ELIZABETH TAYLOR

© Adolfo Pérez Agustí

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ELIZABETH TAYLOR

Elizabeth Taylor ha convertido la supervivencia en un arte y durante medio siglo su rostro nos ha cautivado. Ha cambiado nuestras ideas sobre el erotismo, comportándose como un camaleón que cambia de color sin parar. Esta joven princesa de la pantalla representó las fantasías de cada hombre y las esperanzas de toda mujer.
La mujer fuerte y sensual ayudó a cambiar la moral de su época, pero esta diva de los escenarios no parecía preocuparse por lo que los demás pensáramos de ella y esa actitud aumentó nuestra devoción hacia Liz. Conseguía vivir en la pantalla un mundo mucho mayor e intenso que el nuestro y con la sinceridad de su mirada nos hacía creer que era uno de nosotros. Interpretó cientos de papeles, tan diferentes como lo eran su propia vida, al mismo tiempo que luchaba por encontrar el amor y encajaba los golpes que la vida le daba.
Como una superviviente nata, se recuperó una y otra vez, reconociendo que en la vida había tenido de todo: suerte, dolor, momentos de alegría, malos ratos, bajando y subiendo en la línea de la existencia como si fuera un yo-yo, aunque sacando de cada experiencia algo positivo que la ayudase a ser feliz.
Ella nunca quiso escoger el camino fácil de la queja, del rencor y del deseo de devolver el daño que la habían causado.
Muy al contrario, empleaba positivamente cada revés del destino, lo asimilaba, y lo convertía en algo positivo, en una experiencia gratuita de la cual sacaba cosas muy clarificantes para su futuro. Lo importante, decía, era enfocar las contrariedades positivamente, como si fueran algo que te va a fortalecer, en lugar de a quebrar. En palabras del director Joseph Mankiewicz, Liz era totalmente diferente a la mayoría de las actrices; para ella la vida real era una película y había conseguido realizar una gran interpretación.

Nombre real: Elizabeth Rosemond Taylor
Estatura: 5' 4"
Nació: el 27 de febrero de 1932 en Londres, Inglaterra
Estudios: Casa Escuela de Byron; escuela de Hawhorne; Universidad superior.

BIOGRAFÍA

Liz nació el sábado 27 de febrero de 1932 en un barrio a las afueras de Londres denominado Hampstead Heath, en una casa de estilo georgiano propiedad de matrimonio Taylor, compuesto por Sara Warmbraten y Francis Taylor. Su madre era oriunda de Arkansas City, en los Estados Unidos, y alcanzó cierta popularidad como actriz de teatro bajo el nombre artístico de Sara Sothern. Tenía una sólida preparación escénica por sus anteriores estudios en la escuela de Arte Dramático de Georgia Brown y parece ser que alcanzó bastante éxito en pequeños pueblos americanos, hasta que llegó un día a Broadway. De allí pasó a Nueva York y finalmente cruzó el Atlántico para trabajar en Londres, en donde la esperaba el amor en forma de un elegante y culto joven llamado Francis.
Este joven era también americano, de Illinois, y se dedicaba a llevar los millonarios negocios de arte de su propio padre, por lo que suponía un atractivo incuestionable para las jóvenes casaderas del lugar. Cuando el amor entre ambos surgió, Sara abandonó su trabajo en el teatro para incorporarse al mundo de las finanzas, mucho más lucrativo y socialmente mejor considerado. Ambos recorrieron Europa en busca de obras de arte que comprar para sus galerías, hasta que el primer embarazo les obligó a echar raíces en Hampstead, una elegante mansión que aún perdura.

Allí nació en 1929 su hijo Howard y tres años más tarde, en 1932, también lo hizo Elizabeth, de quien su madre diría que era la niña más hermosa que había visto en su vida. Pero esa primera alegría se transformó en dolor cuando vieron que la pequeña no abría los ojos y solamente los cuidados esmerados de su madre consiguieron que vieran la primera luz diez días después.
Una vez restablecidas madre e hija, la familia realizó una gira por toda Inglaterra en una caravana enorme en donde se podían albergar todos, incluida una niñera, gira que finalizó dos meses después en el puerto, donde cogerían un barco que les llevaría a Nueva York y de allí a Florida. De regreso a Inglaterra, la familia Taylor inscribió a la pequeña Liz en la escuela de baile Vaccani, donde aprendería lo único que una niña de clase rica podía aprender: ballet.
Simultáneamente a esta vida placentera, Europa empezaba a estar inmersa en graves conflictos políticos con el renacimiento del fascismo y el rechazo a las comunidades judías. El príncipe de Gales se enamoraba de una dama americana y el rey Eduardo VIII abandonaba su trono para poder estar junto a la mujer que amaba, mientras que eran saqueados los primeros comercios propiedad de los judíos.

El paraíso americano

Conscientes de lo que se avecinaba en Europa, el señor Taylor reunió todo lo que pudo de sus propiedades, cerró sus negocios, y se embarcó en el buque Manhattan rumbo a Pasadena, en California, en donde vivía el abuelo Warmbraten. Allí abrió pronto una galería de arte en el Hotel Beverly Hills, lo que entusiasmó a Sara, deseosa de volver a revivir el mundo del cine y el teatro, su gran pasión.
Consciente de que quizá ella ya no podría volver a intentarlo de nuevo, inscribió a sus hijos Elizabeth y Howard en una escuela local, en donde además de aprender la historia de los Estados Unidos, tuvieron que soportar ser considerados extranjeros a causa de su fuerte acento inglés. Pero no contaban con la fortaleza y los deseos de Liz por destacar y pronto llamó la atención de Erin Considine, un director de cine bastante popular entonces, quien realizó unas pequeñas pruebas a la niña para asegurarse de que, efectivamente, detrás de ese carácter tan vivaz había una futura estrella de cine. Si todo salía bien interpretaría el papel de Bonnie, la hermana de Scarlata O’Hara en “Lo que el viento se llevó”. Esa prueba se realizó cuando Liz tenía apenas seis años y fue un éxito absoluto, aunque para papá Taylor no era el mejor momento para que su pequeña trabajase en el cine. Dos años después la Universal Pictures vuelve a poner sus ojos en ella y esta vez, acompañada por su padre, la hacen una nueva prueba de resultas de la cual firman un contrato por un año. Quieren hacer de ella una niña cantante, aunque después de filmar “¿Hombre o ratón?”, en donde interpretaba la melodía que da origen al título, deciden no renovarla el contrato en vista de sus escasas cualidades vocales. No obstante, y como todavía estaba vigente el contrato, interpreta un pequeño papel en “There’s One Born Every Minute”, junto al actor Tom Brown. Cuando el entonces director de la Universal, el señor Dan Kelly, la despidió lo hizo explicando al señor Taylor que su hija no tenía ninguna aptitud especial para el cine, quizá porque tenía cara de chica mayor.

Y la casualidad quiso que Francis Taylor conociera a Sam Marx, uno de los directivos de la Metro, quien le comentó sin demasiado entusiasmo que estaba buscando a una niña para trabajar en una película sobre una perrita llamada Lassie. Su idea era que tuviera acento inglés y que no le asustaran los perros, e incluso que supiera moverse perfectamente entre ellos. Obviamente, estaba describiendo a Liz y cuando la tuvo delante por primera vez supo que era la persona que andaba buscando. Sus compañeros de reparto serían el actor Roddy McDowall y un perro pastor llamado Pal, que posteriormente aparecería en la pantalla como una perra llamada Lassie, aunque nadie pareció darse cuenta del cambio de sexo. El título del filme era “Lassie, Come Home” (La cadena invisible).

Nace una nueva estrella

Para no interrumpir sus estudios elementales, la Metro la inscribió en la propia escuela de la compañía en donde por ley tenía que asistir al menos tres horas al día. Simultáneamente continuaba sus clases de dicción para perder el acento inglés y mejoraba su deficiente escritura, todo ello en un apretado horario de trabajo que comenzaba a las ocho de la mañana y terminaba a las seis de la tarde. Cuando llegaba a su casa su tarea no había acabado, puesto que, o bien tenía que repasar alguna asignatura de la escuela, o debía memorizar los diálogos de la película.
Cuando se estrenó “La cadena invisible”, en 1943, tenía once años y era ya considerada por los estudios como la sucesora de Diana Durbin, aunque su buen trabajo quedó eclipsado totalmente por Lassie, quien acaparó la atención del público. Un año después trabajó de nuevo para la Fox con Roddy McDowall en “Las rocas blancas de Dover” y en “Alma rebelde” con Orson Welles, retornando a la Metro con “Fuego de juventud” (National Velvet) con Mickey Rooney. Referente a esta actuación un crítico dijo que la pequeña Liz hablaba y pensaba como los caballos, mientras su cuerpo entero vibraba de pasión y ternura. La historia ciertamente estaba ambientada en el mundo de los caballos de carreras, en el Gran National de Inglaterra, y para lograr conseguir ese trabajo tuvo que practicar duramente la monta a caballo durante varias semanas.

Levantándose dos horas antes de tener que asistir a la escuela, se dedicó a fortalecer su cuerpo mediante el patinaje sobre ruedas y se ejercitó en la carrera de obstáculos en un club de polo cercano, al mismo tiempo que salía frecuentemente al bosque para lograr ser una buena amazona.

Una vez completado su entrenamiento comenzó el rodaje de la película y los productores no tuvieron ningún problema en darla el papel principal y de hacerla firmar ese mismo día un contrato que duraría casi veinte años. Su papel como Velvet Brown cautivaba a todos los técnicos y le permitió poner en su puerta del camerino una estrella dorada con su nombre, algo reservado solamente a las actrices consagradas. Ese distintivo y su larga cabellera, fueron los motivos iniciales que la llevaron a enfrentarse con la directora de producción Clarence Brown, quien después de no conseguir que la joven se cortara su larga y espléndida cabellera, se enfureció aún más por el atrevimiento de poner esa estrella dorada reservada para las celebridades.

Tenía solamente 12 años cuando Liz alcanzó la popularidad mundial, contribuyendo grandemente a su buena aceptación la comentarista Hedda Hoper, quien en contra de su costumbre para hablar mal de todas las personas populares, dijo que la nueva criatura del cine había nacido para las cámaras. Alabando su buen trabajo, insistió en que su físico y especialmente su cara, era tan perfecta como sus ojos y su larga cabellera. Y es que Liz, más que una gran actriz, era una joven diferente, inteligente y que sabía emplear los pocos recursos que dominaba con suma habilidad. Era inusualmente bella, tenía talento, imaginación y convencimiento de que iba a triunfar.
Cuando la película “Fuego de juventud” se estrenó en el Radio City Music Hall de Nueva York, el éxito fue mucho mayor del previsto y hubo críticos que la consideraron como una de las películas más perfectas realizadas hasta entonces. Este éxito le supuso ganar 750 dólares a la semana y ser recibida incluso en la Casa Blanca por el entonces presidente Roosevelt.
Después vinieron “Cynthia” y “Life With Father” (ambas de 1947), además de miles de cartas de sus admiradores que el departamento de prensa de la Metro se ocupaba de contestar en su nombre. También la acompañaba su madre y un fornido guardaespaldas que se encargaba de apartar a toda persona que manifestara el simple deseo de tocarla, abrazarla o, incluso, besarla.

La pérdida de la adolescencia

Para muchos y para ella misma, Liz nunca tuvo adolescencia y se vio obligada a ser adulta desde que tenía apenas doce años. Físicamente estaba ya desarrollada, al menos en cuanto al volumen de su pecho se refiere, y apenas frecuentaba amistades de su misma edad, prefiriendo siempre la compañía de los adultos a los que trataba de incluir en sus juegos de adolescentes. Privada de poder salir a pasear por las calles de cualquier ciudad, no por motivos personales sino exclusivamente por motivos de seguridad, la joven Liz aprendió pronto cuál era la otra cara de la moneda de la popularidad.
Pronto se dio cuenta que nadie la podría resolver todos sus problemas y sus dudas, ni su madre, ni los ejecutivos del estudio. Hubo un momento en el cual no tenía un hogar definido y tradicional, ni una escuela y ni siquiera un buen amigo. A su alrededor había cientos de personas vigilándola, protegiéndola y educándola, pero nadie la escuchaba sus problemas más íntimos. La única persona que parecía disfrutar plenamente de este éxito era su madre Sara, quién veía satisfechos sus anhelos de ver convertida a su hija en una gran estrella.

Los productores, conscientes de la dedicación de Sara la pusieron un sueldo de 250 dólares semanales, con la advertencia de que no debía comportarse como una madre celosa ni excesivamente protectora.
Su padre Francis no disfrutaba con el mundo del cine, ni mucho menos con las fiestas y las luces de colores. Amante del arte, de la tranquilidad y de la vida privada, se olvidó de su hija Liz y se dedicó a cuidar de su hijo Howard, menos famoso pero igualmente necesitado de un padre. Lo que no contaba era con los productores, quienes ya habían puesto la mirada en ese joven atractivo y deseaban convertirle igualmente en una estrella del cine. Lo que ocurrió el día de la prueba de pantalla fue algo que asombró a todos: el joven Howard, por motivos que nadie pudo aclarar, se presentó con la cabeza totalmente rapada, algo que ningún actor de entonces se había atrevido. El joven trataba de adelantarse a su tiempo, pero su atrevimiento no fue adecuadamente valorado y no consiguió ningún papel.

La niña que no quería crecer

La gran velocidad con la cual se desarrollaba la vida de Liz no parecía preocuparla demasiado y hasta podríamos considerar que se movía perfectamente en este mundo de ensueño. Aunque frecuentaba casi siempre ambientes de adultos, en ocasiones volvía a encerrarse en su mundo de niña, acompañada por muñecas, vestidos y música de años atrás, mientras que demostraba su gran pasión por los animales. Los estudios le regalaron el caballo King Charles que había montado en la película que la llevó a la fama, “Fuego de juventud”, y para ella fue su mejor compañero, junto con el perro Lassie y una ardilla a la que llamaba Nibbles.
Y un día, justo al cumplir los 14 años, decidió que ya era el momento de dejar de ser niña y convertirse en mujer. Coincidía con el fin del rodaje de “Cynthia” y con la lectura del guión del filme “Julia se porta mal”, en el cual haría ya su primer papel como adulta. Ataviada con un suéter ajustado y una falda corta y estrecha, se presentó a su jefe de prensa para decirle que la niña había muerto y había nacido una mujer. En la próxima conferencia de prensa los fotógrafos vieron que Liz tenía prácticamente las medidas perfectas: 92, 60, 90, además de una cara delicada que la proporcionaba un atractivo extra. En una rápida encuesta realizada por un periódico entre los escolares de 14 a 20 años, la valoraron sin lugar a dudas como la mujer más guapa del mundo y un año después conseguía aparecer ya en la portada del “Life”, mientras que en las páginas interiores la mostraban con un sugestivo bañador que provocó no pocos delirios entre los hombres.

Y es que no solamente había crecido físicamente, sino que sabía perfectamente como acalorar a los hombres sin necesidad de mostrar tanto que la pudiesen considerar una golfa. Su bañador era lo más osado que la censura admitía, pero dejaba bien claro que poseía los pechos más firmes y redondos de todo el cine mundial, atributos que solamente una chica tan joven podía tener.

¿Una sex-symbol?

Pero las intenciones de Liz nunca fueron aparecer desnuda ante las cámaras y ni siquiera ante los fotógrafos, y en sus siguientes películas solamente se mostraba radiante de belleza, pero sin dejar al descubierto ni un centímetro de piel más del planeado. Quería ganarse el respeto del público por su personalidad y buena interpretación, pero sin olvidar que un cuerpo atractivo sexualmente también suponía atraer las miradas de manera rápida y contundente.
Para los chicos de su edad suponía la primera vez que una joven trataba de seducirles en la pantalla, una imagen totalmente alejada de Judy Garland o Shirley Temple, quienes mostraban una imagen de pureza y virginidad que ya no correspondía a esa época. Los productores de Hollywood no podían desaprovechar esa nueva imagen y en el filme “Cynthia” Liz recibió su primer beso en la pantalla, al que se unió el que le dio el joven actor Marshall Thompson cuando después de asistir juntos al estreno la acompañó a su casa.
Todo parecía ir sobre ruedas en la vida privada y profesional de Liz, hasta que sus padres le comunicaron que se iban a divorciar. Las causas hay que buscarlas en el excesivo celo de Sara por cuidar a su hija Liz, olvidándose que tenía un marido y otro hijo que también la necesitaban.

Separados bruscamente, cada uno tomó caminos diferentes, aunque cuando la independencia de Liz se convirtió ya en una exigencia el matrimonio se volvió a unir y dejaron ya plena libertad para que sus hijos escogieran su camino sin necesidad de ser tutelarlos.

Su primer amor

Cuando sus padres se reconciliaron toda la familia pasaba largas temporadas en una pequeña casa que tenía en la playa de Malibú, en donde se dedicaban a recoger algunos de los millares de peces que llegaban a ese lugar para depositar sus huevos. Liz tenía entonces casi diecisiete años y era ya una popular estrella de Hollywood cuando asistió a un partido de rugby en calidad de capitana que realiza el saque de honor, además de formar parte como suplente dadas sus buenas cualidades físicas.
Uno de sus compañeros de equipo era Glenn Davis, héroe de la guerra de Corea, y uno de los mejores jugadores de la academia militar de West Point. Con sus veinte años y los numerosos triunfos de años atrás, era un joven muy popular entre las chicas, tanto cuando lucía su traje militar con los galones de teniente, como cuando vestía como un sencillo muchacho. El primer encuentro entre ambos fue, cuando menos, original, puesto que se abrazaron como parte de la estrategia del rugby al formar parte cada uno del equipo contrario. Los espectadores asistieron atónitos a ese abrazo deportivo que no parecía tener fin y que hubiera terminado en un beso si el árbitro no hubiera gritado ¡falta!. Desde ese día ambos jóvenes comenzaron a salir juntos bajo la mirada escrupulosa de Sara, totalmente tranquila del romance de su hija desde que supo la noticia de que Davis se tendría que incorporar a filas al llegar el otoño. Estaba segura que su hija le olvidaría con la misma rapidez que se había enamorado de él y les dejó despedirse con los adecuados besos en su propia casa, sonriendo sarcásticamente cuando les oía jurarse amor eterno y escribirse cartas diarias.

Un rodaje precipitado a realizar en Inglaterra rompió el ensueño amoroso de Liz, especialmente cuando se vio delante de su ídolo Robert Taylor, el más guapo de los galanes del momento. Por si fuera poco, en la película tendría que hacer de enamorada del actor y hasta besarle ante las cámaras, algo por lo que darían media vida millones de mujeres. El propio Robert comentó que los besos de Liz habían sido de lo mejor que había recibido nunca y ese comentario fue empleado en la promoción de la película, en cuyo estreno Liz sería presentada a la reina de Inglaterra.
A su regreso a América, se encontró con que su fama se había disparado con multitud de noticias llegadas de Inglaterra, la mayoría inventadas, pero que contribuían a crear una imagen de diva imparable. Apareció en la portada del Times en cuyo interior la describían como “un plato de crema con una rosa en medio”, sin que sepamos que parte de su anatomía correspondía a esa rosa y si con ello estaban incitando a los lectores a que se la comieran en su imaginación.

El triunfo

La Metro, consciente que tenía en su nómina a la actriz más taquillera del momento, la subió el sueldo a 1.200 dólares por semana, mientras que su madre pasó a ganar 250 dólares por hacer de carabina. De nuevo en América (se había nacionalizado americana), siguió manteniendo relaciones a distancia con el joven Glenn, aunque no hizo ascos a salir esporádicamente con Red Blaik, un íntimo amigo de su novio.

Inicialmente se veían para hablar del joven que luchaba en tierras de Corea, pero con el tiempo se dedicaron a intercambiar besos y abrazos, hasta que ambos consiguieron encender una pequeña pasión que convirtió en hielo su amor por Glenn.
Pero Liz no acababa de sentir interés por ningún hombre de una manera sólida y cuando cumplió los diecisiete años se enamoró de otro veterano de guerra que acababa de regresar del frente. Se trataba de Bill Pawley, hijo de un antiguo embajador de Perú y Brasil, y dueño de una gran fortuna. El joven Bill tenía el grado de teniente por su participación en la Segunda Guerra Mundial y trataba de promocionar una nueva línea de autobuses con música de fondo incluida. Parece ser que el romance se generó precisamente en uno de estos autobuses, con la excusa de que ella aprendiera el manejo de tan moderno vehículo. No sabemos cuánto duró el aprendizaje, pero cuando salieron de esa clase particular anunciaron a todo el mundo que se habían comprometido, por lo que deducimos que tuvieron que pasar poco tiempo al volante.
Bill le propuso que abandonase el cine para dedicarse con él al mundo de los negocios y a punto estuvo de conseguirlo si esa misma semana no hubiera aparecido bruscamente Glenn Davis, quien alertado por Sara había pedido un permiso extraordinario con la excusa de tener que participar en un partido de rugby decisivo.
Cuando se encontraron se dieron apasionados besos delante de las cámaras de los fotógrafos, pero durante la entrega de los Oscar de la Academia, ambos anunciaron la ruptura de su compromiso, mientras que su madre anunciaba simultáneamente la ruptura de sus relaciones con Bill Pawley.

Pero el corazón de Liz era sumamente voluble y pronto encontró un nuevo romance junto al millonario Howard Hughes, de quien se decía era el hombre más rico del mundo, al mismo tiempo que un filántropo, aventurero, inventor y productor de cine. Demasiados atractivos juntos como para que la joven estrella no se sintiera cautivada por él. Lo de menos era la diferencia de edad (Hughes tenía cuarenta y cuatro años), sino el hecho de que fuera en ese momento el soltero más cotizado del mundo, incluso más que el príncipe Alí Khan. Ambos se conocieron durante una exposición en la galería de arte de papá Francis, en la cual, y para atraer la atención de los Taylor, Hughes compró dos costosos cuadros y aprovechó para invitarles a su mansión de California.
Pero en esta ocasión la prensa alertó a Liz sobre las pocas posibilidades que tenía de afianzar su amor con el millonario, a quien acusaban de seducir con su dinero a las mujeres para después abandonarlas en cuanto apareciera otra más bella. La noticia inundó las páginas de las revistas del corazón y miles de ciudadanos se creyeron en la obligación de pedir a Liz que no siguiera con ese juego amoroso que la haría mucho daño. Por unas causas u otras, esa relación duró apenas unas semanas, justo el tiempo necesario para que ambos encontrasen una nueva pareja. Ella se refugió pronto en brazos de su compañero Roddy McDowall y de un cantante popular conocido como Vic Damone, sin olvidarnos de su pasión por Montgomery Clift y el popular jugador de rugby Ralph Kiner.

Boda sorpresa

Con solamente diecisiete años Liz ya había tenido más romances que la mayoría de las mujeres en toda su vida y la sorpresa fue aún mayor cuando unas semanas antes de cumplir los dieciocho anunció su boda con Conrad “Nicky” Hilton, el heredero de la famosa cadena de hoteles Hilton. Ambos se habían conocido unos meses antes en un restaurante de la cadena y ella le había invitado a que acudiera a la fiesta de su graduación escolar. Allí bailaron juntos hasta que las campanadas de media noche la anunciaron que, cual si fuera Cenicienta, debía volver a su casa puesto que a la mañana siguiente debía incorporarse al rodaje de una película. En esta ocasión se trataba de “El padre de la novia”, junto a Spencer Tracy, y era todo un vaticinio de lo que ocurriría el 6 de mayo de 1950, tres meses después de comenzado el rodaje. Parece ser que esta película sirvió como ensayo de la ceremonia nupcial que se celebraría poco después en la vida real. La fortuna de Hilton junior estaba cifrada en 125 mil millones de dólares, distribuida por los cientos de hoteles Hilton que existían en el mundo entero. Pero este joven, al contrario que la mayoría de los hijos de millonarios, no pretendía pasarse la vida sin dar golpe viviendo a costa del trabajo de su padre, puesto que dominaba perfectamente el negocio hotelero, había cursado estudios de economía en Suiza y estuvo algunos meses sirviendo en la marina como un simple cadete. Su afán por no ser “un niño bien” le llevó a dirigir con acierto el Hotel Hilton de Los Angeles y a no acudir a fiestas ni jolgorios mundanos. Deportista, prácticamente abstemio, y sin que se le conocieran romances escabrosos, cuando llegó a la vida de Liz todo el mundo estaba de acuerdo en que ambos formarían una estupenda pareja
Ella anunció decidida que si su carrera cinematográfica se interponía en alguna ocasión entre ellos la abandonaría, lo que provocó la euforia en la familia de ambos y el temor entre admiradores y productores. A la boda acudieron seiscientos invitados y más de tres mil curiosos que esperaban a la pareja en las afueras de la iglesia de El Buen Pastor. Entre los invitados famosos estaban Gene Kelly, Fred Astaire, June Allyson, Walter Pidgeon, Janet Leigh, Ann Miller y Peter Lawford, actuando de padrino un hermano de Hilton. Poco después, su película “El padre de la novia” se estrenaba y se convertía en un éxito de taquilla total, justo cuando el matrimonio empezó a tener sus primeros problemas de convivencia. Con anterioridad, habían cogido el barco Queen Mary para pasar unos días de luna de miel en Europa, concretamente en España, Inglaterra, Francia y Suiza, continuando posteriormente con una gran gira por América, en la que incluyeron el tradicional viaje a las cataratas del Niágara.
Y fue precisamente durante su viaje de boda en donde la pareja empezó a tener problemas de convivencia, especialmente en el modo de divertirse. Mientras ella gustaba de pasarse horas enteras tumbada fumando y charlando, Hilton se entusiasmaba por la ruleta. Pronto la prensa les encontraba más tiempo separados que juntos y la noticia de sus desavenencias ocuparon las páginas de los periódicos. Inicialmente ellos justificaron este distanciamiento alegando que ninguno de los dos quería aprisionar al otro y que la única razón para que no estuvieran todos los días juntos es que Liz padecía frecuentes dolores de cabeza y estómago, debiendo permanecer en cama mientras él la esperaba jugando con sus amigos. Y justo cuando se estrenaba“El padre es abuelo”, la hasta entonces feliz pareja anunciaba su divorcio, justo el 29 de enero de 1951. El matrimonio había durado poco más de ocho meses.

