DUSTIN HOFFMAN © Adolfo Pérez Agustí Edita: Ediciones Masters edicionesmasters@gmail.com http://www.edicionesmasters.com
DUSTIN HOFFMAN

Hoffman nació el 8 de agosto de 1937 en Los Angeles, California. Su familia era originalmente de Rumania, aunque se habían trasladado inicialmente a Chicago, y antes de que Dustin naciera su padre se estableció definitivamente en Los Angeles. Dustin tuvo su primer papel como Tiny Tim en una obra escolar titulada “A Christmas Carol”, aunque esa experiencia le empujó a dedicarse mejor a la música. Posteriormente y ante un nuevo fracaso artístico, cambió nuevamente de idea y asistió a las clases de actores que impartían en el teatro de Pasadena. Una vez trasladado a la Ciudad de Nueva York, trabajó durante diez años como actor suplente en una gran variedad de papeles.

Su gran oportunidad le llegó cuando fue requerido en un casting para una película dirigida por Mike Nichols titulada “El Graduado”, por la cual fue nominado para un Premio de la Academia Katherine Ross.

Su siguiente papel fue medianoche”, en donde también consiguió un gran éxito junto a Jon Voight. Dustin y Jon Voight fueron ambos nominados para un Premio de la Academia por sus papeles en este filme.

como el mejor actor. Sus co-estrellas eran Ana Bancroft y

el personaje de Ratso Rizzo en la película “Cowboy de

En 1969 los estudios realizaron un curioso referéndum en el cual pidieron a los lectores de la revista Life que eligieran entre Dustin Hoffman y John Wayne para protagonizar “Valor de ley”. Bajo el lema “Elegir al héroe”, la votación popular designó como más adecuado a Wayne, consiguiendo, además, un Oscar al Mejor Actor.

Un primer ejemplo de cómo Hollywood intenta representar las ideas tradicionales de heroísmo y pureza en la pantalla, los tenemos cuando Hoffman interpretó la famosa escena de la seducción en “El Graduado” (1967), de Mike Nichols. Interpretando el papel del joven de 21 años Benjamín Braddock, Hoffman que tenía en ese momento 30 años, demostró de una manera muy correcta la opinión de toda una generación que rechazaba los valores morales de sus padres, aunque dejaban bien claro lo desconcertados que estaban con su futuro. Navegando entre el sistema tradicional que imponía el Método del Actor’s Studio, a medio camino entre la caricatura satírica y el drama, Hoffman consiguió aportar una imagen alegre incluso en un ambiente tenso y profundo. Rememorando la escena de la seducción cómica con Ana Bancroft, como la Señora Robinson, y su angustia en la escena culminante de la película, la boda de su amiga, vemos que Hoffman se convirtió en un extraño icono de la pantalla.

Aunque anteriormente las estrellas masculinas de Hollywood eran habitualmente tipos clásicamente atractivos o escabrosos, Hoffman consiguió triunfar, en parte, precisamente por su carencia absoluta de glamour. Con su baja estatura, su gran nariz y su expresión carente de carisma, consiguió que otros actores en circunstancias parecidas, como Barbra Streisand y Jack Nicholson, también triunfaran al lado de personas más guapas. Una nominación al Premio de la Academia por “El Graduado” fue seguida por otra nominación al Oscar por su trabajo como Ratso Rizzo en “Cowboy de medianoche” (1969), una estupenda y sencilla película en la cual se mostraba el mundo conflictivo y sórdido de los callejones en las grandes ciudades.

Ratso era un personaje sudoroso, un perdedor desaliñado, mudo y tuberculoso, aparentemente incapaz de conquistar corazones femeninos, pero nos proporcionó a los aficionados un refrescante actor joven que no tenía miedo a sumergirse en un personaje físicamente poco atractivo.

“John y Mary” (1969), aunque no tuvo un gran éxito, mostró la habilidad de Hoffman para interpretar un papel más convencional como un joven que no acaba de entender los rituales contemporáneos para conquistar una chica. Algo más interesante, y en ocasiones sumamente entretenido, le pudimos ver en esa película sobre el Oeste dorado titulada “Pequeño gran hombre” (1970), una sátira vigorosa sobre los problemas entre indios y americanos.

Hoffman consiguió un nuevo triunfo con “Perros de Paja” (1971), como David, una de las muchas películas polémicas de Sam Peckinpah. Su trabajo como el matemático tímido que aprovechando un descanso en su trabajo se marcha con su esposa a su pueblo nativo en medio del campo, es sumamente intenso. Su masculinidad es puesta a prueba cuando su esposa es asaltada, y en ese momento David protege su casa de los pendencieros locales en un enfrentamiento que no desea y que desencadena una escalada de violencia con la cual termina disfrutando.

Por su trabajo en “Lenny” (1974), de nuevo con una caracterización desagradable como el cómico Lenny Bruce, Hoffman fue nominado para un Premio de la Academia. Después, en “Todos los hombres del presidente” (1976), interpretó a Carl Bernstein, el reportero agresivo que ayudó a desvelar los entresijos del Watergate de Nixon.

Su película “Libertad condicional” (1978) fue un modesto fracaso, aunque la interpretación de Hoffman como un hombre de corazón duro tuvo bastante reconocimiento de la crítica. Un año después recuperó su imagen de actor de éxito con su atípica actuación en “Kramer contra Kramer, como un padre que debe desarrollar una relación con su joven hijo cuando su esposa se divorcia. No siempre bien considerada por las feministas, “Kramer contra Kramer” trataba de demostrar que un hombre podría ser mejor que una madre para cuidar a un niño pequeño.

La siguiente película, “Tootsie” (1982) intentó sugerir que un hombre pudiera ser una mujer eficaz, incluso mejor que otra mujer. En esta entretenida comedia sobre el cambio de sexo superficial, interpretó a un actor que se hace pasar por una mujer para conseguir un trabajo en un culebrón televisivo, convirtiéndose casi sin pretenderlo en un ejemplo público como una persona liberada, una mujer feminista. Aunque “Tootsie” mostró que Hoffman está eficaz incluso cuando se disfraza de mujer, su actuación es algo atípica y no puede ser considerada modélica puesto que en ocasiones nos recuerda demasiado a un travestí y no a una mujer. Su deseo oculto pudiera ser llamar la atención de las productoras sobre esos buenos actores desconocidos que están en paro, lo que cuando menos es loable por su parte.

