo contrato con el actor para una obra musical que quería empezar de inmediato, "For Me and My Gal”, bajo la dirección de Busby Berkeley. Arthur era el autor de las letras de algunas canciones que posteriormente se harían populares, como “Singin’in the Rain”, además de haber intervenido como ayudante de dirección en la popular película “El mago de Oz”. Su prestigio aumentó cuando se dedicó exclusivamente a promocionar el cine musical y consiguió reunir a actores tan prestigiosos como Judy Garland, Cid Charisse, Fred Astaire y Mickey Rooney.

El estreno en Hollywood de esta película con un desconocido bailarín llamado Gene Kelly, al lado de la popular Judy Garland, fue un gran éxito. El papel no era demasiado diferente al de Joey Evans, pero Gene aprendió que bailar en una película era bastante diferente que hacerlo en directo, con el público presente. Su estilo de baile era ligero, atlético, muy espontáneo y con facetas sacadas del mundo circense.

Suponía una revelación si lo comparamos con el estilo impuesto por Astaire, sumamente elegante, tratando de provocar en el espectador un mundo quimérico. Kelly era más sencillo, más burdo si profundizamos, pero más cercano al pueblo. No quería apoyarse en guapas chicas que solamente enseñasen sus esculturales piernas y exigía siempre auténticas bailarinas, como es el caso de Vera-Ellen, de quien hablaremos más adelante.

En esos días era evidente que Gene Kelly tenía un gran futuro en Hollywood, pero nuevamente los estudios de la Metro no sabían qué hacer con él. Gene parecía adecuado para películas menores, denominadas ya de serie B, filmadas en época de guerra, pero sin mayores pretensiones que la de entretener a la población.

La crítica no opinaba así y desde el primer momento le dieron su apoyo, mientras que el público se entusiasmaba con este bailarín cuyas habilidades físicas eran inéditas hasta entonces. Kelly conseguía hacer que lo imposible fuera factible y aportaba movimientos en sus bailes imposibles de realizar para la mayoría de los bailarines clásicos. Por todo ello, Betsy y él se instalaron en Hollywood, junto a su hija Kerry, en 1942.

En 1944, la MGM prestó a Gene (algo muy frecuente a aquellos años de largos contratos) a la Columbia Pictures para un corto musical con Rita Hayworth llamado “The Frontispiece Girl” (Las modelos), documental que ha sido siempre muy considerado por la MGM, aunque nunca ha querido volver a mostrarlo ni siquiera en televisión. “The Frontispiece Girl” tuvo un gran éxito y en esta representación fue la primera vez que Gene hizo una coreografía importante. También, era la primera vez que mostraba su capacidad para crear un baile que era singularmente cinematográfico, su alter-ego, definido después como “baila contigo mismo”.

Dándose cuenta del gran talento de Gene para los musicales, la MGM le contrató para el filme “Levando Anclas”. Gene tenía como compañeros de reparto a Kathryn Grayson, Frank Sinatra, el director de orquesta José Iturbi, y a un joven Dean Stockwell, ganando una nominación al Oscar como mejor actor. Una vez más, él creó bailes únicos para el cine, específicamente su “The Preoccupation Song “ en el cual baila con Jerry, el Ratón de los dibujos animados. La MGM inicialmente había rechazado esta idea de mezclar al bailarín con un dibujo, pero Gene y Stanley Donen lograron convencerles diciendo que se trataba solamente de una idea, pero que luego no saldría en la pantalla. El experto dibujante Walt Disney se interesó mucho por esta idea, pero su estudio estaba ocupado en la realización de otra película y no pudo hacerse cargo y utilizar a Mickey Mouse, como en un principio se había propuesto. Sin embargo, su prestigio y su apoyo fueron suficientes para convencer a la MGM de que podría hacerse, y este número es hoy considerado como un gran logro para el cine, a pesar de que hoy en día todo esto se puede hacer más fácilmente mediante una computadora. La película se demostró beneficiosa también para Sinatra, quien aprendió cómo bailar en solamente 6 semanas gracias al Profesor Kelly.

Aunque su carrera estaba de nuevo en alza, más que cualquier otra cosa Gene quería servir a su país en la Segunda Guerra Mundial. Bajo las protestas de la MGM, Gene se alistó en la Marina, donde le otorgaron el rango de Teniente, trabajando activamente en la sección de fotografía hasta mayo de 1946. P

Pero antes de alistarse tuvo tiempo para trabajar por primera vez con el mejor bailarín que el cine conocía hasta entonces, el genial Fred Astaire, en el filme “Ziegfeld Follies”, trabajando a las órdenes del director Vincente Minnelli. La película era en esencia una sucesión de sketches musicales unidos por un débil pero adecuado argumento, pero que aún hoy día debe verse como una joya del cine musical, especialmente por ese dúo magistral entre Fred y Kelly.

Al volver de la guerra se dedicó íntegramente el cine musical, filmando “Vivir a lo Grande”, “El Pirata”, y “Take me out to the ball game”. La película “El Pirata” era ya un viejo proyecto de la Metro que acabó siendo dirigida por Vincente Minnelli y producida por el entusiasta Arthur Freed, quien tuvo que pelear para que no la dirigiera Henry Koster, más experto que él en el cine pero no en el musical. Judy Garland nuevamente volvía a formar pareja con Kelly, debidamente arropados con las canciones de Cole Porter. En esa época las depresiones de la joven Garland empezaban a ser populares, lo mismo que su tendencia a consumir barbitúricos, y hay quien opina que solamente la presencia al lado del optimista Gene Kelly consiguió que la actriz superase su enfermedad y pudiera terminar el filme.

Posteriormente, con Frank Sinatra, Vera-Ellen, Ann Miller, Jules Munshin, Betty Garrett, y Stanley Donen como director y ayudante de coreografía, realizó un profundo cambio en el modo de efectuar cine musical con el filme “Un día en Nueva York”. La película fue el primero de los mayores éxitos musicales, no solamente de Kelly, sino de todos los tiempos, conservando aún hoy en día toda su frescura y reponiéndose varias veces al año en todas las cadenas de televisión mundiales. La película rompió todos los esquemas hasta entonces conocidos, al sacar por primera vez a los bailarines a la calle y hacerles cantar y bailar en escenarios naturales. Aunque no era la primera vez que una película se rodaba en las calles de Nueva York, ciertamente era el primer musical que prescindía de los decorados propios de una sala de teatro. “Un día en Nueva York”, además, supuso también el triunfo para Frank Sinatra y Vera-Ellen.

Rápidamente, y aprovechando su gran popularidad, realizó “Un Americano en París”, consiguiendo el Oscar a la Mejor Película de 1951. La película ganó también otros seis Oscars, incluyendo uno a Gene Kelly por su “versatilidad extrema como actor, cantante, director, y bailarín, pero específicamente por su brillantes logros en el arte de la coreografía en el cine". La película, dirigida por Minnelli, presentaba a una desconocida actriz francesa llamada Leslie Caron y usó la maravillosa música de George e Ira Gershwin. Aunque es posible que los aficionados se dieran cuenta, hay que recordar que los exteriores nunca estuvieron rodados en el auténtico París, sino en unos escenarios de Hollywood que simulaban el París legendario de los grandes pintores. La historia era más irreal, menos creíble, y Minnelli en esta ocasión nos proporcionó una comedia ya desfasada, con una relación sentimental entre el soldado americano y la guapa mecenas, absolutamente fuera de lugar. Con todos estos defectos, el filme contiene escenas memorables y que nunca más se volvieron a repetir.

Gene, inmediatamente siguió el éxito de “Un Americano en París” con otra obra maravillosa, un icono para el cine musical, realizando “Cantando bajo la Lluvia”.

Apartada totalmente de los principios cinematográficos de “Un Americano en París”, la película “Cantando bajo la Lluvia” ha llegado a ser quizá el musical más importante de todos los tiempos y el que mejor representa la música popular de América.

La película sirvió para la presentación del estupendo bailarín Donald O’Connor, así como para popularizar a la vivaracha Debbie Reynolds y a demostrar la belleza y elegancia de la bailarina Cyd Charisse. Gene es recordado año tras año por su actuación en este filme, especialmente por su canción “Singin in the Rain” que baila en medio de una gran lluvia, después de dejar a su amor. Para los amantes del cine musical y para la mayoría de los críticos, este baile constituyen los cuatro minutos más gloriosos en la historia del cine y no hay musical que no los tome como referencia.

En un principio la película iba a ser interpretada por Howard Keel, aunque afortunadamente hubo quien dijo que un cantante de ópera no era lo mejor para una película en línea con “Un día en Nueva York”. Esta idea, sostenida por Stanley Donen y Arthur Freed, fue aprobada finalmente por Louis B. Mayer, con Gene Kelly como sustituto de Keel. Ese día comenzó el rodaje del mejor filme musical de todos los tiempos. ¿Su secreto?: contaba con un estupendo guión y unos números musicales de gran categoría, además de extraordinarios actores que realmente sabían bailar.

El problema era que el listón había quedado tan alto, después de “Cantando bajo la Lluvia”, que era casi imposible superarlo. Por eso Gene decidió dar un giro total a su carrera y viajó a Europa durante dieciocho meses aprovechándose de una nueva ley impositiva sobre intercambios cinematográficos, que le permitiría, además, pagar menos impuestos. Antes de partir, los estudios le propusieron rodar una versión musical de la novela juvenil “Huckleberry Finn”, nuevamente con Minnelli como director, pero Kelly ya estaba decidido a marcharse a Europa y no aceptó la buena propuesta.

Desgraciadamente para Gene, este fue el comienzo de una serie de sucesos desafortunados, que coincidieron con el lento pero irreversible declive del cine musical. Su trabajo en Europa fue un fracaso y los dos filmes que rodó en aquella época (por exigencias de la productora), “La Cresta de la Ola” y “Con el Diablo somos Tres”, dos papeles dramáticos fracasados, ni siquiera consiguieron amortizar los gastos de su rodaje.

Deseando no dar otro nuevo paso en falso comenzó a trabajar sobre un proyecto que él esperaba debería ser su próximo gran éxito. La película se titulaba “Invitación a la Danza”, estaba dirigida por él mismo, y en ella tendrían cabida todos los mejores bailarines clásicos y modernos del mundo. Tendría que ser un gigantesco documental sobre el mundo del baile, ambientado con un débil argumento. La idea básica era de Arthur Freed , quien ya había mantenido conversaciones previas para incorporar a Stravinsky, Monteverdi y Duke Ellington.

Al desechar momentáneamente la idea la recogió Gene y con el fin de meditar largamente sobre aquello que consideraba su obra cumbre, se aisló en una casa de campo a las afueras de París y aprovechó para incorporar a su proyecto a Claire Sombert y Claude Bessy, dos profesionales de la ópera.

El rodaje se realizó en los estudios Boreham Wood, en Elstree, y el argumento estuvo dividido en tres partes, uno de ellos, “Sinbad the Sailor”, rodado finalmente en los Estados Unidos, concluyendo todo el proceso en octubre de 1954. Dos años de trabajo y un millón y medio de dólares fueron necesarios para elaborar lo que para Gene debería ser la obra cumbre del cine musical, la unión entre la danza clásica y la contemporánea.

Una vez finalizada, los distribuidores no estuvieron de acuerdo en considerarla tan buena (venía avalada por el Oso de Oro en el festival de Berlín), la calificaron de pretenciosa y aburrida y por ello la MGM demoró su distribución en el mundo entero durante cinco años, lo que supuso el mayor de los fracasos de Kelly, no logrando apenas reconocimiento alguno.

Cuando regresó a los Estados Unidos, apareció en dos musicales que tuvieron igualmente poco éxito, quizá porque su excesivo dulzor ya no encajaba en una sociedad que pedía más realismo, incluso en las escenas de amor. Sus títulos: “Brigadoon” y

“Siempre hace Buen Tiempo” (co-dirigida con Stanley Donen). En “Brigadoon” el problema estuvo en sus pésimos decorados, tratando de plasmar unos bosques frondosos de Escocia, imposibles de representar con plantas artificiales.

Aunque el bello cuento en el cual está basada, un mundo parecido al de Sangri-la de

“Horizontes perdidos”, era perfecto para una obra musical, el público sufrió una decepción con tanto decorado improcedente. Por si fuera poco, algunos de los mejores números musicales fueron cortados para no alargar demasiado su metraje.

La película debería haber servido para remontar la afición del público hacia los filmes musicales tradicionales, con buenos números de baile y un argumento sin demasiadas pretensiones. Para que todo resultara como antes, estuvo producida por Arthur Freed, dirigida por Vincente Minnelli, y como actriz volvía a repetir Cyd Charisse, cuyas bien formadas piernas eran utilizadas siempre como reclamo publicitario. Pero Gene ya no era el mismo. Presentía que los tiempos gloriosos del cine musical habían terminado y no colaboró demasiado en el buen resultado final, lo que le produjo numerosos enfrentamientos con Minnelli quien pretendía realizar una buena película.

“Siempre Hace Buen Tiempo” fue la última película co-dirigida por Kelly y Donen, y la última vez que se volvieron a dirigir la palabra. Lo que había sido una buena relación de trabajo se convirtió en algo insoportable y esto es algo que esta película deja percibir.

“Siempre Hace Buen Tiempo” debería ser una continuación o un remake de “Un Día en Nueva York”, pero ya no estaban ni Frank Sinatra ni Vera-Ellen a su lado. Mientras Dan Dailey y Michael Kidd son los bailarines más importantes, la necesaria camaradería entre ellos no aparece por ningún lado. Vista hoy, “Siempre Hace Buen Tiempo” es bastante buena, como también lo es “Brigadoon”, pero la comedia era demasiado obscura y cínica para los años 50. En suma, la película estaba ya adelantada a su tiempo, pero fracasó antes y hoy en día es solamente objeto de revisión por los buenos aficionados al cine musical de Kelly.

Durante el decenio de 1950 los resultados fueron igualmente desastrosos para Gene Kelly.

Primero perdió al mejor amigo desde que empezó en el mundo del cine, Stanley Donen y en 1957, Gene y Betsy terminaron con un divorcio sus quince años de matrimonio.

Simultáneamente y como si ya nadie quisiera estar al lado de la mejor estrella del cine musical americano, su relación con los estudios de la MGM se deterioraron irremediablemente. Olvidando su época de gran esplendor, y al hombre que más dinero les había producido, rehusaron prestarle sus estudios para películas como “The Pal Joey”,

“Tipos y Muñecas”, y “Cyrano de Bergerac”, tres de los proyectos que Gene quería llevar a cabo. En 1957, Gene hizo su última película para la MGM, “Las Girls”, que aunque remontó algo su prestigio no consiguió consolidarle en el cine.

También ejerció como director en “Mi marido se divierte”, junto a Richard Widmark y Doris Day, curiosamente una correcta película.

Desilusionado por el mundo del cine y prácticamente abandonado por sus antiguos amigos y familia, volvió a los escenarios de Broadway en 1958 y dirigió el musical “Flower Drum Song”, alternando con una pequeña intervención en el cine al lado de Natalie Wood, en la película de la Warner “Marjorie Morningtar”.

En el 1960, Gene se casó con Jeannie Coyne, una antigua alumna y profesora auxiliar de su etapa como profesor en Pittsburgh. Con ella viajó hasta París para dirigir un espectáculo de la Opera titulado “Pas de Dieux”, un estupendo ballet inspirado en la mitología griega.

Después, y aprovechando su estancia en la capital francesa, intervino brevemente en el filme “El multimillonario”, junto con Marilyn Monroe. También trabajó en “Gigot” con Jackie Gleason, y en un remake de “Siguiendo mi camino” para la televisión.

Su enlace con Jeannie le proporcionó un hijo, Timothy, en 1962, y una hija, Bridget, en 1965. El nuevo matrimonio le dio motivos para comenzar nuevos e interesantes proyectos, incluyendo dirigir algunas películas como “Guía para el Hombre Casado” (1967) con Walter Matthau, “Hello Dolly” (1969) con Barbra Streisand y “El club Social de Cheyenne” (1970) con Henry Fonda, además de trabajar en televisión en el programa “Ir a Mi Manera". También protagonizó “Las señoritas de Rochefort” en 1967 y dirigió la obra

“Jack and the Beanstalk” para la televisión que le proporcionó un premio Emmy, además de intervenir en un gran espectáculo musical titulado “New York, New York” en 1966.

En 1964 viajó a Africa con el Departamento de Estado en un recorrido de buena voluntad y consiguió encontrar tiempo para protagonizar “Ella y sus maridos” con Shirley MacLaine y “Cuarenta quilates”, ambas con su nombre casi camuflado entre los demás títulos de crédito. Nadie estaba ya dispuesto a dar un duro por conseguir un reencuentro digno de Gene con el cine.

La tragedia le golpeó en 1973 con la muerte de su esposa Jeannie a causa de un cáncer.

Gene tuvo que ser desde ese día padre y madre para sus dos pequeños hijos y no aceptó ningún trabajo que le apartara demasiado tiempo de su hogar. Posteriormente se volvió a casar con Patricia Ward.

Durante el decenio de 1970 y el decenio de 1980, Gene fue artista invitado en la mayoría de los espectáculos retrospectivos y en la entrega de premios de cine y teatro. Hizo una gira de tres meses por Estados Unidos con el musical “Take Me Along” e intervino en el serial “Norte y Sur”.

Su gran oportunidad de reencontrarse con los aficionados le vino mediante algo tan sencillo como una recopilación de la Metro titulada “Esto es espectáculo”, al que siguió

“Esto es espectáculo II”.

Se trataba de dos largos documentales que mostraban toda la historia de los musicales de Hollywood y aunque excluyeron a aquellos artistas que no pertenecían a su plantilla, fueron un gran éxito en todo el mundo. Inicialmente estaban previstos para la televisión pero la aceptación fue tan grande que fueron exhibidos posteriormente en las pantallas mundiales con un gran éxito. Quedaba demostrado que el cine musical americano había quedado grabado en la memoria de todos los públicos del mundo entero.

Pero Kelly nunca admitió de buen grado que el público le hubiera olvidado e intervino en una película dirigida por Gordon Douglas titulada “Viva Knievel” (1977), en la que conducía una veloz moto en busca de aventuras y problemas.

En 1982, Gene Kelly recibió en el Centro de Honor Kennedy, lo mismo que en 1985, el reconocimiento a toda una vida dedicada al cine norteamericano, premio concedido por la Institución Estadounidense de Cine.

Gene Kelly murió el 2 de febrero de 1996, después de sufrir dos infartos casi seguidos.

NUEVOS DATOS SOBRE GENE KELLY

Las palabras finales de Gene Kelly sobre el cine han quedado grabadas en 1994 en el vídeo

“Esto es espectáculo III”. Refiriéndose a Irving Berlín, Gene comenta:

"La canción ha terminado, pero la melodía continúa". Y eso mismo podemos decir sobre Gene, él no está entre nosotros, pero permanecerá en nuestros corazones para siempre.

Un hecho familiar

El metal resbaló por su mejilla, ocasionando una cuchillada profunda en la cara de Gene que sangró profusamente. La Sra. Kelly estaba sola en aquel momento y gritó pidiendo ayuda a un vecino, que trató de contener la hemorragia. Como la herida continuaba sangrando y la mujer empezaba a marearse, llamaron a un médico, quien tuvo que dar tres puntos de sutura.

Desde ese día él todavía lleva la evidencia del accidente en forma de una pequeña cicatriz con aspecto de media luna sobre el lado derecho de su cara. Cuando llegó por primera vez a Hollywood en 1941, los fotógrafos del estudio trataron de disimular su cicatriz, pero Gene por sí mismo nunca se molestó en esconderla en ninguna de sus películas, y ha llegado a ser una parte más de su aspecto.

¿Dónde está Gene Kelly enterrado?

Muchos aficionados han realizado esta pregunta para poder visitar su tumba y ofrecer su admiración y respeto a su ídolo. Desgraciadamente, no poseemos esta información. Los datos que nos llegaron en su momento sobre su muerte indican que fue incinerado y nadie sabe dónde están enterradas sus cenizas.

¿Está publicada su autobiografía?

Cuando Gene falleció, su autobiografía estaba todavía sin completar. Existe el rumor de que la tiene su esposa, Patricia Kelly, quien parece ser que la está completando para publicarla.

¿Existe alguna calle dedicada a Gene?

Tampoco conocemos este dato, aunque existen sus huellas impresas en el cemento en la calle de los artistas.

¿Hay algún CD con sus canciones?

Existen diversas grabaciones con sus canciones, recopiladas en un CD. También están editadas las bandas sonoras de la mayoría de sus películas. A través de Internet se puede encontrar lo más interesante que se ha publicado sobre Gene en inglés.

¿Están editadas en vídeo todas sus películas?

Todas salieron al mercado del vídeo en su momento, aunque al menos la mitad están ya descatalogadas. Por lo que sabemos, están descatalogadas hasta ahora: “Piloto número 5”,

“La cruz de Lorena”, “Luz en el alma”, “La mafia de la Mano Negra”, “Un gran país”,

“Con el diablo somos tres”, “La cresta de la ola”, “El camino feliz”, y “Las señoritas de Rochefort”. Como se puede observar, sus mejores películas musicales se encuentran todavía a la venta y la mayoría son reeditadas y remasterizadas cada tres años. Además, la televisión por cable las repone continuamente, lo mismo que la televisión por satélite en su canal Clásico.

¿Dónde están los hijos de Gene y qué hacen ahora?

La hija mayor Kerry es una psicóloga. La hija Bridget trabaja como diseñadora de vestuario en el cine y su labor más reciente fue “La verdad sobre perros y gatos”. El hijo Tim creemos que también trabaja en la industria del cine, pero realmente no podemos confirmado.

¿ Hay algún Club de fans de Gene Kelly?

Ninguno oficialmente, pero con la respuesta tan asombrosa que han tenido las páginas de Internet dedicadas a él, seguro que se podría comenzar uno.

GENE KELLY COMO BAILARIN

Opinión de un admirador enviada a un periódico de Philadelphia en 1996

“Este mes de febrero yo me entristecí hondamente cuando me enteré que Gene Kelly, una leyenda de la pantalla y mi ídolo personal, había muerto. Los numerosos tributos aparecidos en la prensa lo mostraban bailando bajo la lluvia, en París, o sobre la ciudad de Nueva York.

Él permanecerá siempre joven, congelado en el tiempo gracias a su trabajo, y cualquier reconocimiento que él pueda recibir como bailarín y actor se lo merece bien. Pero hay bastante más detrás de Gene Kelly que la figura de un director de cine, un actor o un bailarín. Se trata de un gran hombre que ha muerto y por eso estoy triste.

Mucha gente se extraña de que me sienta triste por la muerte de este hombre. Yo nunca lo vi personalmente, y cuando le conocí era ya tan viejo que podía ser mi abuelo, pero un abuelo glorioso. Sus mejores películas se hicieron antes incluso de mi nacimiento, pero para mí es como si fuera alguno de mi generación, casi un amigo mayor.

Quisiera contar a los lectores quién era el otro desconocido Gene Kelly: Gene Kelly era un defensor de los derechos humanos que peleó durante muchos años contra el racismo ante el Movimiento Civil de Derechos Humanos. En 1948 bailó con dos de los danzarines de más talento y más atléticos de la pantalla, Los hermanos Nicholas.

Pero ellos eran negros y el estudio impidió su ejecución, alegando que algunos teatros cortarían su número. Gene insistió, y después de ese incidente mucha gente afirmó que él abrió la puerta a muchos ejecutantes con talento que permanecían ocultos por el color de su piel.

Gene Kelly era un buen padre y hombre de familia. Cuando su segunda esposa murió de cáncer en 1973, él rehusó realizar cualquier trabajo que le obligase a permanecer lejos de su hogar. Después que ella murió, él aceptó muy pocos trabajos a fin de ser al mismo tiempo madre y padre para sus dos hijos de 11 y 8 años.

Gene Kelly también fue un gran inventor. Durante los rodajes insistía en que el objetivo gran angular no era adecuado para las cámaras que filmaban en Technicolor. Después de muchas pruebas inventó un mecanismo al que denominó "Ubangi", que acoplado a la cámara permitía incorporar cualquier clase de objetivo.

Su naturaleza humilde permaneció siempre vigente en su memoria y nunca quiso renegar de su apellido paterno. Estaba demasiado orgulloso de su familia para permitir que nadie lo tratara de cambiar en Broadway. También se puso muy enfadado cuando el departamento de publicidad de la MGM le taparon su cicatriz en los carteles. Él no era un perfeccionista del físico, solamente del baile, y nunca se quiso ver como una gran estrella de la pantalla.

Básicamente, Gene Kelly definía su trabajo con una frase: “Simplemente, lo he hecho”.

Años antes de que se hiciera Roger Rabbit, no había nadie que pudiera bailar con un dibujo animado, pero él encontró una manera. Cuando su número musical se exhibió en las pantallas mundiales, lo que parecía increíble se había realizado y podemos considerar que este hecho contribuyó a cambiar la historia del musical.

Nunca dijo que su obra había sido grande, aunque afortunadamente para nosotros nos dejó un enorme legado de su maestría.

Además de ser un gran director cinematográfico, un actor de talento (cuyos papeles dramáticos necesitan ser revisados de nuevo), y el bailarín más innovador de todos los tiempos, también era un gran hombre, una persona a la que admiro y que consiguió colocar en mi mente sus sueños, todo lo que imaginaba. Por eso triunfó.

Gracias, Gene por hacerme creer que yo podré realizar cualquier cosa si trabajo duro”.

SU HERMANO FRED KELLY

Fred Kelly es el más joven de los cinco hermanos Kelly. Cuando Gene comenzó tomando lecciones de baile a la edad de siete años, no era consciente de las habilidades de su hermano. Cuando ellos crecieron, Gene formó " Kelly y sus Hermanos" con quienes actuó en el área de Pittsburgh. Cuando Gene dejó Broadway para trabajar en el cine, su hermano le sustituyó. Ese año (1940), el espectáculo ganó el premio que concede el Círculo de Críticos y el Premio Pulitzer, siendo la primera vez que un espectáculo ganaba ambos premios.

Una de las historias favoritas de Fred fue cuando es llamado por el Palacio de Buckingham en 1944. Como una estrella de Broadway debía entrar igualmente en el ejército, aunque él pidió que le permitieran enseñar a las jóvenes Princesas Margaret y Elizabeth a bailar. Después de unos años, Gene estuvo en ese palacio como una estrella norteamericana invitada. La Reina Elizabeth se acercó a él diciendo: "Oh, Sr. Kelly, ¿es cierto que es usted hermano de Fred Kelly?".

Fred y Gene únicamente aparecerían en una película una sola vez juntos, en 1955 en

“Deep in my heart”. El número que interpretaron fue similar al que hacían cuando eran

“Los hermanos kelly” durante los años 1930.

Fred vive hoy en Arizona. Él continúa viajando a lo largo del país para celebrar el maravilloso mundo del baile.

Algunos logros en la carrera de Fred Kelly:

Es ganador de tres premios Tony concedidos: uno como actor (presentado por Helen Henos), otro por la comedia (presentado por Charlie Chaplin), y otro por el baile (presentado por Antoinette Perry) Coreografió para la NBC "La hora de la comedia".

Dirigió unas 1.000 horas de "El Show de Steve Allen", Dirigió un espectáculo de mambo en Nueva York y enseñó a bailar el cha-cha-cha a John Travolta.