Nuevas películas

Mientras que Vincente Minnelli había hecho con “El Padre de la Novia” (1950), u na comedia hogareña, George Stevens elogió mucho el trabajo de Liz en “Un lugar en el Sol” (1951), ya firmemente establecida como una estrella adulta importante. Como una niña bonita, ella había crecido siendo considerada una de las grandes bellezas de su edad: el pelo negro, la cara formada como un corazón y los ojos violetas con negros y gruesos latigazos negros a cada lado. Su gran atractivo solamente quedaba empañado, según los norteamericanos, por su inevitable origen británico.
Una vez finalizado elrodaje de “Un lugar en el sol”, en la cual interpretaba a una guapa heredera que se enamora de un muchacho pobre interpretado por Monty Clift, la salud de Liz se deterioró seriamente, hasta el punto en que tuvieron que suspender los siguientes rodajes. Aquejada de llagas en la boca y una colitis que no se podía detener, la actriz tuvo que someterse a una estricta dieta que le originó un colapso y el consecuente ingreso en un hospital. Cuando se restableció volvió a casa de sus padres para recuperarse y solamente consiguió incorporarse a un minúsculo papel como extra en “¿Quo vadis?”. Pero la relación con su madre Sara ya no era la de antes, cuando todavía se consideraba una niña, y los roces entre ambas fueron tan intensos que Liz se vio obligada a abandonar su casa y refugiarse en casa de algunos amigos.
En 1952 renovó su contrato con la Metro exigiendo cinco mil dólares a la semana, cantidad ciertamente desorbitada para ser manejada con acierto por una joven de veinte años. La primera de las películas querodó fue “Love is better than ever”, del director Stanley Donen, con quien además de trabajar comenzó una relación de amistad tan profunda que les motivaba a darse besos en público. Ambos todavía estaban casados puesto que su divorcio no había sido firmado ante un juez, pero se consideraban lo suficientemente libres como para poder unirse sentimentalmente sin ser declarados adúlteros. Por desgracia para ambos, la posibilidad de casarse por la iglesia era remota, puesto que él era judío y ella católica, sin que ninguno de los dos estuviera interesado en renunciar a su religión para casarse.

Boda sorpresa

Pero el romance entre ambos se detuvo cuando ella comenzó el rodaje de “Ivanhoe” en Inglaterra, junto con el actor Robert Taylor, el más guapo entre los galanes de esa época. Ambos ya habían trabajado juntos en “Traición” en 1950 y ella se sentía emocionada con esa película, emoción que vio aumentada cuando poco antes de partir recibió una llamada de un actor llamado Michael Wilding quien la invitaba a cenar para mitigarla un poco su tristeza en eso momentos delicados.
Wilding le doblaba en edad, pero poseía encanto, ingenio y la madurez necesaria que ella y su familia admiraban en los hombres. En su primera cita Liz acudió acompañada de una amiga, puesto que aún no estaba segura de lo que pretendía ese apuesto actor, de quien solamente sabía que la amaba desde hacía años y de que estaba tramitando su divorcio. Algo debió suceder en su corazón para que en pleno rodaje del filme “Ivanhoe” anunciara su repentina boda con Wilding y se casaran el 21 de febrero de 1952 en Londres, celebrando su luna de miel cuando ella cumplía los veintiún años de edad.

Sobre Michael Wilding, sabemos que fue un prolifero actor nacido el 23 de julio de 1912 en, Westcliff-on-Sea, Inglaterra y que murió en 1979. Hombre elegante, representativo del inglés tradicional (y ocasionalmente del americano) en la pantalla, era hijo de un funcionario del ejército y una actriz. Empezó su carrera en el cine después de ser un agente artístico en 1933, aunque en esta primera fase solamente trabajó en películas inglesas. En los años 40 era ya una popular estrella, especializado en papeles de hombre honrado que soluciona problemas. Sin embargo, fue más conocido en América como el segundo marido de Elizabeth Taylor y el padre de dos de sus hijos. Ella fue su segunda esposa, casándose por cuarta y última vez con la actriz Margaret Leighton, en 1964, aunque siempre se manifestó enamorado de Marlene Dietrich.
Entre sus filmes podemos entresacar: Sinhué el egipcio (1954), El mundo de Suzie Wong (1960), Waterloo (1971) y La verdadera historia de Frankenstein (1973).
La boda fue sumamente sencilla y duró apenas diez minutos, no asistiendo a ella ninguno de los familiares de Liz. Una vez finalizada la ceremonia dieron una conferencia de prensa en un hotel y salieron inmediatamente a París para vivir su luna de miel, fijando provisionalmente su residencia en Bruton Street, en Londres, en donde Liz Taylor ejerció como una tradicional ama de casa, limpiando el hogar y acudiendo a la compra. Todo parecía ir muy bien para el nuevo matrimonio, y no se disponen de noticias referidas a esa época en la cual la pareja pasaba más horas dentro de su apartamento que en la calle. Una llamada de la Metro la sacó de su ensueño y realizó un viaje relámpago al continente en donde le dijeron que debía comenzar el rodaje de la película “La chica que lo tenía todo”, mediocre filme que ni siquiera se estrenó en algunas ciudades importantes. Aprovechó su viaje para renegociar el contrato con la Metro que aumentó hasta los 190.000 dólares al año y comenzó serias conversaciones para intentar fundar su propia productora cinematográfica.
Todo ello tuvo que posponerse cuando supo que estaba embarazada de su primer hijo, por lo que durante los tres primeros meses tuvo que suspender el rodaje del filme y dejar de percibir un suculento salario. El niño, que nació el 6 de enero de 1953, no llegó precisamente con un pan bajo el brazo, puesto que Liz tenía serios problemas económicos para aportar dinero a su hogar. Lo que ganaba su marido era suficiente para cualquier hogar, pero no para el nivel de comodidad y lujo que ella se había marcado desde hacía años, acostumbrada a las joyas y los abrigos de pieles que otros maridos la habían proporcionado.
Por ello, su marido tuvo que volver a Londres para trabajar y ella gestionó un crédito con la Metro para construir su gran mansión, algo que fuera digno de su hijo. La casa, inspirada en decorados extraídos de películas famosas, tenía un lujo desconocido hasta entonces y una decoración que solamente los técnicos de la Metro podían haber logrado. Cuando nació el pequeño Michael, después de una dolorosa cesárea, no tuvo mucho tiempo de reposo, puesto que en la misma sala del hospital estaban ya los ejecutivos de la Paramount para que empezara el rodaje del filme “La senda de los elefantes” cuanto antes, en donde sustituiría por vía de urgencia a la actriz Vivien Leigh. Afortunadamente para ella no tuvo que trasladarse a rodar a Sri Lanka, puesto que se podían aprovechar los planos ya rodados y todo el resto se haría en un estudio debidamente camuflado. Justo cuando el rodaje concluía, ella anunciaba que estaba de nuevo embarazada y que su hijo nacería a principios de 1955.

Problemas financieros

El ritmo de vida que los esposos Wilding se habían marcado era casi imposible de sostener, incluso para una persona que ganaba cerca de 200.000 dólares al año. Entre lo que se llevaba hacienda, sus gestores económicos, su agente artístico y los seis ayudantes que tenían en el hogar, no había ninguna posibilidad de que pudieran salir adelante sin restringir gastos. Estaba pagando el alto precio que supone ser una actriz popular y tener que vivir de acuerdo a esa fama. Por si fuera poco, el gran entusiasmo que había mostrado por su marido Michael se había desmoronado como un castillo de arena y ahora había cambiado su admiración por un odio profundo. Ni siquiera el nacimiento de un nuevo hijo en febrero de 1955, igualmente con cesárea, logró reavivar su amor. Es más, fue precisamente ese hijo lo que motivó la indiferencia total, puesto que ahora ella ya tenía otras personas que ocupaban totalmente su corazón.
En esa época se le acercaron hombres tan encantadores como Montgomery Clift y Rock Hudson, aunque por las razones que ya conocemos no había manera de que se generase un amor entre ellos.
Algo muy distinto que con Victor Mature, cuya fama como conquistador y amante era de dominio público, lo mismo que su poco deseo de convertir en boda sus romances. Profesionalmente, Liz había conseguido recuperar su buena imagen como actriz con películas como “Rapsodia” y “Beau Brummel”, dos culebrones sentimentales que produjeron no pocas lágrimas entre los espectadores. También alcanzó un gran éxito con “la última vez que vi París”, en donde tuvo como compañero a Van Johnson. Esta historia romántica ambientada en los años de la Segunda Guerra Mundial y con la buena música de Jerome Kern, consiguió afianzar ya la gran popularidad de Liz Taylor.

Gigante

La Warner Bros intent aba llevar a cabo una gran epopeya similar a “Lo que el viento se llevó” y ya contaba con los dos actores principales masculinos: Rock Hudson y Richard Burton. Burton sería sustituido por James Dean una vez que este había alcanzado la fama con “Al este del Edén”. Para el personaje femenino estaban ya en conversaciones con Grace Kelly, pero a causa de otros compromisos que la actriz había adquirido se encontraron con todos los preparativos para el rodaje finalizado y aún sin actriz. El director George Stevens propuso entonces que fuera sustituida por Liz Taylor, idea que no fue del agrado de la productora en un principio. Solamente las presiones de Stevens, quien ya la conocía por su buen trabajo en “La última vez que vi París”, consiguió que fuera aceptada. El rodaje estaba centrado en Tejas, un lugar mítico para los americanos pero desagradable para vivir. Entre el calor y el polvo del desierto, no había manera de mantener la elegancia con cierta dignidad. Por si fuera poco, Liz empezó a acusar serios problemas con su espalda, padecía de ciática y no soportaba los rigores del clima tejano, calor por el día, frío intenso por la noche.
Allí acudió presuroso su todavía marido Wilding, quien trató de aportarla un cariño que ella ya no demandaba, especialmente por la fuerte amistad que había nacido entre ella y James Dean, e incluso con Rock Hudson. Cuando todo acabó y se disponían a regresar a sus hogares, le llegó la noticia del accidente mortal de James Dean, con quien solía pasear agarrados de la mano por los estudios.

Años de tristeza

Tan grande fue el impacto emocional que padeció, que ese año de 1956 no aceptó filmar ninguna otra película, especialmente agudizado por otro grave accidente que estuvo a punto de costarle la vida a Monty Clift, una tarde que conducía su coche hacia Beverly Hills. Como ya sabemos, salió con vida de ese accidente pero su rostro quedó sumamente desfigurado y puede verse en numerosas secuencias de “El árbol de la vida”. Pero para Liz, con la muerte de Dean todavía en su corazón, ese hecho suponía la muerte inmediata de su amigo Clift y pasó varios días hasta que consiguió aceptar que había salido vivo. Algo debió pasar por la mente de Liz durante ese año lleno de tragedias, puesto que decidió poner en marcha su divorcio con Michael, alguien a quien ella había respetado enormemente y a quien consideraba un buen padre y marido. La separación fue de mutuo acuerdo y en esta ocasión nadie alegó motivos de infidelidad o malos tratos, afirmando que la única causa era la pérdida del amor que se tenían. El 28 de enero de 1957 ambos obtuvieron el divorcio, aunque meses antes dieron por finalizada su relación personal, especialmente cuando ella comenzó un nuevo romance con el productor Michael Todd.

Todd

Este hombre tenía 48 años cuando se casó con Liz Taylor y era un americano nativo de Minneápolis que había logrado amasar una buena fortuna con los negocios y que ahora deseaba consolidar su empresa con el cine. En esos momentos tenía en sus manos la patente de un nuevo sistema de proyección al que llamó Todd-Ao, que debía servir para sacar a las gentes de sus casas y llevarles de nuevo al cine. Este sistema, de gran definición y mucho más económico que el Cinerama, era moderno, innovador y muy eficaz, como lo demuestra el hecho de que GeorgeLucas comprara años después la patente para “La guerra de las galaxias”.
Como hombre de negocios Todd era un adelantado a su tiempo, por lo que se enriquecía con la misma facilidad que se arruinaba, ya que solía invertir todos sus ahorros en su nuevo proyecto. A los diecinueve años era uno de los jóvenes más ricos del país y a los veinte estaba totalmente arruinado y vivía mantenido por su esposa, circunstancia que hace inviable cualquier matrimonio.
Su estabilidad financiera se consolidó cuando se dedicó a producir musicales en Broadway, hasta que uno de ellos le arruinó de nuevo cuando cumplía los treinta y ocho años. Soñador a ultranza, amante de la novedad y de los cambios, no era extraño que ese carácter produjera una gran fascinación en una mujer tan inquieta como Liz Taylor. Divorciado en dos ocasiones, decidió dar el gran paso que le llevaría a la inmortalidad en el cine y se embarcó en el proyecto más ambicioso de su carrera: la producción del filme “La vuelta al mundo en 80 días”, protagonizado por Cantinflas, David Niven y Shirley MacLaine, además de varias docenas de pequeñas intervenciones de actores famosos. Los problemas financieros para el productor Mike Todd fueron extraordinarios, incluso hubo un momento en que solamente él creía en su proyecto y hasta le cerraron los créditos en el mundo entero, corriendo el rumor de que el rodaje se paralizaría al estar arruinado. Con un coste inicial previsto de 6 millones de dólares, los resultados en taquilla desbordaron todas las previsiones más optimistas y la película se puso pronto a la cabeza de las más taquilleras de la historia del cine.
En total se filmó en 10 países diferentes y se utilizaron 72 localizaciones distintas, además de contar con la colaboración espontánea de 44 estrellas consagradas del cine mundial. Se cuenta que a algunos les pagó con los mejores habanos, mientras que a Luis Miguel

Dominguín le regaló un Cadillac último modelo y a Frank Sinatra un Thunderbird muy veloz, y eso para un trabajo que nunca excedía de dos días.
Al cómico Fernandel, que en aquella época rivalizaba en Europa con Cantinflas, no hizo falta regalarle nada, salvo la promesa de que también intervendría la actriz francesa Martine Carol. Se decía que estaba locamente enamorado, o enamorados ambos, ya que la propia Martine cuando se enteró que trabajaría Fernandel también trabajó gratis, siempre y cuando la escena en que saliera fuera junto con él. Todo un pequeño romance que duraría apenas dos minutos en la pantalla; es más, en la secuencia la actriz le pega una sonora bofetada al cómico. Cosas del amor.
La mítica Marlene Dietrich, que mostraba sus largas y bien torneadas piernas para detener al elegante David Niven, le pidió 150 mil dólares por tres minutos de secuencia, aunque si todo quedaba a su gusto no le cobraría nada, como así ocurrió. Al final del rodaje, todos cuantos habían exigido dinero por su trabajo cobraron, incluso más de lo estipulado en el contrato, especialmente el bailarín José Greco, el cual se conformó nada menos que con 7.500 dólares, aunque nadie estuvo contento con su presencia.
También se marchó contento el cómico Buster Keaton, algo apartado ya por entonces de las cámaras de cine, ya que cobró doble sueldo por hacer de guarda de un tren del oeste, durante una secuencia que se rodó en Durando (Colorado) y en donde serían atacados por los indios siux. En esa época la popularidad y la economía de Buster Keaton estaban bajo mínimos, se le consideraba acabado, pero Mike Todd tuvo un gran detalle con el actor al exigir que le pusieran una caravana para uso particular, como se hacía con el resto de las estrellas. Un problema añadido fue cuando se necesitaron unas cuantas gaviotas del Pacífico en una escena, para lo cual tiraron al mar una gran cantidad de comida sobrante. Como quiera que las gaviotas no gustaban de ese manjar ciertamente ya podrido, mandaron traer sardinas directamente de Portugal y esta vez sí consiguieron la colaboración de las aves.

El día 17 de octubre de 1957 se estrenó la película y durante el acto Liz y Todd anunciaron su compromiso matrimonial, sellándose el acuerdo con un anillo de diamantes valorado en cien mil dólares. Y así, tres días después de conseguir su divorcio Liz, el 2 de febrero de 1957 se casaron en Acapulco, ceremonia en la que actuaron de padrinos el ex-marido de Liz, Eddie Fisher y la actriz Debbie Reynolds, quienes estaban interesados en una nueva reconciliación que nunca llegó a producirse.
Una vez que la película “La vuelta al mundo en 80 días” convirtió nuevamente en millonario a Todd, le regaló a Liz un Rolls Royce y él se compró una avioneta para poder viajar con mayor libertad y rapidez. Ella pronto se quedó embarazada y anunció que el bebé llegaría en el mes de octubre, aunque en julio empezó a tener fuertes dolores que presagiaban un parto prematuro que no se llegó a materializar hasta el 6 de agosto en que dio luz a la pequeña Liza Todd, nuevamente mediante cesárea.
Nada parecía enturbiar, por fin, la felicidad de Elizabeth Taylor. En sus declaraciones a la prensa ella aseguraba que Mike es una persona dulce, gentil, íntegra, fascinadora y maravillosa, considerándose la mujer más afortunada del mundo por tenerle como esposo. Él, por su parte, agregó que todo le parecía un sueño y que temía despertar de golpe. Ambos eran conscientes de que se habían despertado sentimientos nuevos y que su futuro se presagiaba sumamente feliz.
Una vez que la madre estuvo restablecida salió en la portada de la revista Life con su pequeña en los brazos y posteriormente emprenden una gira mundial que comenzó en Hong Kong y que tuvo que ser suprimida bruscamente a causa de un ataque de apendicitis de Liz, del cual fue intervenida el 17 de diciembre. Una vez restablecida viajaron a Moscú para asistir al estreno de la película “La vuelta al mundo en 80 días” y preparar el rodaje de “Guerra y paz”, para la cual necesitaba un ejército bien disciplinado como el ruso. Allí fueron recibidos por Nikita Kruschev, vieron el monumental circo ruso y después de comprar algunos tradicionales gorros rusos retornaron a California para rodar “La gata sobre el tejado de zinc”, con Paul Newman como compañero.

El despertar de un sueño

Si hubo una época en la cual Liz fue feliz fue esa, con su marido Michael Todd. Tenía ya veintisiete años y se planteaba seriamente convertirse en una tradicional ama de casa puesto que, según sus declaraciones, necesitaba el retiro y dedicarse por entero a su familia que lo era todo para ella. En marzo de 1958 anuncia ya su retiro definitivo, una vez concluida la película con Newman y planean volar nuevamente a Rusia para establecer contactos comerciales con vistas a la producción de películas. Primero deben acudir a una cena homenaje en el hotel Walford Astoria de Nueva York, pero una repentina gripe de Liz obliga a que Todd acuda en solitario en su avioneta particular bautizada como Lucky Liz. Entristecido, Mike emprende el vuelo en solitario la noche del 21 de marzo de 1958 partiendo del aeropuerto de Burbank junto al escritor Art Cohn. Una tormenta de nieve se declara en pleno vuelo, las alas soportan más peso del que pueden, mientras que un rayo inutiliza uno de los motores. Sin poder continuar el vuelo, el piloto decide el aterrizaje forzoso cerca de Grants, en Nuevo Méjico, no consiguiendo encontrar un lugar adecuado para el aterrizaje, estrellándose finalmente contra las montañas Zuni. Cuando los equipos de rescate llegaron, varias horas después, encontraron solamente a cuatro hombres totalmente carbonizados en el interior del aparato.
El nuevo y maravilloso sueño matrimonial de Liz Taylor había durado apenas trece meses.

La joven viuda no podía creer lo que la estaba pasando, aunque los muchos testimonios de condolencia que le llegaron fueron suficientes para que empezara a asimilar su desgracia. Su casa fue cercada por miles de curiosos, periodistas y fotógrafos, todos tratando de ver destrozada a la actriz más famosa del mundo, una mujer que disponía ya de una gran riqueza y que era la mejor pagada de todo el cine mundial. Era como si el infortunio de ella les compensara sus mediocres vidas.

La vida sigue

Aún años después no se explica cómo consiguió sobreponerse de su dolor para continuar el rodaje de “La gata sobre el tejado de zinc”, aunque le ayudaron bastante el matrimonio Fisher, Debbie Reynolds y Eddie Fisher, así como la atención personal a través del teléfono de la señora Eisenhower y la actriz Greta Garbo. Al funeral asistieron personas tan populares como Danny Kaye, Kirk Douglas, Shirley MacLaine, David Niven y su exesposo Michael Wilding, así como su abogado que la recordó que tenía que firmar todos los papeles de la herencia de su esposo, valorada en cinco millones de dólares, así como de todos los beneficios de la película “La vuelta al mundo en 80 días”.
Una vez concluido el rodaje de “La gata sobre el tejado de zinc”, (película que fue pensada inicialmente para Grace Kelly), por el cual fue nominada al oscar como la mejor actriz, Liz empezó a trabajar en otro drama de Tennessee Williams que llevaría por título “De repente, el último verano”, nuevamente con Montgomery Clift y Katherine Hepburn. Y fue durante ese rodaje cuando empezó a mantener relaciones con su amigo Eddie Fisher, quien con la actriz Debbie Reynolds formaban una de las parejas más agradables y enamoradas de Hollywood. Ambos tenían una hija y las mismas ganas de divertirse, por lo que no dudaban en acudir a cuantas fiestas se celebraban.
En esa época ella estaba nuevamente embarazada, y él tuvo que realizar un viaje en solitario hasta Nueva York, en donde aprovechó para saludar a su amiga Liz Taylor. Para hablar de su amistad y recordar buenos tiempos, salieron juntos a cenar y de allí a bailar, una situación que nadie solía ver extraña en personas tan modernas. A fin de cuentas, decían, si un matrimonio es sólido no hay ningún peligro en confraternizar con los amigos.
Y aunque empezaron hablando de Mike Todd y posteriormente de la familia, ambos terminaron contándose sus propias penas; ella la soledad que le atormentaba y él lo superflua que era su mujer Debbie. Después pasearon a la luz de la luna alrededor de un lago y luego bailaron bien juntos unas canciones románticas. No hubo uno sólo de los demás asistentes en ese club nocturno que no se fijara en la pareja y lo comentara a sus amistades. Por eso, al día siguiente toda la prensa recogía la noticia de esa viuda alegre que había dejado de llorar demasiado pronto.
Cuando conocieron quién era su nuevo amor, no hubo un solo periodista que no la maldijera. No solamente había destrozado un matrimonio al que todos consideraban enamorados, sino que había quitado el marido a su mejor amiga, a una mujer que la había acompañado durante sus peores momentos.
Mientras Debbie Reynolds disculpó a su marido en un primer momento, Liz decía que no había quitado el marido a nadie, puesto que ese matrimonio estaba roto desde hacía años, o al menos eso era lo que Eddie la había comentado.

Otra boda

El 12 de mayo de 1959 Liz Taylor y Eddie Fisher se casaron en Las Vegas, en una ceremonia bajo el rito judío, religión que Liz estaba pensando en abrazar hace ya bastante tiempo y que había asumido dos meses antes. Su luna de miel la pasaron por el Mediterráneo, en uno de sus yates y aprovecharon para rodar algunas escenas de la película “De repente, el último verano”, mientras que hacía los planes para rodar su último filme con la Metro “Una mujer marcada”, título nada inocente. En esta película el guión la mostraba como una mujer malvada, ninfómana y de gran contenido pornográfico, aunque para compensarla le dieron un papel a su marido Eddie Fisher.
Pero la alegría de Liz Taylor duró poco, puesto que a la persecución que la tenía sometida la prensa y el acoso de sus enemigos, hubo que añadir el ingreso urgente de su pequeña Liza en un hospital. Aquejada de una fuerte neumonía, unas semanas después ella misma tuvo que ser tratada de una gran depresión emocional en una clínica de Kansas. Cuando salió se dio cuenta que una nueva persecución moral, encabezada por asociaciones de amas de casa, la impedían participar o acudir a cualquier acto oficial o humanitario. Nadie quería dar la cara por una actriz que había pasado de ser la niña mimada de Hollywood a la más insultada de todas las mujeres del mundo.
Tales desprecios pudieron más que su propia fortaleza de carácter y la actriz anunció entonces su retirada del cine dentro de año y medio, como máximo. Aprovechando unas cortas vacaciones los nuevos esposos se trasladaron a Barcelona, España, en donde alquilaron un yate hasta la Riviera francesa y se reunieron con los tres hijos de Liz, pasando finalmente el resto de sus vacaciones en Cannes.

La reina Cleopatra

Una vez finalizado su contrato con la Metro, Liz no quiso volver a firmar ningún contrato en exclusiva con ningún estudio y ni siquiera mostró interés en rodar un nuevo filme. Solamente cuando se enteró de los preparativos que la Fox estaba haciendo para comenzar la mayor superproducción de toda la historia, la historia de “Cleopatra”, aceptó mantener las conversaciones previas. Los estudios habían pensado inicialmente en Kim Novak, Brigitte Bardot, Marilyn Monroe, Sophia Loren y Audrey Hepburn, aunque cuando el productor de la película se enteró del interés de Liz Taylor no dudó ni un momento en exigir que fuera ella la protagonista.
Solamente una actriz repudiada como perversa dentro de su hermosura, podía encarnar a la maquiavélica reina Cleopatra con la suficiente verosimilitud. Pero ella estaba dispuesta a tomarse la revancha por los numerosos desprecios que le habían hecho en América y les pidió nada menos que un millón de dólares por su trabajo, cantidad totalmente inédita hasta entonces. Además, les exigió que el rodaje y el pago se realizaran fuera de los Estados Unidos para no tener que devolver ni un centavo a ese país que tan mal la estaba tratando por haberse casado varias veces.
El rodaje sería principalmente en Londres, en donde se reconstruyó una réplica de la antigua Alejandría y comenzaría en septiembre de 1960. Entre otras exigencias del contrato estaba que debía perder al menos diez kilos, puesto que tendría que aparecer desnuda en varias escenas. Para conseguir bajar de peso con rapidez fue asistida por los dos médicos privados de la Reina Isabel de Inglaterra, quienes la sometieron a una estricta dieta.
Pero el rodaje iba a ser sumamente accidentado y pondría a la Fox en un serio aprieto económico, especialmente por los muchos retrasos que la salud de Liz generaba. Primero enfermó de fiebres de Malta, luego se le infectó una muela que tuvieron que sacar y hasta tuvo un brote de meningitis que obligó a su internamiento en un hospital. Todo ello quebrantó la salud de la actriz, pero no consiguió modificar su férreo carácter y su deseo de demostrar a sus muchos enemigos que todavía era la mejor, la diva del cine mundial. Pero a pesar de todo el enorme presupuesto que se invirtió en el filme (más de 40 millones de dólares), la recaudación en taquilla fue mediocre y no sirvió ni siquiera para cubrir los gastos generados en ella, lo que dejó a su productora casi al borde de la bancarrota. La glamur de Liz Taylor y su personalidad hedonista, indudablemente habían contribuido a su popularidad y notoriedad, pero algo limitó su buena reputación con los críticos. Ella recibió muchas condolencias cuando su tercer esposo Todd murió en un choque de avión, al poco tiempo de finalizar “La vuelta al mundo en 80 días”, pero también se la criticó ampliamente por "robar" a Eddie Fisher lejos de su esposa, la actriz Debbie Reynolds. La prematura muerte del cantante, a causa de una traqueotomía de urgencia realizada por una neumonía, y la dedicación y llanto que manifestó Liz, consiguieron el perdón del público. Posteriormente volvería a ocupar las portadas de los diarios sensacionalistas, cuando ella comenzó un romance con Richard Burton, entonces todavía casado con su esposa primera. Mientras tanto, el accidentado rodaje de “Cleopatra” sigue contra viento y marea, aunque hay ejecutivos que recomiendan sustituir a Liz por Marilyn Monroe. Se ruedan diferentes planos con extras y bastantes tomas en exteriores, y en enero de 1961 el director Rouben Mamoulian abandona su cargo harto de esperar a que Liz esté lista para trabajar. Es sustituido por Joseph L. Mankiewicz, quien lo primero que hace es rehacer el guión y así poder seguir rodando con un doble de la estrella y no perder más tiempo. Pero cuando la actriz cae enferma de neumonía y es ingresada al borde de la muerte en un hospital en el mes de marzo, la decisión de suspender el rodaje definitivamente es ya casi un hecho cierto. Detrás quedarían millones de dólares invertidos en costosos decorados y trajes de época, que algunos ejecutivos ya planeaban utilizar en otra película similar. Pero para ella esta experiencia al borde de la muerte la hace vivir una emoción hasta ahora inédita. Según manifestó, logró comunicarse con el más allá y contactar con varias personas fallecidas. En el mes de septiembre se inicia de nuevo de forma tímida el rodaje, aunque es necesario reemplazar a los artistas contratados, especialmente a Stephen Boyd y Peter Finch, puesto que debían incorporarse a otros compromisos cinematográficos. Estos actores son indemnizados y sustituidos por Richard Burton y Rex Harrison, algo más caros de contratar, pero igualmente eficaces en la pantalla. La película había aumentado ya su presupuesto inicial de seis millones de dólares hasta unos desorbitados nueve, pero ya nadie se sentía capacitado para dar marcha atrás, ni siquiera cuando el coste final llegó a los 40 millones de dólares.
Cuando la película se estrenó en 1963 el interés del público por las grandes producciones había disminuido, especialmente hacia el cine de época, y aunque las recaudaciones no fueron malas y durante algunas semanas ocupó el primer puesto en cuanto a número de espectadores, no consiguió recuperar ni siquiera el dinero invertido. A causa de esta película, la Fox entró a una bancarrota imparable.