Su actuación en Broadway como Willy Loman en “Muerte de un viajante”, realizada en 1985, también tuvo cierto éxito y no pocas críticas. Compitiendo con el fantasma de Lee J. Cobb, el intérprete de la versión teatral original, la propia categoría de Hoffman como un icono de la escena, este trabajo le perjudicó más que le benefició. Para muchos estuvo bastante despreocupado, sin olvidar que tenía 48 años, diez más que el personaje de la novela de Arthur Miller, quien describía a su hombre como un joven de baja estatura. Después del fracaso notorio de “Ishtar” (1987), tanto artístico como económico, Hoffman consiguió su segundo Premio de la Academia por su retrato acertado de un autista en “Rain Man” (1988), junto a Tom Cruise, consiguiendo anular a su compañero de reparto, no tanto por la diferencia en calidad interpretativa, sino por el personaje mismo. “Rain Man” fue una película sentimental que hizo meditar a los espectadores, al menos durante unos días y consiguió colocar a Hoffman como una de las mejores estrellas desde los años 60, mientras que simultáneamente consolidó la popularidad de Cruise como el galán más sólido.

Su reputación como uno de los mejores actores de América está ya consolidada, aunque algunos de sus trabajos posteriores fueron un pequeño fracaso en taquilla. Ese es el caso de “Negocios de familia”, una obra de Sidney Lumet en la cual interpretaba al hijo de Sean Connery y al padre de Matthew Broderick, pero con un guión tan débil que no había lugar para la sorpresa.

Tampoco consiguió buenos resultados con ese cómic cinematográfico titulado “Dick Tracy” (1990), en donde tremendamente camuflado como Mumbles, solamente consiguió demostrar que sabía recitar, pero como nosotros la vimos en versión doblada no podemos afirmar que este detalle sea así. Luego tuvo otro trabajo igualmente menor al interpretar al gángster holandés Schultz en “Billy Bathgate” (1991), mientras que con su caracterización como Capitán Hook consiguió al menos acercarse certeramente al personaje del cuento infantil. Dirigida desigualmente por Steven Spielberg, esta versión moderna del mito de Peter Pan, supuso una desilusión para los adoradores de este Niño que No Quería Crecer, aunque hemos de reconocer que entre todos los actores quizá uno de los más acertados fue precisamente Hoffman en el papel del siniestro, pero cómico, Capitán Garfio. Después le vimos en una comedia dramática titulada “Héroe por accidente” (1992), en donde encarna al personaje desaliñado de Ratso Rizzo, un desconocido hombre que se ve envuelto a su pesar en un acto de heroísmo.

Un papel algo más acertado, ahora convertido casi en un hombre de acción que debe pelear contra sus dirigentes, fue en el filme “Estallido” (1995, en donde interpreta al coronel Sam Daniels, un doctor especialista militar en epidemiología, quien debe luchar contra una plaga vírica desconocida que llega a los Estados Unidos procedente de Africa.

DIRECCIÓN DE DUSTIN HOFFMAN C/O Creative Artists Agency

9830 Wilshire Blvd

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USA

BIOGRAFÍA

Nombre de nacimiento: Dustin Lee Hoffman

Fecha y lugar de nacimiento: 8 de agosto de 1937, en Los Angeles, California Estudios: Los Angeles High School, Los Angeles; Conservatorio de música y artes de Los Angeles. Santa Mónica City Colegio, Santa Mónica; Pasadena Playhouse, California. Otros Datos Personales:

Su signo zodiacal: Sol en Leo, luna en Virgo

Su Padre: Harry (vendedor de muebles)

Su madre: Lillian (actriz amateur)

Su ex-esposa: Anne Byrne (actriz y bailarina)

Su esposa: Lisa Gottsegen (jurista)

Hijos: Karina, Jenna, Jacob, Rebecca, Max, y Alexandra

No es una cosa fácil convertirse en una estrella del cine; no hay ninguna ruta definida ni segura para ello. La asistencia a una academia de actores puede dar la impresión de que se está en el sitio adecuado para ser tenido en cuenta por las productoras, pero a menudo es más una simple nota en su curriculum que un sendero hacia el estrellato. Incluso el aprendizaje en una de esas viejas escuelas de donde salieron algunos de los actores más populares, ha demostrado que solamente sirve para seguir alimentando el ego de sus profesores. Sus estanterías llenas de fotos dedicadas de grandes estrellas no sirven para que sus alumnos consigan un trabajo. Con suerte, algunas de estas personas han aparecido en cien películas pero después de muchos años nadie sabe aún sus nombres. Otros han aparecido en una, justo la que les ha catapultado a la fama y se han agarrado tan sólidamente a este carro que han logrado permanecer largos años como personajes famosos de prestigio. Uno de ellos es Dustin Hoffman.

¿Cómo lo consiguió?. Indudablemente porque tenía y aún tiene un gran talento interpretativo, pero esto es algo que también poseen la mayoría de los cientos de actores que nunca salen del anonimato. Muchos de los hombres y mujeres que se han convertido en estrellas no lo han sido por ser los más inteligentes ni guapos que aquellos que se quedaron en el camino. Las razones para su popularidad son diversas, aunque todo el mundo encuentra una palabra mágica que lo explica todo: Suerte. Pero, como dijo Pasteur: la única suerte es estar preparado profesionalmente.

La suerte de Hoffman empezó aproximadamente cinco años antes de que naciera, cuando sus padres, Harry y Lilian, salieron de Chicago siguiendo a las víctimas de la depresión que buscaban un futuro más luminoso en California. Harry deseaba convertirse en un productor de cine, pero el trabajo que encontró fue el de un simple ayudante técnico. Sus hijos crecieron, por consiguiente, en el ambiente del cine.

SU FAMILIA

Dustin nació el 8 de agosto de 1937 y su nombre era igual que el de un actor llamado Dustin Farnum. Su hermano Ronald también fue nombrado en principio como un actor del cine, más probablemente Colman que Reagan, pero cuando Dustin tenía dos años, Ronald ya estaba trabajando en el cine y hay quien le menciona como extra en “Mr Smith goes to Washington” de Frank Capra. No se le conoce ninguna otra película. Por su parte, Dustin tuvo que esperar casi tres décadas antes de que se pusiera delante de una cámara. De hecho sus comienzos en la vida no fueron tampoco muy esperanzadores, puesto que tardó casi cuatro años en saber hablar, aunque una vez completado el aprendizaje se convirtió en un maestro de la palabra, aunque en opinión de su madre era solamente un payaso hablando.

Sus primeros recuerdos como actor le llevan hasta una obra de ínfima calidad realizada en el John Burroughs Junior High School titulada “A Christmas Carol” de Charles Dickens. Hoffman interpretó a Tiny Tim, porque, según comenta, “era el más bajito de la clase”. Pero cuando la función se realizó, solamente acertó a decir algo así como: “Dios nos bendiga a todos, señor Goddami”. Como quiera que los directores no estaban de acuerdo con esa bendición tan indiscriminada de Dios, Dustin fue suspendido.

“Normalmente mis compañeros de clase tenían ya pelo en pecho y jugaban al fútbol, por lo que comparados conmigo eran poco menos que unos galanes irresistibles. Con mi gran nariz, mi cara repleta de acné y mi baja estatura, solamente podía aspirar a jugar al tenis”.