FILMOGRAFIA

FOR MY AND MY GAL (1942)

US

104 minutos

Blanco y Negro

MGM

Productor: Arthur Freed

Director: Busby Berkeley

Guión: Richard Sherman,

Fred Finklehoffe, Sid Silvers, Jack McGowan e Irving Brecher

Basado en la historia “ The Big Time” de: Howard Emmett Rogers Director Musical: George Stoll

Coreografía: Bobby Connolly y Gene Kelly

Vestuario: Robert Kalloch y Gile Steele

Intérpretes:

JUDY GARLAND: Jo Hayden

GEORGE MURPHY: Jimmy K. Metcalf

GENE KELLY: Harry Palmer

MARTA EGGERTH: Eve Minard

BEN BLUE: Sid Simms

RICHARD QUINE: Danny Hayden

KEENAN WYNN: Eddie Milton

HORACE McNALLY: Mr. Waring

LUCILLE NORMAN: Lily Duncan

Todavía reciente sus éxitos en Broadway con el musical “The Pal Joey”, Gene Kelly hizo así su debut en el cine como un buen chico que se vuelve malo por amor, actuado con Judy Garland. Ellos forman parte de un grupo de vaudeville que consiguen un gran éxito cuando Harry (Kelly) se une a ellos. La película tiene como fondo argumental el período de la Primera Guerra Mundial y con el fin de evitar el reclutamiento forzoso nuestro protagonista deliberadamente se lastima su mano, para no ir a la guerra y continuar trabajando con sus compañeros. Posteriormente y en un alarde de patriotismo, realiza un acto heroico que le hace recuperar su estima.

En algunos países se cambió la Primera por la Segunda Guerra Mundial y en la traducción de los diálogos se puso más énfasis en el acto de heroísmo de Kelly. Con todo, la historia es enormemente patriótica y sentimental, pero merece la pena verse por tratarse del primer filme de Gene. Su atractivo era ya manifiesto y entre él y Garland proporcionan la suficiente dosis de frescura para que se considere una película válida.

Así hablaron los críticos en su estreno

“For My And My Gal” es una historia ambientada en la Primera Guerra Mundial con un fondo de espectáculo de variedades que ha servido para introducir en el público a Gene Kelly, un actor que tiene ya 30 años y está alcanzando un gran prestigio como bailarín y cantante, aunque hace años que lleva electrizando a los aficionados de Broadway.

La película nos cuenta la historia de Harry Palmer, quien se asocia con Judy Garland y su novio George Murphy para formar un espectáculo musical. Las complicaciones surgen cuando Murphy se enamora de Garland y ella de Kelly, mientras que Kelly solamente está enamorado de su trabajo. Su ambición de toda la vida es trabajar en el Teatro Palace de Nueva York, aunque la Guerra se interpone en sus planes.

El productor Arthur Freed pretendía lanzar a Kelly en el papel de Murphy, pero comprendiendo la similitud entre Harry Palmer y Pal Joey, los cambió con la esperanza de que Kelly aportaría mayor dinamismo con su personaje más dramático. Así se hizo, pero quedó decepcionado cuando leyó el guión, con su combinación de risa y sentimentalismo, especialmente por la caracterización de Harry transformado en un cruel y ambicioso personaje enamorado de sí mismo, aunque posteriormente se convierte en un héroe de guerra.

La película, sin embargo, logró introducir adecuadamente a Kelly gracias a sus enérgicos bailes, mediante una serie de rutinas llenas de humor y romance. Kelly y Garland (quién recibió una buena crítica por el filme), trabajaron brillantemente juntos y establecieron una relación mágica, especialmente en el número que da origen al título, elaborado por Edgar Leslie, E, Ray Goetz y George W. Meyer, que supone el momento más culminante de la película.

En contraste con la vulnerabilidad de Judy, vacilante e insegura, Kelly era muy eficaz y a pesar de la parcela algo sentimental de la película, adecuada al patriotismo del público de ese año, ambos se convirtieron en la mejor opción para afianzar la economía de la MGM.

Premios:

Nominada a la mejor música 1942: Roger Edens, Georgie Stoll Compañera de reparto:

Judy Garland

(1922-1969)

Cuando Garland cantó “ Usted me hizo amarlo” en “Melodías de Broadway” de 1938, era imposible creer que esa voz madura, tan potente, perteneciera a una joven de 14 años. Ella tenía una estupenda voz, espiritual y nostálgica, con gran energía, llena de nervio, aunque se la vislumbraba ya muy vulnerable. Podía bailar, actuar y cantar sin problemas.

Esa muchacha menuda dotada de una gran voz, se llamaba en realidad Frances Ethel Gumm y nació en los Grandes Rápidos, Minnesota, en el seno de una familia dedicada al mundo de las variedades. Realizó su presentación como artista con solo tres años de edad, en un acto para una comunidad religiosa, junto a dos hermanas mayores.

Cuando la familia se disgregó, Garland, guiada por su ambiciosa madre, continuó cantando en solitario hasta que se presentó un día en Hollywood. Consiguió su primer contrato para la MGM cuando acababa de cumplir los 13 años, e inmediatamente intervino en “Locuras de estudiantes” (1936), “Thoroughreds Don’t Cry” (1937) y

“Melodías de Broadway” (1938).

Su gran triunfo fue, no obstante, con su papel como Dorothy en “El Mago de Oz” en 1939, película que constituyó un éxito mundial que aún perdura, lo mismo que la canción

“Over the Rainbow”. Veterana del cine a una edad en la que la mayoría de las actrices aún figuran solamente como extras, consigue recibir un Oscar a la mejor actriz juvenil del año cuando apenas contaba 17 años.

Ella siguió escalando triunfos cuando se unió al vivaz Mickey Rooney en varias películas musicales que mostraban el lado más alegre de los jóvenes. Aunque la carrera de Garland era un triunfo absoluto, su vida personal empezaba a ir por una peligrosa pendiente. Para tratar de combatir su incipiente obesidad los médicos la recetaron barbitúricos mezclados con anfetaminas que la sumieron en un estado emocional desequilibrado. Al igual que posteriormente ocurrió con otros astros de la pantalla, como Elvis Presley y Marilyn Monroe, prestigiosos médicos que manejaban medicamentos peligrosos y sumamente dañinos, terminaron por convertir a Judy en una adolescente narcotizada, con receta médica.

Aún así, consiguió seguir trabajando en el cine sin que su estrella se apagase y entre crisis y crisis (“solucionada” con más medicamentos) pudo interpretar algunos de los mejores musicales de la MGM, entre ellos “Cita en St. Louis” (1944), “The Harvey girls” (1946),

“Desfile de Pascua” (1948) y “Ha nacido una estrella” (1954).

Casada con el director Vincente Minnelli, consiguió permanecer en el cine incluso en plena crisis emocional y tuvo una hija que también alcanzaría gran fama, llamada Liza Minnelli. Garland se casó después con Sid Luft y tuvieron una hija de nombre Lorna, que también tuvo grandes éxitos en el musical. Al final de los años 40 Judy había conseguido una negativa reputación a causa de su inestable carácter, debido a la dependencia hacia las drogas, y tuvo que ser internada repetidas veces para realizar curas de desintoxicación, además de efectuar varias tentativas de suicidio.

En 1950 se produjo su primer abandono forzado del cine, aunque ayudada por su marido protagonizó una obra musical en el Londres Palladium que constituyó un gran éxito. El público no había olvidado a la mejor estrella juvenil de todos los tiempos y eso la produjo nuevos ánimos, enlazando posteriormente con otro espectáculo en el York Palace Theatre.

En 1954 retorna al cine con la película “Ha nacido una estrella”, y realiza una de sus mejores interpretaciones dramáticas, quizá por las similitudes que tenía con su verdadera vida. La película, considerada una obra clásica, la ayudó a superar sus problemas depresivos, aunque vuelve a caer al poco tiempo en ellos y decide abandonar su trabajo como actriz.

Agobiada por sus angustias se divorcia de Luft y se desmorona totalmente, mientras se ve inmersa en un largo proceso legal por la custodia de sus dos hijas. La industria de Hollywood vuelve a confiar en su estrella más mimada y en 1961 la proponen interpretar

“El juicio de Nuremberg”, filme por el que recibió una nominación al Oscar como mejor actriz secundaria. Unas semanas antes había realizado un memorable concierto en directo en el Carnegie Hall, que la puso de nuevo en las páginas de los periódicos.

Convencidos ambos, Hollywood y ella, que todo podría volver a los años gloriosos, interpreta “Gay Purr-ee” en 1962, “Angeles sin paraíso” en 1963 y “I Could Go On Singing”, también en 1963, decidiendo nuevamente abandonar definitivamente el mundo del espectáculo después de fracasar en “El Show de Judy Garland” para la CBS.

Pero su hija Liza Minnelli no estaba dispuesta a dejar a su madre abandonada y la incorpora a un concierto en el Palladium de Londres en 1965, en el cual el público asiste entusiasta al dúo protagonizado por ambas actrices, Judy y Liza. Y como si hubiera recobrado nuevas energías, en 1965 se casa con un desconocido actor siete años menor que ella llamado Mark Herron, aunque se separaron pocos meses después. Luchando contra la soledad pide realizar el papel principal en “”El valle de las muñecas”, aunque Hollywood ya no cree en ella y otorga el papel a Susan Hayward.

En 1968 viaja a Londres para casarse de nuevo con un hombre 35 años mayor que ella, dueño de una gran discoteca llamada Deanes Mickey, aprovechando para actuar en un cabaret de esa ciudad durante tres semanas, que resultaron ser el peor fracaso de toda su vida. La culpa esta vez era exclusivamente de ella. Llegaba tarde a las actuaciones, se olvidaba las letras de las canciones y el público terminó abucheándola, algo imposible de asimilar por alguien que había sido la estrella más aplaudida durante muchos años.

El resto de su vida es una tragedia entre depresiones, alcoholismo y fracasos económicos que la llevaron ya sin remedio al suicidio, arruinada, abandonada por todos sus antiguos amigos y dejando una herencia para sus hijas de millones... de deudas.

Fue encontrada muerta en el cuarto de baño de su apartamento de Londres la noche del 22

de junio de 1969 y el médico certificó “muerte accidental por sobredosis de barbitúricos”.

Su entierro multitudinario bloqueó totalmente la zona de Manhattan cercana al cementerio.

THE CROSS OF LORRAINE (1943)

MGM

US

90 minutos

Productor: Edwin H. Knopf

Director: Tay Garnett

Guión: Michael Kanin, Ring Lardner Jr., Alexander Esway y Robert D. Andrews Basado en la historia de: Lilo Damert y Robert Aisner, tomada del libro “A Thousand Shall Fall by Hans Habe”

Compositor: Bronislau Kaper

Interpretes:

JEAN-PIERRE AUMONT: Paul

GENE KELLY: Victor

CEDRIC HARDWICKE: Padre Sebastian

RICHARD WHORF: François

JOSEPH CALLEIA: Rodriguez

PETER LORRE: Sargento Berger

HUME CRONYN: Duval

Como es lógico, se trata de una película de propaganda sobre la conveniencia de alistarse en el ejército durante la Segunda Guerra Mundial. Nuestro héroe es ahora el francés Aumont, quien comparte celda con el taxista Kelly y un español que ama la República y odia a Franco.

El malo es el pequeño Peter Lorre, un nazi que roba a los prisioneros con la ayuda de Hume Cronyn, que le informa de todo cuanto acontece en la prisión.

La historia, por tanto, no es diferente de otras muchas realizadas en aquellos años en los cuales el imperio de Hitler se extendía sin parar. Los alemanes, todos sin excepción, son mostrados aquí como malvados, mientras que los europeos y americanos hacían el papel de víctimas, mientras soportaban las palizas con orgullo. Parece ser que la idea del filme era lograr que Francia, un país que sufrió la guerra pero que se rindió sin pelear, ganara prestigio en Norteamérica.

DUBARRY WAS A LADY (1943)

MGM

US

101 minutos

Color

Productor: Arthur Freed

Director: Roy Del Ruth

Guión: Irving Brecher, Nancy Hamilton, Wilkie Mahoney, Albert Mannheimer, Jack McGowan,

Charles Sherman y Mary C. McCall Jr.

Basada en la obra de B.G. DeSylva y Herbert Fields

Director musical: George Stoll

Coreografía: Charles Walters

Intérpretes:

LUCILLE BALL: May Daly y señora Du Barry

RED SKELTON: Louis Blore, Rey Louis

GENE KELLY: Alec Howe, Flecha negra

DOUGLAS DUMBRILLE: Willie, duque De Rigor

RAGS RAGLAND: Charlie El delfín

DONALD MEEK: Mr. Jones, duque De Choiseul

GEORGE GIVOT: Cheezy, conde De Roquefort

VIRGINIA O´BRIEN: Ginny

CHARLES COLEMAN: Doorman

DICK HAYMES: Dorsey Singer

DON WILSON: La voz del locutor

LANA TURNER: Estrella invitada

WILLIAN FORREST: Guarda Capitán

MAURICE COSTELLO: Passerby

AVA GARDNER: Chica

El trabajador del centro nocturno Skelton languidece en su puesto de guardarropa mirando entusiasmado a la estrella Lucille Ball. Ella, por supuesto, no le hace caso porque es pobre y él se consuela soñando que es el mismísimo Rey Luis XVI, y que enamora a la guapa pero esquiva Madame DuBarry (Ball). Por supuesto, Kelly también está enamorado de tan guapa señora, pero con su sueldo de bailarín tampoco consigue cautivarla, por muy bueno que sea. Un día, se hace el milagro en forma de lotería y Skelton consigue ganar a la lotería algo más de diez millones de pesetas, suficientes en aquella época para cautivar a cualquiera. Desde ese día la chica descubre, casualmente, que está enamorada de Skelton y se comprometen en matrimonio, mientras el pobre (económicamente hablando) Kelly, sufre de amor por ella.

Este pequeño disparate (también hay un viaje al pasado, con el legendario Flecha Negra en persona), adornado de un buen color y maravillosas canciones de Cole Porter, estrenadas anteriormente en la obra de Broadway en 1939, logró unos buenos resultados en taquilla.

Comienza con un hermoso espectáculo de vaudeville y termina con la canción

“Friendship” cantada por todos los protagonistas. De sumo interés son los esfuerzos que tuvo que realizar Kelly para lograr bailar junto con Lucille Ball, una buena cómica y mala bailarina.

Buenas actuaciones de Mostel, y la banda de Dorsey con Buddy Rich en la batería interpretando un sensacional “Well, Git It”.

Si consiguen verla en la parabólica traten de descubrir a Lana Turner y Ava Gardner entre los actores.

PILOT #5 (1943)

MGM

US

70 minutos

Blanco y Negro

Productor: B.P. Fineman

Director: George Sidney

Guión: David Hertz

Compositor: Lennie Hayton

Intérpretes:

FRANCHOT TONE: George Braynor Collins

MARSHA HUNT: Freddie

GENE KELLY: Vito S. Allesandro

VAN JOHNSON: Everett Arnold

ALAN BAXTER: Winston Davis

RICHARD SIMMONS: Henry Willoughby Clavens

HOWARD FREEMAN: Hank Durbin

PETER LAWFORD: Hombre inglés

JACK GARDNER: Mecánico

JOHN DILSON: Defensor Instructor

AVA GARDNER: Chica

No hay ninguna canción, ni ningún baile de Kelly en toda la película. Que quede claro.

Franchot Tone es un piloto voluntario que se ofrece para realizar una misión suicida contra los japoneses. Cuando él vuela directo a su inmolación, sus compañeros se reúnen en tierra para recordar momentos de su pasado, para unos maravilloso y digno y para otros denigrante. Y así, entre flashbacks y vuelos de avión, transcurre la película demostrándonos las posibilidades que Kelly tenía como actor dramático y que lamentablemente fueron desaprovechadas a favor de sus mejores aptitudes como bailarín.

No se pierdan tampoco las intervenciones de Ava Gardner y Peter Lawford en los comienzos del filme.

THOUSANDS CHEER (1943)

US

126 minutos

Color

Productor: Joe Pasternak

Director: George Sidney

Guión: Paul Jarrico y Richard Collins

Basado en la historia “Private Miss Jones” de: Jarrico, Collins Director musical y Compositor: Herbert Stothart

Intérpretes:

KATHRYN GRAYSON: Kathryn Jones

GENE KELLY: Eddie Marsh

MARY ASTOR:

Hyllary Jones

JOSE ITURBI: Como él mismo

JOHN BOLES: Coronel Jones

RICHARD SIMMONS: Capitán Avery

BEN BLUE: Chuck

FRANK JENKS: Sargento Koslack

WILLY KAUFMAN: Papa Corbino

LIONEL BARRYMORE: Locutor

Y, además:

Mickey Rooney

Judy Garland

Red Skelton

Eleanor Powell

Lucille Ball

Donna Reed

Margaret O'Brien

June Allyson

Bob Crosby y su Orquesta

Una historia basada en la vida militar, a la que se pone el aliciente de un gran espectáculo musical que culmina con un "Naciones Unidas en el mes de marzo" de Shostakovich,

“Honeysuckle Rose” cantada por Lena Horne y Judy Garland con "The Joint Is Really Jumpin'". Quizá José Iturbi puso el sello de fatalidad en la empresa cuando él se sentó en su taburete para tocar el boogie-woogie golpeando con más fuerza que nunca las teclas del piano, en una muestra de mal gusto.

La historia vuelve a girar en torno al ejército y ahora vemos a un trapecista llamado Eddy (Gene) que siente un impulso irresistible para besar a una chica desconocida, la hija de un comandante. Cuando se entera, no sabe cómo disculparse, especialmente porque se tiene que incorporar a filas, precisamente en el regimiento de su padre.

El argumento, como es obvio, es lo menos importante del filme, pero el desfile de estrellas famosas justifica su importancia, aunque en muchas ocasiones los sketches musicales no estén a la altura de la categoría de sus intérpretes.

La contribución de la MGM al filme fue aportar un gran presupuesto, siguiendo la línea marcada por el Tío Sam para proporcionar algo de alegría a los espectadores de aquellos años, sumidos en la guerra y la penuria económica. Lo que empezó originalmente como un romance a pequeña escala entre la hija de un coronel y un trapecista llamado a filas, se convierte en un gran musical coronado con una espectacular aportación de estrellas invitadas.

Gene Kelly era el trapecista, Kathryn Grayson la hija del coronel, John Boles el coronel y Mary Astor su esposa. En el final, aparece Mickey Rooney como un médico, imitando un personaje que había realizado cuatro años antes. En esos años la Metro se jactaba orgullosa de tener más estrellas que el firmamento y por eso se podía permitir el lujo de incluir en el mismo filme a estrellas que por sí mismas podían sostener una película.

Eleanor Powell aparece más ágil y juvenil que nunca, Skelton realiza su parodia cómica al lado de Margaret O'Brien, compitiendo para ver quién podría comerse la mayor cantidad de helado; Morgan Frank como un estudiante de medicina y June Allyson tan tierna como siempre.

Maxine Barrett y Don Lope bailan juntos el “Tico tico”, mientras Judy Garland hace su número acompañada por José Iturbi. Kathryn Grayson cantó con su peculiar voz lírica

“Daybreak” y “Sempre Libera” de la ópera de Verdi La Traviata. La única oportunidad que tuvo Gene Kelly de realizar un baile adecuado fue con “The Mop Dance”, aportando los minutos más frescos, inventivos y valiosos del filme.

LUZ EN EL ALMA

Christmas Holiday (1944)

Universal

US. Misterio

92 minutos

Blanco y negro

Productor: Felix Jackson

Director: Robert Siodmak

Guión: Herman J. Mankiewicz

Basada en la novela de: W. Somerset Maugham

Fotografía: Elwood Bredell

Música:

H.J. Salter

Intérpretes:

DIANA DURBIN: Jackie Lamont, Abigail Martin

GENE KELLY: Robert Manette

RICHARD WHORF: Simon Fenimore

DEAN HARENS: Charles Mason

GLADYS GEORGE: Valerie de Merode

GALE SONDERGAARD: Mrs. Manette

DAVID BRUCE: Gerald Tyler

El guionista Herman J. Mankiewicz, tomando como base la novela de Somerset Maugham del mismo nombre, decidió cambiar el escenario francés por otro de Nueva Orleans, y lo convirtió en un vehículo para el lucimiento de Deanna Durbin, quien con sus veintidós años ya había sobrepasado todas sus posibilidades como estrella juvenil. Pero aunque algo más gordita, especialmente por los mofletes de su cara, Durbin consiguió demostrar que estaba muy adecuada en su papel de una cantante joven de Vermont que está casada con un asesino que cumple condena en la cárcel (Gene Kelly). Un día, su esposo se escapa de la cárcel convencido de que ella le engaña con otro y aunque les sorprende a ambos juntos en su propia casa, ella le dice aquello de: “no es lo que piensas”.

El malo de la película no es ella, ni su amante, sino el pobre Kelly que después de pasarse unos cuantos meses en la cárcel es abatido a tiros por la policía.

El director, Robert Siodmak, consigue con gran habilidad llevar la historia hasta un final dramático, al mismo tiempo que nos demuestra la estupenda categoría como actores de estrellas tan alejadas del drama como Gene Kelly y Diana Durbin. Esta película se hizo durante los días en que estaba vigente el Código Norteamericano de censura, y por eso no nos deben extrañar ciertas metáforas e insinuaciones en el guión que el espectador debe poner en su sitio. Si dicen que la esposa está siguiendo un rumbo equivocado, en realidad es que lleva una vida degradada y cuando le pone los cuernos a su marido es que necesita hablar con alguien.

Durbin canta acertadamente "Siempre" y aunque Kelly ni canta ni baila, consigue hacer un papel de persona débil mucho mejor que otros actores denominados dramáticos.

Premios:

Nominada al Oscar a la mejor música: Hans J. Salter

LAS MODELOS

Cover Girl (1944)

Columbia

107 minutos

Color

Productor: Arthur Schwartz

Director: Charles Vidor

Guión: Virginia Van Upp,

Marion Parsonnet, Paul Gangelin

Basada en la historia de: Erwin Gelsey

Fotografía: Rudolph Maté, Allen Davey

Música: M.W. Stoloff

Compositor: Carmen Dragon

Coreografía: Val Raset, Seymour Felix, Gene Kelly,

Stanley Donen

Vestuario: Travis Banton,

Gwen Wakeling,

Muriel King, Kenneth Hopkins

Intérpretes:

RITA HAYWOORTH: Rusty Parker, Maribelle Hicks

GENE KELLY: Danny McGuire

LEE BOWMAN: Noel Wheaton

PHIL SILVERS:

Genius

JINX FALKENBURG: Jinx

SHELLEY WINTERS: chica

La parcela del tiempo libre en época de

guerra entre los artistas y el público constituyen aquí un desorden, solamente aclarado con las escenas retrospectivas del teatro de Tony Pastor, en donde canta Rita Hayworth.

Rodada para la Columbia en un deslumbrante Technicolor, la mayoría de los bailes y canciones están especialmente bien logrados, incluso aquellos en los que interviene Rita.

Ella no era una cantante, pero cuando cantaba los hombres se derretían, y tampoco era una bailarina pero conseguía que Gene Kelly pareciera aún mejor a su lado.

Como musical aporta la separación clara que Kelly quería lograr entre el teatro y el cine.

En esa época ya era consciente de que la cámara cinematográfica obligaba a otra forma de bailar y se esforzó mucho para conseguir mostrar sus ideas con éxito. La canción

“Póngame a prueba” que canta a un maniquí, es tan memorable como aquel baile de Fred Astaire con un perchero.

Kelly y Silvers forman un equipo que rivaliza con la unión entre Kelly y Hayworth, aunque ella aparece tan suntuosa y con una sonrisa tan grande que nos impide apreciar con suficiente imparcialidad todo lo demás.

Las canciones de Rita están dobladas por Nan Wynn, mientras que muchos de los bailes fueron obra de Stanley Donen.

LEVANDO ANCLAS

Anchors Aweigh (1945)

EE.UU

Musical/Danza

140 minutos

Color

Productor: Joe Pasternak

Director: George Sidney

Guión:: Isobel Lennart

Basada en la historia de: Natalie Marcin

Fotografía: Robert Planck, Charles P. Boyle

Música:

George Stoll

Coreografía: Gene Kelly

Vestuario: Kay Dean

Dibujos animados: Fred Quimby

Canciones: Sammy Cahn y Jule Styne

Intérpretes:

FRANK SINATRA: Clarence Doolittle

GENE KELLY: Joseph Brady

KATHRYN GRAYSON: Susan Abbott

JOSE ITURBI: él mismo

CARLOS RAMIREZ: Carlos

Este binomio musical Gene

Kelly-Frank Sinatra tiene una gran abundancia de energía y espíritu, y el espectador puede sentirse a gusto con este maravilloso musical, sino fuera tan almibarado y asexuado. Pero no crean que el problema está precisamente en Kelly y Sinatra, ellos hacen lo que pueden para darle algo de vigor al filme, sino en ese dúo que forman Kathryn Grayson y José Iturbi. Ella, tan guapa y con una voz de soprano que hoy día encontramos fuera de lugar y sumamente artificial, está tan cargante como Iturbi.

El argumento tiene su gracia, puesto que asistimos a escenas reales dentro de los estudios de cine, y nos describen los problemas habituales en las personas que aspiran a ser actores.

El problema es que no hay quien se crea, al menos hoy, que la vida es tan sencilla y la gente tan maravillosa como nos la describen en la película.

El productor Joe Pasternak, parece ser que insistió en no mostrar y ni siquiera esbozar, una sola escena de sexo, aunque por otra parte admite que los dos marineros puedan estar a solas en casa de una chica, apenas unos minutos después de haberse conocido. Aún así, Pasternak no consigue destruir la vitalidad de Kelly, ni anular la presencia de Sinatra, en esa época un ídolo mundial de la canción. Para ambos actores supuso su primer gran triunfo en el cine, a pesar de que ese trío compuesto por Iturbi, Grayson y Pasternak, trataron de anularlo con su trabajo.

El argumento nos habla de dos marineros con permiso, uno un galán y otro un novato con las chicas, que llegan a las calles de Hollywood para divertirse, pero en lugar de ello se convierten en niñeras de un niño que desea ser marino como ellos. Su tía Susan (Grayson) es una recatada aspirante a cantante, que desea que alguien le proporcione una oportunidad para cantar delante de Iturbi. Mientras Kelly intenta que su sueño se haga realidad, Sinatra cuida a su sobrino pequeño, un angelical niño (Dean Stockwell) que solamente se duerme si Frank le canta "Arrullo" de Brahms.

Los dos pelean por el amor de Susan, pero cuando ella canta “Celos”, sus gorgoritos enloquecen a Kelly y por eso Sinatra pone sus ojos en Brooklyn (Pamela Britton), una camarera algo más fea pero más soportable. Gene Kelly tiene tres números de baile importantes, uno de ellos con Sinatra mientras destrozan un dormitorio, otro bailando el tango “La cumparsita” y otro con Jerry, el ratón animado. Solamente por esta corta secuencia titulada “The King Who Couldn’t Dance” merece la pena que la película forme parte de nuestra vídeoteca.

Premios:

Nominado como el mejor actor: Gene Kelly

Compañero de reparto:

Frank Sinatra

Sinatra comenzó su trabajo como cantante con las orquestas de Harry James y Tommy Dorsey, quienes tuvieron un gran éxito durante el decenio de 1940. Ha tenido un gran magnetismo para el público y su encanto consiguió altas dosis de histerismo masivo. Su primera actuación en el cine como actor fue en 1943, continuando imparable hasta 1983.

En 1952 se vio afectado por una intensa hemorragia en las cuerdas bucales que presagiaba su retirada definitiva del mundo de la canción, pero se recuperó pronto y ese incidente nunca más se volvió a generar.

Sinatra entonces probó su versatilidad y elasticidad para interpretar en el cine papeles dramáticos más agresivos y consiguió su propósito cuando hizo el papel de Maggio en “De Aquí a la Eternidad” (1953), como un héroe vicioso en “The Man With the Golden Arm” de Otto Preminger (1955) y como Bennett Marco en el político psicodrama, “The Manchurian Candidate” (1962).