Richard Burton

Pero curiosamente, la carrera de Liz, lo mismo que su vida amorosa, empezó a vivir una buena época y aunque en un principio su relación había encrespado los ánimos de algunos moralistas, el público ya empezaba a estar harto de que la prensa les dijera a quien debían o no debían aplaudir. Y a pesar de que hubo quien se atrevió a pedir al congreso que prohibiera la entrada en Los Estados Unidos a la pareja de actores, lo cierto es que entraron y se casaron el 15 de marzo de 1965, aunque para evitar tumultos lo hicieron en Montreal (Canadá), ciudad en la cual Burton estaba interpretando a Hamlet. Esta unión resultó ser sumamente fructífera en todos los aspectos, no solamente en el plano personal, sino también en el profesional, puesto que desde ese día ambos protagonizaron algunos de sus mayores éxitos cinematográficos.
Les pudimos ver en “Hotel internacional” en 1964, “Castillos en la arena” en 1965 y en la maravillosa “Quién teme a Virginia Woolf?”, en 1966, en la que interpretando a unos ancianos decrépitos Liz consigue un Oscar a la mejor actriz. Después interpretarían “La mujer indomable” en 1966, basada en la obra literaria “La fierecilla domada” de William Shakespeare, filme que en principio iba a estar protagonizado por Sophia Loren y Marcello Mastroianni. La enorme aceptación por parte del público hacia esa conflictiva pareja aconsejó a los estudios que eran la mejor opción, deseo imposible de bloquear puesto que el propio Burton era coproductor.

En 1967 Liz hace ya su primera película sin Richard Burton como compañero al interpretar “Reflejos en un ojo dorado” junto a su buen amigo Montgomery Clift, aunque su repentino fallecimiento obliga a sustituirle por el no menos válido Marlon Brando. El filme estaba dirigido por el experto John Huston, pero por razones extrañas no tuvo apenas repercusión en la taquilla y fue un pequeño fracaso económico.

Comienza el declive

Algo pasaba en la carrera cinematográfica de la actriz, la cual pasó de ocupar el tercer puesto entre las actrices más taquilleras a bajar hasta un honroso puesto octavo. No era nada despreciable, salvo para ella que estaba acostumbrada a ser el centro de atención en los estudios. Ese mismo año de 1967 interpreta otras dos películas francamente olvidables, como fueron “Los comediantes” y “Doctor Fausto”, en esta última haciendo un pequeño papel como Helena de Troya, mientras que Richard Burton interpretaba a Fausto y era director del filme.
Deseando volver a recuperar el tiempo perdido, el matrimonio se pone a las órdenes de Joseph Losey en el filme “La mujer maldita” en 1968 y el nuevo fracaso obliga a la actriz a declarar ante la prensa que su retiro está ya próximo, puesto que desea dejar de trabajar en el cine antes de que la olviden.
Del resto de sus películas apenas si podemos destacar algunas, como por ejemplo “Se divorcia él, se divorcia ella”, en 1973, junto a Richard Burton, en un intento de volver a atraer la atención del público hacia ellos, especialmente en una época en la cual habían manifestado su intención de separarse, lo que materializan el 24 de junio de 1974. Detrás dejan a una niña adoptada llamada María que se queda con Liz.
La película “El pájaro azul” de 1976 marca ya el ineludible final de Liz Taylor en el cine, junto con su declive físico al comenzar a engordar sin remedio y sumirse en el alcohol para mitigar sus penas. Con anterioridad a este filme se había vuelto a casar con Richard Burton el 10 de octubre de 1975, aunque este nuevo matrimonio apenas sobreviviría nueve meses, volviéndose a casar Liz cuatro meses más tarde con el senador John Warner, con quien vivió hasta que en 1982 se divorció.
En 1981, Taylor hizo su primer estreno en Broadway como Regina en “Lillian Hellman”, ganando una nominación al premio Tony. El año siguiente trajo una producción londinense hasta Broadway y junto a Zev Bufman formó el Grupo de Teatro de Elizabeth que produjo obras como “El maíz es verde”, con la actuación de Cicely Tyson y Peter Gallagher, y “Private lives” de Noel Coward, que interpretaron Liz Taylor con su ex- esposo Richard Burton.

En 1983 ingresó en la clínica Betty Ford para desintoxicarse de su alcoholemia y cuando salió recuperada concedió numerosas conferencias de prensa para anunciar que era ya una nueva mujer y que deseaba volver a trabajar en el cine y tener un nuevo marido. Lo primero no pudo lograrlo, salvo unas modestas producciones televisivas casi desconocidas como “Malizia en el país de las maravillas” (1983), “Marcada por el amor” (1985), “Poker Alice” (1987) y “Sweet bird of youth” (1987), todas ellas prácticamente desconocidas para los aficionados.
Liz ha participado también en numerosas obras benéficas, así como también hizo de estrella invitada en su serie favorita "Hospital General," y también en otras igualmente populares como "Aquí está Lucy", "Los Simpsons," (poniendo la voz al bebé Maggie), "El Nanny" y "Murphy Brown".

Sobre lo de volverse a casar y una vez que se repuso de la muerte de Richard Burton en 1984 y de la de su otro amigo Rock Hudson en 1985, sabemos que estuvo unida fugazmente al actor George Hamilton y al millonario Malcolm Forges. En 1990 vuelve a ser ingresada en la clínica Betty Ford para una nueva cura de desintoxicación por alcoholismo y posteriormente de una infección pulmonar grave. Cuando sale recuperada conmociona al mundo entero anunciando su boda con Lerry Lee Fortensky, un camionero y albañil mucho más joven que ella, quien no siente reparos en declarar que es casi analfabeto y no tiene un solo centavo. La ceremonia, celebrada civilmente en la residencia de su amigo Michael Jackson en 1991, tiene como principal motivo recordar al mundo que Liz Taylor sigue viva y con ganas de trabajar y amar.

Liz, la incombustible

Pero su estado físico no es ya motivo de deseo para los productores y solamente podemos mencionar su telefilme “In a new light” en 1992 y el delirante filme de Steven Spielberg “Los picapiedra” en 1994, en el cual pudimos comprobar que seguía conservando ese gran coraje que la había caracterizado.
En 1995 es operada de una cadera que se le rompió en un accidente que sufrió estando en su piscina particular, aprovechando cuando salió del hospital para divorciarse de Larry a quien acusó de ir solamente detrás de su dinero. Ese divorcio le supuso indemnizarle con 350 millones de pesetas, por lo que deducimos que el apuesto galán no necesitó trabajar nunca más en su vida.
Su contribución a la investigación contra el Sida le ha supuesto ganar el galardón Premio Príncipe de Asturias a la Concordia concedido en España en 1992, además de un Oscar humanitario que la Academia norteamericana le otorgó en 1992 por el mismo motivo. Pero desilusionada con la asociación AMFAR, creó su propia asociación denominada Fundación Elizabeth Taylor para la lucha contra el Sida en 1993 y posee un centro de reparto de jeringas desechables y preservativos totalmente gratuito en Washington. . También ha sacado al mercado varios perfumes exitosos, cuyos anuncios promocionales reflejan perfectamente el papel de Liz Taylor como una de las últimas estrellas de Hollywood que aún pueden fascinar al público.
También trató de bloquear legalmente la miniserie de televisión sobre su vida titulada: “La historia de Elizabeth Taylor” (NBC, 1995), pero no lo consiguió, aunque su exhibición le supuso más beneficios que males.

Liz Taylor vive en el momento de terminarse este libro, en 1998, en la urbanización Bel Air de Los Angeles, mansión que perteneció a Nancy Sinatra, hija del popular actor y cantante. La había comprado por 300 millones de dólares después de divorciarse de John Warner y no ha realizado ninguna reforma en ella desde entonces. Recuperada ya del tumor cerebral que la extirparon y conservando aún parte de su extraordinaria belleza, no tiene ya reparos en conceder cuantas entrevistas le solicitan.

Sus esposos

Conrad “Nicky” Hilton Jr. 1950 – 1951 Michael Wildin 1952 – 1957 Michael Todd 1957 – 1958 Eddie Fisher 1959 – 1964 Richard Burton 1964 – 1974 Richard Burton 1975 – 1976 John Warner 1976 – 1982 Larry Fortensky 1991 – 1996

En el momento de elaborarse este libro permanecía unida sentimentalmente al actor Rod Steiger de 73 años, quien se había divorciado recientemente de Paula Ellis.
Algunos datos de actualidad

 Taylor fue la dama de honor de Jane Powell cuando esta contrajo su primer matrimonio. Powell también estaba como dama de honor para Taylor en su primer matrimonio.

 En febrero de 1997 reveló a la prensa que padecía un tumor benigno en el cerebro.

 El 20 de febrero se sometía con éxito a la operación para extraerle el tumor benigno. En ese momento Liz tenía cuatro hijos y nueve nietos y estaba considerada dentro de las 100 estrellas más populares del cine.

 El 26 de febrero de 1997 salió del hospital, pero después volvió a ingresar aquejada de fuertes dolores de cabeza.

 Los dos hijos varones se llaman Chris Wilding y Michael Wilding Jr. Su hija Liza, es una escultora que está casada con otro artista llamado Hap Tivey.

 Liz ha aparecido en la portada de la revista “People” 14 veces, y solamente la sigue de cerca la Princesa Diana.

 Liz y Richard Burton aparecieron juntos en 1983 en el espacio “Privates Lives”.  Los perfumes de Elizabeth Taylor han sido Pasiones (1987), Diamantes Blancos (1991) y Perlas Negras (1995).

 En 1993 logra el premio American Film Institute Life.

 Liz era amiga íntima de Montgomery Clift hasta su muerte en 1966. Se encontraron por primera vez cuando la Paramount decidió que ella tenía que acompañarle al estreno de “La Heredera” (1949) porque ambos eran los dos actores que iban a trabajar en “Un lugar en el sol” (1951). Clift la llamaba "Bessie Mae." Cuando él tuvo el accidente de automóvil del cual salió muy desfigurado, acudió a refugiarse a casa de Liz. Parece ser que ella fue una de las primeras personas que le auxilió en ese accidente y que logró salvarle la vida al quitarle unos dientes rotos que amenazaban estrangularle.

 Elizabeth disfruta en la actualidad de la categoría de ser una leyenda viva del cine y sigue trabajando en sus nuevos proyectos humanitarios y personales. Con sesenta y siete años de edad, es una inteligente mujer de negocios que dedica mucho su tiempo y energía a la lucha contra el SIDA. Suele aceptar invitaciones para aparecer en televisión cuando está de buen humor y su salud se lo permite. Para muchos, ha tenido una vida llena de pasiones y todavía continúa deslumbrándonos con su valor. Para los norteamericanos, permanecerá siempre como un tesoro nacional.

Agente

ELIZABETH TAYLOR 700 Nimes Road
Los Angeles, CA 90077 USA

Chem Sam and Associates INC 315 E 72 nd Street
New York, NY 10021

ENTREVISTA A ELIZABETH TAYLOR

Esta entrevista nunca ha sido publicada hasta ahora y fue efectuada en 1990, aunque la actriz pidió que se mantuviera en secreto hasta que así lo decidiera.

Liz perseguía ser una estrella infantil desde que tenía 12 años, especialmente desde su actuación en “Fuego de juventud” para la MGM y fue especialmente considerada como una actriz adulta con películas como “Gigante” (1956), “El árbol de la vida” (1957) y “Una mujer marcada” (1960). Triunfó en taquilla durante los años 1958-68 como la estrella de cine que era capaz de quitar la respiración de los espectadores con sus miradas fascinadoras y esos ojos aterciopelados. Su carrera en el cine se torció en los años setenta con una serie de películas raras e infructuosas, lo mismo que su vida personal ha sido una tempestad de aventuras amorosas, matrimonios infructuosos y múltiples problemas médicos. Con la muerte de su amigo Rock Hudson en 1985, comenzó su cruzada en nombre de todas las víctimas del SIDA y en los años noventa cambió de rumbo y desarrolló una serie exitosa de perfumes.
Su carrera en el cine ha quedado relegada a ciertas apariciones en televisión, en los noticiarios y como invitada en algunas películas.

Que Liz Taylor es ya una leyenda eterna e imperecedera es algo que nadie pone en duda, especialmente para el público norteamericano, mucho más cuidadoso con sus ídolos que los europeos. La primera vez que un crítico de cine reparó en sus extraordinarias cualidades fue en 1944, cuando ella actuó en “National Velvet” y dijo que: “Esta muchacha de doce años me ha parecido, aunque pueda resultar una frase muy tópica, extraordinariamente hermosa”.

- Desde entonces muchos críticos han publicado cosas sobre usted, ¿recuerda especialmente algunos de estos comentarios?
- Hay uno publicado en 1973, cuando hice “Miércoles de ceniza”, en el cual dijeron que yo era absolutamente encantadora, de un modo intemporal. Ese intento por demostrar que yo no iba a envejecer como las demás mujeres me pareció halagador.
- Entre un comentario y otro hay casi treinta años de diferencia, pero ambos demuestran que ha sido capaz de entusiasmar a generaciones diferentes, aunque hay quien la recuerda solamente por lo que consideran su escandalosa vida privada.
- Lo importante es mantener al público hechizado, ya sea dentro o fuera de la pantalla. Durante muchos años yo solamente existía en la pantalla para el amor, pero nadie estaba dispuesto a admitir que también podía comportarme por igual en la vida normal.
- ¿Se considera una mujer trabajadora o una persona que ha hecho de la belleza su oficio?
- No solamente he podido ser una mujer bella, también he tenido un carácter atrevido y he interpretado a chicas seductoras que se presentan por primera vez en sociedad, a matriarcas y arpías, sin olvidar mis trabajos como prostituta y hedonista.
- ¿Podemos leer entonces su autobiografía en algunos de sus personajes?
- En los personajes clásicos es posible que sí, al menos me encontraba a gusto haciéndolos, pero en los de ficción debo considerarlos solamente como un trabajo que hacía lo mejor que sabía. Es importante recordarme a mí misma cuando hago cualquier papel, evitando creer que todo eso pueda formar parte de alguna realidad.
- ¿Podemos considerar que su vida real, en ocasiones dramática, ha contribuido a aumentar la fascinación que ha ejercido sobre el público?
- Bueno, yo he crecido ante los espectadores y mi vida personal se ha desarrollado igualmente ante las cámaras de los noticiarios, por lo que es lógico que forme parte igualmente de mi imagen como actriz. Hay que tener en cuenta que existe una generación, la mía especialmente, que creció al unísono conmigo y que vivió mis mismos problemas, temores y alegrías. Para esa generación mis vivencias son en cierto modo sus propias vivencias y por eso siguen fielmente mi vida privada.
- ¿Considera que la leyenda cinematográfica y la mujer real se han mezclado ya inexorablemente?
- Es obvio que sí y es posible que incluso se hayan mezclado en mi propia vida. Todos mis actos privados se plasmaban en titulares, casi al mismo nivel que mis personajes en el cine, aunque los periodistas han dado rienda suelta a su fantasía con demasiada frecuencia. He tenido una vida intensa, pero no creo que haya sido extravagante, ni que haya sido tan desgraciada como me han querido aparecer. Si han habido escándalos en mi vida sentimental no han sido tan espectaculares como los lectores los han leído, ni me han traumatizado tanto.

- Hay quien afirma que es muy dada a auto-destruirse.
- Si es así he logrado sobrevivir, pero es que la gente confunde la tristeza con los deseos de suicidio. Cuando una personaje padece una desgracia en su vida tiende a aislarse, a abandonarse, pero eso no quiere decir que quiera tirar por la borda toda su vida anterior ni cuestionar para siempre su futuro.
- El Vaticano la ha criticado en una ocasión y su país la ha premiado con varios galardones, ¿cómo explica esta divergencia?
- Esto obedece a que cada uno juzga de mí lo que le interesa. Lógicamente, el vaticano no está interesado en mis películas y por eso se preocupa solamente de mi vida privada, especialmente de mis siete matrimonios, cifra que considera reprobable. Hollywood es una industria económica y por ello juzga a las estrellas por el dinero que les proporciona y como mis intervenciones en el cine han sido mayoritariamente rentables, deben expresarme su reconocimiento.
- ¿No siente remordimientos por haber destrozado tantos hogares?
- No he destrozado nada que no estuviera destrozado antes. También soy abuela y nadie habla de lo cariñosa que soy, ni de que represento con dignidad a mi país y a la industria cinematográfica. El que los periodistas hablen más de mí como una heroína de una telenovela escabrosa, en lugar de seguir analizando mis intervenciones en el cine, ha motivado que el interés del público se derive hacia mi vida privada, inventada o real.
- A nosotros nos parece que su vida real es más fantástica aún que sus películas, tan deslumbrantes como las joyas que lleva. Me gustaría que usted misma nos relatara brevemente su vida, al menos para confrontarla con los datos que poseemos.
- Bueno, así al menos podré explicar algunos conceptos que los periodistas han desvirtuado. Como saben nací en 1932 y soy la segunda hija de unos padres británicos. Según me cuentan, desde pequeña era muy guapa, con unos ojos violetas que destacan a distancia.
- ¿Cuándo abandona Londres para irse a vivir a Los Angeles?
- Esto ocurrió en 1939, justo unos meses antes de que estallara la Segunda Guerra Mundial. Recuerdo que en el barco que me llevaba al nuevo mundo se proyectó una película titulada “La pequeña princesa”, protagonizada por Shirley Temple. Era la primera vez que yo veía una película y aunque entonces, con solamente siete años, no podía saber lo que esa historia significaría en mi vida, era toda una profecía de lo que me esperaba.
- Ya la tenemos viviendo en América. ¿Cuándo comienza a trabajar en el cine?
- Había muchos amigos de mis padres que insistían en que tenía un físico y un carácter adecuado para trabajar en el cine, especialmente en una época en la cual las actrices infantiles tenían bastante éxito. Por eso, cuando llegamos a Hollywood, mi madre me llevó a los estudios para que me realizaran unas pruebas en la Universal.
- ¿Cómo resultó?
- Inicialmente muy bien, puesto que me contrataron para una película, creo que se llamaba algo así como “Alguien nace cada minuto”, pero para el director mi trabajo fue un desastre. Dijo que no valía para el cine porque tenía ojos de adulto, que no parecía una niña.
- ¿Y por qué no abandonaron?
- Para mi madre ese papel no había sido un fracaso, sino un triunfo. Era tan difícil entrar en Hollywood que el hecho de haberlo logrado con tanta rapidez se podía considerar como un gran mérito.
- Al día siguiente de recibir ese comentario tan negativo por parte del director de contratación de la Universal, me llevó hasta la Metro y allí su opinión fue totalmente diferente. Tenía ya once años cuando me contrataron para interpretar “La cadena invisible”, junto con la perra Lassie.
- Visto así, nos parece que su entrada en el cine fue sumamente sencilla.
- Nadie estaba allí para aplaudirme y, según me contó mi madre, en realidad me dieron el papel por accidente, porque la niña protagonista era más alta que Roddy McDowall y ambos quedaban ridículos. Afortunadamente mi baja estatura y el hecho de que tuviera una gran serenidad antes las cámaras, convencieron a los directivos.
- ¿Qué ocurrió después?
- Pues que la película fue un éxito total y firmé un contrato por siete años. Desde ese momento mi vida pertenecía a los estudios y puedo considerar que toda mi infancia se desarrolló en la Metro. Para mi era algo normal, no especialmente mágico, aunque al principio me chocaba eso de tener que comer en la misma cafetería donde los hacían los vaqueros y los indios. Yo esperaba que se liaran a tiros en cualquier momento y que un piel roja me raptara para llevarme a su cabaña, pero nada de esto ocurrió.
- ¿Y sus estudios?
- La Metro tenía su propia escuela, a la que asistían todos los niños contratados. Las clases se impartían respetándose escrupulosamente los horarios de rodaje y todos nuestros movimientos estaban controlados por un tutor. También había un publicista que nos fotografiaba y que estaba pendiente de cualquier detalle de nuestra personalidad que pudiera ser útil en la pantalla.
- ¿Considera ahora que perdió su niñez desde el momento en que empezó a ser actriz?
- Lo único que recuerdo era que me sentía diferente. Ahora, cuando hablo con las mujeres de mi generación sobre nuestra época como niñas, veo que no puedo contar las mismas cosas, como si en realidad no hubiera sido niña nunca. Vivía en un mundo de fantasía y en ocasiones he echado en falta las experiencias de la niñez.
- Parece ser que fue Sara, su madre, quien estaba siempre presente en su vida...
- Gracias a ella nunca me sentí deprimida ni sola. Guiaba todos mis pasos porque era muy ambiciosa. Había trabajado anteriormente en los escenarios, conocía lo bueno de ese mundo, y estaba siempre presente en el plató.
- ¿Por qué nunca menciona a su padre?
- Es que mi padre tenía un trabajo que le obligaba a permanecer alejado de nosotras. Era marchante de arte y por eso permanecía en la sombra, aunque me preguntaba diariamente por mis estudios.
- ¿Molestaba la presencia de su madre a los productores?
- Sí, y especialmente a Louis B. Mayer. No quería verla allí controlando a su pequeña hija y un día le expulsó violentamente del estudio. Yo me puse delante de mi madre y le dije que él y su estudio se podían ir a la mierda. Le dije que debía pedir perdón a mi madre, pero se negó.
- ¿Y no las expulsaron a las dos?
- Todo lo contrario. Mi fuerte carácter le entusiasmó aún más y me ofreció un papel en “National Velvet”. Para mí supuso algo extraordinario, puesto que el argumento se centraba en un caballo de carreras, un animal al que adoraba desde pequeña. Montar a caballo ha sido el único deporte que se me ha dado bien y quizá se debe a que mis padres me regalaron uno cuando apenas tenía ocho años.
-
- ¿Qué sucedió con la película?
- Que fue un éxito total y me convertí en una estrella. Después mis relaciones con la Metro mejoraron mucho, pero seguía siendo una actriz problemática fuera de los estudios, aunque una vez que decían, ¡se rueda! todo iba mejor.
- Pero, ¿cuál era su problema?
- Decían que era nerviosa, tensa y que me pasaba todo el día pensando en mi casa. Afortunadamente para ellos nunca sufrí esa crisis de identidad que padecen las chicas, lo que llaman “la edad del pavo”, por lo que me podían presentar tranquilamente en cualquier reunión. Era la imagen perfecta de una chica bien educada y sencilla, que representaba los valores de la posguerra.
- ¿Nunca tuvo los problemas típicos de los adolescentes?
- No podía tenerlos puesto que no vivía su mundo. Solamente ante las cámaras y gracias a los guionistas, podía mostrar las mismas angustias que el resto de las chicas. En las películas era ya una chica con problemas similares a las demás y quizá por ello nunca eché de menos vivir una vida tradicional.
- Sus papeles, entonces, eran los de una chica corriente, aunque en su vida privada fuera un caso excepcional.
- No exactamente, puesto que la mayoría de mis trabajos eran distintos y siempre estaba más cerca de una princesa que de una estudiante clásica. En “Así son ellas” era una chica de corazón puro y virginal, hija de un millonario, pero tan consentida que pedía a gritos una ración de azotes. En esos años empezaba ya a sentirme fascinada por los chicos y los papeles que me daban incluían ya algunos amores inocentes.
- ¿Le podemos preguntar por su primer amor?
- Por supuesto. Mi primer amor fue por Peter Lawford, cuando tenía 15 años, aunque era tan platónico como todos los que podían vivir las chicas de mi edad. Un año después, empecé a salir con una estrella del fútbol americano en Westpoint llamada Glenn Davis, un chico bastante mayor que yo. Pronto me di cuenta que mi cuerpo se había desarrollado más que mi experiencia en la vida y que eso lo podría emplear favorablemente en mis relaciones con los chicos. Es increíble cómo un par de pechos bien desarrollados pueden ser tan atractivos para los hombres.
- ¿Se consideraba ya una mujer adulta?
- Todo lo contrario, puesto que en numerosas ocasiones deseaba irme a mi casa a refugiarme entre las muñecas. Yo era una niña que tenía que tomar decisiones de adulta y eso no era posible. Mi poca experiencia me llevó a enamorarme de Conrad Hilton cuando apenas había cumplido los dieciocho años. Era un chico guapo que tarde o temprano heredaría el imperio hotelero de sus padres, la cadena Hilton.
- Otras chicas también se prometían a esa edad...
- Pues yo no solamente me hice novia sino que me casé con él. Ahora pienso que en realidad quería vivir una vida de película como en la pantalla, donde todo era glamour y música de fondo. Los estudios de cine no pusieron ninguna pega a esa boda, algo lógico si tenemos en cuenta que el rico heredero se casaba con la guapa actriz de cine y que eso suponía mucha publicidad gratuita.
- Para muchos, esa boda se parecía demasiado a su propio papel en “El padre de la novia”.
- Es que era el mismo. La Metro aprovechó para estrenarla en las mismas fechas de mi boda y el éxito fue apoteósico. Ellos se encargaron de organizar la ceremonia en Beverly Hills y lo hicieron de modo que todo iba a ser idéntico a los escenarios del filme, hasta en los menores detalles. Creo que hasta contaron de nuevo con la participación de Vincente Minnelli para que dirigiera la ceremonia religiosa.