Aunque su madre solía llamarle con el apelativo de Dustala (según dicen sacado de algún libro judío), en la escuela le llamaban Dustbin, un apelativo burlón que correspondía a Cubo de Basura. Pues parece ser que ese nombre hizo el milagro entre sus compañeros y terminó convirtiéndose en el jefe de la banda más agresiva de la escuela. Pero ni, aún así, consiguió tener éxito alguno entre las chicas, puesto que en los guateques era siempre el chico que ponía los discos y miraba cómo bailaban los demás. Cuando por fin lograba encontrar una pareja, se trataba siempre de una chica aún más fea y bajita que él, si ello era posible, por lo que todos le hacían corro para verles bailar y así reírse de ellos. Con el tiempo esa dualidad suya, matón por un lado y bufón por otro, le permitió atraer la atención sobre él y así consiguió dejar de ser objeto de las burlas para convertirse en burlador. Con su buena habilidad para diseñar travesuras era requerido por sus compañeros para saber quién sería la próxima víctima. Una de las más ingeniosas fue la de pedir a todos los alumnos del colegio que comenzaran a toser a las 2 de la tarde, justo en el momento de la plática religiosa. El resultado fue un: ¡Hoffman, vaya ahora mismo al despacho del director!.

La vida en su casa no era tan divertida. California era un lugar donde la mayoría de los americanos quería ir, aunque paradójicamente, cuando era niño, Hoffman quería escaparse de allí.

“Es que yo siempre he querido vivir en Nueva York. Desde niño yo leía novelas de personajes que vivían en la gran ciudad, como la obra de Leo Gorcey Our Gang, Los niños del Oeste han muerto. Desde ese momento yo quería ser como ellos”.

LA VOCACIÓN

Su primer contacto con un actor real fue casual, pero lo suficiente como para marcarle para siempre la senda que debería seguir. Estaba jugando al béisbol, cuando apenas tenía 11 años y acertó a pasar por allí el actor Robert Young (famoso por su trabajo como “Marcus Welby, doctor en medicina”). Dustin pegó en ese momento un golpe a su pelota tan fuerte que sorteando la valla metálica aterrizó justo a los pies de Young, quien simplemente la recogió y la volvió a tirar con una sonrisa. Ese acto tan intrascendente, fue suficiente para que al ver a un popular actor tan cerca de él Dustin se sintiera inspirado por una musa y decidiera ya, sin paliativos, dedicarse a la carrera de actor de cine. Su madre comprendió, no sabemos si lo había entendido antes de este hecho, que su hijo tenía inclinaciones artísticas, pero un simple reconocimiento visual la decía que lo de ser actor era algo imposible.

“Mis padres en realidad querían que fuera un pianista de música clásica, quizá porque sentado no se me notaba tanto lo bajito que era, y por eso me pusieron a estudiar piano desde los 6 años hasta aproximadamente los 16. Después me aficioné por el jazz y no quise volver a interpretar nunca más música clásica. De todas maneras, las dos modalidades se me daban fatal y creo que por eso me metí a estudiar medicina. Me imaginaba ya como un médico prestigioso a quien acuden señoras guapísimas para que las explore”.

Pero apenas había pasado un año desde que comenzó su carrera de medicina en la Universidad de Santa Mónica cuando abandonó sus estudios médicos, junto a sus aficiones musicales, e ingresó como alumno en las clases para actores del Teatro de Pasadena, en 1957.

“Nunca había pensado en ser actor, pero algo tenía que estudiar para que mis padres se sintieran tranquilos. Afortunadamente, el primer día que pisé esa escuela me di cuenta que era verdaderamente mi vocación y que por primera vez en mi vida me podía concentrar en algo. Siempre he creído que tenía mala memoria, pero el problema es que no podía memorizar aquello que no me interesaba”.

Veinte años más tarde, Hoffman racionalizó esta decisión a la Revista Cosmopolitan: “Creo que en realidad me dediqué al cine porque era la única manera de tener acceso a las chicas, aunque al principio seguía sin conseguir ni un mal ligue. Las mujeres bonitas llegaron después, cuando ya era famoso”.

En esa escuela solían pedir a los alumnos que improvisasen, que se dejaran llevar por su impulso, pero para Hoffman su impulso consistía en coger a una chica en sus brazos y besarla. Bueno, este era un impulso habitual en los chicos, pero en él estaba mucho más agudizado, especialmente por el hambre crónica que tenía de chicas. Afortunadamente sus profesores le otorgaban toda clase de papeles como suplente y aunque la mayoría de las veces se trataba de personajes malvados o que acababan víctima de las balas de la policía, en otras ocasiones debía besar a la guapa protagonista.

En ese momento de su vida el contacto con las mujeres era el motivo más importante para continuar en el cine, aunque debía esforzarse por disimularlo, puesto que si se descubría corría el peligro de que le expulsasen. Cuando alguien le preguntaba por las verdaderas razones de su vocación artística, decía:

“¡Oh, bueno!, lo cierto es que no puedo pasarme ni un solo día sin actuar”. Lógicamente era cierto lo que afirmaba, pero no explicó nunca las causas reales. Con el paso de los días hubo un instructor que le concedió la categoría de ser el actor que mejor besaba, todo un aliciente para un hombre que solamente había conocido los besos en la ficción.

“Ese instructor me confesó luego, a solas, que no había sido totalmente sincero y que en realidad consideraba que tardaría al menos 10 o 15 años en aprender a dar un beso correctamente y que si quería seguir en el teatro debería intentarlo con otros personajes”.

SU AMIGO GENE HACKMAN

Una vez que completó sus estudios de teatro, su complejo de feo y bajito le acomplejaba tanto que ni siquiera intentó conseguir trabajo en el cine. Estaba convencido de que nadie le daría un solo papel, como no fuera imitando a Peter Lorre. Parece ser que le hicieron una prueba para un papel de cowboy en una serie de televisión, pero que no consiguió dar la talla, conclusión que le sumió un poco más en el desánimo.

En ese momento de su vida no estaba dispuesto a volver fracasado a su casa y a comienzos de 1958 cogió un autobús en Greyhoiind, rumbo a Nueva York, en busca de un antiguo amigo que también intentaba sin éxito ocupar un puesto en el cine.

Se trataba de Gene Hackman, un hombre de 38 años, prematuramente calvo, poco atractivo, pero dotado de un fuerte carácter que le impulsaba a no desanimarse ante los problemas. Cuando le abrió la puerta, después de llevar varios años sin verse, se encontró con un desconocido de pelo largo, mal afeitado, que llevaba un extraño chaleco sin camisa, y que calzaba botas de vaquero.

Para ambos aspirantes a actores los teatros de Nueva York ofrecían en l958 pocas oportunidades, puesto que la mayor producción se centraba en Broadway, con musicales de gran éxito y obras teatrales que posteriormente se llevaban al cine. Eran los tiempos en los cuales triunfaban Arthur Miller y Tenessee Williams, además de otros muchos escritores que conseguían alcanzar la popularidad y el prestigio con un solo estreno en Broadway. Los actores de Lee Strasberg, los del Actor’s Studio, no solamente estaban allí para aprender a interpretar, sino para ser captados por los directores de los estudios cinematográficos. Lógicamente, entrar allí era una ardua tarea y a Hoffman le costó realizar cinco audiciones durante dos años, hasta que consiguió ser admitido.