Después de recobrar y desarrollar sus facultades vocales, Sinatra volvió al mundo del espectáculo consiguiendo igualmente grandes éxitos, especialmente con sus actuaciones en los night-clubs de Las Vegas, siguiendo simultáneamente con su trabajo en películas internacionales, incluyendo algunos thrillers muy apreciados. Su figura legendaria y el resurgimiento posterior, sirvió de base para el personaje de Johnny Fontane en El Padrino (1972), aunque al final su puesto le fue arrebatado por problemas económicos.

Estuvo casado con actrices como Ava Gardner y Mia Farrow y es padre de la cantante/actriz Nancy Sinatra (1940) y de Frank Sinatra Jr., actor y músico (1943).

Cuando Frank Sinatra en sus últimos trabajos como cantante caminaba sobre el vestíbulo del Capitol Tower en Hollywood y entró en los estudios para grabar un nuevo álbum, la expectación era extraordinaria: iba a realizar de nuevo unos memorables dúos con cantantes de gran prestigio, tal y como lo había hecho anteriormente en 1961.

Para mucha gente, el nombre de Frank Sinatra era solamente legendario, pero apenas si habían escuchado sus canciones, puesto que la mayoría no habían nacido cuando su época dorada había finalizado. Si eran ciertamente aficionados a la música de calidad sabían que era un extraordinario cantante de ojos azules que enamoró a las chicas de su generación y que todavía era muy conocido por su canción “Extraños en la noche”.

La realidad es que Sinatra fue y aún es, el indiscutible cantante más popular de América, juntamente con Elvis Presley, y que sus discos aún los conservan las personas que han pasado ya de los 40 años, con cierta nostalgia de un cantante que nunca desapareció definitivamente de las listas de éxito. Lo normal es que los hijos regalen a sus padres los nuevos CD de Sinatra y que para ambos “My Way” sea el buque insignia que identifique a Frank con las nuevas generaciones.

La llegada del rock and roll pareció anularle y la juventud se olvidó de aquel cantante que les había hecho soñar y enamorarse. Para bailar ya no buscaban una música lenta y melodiosa que les permitiera abrazar fugazmente a su amor, sino un ritmo más frenético que les hiciera embriagarse con el movimiento y la música. Pero Sinatra no estaba acabado, solamente esperaba su momento para volver a demostrar que seguía siendo único.

Y fue en 1993 cuando su nombre volvió a sonar de manera apoteósica. Su disco “Duets” en el cual se agrupan las mejores voces de la música moderna de todos los tiempos, formando un dúo magistral con Sinatra, y dirigidos por Patrick Williams, consigue renacer la Sinatramanía. En este disco encontramos “What now my Love”, el legendario éxito de Gilbert Becaud, “I’ve Got you Under my Skin” de Cole Porter y “New York, New York”, en un arreglo de Don Costa.

Reunir en un disco a dos cantantes como Sinatra y Streisand, consiguió una magia interpretativa desconocida hasta entonces, lo mismo que lograr unir a Frank con Julio Iglesias, todo un ejemplo de coordinación y marketing que funcionó de maravilla. No obstante, no se lleve el lector a engaño, ya que dicha grabación no se realizó, salvo excepcionalmente, en conjunto, ya que los demás cantantes añadieron su voz cuando ya estaba grabada la de Sinatra, del mismo modo que posteriormente hizo Natalie Cole con las canciones de su padre Nat King Cole.

La figura de Frank Sinatra perdurará siempre, puesto que es una superestrella que ha sabido triunfar por igual en el cine, en la televisión y en la canción, aportando un estilo propio y una forma de cantar única y perfecta. La Voz, apodo con el cual se le bautizó acertadamente hace muchos años, no ha tenido aún sucesor. Él, sin embargo, se ha definido en más de una ocasión como un sencillo cantante de cantina, aunque para nosotros el mundo sea su propia cantina.

ZIEGFELD FOLLIES (1946)

MGM

US Musical/Danza

110 minutos

Color

Productor: Arthur Freed

Director: Vincente Minnelli, George Sidney, Charles Walters, Roy Del Ruth, Lemuel Ayers

Guión: E.Y. Harburg y 35 más

Fotografía: George Folsey, Charles Rosher, William Ferrari Música:

Lennie Hayton

Decorados: Jack Dawn

Coreografía: Robert Alton

Vestuario: Florence Bunin, Irene, Helen Rose

Intérpretes:

WILLIAM POWELL: El Gran Ziegfeld

FRED ASTAIRE:

LUCILLE BALL

JUDY GARLAND

ESTHER WILLIAMS

RED SKELTON

GENE KELLY

ROBERT WAYNE

KEENAN WYNN

PETER LAWFORD

KATHRYN GRAYSON

Vincente Minnelli dirige un lanzamiento extraordinario de estrellas del musical americano, apto en principio para los teatros de Broadway, pero que constituyó un gran éxito en el momento de su estreno, por cierto retrasado dos años por la distribuidora.

Este estupendo musical del Hollywood de los años 40 tiene una peculiar decoración y un estilo que fue copiado posteriormente por la mayoría de las películas del género. En la puesta en escena no falta nada del Hollywood más clásico: chicas del coro guapísimas que apenas si hacen algo, decorados de fuertes colores, luces sabiamente colocadas, bastante humo y muchas canciones que luego nadie recordaría.

Pero Minnelli no quería convertir a esta reunión de grandes estrellas en un documental y logró unirlas adecuadamente con un argumento sostenido por Astaire, mientras introducía hábilmente a cómicos famosos como Red Skelton, a actores como Keenan Wynn y a una Esther Williams más majestuosa y mojada que nunca.

Fred Astaire baila "Limehouse Blues" y “This Heart of Mine” con Lucille Bremer. Pero el auténtico número fuerte es el número de baile de Gene Kelly con Fred Astaire, nada original en su argumento, pero toda una epopeya en el cine musical. Su número titulado

"El Babbitt y el Bromuro", fue ensayado durante dos semanas y se necesitaron dos días para el rodaje, pero no se lo pierdan.

También sale una correcta Judy Garland en el número "Entrevista a una gran señora" y un buen sketch cómico a cargo de Victor Moore y Edward S. Arnold. El único número que pueden perderse es el de Kathryn Grayson cantando algo así como “Hay belleza por todas partes”, con unos decorados surrealistas tan empalagosos como su canción.

Su compañero de reparto:

Fred Astaire

Frederick E. Austerlitz

(1899-1987)

“Cuando Fred bailaba, no tocaba el suelo”

Fred Astaire nació en una familia de origen austriaco que no tenía ningún contacto con el mundo artístico, lo que no impidió que el joven Frederick se interesase por el baile desde los ocho años de edad. Tres años más tarde ya trabajaba con su hermana Adela en los escenarios realizando un número musical que prolongaron durante ocho años más.

Con ella realizó una turné por todo el país y fueron los protagonistas de la comedia musical “Over the top”, además de otros éxitos como “Lady be god”, “Funny Face” y

“Band Wagon”.

En 1932 se casó su hermana y Fred se quedó sin pareja de baile, aunque ese mismo año hizo su debut en el cine en el filme “Alma de bailarina”, al lado de Clark Gable y Joan Crawford. Un año después se casó con Phyllis Baker, que falleció de cáncer en 1954, dejándole dos hijos: Frederick y Ava. No volvería a casarse hasta 26 años después, en 1980, con Robyn Smith, una jockey profesional 44 años más joven que él.

Su primera prueba para el cine fue recibida con poco entusiasmo por los directores del cast, quienes afirmaron que era “feo, delgado y con un mal acento, aunque tenía cierta habilidad para bailar”. Aún así, alguien debió ver mejores virtudes en Fred y le asignaron un papel secundario en “Volando hacia Río de Janeiro”, con Ginger Rogers.

Su consagración definitiva como bailarín la tuvo precisamente con su unión a Ginger, una actriz que no tenía las óptimas cualidades bailando de Fred pero que sabía dejarse guiar.

Triunfaron como pareja en “Sombrero de copa”, “Sigamos la flota” y “Swing time”, aunque sus desavenencias como amigos eran de dominio público. Su última intervención como pareja fue en “Vuelve a mí” en 1949, fecha en la cual la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood concedió a Fred un oscar honorífico por “su virtuosismo y contribución al arte de la comedia musical”.

Después de independizarse de Ginger Rogers, trabajó en “Three little words” y “La bella de Nueva York” junto a Vera-Ellen, “Papa piernas largas” con Leslie Caron, “Una cara con ángel” con Audrey Hepburn y “La bella de Moscú” con Cyd Charisse, entre otros filmes.

Deseoso de abandonar el cine musical y consciente de que su edad, 58 años, ya no le permitía moverse con la agilidad de antes, se decide por el cine dramático y hace “La hora final” en 1959, “El coloso en llamas” en 1975 y “Una historia macabra” en 1981.

También se une a su buen amigo Gene Kelly para organizar tres documentales sobre el cine musical norteamericano, titulados “Érase una vez en Hollywood” en 1974,

“Hollywood, Hollywood” en 1976, y “Esto es baile” en 1984.

Recibió una nominación al oscar como el mejor actor secundario por su trabajo en “El coloso en llamas”.

LIVING IN A BIG WAY (1947)

MGM

US Comedia

103 minutos, Blanco y negro

Guión: Gregory La cava y Irving Rosson

Fotografía: Harold Rosson

Música: Lesnnie Hayton

Director:

Gregory La Cava

Intérpretes:

GENE KELLY: Leo Gogarty

MARIE McDONALD: Margoud Morgan

CHARLES WINNINGER: Rutherford Morgan

PHYLLIS THAXTER: Peggy Randall

SPRING BYNGTON: Señora Morgan

JEAN ADAIR: Abigail Morgan

El teniente Kelly se marcha a la guerra tan sólo unas horas después de haberse casado con Marie, una chica a quien solamente había conocido unos días antes. Cuando vuelve, tres años después, está deseoso de comenzar una larga y sentimental relación con su desconocida esposa, pero ella está ya arrepentida y le pide el divorcio. La familia de la chica ha conseguido amasar una fortuna con el estraperlo y todos apoyan al guapo militar, salvo la caprichosa joven que no quiere verse atada a nadie, ahora que sus padres son ricos.

Aunque los puristas podrían sostener que “Living in a Big Way” (algo así como Viviendo a lo grande) no fue nunca una película estrictamente musical, sino un intento de la MGM

para promocionar a Marie McDonald, los tres números musicales a cargo de Gene Kelly, coreografiados con la ayuda de Stanley Donen, son suficientes para incluirla entre las comedias musicales.

En el primer baile, Kelly y su co-estrella Marie McDonald bailaron a semejanza de Astaire y Rogers, la pieza “Tenías que ser tú” (de Gus Kahn y Isham Jones). En el segundo, el número se tituló “Fido And Me” (de Louis Alter y Edward F. Heyman), bailado por Kelly que gira husmeando junto a un perro alrededor de una estatua que representa a una mujer. Ese baile demuestra que el perro era mucho mejor actor que Marie.

Ella debió presentir que esto ocurriría, ya que se opuso firmemente a que ambos, el perro y Gene Kelly, compartieran cartelera con ella. El último baile le sitúa moviéndose arriba y debajo de un edificio en construcción, en el cual existen unos anillos metálicos que le permiten elaborar unos acertados números de baile. También aprovecha los pasamanos de la escalera y algunos tablones de madera.

El número, realizado con niños, incluye las canciones “Ring Aroundd The Rosy”, “En In And Out The Windows”, “Loo By Loo” y “Doodle”.

Kelly demuestra ser el mejor bailarín con sus cualidades atléticas y su manera fácil y espontánea de manejar a los niños.

El tema visto hoy, con el chico guapo, honrado y trabajador, despreciado por la joven millonaria que no da golpe, puede parecer desfasado, pero es bastante más habitual de lo deseable. Aunque la película juega con estereotipos y demasiado sentimentalismo, creemos que hubiese merecido un mejor destino y aceptación.

EL PIRATA

The Pirate (1948)

MGM

US

102 minutos

Technicolor

Productor: Arthur Freed

Director: Vincente Minnelli

Guión: Albert Hackett, Frances Goodrich, Joseph L. Mankiewicz (sin créditos), Joseph Than, Lillian Braun, Anita Loos y Wilkie Mahoney

Basado en la obra de teatro de: S.N. Behrman

Director musical: Lennie Hayton

Compositor: Cole Porter

Coreografía: Robert Alton y Gene Kelly

Intérpretes:

JUDY GARLAND: Manuela

GENE KELLY: Serafin

WALTER SLEZAK: Don Pedro Vargas

GLADYS COOPER: Tía Inez

REGINALD OWEN: El Abogado

GEORGE ZUCCO: El Virrey

Judy Garland es una doncella de 19 años que vive en una isla caribeña y sueña con un pirata famoso, y Gene Kelly realiza una exhibición emulando al legendario Fairbanks, con espada y capa moviéndose al unísono.

Este musical de Vincente Minnelli estaba basado en una obra teatral de Behrman que se había realizado con pocas pretensiones en su momento. Minnelli adquirió los derechos para su recién estrenada esposa Judy Garland y para que todo saliera bien contrató a Gene Kelly y al compositor Cole Porter, para que se encargaran de toda la labor musical del filme. Aunque realmente la película no funcionó (quizá porque era difícil asimilar una película de piratas que cantan en lugar de matar a través de los siete mares), hoy en día se puede ver si no somos demasiado exigentes.

Los Nicholas Brothers se unen a Garland y Kelly en el famoso "Be a Clown”, un baile que mezcla a los payasos, con el baile y las canciones, diseñado exclusivamente por Gene.

“El Pirata” está producida por Arthur Freed y dirigida por Vincente Minnelli y era, si ello es posible, aún más artificial en su look que la atmósfera creada en “Yolanda And The Thief”, del mismo equipo, rodada en 1945.

Y como Yolanda

no fue un éxito, alguien pensó que se podía volver a intentar algo parecido, pero ahora contarían con la música de Cole Porter y la presencia de Garland y Kelly.

La historia nos habla de un cómico llamado Serafín que pretende ser un pirata caribeño muy popular llamado Macoco, para así conseguir ganar el amor de Manuela, una chica rica que es hipnotizada por Serafín hasta el punto en que ella se cree que está enamorada de él. La isla en la que viven se llama San Sebastián, aunque en realidad todo se reduce a unos cuantos decorados colocados hábilmente.

Judy Garland como Manuela y Gene Kelly como Serafín actúan con mucha más rigidez que en otras películas, aunque consiguieron diferenciar perfectamente sus números musicales de su papel como intérpretes. Nada que objetar, por tanto, al conjunto de su interpretación y hasta podríamos considerar que están muy correctos.

Los resultados globales no son malos, pero la película falló, quizá por el exceso de ingredientes. La historia de un cómico que se hace pasar por pirata, de un pirata que aparenta ser un alcalde honrado y de una guapa chica hambrienta de emociones sentimentales, no es desacertada, pero si lo mezclamos con bailes, canciones y decorados escandalosos, nos explicaremos dónde está el problema.

Con el paso del tiempo, sin embargo, nos ha permitido volver a evaluar sus calidades, y aunque la claustrofobia de los decorados nos condicionan, no podemos negar la buena labor de Minnelli como director.

Con guión de Albert Hackett y Frances Goodrich a partir de una obra de Behrman, la película puede permanecer como muy digna en la mente de los fans de Kelly, especialmente si olvidamos a todos, excepto a él y a Garland. La dirección de los bailes a cargo de Gene y Robert Alton, especialmente la coreografía de “Nina” tienen una gran calidad. Bailando al ritmo de un bolero pegadizo, Kelly, vestido con pantalones negros, chaleco de fuertes colores y sombrero español, mientras sus rizos se mueven en su frente cuando trepa por las alturas, es apoteósica. En esta película los productores intentaron que Gene tuviera un doble que realizara sus escenas circenses más acrobáticas, no por falta de cualidades, sino por miedo a que se lesionase, pero él rechazó tal oferta. Si no era capaz de realizar íntegramente un baile no estaba dispuesto a hacerlo parcialmente. Todo se solucionó haciéndole un seguro de accidentes.

Cuando Kelly corteja a cada muchacha que pasa por las calles de la isla caribeña de San Sebastián llamándolas niñas, nos parece un ejercicio demasiado estilístico para afirmar sus ademanes masculinos, algo que queda ya perfectamente definido cuando baila. Pero no es solamente la presencia de Kelly lo único digno del filme, ya que también hay que destacar el montaje de Blanche Sewell, la fotografía en Technicolor de Harry Stradling, el color escogido por Minnelli para compensarlo todo y, por supuesto, el hechizo de las canciones de Cole Porter.

Menos inventivo, pero también excitante desde el punto de vista visual, es el ballet de “El Pirata”, en el cual Kelly, realmente Serafín, baila una fantasía como el supuesto pirata Macoco, corveteando tumultuosamente arriba y debajo de la pantalla, mientras una cortina de humo inunda la escena. Este baile no está tan bien coreografiado como “Nina” y es bastante más ruidoso. Los momentos de mayor sosiego en la película llegan de la mano de la balada de Porter, “You Can Do No Wrong” que siguió a un salvaje baile en el que intervino Judy Garland.

LOS TRES MOSQUETEROS

The Three Musketters (1948)

MGM

US

125 minutos

Technicolor

Productor: Pandro S. Berman

Director: George Sidney

Guión: Robert Ardrey

Basado en la novela de: Alejandro Dumas

Director musical: Charles Previn

Compositor: Herbert Stothart

Intérpretes:

LANA TURNER: Condesa Charlotte de Winter

GENE KELLY: D'Artagnan

JUNE ALLYSON: Constance Bonacieux

VAN HEFLIN: Robert Athos

ANGELA LASBURY: Reina Anne

FRANK MORGAN: Rey Louis XIII

VINCENT PRICE: El Primer Ministro Richelieu

GIG YOUNG: Porthos

PATRICIA MEDINA: Kitty

KEENAN WYNN: Panchet

Sonriendo abiertamente, brincando en homenaje a Douglas Fairbanks, Gene Kelly se zambulle con su espada entre docenas de extras, bóvedas de castillo y más caballos que hay en un rodeo, mientras balancea su cuerpo lleno de ropajes entre candelabros, saltando al menos 17 veces de una a otra azotea. Un ejercicio circense solamente apto para un actor tan atlético como Kelly.

Su D'Artagnan vira entre el romance y la parodia, pero siempre es agradable. Sin embargo, la producción de la MGM es muy pesada y el argumento sumamente enredado. Como Lady Winter, Lana Turner parece más una camarera con trajes vistosos que intercambia sarcasmos insinuantes, que una gran dama, y Vincent Price como el cardenal Richelieu, podría pasar perfectamente como un distribuidor de automóviles usados. El problema no está, por supuesto, en tan extraordinarios actores, sino en la sofisticación que se vieron obligados a soportar a causa del guión de Ardrey.

Tampoco está adecuada la estupenda Angela Lansbury cuando lleva la corona de Francia como si ella la hubiera ganado en un concurso de alguna feria de pueblo y ni siquiera podemos salvar a la risueña June Allysson como la Señora Constance, quien parece más una muchachita con ropa de pre-mamá, que una dama de compañía de la Reina.

Los asuntos amorosos de Kelly no parecen tan maravillosos como deberían ser y valga este ejemplo: él tira a Lana Turner tan bruscamente encima de la cama que ella se cae encima de él y se rompe un codo. Por eso creemos que Gene debería haber tirado mejor al director George Sidney y el diseñador del vestuario Walter Plunkett, que ridiculizaron a los actores.

Su compañera de reparto:

Lana Turner

(1920 ~ 1995)

Cuando era una

adolescente aspirante a actriz ella ya se hacía llamar “La Muchacha del Suéter”, consiguiendo en poco tiempo ser una estrella madura y fascinante. Julia Jean Mildred Frances Turner nació en Wallace, Idaho, trasladándose con su madre a California cuando su padre, el bailarín Virgil Turner, fue asesinado y robado en circunstancias aún no aclaradas.

A los 15 años de edad Lana fue descubierta por un cazatalentos de Hollywood, mientras trabajaba en una droguería y se dirigía a la escuela. Turner intervino por primera vez como protagonista en el cine de la mano del director Mervyn LeRoy, quien se interesó vivamente por ella y la hizo firmar un contrato en exclusiva. Su primera película fue “They won’t forget” en 1937, continuando con “The grant Garrick” y “Las aventuras de Marco Polo” en 1938.

En 1940 empezaría a ser conocida por el público con la película “We who are young”.

Desde ese momento los productores consideraron que se encontraban ya ante una actriz lo suficientemente a gusto del espectador como para incluirla en producciones mayores como

“Ziegfield Girl” (41), “Dr. Jekyll y Mr Hyde” (41), y “El Cartero siempre llama dos veces” (45), algunas de ellas consideradas como las mejores películas de los años cuarenta.

Pero pronto sus problemas sentimentales se hicieron escabrosos, y las noticias salpicaron las páginas de sucesos. En 1958 fue el centro de la atención mundial cuando su hija, Cheryl Crane, asesinó con un cuchillo al amante de su madre, el gángster Johnny Stompanato, alegando malos tratos. Después de que declarasen a su hija absuelta por homicidio justificado, la carrera de la actriz sufrió un brusco cambio y aunque en el cine continuó triunfando, ella no quería seguir siendo actriz.

Su retiro estuvo marcado por las películas “La mujer X” en 1966 y “El terrón de azúcar” en 1969, aunque volvería cinco años después por motivos económicos para rodar

“Persecución”, “Amor amargo” y “Witche’s brew” en 1978. Se reincorporó a la escena en 1983 para intervenir como estrella invitada en la serie de televisión “Falcon Crest”.

En 1992 se le declaró un cáncer de garganta y sobrevivió milagrosamente, pero el mal se le reprodujo tres años después, falleciendo en junio de 1995 en el Hospital Cedars-Sinai Medical Center de Los Angeles.

Fue nominada al Oscar por su trabajo en “Cumbres borrascosas” en 1957 y recibió el Premio Donostia en el Festival de San Sebastián de 1994, en reconocimiento al conjunto de su carrera cinematográfica.

WORDS AND MUSIC (1948)

MGM

US

119 minutos

Color

Productor: Arthur Freed

Director: Norman Taurog

Guión: Fred Finklehoffe y Ben Feiner Jr.

Basado en la historia de: Guy Bolton, Jean Holloway

Adaptado por: Feiner, Holloway, Bolton, Isabel Lennart y Jack Mintz Fotografía: Charles Rosher y Harry Stradling

Director musical: Lennie Hayton

Efectos especiales: Warren Newcombe

Maquetas: Jack Dawn

Coreografía: Robert Alton

Vestuario: Helen Rose y Valles

Intérpretes:

PERRY COMO: Eddie Lorrison Anders

MICKEY ROONEY: Lorenz "Larry" Hart

ANN SOTHERN: Joyce Harmon

TOM DRAKE: Richard "Dick" Rodgers

BETTY GARRETT: Peggy Lorgan McNeil

JANET LEIGH: Dorothy Feiner

CYD CHARISSE: Margo Grant

JUDY GARLAND

JUNE ALLYSON

GENE KELLY: Olly

VERA-ELLEN: chica de la 10th avenida

Basada en la doble biografía de los compositores Richard Rodgers y Lorenz Hart, con Tom Drake y Mickey Rooney interpretándoles demencialmente, nos encontramos con una película de pésimo argumento (quizá es que nunca lo hubo) y extraordinarios números musicales.

El plantel de grandes estrellas es amplio e incluye a Judy Garland, Cyd Charisse, Perry Como, Janet Leigh, Gower Champion, Gene Kelly (quién coreografió “ Matanza en Décima Avenida” ballet que él baila con Vera-Ellen), y June Allyson, cuya actuación junto a los Gemelos de Blackburn supone una mancha en su carrera. Está correcta Lena Horne cuando canta "La Señora es un peso pesado", lo mismo que Ana Sothern, Mel Tormé, Betty Garrett, y Marshall Thompson.

Norman Taurog dirigió, por llamarlo de algún modo, el guión de Fred Finklehoffe, basado en una historia de Tipo Bolton y Jean Holloway. Robert Alton y Kelly organizaron los bailes.

La parte más importante del filme es la secuencia entre Gene Kelly y Vera-Ellen “Slaugter on Tenth Avenue”, obra que ya se había presentado con un gran éxito en 1937 en Broadway, como final del musical On Your Toes. Esta secuencia dura en “Words and Music” apenas siete minutos y constituyen por sí sola la justificación para ver toda la película, aunque pueden prescindir del resto si lo desean. Kelly interpreta a un camorrista quien ve a una atractiva chica (Vera-Ellen) que lleva una falda abierta y se acerca a ella.

Ambos comienzan a bailar hasta que aparece un rival y ambos pelean, hasta que la chica recibe una bala y cae muerta en sus brazos, mientras él muere de otro balazo. Para Gene, Vera-Ellen fue la mejor bailarina de la historia del cine musical y para ella, esta secuencia constituyó lo mejor de toda su carrera.

UN DIA EN NUEVA YORK

On the Town (1949)

MGM

US Musical/Danza

98 minutos

Color

Productor: Arthur Freed

Director: Gene Kelly y Stanley Donen

Guión: Adolph Green y Betty Comden

Basado en la obra musical de: Comden, Green y Bernstein, con el ballet "Fancy Free" de Robbins

Fotografía: Harold Rosson

Director musical: Lennie Hayton y Roger Edens

Compositor: Leonard Bernstein, Roger Edens y Saul Chaplin Efectos especiales: Warren Newcombe

Maquetas: Jack Dawn

Coreografía: Gene Kelly y Stanley Donen

Vestuario: Helen Rose

Intérpretes:

GENE KELLY: Gabey

FRANK SINATRA: Chip

VERA-ELLEN: Ivy Smith

BETTY GARRETT: Brunhilde Esterhazy

ANN MILLER: Claire Huddesen

JULES MUNSHIN: Ozzie

FLORENCE BATES: Mme. Dilyovska

ALICE PEARCE: Lucy Shmeeler

La Ciudad de Nueva York nunca apareció más bonita o excitante en la pantalla que en “Un Día en Nueva York”, una película novedosa que, por primera vez, rodó los exteriores musicales en las calles auténticas de la ciudad, alejados así de los claustrofóbicos escenarios de los estudios.

La historia se funde perfectamente con la música, con las canciones, y los bailes, generando una película inédita hasta entonces, en la cual el argumento no era ya una simple excusa para enlazar canciones, sino una historia en sí misma. “Un Día en Nueva York” es tan enérgica y vital que la pantalla apenas puede abarcarla y los actores parecen brincar entre los pasillos de la sala.

La historia arranca con una gran fuerza, cuando los marineros Gabey (Gene Kelly), Chip (Frank Sinatra), y Ozzie (Jules Munshin) tienen un permiso militar durante 24 horas para visitar Nueva York. En el metro, ellos miran un cartel de ese mes que trae una foto de la

"Srta. Turnstiles" (Señorita torniquete), de cuya foto Gabey queda hechizado. Dice que esa es la clase de chica que él podría amar y cuando salen al andén se encuentran precisamente con la chica de la foto, Ivy “Turnstiles” Smith (Vera-Ellen), en carne y hueso, mientras posa para la prensa. Gabey es reclamado para hacerse una foto con ella y luego la chica desaparece sin que él pueda hacer nada para saber su dirección.

Deseando encontrarla de nuevo se van en su busca en un taxi conducido por Brunhilde Esterhazy (Betty Garrett), quién proporciona muchos datos para encontrarla. Continuando su búsqueda, ellos se encuentran a una antropóloga llamada Claire Huddesen (Ana Miller), quién pone sus ojos en Ozzie. Y así, los cinco juntos, Brunhilde y Chip, Claire y Ozzie, y Gabey, buscan a Ivy y están de acuerdo en encontrarse en la terraza del Empire State.

Después de un día de aventuras románticas y desgracias, ellos se juntan en el sitio fijado, Gabey por fin acompañado con Ivy a quien cree una gran celebridad. Luego, en Coney Island, ella le confiesa que es del mismo pueblo que él y no es una celebridad, sino una chica que trabaja para poder pagarse los estudios de baile. Finalmente todo se resuelve, las chicas les acompañan de madrugada hasta el barco, y quedan en volverse a ver en un futuro.