- Para muchas chicas eso que usted vivió era un cuento de hadas.
- Pero los cuentos son ficción y la vida real es muy diferente. Nos habíamos prometido ser felices para siempre, aunque lo más sensato hubiera sido prometernos fidelidad o cariño. ¿Quién puede prometer a otro la felicidad?
- Y fue el primero de sus fracasos matrimoniales.
- Y uno de los más rápidos, puesto que nos separamos ocho meses después. Ya durante el viaje de novios en el barco, Conrad me mostró que le gustaba más el juego que yo, y solamente nos lográbamos ver durante la noche, el tiempo justo para hacernos unos cuantos reproches antes de ponernos a dormir.
- ¿Afectó ese divorcio en su carrera?
- En absoluto. Cuando volví a Hollywood me presentaron al director George Stevens que trabajaba para la Paramount, quien me habló de un clásico de la literatura que se llevaría al cine, titulado “Un lugar en el sol”. Inmediatamente me presentaron a mi compañero de reparto, el actor Montgomery Clift, de quien me tendría que enamorar en la pantalla.
- ¿Cómo era ese actor?
- Tenía una personalidad increíble. Era sensible, con una mirada ausente y en ocasiones triste, pero tremendamente inseguro en la vida. Ensayaba mucho más que yo, no confiaba en sí mismo, creo que de una manera compulsiva que yo no entendía. Éramos sumamente diferentes, pero creo que esa diferencia fue lo que nos hizo amigos para toda la vida.
- ¿Fueron amantes?
- Nunca nos enamoramos, aunque siempre nos quisimos y nos apoyábamos continuamente. Hablábamos el mismo lenguaje y por ello nos entendíamos sin necesidad de palabras. A mi modo de ver yo me sentía más inclinada hacia él como si fuera mi hermano y por eso nunca le miré sexualmente. El director Stevens aprovechó nuestra relación y cambió algunos diálogos para dar más dramatismo a la película.
- ¿Fue esta película su primer gran éxito?
- Fue al menos la película en la cual pude demostrar mis cualidades como actriz dramática. Ya no era solamente una muchacha de delicada sonrisa y debajo de mi cara de niña se vislumbraba un carácter fuerte. Pero la Metro no estaba interesada en promocionarme como una mujer fuerte y prefería seguir haciéndolo como una especie de reina de la belleza, un estereotipo de jovencita para todo el mundo.
- ¿No está satisfecha entonces con esa época?
- Es que me encasillaron en papeles románticos de segunda categoría y eso fue especialmente doloroso para mí. Acababa de padecer mi primer fracaso matrimonial y la palabra amor no era lo mejor que podía pronunciar. Pasé una época de fuertes depresiones y caía enferma con frecuencia, algo que no había conocido hasta entonces.
- ¿Cómo superó esa desgracia?
- Fue durante un rodaje en Londres. Allí conocí a un caballero muy elegante, un actor de 39 años llamado Michael Wilding, quien por cierto ya se había divorciado en una ocasión y no quería volver a casarse. Le presioné tanto, especialmente con besos, que un año después de mi divorcio nos casábamos en una boda sencilla que fue aclamada por una gran multitud.
- Usted vivía en América y Michael en Londres, ¿cómo solucionaron su residencia?
- Tuve que presionar a la Metro para que ofreciera trabajo a mi marido en Hollywood y pronto regresamos los dos. Allí conoció a mi familia y mis amigos, pero fue muy mal recibido y le hostigaron continuamente. A mí me decían que no debíamos pasar tanto tiempo juntos, que debía seguir manteniendo mi vida de actriz.
- Esos consejos me parecieron entonces muy sinceros, pero con el tiempo supe que eran destructivos y que en realidad pretendían que me separase de él y volviera con ellos.
- ¿Qué pasó?
- Comenzamos a discutir, yo demandando libertad y él pidiendo vida en pareja. Me volví obstinada, inquieta y la necesidad de Michael por salir conmigo me llegó a molestar. Para su desgracia, profesionalmente no estaba en su mejor momento, apenas conseguía trabajo, y mi familia me decía que o le estaba manteniendo. Alguien pensó que mi vida real era lo suficientemente atractiva para un guión de cine y me propusieron rodar, “La última vez que vi París”, en donde tenía el papel de una frívola mujer que estaba casada con un escritor alcohólico.
- Pero tuvieron un hijo...
- Bueno, es que además de pelear también hacíamos el amor. Mi hijo Michael Howard nació el 6 de enero de 1953, después de un doloroso parto con cesárea.
- ¿Tuvo problemas para seguir trabajando en el cine?
- Todo lo contrario. Cuanto más problemática era mi vida personal más páginas llenaba en la prensa, así que lo único que ocurrió es que, por fin, me quitaron mis papeles como joven soñadora y me dieron a cambio el de mujer coqueta que entusiasma a los hombres.
- ¿Qué película recuerda con especial agrado en esa época?
- Indudablemente “Gigante”. Fue el primero de una larga serie de largometrajes que me alzarían como la estrella más taquillera del momento. El rodaje comenzó en Virginia bajo la dirección de George Stevens y narraba durante tres horas una epopeya situada en Tejas, en la cual envejecía en la pantalla con bastante dignidad. Me convertí en cuestión de minutos en una inteligente abuela que es capaz de enamorar a dos actores tan guapos como James Dean y Rock Hudson. Tenía solamente 23 años y había conseguido ya convertirme en una veterana de Hollywood. Con tan poca edad había actuado ya en 24 películas y me había casado dos veces.
- ¿Estaba ya en la plenitud de su carrera?
- Ni de mi carrera ni de mi vida. En 1956 volé a Kentucky para rodar “El árbol de la vida”, nuevamente junto a Montgomery Clift, y tuve que estar presente cuando Monty sufrió ese horrible accidente de automóvil que le desfiguró el rostro. Sufrí mucho por él, tan sensible como era, precisamente en la época en la cual mi matrimonio con Michael se rompía definitivamente.
- Pero no estuvo mucho tiempo sola...
- Supongo que debía tener un atractivo especial para los hombres. En esa época conocí a Michael Todd, un dinámico empresario que había pasado de vendedor de periódicos a productor de cine. Tenía fama de gastarse en caprichos prácticamente todo lo que ganaba y, aún así, me casé con él seis meses después, en Acapulco, con Eddie Fisher de padrino y Debbie Reynolds como dama de honor.
- Por fin, el amor de su vida.
- Eso siempre se dice del último, pero en este caso lo cierto es que nos queríamos muchísimo. El único problema estaba en la prensa, que nos seguía por todas partes y nos atosigaba. A mí me gustaba provocar el enfado de Michael y disfrutaba haciéndole de rabiar y dándole celos, aunque después nos podíamos pasar un día entero sin salir del dormitorio. En mi opinión, fue un matrimonio muy benéfico para ambos y en esos días él consiguió un óscara la mejor película por “La vuelta al mundo en 80 días”, además de lograr un buen beneficio económico. A las pocas semanas nació nuestra hija Elizabeth Frances Todd.
-
- ¿Qué enturbió sus vidas?
- En ese momento éramos muy felices y constituíamos una pareja estable. Lo que peor iba era mi salud, puesto que no me sentía fuerte y me dio un ataque de apendicitis durante un viaje de placer en Hong Kong que nos obligó a volver rápidamente a casa. A mi regreso, la Metro ya me tenía reservado un importante papel en “La gata sobre el tejado de zinc”. Cuando llevaba tres meses con el rodaje cogí una infección por virus que me obligó a guardar cama y no pude acompañar a mi marido a un homenaje que le daban en Nueva York por el ser el “Showman del año”. Lo que ocurrió posteriormente ya lo saben ustedes. La avioneta particular que llevaba a Michael se averió y se estrelló en las montañas de Nuevo Méjico. Para mí fue el mejor hombre de mi vida.
- Pasó de ser una mujer feliz a convertirse en viuda. Supongo que es difícil de encajar ese revés del destino.
- Es que durante nuestros trece meses de matrimonio me consideraba una mujer feliz. Pero en ese momento, con veintisiete años, era viuda y ya había tenido tres maridos. Al entierro acudieron miles de personas para acompañarme y la prensa en este caso se portó bien conmigo dejándome en paz. Un mes después tuve que volver a incorporarme al rodaje de la película con Paul Newman, aunque no conseguía pronunciar bien los diálogos. Estaba nerviosa y tartamudeaba, y mis intentos por simular el acento sureño de la protagonista eran inútiles. Apenas recuerdo nada de ese rodaje, aunque mis compañeros dicen que fue mi mejor trabajo, aportando un personaje sensual, vigoroso y maduro, mostrando la histeria que tenía escondida en mí por los avatares del destino.
- Y luego se refugió en Eddie Fisher.
- Era el mejor amigo que teníamos. Como sabéis, Eddie era entonces un cantante muy popular casado con Debbie Reynolds, una de las actrices favoritas de la Metro. Ellos habían confesado que su matrimonio no era feliz, que discutían demasiado, pero que no deseaban separarse. Yo estaba sola en ese momento y necesitada de afecto, quizá lo mismo que Eddie, por lo que no era raro que nos encontrásemos a gusto juntos. Yo nunca fui una destroza hogares, ni una viuda alegre. Cuando Eddie y yo empezamos a salir juntos me llegaron multitud de anónimos y cartas amenazadoras, creo que por desafiar la moralidad de la clase media norteamericana.
- ¿Quién se puso de su parte?
- Nadie y mucho menos los periodistas. Me vilipendiaron y me insultaron en todos sus artículos, diciendo que encima tenía la cara de presumir de mi nuevo amor. En ese momento el resto del mundo no me importaba y deseaba ser feliz de nuevo, por eso aparecí bruscamente a su lado en una gala en Las Vegas. Allí Eddie me presentó como su nueva pareja y poco después, en mayo de 1959, nos casamos en una sinagoga de Las Vegas, en una ceremonia cerrada a la prensa.
- ¿Y los estudios, cómo reaccionaron?
- Perfectamente, puesto que esa gran publicidad aumentó mi cotización en taquilla. El público estaba fascinado por mi atrevimiento y “La gata sobre el tejado de zinc” fue el mayor éxito de la Metro durante ese año. Tan importante era entonces que me ofrecieron en ese momento un millón de dólares por protagonizar “Cleopatra”. Era como si mis divorcios dieran ánimos a una nación que había vivido hasta entonces aprisionada por una moralidad hipócrita. Creo que les excitaba sexualmente y eso evitaba que me condenasen por frívola.
- ¿Cómo consigue realizar unos papeles tan dramáticos que no corresponden a su verdadero carácter?

- Para mí el cine es solo un trabajo y hay que hacerlo lo mejor que se pueda, pero por mucho que me meta en un papel, especialmente cuando me identifico con el personaje, hay que evitar confundirlo con la vida privada. Una vez que se acaba el rodaje, el personaje debe quedar en el estudio, no te puede influir en tu vida privada.
- ¿Cuándo acabó su contrato con la Metro?
- Acababa en 1960 y aunque yo no estaba de acuerdo, me obligaron a protagonizar una última película titulada “Una mujer marcada”, en la cual me mostraban como una proscrita sexual. Yo quería acabar con esa imagen depravada, pero finalmente tuve que hacer de Gloria, una prostituta que buscaba la redención por el amor. Sabía que esa historia mucha gente la intentaría relacionar con mi vida privada y no estaba dispuesta a seguir dando explicaciones sobre mis amores.
- Usted tenía ya 29 años cuando comenzó el rodajede “Cleopatra” en Londres y allí se puso enferma.
- Sí, me puse muy enferma y me llevaron al hospital con una grave neumonía que casi me mata. Me hicieron una traqueotomía de urgencia y durante varios días los médicos pensaron que no saldría viva de allí. Creo que fue gracias a mi fuerza de voluntad y mi fortaleza física que me pude recuperar. Tenía tantas ganas de vivir que solamente veía en mi mente la curación y volver a trabajar. Mi enfermedad sirvió, además, para que el público olvidara mis desvaríos amorosos y se concentrara en mí como persona. Puedo considerar que me llegaron a perdonar.
- Y un año después le conceden su primer Oscar.
- Sí, y lo más curioso es que fue por esa película, “Una mujer marcada”, que no deseaba interpretar. Cuando anunciaron mi nombre como la ganadora, los aplausos fueron intensos durante algunos minutos. Estaba muy nerviosa cuando di las gracias al público y a la Academia por ese premio, y casi me desmayo.
- ¿Podríamos considerar que desde ese momento su trabajo dio un gran cambio?
- En cierto modo sí, aunque el rodaje de “Cleopatra” fue especialmente complicado. Nos trasladamos a Italia y allí se construyeron unos inmensos escenarios que debían empequeñecer a todos los anteriores. El rodaje fue durante el verano de 1961 y me acompañaba Eddie Fisher, con quien adopté a mi cuarto hijo, una niña alemana de ocho meses llamada María.
- ¿Fue entonces cuando conoció a Richard Burton?
- Richard era un actor galés que tenía 35 años en esa época, e indudablemente su origen galés le daba un atractivo muy grande para las mujeres. Aunque logramos intimar con prontitud, los problemas económicos de la película nos tenían demasiado preocupados a todos como para pensar en romances. El filme se había quedado sin presupuesto y la Fox estaba tan al borde de la ruina que pensó en abandonar el proyecto. Solamente el hecho de tener en sus manos una historia tan extraordinaria y la popularidad que yo misma tenía en aquellos meses, les motivaron a endeudarse aún más. Como ya sabemos fue un tremendo error que les dejó en la bancarrota.
- ¿Consiguió conservar la serenidad?
- No había nadie que lo consiguiera y yo no era una excepción. Afortunadamente Burton me proporcionó todo su apoyo y pude seguir adelante sin grandes problemas, por eso fue casi inevitable que nos enamorásemos.
- ¿Pero el público no les volvió a dar la espalda?
- Por algún motivo extraño no fue así y nuestro noviazgo fue considerado como el romance del siglo. Hoy día pienso que esto sucedió así porque en realidad querían castigar a Eddie Fisher por haberse separado de la actriz Debbie Reynolds. Bueno, el Vaticano obviamente se escandalizó y volvió a criticarme con dureza. Me tacharon de madre desnaturalizada que era víctima de mis caprichos eróticos.

- ¿Cómo respondió el público cuando se estrenó “Cleopatra”.
- Eso ocurrió en el verano de 1963 y se convirtió en la película que más dinero había recaudado en todo el año.
- Sin embargo, supuso la ruina para la Fox.
- Ese siempre ha sido un malentendido del público. La película fue un éxito de taquilla, pero es que el rodaje en Italia costó cinco veces más de lo que se pensaba, especialmente por la gran cantidad de extras, los problemas con los sindicatos y los numerosos accidentes que se producían continuamente.
- Se consolidó su romance con Burton?
- Sí, a pesar de los guardianes de la moralidad. Se sentían ultrajados por mi nuevo amor, pero los aficionados estaban entusiasmados con esa pareja nacida del cine. Mientras unos me consideraban la adúltera más famosa de la historia, otros pensaron que era un ejemplo para los miles de parejas que estaban en nuestra situación y que se habían escondido hasta entonces. Para unos éramos unos ricos desvergonzados, mientras que para otros suponíamos el estímulo a sus propias fantasías. Creo que gracias a nosotros muchas personas empezaron a amar en silencio y a soñar con amantes prohibidos, esos que habitualmente nos quitamos de la mente porque nos sentimos avergonzados de pensar en mantener una relación sexual con ellos.
- ¿Se considera entonces como una mujer que sirvió de ejemplo a otras muchas?
- Lo que creo es que quité el miedo a amar a quien fuera y especialmente a soñar con quien nos plazca.
- ¿Cómo fue posteriormente su trabajo?
- En esa época ya era la actriz mejor pagada del mundo y tenía multitud de proyectos esperando mi confirmación. Me tomé unas pequeñas vacaciones y acompañé a Richard hasta Méjico, en donde tenía que rodar “La noche de la iguana”, junto a Ava Gardner. Allí esperábamos encontrar el descanso y la tranquilidad que necesitábamos.
- Hay quien afirma que, en realidad, lo que buscaba era vigilar a Richard y Ava.
- Bueno, ambos tenían fama de grandes conquistadores y no era cosa de dejarles en plena libertad. De todas maneras, fueron unos días totalmente tranquilos para ambos y temperamentalmente estábamos felices y relajados.
- ¿Y su afición a la bebida?
- Ese era un problema que compartíamos los dos, así que en lugar de discutir por la cantidad de bebida solamente lo hacíamos por el tipo de bebida. Yo me sentía a gusto al lado de un hombre tan fuerte y durante mucho tiempo nos amábamos con la misma intensidad que nos peleábamos. Creo que buscábamos pelearnos con más frecuencia para luego tener la oportunidad de reconciliarnos y así mantener una fogosa noche de amor. El problema es que en una de estas discusiones decidimos separarnos definitivamente y como en ese momento no había una cama al lado lo llevamos a cabo. La separación se materializó justo al llegar a Hollywood.
- ¿Cómo se sintió?
- Muy bien, más que nada porque en marzo de 1964 decidimos dejar de pelear y nos casamos en una sencilla ceremonia. Después trabajamos juntos en diez películas, la primera de ellas en “Castillos en la arena”, y algunas tan horrorosas que ni siquiera quiero recordar.
- ¿Considera que profesionalmente ambos ganaron con esa unión?
- Como ya he dicho hubo películas extraordinarias y entre ellas no podemos olvidar a “Cleopatra”. Otra de buen recuerdo es “¿Quién teme a Virginia Wolf?”, para la cual tuve que ganar algunos kilos que luego me costó mucho perderlos. El director quería que pareciera mayor de lo que era y llegamos a un acuerdo en que solamente con el maquillaje no se conseguiría. A mi entender, fue mi mejor trabajo en el cine y en el cual puse todo mi interés. En ese momento tenía 32 años y mi personaje era de 54 y eso me obligó a cambiar toda mi personalidad; mi forma de andar, la voz y hasta mi carácter, procurando mostrar esa pizca de rencor que las mujeres suelen manifestar al llegar a la menopausia.
- ¿Richard Burton le dio también consejos profesionales?
- Él era un actor clásico y lo primero que me recomendó fue que diera clases de dicción, algo que yo nunca antes había considerado. Estaba convencida de que para ser una buena actriz lo importante era ser natural.
- ¿Cómo asimilaba los triunfos de cada uno por separado?
- Richard también era un actor premiado y la Academia Británica de Artes Cinematográficas le otorgó uno por “¿Quién teme a Virginia Wolf?”, algo que contribuía enormemente a que nos sintiéramos felices juntos. Sé que la prensa nos mostraba como competidores entre nosotros, tratando ambos de lograr más méritos artísticos que el otro, pero esto no era cierto. Esa rivalidad era solamente un juego delante de la prensa, para que tuvieran motivos para hablar de nosotros.
- ¿Cambiaron en algo su vida social?
- En ese momento éramos ya uno de los matrimonios más ricos de toda Norteamérica y eso se notaba. Mejoramos nuestro vestuario y las joyas que lucía eran cada vez más caras, consiguiendo un impacto en cada fiesta que acudíamos. Burton era muy generoso con los regalos que me hacía y se gastaba sumas enormes de dinero para lograr una sonrisa mía. Él decía que después del regalo yo le premiaba con una noche de amor tan entusiasta que solamente pensaba ya en el siguiente regalo. Tenía siempre la chequera en el dormitorio por si mi fogosidad se apagaba (risas).
- ¿Eso le agradaba?
- Es que mi lema ha sido siempre cuanto más mejor y eso abarca a todo, al dinero, las joyas, el amor y hasta los enfados. Para muchos puede ser una bravata, pero para mí solamente era una manera de seguir adelante cuando estaba agotada y deseaba abandonar todo.
- Después dejó de conceder conferencias a la prensa.
- Es que llegó un momento en el cual mi intimidad era lo primero en mi vida y quería preservarla. Empezamos a vivir una relación muy dura y necesitábamos tranquilidad para no ahogarnos. Habíamos pasado de ser un matrimonio muy unido a tener grandes problemas de convivencia. Burton sentía desprecio por sí mismo, no era feliz y se refugiaba en el alcohol. Yo, por mi parte, me refugiaba en los calmantes. Para compensar nuestro infortunio nos gastamos una fortuna en diamantes, fiestas, yates y hasta compramos un avión privado enorme. Teníamos una flota de coches Rolls Royce y cuando nos cansábamos de discutir en casa nos íbamos a la suite nupcial de un hotel para continuar allí la bronca.
- ¿Cuántas veces rompieron?
- Es imposible calcularlas, puesto que cada bronca acababa con un propósito de ruptura. En 1974 decidimos divorciarnos, aunque nos volvimos a casar un año más tarde en Africa. Unos meses antes yo había protagonizado “Miércoles de ceniza”, en donde interpretaba a una mujer que se sometía a un estiramiento de piel para rejuvenecer, con el único fin de retener a su esposo. Ese papel me hizo reflexionar sobre el envejecimiento y por eso me volví a casar con Burton.
- ¿Por qué volvieron a divorciarse?
- Fue cuando nos dimos cuenta que la pasión había muerto. Sin deseo sexual no hay pareja, al menos para nosotros.
- ¿Qué ocurrió con su trabajo como actriz?

- Se marchitaba con la misma rapidez que mi cuerpo. El público ya no parecía estar interesado conmigo y las nuevas estrellas eran chicas mucho más jóvenes que yo. Debo reconocer que coincidió con la desaparición del antiguo Hollywood, el de la era de oro del cine americano. Me encontré sola, sin trabajo y sin un amor que me diera apoyo en la vida, justo en el momento en que más lo necesitaba.
- ¿Qué hizo entonces?
- Lo que consideré más sensato: dedicarme a otra cosa tan gratificante como lo había sido el cine. En 1981 debuté en los escenarios de Broadway con “La loba” y dos años más tarde me uní profesionalmente a Richard en una obra titulada “Vidas íntimas”. El argumento giraba en torno a una pareja que vuelve a casarse después del divorcio y por eso la prensa volvió a hablar de nosotros. En ese momento volvimos a mantener una relación amistosa que duró hasta el día de su muerte en agosto de 1984, por una hemorragia cerebral.
- ¿Cómo encajó esa muerte?
- Nunca me recuperé de esa pérdida, como tampoco me recuperé de la muerte de Rock Hudson, un año después. Afortunadamente encontré una causa por la cual luchar intensamente y me convertí en una activista por la investigación y la información sobre el Sida. Me di cuenta que era una enfermedad que había que sacar a la luz, que había que aceptarla, puesto que suponía el único modo de encontrar un remedio.
- ¿Y el amor?
- Siempre he necesitado vivir en pareja y por eso me volví a casar con el senador de Virginia John Warner y con ese joven llamado Larry, a quien prefiero olvidar cuanto antes. Yo me considero una esposa muy entregada a mi pareja, o al menos debería serlo después de haberme casado varias veces.
- ¿Ya no toma drogas?
- Las he plantado cara y recibí tratamiento en el centro Betty Ford. Ahora tengo mucha más confianza en mis actos y me siento más en paz conmigo misma que nunca. Tengo una línea de perfumería que funciona muy bien y cuando cumplí 60 años di una lujosa fiesta en Disneylandia para volver a recuperar la niñez que nunca tuve. Fue el momento más feliz de mi vida y me sentí como una niña. He sido siempre una luchadora y he sobrevivido a multitud de problemas, considerando cada nuevo problema como un reto.

FILMOGRAFIA

THERE'S ONE BORN EVERY MINUTE (1942)

Universal

59 minutos

Director: Harold Young

Intérpretes:
HUGH HERBERT
TOM BROWN
PEGGY MORAN
GUY KIBEE
GUS SCHILLING
EDGAR KENNEDY
CARL “Alfalfa” SWITZER
ELIZABETH TAYLOR

Comedia familiar tradicional abundante en chistes, cuya cabeza de familia (Herbert) dirige una compañía de teatro. Filme importante por ser el debut en la pantalla de Liz con sólo 10 años, en el papel de un miembro menor del clan.

LA CADENA INVISIBLE Lassie Come Home (1943)

Aventura de niños 88 minutos
Color

Productor: Samuel Marx
Director: Fred M. Wilcox
Guión: Hugo Butler
Basado en la novela de: Eric Knight Fotografía: Leonard Smith
Compositor: Daniele Amfitheatrof Efectos especiales: Warren Newcombe

Intérpretes:
RODDY McDOWALL: Joe Carraclough DONALD CRISP: Sam Carraclough EDMUND GWENN: Rowlie
DAME MAY WHITTY: Dolly
NIGEL BRUCE: Duke of Rudling
ELSA LANCHESTER: Señora Carraclough ELIZABETH TAYLOR: Priscilla
LASSIE: Lassie

Una película basada en el cuento infantil de Eric Knight sobre una familia pobre que se ve obligada a vender su perra querida para lograr sobrevivir, aunque el animal vive un montón de aventuras hasta conseguir regresar al hogar. Película esencialmente dirigida al consumo infantil que supuso un tremendo éxito de público en su momento. Lassie hace una interpretación bastante notable teniendo en cuenta que es un perro. Tuvo una continuación titulada: “El hijo de Lassie” y fue objeto de varios remakes, entre ellos “Gyspsy colt” y “The Magic of Lassie”.

Premios:

Nominada a la mejor fotografía color 1943: Leonard Smith

ALMA REBELDE Jane Eyre (1944)

Romance 96 minutos

Productor: William Goetz
Director: Robert Stevenson
Guión: Aldous Huxley, Robert Stevenson y John Houseman Basado en el libro de: Charlotte Bronte
Fotografía: George Barnes
Compositor: Bernard Herrmann Efectos especiales: Fred Sersen Vestuario: Rene Hubert

Intérpretes:
ORSON WELLES: Edward Rochester JOAN FONTAINE: Jane Eyre
MARGARET O´BRIEN: Adele
PEGGY ANN GARNER: Jane como niña JOHN SUTTON: Dr. Rivers
SARA ALLGOOD: Bessie
HENRY DANIELL: Brockelhurst AGNES MOOREHEAD: Señora Reed ELIZABETH TAYLOR: Helen Burns

Artísticamente un gran éxito, aunque comercialmente la encontremos bastante lenta. Está basada en la novela de Charlotte Brontë sobre una muchacha huérfana que crece hasta hacerse institutriz de una casa misteriosa. De interés para cinéfilos por ser una de las primeras películas de Elizabeth Taylor y por la presencia de Orson Welles.

FUEGO DE JUVENTUD National Velvet (1944)

Drama
125 minutos Color

Productor: Pandro S. Berman
Director: Clarence Brown
Guión: Theodore Reeves y Helen Deutsch Basado en la novela de: Enid Bagnold Fotografía: Leonard Smith
Compositor: Herbert Stothart
Efectos especiales: Warren Newcombe Vestuario: Irene

Intérpretes:
MICKEY ROONEY: Mi Taylor
DONALD CRISP: Señor Brown
ELIZABETH TAYLOR: Velvet Brown ANNE REVERE: Señora Brown
ANGELA LANSBURY: Edwina Brown JUANITA QUIGLEY: Malvolia Brown JACKIE “Butch” JENKIS: Donald Brown REGINALD OWEN: Farmer Ede

Una de las películas de la MGM más apreciadas por los niños de aquellos años y la que convirtió a Elizabeth Taylor en el ídolo de las sesiones matinales.
La historia se centra en Sussex, Inglaterra, donde la radiante Velvet Brown (Elizabeth Taylor) se encuentra con Mi Taylor (Mickey Rooney), un chico que paseaba casualmente por allí y a quien ella invita a cenar con su familia.
Cuando Velvet gana un caballo en una rifa, ella decide montarlo y persuade a Mi para que la ayude a entrenarlo para correr en el famoso Gran Nacional, aunque la cuota de entrada es tan alta que necesitarán también buscar el dinero. Sin embargo, la señora Brown (Ann Revere, quien obtuvo un oscar a la mejor actriz secundaria por su buena interpretación), paga la cuota con el dinero que ella había ganado años antes por nadar en English Channel. Cuando el jockey que se supone que monta al caballo Pie tiene que comenzar la carrera, Mi corta el pelo de Velvet, y ella toma las riendas realizando una de las mejores carreras de toda la historia y una de las mejores filmadas por el cine. Tan bien rodadas estuvieron que les hizo ganar un Oscar al mejor montaje.
Pie gana la carrera, pero provoca la caída de Velvet justo al llegar a la meta, y cuando el doctor la examina y se da cuenta que es una muchacha, ella sale huyendo de miedo. No obstante, Velvet está contenta porque ha demostrado que su caballo es un ganador. Mi, que ha tenido miedo de montar a caballo desde que un amigo suyo se mató en una carrera, recobra la confianza en sus habilidades como entrenador y acepta la oferta de Velvet para seguir entrenando hasta ser un campeón.