Para su compañero de apartamento Hackman, que estaba trabajando como transportista de muebles, esa escuela de Nueva York se convertía igualmente en la única posibilidad para entrar en el cine. Para conseguir aportar el dinero suficiente para la manutención propia, Dustin realizó un trabajo como mecanógrafo a las órdenes de la empresa Reuben Donnelly, una firma especializada en trabajos de abogados, labor en la que permaneció hasta que encontró un empleo como enfermero y en ocasiones ordenanza en un hospital psiquiátrico.

“Yo era el que sujetaba a los pacientes para el tratamiento del electro-schock. Dentro de lo dramática que es la vida en un hospital psiquiátrico, para mí supuso encontrarme con la fuente de la existencia del ser humano y creo que aprendí más sobre interpretación observando simplemente a los enfermos, que en toda mi estancia en el Actor’s Studio”. Cuando cobró su primer sueldo en el hospital, ayudado por sus trabajos como vendedor en la firma Rudley´s, se fue a un restaurante y se comió seis filetes de una solo bocado, tan ansioso estaba de calmar su hambre crónica. Pero estos trabajos eran solamente eventuales, como suplente, y tuvo que dedicarse a vender bebidas en los descansos de las sesiones teatrales, ser dependiente en unos grandes almacenes y recoger las prendas en el guardarropa del teatro Longacre. En ese teatro tuvo la oportunidad de recoger el abrigo de visón de Eleanor Roosevelt, a quien contó sus ambiciones de ser actor.

No debió ser muy convincente puesto que la señora le ofreció trabajos como mozo, cocinero y lavaplatos, pero ninguno como actor.

Como los problemas económicos aumentaban sensiblemente, pidió ayuda a sus padres quienes le proporcionaron 50 dólares semanales durante los dos primeros años, presupuesto que fue distribuido acertadamente en tres partes: una para la comida, otra para pagar el alquiler y una tercera para el transporte. Es por eso que ahora nos resulta comprensible que el aspecto de Hoffman fuera tan desaliñado durante sus primeros años en Nueva York y que ese aspecto lo conservase ya incluso cuando se hizo millonario. Ambos actores, Hackman y Dustin, cuando fueron premiados por sendos Oscar al Mejor Actor, no olvidaron sus primeros años de frustración y los exteriorizaron representando dramas callejeros, sin olvidar que tuvieron que trabajar incluso como voceros de periódicos en Times Square durante la huelga de los empleados del New York Times. Su afición principal, en ese momento, era las chicas. Por eso y siendo consciente que debía ofrecerlas algo más lujoso si quería llevárselas a la cama, se cambió de apartamento y se fue a uno en el que vivían varios actores, entre ellos Robert Duval1 quién incrédulo ante lo que veía dijo: “Dustin ha traído más chicas a su dormitorio que cualquiera de nosotros y muchas más que Joe Namath, un chico que las enamoraba con sus bellos ojos azules”. Uno de los trucos que Dustin utilizaba para ligar consistía en que cuando las camareras le preguntaban, ¿Cómo le gusta el café? contestaba: “Negro, con azúcar y un beso” y de vez en cuando conseguía alguno.

Duvall, a quien recordamos por “El padrino”, “Apocalipse now” y “Phenomenon”, fue una de las personas que más anécdotas contaba sobre Hoffman y una de ellas hace referencia a una novia que tenía a la cual solía hacer dormir en sus brazos mientras le cantaba una serenata con una guitarra de Robert Duvall. Lo que nunca explicó qué sucedía cuando la chica estaba dormida entre sus brazos.

Esa pasión por las mujeres le llevó a interpretar lo que él considera su primer trabajo como profesional, en una obra dirigida por Gertrude Stein titulada “Yes is for a Very Young Man at Sarah Lawrence College”, la cual se representó en East Coast durante el mes de mayo de 1959. Pero aunque estuvo satisfecho por la gran cantidad de chicas que intervinieron, no le pagaron por su trabajo, al menos con dinero porque suponemos que no le faltaron besos. Ese sería su verdadero debut en escena, aunque otros biógrafos insisten en considerar como tal su trabajo en “A Cook for Mr. General” en 1961, obra en la cual solamente habló una palabra, sin que sepamos cuál era.

PRIMEROS TRIUNFOS

Después de dos años sus padres dejaron de enviarle dinero, más que nada porque ya le habían dado el suficiente margen de confianza en su intento por ser actor y esperaban que dejase Nueva York y volviera con ellos. Y como el estómago no espera a que realicemos nuestros sueños, Hoffman volvió a Los Angeles y vivió con ellos una temporada, justo hasta que encontró un trabajo estable en el Teatro Company de Boston. Allí fue dirigido por Ulu Grosbard en “Waiting for Godot” (Esperando a Godoy), generándose una gran amistad entre ambos. Esta obra realizada lejos de los habituales circuitos de Broadway fue un pequeño éxito, el primero de su carrera, y por ello Grosbard le dio después un trabajo como director auxiliar - no como actor -, pasando posteriormente a dirigir a Jon Voight y Robert Duvall en la producción de Nueva York “A View from the Bridge” (Panorama desde el puente, 1965), a la que siguieron dos películas en 1970 y 1977. Otra amistad fue con el autor de teatro Murray Schisgal, cuando Hoffman aparecía en tres de sus obras en Stockbridge, Massachusetts.

Su colaboración, diferente a la que tenía con Grosbard, continúa hasta el momento y uno de sus trabajos fue en “Tootsie”, argumento del cual fue co-guionista Schisgal.

Indudablemente se apreciaron las habilidades inventivas de Hoffman como actor en estas producciones regionales, aunque todavía estaba convencido que su gran momento no había llegado. Siempre que salía a actuar en la obra “Three Men on a Horse” (Tres hombres en un caballo) el público chillaba, pero cuando volvía a trabajar como director auxiliar se daba cuenta que no quería ese trabajo, que deseaba ser actor. En esa época tuvo momentos desmoralizadores y se cuestionó encontrar un trabajo fuera de los ambientes del cine o del teatro, pero afortunadamente no lo hizo.

“Cuando recuperé el entusia smo acepté realizar una audición en Broadway para la producción “Harry, Noom and Night” de Ronald Ribman, en la cual interpretaba a un homosexual alemán con joroba, ligado a los movimientos nazis desde que se quedó inválido. Estudié el acento alemán y observé durante algún tiempo a los mutilados de guerra para saber cómo lograban andar, al mismo tiempo que visité los suburbios donde vivían los marginados que habían peleado en la guerra y que ahora apenas si tenían para sobrevivir”.