Louis B. Mayer compró los derechos para el cine en 250.000 dólares antes de que fuera producida, pero no le gustó la obra cuando él la vio y la tachó de “oscura” y “comunista” porque había una escena que tenía un marinero blanco que baila con una mujer negra. La opinión del productor Arthur Freed prevaleció sobre la de Mayer para darle unos 2

millones de dólares de presupuesto, incluidos los 110.000$ a Betty Comden y Adolph Green para que volvieran a escribir nuevas letras para la música, juntamente con el productor Roger Edens.

La situación se complicó cuando Mayer no quiso que la película se rodara en exteriores, mientras que el codirector Kelly quería rodar toda la película en los escenarios naturales de Nueva York. Esto le obligó a aceptar un compromiso en el que Kelly tendría que dedicar una frenética semana para rodar en el Bronx, Battery, Coney Island, Brooklyn, el Edificio Empire State y Times Square. Quedaron incluidas también la Estatua de la Libertad, la Quinta Avenida, Radio City, el Parque zoológico del Bronx, Central Park, Carnegie Hall, el metro, Wall Street, la Tumba de Franklin, y el Brooklyn Courtyard Navy. Quizá era el corto horario disponible para rodar la película lo que contribuyó a su ritmo tan frenético, una gira sin un segundo de descanso.

Los codirectores de “Un Día en Nueva York” fueron Kelly y Stanley Donen, triunfadores posteriormente con “Cantando Bajo la Lluvia” en 1952 y “Itś Always Fair Weather”, en 1955. Kelly organizó toda la coreografía, adoptando en una ocasión la estrategia de Agnes Mille en “Oklahoma”, y conservando a los bailarines más hábiles para las escenas de ballet.

El resumen es que es posible que existan en otros musicales mejores canciones y bailes, pero la frescura, dinamismo y energía que hay en “Un día en Nueva York” no han podido ser superadas todavía. Si busca evadirse de sus problemas y ver en escena a la mejor pareja de bailarines de todos los tiempos, Kelly y Vera-Ellen, al lado del mejor cantante melódico de la historia, Sinatra, esta es su película.

Música

Las canciones incluyen “Nex York, New York”, “I Feel Like I'm Not out of Bed Yet”,

“Come Up to My Place” (Bernstein, Comden, Green), “Miss Turnstiles Ballet"

(Bernstein), “Main Street”, “You're Awful”, “Un Día en Nueva York”, “You Can Count on Me”, “Pearl of the Persian Sea”, y “El Hombre Pre-histórico”, “That's All There Is, Folks” (Roger Edens, Comden, Green).

Premios:

Oscar a la mejor partitura para una película 1949: Roger Edens, Lennie Hayton Su compañera de reparto:

VERA-ELLEN

(1926-1981)

Bailarina, actriz

Nombre: Vera-Ellen Westmeyr Rohe

Nacida: 16 de febrero de 1926 en Cincinatti, OH

Fallecida: 30 de agosto de 1981 en Los Angeles, CA

Vera-Ellen ha sido considerada como una de las mejores bailarinas del cine americano de todos los tiempos, aunque su popularidad no alcanzara nunca la de otras actrices menos dotadas. Con su menuda figura y su cabello rubio, se movía con una agilidad que ninguna otra bailarina podía lograr, contando, además, con recursos ilimitados que la permitían improvisar sin que el espectador fuera consciente de ello.

Formando pareja con los tres bailarines del musical americano más importantes, Gene Kelly, Fred Astaire y Donald O’Connor, aportó no solamente una compañera que se movía al unísono con ellos, sino también alguien que era capaz de obligarles a desplazarse y a seguirla en sus ágiles movimientos.

Con su cara de niña buena, sus andares enérgicos y su figura estilizada, consiguió que cualquier oponente masculino pudiera destacar a su lado, aunque ello supusiera pasar ella a segundo plano.

Su afición al baile comenzó desde niña, cuando tenía cinco años, y los primeros datos sobre sus éxitos proceden del año 1936, cuando con apenas 10 años conseguía ser la bailarina más joven y más prestigiosa en los musicales de Radio City Music Hall Rockette, pasando inmediatamente a ser la primera bailarina en numerosos musicales de Broadway.

Apenas cumplió los dieciocho años fue seleccionada por el productor Samuel Goldwyn para formar parte de sus “chicas Goldwyn”, debutando en el filme “Wonder Man” (Un hombre fenómeno, 1945), junto a Danny Kaye, con quien haría dos películas más.

Anteriormente había realizado una pequeña intervención en la película inglesa “Happy Go Lucky” en 1943.

Un año después, y nuevamente con Danny Kaye, hizo “The Kid From Brooklyn” (El asombro de Brooklyn, 1946), película galardonada con un oscar a los mejores efectos especiales y que tuvo un gran éxito en todo el mundo. Unos meses después, y en un papel inferior, interpretó “Three Little Girls in Blue” (1946), una comedia musical plagada de novedosos y buenos efectos especiales. Ese mismo año se divorció de su primer marido Robert Hightower, con quien había estado casada solamente un año, sin que llegaran a tener hijos.

Después, en 1947, realizó junto a Carmen Miranda “Carnaval en Costa Rica” y un año después “Words and Music” (1948), una recopilación de buenos números musicales unidos por un débil argumento, en la cual apenas si sale diez minutos. Esos pequeños minutos sirvieron, no obstante, para afianzar su gran categoría como bailarina, ya que teniendo como pareja a Gene Kelly efectúa una gran exhibición de un pequeño drama musical, en el cual ella acaba muriendo.

Su carrera cinematográfica parecía ya imparable y contaba incluso con algunos clubes de fans en América, siendo seleccionada para formar pareja con Harpo Marx en el filme

“Love Happy” (Amor en conserva, 1949). Pero esta película, en la cual debutaba Marilyn Monroe, era ya el definitivo canto de cisne de Los Hermanos Marx y supuso uno de los grandes fracasos del trío de cómicos, alcanzando también a Vera-Ellen, quien no obstante conseguía efectuar un par de buenos números musicales, en blanco y negro.

Pero el destino la tendría reservado su gran triunfo cuando interpretó “On The Town” (Un día en Nueva York, 1949), junto a Gene Kelly y Frank Sinatra. La película fue un éxito absoluto en todo el mundo y hoy en día es considerada como uno de los clásicos del cine musical americano. Vera-Ellen consigue eclipsar con sus bailes incluso al mismísimo Kelly, quien se encuentra pletórico de facultades cuando baila con ella.

Ese éxito la conduce a trabajar en “Three Litlle Words” en 1950 con Fred Astaire y dos años después vuelven a formar de nuevo pareja en “The belle of New York”, una comedia basada en una popular ópera de Broadway.

Al lado de David Niven y César Romero filma en 1951 “Happy go Lovely” (Horas de ensueño), una agradable comedia de intriga con buenos números musicales y en 1953 “Big Leaguer” con el popular Edward G. Robinson, película que no tuvo apenas ningún éxito comercial y de la cual no disponemos de datos. Ese mismo año tiene un merecido éxito conjuntamente con Donald O’Connor y Ethel Merman en “Call Me Madam (Llámeme señora, 1953), aunque su presencia es anulada deliberadamente en favor de estos dos actores.

Un año después, en 1954, vuelve a alcanzar un nuevo triunfo en todo el mundo al interpretar “White Chrismas” (Navidades Blancas), junto a Danny Kaye y Bing Crosby, la primera película que se filmó en el nuevo sistema VistaVision. En este filme, Vera-Ellen estaba en su mejor momento artístico y como bailarina nos deleitó con algunos números musicales de imborrable recuerdo. Ella sola es capaz de dar categoría al filme, sin que podamos olvidar las canciones de Crosby.

Pero su retirada del cine era ya un hecho, especialmente cuando se casó en 1954 con el financiero Victor Rothschild, uno de los hombres más ricos del mundo. Al año de su matrimonio se quedó embarazada, pero perdió a su hijo cuando apenas había cumplido los dos meses, falleciendo cuando dormía por causas desconocidas. Este hecho la sumió en una profunda depresión de la cual nunca más se recuperaría, y se retiró no solamente del cine sino de la vida pública.

Afortunadamente la gran amistad que le unía con el presentador Perry Como la sacaron de su aislamiento y en 1956 interviene en “El Show de Perry Como”, en un programa homenaje al filme “Planeta prohibido”. En este show estaban presentes, además de Vera-Ellen, Henry Fonda, Los Platters y el robot Robby que aparece en el filme.

Un año después decide intentar su reaparición en el cine y viaja a Escocia para rodar junto a Tony Martin “Let’s Be Happy” (Soñar no cuesta dinero, 1957), aunque su modesto éxito en el mundo no la motiva lo suficiente como para continuar. Su retirada fue definitiva.

En 1966 se divorcia de Victor Rothschild y desde ese día no existe ni un solo dato sobre sus ocupaciones, sabiendo únicamente que se aisló voluntariamente del mundo hasta el día de su fallecimiento el 31 de agosto de 1981 en Los Angeles, víctima de un cáncer cuando tenía 55 años de edad.

LLÉVAME A VER UN PARTIDO

take me out to the ball game (1949)

MGM

US

Deporte/Musical/Danza

93 minutos

Technicolor

Productor: Arthur Freed

Director: Busby Berkeley

Guión: Harry Tugend, Harry Crane y George Wells

Basado en la historia de: Gene Kelly y Stanley Donen

Fotografía: George Folsey

Director musical: Adolph Deutsch

Compositor: Roger Edens

Efectos especiales: Warren Newcombe y Peter Ballbusch

Maquetas: Jack Dawn

Coreografía: Gene Kelly y Stanley Donen

Vestuario: Helen Rose y Valles

Intérpretes:

FRANK SINATRA: Dennis Ryan

ESTHER WILLIAMS: K.C. Higgins

GENE KELLY: Eddie O'Brien

BETTY GARRET: Shirley Delwyn

JULES MUUSHIN: Nat Goldberg

Este gran musical de la MGM, basado en una historia real de principios de siglo, empezó como una idea escrita por Gene Kelly y Stanley Donen que fue mostrada a Arthur Freed.

Posteriormente sufrió una serie de cambios para que se pudiera incorporar como director un veterano llamado Busby Berkeley, quien llevaba años retirado de su trabajo a causa de problemas personales que le sumieron en una crisis depresiva.

La historia nos habla de dos cantantes del vaudeville, Kelly y Sinatra, al mismo tiempo buenos jugadores de béisbol, quienes tienen como jefa a la guapa pero severa Esther Williams. De ella se enamoran ambos jóvenes, aunque posteriormente se cruza en la vida de Frank otra guapa chica, Betty Garrett, y así logran tener cada uno su pareja. En su camino se cruzan unos gángsters que intentan traicionar a los muchachos para conseguir que pierdan un partido decisivo.

Esta sencilla historia no es una gran película, ni siquiera lo son las canciones, pero sirvió para que pudiéramos ver de nuevo juntos a Sinatra y Kelly, y marcar las bases definitivas para el rodaje ese mismo año de “Un día en Nueva York”.

Comden, Green y Roger Edens hicieron las canciones, pero los números musicales tienen esa animación irlandés-americana, similar a una bandera ondulante, que también fue la base para muchos musicales de Broadway en el mismo período.

Con Betty Garrett y Jules Munshin, que trabajan bien con Kelly y Sinatra, vemos a una Esther Williams más tapada que nunca. Aunque la película estuvo dirigida por Berkeley (a quien los estudios querían dar una nueva oportunidad), en realidad estuvo auxiliado en todo momento por Kelly y Donen, quienes renunciaron a que su nombre apareciera en los títulos de crédito a favor de Berkeley.

De especial interés el número entre Kelly y Sinatra titulado “Yes, Indeedy”.

Su compañera de reparto:

Esther Williams

(1923)

Nacida en Los Angeles, Esther consiguió ser campeona de natación en los Estados Unidos cuando tenía 15 años, pasando con posterioridad a trabajar como modelo en una empresa de confección. Ella era una estudiante en la Universidad de Los Angeles cuando decidió dedicarse profesionalmente a la natación mediante el “Billy Rose Aquacade”, quien la promocionó para que participase en la Feria Mundial de deportes acuáticos que se celebró en San Francisco en 1939. Allí fue descubierta por un cazatalentos de la MGM quien la hizo firmar un contrato en exclusiva, iniciándose en el cine con el filme “Double Life” de Andy Hardy en 1942, con Mickey Rooney como compañero de reparto. Desde ese momento los productores de Hollywood se dieron cuenta que una guapa chica que sabía nadar con elegancia y sin perder la sonrisa, podía ser un nuevo filón para el cine musical.

Rivalizando en popularidad con la patinadora Sonja Henie, su primera película de éxito fue

“Escuela de sirenas” (Bathing Beauty, 1944), la primera de una interminable serie de películas musicales en las cuales se pasaba todo el tiempo en el agua. Esta circunstancia, en una época en la cual la censura norteamericana era sumamente férrea, con docenas de guapas mujeres en traje de baño, creemos que fue el principal aliciente para el triunfo de esta sonriente actriz.

En los años cincuenta su carrera se marchitó cuando ella trató de interpretar películas dramáticas. Pero aunque algunas de ellas, como “Sombra en la noche” en 1956, en la cual hacía de una maestra de escuela que casi es violada por un estudiante, demostraron que poseía algunas aptitudes para la interpretación, el público no estaba dispuesto a aceptarla salvo emergiendo del agua como una diosa. Por eso ella se retiró en la década de los 60 y dedicó el resto de su vida a los negocios, especialmente a aquellos relacionados con la venta de piscinas de lujo.

Estuvo casada con el actor Fernando Lamas.

Películas seleccionadas: “Double Life” (1942), “Dos en el cielo” (1943), “Escuela de sirenas” (1944), “Juego de pasiones” (1945), “Ziegfield Follies” (1946), “This Time For

Keeps” (1947), “En una isla contigo” (1948), “Take Me Out to the Ball Game” (1949),

“La hija de Neptuno (1949), “Pagan Love Song” (1950), “la primera sirena” (1952), “La amada de Júpiter” (1955) , “EL gran espectáculo ” (1961), “La fuente mágica” (1962).

BLACK HAND (1950)

MGM

US

Crimen

93 minutos

Productor: William H. Wright

Director: Richard Thorpe

Guión: Luther Davis

Basado en la historia de: Leo Townsend

Fotografía: Paul C. Vogel

Compositor: Alberto Colombo

Intérpretes:

GENE KELLY: Johnny Columbo

J. CARROL NAISH: Louis Lorelli

TERESA CELLI: Isabella Gomboli

MARC LAWRENCE: Caesar Xavier Serpi

FRANK PUGLIA: Carlo Sabballera

BARRY KELLEY: Capitán Thompson

MARIO SILETTI: Benny Danetta

Kelly venga el asesinato de su padre por la sociedad de la Mano Negra cuando vuelve a Nueva York desde la lejana Italia. La historia nos muestra un episodio más de la vida tan dura que tuvieron que soportar los emigrantes, en este caso italianos, durante su incorporación al mundo laboral norteamericano, en una época en la cual los derechos de los inmigrantes aún no eran reconocidos.

La película es tensa, dramática, y puso de relieve la gran influencia que tenían las bandas mafiosas sobre todo el mundo, incluidos los jueces. Aunque el argumento no trató nunca de profundizar y ni siquiera denunciar abiertamente, supuso un primer paso para concienciar a los políticos de aquellos años.

Gene Kelly, ahora convertido gracias a “Un día en Nueva York”, en una de las estrellas más prestigiosas del momento, decidió demostrar que podía ser algo más que un estupendo bailarín de sonrisa eterna, y metido en el personaje de Johnny Colombo consigue convencer a todos que era capaz de hacer cualquier cosa que el cine le pidiera. La película fue un éxito que sorprendió a los estudios de la Metro, quienes habían cedido de mala gana a las pretensiones de Kelly de no bailar en toda la película.

SUMMER STOCK (1950)

MGM

US

Musical/Danza

109 minutos

Color

Productor: Joe Pasternak

Director: Charles Walters

Guión: George Wells y Sy Gomberg

Basado en la historia de: Gomberg

Fotografía: Robert Planck

Director musical: Johnny Green y Saul Chaplin

Coreografía: Nick Castle Sr., Gene Kelly y Charles Walters Vestuario: Walter Plunkett y Helen Rose

Intérpretes:

JUDY GARLAND: Jane Falbury

GENE KELLY: Joe D. Ross

EDDIE BRACKEN: Orville Wingait

GLORIA DeHAVEN: Abigail Falbury

MARJORIE MAIN: Esme

La última película de Judy Garland para MGM fue este “Summer Stock” una anticuada forma de realizar un filme musical, empleando sistemas que el público ya no aceptaba. Es una muestra del interés de los estudios por poner a actores adultos haciendo papeles de adolescentes, una fórmula que había resultado en anteriores películas de Mickey Rooney.

Gene Kelly tuvo como oponente a una deprimida Judy Garland, quien trataba de realizar su trabajo lo mejor que podía, dada la gran inestabilidad que se había iniciado ya en sus sentimientos. Por si fuera poco, la gran dosis de medicamentos, estimulantes y sedantes, que médicos ignorantes la recetaban, hacía inviable cualquier escena que fuera más larga de 30 segundos. Solamente la paciencia de sus compañeros de reparto, especialmente de Gene, logró que la película pudiera ser finalizada. El espectador quizá encuentre diferencias entre la apariencia física de Garland, en algunas escenas más gorda que en otra, pero son totalmente reales y corresponden a las grandes oscilaciones que su peso sufría a causa de la medicación. Concretamente, hay una secuencia de baile, titulada “Portland Fancy”, que se rodó dos meses después de terminada la película, cuando Garland pesaba siete kilos menos.

La sencilla historia es así: Jane, es su granja de Nueva Inglaterra, tiene una existencia pacífica, bucólicamente interrumpida cuando su religiosa Abigail (De Haven) la invita a que una compañía de gente del teatro pueda emplear su granero para dar una función..

Garland está furiosa con esta invasión de su retiro, e insiste en que los actores ayuden en la granja para pagar así por el uso del granero y la comida que ellos comen. Con el tiempo, sin embargo, ella se enamora de Ross (Kelly), el autor de la compañía, y hasta colabora después en el desarrollo de la función.

Este guión tan romántico, es indigno para dos actores tan extraordinarios. Fue planeado para mostrar una serie de números musicales espléndidamente organizados, los dos más excelentes a cargo de Kelly, uno con un simple periódico del cual logra sacar hasta música y el otro un dúo con Garland, ambos disfrazados como espantapájaros. La canción “Usted es maravillosa”, coreografiada por Kelly, estaba compuesta por Harry Warren, Jack Brooks y Saul Chaplin, y se le canta a Garland en una romántica escena. Ella, por su parte, le canta “Consigue felicidad”, de Harold Arlen y Ted Koehler, la cual ya sabemos que se filmó tres meses después de finalizado el rodaje.

El baile más sexy, a decir por los censores, es aquel en el cual ambos protagonistas visten impecablemente un smoking (Kelly) y ella un vestido con un generoso escote frontal que se movía al ritmo de sus caderas. El sombrero de Kelly tapaba discretamente su ojo derecho y eso ya le proporcionaba, según los críticos, un atractivo sexual imposible de soportar por las mujeres. Sexys o no, lo cierto es que lucían muy elegantes.

UN AMERICANO EN PARIS

An American in Parin (1951)

MGM

US

Musical/Danza

115 minutos

Color

Productor: Arthur Freed

Director: Vincente Minnelli

Guión: Alan Jay Lerner

Editor: Adrienne Fazan

Fotografía: Alfred Gilks y John Alton

Director musical: Johnny Green y Saul Chaplin

Efectos especiales: Warren Newcombe

Coreografía: Gene Kelly

Intérpretes:

GENE KELLY:

Jerry Mulligan

LESLIE CARON: Lise Bouvier

OSCAR LEVANT: Adam Cook

GEORGES GUETARY: Henri Baurel

NINA FOCH: Milo Roberts

EUGENE BORDEN: George Mattieu

MARTHA BAMATTRE: Mathilde Mattieu

MARY JONES : Bailarina anciana

Como si de un cuadro del impresionismo francés se tratara, los guionistas de este filme trataron de reflejar la Francia de sus sueños mediante una historia de amor y delicados bailes clásicos y modernos. Por eso “Un Americano en París” no solamente es una obra de luz y movimiento, sino una pintura plasmada en el cine. Según los críticos de entonces, nunca antes Hollywood había tenido tanta clase, estilo y elegancia en una película musical.

Todo empezó en la escuela de Bellas Artes de París en donde un pintor (Gene Kelly), después de encontrarse con la chica a quien ama y separarse bruscamente de ella (Leslie Caron), mira, medio embriagado por sus recuerdos, hacia el exterior de su terraza en el barrio viejo de la ciudad, y empieza un boceto con una barra de carboncillo. Él lo rompe, está triste, pero de repente hay una brisa y las dos mitades del boceto vuelan hasta la parte trasera del edificio. A sus pies él ve una rosa roja. La recoge, ahora hay un fondo negro y blanco que se vuelve de color y la escena cambia a la Plaza de la Concordia, con juegos y trajes muy tradicionales. Entonces, cuando el pintor ve y sigue a la muchacha que él ama, la escena se convierte en un mercado de flores cerca de La Madeleine. El pintor está triste pero tranquilo, lo mismo que tiene el estilo pictórico de un cuadro de Renoir.

Los colores cambian para mostrarnos una escena callejera en la que cuatro americanos en París celebran el Cuatro de julio. Por eso el pintor baila ahora alrededor de la fuente de la Plaza de la Concordia. Nueva escena y ahora nos muestran la Ópera de París, con cuadros de Van Gogh, y después de eso vemos el barrio de Montmartre de Toulouse Lautrec. El final nos devuelve a la fuente, mientras comienza una música frenética. Todos desaparecen y el pintor queda solo.

Esta secuencia que hemos descrito fue diseñada por Preston Ames, antiguo alumno de Bellas Artes en París, con vestuario de Irene Sharaff, y coreografiado por Kelly, logrando así los 18 minutos de magia musical más asombrosos que hemos visto en la pantalla.

Excelente por la audacia de las escenas y el deslumbramiento de su ejecución, fueron necesarios seis meses para ensayar, un mes para rodar, y costó 450.000$. El resto de la película era, en todos los sentidos, bastante más convencional, una trivial historia de amor de un pintor americano hacia una chica ayudante en una tienda de perfumes (Caron). Junto con su pasión amorosa, una bella y rica mujer (Nina Foch)· quiere patrocinar con su dinero al joven pintor, no tanto por la calidad de sus pinturas como por su embriagadora sonrisa, pero a cambio le exige que no ande con otras mujeres.

Al guionista Alan Lerner le faltó originalidad, compensada por las aportaciones que le proporcionó Kelly y la personalidad de Leslie Caron. Afortunadamente, la narrativa es interrumpida frecuentemente para mostrarnos las secuencias de baile y con ello no sentimos plenamente satisfechos.

La música de George y las letras de Ira Gershwin, cuyo catálogo completo de canciones fueron adquiridos por el productor Arthur Freed, nos aportan buenas canciones como

“Conseguí Ritmo”, cantado y bailado por Kelly a un grupo de niños franceses, y “Tra La La”', interpretado al piano por Levant y bailado por Kelly en un ático de París. Menos exitoso era el pequeño homenaje a los valses vieneses titulado “Por Strauss”, realizado por Kelly, Guetary y Levant y la secuencia del sueño de Levant en la que él se imagina como director, solista y cada miembro de la orquesta en el tercer movimiento del Concierto de Gershwin en Fa.

Leslie Caron haciendo su debut como pareja, estaba encantadora, contribuyendo incalculablemente al éxito global de “Un americano en París”, mientras que el director Vincente Minnelli cuyo infalible y sofisticado sentido visual nos asegura minutos de placer. La dirección musical estaba a cargo de Johnny Green y Saul Chaplin Premios:

Oscar a la mejor película 1951: Arthur Freed

Nominada al mejor director 1951: Vincente Minnelli

Oscar al mejor guión, historia y adaptación 1951: Alan Jay Lerner Oscar a la dirección artística y decoración 1951: Cedric Gibbons, Preston Ames, Edwin B.

Willis y Keogh Gleason.

Oscar a la mejor fotografía en color 1951: Alfred Gilks, John Alton Oscar al mejor vestuario 1951: Orry-Kelly, Walter Plunkett, Irene Sharaff Nominada al mejor filme editado 1951: Adrienne Fazan

Oscar a la mejor música escrita para el cine 1951: Johnny Green, Saul Chaplin IT'S A BIG COUNTRY (1951)

MGM

US

Drama

89 minutos

Blanco y Negro

Productor: Robert Sisk

Director: Richard Thorpe, John Sturges, Charles Vidor, Don Weis, Clarence Brown, William A. Wellman y Don Hartman

Guión: Dore Schary, William Ludwig, Helen Deutsch, George Wells, Allen Rivkin, Dorothy Kingsley y Isobel Lennart

Basado en la historia de: Edgar Brooke, Ray Chordes, Joseph Petracca, Lucille Schlossberg, Claudia Cranston y John McNulty

Tomado de la idea de: Dore Schary

Fotografía: John Alton, R ay June, William Mellor y

Joseph Ruttenberg

Director musical: Johnny Green

Compositor: Bronislau Kaper, Rudolph G. Kopp, David Raksin, David Rose, Charles Wolcott, Lennie Hayton,

Alberto Colombo y Adolph Deutsch

Intérpretes:

ETHEL BARRYMORE: Señora Brian Patrick Riordan

KEEFE BRASSELLE: Sargento Maxie Klein

GARY COOPER: Texas

NANCY DAVIS: Señorita Coleman

VAN JOHNSON: Adam Burch

GENE KELLY: Icarus Xenophon

JANET LEIGH: Rosa Szabo

MARJORIE MAIN: Señora Wrenley

GEORGE MURPHY: Señor Callaghan

La idea del filme era mostrar los diferentes modos de vivir y comportarse del ciudadano medio norteamericano, recreándose en lugares y situaciones muy dispares.

El filme está dividido en ocho capítulos diferenciados entre sí, cada uno con un director, guionista e intérpretes diferente. Así queda explicado la gran diferencia que hay en cada episodio, en cuanto a calidad se refiere.

Narrados por Louis Calhern, nos cuenta primeramente los problemas de un profesor (Powell) que tiene que defender a América de los ataques verbales del señor Stacey, mientras que también nos muestran el enfado de la señora Brian (Barrymore), por no haber sido incluida en las listas del censo de votantes.

Kelly interpreta a un norteamericano de origen griego, enamorado de una chica americana de padres húngaros (Janet Leigh), a pesar de la oposición del padre de la chica. Ambos están totalmente enemistados pero al final vence el amor que sienten entre sí la pareja.

También aparece un vaquero de Tejas llamado precisamente así, Texas, enamorado de su tierra natal, mientras que Fredric March no quiere comprar unas nuevas gafas a su hijo.

THE DEVIL MAKES THREE (1952)

MGM

US

Drama

96 minutos

Blanco y Negro

Productor: Richard Goldstone

Director: Andrew Marton

Guión: Jerry Davis

Basado en el relato de: Lawrence Bachmann

Fotografía: Vaclav Vich

Dirección artística: Fritz Maurischat y Paul Markwitz

Banda sonora: Rudolph G. Kopp

Intérpretes:

GENE KELLY: Capitán Jeff Eliot

PIER ANGELI: Wihelmina Lehrt

RICHARD EGAN: Coronel James Terry

CLAUS CLAUSEN: Heiseman

Kelly, que vuelve de nuevo a realizar una película no-musical, interpreta a un soldado que vuelve a Munich para demostrar su gratitud a una familia alemana que le ayudó durante la guerra. Cuando pregunta le informan que la familia entera murió en un bombardeo norteamericano y que solamente sobrevive la chica Wilhelmina (Pier Angeli), que trabaja en un club nocturno como relaciones públicas. Pero ella no tiene ninguna deuda de gratitud hacia él, especialmente porque culpa a los americanos de la muerte de sus familiares.