La pequeña estatura de Rooney le hizo ser la opción perfecta para interpretar al ex-jockey en esta película, justo la última antes de entrar en el servicio militar, para volver tres años más tarde con “Love Laughs at andy Hardy”, (1946). Después seguiría actuando en otras películas sobre carreras de caballos, entre ellas “Black Stallion” (1979). Aunque capaz de robar con su verborrea y gestos una escena a cualquiera, se mantiene discretamente en un segundo plano en “Fuego de juventud”, permitiendo sobresalir a Taylor. Ella ya había aparecido en cuatro películas, incluso en “La cadena invisible” (1943), pero ésta era la película que la convirtió en una gran estrella, y por ello firmó un contrato con la MGM para los próximos 17 años.
Sorprendentemente, Taylor no fue la primera opción para el papel que ya había sido interpretado varias veces desde que se publicó hace diez años la novela de Enid Bagnold. Katharine Hepburn, Margaret Sullivan, y Shirley Temple estaban entre aquellas candidatas consideradas inicialmente. El productor Pandro S. Berman pensó que Taylor era demasiado frágil para el papel, pero bajo la guía de su madre emprendió un programa de entrenamiento severo, ganó peso, y por ello ganó el papel. Todavía, a pesar de las habilidades probadas de Taylor como una experta jinete, los productores contrataron al jockey australiano Snowy Baker para doblarla en algunas escenas culminantes. Un año después del estreno de “Fuego de juventud”, Bagnold adaptó su novela para una nueva película a rodar en Londres, pero según opinión de la jefa de producción, Tilsa Page, no había manera de superar la actuación de Taylor, y la obra nunca fue rodada. Posteriormente hubo otra película sobre el Gran National Velvet dirigida por Bryan Forbes y Tatum O'Neal en 1978, que se considera más un documental que una historia.

Premios:
Oscar a la mejor actriz secundaria 1945: Anne Revere
Nominada al mejor director 1945: Clarence Brown
Nominada por la mejor decoración de interior en color 1945: Cedric Gibbons, Urie McCleary, Edwin B. Willis y Mildred Griffiths.
Nominada a la mejor fotografía color 1945: Leonard Smith
Oscar al mejor filme editado 1945: Robert J. Kern

LAS ROCAS BLANCAS DE DOVER The White Cliffs of Dover (1944)

Guerra
126 minutos Blanco y negro

Productor: Sidney Franklin
Director: Clarence Brown
Guión: Claudine West, Jan Lustig y George Froeschel
Basado en el poema “The White Cliffs of Dover” de: Alice Duer Miller, con material añadido por: Robert Nathan
Fotografía: George Folsey
Compositor: Herbert Stothart
Efectos especiales: A. Arnold Gillespie y Warren Newcombe
Vestuario: Irene

Intérpretes:
IRENE DUNNE: Susan Dunn Ashwood
ALAN MARSHAL: Sir John Ashwood
FRANK MORGAN: Hiram Porter Dunn
RODDY McDOWALL: John Ashwood II como niño PETER LAWFORD: John Ashwood II a los 24 años DAME MAY WHITTY: Nanny
C. AUBREY SMITH: Coronel
GLADYS COOPER: Lady Jean Ashwood
ELIZABETH TAYLOR: Betsy, a la edad de 10 años JUNE LOCKHART: Betsy, a la edad de 18 años

Película que ensalza el patriotismo americano de forma sentimental, en la cual se trata de plagiar las andanzas de la señora Miniver, logrando solamente una mala copia. Irene Dunne (maquillada para que pareciera mayor) interpreta a una joven muchacha del pequeño pueblo de Tulsa, quien es cortejada por Sir John (Alan Marshal), un aristócrata inglés. Ambos se casan en la víspera de la Primera Guerra Mundial, en medio de una gran controversia familiar, entre quienes están Gladys Cooper como la indomable madre de gran categoría y soberbia, y Dame May Whilly como su vieja niñera. También están unos americanos que están representados por un jovial padre de la novia, el señor Porter (Frank Morgan).
Sir John va directamente desde su luna de miel a la guerra, mientras que Irene y las mujeres inglesas se sientan alrededor de la chimenea para esperar el regreso a casa de los soldados. Cuando Gladys Cooper recibe la noticia de que su otro hijo Reggie ha muerto en acción, ella cruza sombría la habitación sin decir una sola palabra. El marido de Irene debe acudir unos días a París, justo en el momento en que los americanos llegan a Francia para rescatarles de la guerra, en una escena que es la mejor parte de la película. Posteriormente John vuelve al frente de batalla y a los pocos días comunican a su mujer que también ha muerto en combate, entrando en un declive emocional y una crisis histérica. Pero ella recobra su autodominio y cuando su pequeño hijo John (Roddy McDowall) crece, se convierte en un serio joven que se enfrenta a Elizabeth Taylor por unas tierras.
La película alcanza un gran desacierto cuando dos muchachos alemanes rubios aparecen y nos demuestran que son unos nazis que miran con agrado los planes de guerra de Hitler. Mirando su fea conducta, el viejo Frank Morgan se encuentra con la amarga verdad de que otra guerra se avecina, advirtiendo a Irene de ello. Desesperada por salvar a John del mismo destino de su padre, se va con él a Tulsa. Pero el chico no está convencido de esta huida y en el tren la convence de que no deben marcharse y que es mejor regresar. Los años pasan; él se convierte en Peter Lawford, y Elizabeth Taylor se hace mayor. John se marcha a pelear en la Segunda Guerra Mundial, y entonces vemos a Irene vieja como una enfermera de Cruz Roja, quien le encuentra entre los heridos traídos a su hospital. Probablemente la película estaba pensada para ver la vida de más generaciones, pero alguien debió pensar que incluso sobraban algunas de las ya contadas.

Premios:

Nominada a la mejor fotografía en blanco y negro 1944: George Folsey

EL CORAJE DE LASSIE Courage of Lassie (1946)

Drama
92 minutos Color

Productor: Robert Sisk Director: Fred M. Wilcox Guión: Lionel Houser Fotografía: Leonard Smith Compositor: Scott Bradley

Intérpretes:
ELIZABETH TAYLOR: Kathie Merrick FRANK MORGAN: Harry McBain TOM DRAKE: Sargento Smith
SELENA ROYLE: Señora Merrick HARRY DAVENPORT: Juez Payson GEORGE CLEVELAND: El viejo hombre CATHERINE McLEOD: Alice Merrick LASSIE EL PERRO: Bill

La tercera película de la MGM sobre la perra Lassie, nos aporta ahora a una Liz Taylor radiante, tanto como en “La cadena invisible”, intentando rehabilitar al perro pastor después de su trabajo como héroe en la Segunda Guerra Mundial. A pesar del título de la película, el perro en cuestión se llama Bill, no Lassie, aunque ha seguido interpretando el papel de hembra en otras películas similares.

CYNTHIA (1947)

Comedia

98 minutos Director: Robert Z. Leonard

Intérpretes:
ELIZABETH TAYLOR GEORGE MURPHY S.Z. SAKALL
MARY ASTOR
GENE LOCKHART SPRING BYINGTON JIMMY LYDON

Película sensiblera hasta el aburrimiento sobre una muchacha enfermiza llamada Liz Taylor que encuentra su modus vivendi en la música. Tuvo más éxito que el que se merecía.

LIFE WITH FATHER (1947)

Comedia
118 minutos Color

Productor: Robert Buckner
Director: Michael Curtiz
Guión: Donald Ogden Stewart
Basado en la obra de: Howard Lindsay y Russel Crouse y el libro de: Clarence Day Jr. Fotografía: Peverell Marley y William V. Skall
Director musical: Leo F. Forbstein
Compositor: Max Steiner
Efectos especiales: Ray Foster y William McGann
Vestuario: Milo Anderson

Intérpretes:
WILLIAM POWELL: Clarence Day IRENE DUNNE: Vinnie Day
ELIZABETH TAYLOR: Mary
EDMUND GWENN: Rev. Dr. Lloyd JIMMY LYDON: Clarence
EMMA DUNN: Margaret
MARONI OLSEN: Dr. Humphries ELIZABETH RISDON: Señora Whitehead

Basada en un libro autobiográfico escrito por Clarence Day, Jr., y en una obra que se mostró durante más de 3.000 actuaciones en Broadway, todo un récord en cualquier época, “Life with father” es el recuerdo de un joven aficionado a la música sobre su pasada vida en casa de sus padres. En su mente les sigue viendo como unas personas autoritarias, pero sumamente amables con él.

Esta sencilla historia no puede proporcionar aparentemente ningún interés, salvo el mostrarnos la vida vulgar de una familia vulgar americana en un barrio de la gran ciudad. Para romper la monotonía, el guionista nos incluye pasajes de humor, algo de romanticismo y bastante ternura. La madre es Vinnie Day (Irene Dunne), miembro de un clan encabezado por un padre que gusta de establecer las diferencias entre los sexos, pero cuyos modos son del agrado de todos. El resto de la familia también aportan datos de interés sobre su carácter, especialmente el del abuelo Clarence (William Powell). Cuando ella cae seriamente enferma y el médico dice que no tiene remedio, su marido realiza una promesa a Dios alegando que se convertirá a la religión si la cura. Cuando ella sana por completo, él se bautiza emocionado.

Aunque aparentemente trivial y con un argumento que hoy día pasaría cuando menos desapercibido, en manos de Michael Curtiz logra convertirse en una gran producción, en la que William Powell consigue una de sus mejores interpretaciones como el patriarca dotado de un gran sentido filosófico de la vida. Correcta interpretación de Liz Taylor y Edmund Gwenn.
Fugaz papel de Arlene Dahl como una bella joven en una escena del Restaurante Delmonico. Los aficionados más entusiastas y curtidos, también reconocerán al cantante Russell Arms en un corto papel dentro del restaurante.
Hubo una secuela posterior con diferentes actores que ya no tuvo apenas relevancia, además de una serie de televisión sobre la vida de Clarence Day que se emitió durante el año 1955 y que igualmente pasó desapercibida.

Premios:
Nominada al mejor actor 1947: William Powell
Nominada a la mejor dirección artística en color 1947: Robert M. Haas y George James Hopkins
Nominada a la mejor fotografía en Color 1947: J. Peverell Marley, William V. Skall Nominada a la mejor música 1947: Max Steiner

ASÍ SON ELLAS
A Date With Judy (1948)

Musical/Danza/Comedia 113 minutos
Color

Productor: Joe Pasternak
Director: Richard Thorpe
Guión: Dorothy Cooper y Dorothy Kingsley Basado en una serie de la radio por: Aleen Leslie Fotografía: Robert Surtees
Director musical: George Stoll
Efectos especiales: Warren Newcombe
Coreografía: Stanley Donen
Vestuario: Helen Rose

Intérpretes:
WALLACE BEERY: Melvin R. Foster JANE POWELL: Judy Foster
ELIZABETH TAYLOR: Carol Pringle CARMEN MIRANDA: Rosita Conchelias XAVIER CUGAT: Cugat
ROBERT STACK: Stephen Andrews SELENA ROYLE: Señora Foster

Una producción musical de Joe Pasternak para la Metro dedicada a la familia y en la cual no faltan artistas de gran éxito en el mundo hispano, como es el caso de Carmen Miranda. Deliberadamente abundante en colores intensos, luces y con un argumento en el cual está prohibida la tristeza, nos muestran a unos joviales Elizabeth Taylor y Jane Powell como unos ingenuos que solamente ven el lado bueno de la vida. También está Robert Stack como un galán próximo al endiosamiento y entre todos logran que pasemos un rato agradable. Buena opción musical con “It's a Most Unusual Day”.

JULIA SE PORTA MAL Julia Misbehaves (1948)

Comedia

99 minutos

Productor: Everett Riskin
Director: Jack Conway
Guión: William Ludwig, Harry Ruskin, Arthur Wimperis, Gina Kaus y Monckton Hoffe Basado en la novela “The Nutmeg Tree” de: Margery Sharp
Fotografía: Joseph Ruttenberg
Compositor: Adolph Deutsch
Efectos especiales: Warren Newcombe
Vestuario: Irene

Intérpretes:
GREER GARSON: Julia Packett
WALTER PIDGEON: William Sylvester Packett PETER LAWFORD: Ritchie Lorgan
CESAR ROMERO: Fred Gennochio
ELIZABETH TAYLOR: Susan Packett LUCILE WATSON: Señora Packett
NIGEL BRUCE: Col. Willowbrook

La guapa Julia (Garson) decide volver al redil cuando retorna con su marido (Pidgeon), justo en el momento en que la hija de ambos (Liz) se casa. Buena actuación de Cesar Romero como un divertido y presumido acróbata. Tradicional oferta de la Metro para la diversión sin problemas de la familia.

TRAICIÓN
Conspirator (1949)

Espías
85 minutos Productor: Arthur Hornblow Jr.
Director: Victor Saville
Guión: Sally Benson y Gerard Fairlie Basado en la novela de: Humphrey Slater Fotografía: Freddie Young
Compositor: John Wooldridge
Efectos especiales: Tom Howard

Intérpretes:
ROBERT TAYLOR: Mayor Michael Curragh ELIZABETH TAYLOR: Melinda Greyton ROBERT FLEMYNG: Capitán Hugh Ladholme HAROLD WARRENDER: Col. Hammerbrook MARJORIE FIELDING: Tía Jessica
THORA HIRD: Broaders

Melodrama rodado en Inglaterra, en el cual Melinda (Elizabeth) descubre un día que su marido británico Michael (Taylor) es un agente comunista, por lo que decide convertirle al buen camino o denunciarle a las autoridades. A descubrir a un eficaz Wilfrid Hyde-white.

MUJERCITAS
Little Women (1949)

Drama
121 minutos Color

Productor: Mervyn LeRoy
Director: Mervyn LeRoy
Guión: Andrew Solt, Sarah Y. Mason y Victor Heerman Basado en la novela “Mujercitas” de: Louisa May Alcott Fotografía: Robert Planck y Charles Schoenbaum Compositor: Adolph Deutsch
Efectos especiales: Warren Newcombe
Vestuario: Walter Plunkett

Intérpretes:
JUNE ALLYSON: Jo March
PETER LAWFORD: Laurie Laurence MARGARET O´BRIEN: Beth March ELIZABETH TAYLOR: Amy March JANET LEIGH: Meg March
ROSSANO BRAZZI: Prof. Bhaer MARY ASTOR: Marmee March

Remake del filme de 1933 “Las cuatro hermanitas” de George Cukor, en la cual era protagonista Katharine Hepburn. Ahora y nuevamente basada en la misma obra de Louisa May Alcott, nos cuentan los sueños amorosos de cuatro adolescentes en busca del amor ideal y de su madurez como mujeres.
Posteriormente, en 1994, hubo un insoportable remake protagonizado por Winona Ryder

Premios:
Oscar a la mejor dirección artística color 1949: Cedric Gibbons, Paul Groesse, Edwin B. Willis y Jack D. Moore.
Nominada a la mejor fotografía color 1949: Robert Planck y Charles Schoenbaum

THE BIG HANGOVER (1950)

Drama

82 minutos

Director: Norman Krasna

Intérpretes:
VAN JOHNSON
ELIZABETH TAYLOR LEON AMES
EDGAR BUCHNAN ROSEMARY DeCAMP GENE LOCKHART

El rubio y bonachón Van Johnson es un veterano de guerra que manifiesta una gran afición al alcohol, a pesar de que le sienta fatal, especialmente si bebe delante de otras personas. En esos momentos comienza a tener problemas con la justicia. Afortunadamente aparece en su vida una guapa chica, Liz, que además de dinero tiene mucho amor que ofrecer y pronto el joven vuelve al buen camino, justo cuando los espectadores comenzábamos a aburrirnos.
Ambos volvieron a unirse en “La última vez que vi París”.

EL PADRE DE LA NOVIA Father of the Bride (1950)

Comedia

93 minutos

Productor: Pandro S. Berman
Director: Vincente Minnelli
Guión: Frances Goodrich y Albert Hackett Basado en la novela de: Edward Streeter Fotografía: John Alton
Compositor: Adolph Deutsch
Vestuario: Helen Rose y Walter Plunkett

Intérpretes:
SPENCER TRACY: Stanley T. Banks JOAN BENNETT: Ellie Banks ELIZABETH TAYLOR: Kay Banks DON TAYLOR: Buckley Dunstan BILLIE BURKE: Doris Dunstan LEO G. CARROL: Señor Massoula MORONI OLSEN: Herbert Dunstan ROGER MOORE

Una de las comedias más aplaudidas realizadas por la Metro en los cincuenta, especialmente por el soberbio trabajo de Spencer Tracy, quien nos demuestra sus grandes aptitudes para la comedia. Por este trabajo fue nominado al Oscar como el mejor actor, aunque se lo arrebató un igualmente eficaz José Ferrer por su interpretación en “Cyrano de Bergerac”. Spencer es ahora el padre que debe asumir la boda de su joven hija Kay (Liz), ceremonia que trae de cabeza a todos.
La historia empieza con un cansado Stanley Banks (Spencer Tracy) quien se ve inmerso en una boda que le está trayendo de cabeza y está a punto de arruinarle. Los problemas y responsabilidades relativos a la decisión de su joven hija que ha decidido casarse, son enormes y complejos: Están los problemas típicos con el aspirante a marido, con los suegros de la chica, con el lugar que han elegido para pasar su luna de miel y, por supuesto, con el enorme gasto financiero que debe asumir totalmente nuestro amigo Stanley.
Aunque ahora la miremos con cierta sonrisa benevolente, la acertada dirección de Vincente Minnelli, nos proporciona diversión segura sobre esta tradicional familia americana de 1950.
La novela original es ya un clásico de la literatura juvenil y el guionista consiguió dotarla de ingenio y cierta crítica mordaz, con lo cual Minnelli dispone de un material para realizar unas cuantas situaciones cómicas interesantes. En el papel de madre de la novia está Joan Bennett, una adecuada actriz que nunca consiguió la popularidad que se merecía, quizá porque no gustaba a la Metro. También son adecuadas las interpretaciones de Moroni Olsen y Billie Burke, como los padres del novio, y especialmente la de Don Taylor como el apuesto novio que tendrá el privilegio de pasar la luna de miel con Taylor. Este actor dejó de trabajar como actor para convertirse en un correcto director en películas de ficción, como “Huida del planeta de los simios” (1971), “La isla del Dr. Moreau” (1977), y “La maldición de Damien” (1978).
“El padre de la novia” tuvo una continuación en “El padre es abuelo” (1951).

Premios:
Nominada a la mejor película 1950: Pandro S. Berman Nominada al mejor actor 1950: Spencer Tracy
Nominada al mejor guión 1950: Frances Goodrich, Albert Hackett

CALLAWAY WENT THATAWAY (1951)

Western/Comedia 81 minutos

Productor: Norman Panama y Melvin Frank Director: Norman Panama y Melvin Frank Guión: Norman Panama y Melvin Frank Fotografía: Ray June
Compositor: Marlin Skiles

Intérpretes:
FRED MacMURRAY: Mike Frye
DOROTHY McGUIRE: Deborah Patterson HOWAR KELL: "Stretch" Barnes"Smoky" Callaway JESSE WHITE: George Markham
FAY ROOPE: Tom Lorrison
NATALIE SCHAFER: Martha Lorrison
Estrellas invitadas:
CLARK GABLE
ELIZABETH TAYLOR
ESTHER WILLIAMS

Homenaje a la serie de televisión sobre el vaquero "Hopalong Cassidy" que supuso todo un suceso en Norteamérica, aunque en estos momentos necesitaba una ayuda que le siguiera manteniendo en la memoria de las nuevas generaciones. Howard Kell es el actor que se dedica a personificar a la veterana estrella del rodeo con propósitos promocionales, consiguiendo una correcta historia que proporciona suficiente diversión en los espectadores de ese personaje popular.
Varios de los mejores actores de la Metro actuaron como estrellas invitadas.

EL PADRE ES ABUELO Father's Little Dividend (1951)

Comedia

82 minutos

Productor: Pandro S. Berman
Director: Vincente Minnelli
Guión: Frances Goodrich y Albert Hackett
Basado en los caracteres creados por: Edward Streeter Fotografía: John Alton
Director musical: George Stoll
Compositor: Albert Sendrey
Vestuario: Helen Rose

Intérpretes:
SPENCER TRACY: Stanley Banks JOAN BENNETT: Ellie Banks
ELIZABETH TAYLOR: Kay Dunstan DON TAYLOR: Buckley Dunstan BILLIE BURKE: Doris Dunstan MORONI OLSEN: Herbert Dunstan RICHARD ROBER: Sargento policíaco

Era inevitable que después del gran éxito comercial de “El padre de la novia” se realizara una secuela con los mismo actores y el mismo planteamiento. Tanto los guionistas como el director repitieron y aunque ahora ya no estaba basada en la novela original, sino solamente en sus personajes, el éxito volvió a acompañar de nuevo a todos. Ahora Stanley (Tracy) va a ser abuelo, una situación que no esperaba y que le coge desprevenido, justo en un momento de su vida en que deseaba rejuvenecer.

UN LUGAR EN EL SOL A Place in the Sun (1951)

Drama
122 minutos Paramount

Productor: George Stevens
Director: George Stevens
Guión: Michael Wilson y Harry Brown
Basado en la novela “An American Tragedy” de: Theodore Dreiser y la obra de: Patrick Kearney
Fotografía: William Mellor
Compositor: Franz Waxman
Efectos especiales: Gordon Jennings
Vestuario: Edith Head

Intérpretes:
MONTGOMERY CLIFF: George Eastman ELIZABETH TAYLOR: Angela Vickers SHELLEY WINTERS: Alice Tripp ANNE REVERE: Hannah Eastman KEEFE BRASELLE: Conde Eastman FRED CLARK: Bellows
RAYMOND BURR: Marlowe
HERBERT HEYES: Charles Eastman

Esta versión de George Stevens sobre la “american way of life” está más cerca de una tragedia y crítica que de una alegoría a ese concepto de felicidad. Basada en la novela “An American Tragedy” de Dreiser, sutilmente reformada para adecuarla a las costumbres de los años cincuenta, nos muestra a una guapa y joven Elizabeth Taylor en una de sus más sensibles actuaciones de toda su carrera.
Este remake de la versión de 1931 nos habla de una muchacha rica que se enamora de un chico pobre y débil interpretado por Montgomery Clift. La idea del director Stevens era apartar aquellas situaciones de la novela original que la hacía poco realista y tratar de acumular personajes más acordes con la realidad cotidiana de nuestra sociedad. El resultado es una historia bastante creíble, llena de enredos psicológicos oscuros y paisajes rebuscados que en ocasiones estropean el buen resultado final.
Stevens y los guionistas convierten la historia básica en algo más complejo, siniestro y profundo. Por eso la película logra acercarse al thriller cuando nos muestra un misterioso asesinato y a la denuncia social en su exposición de las personas ricas y los obreros oprimidos. Como el argumento gira en torno a un joven que va a la gran ciudad para encontrar trabajo y que gracias a su constancia logra introducirse en la alta sociedad, supone una muestra más del sueño americano que tanto gusta a quienes prefieren soñar con una vida mejor.
La guapa chica que trabaja en una fábrica de trajes de baño inicialmente da calabazas al héroe, quien en ese momento no cuenta con ningún atractivo económico. En la novela original nos decían que aunque la chica era muy guapa, su pobreza la hacía poco atractiva, pero ahora, al tener como protagonista a Elizabeth Taylor esa idea no era aceptable. Los obreros de una cadena de producción podían ser pobres, pero su atractivo físico y moral era suficiente para atraer el interés de los ricos.
Shelley Winters es la víctima elegida para que el maléfico Clift elabore su asesinato y no sienta reparo ni siquiera cuando la vea muerta a sus pies. Según su criterio, no es un asesinato sino una eutanasia.
Ver ahora a un pacífico Montgomery Clift convertido en una sombra de sus anteriores personajes puede parecer incongruente, pero la sabia dirección de Stevens logró el milagro. La conclusión de la película es que el héroe (y probablemente el público) se supone que están convencidos que un hombre debe pagar con su vida por un asesinato que él no tuvo intención de realizar. Pero una vez que olvidamos esas connotaciones morales nos damos cuenta que nos encontramos ante una película impresionante, y con unas estupendas escenas de amor entre Taylor y Clift, ambos con un físico en su mayor esplendor.

Premios:
Nominada a la mejor película 1951: George Stevens
Nominada al mejor actor 1951: Montgomery Clift
Nominada a la mejor actriz 1951: Shelley Winters
Oscar al mejor director 1951: George Stevens
Oscar al mejor guión 1951: Michael Wilson, Harry Brown Oscar a la mejor fotografía: en blanco y negro 1951: William C. Mellor Oscar al mejor vestuario 1951: Edith Head
Oscar al mejor filme editado 1951: William Hornbeck
Oscar a la mejor música 1951: Franz Waxman

QUO VADIS? (1951)
Director: Mervyn LeRoy Elizabeth Taylor: como extra

IVANHOE (1952) Ivanhoe

Romance/Aventuras 106 minutos

Productor: Pandro S. Berman
Director: Richard Thorpe
Guión: Noel Langley
Basado en la novela de: Sir Walter Scott Fotografía: Freddie Young
Compositor: Miklos Rozsa
Efectos especiales: Tom Howard Vestuario: Roger Furse
ROBERT TAYLOR: Ivanhoe
ELIZABETH TAYLOR: Rebecca
JOAN FONTAINE: Rowena
GEORGE SANDERS: De Bois-Guilbert EMLYN WILLIAMS: Wamba
ROBERT DOUGLAS: Sir Hugh De Bracy FINLAY CURRIE: Cedric

Basada en la célebre novela de Walter Scott, nos trasladamos al siglo XXII en Inglaterra, una vez que ha terminado la tercera Cruzada en Tierra Santa y el Rey Ricardo Corazón de León es capturado y hecho prisionero por Leopoldo de Austria. Por eso vemos a los bravos guerreros luchando con lanzas largas mientras están a lomos de sus caballos, tirando enormes piedras con catapultas, levantando puentes levadizos amenazadores encima de los fosos y zambulléndose en el agua mientras gritan. Entretanto, también gustan de quemar vivos a sus enemigos arrojándoles aceite hirviendo o ligándose a las guapas y jóvenes mujeres de la corte, sin que sepamos el destino de las más feas.
Los normandos que han jurado su obediencia al Príncipe John (Guy Rolfe), están en guerra con los que han comprometido lealtad al rey Ricardo (Norman Wooland), mientras que Wilfrido de Ivanhoe (Robert Taylor) está intentando recaudar el dinero del rescate para librar a Ricardo de sus captores extranjeros. Ivanhoe también está pendiente de Rowena (Joan Fontaine) y de las joyas de su hija Rebeca (Elizabeth Taylor), que le permitirá tomar parte en el torneo de Ashby.
Elizabeth Taylor solamente tenía 20 años en esta película y logró eclipsar con su belleza a la guapa Jean Fontaine, quien palidece a su lado. La gran pelea entre Ivanhoe y el bribón De Bois-Guilbert (George Sanders) es inexplicablemente brutal, especialmente para una película familiar y podemos ver abundancia de hachas y mazos clavándose sin problemas en las cabezas y los cuerpos de los personajes. Nadie podría decir que ésta no era una película conmovedora, aunque también es romántica, grande, comercial, y moralizadora, como corresponde a una producción de la Metro.