Después consiguió su primer papel de protagonista en Broadway en la segunda compañía de Frank Gilroy, con un drama titulado “The Subject was Rose”. Pero el destino intervino en ese momento provocándole un accidente que inicialmente era cruel, puesto que le apartaba de la escena, pero que luego sirvió para hacerle famoso.

Ese día había ido al apartamento de un amigo de su chica para cenar. Como buen anfitrión se encargó de cocinar, pero con tan mala fortuna que una olla hirviendo se le cayó encima sobre sus brazos desnudos. Dominando como pudo el dolor y con la piel abrasada, se dirigió a un hospital, donde tuvo que permanecer un mes a tratamiento. Allí le mitigaron los fuertes dolores con altas dosis de Demerol, adelgazando durante ese período 15 kilos. “Lo peor de esto es que yo nunca estaba seguro de poder resistir ese accidente y consideraba que mi vida era tan insufrible que no merecía la pena. Las consecuencias de mi accidente, el abandono del trabajo, suponían un dolor mucho más intenso que la quemadura misma. Yo veía todos los días a las personas que llegaban al hospital llenas de salud y efectuando una corta visita porque sus múltiples obligaciones no podían esperar. Casi todas las noches lloraba de angustia, hasta que un día decidí que no hay mal eterno y que unavez curado volvería a trabajar con más fuerza aún que antes”.

Cuando los problemas vienen, casi nunca lo hacen solos y en ocasiones un desastre solamente conduce a una mejora en nuestras vidas. Hoffman había perdido su trabajo en “The Subject was Roses”, pero nada más restablecerse le ofrecieron el papel de Sparky en “Sergeant Musgrave´s Dance” de John Arden, aunque una brusca discusión con el jefe le dejó de nuevo en la calle.

Estas tres desgracias juntas fueron una fortuna para Hoffman puesto que pudo realizar una audición para la obra de Ronald Ribman “The Journey of the Fifth Horse”, papel que consiguió sin problemas. De nuevo tenía una oportunidad para desplegar su dominio de la escena, interpretando a un contable ruso misántropo de 43 años, por el cual recibió el premio Obie, un galardón que se concede a artistas que no forman parte de las grandes compañías de teatro en Broadway.

Era la primera vez, en su todavía corta carrera como actor, que conseguía ser reconocido por la crítica, y eso le equiparaba a actores como George C. Scott y Al Pacino, los otros dos actores nominados ese año para el mismo premio. Paralelamente, el director Ribman ganó también un Obie a la mejor Obra Teatral.

Después interpretó a un fontanero británico en la obra de Henry Livings “Eh?”, un éxito teatral en Londres y gracias a la cual se convirtió en el mejor candidato para interpretar a un vigilante nocturno llamado Valentine Brose, en una obra dirigida por Alan Arkin. Ese mismo año 1965 trabajó como ayudante de dirección en la obra de Arthur Miller “Panorama desde el puente” y estableció contacto con un antiguo director de cine de nombre Mike Nichols, quien acababa de terminar “¿Quién teme a Virginia Woolf?”, con Richard Burton y Elizabeth Taylor. En estos momentos estaba planeando su próxima película titulada “El graduado”.

POR FIN, EL CINE

“El Graduado” no fue la primera película de Dustin Hoffman y de hecho era la tercera. Gracias a su recién ganado prestigio como actor de Broadway, reputación aumentada por los buenos artículos que el comentarista Murrav Schisgal publicaba sobre él, le ofrecieron un primer papel en el cine en la película de Arthur Hiller “The tiger Makes Out”, basada en la obra de Schisgal.

El protagonista era Eli Wallach y su esposa, Ana Jackson, mientras que la intervención de Dustin Hoffman apenas ocupaba treinta segundos, pero fueron suficientes para que su nombre apareciera en los títulos de crédito, justo en el momento en que ya se encienden las luces de los cines y no hay nadie para leerlos. Sin embargo, para él fue la mejor de las experiencias.

“Yo fui a los estudios a las siete de la mañana y a las diez ya había concluido mi trabajo. Cuando terminé telefonee a todos mis amigos y les dije: ¡acabo de terminar mi primera película!”.

Antes de comenzar a rodar “El graduado” en 1967, tuvo tiempo de hacer varias cosas: apuntarse de nuevo a las clases del Actor’s Studio, asistir a la consulta de un psicoanalista para que le pusiera en orden sus ideas, entablar relaciones sentimentales con una amiga de Gene Hackman llamada Anne Byrne e ir a Roma a rodar “El millón de Madigan”. La película había sido ofrecida inicialmente a George Raft, quien rechazó con desprecio los 5.000 dólares que le ofrecían por protagonizarla, pero que para Hoffman eran suficientes si con ello conseguía el primer papel.

Dirigida por Stanley Prager y producida por Sidney Pink, tenía como compañeros de reparto a Cesar Romero y la italiana Elsa Martinelli, dos actores con bastante más fama que la suya, por lo que ello suponía un estímulo muy grande para su carrera. Su papel consistía en interpretar el personaje de un inspector de hacienda que persigue por Italia y España a un gángster americano que se ha fugado con un millón de dólares. No disponemos de ningún dato interesante sobre esta película, salvo que fue estrenada en Estados Unidos dos años después de su estreno en Europa, cuando el éxito de “El graduado” había convertido a Hoffman en una superestrella.

También era un total desconocido Mike Nichols cuando le presentaron el guión de “¿Quién teme a Virginia Woolf?” y le preguntaron si estaba dispuesto a dirigirla. Aunque Nichols había tenido algunos éxitos en Broadway como un actor en “Una noche con Mike Nichols y Elaine May”, y como director en “Barefoot in the Park”, nunca había trabajado en el cine hasta que le ofrecieron esa oportunidad para dirigir al matrimonio Burton. Para muchos era solamente una cuestión de presupuesto, puesto que el 80 por ciento del dinero disponible se fue en contratar a los dos protagonistas y necesitaban un director que cobrase menos que un extra. Sin embargo, para Nichols era la mejor oportunidad de su vida y la hubiera realizado gratis.

El éxito en Hollywood significa poder y cuando Joe Levine abandonó la idea de dirigir “El graduado”, Nichols aprovechó la ocasión sin dudar, dejando que su instinto decidiera por él. En las oficinas de la Embajada de Levine en Nueva York el candidato preferido era Chris Connelly de “Peyton Place”, que por lo menos se parecía el personaje descrito en la novela de Charles Webb. Sin embargo, Nichols quería que fuera un actor desconocido y más feo quien hiciera el papel principal y en ambos casos Dustin era la persona idónea. Salvo los actores dedicados al cine de terror, en ese momento no había otro actor menos agraciado que él.