Kelly se enamora pronto de la chica y esa pasión le ciega hasta tal punto que no se da cuenta que le están tendiendo una trampa. Un grupo de nazis necesitan pasar oro de contrabando y eligen a Kelly como hombre de paja. La oportuna intervención del servicio secreto norteamericano, que descubre la trama, le permiten informar a Kelly, quien aparentemente sigue sin saber nada. Finalmente hay una persecución entre los alemanes y los norteamericanos, se recupera el oro robado, pero la chica muere.

La película, contra todo pronóstico, no alcanzó el éxito deseado, pero, aún así, Kelly rodaría otra película sin bailar antes de realizar su sueño más ambicioso: “Invitación a la danza”. De todas maneras, al permanecer durante más de año y medio en Europa, se pudo beneficiar de una considerable reducción de impuestos gracias a una nueva ley de intercambios comerciales entre Europa y Estados Unidos.

LOVE IS BETTER THAN EVER (1952)

US

Romance/Danza/Comedia

81 minutos

Blanco y negro

Productor: William H. Wright

Director: Stanley Donen

Guión: Ruth Brooks Flippen

Fotografía: Harold Rosson

Director musical: Lennie Hayton

Compositor: Lennie Hayton

Intérpretes:

LARRY PARKS: Jud Parker

ELIZABETH TAYLOR:

Anastasia Macaboy

JOSEPHINE HUTCHINSON: Señora Macaboy

TOM TULLY: Señor Macaboy

ANN DORAN: Señora Levoy

KATHLENN FREEMAN: Señora Kahrney

GENE KELLY: Estrella invitada

Película espumosa y fácilmente olvidable que involucra a un cazatalentos llamado Parker que se convierte en el maestro de baile de Liz Taylor.

La MGM realizó este apacible y aburrido musical, en el que incluso Liz está horrorosa.

Gene Kelly tiene una pequeña intervención como un alumno aventajado.

CANTANDO BAJO LA LLUVIA

Singinín the Rain (1952)

MGM

US

Musical/Danza

102 minutos

Technicolor

Productor: Arthur Freed

Director: Gene Kelly y Stanley Donen

Guión: Adolph Green y

Betty Comden

Inspirada en la canción: “Singin' in the Rain”

Fotografía: Harold Rosson

Director musical: Lennie Hayton

Compositor: Nacio Herb Brown

Dirección artística: Cedric Gibbons y Randall Duell

Efectos especiales: Warren Newcombe y Irving G. Ries

Vestuario: Walter Plunkett

Intérpretes:

GENE KELLY: Don Lockwood

DONALD OĆONNOR: Cosmo Brown

DEBBIE REYNOLDS: Kathy Seldon

JEAN HAGEN: Lina Lamont

MILLARD MITCHELL: R.F. Simpson

RITA MORENO: Zelda Zanders

DOUGLAS FOWLEY: Roscoe Dexter

CYD CHARISSE: Bailarina

MADGE BLAKE: Dora Bailey

KING DONOVAN: Rod

KATHLEEN FREEMAN: Phoebe Dinsmore

“Cantando bajo la lluvia” es la historia de un ídolo del matinée llamado Don Lockwood (Gene Kelly) y su romance con Kathy Selden (Debbie Reynolds), una muchacha del coro.

Se trata de la mejor historia escrita para un musical de Hollywood, a cargo de Betty Comden y Adolph Green, para conseguir un musical que fuera tan perfecto que sirviera como estímulo imparable para una larga serie de nuevas películas que pudieran competir con la televisión.

Producida por el

veterano Arthur Freed y con el buen trabajo del compositor Nacio Herb Brown, fue una oportunidad única para mostrar los inquietos días que siguieron al nacimiento del cine sonoro y los numerosos problemas que ello implicó, tanto a los técnicos como a los actores.

Con la excepción de tres números “Fit As A Fiddle” (por Al Hoffman y Al Goodhart),

“Moses Supposes”, y “Make’Em Laugh” (ambos escritos especialmente por Roger Edens, Comden y Green), todos los números Freed-Brown ofrecidos en “Cantando bajo la lluvia” son originales de otras anteriores películas de la MGM. “All I Do Is dream Of You” cantado por Debbie Reynolds (después de aparecer fuera de un enorme pastel en una reunión de caballeros), se oyó primero en “Sadie McKee” (1934). “Should I” era un importante número en “Señor Byron de Broadway” (1929). “Cantando bajo la lluvia”'

vino de la Revista hollywoodense de 1929. “I’ve Got A Feelin You’re Foolin”, “Usted es mi estrella afortunada” y “El Ritmo de Broadway”, provienen de “Melodías de Broadway 1936”.

Así como la mayoría de su música había pertenecido de forma destacada a películas del pasado, para que todo lo demás en “Cantando bajo la lluvia” fuera de inspiración propia se introdujeron nuevos personajes y un argumento inédito. De hecho, la mayoría de las películas de entonces estaban basadas en hechos reales y por eso no era extraño que se pretendiera aprovechar esta tendencia tan al gusto de los espectadores.

Por ejemplo, la escena con la rubia Jean Hagen muda, efectuando una gira promocional forzada, lo mismo que cuando intenta desesperadamente “hablar al arbusto” donde está oculto el micrófono, tenía sus orígenes en la sección de incidentes de Douglas Shearer, durante los primeros días del cine sonoro de la MGM.

Para que no hubiera errores, se tomó en consideración los recuerdos de los numerosos especialistas que habían vivido esa época y se incorporaron datos auténticos sobre los riesgos de las grabaciones en directo, en esos días en los cuales todo podría significar un rotundo fracaso. De un modo satírico, se incluyeron la mayoría de las tribulaciones sufridas por los artistas y directores con la nueva tecnología, por lo que la reconstrucción de los hechos que vemos en la película es todo un documento revelador y en ocasiones patético.

Roscoe Dexter (Douglas Fowley) el director en esa escena, era modelo en Busby Berkeley, mientras R.F. Simpson, el jefe del estudio (Millard Mitchell), estaba inspirado en el productor Arthur Freed. Dora Bailey la redactora (interpretada por Madge Blake) era modelo en Louella Parsons, y el propio Kelly era una representación de varios ídolos del matinée (particularmente Fairbanks, en “El caballero duelista”). Por su parte, Cyd Charisse, en el “Ballet de Broadway”, se basa en Louise Brooks.

Musicalmente, el ballet, coreografiado por Kelly, era la presentación más ambiciosa de la película y también mejora su inspiración de películas anteriores. Completamente nuevo, sin embargo, era lo que Kelly llama el “Crazy Veil”, escena en la que Cyd Charisse bailó con un trozo de suave velo, y que requirió motores generadores de aire para controlar el movimiento del velo.

Coreográficamente, Kelly aporta unos bailes más líricos. De hecho, “Cantando bajo la lluvia”, dirigida y coreografiada por Kelly y Stanley Donen, contienen secuencias que son una obra maestra y que han conseguido perdurar como los mejores bailes de toda la historia del cine. Si la prueba de un gran musical es que usted puede verla una y otra vez sin anhelar el diálogo, y desea que los números musicales comiencen de nuevo, entonces

“Cantando bajo la lluvia” es su película.

Es más popular ahora, en la nostalgia de hoy, que cuando se exhibió en todo el mundo en el año de su estreno. Pero incluso para aquellos que no están seducidos por nostalgia, permanece como un musical con vigor, como algo perfecto de un mundo que se ha ido para siempre, y también algo inolvidable si sólo desea ver bailar con alegría a Gene Kelly.

La secuencia en la cual Kelly baila bajo un aguacero californiano, dando puntapiés al agua, subido a un poste de la luz con los brazos extendidos, mientras el agua le cae por la cara, es imposible que no haga vibrar a todos los espectadores del mundo, sean cuales sean sus preferencias. Solamente el arranque de esta secuencia, con la música comenzando a sonar con timidez, mientras Kelly camina entre la lluvia, es suficiente para que amemos el cine por encima de cualquier otra diversión.

“El número provoca un optimismo incontenible” dijeron Comden y Green, “es la apoteosis del arte, y el clímax de una vida apasionante”. Aunque el resto de la película realmente no logra brillar con igual intensidad que en esos cinco minutos gloriosos, el resto de los otros números todavía superan y dejan en ridículo a la mayoría de los musicales que les precedieron.

Donald O'Connor nunca ha sido tan nuevo ni tan bueno, notablemente en su justamente famoso “Make 'Em Laugh”, un baile que pondría a prueba las facultades físicas de cualquier profesional y que O’Connor llevó con soltura. Él cantó, bailó, e hizo el payaso como si su vida artística dependiera del éxito aquí. Cada truco en su repertorio fue aireado de nuevo y el efecto acumulativo llegaba al virtuosismo.

En cuanto a Debbie Reynolds, su escena bailando en el flotante “Good Morning”, nunca, ni por un momento, dejó entrever su falta de experiencia, y ella era una buena compañía incluso bailando al lado de Kelly

Premios:

Nominada a la mejor actriz secundaria 1952: Jean Hagen

Nominada a la mejor música compuesta para una película 1952: Lennie Hayton Sus compañeros de reparto:

Debbie Reynolds (1932)

Reynolds era una adolescente gallarda, pequeña y lista, cuando empezó a trabajar en el cine en el filme “June Bride” (1948), convirtiéndose en poco tiempo en una popular estrella del cine musical y comedias de amor, aportando siempre una imagen de muchacha sincera y alegre. Pero ella parecía ser eternamente una chica joven y vivaracha, sumamente inocente, demasiado estereotipada como para convertirse en una gran estrella.

Mary Frances Reynolds había nacido en El Paso, Tejas, y pronto se marchó a California y allí realizó una prueba para la pantalla en los estudios de la Warner Bros. Después de unos meses en los cuales filmó dos películas, fue transferido su contrato a la MGM comenzando su trabajo con “Three Little Words” en 1950, adquiriendo fama como la muchacha del boop boop doop.

Dos años después realizó el papel que la llevaría rápidamente al estrellato con la película

“Cantando bajo la lluvia” (1952). Posteriormente demostró estar dotada especialmente para la comedia cuando hizo “The Tender Trap” en 1955, lo mismo que para el drama con

“The Catered Affair” (1956). Pero algo la decía que ese no era el camino y que el público deseaba verla como una chica alegre, por lo que volvió a la comedia ese mismo año con

“Bundle of Joy”.

Casada con el cantante Eddie Fisher, su nombre salió en las portadas de todas las revistas del corazón cuando su hasta entonces feliz matrimonio se disgregó cuando la actriz Elizabeth Taylor se interpuso entre ambos. Su romance con Fisher fue tan intenso que él se divorció de Debbie Reynolds y se casó con Liz en 1959.

Otras películas importantes fueron “Empezó con un beso” (1959), “Pepe” (1960) en la cual hace un número musical junto a Cantinflas, y “Molly Brown siempre a flote” (1964), incorporándose a la escena de Broadway con el musical “Irene” También intervino en “Esto es espectáculo I y III (1974 y 1994), “El guardaespaldas” (1994), “Mother” (1996) y sorprendiendo a todos, en 1997 vuelve al cine con más fuerza que nunca en la comedia “Dentro o fuera” (In & Out), junto con Kevin Kline y Tom Selleck.

Donald O’Connor (1925)

Nacido en Chicago, Illinois, empezó su trabajo en el espectáculo como un personaje de circo incorporándose pronto al mundo del vaudeville. El mayor atractivo de O'Connor era el ser un buen entretenedor profesional, lo que quedó ampliamente demostrado cuando debutó en la pantalla con 13 años en “Sing, You Sinners” junto a Bing Crosby, en un número memorable en el que demostró sus extraordinarias cualidades para bailar, cantar y hacer reír. Anteriormente había realizado una pequeña intervención en el filme “Melody For Two”.

Aunque posteriormente intervino en numerosas películas haciendo de chico simpático que casi nunca enamoraba a la guapa protagonista, consiguió trabajar más que la mayoría de los actores del momento, realizando 27 películas entre 1937 y 1949, año en el cual consiguió un éxito de público total, al lado de la mula Francis. No era el papel más deseado, pero ganó más dinero con este personaje que otros actores con papeles más serios. En 1955, con “Francis en la marina” abandonó su trabajo con tan increíble compañero de reparto y se incorporó, afortunadamente, a otros tipos de filmes más ambiciosos, aunque el éxito no le acompañó por igual.

Detrás de la vida profesional de este inquieto y versátil actor quedan títulos como

“Cantando bajo la lluvia” (1952), “Llámeme Señora” (1953) , “The Buster Keaton Story” (1957), “Esto es espectáculo I” (1974), “Ragtime” (1981), “Toys” (1992) y “Esto es espectáculo III” (1994).

BRIGADOON

Brigadoon (1954)

MGM

US

Musical/Danza

108 minutos

Color y Cinemascope

Productor: Arthur Freed

Director: Vincente Minnelli

Guión: Alan Jay Lerner

Basado en la obra musical de: Lerner y Frederick Loewe

Fotografía: Joseph Ruttenberg

Director musical: Johnny Green

Dirección artística: Cedric Gibbons y Preston Ames

Coreografía: Gene Kelly

Intérpretes:

GENE KELLY: Tommy Albright

VAN JOHNSON: Jeff Douglas

CYD CHARISSE: Fiona Campbell

ELAINE STEWART: Jane Ashton

BARRY JONES: Señor Lundie

HUGH LAING: Harry Beaton

ALBERT SHARPE: Andrew Campbell

VIRGINIA BOSIER: Jean Campbell

Los directivos de la Metro deseaban que la versión de Brigadoon se aproximara lo más posible al texto original y para ello enviaron a los técnicos para encontrar exteriores en Escocia. Allí había multitud de escenarios similares al pueblo descrito en la novela de Lener, pero también había una climatología húmeda y desapacible la mayor parte del año.

Kelly sugirió que se podría rodar en tierras californianas, por lo menos había sol, pero al final se eligieron unos gigantescos estudios que debían albergar un pueblecito escocés perdido en las montañas.

Cualquier espectador percibe ya en los primeros minutos que todo es un inmenso decorado, especialmente las desenfocadas montañas del fondo, pero dado que así había sido mostrada en Broadway en 1947, tampoco existían grandes diferencias. El Cinemascope y el Ansco Color proporcionarían la grandiosidad requerida.

La película está basada en una caprichosa fantasía en la cual dos americanos que viven en Manhattan se marchan de caza hasta la mismísima Escocia y se pierden en su camino de regreso. Cuando empiezan a preocuparse seriamente se encuentran en su camino con un pequeño pueblo que no figura en ningún mapa. Se trata de Brigadoon, una aldea poblada por gente encantadora que revive una vez cada cien años, durante solo un día. Eso no lo saben Kelly y Johnson, quienes al ver a las gentes con esos trajes tan antiguos piensan que están de fiesta.

Tommy (Kelly) se enamora pronto de una guapa chica del lugar llamada Fiona (Cid Charisse), quien, además, sabe cantar bellas melodías y cuando se encariña con Kelly también emprende estupendos bailes. Ese día, el único que los habitantes tienen de vida, hay una boda y aparece entonces un antiguo novio de la prometida quien dice su ultimátum: o se suspende la boda o propaga la fantástica realidad de Brigadoon por los alrededores, lo que supondría la desaparición definitiva del pueblo. Kelly, por su parte, debe elegir ahora entre su novia de Manhattan y Cid Charisse, una vez que conoce ya la historia. El ex-novio celoso muere accidentalmente y el pueblo queda nuevamente a salvo para reencarnarse cien años después, pero Kelly no puede llevarse fuera a Fiona (Charisse), puesto que ella moriría al salir del lugar. Triste y abatido, Kelly vuelve a Nueva York pero ya nada es igual. Medio destrozado decide volver a Brigadoon y gracias al amor el pueblo aparece de nuevo y se queda allí con la guapa chica mientras cantan bellas canciones.

Comedia romántica por excelencia, no tuvo ya el éxito deseado al coincidir con el comienzo del declive del cine musical.

La dirección de Minelli no es en esta ocasión tan acertada como en otros filmes y carecía del dinamismo necesario. Gene Kelly no acusaba tanto los problemas ajenos a él y junto con Van Johnson interpretaron muy bien a esos dos americanos insensibles a la muerte de inocentes cervatillos mediante sus mortíferas escopetas.

Cyd Charisse como Fiona, la guapa chica escocesa de quien Kelly se enamora y que le obliga a que escoja entre ella y su novia de Manhattan, aporta sus esculturales piernas y su firme manera de bailar para que la película no decaiga demasiado. La película en esta ocasión no se sostiene en los bailes de Kelly sino en el mismo argumento, por lo que los aficionados al musical se sintieron un poco decepcionados, especialmente porque se eliminaron varias canciones de la obra original.

Fue producida por el veterano Arthur Freed, supuso el debut de Elaine Stewart (la novia americana). Cid Charisse fue doblada vocalmente por Carole Richards y la coreografía fue de Gene Kelly.

Premios:

Nominada a la mejor dirección artística y decoración 1954: Cedric Gibbons, Preston Ames, Edwin B. Willis, Keogh Gleason.

Nominada al mejor vestuario 1954: Irene Sharaff

Nominada al mejor sonido 1954: Wesley C. Miller

CREST OF THE WAVE

Sea Gulls Over Sorrento (1954)

MGM

UK

Guerra

90 minutos

Blanco y Negro

Productor: John Boulting y Roy Boulting

Director: John Boulting y

Roy Boulting

Guión: Frank Harvey y Roy Boulting

Basado en la obra de: Hugh Hastings

Fotografía: Gilbert Taylor

Compositor: Miklos Rozsa

Interpretes:

GENE KELLY: Bradville

JOHN JUSTIN: Wharton

BERNARD LEE: Lofty Turner

JEFF RICHARDS: Butch Clelland

SIDNEY JAMES: Charlie Badger

PATRIC DOONAN: Herbert

RAY JACKSON: Sprog Sims

Historia sencilla sobre un funcionario de la armada de los Estados Unidos (Kelly), quien viaja hasta Escocia para formar parte de un equipo de científicos que se dedican a mejorar los torpedos. Las numerosas explosiones de los mecanismos de detonación han provocado accidentes mortales, pero los ingleses no ven de buen grado que un norteamericano les diga cómo deben solucionar sus problemas técnicos.

Nueva prueba de las cualidades de Kelly como actor dramático, en una cinta en la cual no existe ni una sola canción o baile.

DEEP IN MY HEART (1954)

MGM

US

Musical/Danza/Biografía

132 minutos

Technicolor

Productor: Roger Edens

Director: Stanley Donen

Guión: Leonard Spigelgass

Basado en el libro de: Elliott Arnold

Fotografía: George Folsey

Director Musical: Adolph Deutsch

Compositor: Sigmund Romberg

Dirección artística: Cedric Gibbons y Edward Carfagno

Efectos especiales: Warren Newcombe

Coreografía: Eugene Loring

Intérpretes:

JOSE FERRER: Sigmund Romberg

MERLE OBERON: Dorothy Donnelly

HELEN TRAUBEL: Anna Mueller

DOE AVEDON: Lillian Romberg

WALTER PEDGEON: J.J. Shubert

PAUL HENREID: Florenz Ziegfeid

TAMARA TOUMANOVA: Gaby Deslys

PAUL STEWART: Bert Towsend

ISOBEL ELSOM: Mrs. Harris

Estrellas invitadas:

ROSEMARY CLOONEY

GENE KELLY: O’Ryan

FRED KELLY: hermano

ANN MILLER

CYD CHARISSE

“Deep in My Heart” es ante todo un biopic del famoso compositor húngaro Sigmund Romberg, quien viajó a Estados Unidos en 1909 y pasó de tocar el piano en pequeños restaurantes, a dirigir su propia orquesta en 1912, pasándose al cine y al musical de Broadway posteriormente.

Su prestigio le permitió componer y estrenar ochenta revistas y más de dos mil canciones.

Producida en Technicolor por Roger Edens, dirigida por Stanley Donen y teniendo como Sigmund Romberg, a José Ferrer, quien dominaba perfectamente el manejo del piano, se consiguió una buena biografía con acertados números musicales.

La película sirvió para el lanzamiento de Doe Avedon como Señora Romberg, la esposa del compositor, aunque parece ser que en la película sale más favorecida que en la realidad. Los escenarios fueron elegidos por Leonard Spigelgass, autor también del guión, quien se basó en la novela biográfica sobre el compositor obra de Elliott Arnold. El argumento debía ser todo lo fiel posible a la realidad, exceptuando los deslices habituales para el cine, y por eso podemos ver la vida del compositor paso a paso desde que empezó humildemente en un modesto café de la Segunda Avenida y terminó como una gran celebridad.

Protegido por Anna Mueller (interpretada por la soprano lírica Helen Traubel), el argumento nos cuenta cómo ella persuade a Romberg para que se dedique a la música de gran calidad y su interés se traduce en “The Leg Of Mutton Rag”, el primer éxito comercial de Romberg (gloriosamente interpretado por Ferrer y Traubel).

En el filme hay también una gran cantidad de canciones menores de los hermanos Shubert, y un romance entre Romberg con la Srta. Avedon, quien hizo, por lo menos, una de las mejores escenas de la película: “Jazz A Doo”. Otros momentos culminantes musicales son aportados por Ann Miller bailando “It” y por Cid Charisse con su erótico “One Alone”.

Gene Kelly y su hermano Fred (como los hermanos O'Ryan), bailaron juntos durante el primer y último tiempo de la película en “I Love To Go Swimmin” y “With Wimmen”.

José Ferrer (excelente en la película como Romberg), que estaba unido en la vida real con Rosemary Clooney (tía del actor George Clooney), interpreta y canta al piano “Mr and Mrs” (letra de Cyrus Wood). Merle Oberon se atrevió con la lírica Dorothy Donnelly.

Entre las estrellas invitadas estaba Vic Damone cantando en solitario “Eill You Remember” y “Eill You Remember” con Jane Powell; William Olvis cantando

“Serenade”; Howard Keel en “Your Land And My land”, y Tony Martin y Joan Weldon en

“Lover Come Back To Me”.

La coreografía estuvo a cargo de Eugenio Loring.

SIEMPRE HACE BUEN TIEMPO

Itś Always fair Weather (1955)

MGM

US

Musical/Danza/Comedia

102 minutos

Color

Cinemascope

Productor: Arthur Freed

Director: Stanley Donen y Gene Kelly

Guión: Betty Comden y Adolph Green

Fotografía: Robert Bronner

Director musical: Andre Previn

Dirección artística: Cedric Gibbons y Arthur Lonergan

Efectos especiales: Irving G. Reis y Warren Newcombe

Maquetas: William Tuttle

Coreografía: Stanley Donen y Gene Kelly

Vestuario: Helen Rose

Intérpretes:

GENE KELLY: Ted Riley

DAN DAILEY: Doug Hallerton

CYD CHARISSE: Jackie Leighton

DOLORES GRAY: Madeline Bradville

MICHAEL KIDD: Angie Valentine

DAVID BURNS: Tim

JAY C. FLIPPEN: Charles Z. Culloran

HAL MARCH: Rocky Lazar

Con la llegada del cinemascope, Gene Kelly se acopló perfectamente a la gigantesca pantalla y esta película es con diferencia la mejor en el nuevo formato. Poco a poco consiguió elaborar un estilo propio, primero en “Brigadoon” y posteriormente con “Itś Always Fair Weather”, siendo esta la última película que él y Stanley Donen dirigieran juntos, y uno de los últimos musicales de la MGM bajo la producción de Arthur Freed.

Según la idea original de Betty Comden y Adolph Green, fue vista inicialmente como una continuación del filme “Un Día en Nueva York”, aunque Kelly los persuadió para convertirlo en una nueva película creada para un público nuevo. Lo cierto es que aunque el argumento tendría que ser diferente, se trataba de explicar qué había pasado con los tres marineros que un día estuvieron en Nueva York y allí conocieron a tres chicas.

Para que todo resultase correcto se pusieron en contacto primero con Frank Sinatra y Jules Munshin. Sinatra, sin embargo, que había ganado un Oscar por su actuación en “De aquí a la eternidad” de la Columbia dos años antes, no deseó volver a realizar un musical, ya que les culpaba del poco prestigio que había tenido como actor. Esta decisión, más el rechazo de Munshin, obligó a Kelly a cambiar su primer argumento. Ahora ya no se trataba de tres marineros, sino de tres soldados (Kelly, Dailey y Kidd), que estarían acompañados en los dos papeles principales femeninos por Cyd Charisse y Dolores Gray.

La historia era bastante simple: tres compañeros que habían intervenido en la guerra se emplazan al regresar a sus casas para reunirse de nuevo diez años después, para ver cómo cada uno ha resuelto su vida de paisano. Cuando, nuevamente, los tres vuelven a encontrarse tal y como planearon, comprenden que ellos ya no tienen ninguna cosa en común.

Aunque “Itś Always Fair Weather” no tenía que ser para la MGM un gran éxito como

“Un Americano en París” (1950) o “Cantando bajo la lluvia” (1952), no se escatimó nada para que todo resultase bien, y por eso el resultado es sumamente agradable. El tema tiene connotaciones psicológicas más profundas de lo esperado en un musical, con la incompatibilidad de tres hombres que, una década anterior habría muerto el uno por el otro, y ahora se desprecian. Los guionistas Comden y Green trataron de dar al público lo que esperaban y por eso se incluyeron algunas referencias críticas y cínicas al mundo de la televisión.

Los números musicales también eran eficaces (aunque algunos de ellos no tenían nada absolutamente que ver con el argumento), especialmente uno de Kelly “I Like Myself” (música de Andre Previn, letra de Comden y Green quién escribió todas las canciones), cantado y bailando en patines. Charisse, como una señora fanáticamente interesada en todo, hizo un número enérgico llamado “Baby, You Knonk Me Out” con un manojo de pugilistas en un gimnasio.

Kelly, Kidd y Dailey tienen algunos momentos interesantes cuando bailan con tapaderas de cubos de basura atadas a sus pies, y Dolores Gray canta una de las canciones más buenas “Thanks A Lot But No Thanks”. Kelly y Donen eran responsables de la coreografía, y Previn de la dirección musical. Otras canciones y números musicales son:

“March, March”; “Once Upon A Time”; “The Time For Parting”; “Why Are We Here” (Danubio azul).

Premios:

Nominada al mejor guión 1955: Betty Comden, Adolph Green Nominada a la mejor música compuesta para una película 1955: Andre Previn EL CAMINO FELIZ

The Happy Road (1956)

MGM

US

Drama/Comedia

80 minutos

Blanco y negro

Productor: Gene Kelly

Director: Gene Kelly

Guión: Arthur Julian, Joseph Morhaim y Harry Kurnitz

Basado en la historia de: Julian y Kurnitz

Fotografía: Robert Juillard

Compositor: Georges Van Parys

Dirección Artística: Alexander Trauner

Intérpretes:

GENE KELLY: Mike Andrews

BARBARA LAGE: Suzanne Duval

MICHAEL REDGRAVE: General Medworth

BOBBY CLARK: Danny Andrews

BRIGITTE FOSSEY: Janine Duval

ROGER TREVILLE: Dr. Solaise

COLETTE DEREAL: Helene

Gene Kelly, cansado de esperar que la Metro le proporcionase una película musical en la misma línea que sus anteriores éxitos, llegó a un acuerdo para producir y dirigir dos películas más, dando así por finalizada su larga relación artística. El resultado fue este filme, nuevamente ambientado en París, en donde vemos a una pareja de niños que se escapan de sus colegios para que sus padres les tengan más en cuenta, y una pareja de padres que al principio se odian y posteriormente se aman.