Premios:
Nominada a la mejor película 1952: Pandro S. Berman - Producer Nominada a la mejor fotografía color 1952: F.A. Young Nominada a la mejor música 1952: Miklos Rozsa

LOVE IS BETTER THAN EVER (1952)

Romance/Danza/Comedia 81 minutos

Productor: William H. Wright Director: Stanley Donen
Guión: Ruth Brooks Flippen Fotografía: Harold Rosson Director musical: Lennie Hayton Compositor: Lennie Hayton LARRY PARKS: Jud Parker
ELIZABETH TAYLOR: Anastasia Macaboy JOSEPHINE HUTCHINSON: Señora Macaboy TOM TULLY: Señor Macaboy
ANN DORAN: Señora Levoy
ELINOR DONAHUE: Pattie Marie Levoy KATHLENN FREEMAN: Señora Kahrney GENE KELLY: Estrella invitada

Película espumosa y fácilmente olvidable que involucra a un cazatalentos llamado Parker que se convierte en el maestro de baile de Liz Taylor.
La MGM realizó este apacible y aburrido musical, en el que incluso Liz está horrorosa. Gene Kelly tiene una pequeña intervención como un alumno aventajado.

THE GIRL WHO HAD EVERYTHING (1953)

Drama

69 minutos

Productor: Armand Deutsch
Director: Richard Thorpe
Guión: Art Cohn
Basado en la novela “A Free Soul” de: Adela Rogers St. John Fotografía: Paul C. Vogel
Compositor: Andre Previn
Vestuario: Helen Rose

Intérpretes:
ELIZABETH TAYLOR: Jean Latimer
FERNANDO LAMAS: Victor Y. Ramondi WILLIAM POWELL: Steve Latimer
GIG YOUNG: Vance Court
JAMES WHITMORE: Charles "Chico" Menlow ROBERT BURTON: John Ashmond

Melodrama oscuro con algunas buenas estrellas como protagonistas. Una muchacha se enamora de uno de los clientes de su padre que es abogado, pero pronto descubre que es un delincuente.
Remake de “Free Soul”

BEAU BRUMMEL (1954)

UK-US
Histórica
113 minutos Color
Productor: Sam Zimbalist
Director: Curtis Bernhardt
Guión: Karl Tunberg
Basado en la obra de: Clyde Fitch Fotografía: Oswald Morris
Compositor: Richard Addinsell Vestuario: Elizabeth Haffenden

Intérpretes:
STEWART GRANGER: Beau Brummell ELIZABETH TAYLOR: Lady Patricia PETER USTINOV: Príncipe de Gales ROBERT MORLEY: Rey George III JAMES DONALD: Lord Edwin Mercer JAMES HAYTER: Mortimer

Remake de “El árbitro de la elegancia” en la cual nos habla de un guapo y distinguido personaje que después de alcanzar la gloria con el Rey cayó en la más absoluta de las miserias, solamente por tratar de ser honrado. Como es una situación que se da con demasiada frecuencia en la vida real, no es extraño que los espectadores salgan de la película llorando intensamente. Excelente vestuario y una de las mejores interpretaciones de Stewart Granger, a quien sus admiradoras nunca vieron tan guapo. A destacar el trabajo siempre estimable de Peter Ustinov y algo menos el de Liz Taylor, quien además de comportarse como una dama interesada solamente por el dinero de sus amantes, tiene un papel poco estimable.

LA SENDA DE LOS ELEFANTES Elephant Walk (1954)

Romance/Aventuras 103 minutos
Color

Director: William Dieterle Fotografía: Loyal Griggs

Intérpretes:
ELIZABETH TAYLOR DANA ANTREWS PETER FINCH
ABRAHAM SOFAER

Un melodrama pretencioso y épico sobre una plantación de té en Ceilán, en la cual Liz Taylor es la nueva novia de Finch quien debe llevar con mano dura a los nativos para que no se le desmadren. Los minutos finales, con la estampida de los elefantes, empeñados en seguir pasando por el camino de sus antepasados, alcanza un clímax extraordinario y por si solo justifica toda la película. Aunque la protagonista inicial era Vivien Leigh, fue reemplazada a última hora por Liz Taylor, lo que supone un gran acierto.

LA ULTIMA VEZ QUE VI PARIS The Last Time I Saw Paris (1954)

Romance
116 minutos Color

Productor: Jack Cummings
Director: Richard Brooks
Guión: Richard Brooks, Julius J. Epstein y Philip G. Epstein Basado en la historia “Babylon Revisited” de: F. Scott Fitzgerald Fotografía: Joseph Ruttenberg
Compositor: Conrad Salinger
Efectos especiales: A. Arnold Gillespie
Vestuario: Helen Rose

Intérpretes:
ELIZABETH TAYLOR: Helen Ellswirth VAN JOHNSON: Charles Wills
WALTER PIDGEON: James Ellswirth DONNA REED: Marie Ellswirth
EVA GABOR: Lorraine Quarl
KURT KASZNAR: Maurice
ROGER MOORE: Paul

Al finalizar la Segunda Guerra Mundial numerosos matrimonios que habían quedado separados trataron de reencontrarse con un resultado en ocasiones desalentador. Esta nueva versión puesta al día sobre la historia de F. Scott Fitzgerald, ambientada en París, no logra entusiasmar como era de esperar, ni siquiera con los buenos y atractivos protagonistas que incluye.
La historia central nos habla de dos hermanas, ambas enamoradas de un mismo hombre (Johnson), aunque lógicamente él solamente puede casarse con una y lo hace con Taylor. La otra mantiene su amargura durante muchos años, aunque no por ello deja de casarse con otro hombre al que no le otorga ni un gramo de cariño.
Charles es escritor pero también mantiene una gran afición a la bebida. Ella, como represalia, tiene un idilio con otro hombre llamado Paul, hace el amor con él pero luego se arrepiente, especialmente porque ese hombre solamente quería tener una aventura y no deseaba atarse a ninguna mujer. Cuando la infiel mujer retorna a su hogar su marido está destrozado porque sabe de su desliz y se emborracha hasta tal punto que no puede abrirla puerta de la calle. Afuera llueve mucho y ella está empapada. Busca un taxi y como es lógico todos están ocupados, por lo que debe ir a casa de su hermana bajo la lluvia. Cuando llega lo hace ya muy enferma y el médico dice que no hay nada que hacer, que se muere.
En ese momento, con su marido en la cabecera de su cama, las lágrimas del espectador abundan tanto como el agua de mar, y asistimos a su muerte, aunque antes tiene tiempo de pedir perdón a su marido y decirle que le ama mucho. Cuando ella muere él deja a su pequeña hija con su cuñada y trata de rehacer su vida escribiendo libros. Un día le llega la luz y quiere recuperar a su hija, pero su cuñada, más malvada que la madrastra de Blancanieves, no se la quiere entregar por no haberse casado con ella hace años.

RAPSODIA
Rhapsody (1954)

Romance/Musical 115 minutos
Color

Productor: Lawrence Weingarten
Director: Charles Vidor
Guión: Michael Kanin, Fay Kanin, Ruth Goetz y Augustus Goetz
Basado en la novela “Maurice Guest” de: Henry Handel Richardson
Fotografía: Robert Planck
Director musical: Johnny Green
Compositor: Bronislau Kaper, Peter Ilich Tchaikovsky, Sergei Rachmaninoff y Franz Liszt Efectos especiales: A. Arnold Gillespie, Warren Newcombe y Peter Ballbusch Vestuario: Helen Rose

Intérpretes:
ELIZABETH TAYLOR: Louise Durant VITTORIO GASSMAN: Paul Bronte JOHN ERICSON: James Guest
LOUIS CALHERN: Nicholas Durant MICHAEL CHEKHOV: Profesor Schuman BARBARA BATES: Effie Cahill
RICHARD LUPINO: Otto Krafft

Romance entre una Liz Taylor millonaria, y el violinista guapo pero pobre encarnado por Gassman, quien tiene que competir con otro joven no menos atractivo interpretado por Ericson, un consumado pianista. Buena partitura musical clásica que por si sola justifica ver la película.

GIGANTE (1956) Giant

US
201 minutos Color

Productor: George Stevens y Henry Ginsberg Director: George Stevens
Guión: Fred Guiol E Ivan Moffat
Basada en la novela de: Edna Ferber

Intérpretes:
ELIZABETH TAYLOR: Leslie Benedict ROCK HUDSON: Bick Benedict JAMES DEAN: Jett Rink
CARROL BAKER: Luz Benedict II
JANE WITHERS: Vashti Snythe
CHILL WILLS: Uncle Bawley
MERCEDES McCAMBRIDGE: Luz Benedict SAL MINEO: Angel Obregon
DENNIS HOPPER: Jordan Benedict III ROD TAYLOR: Sir David Karfrey

Sobre todo “Gigante” es como su título, inmenso, extenso, y quizá, demasiado grande, como los actores que participaron en esta película clásica. Orientados por el director George Stevens, Elizabeth Taylor, Rock Hudson y James Dean igualan y hasta mejoran sus capacidades como actores, largamente demostradas, desempeñando con maestría sus exigentes papeles. En el caso de Dean, tenía un talento natural que se expandía en cuanto lograba que el director le concediera libertad para expresar su carácter de joven rebelde, el cual formaba parte también de su personaje de reparto.
Cordial, sincera, y valiente, “Gigante” es una ampliamente mencionada película que ha ocupado ya sin reparos la categoría de gran clásico del cine norteamericano.

Leslie Benedict (Elizabeth Taylor) deja su tierra y su rica familia de Virginia después de casarse con Bick Benedict (Rock Hudson), quien la lleva a su interminable posesión en Reata, Tejas. Allí, ella llega a ser señora de la casa y al mismo tiempo de su imperio ganadero, pero pronto aprende que cuando Bick y los capataces de los demás ranchos hablan de negocios, ella ha salir de la sala.
Leslie debe lidiar también con la hermana de Bick, una vieja resentida llamada Luz (Mercedes McCambridge), a quien desagrada la presencia de Leslie en la familia. Las dos de mujeres tienen constantemente en la cabeza su personal conflicto, hasta un día en que Luz, tozudamente, insiste en montar sobre un caballo salvaje. Al poco tiempo el animal, dolorido por los espolones, la derriba y Luz muere al caer.
Sin embargo, el rencor que sentía hacia Bick y Leslie, largamente demostrado, queda reflejado en su testamento en el cual ella lega una parte pequeña de Reata a Jett (James Dean), una pequeña posesión que aparentemente no sirve para nada. Luz odiaba profundamente a Bick, especialmente por casarse con Leslie, y así le demuestra su odio después de muerta.
Jett, por su parte, ama desde lejos a Leslie desde el primer día que la vio y para no alejarse de ella se niega a vender a Bick esa pequeña posesión. Un día, la espina que supone la presencia de Jett en sus posesiones se hace más intensa, cuando aparece petróleo en grandes cantidades. Con la “Pequeña Reata”, Jett se hace multimillonario, mucho más que Bick, y se dedica a comprar todos los terrenos de los alrededores, perforando cada vez más pozos y aislando a la gran Reata.
Su imperio del petróleo, a través de los años, rivaliza con el reino ganadero de Bick. Él pertenece a la vieja escuela y, a pesar de los alegatos de sus socios y de los amigos, rehusa malhumorado cualquier oferta para perforar su tierra y convertirla en una fea región petrolífera. La mayoría de sus vecinos ven en el negocio de petróleo la solución a sus problemas económicos y poco a poco todos venden sus propiedades a Jett, el cual lo considera parte de su venganza.
Una nueva generación por entonces ha crecido, y Bick parece arcaico y aristocrático ante ellos. Uno de los hijos de Bick se convierte en abogado de los numerosos mexicanos que mal viven en la zona, mientras que Angel (Sal Mineo), el chico que Leslie salvó de morir cuando era un niño, se alista en el ejército para pelear en la Segunda Guerra Mundial y muere.
El hijo de Bick Jordan, Jordan (Dennis Hopper), llega a ser un doctor y rehusa tomar parte en las posesiones de su padre, insistiendo sobre la salud pública de la comunidad mexicana. El choque de la familia no ha hecho nada más que comenzar y se hace más intenso cuando Jordan Benedict se casa con una mujer mejicana muy atractiva de nombre Juana (Elsa Cárdenas).
Una de las hijas de Bick, Judy (Fran Bennett) se casa con Bob Dace (Count Holliman) quien llega a ser el mejor candidato, el único habría que decir, para asumir la dirección de su imperio. Otra hija de Bick, Luz Benedict II (Carroll Baker) realmente enfurece a su padre por presentarse como reina de una fiesta que organizó Jett. Ella va tan lejos en su relación que llega a tener un romance con Jett, quien, por entonces, ya es un vaquero envejecido, todavía tristemente solo a pesar de sus riquezas inmensas.
El Clan Bick decide asistir al festín que organiza Jett, en un deseo de buena voluntad, pero los problemas llegan cuando Jordan intenta entrar con su mujer mexicana en la fiesta y los matones se lo impiden. En ese momento Juana se había ido al salón de belleza propiedad de Jett, quien había dado órdenes expresas que no se atendieran a ningún mexicano. Los intentos enfurecidos de Jordan para proteger a su mujer le llevan a enfrentarse con Jett, pero sus matones le pegan una paliza. Bick, que estaba presenciando toda la escena, salta de su asiento y espera a Jett, con los puños listos. La dos caminan hacia otra sala, donde Jett está tan bebido que no puede defenderse por sí mismo, chocando contra una pared. Bick, sintiendo asco, se marcha, pero no antes de estrellar contra el suelo todas las estanterías que albergan el caro vino de Jett.
Después, Jett se mueve ebrio hacia la mesa donde debe realizar un discurso, mascullando en el micrófono unas palabras que ninguno de sus invitados entiende. En pocos minutos, el enorme vestíbulo se queda vacío.
Luz, conducida a la escena por un antiguo amigo de Bick, Tío Bawley (Chill), presencia el desplome emocional de Jett y lo oye desvariar y hablar del amor que siente por su madre Leslie, la única mujer que él amó y nunca poseyó. Cuando oye esto y se da cuenta que Jett la ha utilizado para vengarse de Bick y estar cerca de Leslie, le deja solo para que se revuelque en su petróleo y sucio destino.
En lugar de utilizar su avión privado para volver a Reata, Bick decide hacerlo en coche y realizan una parada para comer en un bar del camino. Su propietario, Sarge (Mickey Simpson), es un hombre que detesta a los mejicanos y rehusa servir a una familia mejicana recién llegada. Cuando Bick exige a Sarge que sirva a los mexicanos, ambos discuten y se enfrentan en una fuerte pelea. Aunque Bick es fuerte no puede con la corpulencia de Sarge y acaba tumbado por los golpes. En ese momento es cuando recupera el amor de toda su familia y regresa feliz a sus posesiones, a pesar de su cara amoratada por los golpes.

Gigante era una película gigantesca para todos los públicos, que recaudó 12 millones de dólares de beneficio en su primer pase. Stevens tuvo gran cuidado con su dirección, ya que partía del argumento de Edna Ferber, una novela enormemente popular, y trabajó minuciosamente para construir la compleja historia que tenía en sus manos, basada en unos personajes sumamente sensibles y muy bien definidos por su autora.
Como antes le había pasado con “A Place in the Sun” (Un lugar en el sol, 1951) y “Shane” (1953), Stevens consiguió exponer con gran trabajo todos los detalles de la película, y su esfuerzo es especialmente evidente en la representación del trabajo cotidiano que se realiza en Reata.
Considerado como un director extravagante, Stevens estuvo siempre detrás de todo el trabajo, no delegando en ninguno de sus ayudantes ninguna de las tomas, asegurándose así que todo estaba según sus preferencias. La fotografía de William C. Mellor fue un trabajo soberbio, sin embargo, el sistema Warner Color que procesa posteriormente en el laboratorio los colores de la película, empleó unos colores en los cuales dominaban sensiblemente los matices marrones y ocres, quizás para dar más realce a las inmensas llanuras en las que se rodó el filme. Este efecto, que en principio es correcto, desvirtúa bastante los colores de la tez de los protagonistas y los primeros planos en las tomas de exteriores no son adecuados.

Brillantemente dirigido por Stevens, Rock Hudson es la personificación del viejo Texas, alborotando y moviéndose con mucho orgullo por sus tierras, a las que ama profundamente como si fuera un ser humano.
Rod Taylor, quien había aparecido anteriormente en otra película emotiva de Stevens, “A Place in the Sun” (1951), fue seriamente molestado por el director durante toda la película, especialmente por la propensión del director para retocar todos los matices en los personajes.
Stevens había pensado originalmente contratar a Grace Kelly para el principal papel femenino, ya que deseaba una actriz que tuviera más de veintitrés. De esta manera, el envejecimiento paulatino en el filme de Taylor y Grace, estaría más adecuado que el que finalmente pudo realizar. Además, consideraba que Grace Kelly era mejor actriz que Elizabeth Taylor, al menos para este papel.

Respecto a James Dean, sabemos que se sintió especialmente atraído por esta película desde que se empezó a gestar y a efectuar el casting, llegando a asegurar en público que el papel de Jeff Rink sería para él, puesto que así lo deseaba. La productora le ofreció 100.000 dólares por el trabajo y el único punto en discordia fue el director, ya que ni uno ni otro querían trabajar juntos. Dean deseaba a Nicholas Ray, con quien conectaba perfectamente, y Stevens no deseaba que ningún actor le dijera cómo debía realizar la película.
El rodaje, que se efectuó en el desierto de Marfa en Tejas, con temperaturas que alcanzaban los 49 grados al sol (la ausencia de árboles impedía que los actores se pudieran refrescar), produjo serias alteraciones del carácter de todo el mundo, agudizadas por las continuas repeticiones que el director obliga a realizar para que todo saliera bien.

Premios:

La película recibió diez nominaciones a los Premios de la Academia, incluyendo Mejor Película ( perdió a favor de “La Vuelta al Mundo en 80 días”), pero Stevens consiguió un oscar al mejor director, quizás justificadamente, ya que esta película era un ejemplo del gran cine americano, en la misma línea que marcó hace años “Lo que el viento se llevó”. Para Stevens, era la mejor forma de expresar su gran valía.
Hudson recibió una nominación al Oscar como el mejor actor, al igual que Dean (Yul Brynner ganó el premio por el filme “El Rey y Yo”). Pero para él esta nominación le llegó demasiado tarde, puesto que ya había muerto a los pocos días de terminar el rodaje de la película, por lo que no pudo ni siquiera ver un pase previo puesto que no estuvo totalmente montada hasta varias semanas después.
La partitura de Tiomkin, que es extraordinaria pero demasiado pretenciosa en algunas escenas, también consiguió una nominación al Oscar.
Otras nominaciones también fueron para McCambridge como la mejor Actriz Secundaria, Ivan Moffat y Fred Guiol como guionistas, Boris Leven y Ralph S. Hurst por su dirección artística, William Hornbeck, Philip W. Anderson, y el Fred Bohanan por la redacción del filme, y Musgo Mabry y Marjorie Mejor por el vestuario.

EL ARBOL DE LA VIDA Raintree County (1957)

US
Histórica
168 minutos Color

Productor: David Lewis
Director: Edward Dmytryk
Guión: Millard Kaufman
Basado en la novela de: Ross Lockridge, Jr. Fotografía: Robert Surtees
Compositor: Johnny Green
Efectos especiales: Warren Newcombe Vestuario: Walter Plunkett

Intérpretes:
MONTGOMERY CLIFT: John Wickliff Shawnessy ELIZABETH TAYLOR: Susanna Drake
EVA MARIE SAINT: Nell Gaither
NIGEL PATRICK: Prof. Jerusalén Webster Stiles LEE MARVIN: Orville "Flash" Perkins
ROD TAYLOR: Garwood B. Jones
AGNES MOOREHEAD: Ellen Shawnessy

Nuevamente la guerra civil americana sirve de fondo para una película. Basada en la novela escrita en 1948 por Ross Lockridge, su trasvase al cine no se demuestra tan eficaz como su lectura. En el comienzo de la historia vemos a varios personajes hablando cosas superfluas, sin que ninguna de ellas consiga interesarnos, mientras vemos diferentes personajes aparentemente sin conexión entre ellos.
Luego sabemos que hay gente del sur que es muy rica, algunos de ellos negros y descendientes de esclavos negros, mientras que Elizabeth Taylor tan suave y encantadora como siempre, logra cautivarnos y ya no apartamos nuestra vista de la pantalla. Pronto aparece por fin un guapo yanqui abolicionista, Montgomery Clift, quien es el único que nos muestra cuál es el problema real. Ahora ya sabemos que durante el rodaje de esta película es cuando sufrió el aparatoso accidente de automóvil que le desfiguró la cara en 1956, y del cual nunca se recuperó psíquicamente. En el filme se aprecia, no solamente las cicatrices mal disimuladas por el maquillaje, sino también la cara de sufrimiento que tenía, además de un amaneramiento que dio lugar a las primeras especulaciones sobre su homosexualidad.
Taylor logra una buena actuación, (su papel era el más sencillo de todos), aunque el director Edward Dmytryk consigue también dos buenas interpretaciones de Walter Abel y Agnes Moorehead como los padres de Clift. No obstante, la atención de los espectadores estaba centrada casi de manera exclusiva en el dúo Taylor y Clift, especialmente cuando hablan sobre el mágico y legendario árbol de la vida.
Estupenda actuación de Eva Marie San, Rod Taylor y Lee Marvin.

Premios:
Nominada a la mejor actriz 1957: Elizabeth Taylor
Nominada a la mejor dirección artística 1957: William A. Horning, Urie McCleary, Edwin B. Willis y Hugh Hunt.
Nominada al mejor vestuario 1957: Walter Plunkett
Nominada a la mejor música 1957: Johnny Green

LA GATA SOBRE EL TEJADO DE ZINC Cat on a Hot Tin Roof (1958)

Drama
108 minutos Color

Productor: Lawrence Weingarten
Director: Richard Brooks
Guión: Richard Brooks y James Poe Basado en la obra de: Tennessee Williams Fotografía: William H. Daniels
Efectos especiales: Lee LeBlanc
Vestuario: Helen Rose

Intérpretes:
ELIZABETH TAYLOR: Maggie Pollitt PAUL NEWMAN: Brick Pollitt
BURL IVES: Abuelo Pollitt
JACK CARSON: Gooper Pollitt
JUDITH ANDERSON: Abuela Pollitt MADELEINE SHERWOOD: Mae Pollitt LARRY GATES: Dr. Baugh

Tuvo tantos problemas con la censura que todavía no sabemos si hemos logrado verla en alguna ocasión íntegramente. Ciertamente todas las obras de Tennessee Williams adaptadas a la pantallas son escabrosas y la mayoría no se corresponden a situaciones reales, pero hay más morbo en la imaginación de los censores que en la misma historia. Todas las referencias a la homosexualidad de Paul Newman en el filme son tan sutiles que la mayoría de los espectadores ni siquiera la perciben y para muchos Newman era simplemente un calzonazos que no acababa de meter en cintura a su caprichosa mujer. Aunque ambos protagonistas, Liz y Newman, están sumamente acertados en su trabajo, hay que destacar la labor de él en su personaje de Brick por la habilidad que tuvo para comunicarnos sus emociones sin motivar demasiado la ira de los censores.

El argumento nos habla del abuelo Pollitt (Burl Ives, en uno de sus mejores papeles), quien está enfermo de cáncer, pero nadie se lo ha dicho. En su 65 cumpleaños, la abuela Pollit (Judith Anderson), su hijo mayor, Gooper (Jack Carson), y la esposa de Carson, Mae (Madeleine Sherwood), están organizando la fiesta.
Su hijo más joven y favorito, Brick (Newman), y su esposa, Maggie (Elizabeth Taylor), también están presentes. Sospechando que Maggie le estuvo engañando con su mejor amigo, recientemente muerto, Brick se niega a dormir con su apasionada esposa. Pero a pesar de la falta de atención de Brick, Maggie ama todavía a su marido y está intentando impedir que el abuelo y la abuela le dejen en herencia 10 millones de dólares a Gooper y Mae. Pero Brick y Maggie no tienen ninguna descendencia, y sin los niños ellos no tienen ninguna fuerza para lograr que la herencia pase a ellos.
Aunque se consideran con más derecho que Cooper y Mae (quienes van a tener pronto otro hijo), el abuelo está defraudado poderosamente con Brick por no haberle dado un nieto. Maggie le dice a la familia que ella está embarazada, pero nadie la cree, especialmente después de haberle oído suplicar a Brick que la haga el amor. Después hay una conversación profunda con Pollit, y es entonces cuando Brick comprende que Maggie lo ama realmente. Una vez que la obsesión de la muerte de su compañero desaparece de sus pensamientos, accede acostarse con su esposa, aunque en ese momento nos dan con la puerta en las narices y no vemos lo que pasa.

Paul Newman consigue una de sus mejores interpretaciones como Brick, a pesar de las quejas de algunos críticos que sentían que su imagen varonil quedaba fuertemente en entredicho. Para muchos espectadores les resulta muy difícil separar la realidad de la ficción.
Por otro lado, la actuación de Liz Taylor fue comparada desfavorablemente con la interpretación que había realizado en los escenarios Bárbara Bel Geddes en el papel de Maggie, aunque para nosotros es una buena y convincente actuación que mostraba la fuerte pasión que latía en el interior de Liz. Su trabajo es doblemente interesante si tenemos en cuenta que durante el rodaje murió su marido Mike Todd víctima de un accidente de avión.

Premios:
Nominada a la mejor película 1958: Lawrence Weingarten Nominada al mejor actor 1958: Paul Newman
Nominada a la mejor actriz 1958: Elizabeth Taylor
Nominada al mejor director 1958: Richard Brooks
Nominada al mejor guión 1958: Richard Brooks, James Poe, Nominada a la mejor fotografía color 1958: William H. Daniels

DE REPENTE, EL ULTIMO VERANO Suddenly, Last Summer (1959)

Drama
114 minutos Columbia

Productor: Sam Spiegel
Director: Joseph L. Mankiewicz
Guión: Gore Vidal y Tennessee Williams
Basado en la obra de: Tennessee Williams
Fotografía: Jack Hildyard
Director musical: Buxton Orr
Compositor: Buxton Orr y Malcolm Arnold
Efectos especiales: Tom Howard
Vestuario: Oliver Messel, Jean Louis, Norman Hartnell y Joan Ellacott

Intérpretes:
ELIZABETH TAYLOR: Catherine Holly MONTGOMERY CLIFT: Dr. John Cukrowicz KATHARINE HEPBURN: Señora Violet Venable ALBERT DEKKER: Dr. Hockstader
MERCEDES McCAMBRIDGE: Señora Holly GARY RAYMOND: George Holly
MAVIS VILLIERS: Señora Foxhill

De nuevo una de las fantasías dramáticas del escritor Tennessee Williams, llevada magistralmente por el director Joseph L., Mankiewicz, y ayudado por el guionista Gore Vidal. Como es habitual, durante la primera media hora el espectador no se entera de la historia ni de quién es quién, y debemos esperar un buen rato hasta que alguien nos comienza a tejer el argumento. Hasta entonces, la historia es pesada y en ciertos momentos aburrida.
Katharine Hepburn está divertida como la bella sureña a quien le han matado a su hijo Sebastián, homosexual y poeta para más señas. Elizabeth Taylor es ahora la sobrina aturrullada que está intentando conseguir que nadie cuente la historia de su familia. Por eso se dedica durante largo tiempo a realizar monólogos e intenta transmitirnos su inquietud, pero Mankiewicz tarda demasiado tiempo en revelarnos los secretos de los personajes y cuando lo logra ya nos hemos levantado de nuestra butaca. Montgomery Clift, en una de sus peores actuaciones (ahora sabemos que atravesaba el peor momento de su vida), es el neurocirujano que intenta abrir las cabezas para lograr la felicidad de las personas.