“Cuando yo leí el libro pensé que se habían equivocado de actor y hablé con Nichols por teléfono sobre ello. Me preguntó cuáles eran mis razonamientos y le expliqué que el personaje era anglosajón, alto y delgado, y muy guapo, virtudes todas de las que yo, por desgracia, carecía. Por toda contestación me dijo que me había escogido porque yo era judío. Le expliqué que no era suficiente y me contestó que el personaje de Benjamín Braddock en el guión cinematográfico era bajito y judío”.

Las primeras pruebas de pantalla salieron horrorosas, especialmente cuando Hoffman tenía que demostrar que era un auténtico judío. No había manera de que olvidara sus orígenes norteamericanos.

El único punto a su favor era el que más odiaba: su baja estatura y su fealdad que no lograba disimular ni siquiera con un traje bien cortado. Hubo momentos durante el rodaje en los cuales Nichols dudó de haber escogido al actor más adecuado. Reconocía que era un buen actor pero no estaba seguro de que su físico fuera el que requería el guión, ni lo suficientemente atractivo para que el público se creyera que podía seducir a Anne Bancroft, una actriz que se encontraba en su esplendor físico.

Después se dieron cuenta que no era el físico la parte más esencial en el personaje masculino, sino el hecho de que Hoffman hacía perfectamente el papel de un forastero, incluso de alguien que acababa de llegar de una zona rural.

Katherine Ross interpretó a Elaine Robinson y suele recordar con nerviosismo cuando realizó laprueba con Hoffman: “Yo tenía delante a un hombre pequeño, blanco como la nieve y que repetía que no entendía por qué estaba allí, ni cómo alguien había pensado que era capaz de hacer ese papel. En una escena Hoffman me agarró fuertemente y eso me hizo enojar, pero fue cuando Nichols se dio cuenta que tenía al actor idóneo, o más bien el muchacho, puesto que debía interpretar a una persona diez años más joven”. El impacto que causó Hoffman en la oficina de Joe Levine fue menos impresionante. Habían quedado citados en su oficina de Nueva York y cuando llegó no había nadie, por lo que se sentó a esperar. Ese día llovía mucho y las ventanas estaban sumamente sucias, y el limpiador todavía no había llegado. Cuando Levine entró y vio a Hoffman sentado le dijo:

- Las ventanas están allí.

- ¿Qué quiere decir usted?

- ¿Está usted aquí para limpiar las ventanas, no?

Hoffman esbozó una sonrisa y sacando su pañuelo del pantalón se puso a limpiar las ventanas.

Cuando todo se aclaró y ambos dedicaron un buen rato a reírse sin parar, hablaron sobre la película y la preocupación de la productora para conseguir recuperar los 3 millones de dólares que les iban a costar. Hoffman, por su parte, era consciente de que su futuro como actor dependía de ese filme, pero sus esperanzas quedaron fuertemente disminuidas cuando oyó la siguiente conversación en el despacho de al lado entre Levine y Weston, el vicepresidente de publicidad:

- Ahora que ya ha realizado el casting y ha escogido a los actores, supongo que tendrá

las cosas más claras, pero ¿qué hace ese hombre tan feo siendo el principal protagonista de la película?.

- Bueno, él ha efectuado la prueba perfectamente. Hay otras personas que también consideran que es el actor idóneo.

- No quiero decir que nuestra opinión sea más válida que la de las personas que hicieron el casting, pero lo que parece cierto es que en ese momento estaban en el limbo.

Cuando la película se estrenó y proporcionó más beneficios a la productora que ninguna de las películas de esa temporada, nadie dudó ya nunca más de que la elección de Hoffman no haya sido la más acertada. Su actuación, sus gestos, combinados con ese sentimiento interno de inseguridad, proporcionaron el personaje judío que el guión requería, además de una nueva manera de hacer cine.

Los productores supieron posteriormente que Nichols había pensado en cambiar el personaje de la señora Robinson como una francesa para que Jeanne Moreau pudiera interpretar también un papel, pero en esta ocasión la opinión del jefe de publicidad prevaleció.

Las suaves melodías de Simon y Garfunkle especialmente “Scarborough Fair” – aportaron una nota romántica y de gran calidad al filme, contrastando con el duro personaje de Ana Bancroft como Señora Robinson, primero como una seductora convencida, después como una amargada madre vengativa. Los guionistas trataron de no desvirtuar demasiado la novela de Webb y cuando Ben (Hoffman) vuelve de la universidad durante un verano a la casa de California, se ve involucrado en un asunto con la madre de su chica. Los Robinsons casan apresuradamente a la hija con otro hombre, pero con un cambio drástico en el argumento original, Ben la arrebata del altar, un poco tarde, puesto que la boda ha concluido. “Ha llegado demasiado tarde”, grita la señora Robinson. “¡No para un chico de los sesenta!”, parece responderle Hoffman. Un elemento de los años sesenta que esta película ignora es el tema que dominaba las noticias de la televisión todas las tardes: Vietnam. El campus en Berkeley era más un lugar de tertulia política que un sitio para el recreo de los estudiantes, pero en el libro no se hace ninguna mención a ello, salvo cuando le preguntan a Ben, “Por qué no está usted allí?, y este le responde, “Porque estoy aquí”. Parece ser que Nichols lo único que pretendía era hacer una pequeña mención al conflicto bélico, sin comprometerse políticamente. “Es que, inicialmente, era incómodo ponerse en contra de esa guerra. Yo tenía una especie de paranoia en este asunto y cuando empecé a trabajar estaba convencido que todo el equipo estaba de acuerdo en no jugarse el éxito de la película por criticar la guerra. Yo me sentía incómodo por ser mi primer trabajo importante y no quería complicarme la vida aún más”.

El personaje de Ben era muy ambivalente y así lo sintió durante todo el rodaje. Pronto se dio cuenta que un rodaje no tiene que ser tan agradable como los espectadores piensan que es, y que ni siquiera las tres semanas de ensayos previos garantizan un buen trabajo. El primer día de rodaje, por ejemplo, no hubo manera de recordar el texto del argumento y fue imprescindible improvisar continuamente para poder aprovechar algunos planos. Con 29 años, Hoffman tenía que interpretar a un joven de 21 y para ello tenía que basarse en su vida pasada, bastante menos agraciada que la de Ben. También estaba el cambio generacional tan intenso que se estaba generando, justo unos meses antes del polémico mayo del 68.

Las dudas de Hoffman y la inseguridad que tenía respecto a su trabajo, no eran inferiores a las del propio director Nichols, quien debía tratar de demostrar a los ejecutivos que su elección no era desacertada y, simultáneamente, lograr que Hoffman trabajara con eficacia. “Nosotros tuvimos mucho trabajo con Dustin porque prácticamente era su primera película, pero demostró una gran inteligencia tratando de suplir la experiencia por el razonamiento. Normalmente teníamos que hacer siete tomas; las primeras cinco eran cosas sumamente extrañas, después había una terrorífica y finalmente una buena. Sabíamos que estaba tratando de encontrar su técnica y que observaba el resto del rodaje para aprender; por eso siempre estuve tratando de ayudarle”.