El argumento no aporta, por tanto, novedades, y se juega con tópicos generacionales muy manidos, al mismo tiempo que quiere demostrar que el roce entre las culturas norteamericanas y francesas es posible, si hay amor. Por tanto, película familiar que ni siquiera fue exhibida en la mayoría de los mercados europeos, aunque demostró que Gene Kelly era también un buen director.

INVITACION A LA DANZA

Invitation to the Dance (1957)

US

Musical/Danza

93 minutos

Technicolor

MGM

Productor: Arthur Freed

Director: Gene Kelly

Guión: Gene Kelly

Fotografía: Freddie Young y Joseph Ruttenberg

Director musical: John Hollingsworth, Johnny Green y Andre Previn Compositor: Jacques Ibert, Andre Previn, Roger Edens y Nikolai Andreevich Dirección Artística: Alfred Junge, Cedric Gibbons y

Randall Duell

Efectos especiales: Tom Howard

Coreografía: Gene Kelly

Vestuario: Rolf Gerard y

Elizabeth Haffenden

Intérpretes:

GENE KELLY: El Clown/Simbad el Marino

IGOR YOUSKEVITCH: El amante/El Artista

CLAIRE SOMBERT: La Amada

CAROL HANEY: Scheherazade

DAVID KASDAY: El Genio

DAVID PALTENGHI: El Marido

DAPHNE DALE: La Esposa

CLAUDE BESSY: La Modelo

TAMARA TOUMANOVA: La prostituta callejera

Gen Kelly empezó a trabajar en “Invitación a la Danza” (MGM) en 1952. Quería exponer en una misma película, de una manera popular, cuatro partes separadas en las cuales intervendrían los mejores bailarines de Europa y América. Cuatro años después empezó a rodar, de manera provisional, las primeras escenas de baile, aunque ahora serían solamente tres capítulos en los cuales Kelly, y otros bailarines interpretaron, a través del baile, una docena de canciones populares.

El primero de los tres ballets fue “Circus”. Compuesto por Iacques Ibert. Era el cuento de un hombre enfermo de amor (Kelly), quién se cae de un trapecio en el circo y se mata, intentando impresionar a la muchacha que él ama (Claire Sombert), quién, a la vez, ama a otro (Igor Youskevitch).

El segundo fragmento “Ring Around The Rosy”, con música de Andre Previn, quien sustituyó a Malcolm Arnold cuando el capítulo estaba ya terminado, estaba basado en

“Le Ronde”. La historia nos habla del recorrido de una pulsera que es regalada por un marido viejo a su esposa que, a su vez, se lo da a un artista, éste se la da a una modelo, que ella pasa a un amigo presumido, este a una sirena de la sala de fiestas, ella a un cantante, luego a una chica de guardarropa, a un marinero, llega a una prostituta y, finalmente, vuelve al marido.

Los números musicales fueron interpretados por Kelly, Tamara Toumanova, Tommy Rall, Claude Bessy, Diane Adams, Igor Youskevitch, Paddy Stone y Irving Davies, todos bailarines de gran prestigio en su país. El tercero y último capítulo era “Simbad El Marino”, con música de Rimsky Korsakov, basada en Scheherazade. Él combina la acción viva con los dibujos animados (de la misma manera que se hizo en “Levando anclas”), y en ella Kelly destaca como un marinero, David Kasday como el joven genio de la lámpara, y Carol Haney como Scheherazade.

De las tres secciones, la del medio es la más íntima en espíritu y supone una muestra equilibrada del ya olvidado cine musical de Hollywood. Se trata de una maravilla coreográfica interpretada por Tommy Rall. La parte final era igualmente eficaz, mientras que la primera, a pesar de un excelente dúo entre Kelly y Claire Sombert, era implacablemente amanerada y pretenciosa. Kelly se esforzó por ser el tipo de bailarín clásico, algo que no le correspondía, y esa tensión se notó. Las sucesiones de dibujos animados fueron dirigidas por Fred Ouimby, William Hanna y Joseph Barbera. Para esta corta secuencia se realizaron 57.000 dibujos, pero ya la magia de la mezcla no resultó y las críticas abundaron.

Kelly había puesto todo su interés en esta película, síntesis de los bailes más famosos en el mundo, y trató de demostrar con ella que su capacidad como bailarín estaba fuera de toda duda. Pero el filme estuvo maldito desde sus inicios en 1952 y el rodaje fue interrumpido en dos ocasiones: una para rodar “Brigadoon” y otra con “Crest of the Wave”. Además, las escenas más espectaculares que se deberían filmar en los estudios londinenses de Elstree tuvieron que rodarse en California, bastante menos preparada para este tipo de proyecto.

Su estreno se retrasó un año más por los malos resultados de los preestrenos y cuando por fin lo hizo el público ya no estaba interesado en los musicales. A fin de cuentas, los podía ver más cómodamente en televisión.

LAS GIRLS

Les Girls (1957)

MGM

US

Musical/Danza/Comedia

114 minutos

CinemaScope

Productor: Sol C. Siegel

Director: George Cukor

Guión: John Patrick

Basado en la historia de: Vera Caspary

Fotografía: Robert Surtees

Director Musical: Adolph Deutsch

Compositor: Cole Porter

Dirección Artística: William A. Horning y Gene Allen

Coreografía: Jack Cole

Vestuario: Orry-Kelly

Intérpretes:

GENE KELLY: Barry Nichols

MITZI GAYNOR: Joy Henderson

KAY KENDALL: Lady Wren

TAINA ELG: Angele Ducros

JACQUES BERGERAC: Pierre Ducros

LESLIE PHILLIPS: Sir Gerald Wren

HENRY DANIELL: Judge

PATRICK MACNEE: Sir Percy

La última película de Gene Kelly para la MGM, y el último gran musical con el cual consiguió dejar constancia de su talento artístico. “Las Girls”, se produjo en cinemascope y Metrocolor por Sol C. Siegel y dirigida por George Cukor, contaba con el coreógrafo Jack Cole con quien Kelly nunca había trabajado antes. Lo que el público no llegó a saber es que Kelly asumió su trabajo en casi toda la película, a causa de una enfermedad de Jack.

No es un musical de Kelly en el sentido más estricto, ya que su acento, como el título indica, estaba en la historia de tres mujeres, en una época en la cual se hacía necesario darlas más protagonismo, en un intento de volver a captar espectadores. La idea no resultó y aunque la película estaba correctamente realizada, los resultados en taquilla fueron pobres, tan pobres que podemos considerar a este filme el último gran musical de Hollywood.

Cukor tenía buena reputación trabajando con actrices protagonistas y así lo demostró al dirigir a estas por entonces desconocidas actrices, Mitzi Gaynor, Taina Elg, y Kay Kendall.

Tanto Mitzi Gaynor como Taina Elg, eran bailarinas expertas y no hubo ningún problema en adecuarlas en los números musicales con Kelly, pero Kendall era sumamente inepta para el baile, aunque la habilidad de Cukor consiguió enmascarar parcialmente este defecto.

Las letras y música eran de Cole Porter que estaba sumamente enfermo en el momento, y necesitó la ayuda inestimable de Saul Chaplin para permitirle terminar su labor.

Una vez estrenada la película ninguna de las tres actrices consiguió consolidarse en el cine, ni siquiera Mitzi Gaynor, quien debería haber sido la sustituta de Vera-Ellen (retirada del cine ese mismo año). Kay Kendall, a quienes los productores la auguraban un buen futuro, murió de cáncer poco tiempo después.

El argumento básico, la demanda judicial, no es creíble y las historias carecen de suficiente profundidad como para que el público se las tome en serio. Por tanto, solamente nos quedan los números musicales, de menor ambición que en otros filmes, pero igualmente válidos. La narración de la historia es confusa y desordenada y al estar estructurada como tres historias independientes, mediante numerosos flashbacks, hay momentos en que es difícil no perderse en este desajuste.

Aparte de una muy deleitable realización de Kay Kendall, quien realiza una buena interpretación cuando desentona cantando un fragmento de la ópera Carmen, nos quedan como escenas correctas el número “Why Am I So Gone About That Gal?”, una parodia musical de la película de la Columbia de 1953 con Marlon Brando “The Wild Ones”, realizada por Kelly y Gaynor.

Otras canciones y números musicales: “Les Girls”; “Youŕe Just Too, Too”; “Ca Cést Lámour”; Ladies In Waiting”.

Premios:

Nominada por la mejor dirección artística 1957: William A. Horning, Gene Allen, Edwin B. Willis, Richard Pefferle.

Oscar al mejor vestuario 1957: Orry-Kelly

Nominada al mejor sonido 1957: Dr. Wesley C. Miller

MARJORIE MORNINGSTAR (1958)

Warner Bros/Beachwold Pictures

US

Drama/Danza

123 minutos

Color

Productor: Milton Sperling

Director: Irving Rapper

Guión: Everett Freeman

Basado en la novel de: Herman Wouk

Fotografía: Harry Stradling

Director musical: Ray Heindorf

Compositor: Max Steiner

Dirección artística: Malcolm Bert

Coreografía: Jack Baker

Vestuario: Howard Shoup

Intérpretes:

GENE KELLY: Noel Airman

NATALIE WOOD: Marjorie Morgenstern

CLAIRE TREVOR: Rose Morgenstern

EVERETT SLOANE: Arnold Morgenstern

MARTIN MILNER: Wally

CAROLYN JONES: Marsha Zelenko

Natalie Wood está solamente adecuada como la heroína de la novela de Herman Wouk, en un cuento sobre una muchacha de Nueva York que aspira a lograr grandeza espiritual, pero que termina como una sencilla ama casa urbana, viviendo con Kelly su romance de verano.

Era la primera película en la cual Kelly conseguía independizarse de la tutela de la MGM, productora que no tenía ya ningún interés en el cine musical, y aunque se la ofrecieron en primer lugar a Danny Kaye, la negativa de este actor hizo que se pensara en Gene.

El papel era bastante adecuado para un ex-bailarín con buenas dotes dramáticas, pero los desacuerdos entre el productor, el director y los guionistas, sobre cuál debería ser el tema central del filme, motivó lo desacertado de su narrativa. Girando en torno a un problema de identidad de una joven norteamericana, quien decide independizarse de la familia cuando empieza a conocer el mundo, vemos lo que debería ser una exposición del eterno problema generacional, tratado de una manera superficial. La protagonista, siguiendo el ejemplo de miles de mujeres, cambia el verdadero amor, inseguro pero más intenso, por la seguridad económica y tranquila que le proporciona otro hombre.

El mensaje final de la película resulta claro: para triunfar no son necesarios muchos méritos sino ganas y coraje para ello.

Premios:

Nominada por las mejores canciones 1958: Sammy Fain, Paul Francis Webster SOMETHING FOR THE GIRLS (1958)

Sin datos

MI MARIDO SE DIVIERTE

The Tunnel of Love (1958)

Solamente como director

MGM

US

Comedia

98 minutos

Blanco y Negro

Cinemascope

Productor: Joseph Fields y Martin Melcher

Director: Gene Kelly

Guión: Joseph Fields

Basado en la obra de: Fields, y Peter DeVries y la novela de: DeVries Fotografía: Robert Bronner

Dirección artística: William A. Horning y Randall Duell Vestuario: Helen Rose

Intérpretes:

DORYS DAY: Isolde Poole

RICHARD WIDMARK: Augie Poole

GIG YOUNG: Dick Pepper

GIA SCALA: Estelle Novick

Comedia luminosa del matrimonio Widmark y Day, en la que se pasan toda la película tratando de adoptar un niño.

Era la primera oportunidad que tenía Gene Kelly para apartarse definitivamente de su carrera como actor/bailarín, y empezar a dedicarse exclusivamente a la producción y dirección de películas. Ya había demostrado anteriormente que podía hacerlo sin problemas y, además, perfectamente.

La película estaba basada en una obra teatral de gran éxito dirigida por Joseph Fields, quien ahora hace la labor de productor y guionista. Era por ello la persona adecuada para sacarle todo el jugo a esta comedia enredosa sobre una mujer obsesionada por adoptar un niño.

La película debería incluir numerosos motivos sexuales sobre el modo de hacer el amor para que la mujer se quede embarazada, por lo que fue considerada por algunos como obscena, aunque ahora este comentario motive la risa. El filme no tuvo mucho éxito, a pesar de estar interpretada por Doris Day, Gig Young y un Richard Widmark increíble en su faceta cómica.

Agradables canciones a cargo de Doris Day.

INHERIT THE WIND (1960)

United Artists

US

Drama

127 minutos

Blanco y Negro

Productor: Stanley Kramer

Director: Stanley Kramer

Guión: Nathan E. Douglas y Harold Jacob Smith

Basado en la obra de: Jerome Lawrence, Robert E. Lee

Fotografía: Ernest Laszlo

Compositor: Ernest Gold

Dirección artística: Rudolph Sternad

Vestuario: Joe King

Voz de: Leslie Uggams

Intérpretes:

FREDERIC MARCH: Matthew Harrison Brady

SPENCER TRACY: Henry Drummond

GENE KELLY: E.K. Hornbeck

FLORENCE ELDRIDGE: Señora Brady

DICK YORK: Bertram T. Cates

DONNA ANDERSON: Rachel Brown

HARRY MORGAN: Juez

ELLIOT REID: Davenport

En el verano de 1925 el estado de Tennessee fue el encargado de organizar uno de los ensayos judiciales más espectaculares y absurdos en la historia de la jurisprudencia americana. Un maestro llamado John T. Scope había sido arrestado por difundir entre sus alumnos las teorías de Darwin sobre la evolución utilizando las aulas de una escuela, violando así una ley estatal.

La historia es tan real que obviamente tiene que causar hoy en día asombro, aunque sigan existiendo numerosas pruebas de que la intolerancia hacia quienes opinan diferente, sigue vigente. Vean sino la persecución que sufren todas las creencias religiosas no oficiales, siendo consideradas como sectas peligrosas y perseguidas por la ley.

Nuestro maestro protagonista desea que se celebre el juicio para poner en ridículo a quienes ejercen labores inquisitorias y, como si estuviéramos asistiendo a un juicio de hoy, la prensa amarilla encuentra la carnaza necesaria para llenar sus páginas.

William Jennings Bryan, el verdadero fundamentalista interpretado como Brady por Frederic March, trata de demostrar la tesis de Tennessee sobre la evolución de las especies.

Por su parte, un aparente campeón del pensamiento liberal, Clarence Darrow, un abogado especializado en salir en la prensa, cuyo papel está interpretado por Tracy como Henry, trata de rebatir sus opiniones ante el jurado. Gene Kelly hace del periodista Meccken, con el nombre de Hornbeck, que trata solamente de conseguir buenas noticias para su periódico, mientras que Dick York es el pobre profesor que quiere luchar contra la intolerancia de quienes no piensan como él. El ensayo, basado en un hecho real y en una posterior obra teatral, era de verdad una batalla de titanes.

El productor y director Stanley Kramer usó este alto-voltaje histórico al que se le llamó como “El juicio del mono” en alusión despectiva a las teorías de Darwin, con adecuada maestría y fue la base para lograr una buena película.

Los nombres de estas figuras históricas fueron todos cambiados para la película, pero sus caracteres permanecen claramente reconocibles. El maestro Bertram T. Cates (Dick York) es encarcelado por atreverse a enseñar las teorías de Darwin en el diminuto Hillsboro (suplantando al pueblo real, Dayton, en Tennessee). Su novia es la hija de un predicador fundamentalista Rev Brown (Claude Akins), quien sufre por el afecto de su hija hacia el infiel religioso. Rev Brown, como líder de la comunidad religiosa ultrajada, envía a su abogado Matthew Harrison Brady (Fredric March) para que persiga judicialmente al joven maestro. Cuando Matthew llega, hay gente que entona “The Battle Hymn of the Republic” y aparecen hordas de ciudadanos disponibles para hacer un homenaje al hombre que estuvo a punto de ser tres veces presidente.

El abogado defensor Henry Drummond (Spencer Tracy) llega a un pueblo que no quiere darle la bienvenida, ayudados por un periodista cínico llamado E. K. Hornbeck (Gene Kelly). Las escaramuzas más intensas comienzan en la apertura del juicio, con Henry que critica a los estandartes que hondean en los edificios del pueblo. Sus objeciones son ignoradas y el juicio empieza en serio.

Como la causa comienza durante el verano, el calor es intenso, tanto como la intensidad del proceso. Henry es taimado y experimentado en el manejo de las leyes, pero Matthew está en su elemento y manipula brillantemente los sentimientos de las personas en la sala del tribunal. Matthew expone sus conclusiones en la corte ante un pueblo que le adora y lleva a los fundamentalistas en oración durante algunos rituales nocturnos al aire libre.

Henry gasta la mayoría de sus horas libres escuchando a E. K. Hornbeck y viendo como se burlan en el pueblo de sus creencias religiosas.

La batalla real empieza cuando Henry lleva a Matthew hacia el estrado y entonces lo acorrala en una posición fundamentalista insostenible y consigue que Matthew declare que la tierra se creó literalmente en siete días. Henry insiste y exige saber si cada día de la creación fue de 24 horas y cuando Matthew dice que él no lo sabe, Henry le cuenta que cada día de la creación podría ser igual a miles de años. “Yo estoy más interesado en la Edad del Rock que en la Edad de piedra”, replica con sarcasmo Matthew. Pero Henry implacablemente saca al estrado sus conclusiones darwinianas y gana casi cada ronda.

En un momento dado, Matthew que se niega a admitir la evolución, agrega limpiamente:

“Yo no pienso en las cosas, yo pienso sobre sus consecuencias”. Henry le replica mordazmente: Sí, pero ¿piensa usted sobre las consecuencias o sobre la verdad de las cosas?.

En un ambiente muy perjudicial, con los seguidores de Matthew abarrotando la sala del tribunal y gritando fuera eslóganes fundamentalistas, Bertram no tiene ninguna oportunidad en absoluto y nadie da un duro por él, salvo su inteligente abogado. Bertram es hallado culpable, pero el juez (Harry Morgan) comprende que la opinión fundamentalista ha sido ridícula y multa a Bertram con 100 dólares, lo que supone una desilusión para Matthew y sus seguidores.

Matthew, que es ignorado cuando intenta leer un largo discurso, se pone enfermo y cae al suelo. E. K. Hornbeck esboza una sonrisa de victoria a Henry, pero el valiente abogado defiende a su enemigo caído diciendo al cínico periodista: "Un gigante vivió una vez en ese cuerpo". Ambos llegan a la conclusión que los dos libros, la Teoría de la Evolución de Darwin y La Biblia, pueden coexistir perfectamente, aunque el periodista E. K. Hornbeck considera un fraude a quienes creen en La Biblia. Henry le dice a E. K. Hornbeck que lo siente por él, por no tener ninguna creencia y ningún amigo, que él es un hombre solitario que necesita a un amigo.

“Inherit the Wind” es una película sumamente interesante, no solamente por la defensa que ambos protagonistas hacen de sus respectivas creencias, sino por ver unidos a dos ganadores de un Oscar, como eran Tracy y March, en su única película juntos. El éxito de la película principalmente se debe a estos dos geniales actores, juntos por primera vez defendiendo dos doctrinas aparentemente contradictorias, cuya polémica continúa vigente.

Cuando realizan un careo vemos unas imágenes sumamente poderosas.

Aunque Tracy tenía un papel más simpático que Darrow (un hombre más crudo y tosco que el mismo actor), March recuperó su carácter frío personificando al estupendo orador, reproduciendo a su colega en la vida real añadiéndole detalles de su propia personalidad.

Dirigiendo tales gigantes estaba un eficaz Kramer. En un momento del rodaje él no podía oír una frase de Tracy y le dijo al actor: "Spencer, he invertido seis meses para escribir esa línea y yo no puedo entender lo que usted dice". Tracy le contestó: "Yo he dedicado 25

años para aprender a leer una línea así y ahora usted quiere que yo lo recite".

Kelly está sorprendentemente bueno como el sarcástico periodista, lo mismo que Morgan como el juez del sur. El diálogo es ingenioso y culto, mucho mejor que el que se mostró en la exitosa obra de Broadway de Jerome Lawrence y Robert E. Lee.

Premios:

Nominada al mejor actor 1960: Spencer Tracy

Nominada al mejor guión 1960: Nathan E. Douglas, Harold Jacob Smith Nominada a la mejor fotografía 1960: Ernest Laszlo

Nominada al mejor filme 1960: Frederic Knudtson

EL MULTIMILLONARIO

Letś Make Love (1960)

20th Century Fox

US

Musical/Danza/Comedia

118 minutos

Color De Luxe

CinemaScope

Productor: Jerry Wald

Director: George Cukor

Guión: Norman Krasna y

Hal Kanter

Fotografía: Daniel Fapp

Director musical: Lionel Newman

Compositor: Lionel Newman

Dirección artística: Lyle Wheeler y Gene Allen

Coreografía: Jack Cole

Vestuario: Dorothy Jeakins

Intérpretes:

MARILYN MONROE: Amanda

YVES MONTAND: Jean-Marc Clement

TONY RANDALL: Howard Coffman

FRANKIE VAUGHAN: Tony Danton

WILFRID HYDE-WHITE: John Wales

DAVID BURNS: Oliver Burton

MICHAEL DAVID: Dave Kerry

Estrellas Invitadas:

MILTON BERLE

BING CROSBY

GENE KELLY

En “El Multimillonario” inspirada en “On The Avenue” (1937) del mismo estudio, a Yves Montand le tocó hacer el papel del billonario franco americano que no piensa nada más que en contratar a Milton Berle, Bing Crosby y Gene Kelly para que le enseñen cómo ser cómico, cómo cantar, y cómo bailar.

La historia inicial debía estar basada en la vida del magnate Howard Hughes, parodiándola, por supuesto, y en principio sería Gregory Peck quien le encarnaría. Pero hubo quien pensó que eso podría traer serios problemas legales a la compañía y se decidieron por poner a un francés como cabeza de turco.

Jean M./Montand sería pues, el alumno malo, o con un trío de maestros inútiles, que debería intentar ser un buen actor en la comedia teatral “Hagamos el amor”. Montand está enamorado de Marilyn, la guapa rubia que canta sugestivamente “My Heart Belong to Daddy”. Esto es algo comprensible porque una chica así entusiasma a cualquiera, pero lo que no es aceptable es que ella le rechace por ser millonario.

La solución es muy sencilla: el millonario se disfraza de actor, y así con su pobreza trata de cautivar a la guapa muchacha llamada Amanda. Pero es tan mal actor que solamente inspira lástima y así no hay quien la enamore. Por eso Montand contrata de manera privada a tres monstruos de la escena mundial, los mejores del mundo, para que le enseñen todos los trucos de la interpretación, el canto y el baile, aunque ella sigue enamorada del cantante Frankie Vaughand.

Aparte de la buena actuación de Mr. Berle y la organización inteligente de la coreografía de Jack Cole, existen otros alicientes en el filme, como la brillante melodía de Cole Porte

“My Heart Belong To Daddy” (maravillosamente cantada por Marilyn Monroe) y una buena actuación de Tony Randall. Ives Montand está solamente correcto en su papel de billonario, lo mismo que la dirección de George Cukor.

Bing Crosby y Gene Kelly suponen por sí mismos motivo suficiente para ver la película, aunque la presencia de Marilyn justifica pagar cualquier precio por una entrada.

El resto de los ingredientes son el atractivo cinemascope y la actuación de ese secundario estupendo que es Wilfrid Hyde White.

Premios:

Nominada a la mejor música 1960: Lionel Newman, Earle H. Hagen GIGOT (1962)

Solamente como director

Seven Arts

US

Drama/Comedia

104 minutos

Color

Productor: Kenneth Hyman

Director: Gene Kelly

Guión: John Patrick

Basado en la historia de: Jackie Gleason

Fotografía: Jean Bourgoin

Director musical: Michel Magne

Compositor: Jackie Gleason

Dirección artística: Auguste Capelier

Intérpretes:

JACKIE GLEASON: Gigot

KATHEERINE KATH: Colette

GABRIELLE DORZIAT: Madame Brigitte

JEAN LEFEVRE: Gaston

JACQUES MARIN: Jean

ALBERT REMY: Alphonse

Jackie Gleason fue un actor muy popular en la televisión norteamericana, en la que tuvo su propio programa como un personaje paleto, bonachón e ingenuo. Necesitaba llegar a las pantallas del cine mundial y para ello nada mejor que contar su propia historia. Contando con el escritor John Patrick, elaboraron un guión a base de diferentes sketches y con la inestimable ayuda de su amigo Gene Kelly, quien haría como director, convencieron a una productora para que financiase la historia.

Ahora nuestro héroe es sordomudo, sentimental, humano y muy amante de los animales.

Es querido por los niños del barrio y trabaja como conserje en un pequeño hotel del barrio de Montmartre. Para integrarse con los vecinos se pasea por el barrio repartiendo sonrisas y acude a todos los entierros para acompañar en su dolor a los familiares del difunto.

Pero un día se enamora de una prostituta y de su pequeña hija, aunque la madre solamente quiere sacarle su poco dinero. Un día la prostituta cree que el sordomudo se ha escapado con su hija y pone en alerta a todos los vecinos que le persiguen como si fuera un criminal.

Gigot solamente estaba jugando con la niña, pero en la persecución la pequeña sale herida y él se cae al río pereciendo en sus aguas. Pero ocurre un milagro, Gigot se salva y se esconde para asistir a su propio funeral.

Jaclie Gleason está excelente en su propio papel, aunque la película fue mutilada por los ejecutivos de la Fox y en su estreno en América solamente era un esbozo del total de la historia.

Premios:

Nominada por la mejor música 1962: Michel Magne

ELLA Y SUS MARIDOS

What a Way to Go (1964)

20th Century Fox

US

Danza/Comedia

111 minutos

Color De Luxe

CinemaScope

Productor: Arthur P. Jacobs

Director: J. Lee Thompson

Guión: Betty Comden y Adolph Green

Basado en la historia de: Gwen Davis

Fotografía: Leon Shamroy

Compositor: Nelson Riddle

Dirección artística: Jack Martin Smith y Ted Haworth

Efectos especiales: L.B. Abbott, Dick Smith y Emil Kosa Jr.

Maquetas: Ben Nye, Frank Westmore y Toby Skarstedt

Coreografía: Gene Kelly y Richard Humphrey

Vestuario: Edith Head y Moss Mabry

Intérpretes:

SHIRLEY MacLAINE: Louisa

PAUL NEWMAN: Larry Flint

ROBERT MITCHUM: Rod Anderson

DEAN MARTIN: Leonard Crawley

GENE KELLY: Jerry Benson

ROBERT CUMMINGS: Dr. Stephanson

DICK VAN DYKE: Edgar Hopper

REGINALD GARDINER: Pintor

MARGARET DUMONT: Señora Foster

DICK WILSON: Driscoll

LOU NOVA: Trentino

FIFI DÓRSAY: Baronesa

Económicamente despilfarradora, esta comedia negra por episodios elaborados por Betty Comden y Adolph Green, marca las falsas expectativas que tenía Hollywood para volver a los tiempos gloriosos del cine musical. Hay quien afirmó que el secreto estaba en el dinero, no en las ideas, y ni cortos ni perezosos invirtieron la mitad del presupuesto en el vestuario y los decorados, además de contratar a prestigiosos artistas.

Y es que contar en la misma película con Shirley MacLaine, Paul Newman, Robert Mitchum, Dean Martin, Gene Kelly, y la legendaria Margaret Dumont debería haber sido suficiente para asegurar un rotundo éxito, lo que no sucedió.

MacLaine hace el papel de un pájaro de mal agüero para los hombres con los cuales se casa, ya que todos fallecen a los pocos días de su matrimonio. Pero esto que obviamente es malo para ellos no lo es para ella que devenga cada día con más millones. Un día decide romper su maleficio, sin que nadie sepa para qué, y trata de regalar su dinero al estado, pero la toman por loca.