Premios:
Nominada a la mejor actriz 1959: Katharine Hepburn
Nominada a la mejor actriz 1959: Elizabeth Taylor
Nominada a la mejor dirección artística 1959: Oliver Messel, William Kellner y Scott Slimon

UNA MUJER MARCADA Butterfield 8 (1960)

Drama
109 minutos Color
MGM
Cinemascope

Productor: Pandro S. Berman
Director: Daniel Mann
Guión: Charles Schnee y John Michael Hayes Basado en la novela de: John O'Hara Fotografía: Joseph Ruttenberg
Compositor: Bronislau Kaper
Vestuario: Helen Rose

Intérpretes:
ELIZABETH TAYLOR: Gloria Wandrous LAURENCE HARVEY: Weston Liggett EDDIE FISHER: Steve Carpenter
DINA MERRILL: Emily Liggett
MILDRED DUNNOCK: Señora Wandrous BETTY FIELD: Señora Fanny Thurber

La novela de John O'Hara que parecía perfecta para una película, más un papel que igualmente parecía perfecto para Elizabeth Taylor, proporcionaron un enredo melodramático que solamente se sostuvo por sus intérpretes. Ver juntos a los por entonces esposos Eddie Fisher y Liz Taylor, después que su boda saltara a las páginas de todos los periódicos, debería ser motivo suficiente para una buena recaudación en taquilla. Por desgracia, ni la dirección de Daniel Mann, ni la labor de los guionistas Charles Schnee y John Michael Hayes, consiguieron extraer toda la esencia de la novela original. Correcta actuación de Laurence Harvey y Dina Merrill, y una sumamente mediocre actuación del cantante Eddie Fisher.

Premios:
Oscar a la mejor actriz 1960: Elizabeth Taylor
Nominada a la mejor fotografía en color 1960: Joseph Ruttenberg y Charles Harten

SCENT OF MYSTERY (1960) Director: Jack Cardiff

Elizabeth Taylor: Actriz sin créditos

CLEOPATRA Cleopatra (1963)

Histórica
194/243 minutos Color
Todd-Ao

Director: Joseph L. Mankiewicz

Intérpretes:
ELIZABETH TAYLOR: Cleopatra RICHARD BURTON: Marco Antonio REX HARRISON: Julio Cesar
PAMELA BROWN: sacerdotisa GEORGE COLE : Flavio
HUME CRONYN: Sosígenes
RODDY McDOWALL: Octavio ROBERT STEPHENS: Germanico

Debía ser la película que hiciera recuperar de nuevo el protagonismo del cine como medio de entretenimiento y relegar a la televisión como un simple sistema informativo, pero fue solamente un desastre financiero para la Fox.
Estrenada en Madrid en diciembre de 1963, esta saga sobre una historia desarrollada a orillas del río Nilo, aburrió definitivamente a los espectadores, no tanto por su excesivo metraje, sino por el énfasis en una historia de amor que a nadie entusiasmaba. En el momento de su estreno fue terriblemente mutilada, unas veces por la censura y otras de manera particular por los exhibidores, y tuvimos que esperar treinta años para poder ver en vídeo la versión íntegra. En ese momento es cuando comprendimos la gran injusticia que los críticos hicieron con este filme, uno de los más bellos ejemplos del cine épico. Aún así, el problema seguía siendo el mismo: un excesivo metraje y un empeño desmedido en mostrarnos una historia de amor que a nadie interesaba.
Rodada en Italia, España y Egipto, inicialmente harían el papel de Cleopatra Joan Collins o Audrey Hepburn, una vez descartada la participación de Liz Taylor a causa de su delicado estado de salud. Buenas actuaciones de Rex Harrison como Julio Cesar y Roddy McDowall como Octavio, y sumamente desacertado Richard Burton como Marco Antonio. Liz Taylor estuvo, por el contrario, a la altura de una gran estrella de Hollywood, aunque se olvidó de ser una buena actriz.

La historia nos cuenta la llegada de la bella e inteligente reina Cleopatra a Alejandría, en donde seduce al romano Julio Cesar y con ello se asegura su continuad en el reinado de Egipto y un buen aliado. Pero todo se complica cuando es asesinado Julio Cesar por miembros del senado y ella se enamora entonces de Marco Antonio, el centurión romano que manda el ejército. Cuando Octavio Augusto se amotina, Marco Antonio y Cleopatra deciden hacerle frente, pero en el último momento todos traicionan al romano y cae víctima de una emboscada, mientras que Cleopatra trata de ponerse a salvo.

Premios:
Nominada a la mejor película 1963: Walter Wanger
Nominada al mejor actor 1963: Rex Harrison
Oscar a la mejor dirección artística 1963: John DeCuir, Jack Martin Smith, Hilyard Brown, Herman Blumenthal, Elven Webb, Maurice Pelling, Boris Juraga, Walter M. Scott, Paul S. Fox y Ray Moyer
Oscar a la mejor fotografía 1963: Leon Shamroy
Oscar al mejor vestuario en color 1963: Irene Sharaff, Vittorio Nino Novarese, Renie Nominada al mejor filme editado 1963: Dorothy Spencer
Nominada a la mejor música 1963: Alex North
Nominada al mejor sonido 1963: James P. Corcoran (20th Century-Fox Studio Sound Department), Fred Hynes
Oscar a los mejores efectos visuales 1963: Emil Kosa, Jr.

HOTEL INTERNACIONAL The V.I.P.s (1963)

UK
Drama
119 minutos Color
Panavision

Productor: Anatole de Grunwald Director: Anthony Asquith
Guión: Terence Rattigan
Fotografía: Jack Hildyard
Compositor: Miklos Rozsa
Efectos especiales: Tom Howard
Vestuario: Hubert de Givenchy y Pierre Cardin

Intérpretes:
ELIZABETH TAYLOR: Frances Andros
RICHARD BURTON: Paul Andros
LOUIS JOURDAN: Marc Champselle
ELSA MARTINELLI: Gloria Gritti
MARGARET RUTHERFORD: Duquesa de Brighton MAGGIE SMITH: Señorita Mead
ROD TAYLOR: Les Mangam
ORSON WELLS: Max Buda
LINDA CHRISTIAN: Miriam Marshall

Nuevamente unidos los esposos Burton en una historia de amor, esperando sus productores conseguir una buena taquilla solamente por el morbo de verles pelear en el cine. “Hotel internacional” es una historia romántica que termina en drama, centrada en el aeropuerto de Londres, en donde todos los personajes son educados, bellos y hasta con cierto sentido del humor. El argumento, por tanto, con diversas parejas unidas bajo un mismo techo, termina por no interesar a nadie, aunque la presencia de Orson Welles y Margaret Rytherford logran sacarnos del sopor de vez en cuando. Mediocre actuación de la pareja Taylor y Burton, más empeñados en mirarse tiernamente a los ojos en los escasos momentos en que no se pelean.

Premios:

Oscar a la mejor actriz secundaria 1963: Margaret Rutherford

THE GUEST/THE CARETAKER (1964) (Sin datos)

CASTILLOS EN LA ARENA The Sandpiper (1965)

Drama
116 minutos Color
MGM

Productor: Martin Ransohoff
Director: Vincente Minnelli
Guión: Dalton Trumbo, Michael Wilson, Irene Kamp y Louis Kamp Basado en la historia de: Ransohoff
Fotografía: Milton Krasner
Compositor: Johnny Mandel
Vestuario: Irene Sharaff

Intérpretes:
ELIZABETH TAYLOR: Laura Reynolds RICHARD BURTON: Dr. Edward Hewitt EVA MARIE SAINT: Claire Hewitt CHARLES BRONSON: Cos Erickson ROBERT WEBBER: Ward Hendricks JAMES EDWARDS: Larry Brant
TORIN THATCHER: Juez Thompson PETER O´TOOLE: sólo voz

En el momento de su estreno, la pareja Richard Burton y Elizabeth Taylor eran probablemente los amantes más escandalosos de Hollywood, especialmente desde que terminaron el rodaje de “Cleopatra” y decidieron casarse contra viento y marea. En ese momento ambos afirmaron que no sabían lo que era realmente el amor hasta que se conocieron y que no les importaba estar en pecado si con ello podían seguir juntos. La película probablemente solamente debería servir para mostrarles de nuevo juntos ante los espectadores, sin más pretensiones, pero el director Minnelli se empeñó en lograr incluso un buen filme y casi lo consigue. Por ello la película sobre este sacerdote interpretado por Burton está llena de gran contenido literario y constituyó un gran éxito en su momento. Taylor es una atea convencida que no puede apartar de sus pensamientos al guapo sacerdote, especialmente después de permanecer juntos la primera noche, circunstancia que a él le mortifica enormemente. Ella le asegura que lo que pasó entre ambos es algo bueno, indudablemente lo fue, pero la carne y el espíritu no se mezclan bien con la religión de Burton. Cuando pone en una balanza el dinero y el sexo por un lado, y la fe en Dios en el otro, se inclina descarada al lado del materialismo.
Buenas interpretaciones de Charles Bronson que interpreta a un escultor que quiere hacer una figura de Liz con los pechos al aire, y de Eva Marie Saint como la esposa del sacerdote que le obliga a rezar en lugar de hacer el amor.

Premios:

Oscar a la mejor canción 1965: Johnny Mandel, (Música) y Paul Francis Webster, (Letras)

¿QUIÉN TEME A VIRGINIA WOOLF? Who's Afraid of Virginia Woolf? (1966)

Drama

129 minutos

Productor: Ernest Lehman
Director: Mike Nichols
Guión: Ernest Lehman
Basado en la obra de: Edward Albee Fotografía: Haskell Wexler y Harry Stradling Compositor: Alex North
Vestuario: Irene Sharaff

Intérpretes:
ELIZABETH TAYLOR: Martha RICHARD BURTON: George GEORGE SEGAL: Nick
SANDY DENNIS: Honey

Drama intenso a la medida de dos protagonistas que solían tener en su vida privada los mismos problemas que en las películas. Basada en una obra teatral de Edward Albee que se había estrenado seis años antes en Broadway, fue llevada a la pantalla y alcanzó el mismo éxito.

El argumento nos sitúa en Nueva Inglaterra, en donde George (Richard Burton) es un profesor de historia derrotado que está casado con Martha (Elizabeth Taylor), una bruja cuyo padre es el presidente de la universidad donde George imparte clases. Después de veinte años de matrimonio su unión está totalmente alterada y muy viciada. A Martha le gusta comparar a su débil marido con su padre fuerte (a quien nunca vemos), porque ella necesita a su lado a un hombre fuerte que la solucione sus propios problemas. Para mitigar su soledad ambos se han inventado un hijo y hablan de él como si realmente existiera. Esa misma noche ellos asistieron a una fiesta en la facultad donde se encontraron con Nick (George Segal) y Honey (Sandy Dennis), además de unas cuantas señoras cuyo pasatiempo preferido era llorar a causa del mal comportamiento de los hombres. La pareja mayor ha invitado a los más jóvenes a su confortable casa y les dicen que se queden a dormir. Entre Nick y Honey surgen ciertas diferencias y ella empieza a beber hasta emborracharse. Martha se comporta también deshonestamente y hace proposiciones a Nick que George trata de impedir. Honey empieza a sentirse enferma y Nick se emborracha, aprovechando ese momento para confesarle a George que Honey lo engañó con el matrimonio pretendiendo estar embarazada.
Cuando llega la noche, Martha sube a la alcoba de Nick, mientras George está de pie en el patio de abajo y ve sus sombras en la ventana. Después, Nick menciona a George y Martha la estupidez de hablar de un hijo imaginario y George explota, puesto que suponía que esto era un secreto. Él se desquita “asesinando” a ese hijo imaginario y dirigiendo un servicio fúnebre tradicional, consiguiendo que Martha se ponga histérica por la muerte de un hijo que nunca existió.
Cuando comienza el nuevo amanecer, Nick y Honey se marchan, mientras que Martha y George, ahora emocional y físicamente cansados, comparten un momento de silencio antes de acostarse.

Esta película marcó el debut de Ernest Lehman como productor, mientras que Mike Nichols consiguió igualmente debutar como director por haber trabajado en la obra teatral con Elaine May. Afortunadamente todos contaban con un guión extraordinario, ingenioso y sarcástico, que fue conducido correctamente como si se tratase de una historieta bien cronometrada.
Liz Taylor consiguió una de sus mejores interpretaciones en el cine, quizá porque todos ensayaron tres semanas la obra antes de comenzar a filmarla. El guión de Ernest Lehman consiguió dejar intacta casi toda la obra original de Albee, y entusiasmó a los espectadores al hacerles escuchar palabrotas hasta entonces nunca dichas en la gran pantalla. Al principio, el Código de Censura norteamericano se opuso a la película, pero Jack Warner usó su influencia personal y aseguró su estreno.
La obra fue comprada por la Warner por medio millón de dólares, unos días después de estrenarse con éxito en Nueva York con Arthur Hill y Uta Hagen como protagonistas. Bette Davis quiso interpretar a Martha (Taylor nos da la impresión de imitar a Davis cuando riñe con Burton), pero la mayor popularidad de Liz Taylor inclinaron la balanza hacia el polémico matrimonio de actores.
Según los informes recibidos, Taylor y Burton recibieron un millón de los dólares cada uno de un presupuesto total de 5 millones de dólares. La película acumuló grandes beneficios en taquilla, alcanzando los 15 millones en el momento de su estreno, especialmente por ver juntos peleándose a la popular pareja.

Premios:
Nominada a la mejor película 1966: Ernest Lehman
Nominada al mejor actor 1966: Richard Burton
Oscar a la mejor actriz 1966: Elizabeth Taylor
Nominada al mejor actor secundario 1966: George Segal
Oscar al mejor actor secundario 1966: Sandy Dennis
Nominada al mejor director 1966: Mike Nichols
Nominada al mejor guión 1966: Ernest Lehman
Oscar a la mejor dirección artística 1966: Richard Sylbert, George James Hopkins Oscar a la mejor fotografía en blanco y negro 1966: Haskell Wexler
Oscar al mejor vestuario 1966: Irene Sharaff
Nominada al mejor filme editado 1966: Sam O'Steen
Nominada a la mejor música 1966: Alex North
Nominada al mejor sonido 1966: George R. Groves (Warner Bros. Studio Sound Department)

LOS COMEDIANTES The Comedians (1967)

Drama
148 minutos Color
Panavision

Productor: Peter Glenville
Director: Peter Glenville
Guión: Graham Greene
Basado en su novela
Fotografía: Henri Decaë
Director musical: Laurence Rosenthal Compositor: Laurence Rosenthal Vestuario: Tiziani

Intérpretes:
ELIZABETH TAYLOR: Martha Pineda RICHARD BURTON: Brown
ALEC GUINNESS: Jones
PETER USTINOV: Embajador Pinada PAUL FORD: Smith
LILLIAN GISH: Señora Smith
Nuevamente juntos la pareja más emblemática del cine americano, ahora en esta adaptación de la novela de Graham Greene sobre una intriga política en Haití. Hoy en día, cuando ya conocemos los graves problemas que han tenido en esa isla, desde el derrocamiento del dictador Duvalier, la temática se nos muestra más interesante y clarificadora.
Estupendo trabajo de Alec Guinness y Peter Ustinov.

THE COMEDIANS IN AFRICA (1967) (Sin datos)

REFLEJOS EN UN OJO DORADO Reflections in a Golden Eye (1967)

Drama
108 minutos Color
Panavision

Productor: Ray Stark
Director: John Huston
Guión: Chapman Mortimer y Gladys Hill Basado en la novela de: Carson McCullers Fotografía: Aldo Tonti
Director musical: Marcus Dods
Compositor: Toshiro Mayuzumi
Efectos especiales: Augie Lohman Vestuario: Dorothy Jeakins

Intérpretes:
ELIZABETH TAYLOR: Leonora Penderton MARLON BRANDO: Mayor Weldon Penderton BRIAN KEITH: Teniente Coronel Morris Langdon JULIE HARRIS: Alison Langdon
GORDON MITCHELL: Sargento Stables IRVIN DUGAN: Capitán Weincheck
ROBERT FORESTER: Williams

John Huston dirigió esta versión sensual e intensa basada en la mejor novela de Carson McCullers, publicada en 1941, con un estilo visual que hace pensar en pinturas en lugar de fotografías, algo a lo que ya nos tenía acostumbrados.
La película no encuentra una manera de darnos la textura emocional de todas estas relaciones que el libro nos muestra con detalle, por lo que es mejor no conocer la novela cuando veamos el filme. El mayor aliciente, no obstante, es ver juntos por primera vez a Marlon Brando y Elizabeth Taylor, además de contar con la estimable presencia de Julie Harris. Todos logran hacer cosas sorprendentes con sus papeles.
La homosexualidad reprimida y el sentido del deber del mayor Penderton (Brando) se nos muestra aquí como grotesca y dolorosa. Para muchos, esta es una de las más atrevidas intervenciones de Brando y la primera vez que salía ciertamente ridículo con su forma de comer, arreglarse, mirarse en el espejo y hablar, lo que motivó no pocas risas entre el público. Por si fuera poco, el maquillador le debía odiar, dado el aspecto tan cadavérico y lastimoso que nos suministró.
Taylor está encantadora como la Comandante tonta y ardiente, una señora sureña que hace el amor con su esposo como si estuviera tumbada al sol un día de verano. Por su parte, Keith aprovecha muy mal una de las pocas oportunidades que tenía para interpretar a un personaje profundo, aunque sigue siendo el más creíble de todos los actores. La película está narrada con un gran estilo novelístico y solamente cuando la escritura de McCullers intenta clarificar todo en cuanto a la sexualidad se refiere, es cuando el filme se hace más suave en un intento de no profundizar demasiado en un tema todavía delicado de mostrar en el cine. Aún así, esta película de los 60 consiguió ser considerada como muy moderna y hasta altamente freudiana.
La historia trata de mostrar con detalle algunos aspectos del fetichismo, como si el material de McCullers no fuera todavía suficientemente gótico. La esposa del Comandante le suele pegar con la fusta y entonces explica que la paliza aclaró el aire, algo que no entendemos qué es lo que tiene que ver con las teorías de Freud. “Oh, sí, él quiso que le pegase", aclara ella; pero, aún así, no entendemos la teoría freudiana.
El guión estuvo elaborado por Chapman Mortimer y Gladys Hill, mientras que la partitura es obra de Toshiro Mayuzumi. Las primeras impresiones que tuvimos estuvieron en el colorido tan apagado y la abundancia de colores dorados, sepias y rosas, lo que dio lugar a no pocas críticas. Cuando se conoció el poco éxito de la película, los productores se apresuraron a decir que la culpa del fracaso fue precisamente de ese color tan extraño. Posteriormente fue repuesta con un lavado de laboratorio que dejó el color mucho mejor, pero siguió sin tener ningún éxito en taquilla. Por su fuera poca desgracia, la Oficina Católica Nacional condenó a todo aquel creyente que fuera a ver esa película.

LA MUJER INDOMABLE The Taming of the Shrew (1967)

Italia-US
Comedia
126 minutos Color
Panavision

Productor: Richard Burton, Elizabeth Taylor y Franco Zeffirelli Director: Franco Zeffirelli
Guión: Paul Dehn, Suso Cecchi D'Amico y Franco Zeffirelli Basado en la obra de: William Shakespeare
Fotografía: Oswald Morris y Luciano Trasatti
Director musical: Carlo Savina
Compositor: Nino Rota
Efectos especiales: Augie Lohman
Vestuario: Irene Sharaff y Danilo Donati

Intérpretes:
ELIZABETH TAYLOR: Katharina RICHARD BURTON: Petruchio CYRIL CUSACK: Grumio
MICHAEL HORDERN: Baptista ALFRED LYNCH: Tranio ALAN WEBB: Gremio
VICTOR SPINETTI: Hortensio

Una versión intensa del relato de Shakespeare que supone una nueva oportunidad para que Richard y Elizabeth, bien dirigidos, con una fotografía encantadora, y una partitura musical de Nino Rota, logren cautivar de nuevo a los espectadores. Shakespeare puede no ser adecuado para ser llevado al cine, eso al menos es lo que afirman los puristas del lenguaje, pero Zeffirelli ha logrado un buen trabajo al llevar esta historia al cine. En 1929, otra pareja famosa, Mary Pickford y Douglas Fairbanks, interpretaron una buena versión de la misma obra.

Premios:
Nominada a la mejor dirección artística 1967: Renzo Mongiardino, John DeCuir, Elven Webb, Giuseppe Mariani, Dario Simoni y Luigi Gervasi.
Nominada al mejor vestuario 1967: Irene Sharaff, Danilo Donati

LA MUJER MALDITA Boom! (1968)

UK-US
Drama
113 minutos Color
Panavision

Director: Joseph Losey

Intérpretes:
ELIZABETH TAYLOR RICHARD BURTON NOEL COWARD
JOANNA SHIMKUS MICHAEL DUNN

Uno de los trabajos más decepcionantes de Liz Taylor, solamente salvada por el buen estilo narrativo del director Joseph Losey, en esta poco atractiva novela de Tennessee Williams titulada originalmente “The Milk Train Doesn't Stop Here Anymore”. Los exteriores en Roma nos proporcionan unas buenas fotografías.

DOCTOR FAUSTO Dr. Faustus (1968)

Drama
93 minutos Color

Director: Richard Burton y Nevill Coghill

Intérpretes:
RICHARD BURTON: Fausto
ANDREAS TEUBER: Mefistófeles IAN MARTER
ELIZABETH TAYLOR: Helena de Troya

Nueva revisión del mito de Fausto, el doctor que hizo un pacto con el Diablo, ahora con un veterano Richard Burton ejerciendo labores de director, aunque dados los malos resultados creemos que él también hubiese necesitado un pacto con un ángel guardián. No sería difícil pasar por alto las redundancias visuales, ni la horrorosa música, si la buena fotografía en color nos hubiera mostrado algunas de las guapas chicas de la Metro en los infiernos. Pero como nada de esto ocurre nos damos cuenta que Burton nunca debió meterse a labores de dirección, al menos sin haberse leído previamente el guión dos veces.
Lo único que podemos salvar de esta película es la buena labor de Andreas Teuber como Mefistófeles y una atrayente Liz Taylor como Helena de Troya, ahora en un episodio que no tiene nada que ver con la grandiosidad de su pasada Cleopatra. Para los aficionados es la peor película de los dos mayores amantes de la historia del cine.

CEREMONIA SECRETA Secret Ceremony (1968)

Drama
109 minutos Color

Productor: John Heyman y Norman Priggen
Director: Joseph Losey
Guión: George Tabori
Basado en la corta historia “Ceremonia Secreta” de: Marco Denevi Fotografía: Gerry Fisher
Director musical: Marcus Dods
Compositor: Richard Rodney Bennett
Vestuario: Marc Bohan, Christian Dior y Sue Yelland

Intérpretes:
ELIZABETH TAYLOR: Leonora MIA FARROW: Cenci
ROBERT MITCHUM: Albert
PEGGY ASHCROFT: Hannah
PAMELA BROWN: Hilda
MICHAEL STRONG: Dr. Walter Stevens ROBERT DOUGLAS: Sir Alex Gordon

Película con matices religiosos en la cual Mia Farrow se parece a la hija muerta de Liz Taylor, esta se parece a la madre muerta de Farrow, y cada reunión tiene resultados extraños. Originalmente debería ser un buen drama psicológico, pero entonces la gran duración del filme obliga a la Universal a recortar el metraje y lo que antes era coherente termina por ser totalmente incomprensible.
Para acabar de estropearlo, ruedan unas escenas extras para volver a aumentar la duración hasta los 101 minutos y la exhiben solamente en televisión, lo que explica que actualmente sea un filme impresentable.

ANA DE LOS MIL DIAS
Anne of the thousand days (1969)

Director: Charles Jarrod

Intérpretes:
RICHARD BURTON
GENEVIEVE BUJOLD IRENE PAPAS
ANTHONY QUALE
Elizabeth Taylor: como extra

Película sobre las relaciones amorosas entre el rey Enrique VIII y Ana Bolena.

EL UNICO JUEGO EN LA CIUDAD The Only Game in Town (1970)

Drama
113 minutos Color

Productor: Fred Kohlmar
Director: George Stevens
Guión: Frank D. Gilroy
Basado en la obra de: Frank D. Gilroy
Fotografía: Henri Decaë
Director musical: Maurice Jarre
Compositor: Maurice Jarre
Efectos especiales: L.B. Abbott y Art Cruickshank Vestuario: Mia Fonssagrives y Vicky Tiel

Intérpretes:
ELIZABETH TAYLOR: Fran Walker
WARREN BEATTY: Joe Grady
CHARLES BRASWELL: Thomas J. Lockwood HANK HENRY: Tony
OLGA VALERY: Mujer con peluca purpúrea

Una de las pocas ocasiones en la cual Liz no consideró oportuno trabajar con Richard Burton, aunque le sustituyó adecuadamente con una pareja igualmente carismática, como fue el actor Warren Beatty. En esta ocasión el romance es entre una muchacha del coro y un jugador, ambos trabajando a su manera en los casinos de Las Vegas, aunque según parece la mayoría de las escenas se rodaron en París.
Fue la última película que rodó el director George Stevens.

PACTO CON EL DIABLO Hammersmith Is Out (1972)

Drama/Comedy 108 minutos
Color

Director: Peter Ustinov

Intérpretes:
ELIZABETH TAYLOR RICHARD BURTON PETER USTINOV BEAU BRIDGES
LEON ASKIN
LEON AMES
JOHN SCHUCK
GEORGE RAFT

Extraordinario reparto para una comedia desconocida sobre una paciente mental, su enfermero, y un estafador, con lo cual nos demuestran una vez más que tanto Liz como Burton eran capaces ya de hacer cualquier cosa por dinero. Afortunadamente los espectadores podrán disfrutar de un extraordinario Peter Ustinov, en esta nueva versión del mito de Fausto.