“Trabajar con Nichols fue muy relajante. Cuando me equivocaba me permitía proseguir y que tratara de enmendar el error. Después me preguntaba dónde había estado el fallo y cómo podía evitar que se repitiera. Hubo momentos especialmente conflictivos para mí y que aunque eran cómicos me hicieron gimotear y temblar de miedo. Recuerdo lo rígido que estuve cuando tuve que poner mi mano sobre el pecho de la señora Robinson, tratando de lograr que se pareciera a cómo se supone que yo había hecho cientos de veces con mis compañeras de instituto. Mientras yo estaba allí temblando de vergüenza, la actriz Anne Bancroft se reía por esa situación que a ella le parecía tan infantil”.

Hay otra escena, cuando intentan reservar un cuarto en un hotel para hacer el amor, y tiene que irse a la farmacia más cercana para pedir preservativos, con la consiguiente turbación. En esta escena Hoffman realizó algunas indicaciones a Nichols sobre lo que tendrían que hacer, si querían que todo pareciera natural. Cuando la película se terminó de rodar y volvió a California, Dustin se quedó allí hasta que se realizó el estreno en Nueva York y fue testigo directo del gran éxito que tuvo. Su destino ya no estaba totalmente en sus manos y pertenecía a las compañías de cine.

“Después de cinco meses de trabajo tenía que averiguar si verdaderamente iba a tener futuro en el cine. Cuando terminé la película en el mes de agosto me fui a las oficinas de desempleo y allí conseguí una audición en el Lincoln Center de Nueva York, pero no conseguí el trabajo”.

Financieramente estaba ahora más tranquilo, puesto que le habían pagado 17.000 dólares por la película y había alquilado un apartamento en Greenwich por 175 dólares. No tenía necesidad, por tanto, de volver a lavar platos o llamar por teléfono para vender las Páginas Amarillas. Emocionalmente tenía sentimientos contradictorios. Le dijo a Ulu Grosbard que si las tres experiencias de los meses anteriores eran realmente el mundo del cine, quería seguir en ese trabajo y no dedicarse a otra cosa. En su corazón, sabía que la película sería un éxito y solía caminar por las calles cercanas al cine donde se proyectaba y mirar a las caras de las personas, imaginando lo bien que se debe sentir un actor cuando es famoso. Con el paso de los años dejaría de hacer este experimento y tendría que acudir a un psicoanalista para que le ayudara a soportar la angustia que supone el ser reconocido por las calles.

EL APOYO DE LA CRÍTICA

La película se estrenó en la Navidad de 1967 y si Hoffman hubiera leído la crítica que publicó el Time, seguramente se hubiera desmoralizado. “El graduado” –dijeron de Nichols, supone indudablemente un esfuerzo para aportar nuevos argumentos pero, desgraciadamente, no tiene contenido y la mayoría del filme es superficial. Hoffman es original, un actor simpático cuya inseguridad palpable ante las cámaras le auguran un buen éxito como actor cómico”.

Pero su desesperación habría sido efímera, puesto que el éxito de público fue arrollador. Desde el primer día se consideró que estaban ante una buena comedia y que Hoffman era perfecto en su papel. El magazine Variety dijo que Dustin había realizado con gran éxito su debut en la pantalla y que muy posiblemente se convertiría con rapidez en un actor de prestigio. “Dustin Hoffman, insistieron, es un actor sabio que posee un gran talento, especialmente por su anterior formación teatral”. Por su parte, el diario La Nueva República afirmó que se trataba de un joven actor extraordinario, mientras que el New York Times, confirmaba esta opinión.

Muy probablemente Hoffman anuló su suscripción al Time y se cambió al Newsweek, cuando leyó en su crónica cinematográfica que había convertido al personaje de Benjamín en “un héroe paciente a quien amar. Una persona que nunca está seguro de lo que hacen sus manos o su voz y que cuando consigue tener a una chica cerca es como si estrenara por fin zapatos nuevos; tal es su alegría. Suele mover levemente su cabeza cuando no sabe realmente lo que tiene que hacer o decir, y quizá lo único que pretende es que le tengan por una persona inteligente. Incluso cuando tiene un millón de dudas durante la escena de seducción por parte de la esposa del compañero de trabajo de sus padres, elegantemente interpretado por Ana Bancroft, es tan cómico que nos olvidamos del intenso drama que tiene en su interior”.

Leyendo estas críticas entendemos la razón por la cual algunos comentaristas han sido invitados frecuentemente por los estudios a cenar.

NUEVOS TRABAJOS

Casi de manera súbita, Dustin pasó de vivir de los cincuenta y cinco dólares semanales que le pagaban en la oficina de empleo, a ser un actor que aparecía en las portadas de las revistas de todo el mundo. Desde ese momento empezó a recibir multitud de ofertas cinematográficas, todas pretendiendo que volviera a repetir su papel de Benjamín, el joven inexperto que hace el amor con una señora madura, algo que no estaba en la mente de Dustin. Ese día surgió un pequeño problema adicional en su vida, puesto que al figurar su nombre verdadero en el listín telefónico, recibía más llamadas de las que era capaz de contestar, algunas de ellas ciertamente ofensivas. Cuando cambió su nombre vivió una época de paz, evitándose tener que rechazar la gran cantidad de ofertas sexuales que le hacían señoras casadas.

“Lo más curioso de esta situación con el teléfono, es que la señorita que atendió mi petición de cambio de nombre me realizó proposiciones amorosas en cuanto le dije quién era. Esta fue una época curiosa, puesto que yo seguía siendo igual de feo que antes de triunfar y no comprendía dónde residía mi nuevo encanto”.

Los deleites de su popularidad fueron frenados igualmente cuando empezó a ser reconocido por la calle y no había manera de estar tranquilo tomando un café en ningún bar. Pronto entendió que la fama conlleva una pérdida de la intimidad tan alta que se puede hacer angustiosa. Acostumbrado, más que la mayoría de los jóvenes, a pasar desapercibido y no ser tenido en cuenta para ninguna fiesta, buscó el aislamiento social en cuanto se dio cuenta de lo que significaba ser una estrella de Hollywood.

“Ese triunfo era indudablemente la cosa más extraordinaria que me había sucedido en mi vida, pero al mismo tiempo era una situación agobiante, como si estuviera en una prisión. También comencé a sufrir la incertidumbre de si mi trabajo era aceptado o no por los críticos, y me convertí casi en un adicto a leer las crónicas del cine. Afortunadamente recurrí a tiempo al psicoanálisis y no me volví loco”.

¿UN SEX-SYMBOL MASCULINO?