La serie de parodias de la película es algo divertida, y las actuaciones están perfectamente realizadas, especialmente Newman como el pintor obsesionado por su invento que pinta cuadros al son de la música y Kelly como estrella del baile que triunfa y muere aplastado por sus admiradoras. Al final, ella se casa con un hombre pobre y ya es feliz. Increíble.

Premios:

Nominada a la mejor dirección artística en color: Jack Martin Smith, Ted Haworth, Walter M. Scott, Stuart A. Reiss.

Nominada al mejor vestuario en color 1964: Edith Head, Moss Mabry GUIA PARA EL HOMBRE CASADO

A Guide For The Married Man (1967)

Solamente como director

20th Century Fox

US

Comedia

89 minutos

De Luxe Color

Panavision

Productor: Frank McCarthy

Director: Gene Kelly

Guión: Frank Tarloff

Basada en la historia de su libro

Fotografía: Joseph MacDonald

Compositor: John Williams

Dirección artística: Jack Martin Smith y William Glasgow Efectos especiales: L.B. Abbott, Art Cruickshank y

Emil Kosa Jr.

Maquetas: Ben Nye

Vestuario: Moss Mabry

Intérpretes:

WALTER MATTHAU: Paul Manning

ROBERT MORSE: Ed Stander

INGER STEVENS: Ruth Manning

SUE ANE LANGDON: Señora Irma Johnson

JACKIE RUSSEL: Señorita Harris

CLAIRE KELLY: Harriet Stander

LINDA HARRISON: Señorita Stardust

Algunas estrellas invitadas:

LUCILLE BALL

JACK BENNY

POLLY BERGEN

SID CAESAR

Una serie de sketches mudos en cómo estafar a su esposa. Es difícil saber lo que es más pesado en esta película: la fijación de la cámara en los fondos (y en pechos que parecen fondos), o su moraleja sobre el comportamiento humano. La historia nos habla de un hombre común, con un alto nivel económico (Walter Matthau), quien afirma que la mejor manera de demostrar que ama a su esposa es ser infiel; así podrá comparar y se dará cuenta de la joya que tiene en casa.

Pronto encuentra mujeres hermosas que no solamente no tienen problemas en acostarse con un hombre casado, sino que les parece lo mejor de todo, así su relación no se estropeará con un matrimonio.

Pero entonces empieza en el argumento un empacho de feminismo y nos cuentan que todas las mujeres casadas son encantadoras, guapas, buenas y sexualmente ardientes, y que cualquier amiguita de sus maridos son unas golfas sin remedio. También aprovechan para explicarnos que no existe mejor pareja que la propia esposa y que cuando un hombre es infiel es un pervertido que no aprecia lo que tiene en casa. Posteriormente, y en un alarde de hembrismo, nos aseguran que cuando una mujer casada decide bucear entre sábanas ajenas es porque en realidad busca el amor que no tiene en casa, pero sigue siendo un pedazo de pan para su marido.

Pero, aún así, hay momentos agradables en esta pantomima, especialmente por la presencia de Walter Matthau. Dirigida por Gene Kelly, con un guión de Frank Tarloff el cast incluye a Robert Morse, Lucille Ball, Phil Silvers, Carl Reiner, Jack Benny, Inger Stevens, Sid Caesar, Terry-Thomas, Wally Cox, Jayne Mansfield, Sue Ane Langdon, y muchos otros. También hay numerosa publicidad encubierta que sirvió para financiar en parte la película.

LAS SEÑORITAS DE ROCHEFORT

The Young Girls of Rochefort/ Les Demoiselles de Rochefort (1968) Francia

Musical/Danza

124 minutos

Technicolor

Franscope

Productor: Mag Bodard

Director: Jacques Demy

Dirección musical: Jacques Demy

Compositor: Michel Legrand

Fotografía: Ghislain Cloquet

Dirección artística: Bernard Evein

Intérpretes:

CATHERINE DENEUVE: Delphine Garnier

FRANCOISE DORLEAC: Solange Garnier

GENE KELLY: Andy Miller

GEORGE CHAKIRIS: Étienne

DANIELLE DARRIEUX: Yvonne

GROVER DALE: Bill

MICHEL PICCOLI: Simón Dame

El director Demy, autor de “Los paraguas de Cherburgo” trata de rendir un homenaje al cine musical de Hollywood, pero le falta contenido a su historia escrita. Michel Legrand repite también como compositor después de “los paraguas...”, pero no logra ni una sola canción de impacto.

Gene Kelly, sumamente delgado y demacrado, intenta salvar la calidad del filme pero no lo consigue, especialmente por carecer de bailarines de prestigio a su lado. Ni Catherine Deneuve, ni Francoise Dorléac sabía una palabra de baile, y eso es algo que el público nota en los primeros minutos.

Lo que debía ser un correcto filme musical se convierte en algo desconcertante cuando el argumento nos incluye a un asesino despiadado de mujeres, personaje nada adecuado para una comedia. Mucho nos tememos que la presencia de Gene Kelly fue requerida solamente para conseguir financiación norteamericana.

Premios:

Nominada a la mejor música 1968: Michel Legrand, Jacques Demy HELLO, DOLLY! (1969)

Solamente como director

Chenault

US

Musical/Danza/Comedia

146 minutos

De Luxe Color

Todd-Ao

Productor: Ernest Lehman

Director: Gene Kelly

Guión: Ernest Lehman

Basado en la obra “The Matchmaker” de: Thornton Wilder

Fotografía: Harry Stradling

Director musical: Lennie Hayton y Lionel Newman

Compositor: Jerry Herman, Lennie Hayton y Lionel Newman Dirección artística: Jack Martin Smith y Herman A. Blumenthal Efectos especiales: L.B. Abbott, Art Cruickshank y

Emil Kosa Jr.

Maquetas: Dan Striepeke

Coreografía: Michael Kidd

Vestuario: Irene Sharaff

Intérpretes:

BARBARA STREISAND: Dolly Levi

WALTER MATTHAU: Horace Vandergelder

MICHAEL CRAWFORD: Cornelius Hackl

LOUIS ARMSTRONG: Director de Orquesta

MARIANNE McANDREW: Irene Molloy

E.J. PEAKER: Minnie Fay

DANNY LOCKIN: Barnaby Tucker

JOYCE AMES: Ermengarde

TOMMY TUNE: Ambrose Kemper

JUDY KNAIZ: Gussie Granger

Hay que reconocerle a Gene Kelly muchas virtudes, entre ellas no admitir nunca el declive imparable y hasta ahora irreversible del cine musical. Aunque 1969 estaban lejos de ser un año adecuado para realizar un musical en la pantalla, la Fox se decidió a comprar los derechos de este musical a Jerry Herman, teniendo en cuenta que la obra llevaba representándose en Broadway tres años.

“Hello, Dolly”, presentada por la Fox, trataba de ser un musical similar a los de la Metro y para ello nada mejor que contratar como director al mayor experto en musicales, Gene Kelly y al director de fotografía Harry Stradling, quien ya había trabajado con Kelly en “El Pirata” (MGM, 1948) y con Fred Astaire en “The Barkleys Of Broadway” (MGM, 1949).

Roger Edens, el productor asociado, era uno de los miembros que fundaron junto a Arthur Freed los estudios Culver City, además de contar con Kelly, Lionel Newman y Lennie Hayton.

El coreógrafo Michael Kidd recibió con esta película su primer entrenamiento cinematográfico; Irene Sharaff, el diseñador de vestuario, llevaba años trabajando para la MGM, lo mismo que Jack Martin Smith, Herman Blumenthal y John De Cuir. Sus talentos combinados debían producir unos resultados extraordinarios, similares a los antiguos musicales, pero el público ya hacía tiempo que los había olvidado, incluso después del gran éxito de “Sonrisas y lágrimas”

La protagonista principal, Barbra Streisand, que era demasiado joven para el papel de Dolly (en el teatro fue interpretado por Carol Channing), no estaba muy interesada en interpretar este musical. Finalmente, con un presupuesto de 24 millones de dólares, solamente necesitaban un protagonista masculino muy popular. Encontraron el personaje ideal en Walter Matthau, obviamente bastante mayor que Barbra, lo que dejaba más claro lo desacertado de escogerla a ella para este papel en el cual se necesitaba una mujer entrada en años. Walter Matthau, en su papel de Horace Vandergelder, es un conocido millonario que busca pareja a través de una alcahueta. Pero ella vislumbra la gran oportunidad de casarse con tan rico comerciante y en lugar de buscarle esposa se ofrece ella como candidata.

Michael Crawford es Cornelius Hackl, el empleado de Vandergelder, Danny Lockin es Barnaby el empleado auxiliar, y Marianne McAndrew como la modista de sombreros Irene Molloy.

Jerry Herman proporcionó dos nuevas canciones para Streisand: “Just Leave Everything To Me” (reemplazando a la original “I Put My Hand In”), y “Love Is Only Love”, que se intercaló entre el espectacular “Before The Parade Passes By” (Streisand) y el número del título. Otro número ya filmado “Motherhood”, se omitió.

El guión de Ernest Lehman era una mejora decidida sobre el libreto musical original (basado originalmente en la obra de Thornton Wilder, El Matchmaker), y por lo menos consiguió unir todos los cabos sueltos de la obra de Broadway.

Premios:

Nominada como mejor película 1969: Ernest Lehman

Oscar a la dirección artística 1969: John DeCuir, Jack Martin Smith, Herman Blumenthal, Walter M. Scott, George James Hopkins y Raphael Bretton.

Nominada a la mejor fotografía 1969: Harry Stradling

Nominada al mejor vestuario 1969: Irene Sharaff

Nominada al mejor filme editado 1969: William H. Reynolds Oscar a la mejor música 1969: Lennie Hayton, Lionel Newman Oscar al mejor sonido 1969: Jack Solomon, Murray Spivack

EL CLUB SOCIAL DE CHEYENNE

The Cheyenne Social Club (1970)

Como Productor y director

National general

US

Western/Comedia

103 minutos

Panavision y Technicolor

Productor: Gene Kelly

Director: Gene Kelly

Guión: James Lee Barrett

Fotografía: William Clothier

Director musical: Walter Scharf

Compositor: Walter Scharf

Dirección artística: Gene Allen

Maquetas: Frank Westmore

Vestuario: Yvonne Wood

Intérpretes:

JAMES STEWAR: John O'Hanlan

HENRY FONDA: Harley Sullivan

SHIRLEY JONES: Jenny

SUE ANE LANGDON: Opal Ann

ELAINE DEVRY: Pauline

ROBERT MIDDLETON: Tabernero

DABBS GREER: Willowby

JACKIE RUSSELL: Carrie Virginia

JACKIE JOSEPH: Annie Jo

Parecía casi imposible reunir a dos veteranos del viejo cine del oeste en una misma cinta y, además, que fuera dirigida por Gene Kelly. Pero la amistad hace milagros y no solamente estuvieron juntos Henry Fonda y James Stewart, sino que también se apuntó el experto guionista en el western James Lee Barret y el director de fotografía William Clothier. Para que todo resultase bien se construyó un poblado auténtico en Santa Fe, Nuevo México, y se invirtieron tres millones de dólares. Pero las buenas intenciones no bastan y el filme apenas si consiguió recuperar la inversión.

El tema se centra en una herencia que un vaquero y su amigo deben recoger en un pequeño poblado, aunque no saben exactamente de lo que se trata. Cuando llegan, la sorpresa es mayúscula para todos: se trata de un burdel con bellas chicas esperando los clientes del día. Aunque al principio deciden vender esa conflictiva herencia, después creen que lo mejor es quedarse allí, aunque finalmente se lo venden a Jenny (Shirley Jones) la guapa encargada de regentarlo.

Muchas risas, buena interpretación, buenos actores, pero nadie se tomó en serio un western en el cual había tan pocos tiros.

CUARENTA QUILATES

40 Carats (1973)

Columbia

US

Comedia

110 minutos

Metrocolor

Productor: M.J. Frankovich

Director: Milton Katselas

Guión: Leonard Gershe y Jay Presson Allen

Basado en la obra francesa de: Pierre Barillet y Jean-Pierre Gredy Fotografía: Charles Lang

Compositor: Michel Legrand

Vestuario: Jean-Louis

Intérpretes:

LIV ULLMAN: Ann Stanley

EDDIE ALBERT: Peter Latham

GENE KELLY: Billy Boylan

BINNIE BARNES: Maud Eriason

DEBORAH RAFFIN: Trina Stanley

BILLY GREEN BUSH: J.D. Rogers

NANCY WALKER: Señorita Margolin

DON PORTE: Señor Latham

ROSEMARY MURPHY: Señora Latham

Basada en una obra de teatro que se había estrenado en París en 1967 y reestrenada en Broadway en 1968 con bastante éxito, los productores creyeron que tenían ante sí un buen material y se pusieron en marcha para buscar actores que la prestigiaran. Liv Ullmann tenía ya 37 años cuando fue propuesta para el papel de Ann, y fue el requisito imprescindible para que Gene Kelly aceptara el papel de Billy, el ex marido de Liv.

La trama es bastante sencilla y por ello decepcionante para quienes esperaban un ejercicio más profesional y nos cuenta el romance de una mujer ejecutiva durante una noche en la playa con un norteamericano llamado Peter. Ambos se quedan dormidos en la playa y ella se marcha sin despedirse, aunque se vuelven a ver por casualidad unos meses después. El guapo chico resulta ser un poderoso y adinerado ejecutivo, el marido ideal para ella, según su madre. Ya sabemos que ante el sonar de los dólares no hay madre que no considere a un hombre como “un buen partido”.

Pero este asunto amoroso entre una mujer de casi 40 años, Liv Ullmann, y el jovencito de 22 años Eddie Albert, no resultó tan romántico para los espectadores, quizá porque Liv Ullmann no tenía aptitudes para la comedia. Ella está sumamente ansiosa y superficial en su papel y cuando besa al joven Albert vemos que algo no funciona. A estas alturas de su categoría como actriz, la inglesa Ullmann interpretó demasiado pesadamente a la mujer enamorada y ni siquiera acierta a expresar correctamente los diálogos.

Se trata de una comedia, pero nosotros simpatizamos con ella en lugar de reírnos.

La mayor sorpresa la tuvimos con Gene Kelly, a quien todo el mundo consideraba demasiado viejo ya para este papel y con quien nadie podía contar, ya que anteriormente había manifestado su deseo de no volver a trabajar nunca más en el cine. Pues reincidió y, además, nos obsequió con un pequeño baile.

ÉRASE UNA VEZ EN HOLLYWOOD

That's Entertainment! (1974)

US

Musical/Danza

132 minutos

Metrocolor

MGM

Productor: Jack Haley Jr.

Director: Jack Haley Jr.

Escrita por: Jack Haley Jr.

Música: Henry Mancini

Fotografía: Gene Polito, Ernert Laszlo, Russell Metty, Ennio Guarieri y Allan Green Intérpretes:

FRANK SINATRA

FRED ASTAIRE

GENE KELLY

MICKEY ROONEY

ELIZABETH TAYLOR

LIZA MINNELLI

JAMES STEWART

DONALD OĆONNOR

PETER LAWFORD

BING CROSBY

DEBBIE REYNOLDS

Cuando la MGM decidió reabrir la cueva de los tesoros de Alí Babá, excavando en sus archivos para conseguir una recopilación de las mejores escenas musicales de todos los tiempos, consiguió un producto de gran éxito que sorprendió a todos.

“Érase una vez en Hollywood”, es un documental que arrasó en el mundo entero, tanto en la pantalla grande como en el vídeo. En su realización se involucraron la mayoría de los actores que habían pertenecido a la Metro y por eso podemos ver como narradores a Fred Astaire, Gen Kelly, Bing Crosby, Peter Lawford, Liza Minnelli, Donald O'Connor, Debbie Reynolds, Mickey Rooney, Frank Sinatra, James Stewart y Elizabeth Taylor. Su presencia es suficiente para que estemos agradecidos a quien tuvo esta maravillosa idea, pero, además, los realizadores consiguieron enlazar todo el documental como si fuera una película con argumento.

“Érase una vez en Hollywood” hace que el espectador se sienta como un niño a quien han dejado suelto en una fábrica de juguetes. Después de una sorpresa viene otra y en ocasiones nos es difícil escoger dónde pondremos nuestros ojos. Como si de un viaje en el tiempo se tratase, pudimos ver el enorme pastel de bodas de “The Great Ziegfeld” (1936),

un segmento del inteligente ballet de “Un americano En París” (1951), el alegre número con Judy Garland y Ray Bolger de “The Harvey Girls” (1945), y un par de ballets acuáticos del filme “Bathing Bauty” (1944) y “Million Dollar Merrnaid” (1952) con Esther Williams.

Por supuesto, quizá el momento más encantador del filme fue cuando vimos a Gene Kelly en “Cantando bajo la lluvia”. Había algunas rarezas también, especialmente recordar algo tan inédito como ver bailar a Clark Gable “Puttin On The Ritz” en “Idiotś Delight” (1939), a las Las Hermanas Gumm cantando “La Cucaracha”, y a Cary Grant y Jean Harlow a dúo “Did I Remember” en “Suzy” (1936).

Pero el productor Jack Haley Jr. (el hijo de El Hombre de Hojalata de “El Mago de Oz.” 1939), juzgó sabiamente que el público estaba buscando una oportunidad para revolcarse en un pasado de cine compartido, cuando ambos, ellos y Hollywood, eran más jóvenes. De hecho, al salir de ver esta película, más de uno sintió la necesidad de cantar bajo la lluvia.

IT'S SHOWTIME (1976)

US

Documental

86 minutos

Color y Blanco y Negro

Director: desconocido

Una recopilación agradable del mundo de los animales en su intervención en el cine, alcanzando en el tiempo hasta las películas mudas de Rin Tin Tin. La longitud del documental abarca desde escenas del “National Velvet” y “Lassie vuelve a casa”, hasta la versión canina de "Cantando bajo la lluvia". También vemos al chimpancé Bonzo siendo alimentado mediante un biberón por Ronald Reagan, lo que parece ser muy divertido para algunos.

THAT'S ENTERTAINMENT, PART 2 (1976)

MGM

US

Musical/Drama/Danza/Comedia

133 minutos

Metrocolor

Productor: Saul Chaplin y Daniel Melnick

Director: Gene Kelly

Guión: Leonard Gersche

Fotografía: George Folsey

Dirección musical: Nelson Riddle

Intérpretes:

FRED ASTAIRE

GENE KELLY

Narrador: Gene Kelly

La continuación del aclamado documental de la MGM “Érase una vez en Hollywood” (1974), fue “Hollywood, Hollywood” (1976), que originalmente se anunció como “Érase una vez en Hollywood, también”. La decisión de los productores Saul Chaplin y Daniel Melnick era sacar a la luz buena parte del material que no había sido empleado en la primera parte, quizá pensando en que no habría demasiado disponible. Pero esto no era cierto, y la prueba es que aún se pudo realizar una tercera parte.

Había quien pensaba que el público ya no le gustaría ver a sus estrellas envejecidas presentando el documental, pero como esta opinión provenía de personas jóvenes no se tuvo en cuenta y se volvió a contar con Gene Kelly y Fred Astaire, ahora como presentadores únicos. Como resultado, el filme tiene una conexión entre las secuencias mejor que en la primera entrega. Se incluyeron también algunas escenas no musicales de especial interés y tanto Fred como Gene nos deleitaron con números de baile elaborados para esta ocasión.

Fred tenía ya setenta y siete años y Gene sesenta y cuatro, pero los bailes que ejecutaron no eran los de unos ancianitos con ganas de juerga, sino algo extraordinario solamente apto para maestros.

La canción básica del filme es “Esto es espectáculo” original de “Melodías de Broadway 1955” y que es cantada repetidas veces por los presentadores y amigos. Abundan las rarezas, la presencia de estrellas ya fallecidas, inimitables orquestaciones, y muchas secuencias que en su día fueron cortadas por diversos motivos, como “Wedding Of The Painted Doll”'.

La parte negativa es el minúsculo diálogo que tienen Fred y Gene en las presentaciones, supuestamente improvisado, aunque ahora ya sabemos que la causa estuvo en Fred, quien se negó a aprender ningún guión o diálogo previo.

Memorables secuencias la de Maurice Chevalier cantando “Girls, Girls, Girls” en La Viuda Alegre (1934), Judy Garland y Margaret O'Brien en “Have Yourself A Merry Little Christmas” de “Meet Me In St Louis” (1944), o el baile brincando alegremente titulado “Take Me To Broadway” de Bobby Van en “Small Town Girl” (1953). En esta increíble secuencia, buena demostración de las facultades físicas de Bobby, asistimos a uno de los montajes cinematográficos más infames de la historia, con cambios continuados en el color y notándose perfectamente que las secuencias se filmaron por separado. Ya lo sabíamos, pero la labor del montador es que no nos demos cuenta.

Aunque este documental fue del agrado del público, no tuvo el éxito del anterior, especialmente porque ya no existía la novedad.

VIVA KNIEVEL!

Viva Knievel (1977)

Warner Bros.

US

Aventura

106 minutos

Technicolor

Warner Bros-Sherill C. Corwin

Panavision

Productor: Stan Hough

Director: Gordon Douglas

Guión: Norman Katkov y Antonio Santillán

Fotografía: Fred Jackson

Música: Harold F. Kress

Intérpretes:

EVEL KNIEVE: Como él mismo

GENE KELLY: Will Atkins

LAUREN HUTTON: Kate Morgan

MARJOE GORTNER: Jassie Hammond

RED BUTTONS: Ben Andrews

LESLIE NIELSEN: Stanley Millard

CAMERON MITCHELL: Barton

FRANK GIFFORD: Cómo él mismo

DABNEY COLEMAN: Ralp Thomson

Los sentidos parecen haberse embotado alegremente en los ejecutivos de este filme. La idea era hacer un héroe de un malabarista de las motocicletas, y para ello nada mejor que contar con el mejor profesional del ramo y hacer, además, su propia historia. Pero claro, el argumento debía favorecerle, hacerle intrépido, seductor, sagaz, fuerte y a prueba de malhechores, lo que obviamente no correspondía a la realidad.

Para que la trama se complique, los malos, entre ellos Leslie Nilsen, planean matar al motorista, meter un montón de cocaína en el ataúd y llevarla impunemente a California.

Pero un amigo decide, así, sin más, dar la vida por él y después de dejarle sin sentido se pone sus ropas y hace el número de la moto para que los malos, confundiéndole con el maestro, le maten a él.

XANADÚ

Xanadu (1980)

Universal

US

Musical/Danza

88 minutos

Technicolor

Productor: Lawrence Gordon

Director: Robert Greenwald

Guión: Richard Christian Danus y Marc Reid Rube

Fotografía: Victor J. Kemper

Coreografía: Kenny Ortega y Jerry Lynne

Banda Sonora: Barry De Vorzon

Intérpretes:

OLIVIA NEWTON-JOHN: Kira

GENE KELLY: Danny McGuire

MICHAEL BECK: Sonny Malone

JAMES SLOYAN: Simpson

DIMITRA ARLISS: Helen

KATIE HEMLEY: Sandra

Hay que reconocerle a Gene Kelly, entre otras muchas cosas, su pasión por el cine musical norteamericano y su intento por demostrar que nunca tuvo que desaparecer, que era cuestión de encontrar una nueva idea. “La música no se puede detener”, dijo en una ocasión y por eso cuando ya tenía sesenta y ocho años y a pesar de haber manifestado que nunca más volvería a bailar en el cine, acepta interpretar el principal papel masculino en una película de argumento delirante. Y ahora digo lo de delirante porque la historia lo es: Kira (Newton-John) es una extraterrestre guapísima que tiene la facultad de hacerse invisible, aunque no sabemos por qué está en La Tierra. Por su parte, Kelly es un empresario que anteriormente había sido músico de la orquesta de Glenn Miller.

La película fue un retroceso en la buena carrera musical de Kelly y el hundimiento definitivo de esa promesa llamada Olivia Newton-John. El filme no tenía ninguna similitud con los musicales de antaño y su concepción moderna no acabó de gustar ni a viejos ni a jóvenes.

Inspirada en “Gover Girl” (1944), una película de la Columbia en la cual había aparecido Kelly, en la que por cierto se llamaba igualmente Danny McGuire, “Xanadú” no logra ni siquiera imitarla. El espantoso guión de Richard Christian Danus y Marc Reid Rubel nos habla también de un artista frustrado llamado Michael Beck que, mientras trata de buscar a una musa misteriosa y bonita (Newton-John), se encuentra con un adinerado pero amargado clarinetista (Kelly) y le persuade para invertir su dinero en una espectacular discoteca.

Con la idea de que Gene atrajera a los papás y mamás, y Olivia a sus hijos, el productor Lawrence Gordon trataba de apostar sobre seguro. La idea, sin embargo, falló (Olivia apenas podría considerarse una actriz carismática) y, aparte de Kenny Ortega y Jerry Trent, quienes organizan vivamente los números musicales, la muestra no posee muchos más alicientes.

REPORTERS (1981)

Sin datos

CORAZONADA

One From The Heart (1982)

1982

Romance/Musical

100 minutos

Color

Productor: Bernard Gersten

Director: Francis Ford Coppola

Sistema electrónico: Lehmann

Asesor coreográfico: Gene Kelly

Intérpretes:

FREDERIC FORREST: Hank

TERI GARR: Frannie

RAUL JULIA: Ray

NATASSJA KINSKI: Leila

LAINIE KAZAN: Maggie

HARRY DEAN STATON: Moe

Llegó a las pantallas después de dos años de sonido y furia, después de publicarse un montón de artículos y noticias en las páginas financieras dando la alarma sobre las dificultades económicas que la película estaba atravesando.

“Corazonada” de Francis Ford Coppola es una producción interesante pero no una película buena. De Coppola, el dirigente inteligente de “Apocalypse Now” y “El Padrino”, esperábamos un filme mejor. Ésta debió ser la primera película en la historia en llegar con más publicidad sobre sus técnicas de producción que sobre sus estrellas.

Todos sabemos que Coppola se acostumbró con su equipo de vídeo experimental a ver y revisar su película y se encerró en un remolque lleno de aparatos electrónicos para que él pudiera ver en los monitores lo que el operador de la cámara estaba viendo a través de la lente. Por supuesto, la propia película se fotografió en el mismo celuloide tradicional que vemos en los cines y que se ha utilizado siempre. Coppola se acostumbró a utilizar la televisión principalmente como un dispositivo para acelerar el proceso de ver cada secuencia y probar varias combinaciones para corregir los defectos. Hay quien dice que en realidad lo único que consiguió fue disponer de 8 millones de dólares para su proyecto y gracias a sus adelantos en las técnicas del vídeo aumentar los costes hasta los 23 millones.

Si “Corazonada” es la clase de película que este proceso inspira, entonces Coppola debe abandonarlo. Pero por supuesto el proceso es neutro; las películas viven o se mueren según un ritmo interno propio. La cosa más triste de “Corazonada” es que le falta ritmo y en una película musical es el peor defecto. Es un ballet de movimientos de cámara elegantes y complejos que muestran escenas magníficas, y de algún modo los personajes se pierden en el proceso.

Hay un momento en esta película en la cual yo me preocupé de lo que estaba pasando a las personas en ella, y sólo un momento (una corta aparición de Allen Goorwitz como el encolerizado dueño del restaurante), en la cual noté que la espontaneidad de un actor podía fluir furtivamente del estilo marcado por Coppola.

El director de “El padrino” se ha convertido aquí en un técnico. La obsesión de Coppola por la parte técnica (quizá quería emular a George Lucas), le impidió preocuparse de la parte humana. Las películas son diferentes unas de otras, pero la mayoría de ellas hablan sobre las personas y para las personas, y en “Corazonada” se presta muy poca atención a las complejidades del corazón humano. De hecho, casi parece estar en guardia contra los actores que ocupan cuidadosamente sus personajes. No les permiten casi nunca dominar la escena. Ellos son figuras de un modelo más grande, un escenario que los disminuye, como si fueran parte del mobiliario Trabajan en ambientes que perjudican a su imagen, bañándoles de luces rojas llamativas o enfermizos focos azules. O se ponen junto a ambientes muy vistosos o se pierden entre la muchedumbre mal coreografiada. Hay escenas en las cuales no existe ningún foco que ilumine una emoción o un gesto, porque la cámara implacablemente programada está en otra parte.