SALVAJE Y PELIGROSA X, Y and Zee (1972)

Drama
110 minutos Color

Director: Brian G. Hutton

Intérpretes:
ELIZABETH TAYLOR MICHAEL CAINE
SUSANNAH YORK
MARGARET LEIGHTON JOHN STANDING

Para los espectadores se trata simplemente de la vida privada de Liz y Burton, puesto que hay peleas, gritos, alcohol y mucho amor entre sábanas. Elizabeth Taylor en un extremo, logra por lo menos demostrarnos que podía haber sido una buena actriz cómica, quizá porque era consciente del engendro que estaba rodando. Ella nos demuestra que dominaba perfectamente la cámara y que podía mostrarse tan profesional y enérgica que anulaba con facilidad a actores de la categoría de Michael Caine y Susannah York.
Basada en un triángulo amoroso, la trama es bastante desordenada y el director Brian G., Hutton, no hace nada por poner un poco de orden, al menos para que el espectador no se confunda. Rodada en Londres, es casi una tradicional película de mujeres, para las mujeres, en la cual la fotografía es por supuesto encantadora. Como el guión es obra de una mujer, el filme tiene cierto tufillo feminista cargante.

MIERCOLES DE CENIZA Ash Wednesday (1973)

Drama
99 minutos Color

Director: Larry Peerce

Intérpretes:
ELIZABETH TAYLOR HENRY FONDA
HELMUT BERGER KEITH BAXTER
MARGARET BLYE

En esta ocasión, Elizabeth Taylor se realiza una operación de cirugía estética para atraer a los hombres, salvo a su propio marido quien la encuentra mucho más horrorosa que antes. Ella está entusiasmada por ese retroceso en el tiempo y parece una jovencita, salvo en el cerebro. La película es solamente un intento de seguir explotando la imagen de Liz Taylor como superestrella, una idea que en su momento proporcionó importantes dividendos a todos, pero que ahora ya no interesaba.
La moraleja es una crítica a aquellas personas que valoran tanto su juventud que intentan volver atrás en el tiempo utilizando maquillajes costosos o sometiéndose a operaciones de cirugía estética. Nada de esto es posible y al final hay solamente una gran insatisfacción, como queda bien plasmado en la obra de Jean-Claude Tramont. Muy correcta la interpretación de Henry Fonda.

SE DIVORCIA ÉL, SE DIVORCIA ELLA Divorce His—Divorce Hers (1973)

148 minutos Color

Director: Waris Hussein

Intérpretes:
ELIZABETH TAYLOR RICHARD BURTON CARRIE NYE
BARRY FOSTER
GABRIELE FERZETTI

Nuevamente juntos la eterna pareja de enamorados, ahora en una producción pensada para la televisión que no alcanzó ningún éxito. Este culebrón sentimental entre marido y esposa, está dividido en dos partes bien diferenciadas, uno a través de los ojos del marido que llega a Roma, y otro con los ojos de la esposa que tiene un nuevo amante. Mal argumento para dos buenos intérpretes que logran sobrevivir ante tanta mediocridad.

THE DRIVER'S SEAT (1973)

Italia
Drama
101 minutos
Color
Basada en una obra de: Muriel Spark Director: Giuseppe Patroni Griffi

Intérpretes:
ELIZABETH TAYLOR IAN BANNEN
MONA WASHBOURNE ANDY WARHOL
GUIDO MANNARI
MAXENCE MAILFORT

Liz es ahora una mujer perturbada que viene a Roma en busca de alguien que todavía no conocemos. El espectador permanece entonces detrás de la actriz en espera de que le muestre quién es esa persona tan interesante que ella trata de encontrar. El resumen es una de las peores películas de Taylor y que solamente fue editada en vídeo con el nombre de: “Psicópata”.

UNA HORA EN LA NOCHE Night Watch (1973)

UK
Misterio
105 minutos Color
Panavision

Productor: Martin Poll, George W. George y Barnard Straus Director: Brian G. Hutton
Guión: Tony Williamson y Evan Jones
Basado en la obra de: Lucille Fletcher
Fotografía: Billy Williams
Compositor: John Cameron
Vestuario: Valentino

Intérpretes:
ELIZABETH TAYLOR: Ellen Wheeler LAURENCE HARVEY: John Wheeler BILLIE WHITELAW: Sarah Cooke OBERT LANG: Appleby
TONY BRITTON: Tony
BILL DEAN: Inspector Walker

Una mujer llamada Ellen (Taylor), cree que ha sido testigo de un asesinato, pero no puede demostrarlo, aunque para ayudarla cuenta con el inspector Walker y su amante marido.

BAJO EL BOSQUE LACTEO Under Milk Wood (1973)

Drama
90 minutos Color

Director: Andrew Sinclair

Intérpretes:
RICHARD BURTON
ELIZABETH TAYLOR: Rosie PETER O´TOOLE: Cat
GLYNIS JOHNS
SIAN PHILLIPS
VIVIEN MERCHANT

Basada en unos poemas de Dylan Thomas que alcanzaron gran éxito cuando fueron emitidos por la radio, nos hablan de la vida cotidiana de los habitantes de un pueblecito galés. Andrew Sinclair adaptó y dirigió esta idea y consigue cuando menos proporcionarnos un rato agradable.
Richard Burton es el portavoz principal y Peter O'Toole es el Capitán Cat, ciego para más señas, mientras que Elizabeth Taylor es el amor perdido del Capitán. La historia está ambientada en nuestra época y trata de clarificar lo que ocurre en el interior de la mente en personas aparentemente sencillas, aunque todo es mostrado con demasiada exuberancia, algo que no es habitual en las gentes de un pueblo. El resultado es que los personajes se nos muestran demasiado complicados y, por tanto, poco creíbles.
La obra ya estaba completa en su forma original, como una obra escrita para ser narrada en la radio, medio en el cual las voces son más importantes que la acción. Por eso no nos debe extrañar que no funcione en la pantalla grande, un lugar en el cual la imagen prevalece sobre el sonido. Las únicas imágenes visuales fuertes en la película son mostradas precisamente en penumbras y su posibilidad de interesar queda prácticamente anulada.

IDENTIKIT (1974)

Director: Giuseppe Patroni Griffi
Llevada a la versión videográfica española con el titulo de “La masoquista” (Sin más datos)

ÉRASE UNA VEZ EN HOLLYWOOD That's Entertainment! (1974)

US
Musical/Danza 132 minutos Metrocolor
MGM

Productor: Jack Haley Jr.
Director: Jack Haley Jr.
Escrita por: Jack Haley Jr.
Música: Henry Mancini
Fotografía: Gene Polito, Ernert Laszlo, Russell Metty, Ennio Guarieri y Allan Green

Intérpretes:
FRANK SINATRA FRED ASTAIRE
GENE KELLY
MICKEY ROONEY ELIZABETH TAYLOR LIZA MINNELLI
JAMES STEWART DONALD O´CONNOR PETER LAWFORD BING CROSBY
DEBBIE REYNOLDS

Cuando la MGM decidió reabrir la cueva de los tesoros de Alí Babá, excavando en sus archivos para conseguir una recopilación de las mejores escenas musicales de todos los tiempos, consiguió un producto de gran éxito que sorprendió a todos.
“Érase una vez en Hollywood”, es un documental que arrasó en el mundo entero, tanto en la pantalla grande como en el vídeo. En su realización se involucraron la mayoría de los actores que habían pertenecido a la Metro y por eso podemos ver como narradores a Fred Astaire, Gen Kelly, Bing Crosby, Peter Lawford, Liza Minnelli, Donald O'Connor, Debbie Reynolds, Mickey Rooney, Frank Sinatra, James Stewart y Elizabeth Taylor. Su presencia es suficiente para que estemos agradecidos a quien tuvo esta maravillosa idea, pero, además, los realizadores consiguieron enlazar todo el documental como si fuera una película con argumento.

“Érase una vez en Hollywood” hace que el espectador se sienta como un niño a quien han dejado suelto en una fábrica de juguetes. Después de una sorpresa viene otra y en ocasiones nos es difícil escoger dónde pondremos nuestros ojos. Como si de un viaje en el tiempo se tratase, pudimos ver el enorme pastel de bodas de “The Great Ziegfeld” (1936), un segmento del inteligente ballet de “Un americano En París” (1951), el alegre número con Judy Garland y Ray Bolger de “The Harvey Girls” (1945), y un par de ballets acuáticos del filme “Bathing Bauty” (1944) y “Million Dollar Merrnaid” (1952) con Esther Williams.
Por supuesto, quizá el momento más encantador del filme fue cuando vimos a Gene Kelly en “Cantando bajo la lluvia”. Había algunas rarezas también, especialmente recordar algo tan inédito como ver bailar a Clark Gable “Puttin On The Ritz” en “Idiot´s Delight” (1939), a las Las Hermanas Gumm cantando “La Cucaracha” (con ellas una debutante Judy Garland), y a Cary Grant y Jean Harlow a dúo “Did I Remember” en “Suzy” (1936). Pero el productor Jack Haley Jr. (el hijo de El Hombre de Hojalata de “El Mago de Oz.” 1939), juzgó sabiamente que el público estaba buscando una oportunidad para revolcarse en un pasado de cine compartido, cuando ambos, ellos y Hollywood, eran más jóvenes. De hecho, al salir de ver esta película, más de uno sintió la necesidad de cantar bajo la lluvia.

EL PÁJARO AZUL The Blue Bird (1976)

Rusia-US
Fantasía de niños 99 minutos
Color

Director: George Cukor

Intérpretes:
TODD LOOKINLAND PATSY KENSIT
ELIZABETH TAYLOR JANE FONDA
AVA GARDNER
CICELY TYSON

Lo que debería haber sido un encantador cuento para niños, realizada en co-producción con Rusia, se convirtió en un fracaso que arrastró incluso al veterano director George Cukor. Basada en un cuento fantástico de Maeterlinck, nos cuentan la historia de unos niños que buscan un precioso pájaro azul que se supone les traerá la felicidad. Remake de otra película de 1940.

IT'S SHOWTIME (1976)

US
Documental
86 minutos
Color y blanco y negro

Una recopilación agradable de escenas de la vida de los animales en el cine, llegando a mostrarnos escenas de la época muda con Rin Tin Tin, y la carrera del Gran National de Londres de “Fuego de juventud” y “La cadena invisible”. Mucho más interesante es la increíble versión canina de “Cantando bajo la lluvia” interpretada por el Chimpancé Bonzo que es alimentado con biberón por Ronald Reagan.

VICTORIA EN ENTEBBE Victory at Entebbe (1976)

US
150 minutos Color

Director: Marvin J. Chomsky

Intérpretes:
KIRK DOUGLAS
ELIZABETH TAYLOR
BURT LANCASTER: Shimon Peers LINDA BLAIR
HELEN HAYES
SIR ANTHONY HOPKINS: Yitzhak Rabin RICHARD DREYFUSS
JESSICA WALTER

La recreación de la historia trágica sobre los sucesos de Entebbe escrita por Ernest Kinoy, nos muestra la operación relámpago a cargo de unos comandos israelitas para liberar a unos rehenes judíos encarcelados por terroristas árabes en Uganda. Solamente la presencia de Burt Lancaster y Anthony Hopkins, como el ministro de defensa israelita y el primer ministro Rabin, justifican por sí solas la película. El actor Godfrey Cambrige, que interpretaba el dictador Idi Amin, murió repentinamente durante el rodaje y fue reemplazado por Harris, aportando una también correcta interpretación.
Aunque originalmente fue rodada para la televisión, el buen resultado final motivó a que se mostrara también en la pantalla grande con bastante éxito.

DULCE VIENA
A little night music (1978)

US
Musical
124 minutos Color

Director: Harold Prince

Intérpretes:
ELIZABETH TAYLOR DIANA RIGG
LEN CARIOU
LESLEY-ANNE DOWN HERMIONE GINGOLD

Ver juntas por primera y única vez a Liz Taylor y Diana Rigg es suficiente motivo para justificar esta película, un remake de “Canción de Noruega” (Song of Norway, 1970), aunque con algo menos de categoría artística. Se trata de una adaptación de la obra de Broadway que estaba a su vez basada en el libro de Hugh “Smiles of a summer night”. Pero lo que era una buena farsa lírica en la película anterior basada en la vida del compositor Edward Grieg, se malogra aquí a causa de un mal guión y una peor dirección. No obstante y como las ocasiones de ver en el cine a Diana Rigg y Lesley-Ana Down son escasas, recomendamos su alquiler en algún vídeo club especializado.

Premios:
Nominada al mejor vestuario 1977: Florence Klotz Oscar a la mejor música de grabación 1977: Jonathan Tunick

EL CLAN DE LOS ASESINOS Winter kills (1979)

Política/Misterio/Comedia
97 minutos
Color
Panavision
Productor: Fred Caruso
Director: William Richert
Guión: William Richert
Basado en la novela de: Richard Condon Fotografía: Vilmos Zsigmond
Compositor: Maurice Jarre

Intérpretes:
JEFF BRIDGES: Nick Kegan
JOHN HUSTON: Pa Kegan
ANTHONY PERKINS: John Ceruti STERLING HAYDEN: Z.K. Dawson ELI WALLACH: Joe Diamond
RICHARD BOONE: Keifitz
ELIZABETH TAYLOR: Lola Comante

El hermano más joven del presidente de los Estados Unidos es asesinado cuando intenta resolver un caso de corrupción política entre algunos de los ayudantes del presidente. Aunque la película, estrenada en 1979, fue un fracaso comercial en su momento, fue reeditada en 1983 (con el filme original restaurado), cuando las circunstancias políticas así lo aconsejaron. Por eso ahora la vemos como una comedia negra que gira alrededor de uno de los muchos casos de corrupción política, aunque con un resultado artístico muy desigual. A destacar la buena actuación de John Huston actuando como el padre del jefe Nick (Bridges).

EL ESPEJO ROTO
The Mirror Crack'd (1980)

UK
Misterio
105 minutos Color
Productor: John Brabourne y Richard Goodwin
Director: Guy Hamilton
Guión: Jonathan Hales y Barry Sandler
Basado en la novela “The Mirror Crack'd” de “Side to Side” por: Agatha Christie Fotografía: Christopher Challis
Compositor: John Cameron
Vestuario: Phyllis Dalton

Intérpretes:
ANGELA LANSBURY: Señorita Marple WENDY MORGAN: Cherry
MARGARET COURTENAY: Señora Bantry CHARLES GRAY: Mayordomo Bates GERALDINE CHAPLIN: Ella Zielinsky TONY CURTIS: Marty N. Fenn
EDWARD FOX: Inspector Craddock ROCK HUDSON: Jason Rudd
KIM NOVAK: Lola Brewster
ELIZABETH TAYLOR: Marina Rudd PIERCE BROSNAN

Una agradable intriga policíaca basada en la popular novela de Agatha Christie, en la cual podemos ver juntas a numerosas estrellas del cine pertenecientes a la década de los 50, especialmente a Liz Taylor y Kim Novak, sin olvidarnos a Rock Hudson y Tony Curtis. Entre todos, consiguen arropar a una no menos eficaz Angela Lansbury como la Srta. Marple. Aunque es una obra pensada para el teatro, soporta bien su pase en la gran pantalla y aún mejor en la televisión.

GENOCIDE (1981)
Largometraje Documental Director: Arnold Schwatzman Elizabeth Taylor: Narradora

GEORGE STEVENS: A FILMMAKER'S JOURNEY (1984)

Documental/Biografía 110 minutos
Color

Director: George Stevens Jr.

Katharine Hepburn, Cary Grant, Joel McCrea, Fred Astaire, Ginger Rogers, y Warren Beatty están entre aquellos que dan categoría y voz a este retrato documental sobre la vida del director George Stevens. Junto con ellos podemos ver escenas memorables de películas como “Swing Time”, “Gunda Din”, “The more the merrier”, “Un lugar en el sol”, “Shane”, y “Gigante”, mientras que su hijo Stevens se encarga de unirlo todo adecuadamente. Hay escenas que pertenecen al archivo personal de Stevens, otras que fueron eliminadas de sus filmes y muchos de los documentales que rodó durante la Segunda Guerra Mundial.

EL JOVEN TOSCANINI
Young Torcanini/Il Giovane Toscanini (1988)

106 minutos

Director: Franco Zeffirelli

Intérpretes:
ELIZABETH TAYLOR SOPHIE WARD
PHILLIPPE NOIRET THOMAS HOWELL

Biografía sobre el célebre músico italiano, centrada durante su gira en Brasil, una vez que había fracasado en la Scala de Milán. Muy pobre la actuación de Elizabeth Taylor.

LOS PICAPIEDRA The Flintstones (1994)

Comedia 92 minutos Color

Productor: Bruce Cohen
Director: Brian Levant
Guión: Tom S. Parker, Jim Jennewein y Steven E. de Souza
Basado en la producción de dibujos animados de: Hanna-Barbera Fotografía: Dean Cundey
Compositor: David Newman
Efectos especiales: Industrial Light and Magic, Mark Dippe, Michael Lantieri Coreografía: Adam M. Shankman
Vestuario: Rosanna Norton y Monique Brown

Intérpretes:
JOHN GOODMAN: Pedro Picapiedra ELIZABETH PERKINS: Wilma Picapiedra RICK MORANIS: Barney Rubble
ROSIE O´DONNELL: Betty Rubble KYLE MacLACHLAN: Cliff Vandercave HALLE BERRY: Señorita Stone
ELIZABETH TAYLOR: Pearl Slaghoople DANN FLOREK: Señor Slate

Si en “Los Picapiedras” se hubiera mostrado una historia tan interesante como su producción valora, habría sido una película maravillosa. Este filme es una gran producción y un nuevo triunfo para los especialistas en efectos especiales, mostrándonos un mundo de fantasía a medio camino entre la realidad y un dibujo animado prehistórico. La historia está llena de momentos deleitables e ingeniosos, todos basados en la idea que la América moderna podría reconstruirse de algún modo solamente con piedras. Simplemente por eso ya es divertida, aunque el resto de la historia es algo aburrida.
Lo que mejor funciona son los intérpretes, perfectamente integrados en los personajes del cómic, entre ellos un gigantesco John Goodman que se parece extraordinariamente al personaje animado legítimo. También es acertado el mundo que ellos habitan y hasta los utensilios que emplean. Pero la historia es confusa, no demasiado cómica y aunque trata de ser amable en realidad quiere ser más una denuncia social, algo poco adecuado para el público infantil al que va dirigida. A nuestro entender, los niños no se preocupan de los problemas en las oficinas, ni de la política, ni los asuntos matrimoniales y ni mucho menos de lo difícil que es adoptar un bebé.
John Goodman resiste bien ser el eje de la historia, en el papel de Pedro Picapiedra, un almacén de sorpresas, a medio camino entre un genio incomprendido y un cabeza hueca obstinado. También hay que destacar la pequeña pero sólida presencia de Elizabeth Taylor, como la terrorífica suegra, quien se encarga de recordar a su hija unas cuantas veces que el mejor marido es aquél que tiene mucho dinero. Menos mal que su esposa Wilma, (Elizabeth Perkins), no está de acuerdo con ella y se muestra contenta con su jovial marido, aunque no sea ni tan guapo, ni tan inteligente como a su madre le gustaría. Sus mejores amigos son Barney y Betty Rubble (Rick Moranis y Rosie O'Donnell), quién desesperadamente esperan adoptar a un bebé. Ambos realizan una prueba para conseguir un puesto directivo en la empresa y aunque Pedro suspende, Barney cambia los exámenes y le otorgan el puesto a su amigo. En esa oficina está una guapa chica (Halle Berry) que utiliza su belleza para cautivar a Pedro, mientras que el jefe supremo (Kyle MacLachlan) sigue adelante con su plan para quedarse con todo el dinero de la compañía y culpar a Pedro Picapiedra del robo.
Este argumento, que podría funcionar bien en una historia sobre artimañas empresariales, no es adecuado para una sencilla historia para niños, quienes están esperando más parcelas de humor y menos de intriga. La historia debería haber mostrado más problemas de niños, con aventuras y ternura, pero no enredos amorosos o laborales. Un suspenso, por tanto, al guionista y a quien aprobó la historia.
Afortunadamente Steven Spielberg es demasiado veterano para equivocarse totalmente con una de sus producciones, y trata de recrear el ambiente de los dibujos animados con precisión y en ocasiones con la suficiente acción como para no aburrir demasiado. Hay también artefactos ingeniosos, como esos automóviles que se mueven con los pies, una reproducción fidedigna de los dibujos que hasta nos parecen válidos para nuestras ciudades. El resto de la vida en la ciudad prehistórica también es cómica, como es el caso de la lavadora, el cubo de la basura, el magnetofón en la oficina y hasta los trajes que llevan. Por supuesto, los dinosaurios están donde deberían estar: conviviendo pacíficamente con los humanos, aunque ahora haya paleontólogos que se empeñen en demostrarnos que ambos pertenecieron a épocas distintas.

INTERVENCIONES COMO ACTRIZ EN LOS SIGUIENTES TELEFILMES:
RETURN ENGAGEMENT

Titulada “Reencuentro”, en la edición videográfica española.

ENTRE AMIGOS
Between friends (1983)

100 minutos Color

Basada en la novela: “Nobody Makes Me Cry”. Director: Lou Antonio

Intérpretes:
ELIZABETH TAYLOR CAROL BURNETT BARBARA BUSH
STEPHEN YOUNG HENRY RAMER
BRUCE GREY

Dos personas divorciadas de mediana edad, que han vivido situaciones totalmente diferentes, se encuentran de nuevo después de muchos años y se cuentan sus aventuras amorosas. Las dos protagonistas, Liz y Carol, suponen una mezcla demasiado explosiva como para que todo no funcione bien, aunque a ninguna de ellas las podamos ver ya como objeto de deseo.

MALICIA EN EL PAIS DE LAS MARAVILLAS Malice in Wonderland (1985)

100 minutos Color

Basada en la obra: “The Rumor Mill”, de George Eels, Hedda y Louella. Director Gus Trikonis

Intérpretes:
ELIZABETH TAYLOR: Louella Parsons JANE ALEXANDER: Hedda Hopper RICHARD DYSART
JOYCE VAN PATTEN
JON CYPHER
LESLIE ACKERMAN

Liz y Jane dan el tono elegante a este enredo histórico, en el cual nos hablan de una época cercana de Hollywood donde todos estaban dominados por los buitres de la información y la chismografía que tanto furor hizo en aquella época. Si no supiéramos que ahora las cosas siguen igual y que cualquier resentido y amargado puede destrozar públicamente a una persona popular, nos tomaríamos esta película como una comedia.

MARCADA POR EL AMOR There must be a Pony (1986)

100 minutos Color

Basada en la novela de: James Kirkwood, adaptada por Mart Crowley. Director: Joseph Sargent

Intérpretes:
ELIZABETH TAYLOR ROGER WAGNER JAMES COCO
WILLIAM WINDOM CHAD LOWE

Una estrella en un tiempo pasado muy famosa (suponemos quien), es ingresada en un hospital para enfermos mentales, no porque esté realmente enferma sino porque alguien la ha considerado loca. Ese alguien es su familia que no entiende que en la vejez nadie se pueda enamorar locamente y lo consideran cosas de la demencia senil. Afortunadamente, un chico joven se encarga de ayudarla y la saca de ese tenebroso lugar en donde la gente cuerda acaba realmente loca a base de medicamentos y psicólogos.

POKER ALICE (1987)

100 minutos Color

Basada en la obra de: James Lee Barrett. Director: Arthur Allan Seidelman

Intérpretes:
ELIZABETH TAYLOR GEORGE HAMILTON TOM SKERRITT
RICHARD MULLIGAN DAVID WAYNE
SUSAN TYRRELL

Mediocre filme ambientado en el Western en el cual Elizabeth Taylor gana un burdel en una mesa de juego, afición en la que ella es una experta). Aunque en un principio le pide a su compañero George que le ayude a dirigirlo, puesto que ella no se siente a gusto entre prostitutas, cuando se enamora del guapo Tom, decide quedarse con el negocio, lo que provoca los celos de George.

SWEET BIRD OF YOUTH (1989)

100 minutos Color

Basada en la obra de: Tennessee Williams Director: Nicolas Roeg

Intérpretes:
ELIZABETH TAYLOR MARK HARMIN
RIP TORN
VALERIE PERRINE RUTA LEE

Versión regular de esta popular novela sobre una estrella de cine marchitada y su joven amante ambicioso, que fue escrita para el cine por Gavin Lambert, aunque según dicen el propio Williams revisó el guión final. La historia es correcta, lo mismo que la dirección, pero algo fuera de lugar, especialmente por tratarse de una obra teatral estrenada ya hace muchos años en Broadway.
A destacar una corta intervención del hijo de Liz Taylor, Wilding, quien tiene una larga conversación telefónica con ella, aunque nunca se les ve juntos cara a cara.

IN A NEW LIGHT (1992) Director: Bill Davis
(Sin más datos)

HOSPITAL GENERAL General Hospital (1981) Serie de Televisión

NORTE Y SUR
North and South (1986) Director: Richard T. Heffron (mini-serie)

NOTABLES APARICIONES EN TELEVISION COMO INVITADA

1. (1995) “Can´t Hurry Love” interpretándose así misma.
2. (1995) “High Society” interpretándose así misma en el episodio: “Family Jewels, The”
3. (1988) “Murphy Brown” interpretándose así misma.
4. (1993) “Nanny The” interpretándose así misma.
5. (1988) “Roseanne” interpretándose así misma.
6. (1989) “Los Simpsons” la voz en el episodio “Krusty Gets Kancelled”
7. (1989) “Los Simpsons” poniendo la voz de “Maggie Simpson” en el episodio: “Lisa´s First Word”
8. (1983) “Hotel”
9. (1983) “All My Children” interpretando a “Charwoman”
10.(1978) “Hallmark Hall of Fame” en el episodio: “Return Engagement”
11.(1971) “El Show de Lucy”
12.(1970) “Aquí está Lucy”

OTROS TRABAJOS
“Hollywood y las Estrellas”
“Elizabeth Taylor en Londres”, (1963)
“Anual de las Estrellas de la General Electric (1978)
“Feliz Cumpleaños, Bob”, (1978)

“La opinión de Bob Hope durante el Sexagésimo Año de la Liga Nacional del Fútbol”, (1981)

“Las Mujeres de Bob Hope” (1982)
“Las mejores estrellas de Bob Hope de la nueva televisión, (1982)
“La Quincuagésima Gala Inaugural Presidencial”, (1985)
“Una celebración de todas las estrellas que honran a Martin Luther King”, (1986) “ Cumpleaños de Bob Hope”, (1986) “Un fin de semana en Libertad”, (1986) “El legado de Spencer Tracy: Un tributo de Katharine Hepburn”, (1987) “Loco por el cine”, (1987)
“SIDA: la asociación mundial”, (1988)
“Biografía: Elizabeth Taylor”, (1995)
“Elizabeth Taylor. Su Propia Historia (autobiografía)”, (1965)

Citas personales:

(Sobre Cleopatra) “Ciertamente es la película más rara de toda mi vida”

“Yo no pretendo ser un ama de casa ordinaria”

“¿Qué espera usted que yo haga en la vida? ¿Dormir solamente?”.

“Mi vida ha tenido tantos despertares nuevos que estoy segura que mis mañanas sorprendentes aún no se han acabado”

“He sobrevivido a las enfermedades y a las personas, y por eso creo que Dios aún me tiene reservado algo importante”.

“Si tenemos pensamientos negativos, de odio, nuestra salud y nuestro destino se volverán igualmente negativos”.