Por eso, nombrar a los actores o describir sus personajes es quizá lo menos importante en la película; no son imprescindibles para una revisión crítica. Los dos personajes principales (Teri Garr y Frederic Forrest) viven desilusionados en Las Vegas, tan reluciente y bulliciosa. Durante un tiempo breve, ellos se evaden de sus vidas aburridas y se encuentran con nuevos amantes (Raul Julia y Nastassja Kinski), quienes les fastidian con sueños y fantasías. La historia que subyace, supongo, es la vida tan sencilla que pueden vivir personas que habitan en lugares tan esplendorosos.

Hay placeres pequeños en esta película. Uno es Harry Dean Stanton, aunque Coppola se resiste a mostrarnos la herramienta más eficaz de Stanton, sus expresivos ojos. Kinski, como una equilibrista del alambre en un circo, tiene una belleza mucho más madura que en

“Tess” y hay un momento maravilloso cuando ella dice: "para hacer desaparecer a una muchacha del circo, todo lo que usted tiene que hacer es parpadear”.

Garr está atractiva, excepto porque su papel la obliga ingratamente a estar pasiva, y Forrest (candidato al Oscar por “La rosa”), es igualmente transparente, como si se dejase llevar.

Premios:

Nominada a la mejor música 1982: Tom Waits

THAT'S DANCING! (1985)

MGM

US

Musical/Danza

105 minutos

Color y Blanco y negro

Productor: Jack Haley Jr. y David Niven Jr.

Productor ejecutivo: Gene Kelly

Director: Jack Haley Jr.

Guión: Jack Haley Jr.

Música: Henry Manchini

Intérpretes:

MIKHAIL BARYSHNIKOV

RAY BOLGER

SAMMY DAVIS Jr.

GENE KELLY

LIZA MINNELLI

BILL BOJANGLES ROBINSON

Lógicamente, es imposible detestar “Esto es baile”. Cuando se unen secuencias de grandes películas y se forma una nueva, es imposible que no nos agrade. El truco es tan sencillo que se nos antoja infantil: si mostramos al espectador lo mejor de las mejores películas y lo hacemos con cierto estilo, lógicamente el resultado tiene que ser agradable.

El problema es que es algo injusto para las películas originales.

Si tenemos en cuenta que hemos visto ya “Cantando bajo la lluvia” y que ahora estamos empleando la misma cantidad de tiempo en mirar lo mejor de otras sesenta más, quizá sea preferible ver de nuevo la película “Cantando bajo la lluvia” entera.

En “Esto es baile” no tratan de evitar que veamos íntegras las mejores películas del cine musical; básicamente, lo único que quieren hacer es entretenernos con muchas buenas escenas de baile, algunas malas también, y con semejante ambición es razonable que la acojamos con interés.

La película ha sido reunida por Jack Haley Jr., y David Niven, Jr., reciclando la fórmula de Haley en “Érase una vez en Hollywood” (1974), una antología de los mejores momentos originales de la edad de oro de Hollywood. Ha habido en esta segunda parte, una necesidad de disminuir los costes necesarios para llevarlo a cabo, especialmente en cuanto a los artistas presentadores. Comparen las dos listas y verán la sensible diferencia.

En la primera película, por ejemplo, nosotros vimos el número de baile de título inmortal de Gene Kelly “Cantando bajo la lluvia”, y también la secuencia igualmente inmortal de Donald O'Connor "Make’Em Laugh”, lo mismo que el número con Kelly "Moses Supposes", tres secuencias imborrables en la historia del cine. El problema es que aparecen demasiado pronto y el resto quizá no es tan bueno.

“Esto es baile” contiene escenas de las primeras películas, casi como si fuera un documental, pero la presencia de Kelly explicándonos todo, evita que esto suceda. Para darle más importancia al baile, nos habla sobre su universalidad, mientras que nos muestra escenas de National Geographic sobre la danza en el mundo: las tribus en Africa, el hula hula en Hawaii, polkas, muchachas geishas, y así sucesivamente. Kelly está acompañado después por otros analistas del baile como Liza Minnelli, Ray Bolger, Mikhail Baryshnikov, y Sammy Davis Jr., quienes tratan de analizar con algo de profundidad el fenómeno mundial del baile.

Hay, sin embargo, muchos buenos bailes en esta película, incluyendo la manera de mover los pies silenciosamente de Isadora Duncan. Nosotros vemos las geometrías del baile meticulosamente coreografiadas de Busby Berkeley, el estilo infinito de Fred Astaire, la alegría de Ginger Rogers y los movimientos maravillosos de las igualmente maravillosas piernas de Cyd Charisse y Eleanor Powell. También hay un dúo encantador entre Bill

"Bojangles" Robinson y Shirley Temple, y un despliegue deslumbrador por los Nicholas Brothers. La película es moderna, con John Travolta en “Fiebre del sábado noche” y las maravillosas secuencias llenas de sensualidad de “Flashdance” y el documental de Michael Jackson “Thriller”. Pero quizá lo que más nos agradó es el suave claqué de James Cagney que no era quizás de técnico como los de Astaire, pero estaba ciertamente en el mismo barco cuando intentó comunicar pura magia.

Una de las visiones que nos ofrecen en “Esto es baile”, es a Astaire como responsable de la teoría que usted debe ver el cuerpo entero del bailarín en la mayoría de las escenas del baile, y que la escena debe mostrarse en secuencias únicas, tanto como sea posible, para conservar la continuidad de la relación del bailarín con el espacio y tiempo. Ese es el tipo de declaración aparentemente obvia que contiene muchas conclusiones medio expuestas.

Esta forma de filmar es adecuada para los bailarines de antes, auténticos maestros del baile, pero imagínense viendo el cuerpo entero de John Travolta en “Fiebre del sábado noche” durante más de dos minutos seguidos.

Pero nosotros también necesitamos que la cámara se acerque para mostrar las caras de los bailarines, y la química entre ellos, como cuando Astaire y Rogers tienen sus secuencias de baile. ¿Hubiesen quedado mejor las escenas de baile en “Flashdance” cuando la protagonista pasa su prueba de ingreso en el conservatorio?

¿Qué conclusiones pueden deducirse del estudio de una película sobre sesenta años de danza en el cine?. Podríamos pensar que no hay un solo estilo mejor y que los nuevos bailarines de las películas de ahora también están en una forma física extraordinaria y hacen cosas asombrosas en la pantalla, aunque ellos no tienen el estilo personal mágico de un Astaire o un Kelly. Los bailarines actuales son técnicos, no creativos. Es la misma diferencia que hay entre un compositor y un buen lector de música. Y hay otra cosa a favor de los antiguos: ellos realmente no necesitan bailar con nadie. Su baile se puede sostener con la misma eficacia formando parte de un enorme coro que en solitario.

GOING HOLLYWOOD: THE WAR YEARS (1988)

Sin datos

THAT'S ENTERTAINMENT! III (1994)

US

Documental

108 minutos

Color

Productor: Bud Reiedgen y Michael J. Sheridan

Director: Bud Reiedgen, Michael J. Sheridan y Bud Friedgen Guión: Michael J. Sheridan

Intérpretes:

JUNE ALLYSON

CYD CHARISSE

LENA HORNE

HOWARD KEEL

GENE KELLY

ANN MILLER

DEBBIE REYNOLDS

MICKEY ROONEY

ESTHER WILLIAMS

MICHAEL J. SHERIDAN

Parecía ya acabado el filón, pero aún había más. De nuevo una colección de momentos musicales maravillosos de la biblioteca de la MGM, mostrando ahora material inédito procedente de las secuencias nunca incluidas en la pantalla.

Podemos ver incluso a Fred Astaire desechando ciertos bailes o secuencias cortas (mostrando su disconformidad y su deseo de volver a filmar), a Judy Garland que canta

“Mr. Monotony” de Irving Berlin, a Cyd Charisse y Joan Crawford cantando y bailando

“Ain´t It the Truth” de Lena Horne en “Cabin in the sky”, y mucho, mucho más. También se han incluido muchas secuencias de los musicales más famosos de Broadway, detalle que es de agradecer puesto que nosotros, los europeos, nunca pudimos ver.

El resultado es una película auténticamente fascinante, algo que puede añadir aún más a todo el cine musical americano y otros aspectos de la sociedad de entonces. Las razones por las cuales muchas de las escenas fueron cortadas en las películas fueron casi siempre exclusivamente comerciales, nunca de calidad, aunque algunas lo fueron a causa de la censura. Algunas son interesantes hoy, otras inteligentes y en otros casos horribles, pero todas son imprescindibles porque pertenecen a algo que nunca vimos ni podemos ver ya en el cine. Es como si alguien nos hubiera dado permiso para revolver en los sótanos de la MGM.

Podemos ver una escena censurada de Lena Horne cantando en un baño de burbujas, a Ava Gardner cantando, a Cyd Charisse y Joan Crawford, bailando juntas en una escena muy sexy, aunque Crawford estaba doblada en la voz por Indy Adams.

Fred Astaire hizo “My Wanna Be Dancin” para “La bella de Nueva York” (1952) vistiendo ropa deportiva gastada y la escena fue suprimida por no estar en la misma línea de la elegancia habitual de Astaire.

Otro material inédito se refiere a ciertas escenas de Judy Garland para “Annie Get” antes de que ella se despidiera a causa de sus problemas emocionales y fuera reemplazada por Betty Hutton. Garland canta "Sr. Monotonía", que fue incluida posteriormente en “Desfile de pascua”.

Se cortó también una actuación en solitario de Debbie Reynolds para “Cantando bajo la lluvia” y un dúo maravilloso entre Astaire y Charisse, que se hizo como prueba para

“Brigadoon”.

Uno de las presencias más chispeantes en la película es Esther Williams, la campeona de natación que consiguió algunos de los musicales acuáticos más impresionantes. Ella narra cómo pudieron conseguir coreografiar sus escenas natatorias cuando estaban debajo del agua, sin necesitar respirar continuamente.

GENE KELLY en series de TV

Norte y Sur (1985)

Serie

Director: Richard T. Heffron

Fotografía: Stevan larner

Música: Bill Conti

Director: Douglas Hickox

Intérpretes:

DAVID CARRADINE: Justin LaMotte

JONATHAN FRAKES: Stanley Hazard

GENE KELLY: Senador Charles Edwards

ROBERT MITCHUM: Patrick Flynn

JEAN SIMMONS: Clarissa Main

PATRICK SWAYZE: Orry Main

ELIZABETH TAYLOR: Madame Conti

DAVID WEAVER: Preston Smith

SINS (1986)

Serie

Escrita por: Judith Gould

Música: Francis Lai

Vestuario: Valentino II

Productor: Steve Krantz

Intérpretes:

JEAN PIERRE AUMONT: Chameleon

CAPUCINE: Odile

JOAN COLLINS: Helene Junot

TIMOTHY DALTON: Edmund Junot

JAMES FARENTINO: David Westfield

LAUREN HUTTON: ZZ Bryant

GENE KELLY: Eric Hovland

GENE KELLY EN TV

Gene Kelly es conocido como "simplemente un buen bailarín metido a actor" (como Don Lockwood diría), sin embargo, él tuvo también numerosas intervenciones en la pequeña pantalla.

He aquí una abundante muestra de su trabajo en la televisión.

La Serie de Gene Kelly

Ir a mi Manera

Salió en antena para la ABC, los miércoles de 8:30 a 9:30 desde el 3 de octubre de 1962 al 11 de septiembre de 1963. Fue la única vez que Gene formó empresa para una serie de TV.

Basada en la popular película de 1944 del mismo nombre, Gene asumió el personaje que había interpretado Bing Crosby en el papel del Padre Chuck Omalley, un sacerdote Católico residente en Santo Domingo en la ciudad de Nueva York. Los episodios hablan del padre Chuck, así como también de otro pastor anciano, el Padre Fitzgibbons (Leo Carroll). Dick York también hace un importante papel como Tom Colwell, el director del centro para jóvenes.

La serie era agradable, buena para los jóvenes y muy divertida. Los censores de la iglesia efectuaron numerosas censuras, pero el espectáculo consiguió mantener su encanto, especialmente si usted es Católico. Mostrada en el mismo horario que la popular Beverly Hills , no consiguió un gran éxito.

Estos episodios se encuentran a la venta en Estados Unidos en formato vídeo.

La Vida que usted se guarda

Salió en antena en el programa de las estrellas de Schlitz Playhouse el 1 de marzo de 1957.

El estreno televisivo de Gene como actor dramático fue en esta adaptación de Flannery Oconnor basada en una historia corta muy popular. El autor criticó la elección de Kelly para el papel de un hombre del Sur, dudando que sus canciones y bailes pudieran convencer. Después de ver su trabajo, se retractaron. Junto a él trabajaba la actriz Agnes Moorehead.

Bailar: el trabajo de un hombre

Salió en antena para la NBC, el 21 de diciembre de 1958.

En este segmento de la serie “Omnibus”, Gene muestra que su secreto como bailarín consiste simplemente en una extensión de sus movimientos atléticos. Los atletas tales como Dick Button y Mickey Shawl son llamados para que demuestren sus movimientos y luego bailen.

El desfile de las estrellas

Salió en antena en la NBC, de 8:30 a 9:30, el sábado 21 de Noviembre de 1959.

Estaba incluido como invitado especial Donald O’Connor y su canción “Lawrence”. .

Las especialidades de Gene Kelly

Además del espectáculo de 11/21/59, se programaron otros dos el 12/24/59 y el 5/13/60, aunque desconocemos si verdaderamente salieron.

Nueva York, Nueva York

Salió en antena el 14 de Febrero de 1966.

La invitada Estrella: Julie Andrews.

Jack y Beanstalk

Salió en antena en la NBC el 26 de Febrero de 1967.

Gene produjo esta versión musical del famoso cuento de hadas, usando una mezcla de animación y acción viva. El espectáculo ganó un Emmy como Programa Infantil y se puede ver frecuentemente de nuevo en el canal Disney.

Gene Kelly y el maravilloso mundo de los niños

Salió en antena el 14 de enero de 1970 y se podía haber llamado Gene Kelly y 50 niños.

El Lado Cómico

Salió en antena en la NBC el 14 de septiembre de 1971.

Gene sirvió como patrocinador para esta serie de variedades .

Una Tarde con Gene Kelly

BBC, 1974

La entrevista más grande sobre la carrera en el cine de Kelly.

Gene Kelly en Pasadena

13 de marzo de 1978

Espectáculo de variedades. Como estrellas invitadas Cyd Charisse, Kathryn Grayson, y más. Se puede ver en el Canal Disney.

AFI Saluda a Gene Kelly

Gene recibió el “Reconocimiento a una vida” que concede el Instituto del Cine Estadounidense en marzo de 1985. La anfitriona, Shirley MacLaine, introduce muchos halagos a las películas de Gene y cuenta unas anécdotas suyas propias. Algunas de las muchas estrellas invitadas incluyen a Donald O’Connor, Fred Astaire, Debbie Reynolds, Jimmy Stewart, Cyd Charisse, Leslie Caron y más.

El Centro de acogida Kennedy

27 de diciembre de 1983

Gene participa en esta producción en el quinto anuario del Centro Kennedy. A muchos aficionados se les rompió el corazón cuando vieron a Gene tan feliz por el estupendo recibimiento que le hicieron.

Reflejos planteados

2 de febrero de 1994

Gene habla ingenuamente en la AMC sobre su carrera al presentador Richard Toast. Esta cadena ha repuesto varias veces esta entrevista.

Una biografía

3 de febrero de 1996

Intento fracasado de producir una biografía sobre Gene después de su muerte. Varios de los errores objetivos que aparecieron sobre la emisión primera se corrigieron luego. A pesar de la ausencia de entrevistas con miembros de su familia, este documental es divertido. El momento más agradable en este documental está en una película doméstica de Gene y su hermano actuando en el vaudeville, y lo más doloroso las escenas que muestran el incendio que destruyó su hogar en 1983.

GENE KELLY como patrocinador o Co-patrocinador de una Serie Televisiva 50 chicas animan al Béisbol (patrocinador) (13 de abril de 1957) Hollywood: Estrellas del Mañana (anfitrión) (27 de enero de 1968) La Escena Cambiante (patrocinador) (11 de septiembre de 1970 y 10 de diciembre) Los primeros 50 Años (co-patrocinador) (21 de noviembre de 1976) Yabba Dabba Doo! El Mundo Feliz de Hanna-Barbera (co-patrocinador) (24 de noviembre de 1977)

Oscars: los Mejores Actores (co-patrocinador) (23 de mayo de 1978) Cenicienta en palacio (patrocinador) (2 de noviembre de 1978) El Gran Espectáculo (anfitrión invitado) (NBC, desde marzo de 1980 a junio de 1980) Palace Movie (patrocinador - narrador) (9 de julio de 1987) Roger Rabitt (co-patrocinador) (13 de septiembre de 1988) Gene Kelly como estrella invitada en series de televisión.

El Show Muppet

¿Quién puede olvidar a Gene Kelly en 1980 visitando el “Show de Al Muppet”?. Gene interpreta a dúo una canción romántica con Piggy titulada: "Usted, es maravilloso" y enseña a Kermit a bailar.

Norte y Sur

Gene tuvo una pequeña intervención como el Senador Charles Edwards, en esta mini serie sobre la guerra civil.

Peca

Otra pequeña intervención como invitado en esta película de 1986, haciendo el papel de Eric Havland.

El Barco del Amor

La hora de Mary Tyler Moore

CBS, el 4 de marzo de 1979 y el 10 de junio de 1979.

Gene Kelly como invitado en TV

América Saluda a Richard Rodgers: El Sonido de Su Música (1976) La novia de América: la historia de Mary Pickford (1977) Navidad Alrededor del Mundo (19 diciembre 1976)

Dean Martin una Celebridad : Frank Sinatra (7 Febrero 1978) Dean Martin una Celebridad : George Burn (10 Mayo 1978) Debby Boone...la misma vieja marca es nueva para mí (23 Junio 1980) Dick Cavett's Backlot EUA (5 Abril 1976)

Dom DeLuise y sus amigos (16 Febrero 1983)

Especialidades de Dorothy Hamill (17 Noviembre 1976)

Fred Astaire: recordando “Sombrero de Copa” (1980)

El Show de Julie Andrews (28 Noviembre 1965)

El Centro de Acogida Kennedy (29 Diciembre 1979)

El Centro de Acogida Kennedy (26 Diciembre 1991)

Fin de semana en Libertad: El Cierre de las Ceremonias (6 Julio 1986) La leyenda de una Leyenda (1994)

La noche de las 100 Estrellas (8 Marzo 1982)

Olivia Newton-John: las noches de Hollywood (14 Abril 1980) El Show de Peggy Fleming (24 Noviembre 1968)

El Show de Duncan (13 Noviembre 1974)

Sinatra: Los Primeros 40 Años (30 Enero 1980)

Sinatra: Ojos Azules está de vuelta (1973)

En estos especiales sobre Sinatra hay una reunión entre Frank y Gene. Ellos muestran que todavía pueden bailar como antes y ejecutan "Nosotros no podemos hacerlo nunca más".

Gene también baila con Frank "Bonito y Fácil" y un par de escenas de "New York, New York".

Sinatra 75: Lo Mejor Está Aún Por Venir (16 de Diciembre de 1990) Las Estrellas Saludan a Israel (8 de Mayo de 1978)

Steve y Eydie: Nuestro amor está aquí para permanecer (27 de noviembre de 1975)

Tappin (8 Enero 1989)

Un Tributo a “Mr. Televisión, Milton Berle” (26 de marzo de 1978) El Mundo de la Magia (26 de diciembre de 1975)

GENE KELLY:

Notas biográficas

"Cuando yo vine a Hollywood, nadie sabía filmar bailes."

En 1941, Gene Kelly consiguió un gran éxito en Broadway con la obra Pal Joey, siendo incorporado rápidamente a Hollywood. En su primera película, “For My And My Gal”, co-protagonizada con Judy Garland, el público quedó encantado con su magnetismo y sus proezas atléticas. Después siguió trabajando en más de cuarenta películas y dirigió cinco películas que incluyen “Hello Dolly” protagonizada por Barbra Streisand.

En 1951, Kelly coreografió y consiguió un gran éxito con “Un americano en París” con Leslie Caron. Rodada en Montmartre, el momento culminante de este musical era un deslumbrante ballet de dieciocho bailarines ideado contra un fondo de pinturas impresionistas francesas famosas. La película ganó el Premio de la Academia a la Mejor Película de 1951. Kelly ganó un Premio Honorario en reconocimiento de sus talentos excelentes y para sus logros inteligentes en el arte de la coreografía en el cine.

A lo largo de su carrera, Gene Kelly tuvo como compañeras a las mejores bailarinas del cine, incluidas Cyd Charisse, Vera-Ellen, Leslie Caron y Rita Hayworth.

Con el triunfo en 1952 de “Cantando bajo la lluvia”, ambientada en los primeros días del cine sonoro, y teniendo como compañeros a Debbie Reynolds y Donald O'Connor, Kelly consiguió triunfar como director y coreógrafo.

" Gene era un gran bailarín y un genio del cine, dijo Debbie Reynolds. Logró su primer gran triunfo con “Cantando bajo la lluvia”. Allí me enseñó a bailar.”

"La película nunca se iba a titular “Cantando bajo la lluvia”, dijo Kelly en una entrevista para la televisión . El filme no tenía nada que ver con la lluvia. El título vino de Arturo Freed, el productor, quien también intervino en el guión. Allí lo tiene escrito como

“Cantando en la lluvia”, junto con algunas otras canciones que quiso incorporar”.

"Betty Comden y Adolph Green, quienes iban a escribir la letra, también estuvieron de acuerdo en titularla “Cantando en la lluvia”.

"Entonces Arthur me llamó y dijo: ¿Vas a titularla “Cantando en la lluvia”?. ¿No te das cuenta del daño que estás haciendo a la película?.'

"Arthur, le contesté, en ese momento estará lloviendo y yo estaré cantando y mojándome”.

"Yo le pedí a Comden Green que trabajara en ese número escribiendo una buena escena de amor para mí. Yo tenía que estar enamorado y el acto debía representarme como si fuera un joven enamorado. De otra manera el número no funcionaría”.

De todos sus triunfos en la pantalla, el baile de Kelly bajo al lluvia es el que mejor representa su estilo. El público probablemente lo recordará siempre como un as de la canción y el hombre que bailaba chapoteando bajo la lluvia con una sonrisa en su cara.

Pero tiene mucho más que una simple canción cantada y bailada por un hombre. Allí hay un coreógrafo inteligente y un genio de la cinematografía que logró que la cámara realizara trucos nunca antes vistos.

"Cuando yo vine a Hollywood, nadie sabía filmar películas de baile, explicó Kelly . "En

“For My And My Gal”, yo hice una serie de pasos acrobáticos que eran adecuados para ser mostrados en el teatro, pero no resultaban delante de las cámaras. Los únicos que se filmaron correctamente eran los de Astaire y Ginger Rogers porque Astaire insistió que ellos mostraran el cuerpo entero de la cabeza hasta los pies".

Kelly empezó a experimentar con la cámara. Cuando comenzó a mostrar sus innovaciones, los técnicos de los estudios le dijeron que eso no resultaría. "Siendo un irlandés terco, yo proseguí y lo hice”, dijo Kelly .

En la película “Las Modelos”, con Rita Hayworth, muestra un movimiento de cámara totalmente inventado que posteriormente formaría parte de su estilo personal. Rodado el mismo número dos veces, con diferentes trajes, consigue un resultado extraordinario.

Ayudado por Stanley Donen, quien gustaba permanecer mirando detrás de las cámaras, logra un efecto electrizante. ¡Kelly bailando con Kelly!. Nunca se había visto antes algo semejante.

En 1944, en el musical “Levando anclas”, Kelly bailó con la figura del dibujo animado, el ratón Jerry. Esto nunca se había conseguido antes. Posteriormente repite este efecto en su filme de 1956 “Invitación a la danza”. La escena sacada de “Sheherazade” de Rimsky-Korsakov, allí está coreografiada como una secuencia de ballet completa que combina acción viva con muñecos animados.

Cyd Charisse y Gene Kelly en “Cantando bajo la lluvia”.

Dada su gran reverencia por el ballet clásico, Kelly contrató un ballet profesional con las estrellas Igor Youskevitch, Claire Sombert y Tamara Toumanova que aparecen en

“Invitación a la danza”. Allí se muestra al gran público la belleza del ballet clásico.

Aunque la película fue un fracaso comercial, era un triunfo artístico.

Cuando Kelly coreografió “Un día en Nueva York” en 1949, tuvo que luchar contra los estudios de la MGM para conseguir que le dejaran filmar en las calles de Nueva York.

“¿Cómo puedo hacer una película sobre Nueva York, dijo Kelly con énfasis , si no puedo filmar en Nueva York?".

Esto era algo nunca oído en una época en que todo se rodaba dentro de la comodidad de los grandes estudios. Afortunadamente, la opinión de Kelly prevaleció. Cuando el estudio vio las primeras escenas se convirtieron en devotos del sistema.

Kelly también utilizó trucos. En lugar de pagar a multitud de extras, empleó fotografías y varias cámaras ocultas que filmaron a los neoyorquinos. Cuando comentaron estas innovaciones, le dijeron que él había sido el primero en probar estas cosas tan eficaces.

Nacido en 1912, Eugene Toils (Curran) Kelly creció en Pittsburgh durante la depresión.

Durante sus años de adolescente, Kelly trabajó como repartidor de refrescos y en una gasolinera, ayudando así a pagarse sus estudios en la universidad. Estudió violín, aunque sentía una gran pasión por el fútbol americano. Su madre, una recepcionista en un estudio de baile, lo empujó a bailar.

"El claqué fue lo primero que aprendí, dijo Kelly . Habiendo jugado al fútbol, béisbol y otros deportes, yo estaba atléticamente muy bien preparado y el baile fue muy fácil para mí. También reconozco que el saber bailar me hizo popular con las muchachas."

Kelly nombra a Martha Graham por inspirarlo. "Ella era mi ídolo y amiga. Ella y Weidman y otros bailarines modernos eran mi inspiración. Yo no quería verme solamente como un bailarín, y decidí que si me iba a dedicar a ello tenía que trabajar en algo nuevo."

Kelly, de hecho, hizo algo nuevo. Cambió la manera en que los directores filmaban los bailes y dejó que el cuerpo de los bailarines realizara un trabajo innovador, más cinematográfico, excepto con Fred Astaire. Aunque Astaire llegó el primero, él y Kelly tenían estilos contemporáneos con formas diversas. Astaire era famoso por su gran sombrero en la cabeza, pajarita blanca y chaqué, suave y sofisticado. Kelly era como la camiseta en Marlon Brando, con pantalón vaquero y zapatos feos, viril y robusto. Rivales en la pantalla, fuera de ella Fred y Gene eran buenos amigos. Ellos bailaron juntos solamente en una película, en “Ziegfeld Folies”, y fueron siempre los más grandes bailarines en la historia del cine.

En 1961, Kelly recibió un Oscar especial por su trabajo como cantante, bailarín, actor y director de cine.

El 2 de febrero de 1996, a los 83 años de edad, y después de dos infartos, Gene Kelly nos dejó. Afortunadamente, su obra, su sonrisa irlandesa y la imagen de su vida, han quedado conservadas en la pantalla. Nosotros siempre lo recordaremos tiernamente porque nos hizo soñar y amar, y su presencia girando alrededor de un poste de la luz, empapado por la lluvia, paraguas en mano y canturreando, permanecerá siempre en nuestros corazones.