Cuando percibió que era también objeto de deseo para las mujeres de más de 40 años, no supo si emocionarse o ponerse a reír. Que mujeres guapas que días antes le habrían negado hasta el saludo se convirtieran súbitamente en enamoradas platónicas no era fácil de digerir, mucho menos por un hombre a quien los más benevolentes juzgaban como un joven gracioso, y los más sinceros se referían como feo, bajito y narigudo. La única mujer que no modificó su criterio personal hacia Hoffman fue precisamente su amiga Anne Byrne, una divorciada con la cual vivía en un modesto apartamento de Greenwich y que incluso había abandonado su carrera de bailarina para dedicarse a cuidarle. Esta mujer seis años más joven que él, tenía una hija de su anterior matrimonio y ambos se habían conocido dos años antes en una lavandería automática del pueblo. Después habían compartido una escueta merienda en el bar “La improvisación”, donde él solía lavar platos para pagarse su comida, esperándole hasta que finalizaba su trabajo para montar en el asiento trasero de su motocicleta e ir hasta Jones Beach.

Según supo posteriormente, Anne había estado trabajando anteriormente en Philadelphia, donde conoció al financiero Winfried Schlote, con el cual se casó a los pocos días. De ese matrimonio nació una hija, Karina, y a los pocos meses se divorciaron y fue entonces cuando conoció a Hoffman, unas semanas antes de que “El graduado” se convirtiera en un suceso mundial.

NUEVA PELÍCULA

El éxito instantáneo y mundial de “El graduado” le liberó de todos sus otros trabajos y le pusieron en la pista para que su fortuna no volviera a torcerse. Él deseaba ser una estrella del cine, pero según su propio criterio y por eso no aceptó ningún trabajo hasta que le pusieron en la mesa un guión diferente.

El productor de la nueva película, Jerome Heilman, había adquirido los derechos de “James el Vaquero de Medianoche”, una novela de Leo Herlihy, cuando acababa de ver a Hoffman en “Eh?”, e inmediatamente pensó en él para el papel de Ratso Rizzo. Se comprometió con Waldo Salt para que escribiera el guión y con el director británico John Schlesinger, para dirigirla. Schlesinger acababa de tener un gran fracaso comercial con su última película “Far from the Madding Crowd” y reconoció que posiblemente estaba pasado de moda. Anteriormente había tenido un gran éxito con “Darling” protagonizada por Julie Christie, por la cual había sido nominado al Oscar al Mejor Director, y la película había conseguido tres Oscar al Mejor Vestuario, Mejor Actriz y Mejor Guión. Para John un éxito anterior no significaba un nuevo triunfo y no estaba seguro que ese argumento que le presentaban tuviera suficiente interés para una historia.

El guión tampoco logró entusiasmar a los ejecutivos de la United Artists y no deseaban financiar esa idea. El proyecto siguió adelante y cuando se le mostraron a Hoffman aceptó sin reparos interpretar el segundo personaje de esa historia de vaqueros tan poco atractiva en principio.

Le garantizaron unos ingresos de 250.000 dólares y aunque Schlesinger no había visto ninguna película de Hoffman, solamente “El graduado”, su impresión es que estaban equivocados al considerar que podría interpretar a Ratso. Ese hombre pequeño, casi un enano, tuberculoso y rechazado por la sociedad, requería otro actor. Con el fin de intercambiar opiniones y ponerse de acuerdo, Hoffman invitó al director a que se viera con él en Times Square. Ambos pasearon por la calle 42 y dedicaron toda la noche en comer en un desastroso restaurante. Schlesinger quedó asombrado por ese menudo actor que era capaz de fundirse con el entorno en cuestión de segundos. Ya no tenía ninguna duda de que aquel actor era el auténtico Ratso.

Encontrar al vaquero Joe Buek, era menos fácil. Finalmente ellos miraron en la lista de actores disponibles y escogieron cinco, entre ellos uno llamado Michael Sarrazin, quien pasó la prueba de pantalla sin problemas. Cuando todo estaba dispuesto, ese actor dijo que primero tenía que finalizar otra película que acababa de empezar, pero como quiera que la pre-producción ya estaba completa hablaron con el segundo actor elegido, Jon Voight, quien solamente había interpretado dos películas de serie B.

Antes de comenzar el rodaje Hoffman tenía que acudir a una cita con Hollywood. Había sido nominado para un Oscar de la Academia por “El Graduado” y con una gran honestidad dijo a los reporteros en la víspera de la ceremonia:

“Espero que Dios prohiba al jurado de la Academia que me entreguen un Oscar mañana por la noche. Me deprimiría si lo hiciera, puesto que realmente no lo merezco”. Sus esperanzas quedaron confirmadas, puesto que Rod Steiger consiguió el Oscar al Mejor Actor por “In the Heat of the Night”, mientras que Mike Nichois ganó el Oscar al Mejor Director.

“Cowboy de medianoche” es la historia de Joe Buck, un vaquero del sur que llega a Nueva York, esencialmente porque ha oído las numerosas aventuras sexuales que tienen lugar en la gran ciudad y quiere hacerse rico cortejando a señoras maduras millonarias. Pero pronto el cazador se convierte en víctima de la complejidad de la metrópoli, aunque logra compartir su infortunio con Ratso, otro desgraciado que trata igualmente de sobrevivir trabajando lo menos posible.

Al principio Ratso intenta hacer trampas a Joe, lo mismo que él hace a todos los demás, pero pronto se da cuenta que tiene ante sí probablemente al único amigo en su vida y que debe cuidarle. Ambos viven juntos, y cuando Ratso cae enfermo es cuidado amorosamente hasta que muere en sus brazos.

Hoffman conoció a Voight en los días en que trabajaba como suplente del director en “A view from the bridge”. La semana antes de comenzar el rodaje ensayaron sus personajes para averiguar las posibilidades que tenían de encajar en el mismo filme. Improvisaron algunas secuencias sobre cómo debería ser la relación entre ambos y luego hablaron con el guionista Waldo Salt, para que intentara cambiar al personaje de Ratso de acuerdo con estos ensayos.

Schlesimger usó todas estas sugerencias para lograr aportar también un aspecto documental sobre Nueva York a su película, especialmente en cuanto al lado sombrío de la ciudad. Todo lo que incluyó sobre el lado malo era real: un cuerpo abandonado, la miseria tan intensa, la gente tirada en las aceras, una mujer drogada que vende su cuerpo en la 8ª Avenida y una madre desaliñada con un hijo que juega con un ratón de juguete. Todo esto le apenó profundamente, y no eran escenas agradables de filmar, pero de algún modo debía mostrar a los espectadores la otra cara de la moneda, sacándoles de su sopor y de su indiferencia.

Cuando trabaja Hoffman pasa más tiempo en casa que en las calles de la ciudad, pero nunca rechazó firmar autógrafos a cuantos se acercaban a él y dedicó igualmente todo su tiempo libre a estar con Anne y la pequeña Karina, quienes solían acudir al estudio para visitarle.

“Nunca pretendí mostrar mi carácter verdadero en este filme, ni tampoco intenté algo estereotipado, tipo documental. Quería interpretar a un personaje complicado, un chulo patético tradicional del Bronx, tan sucio y desagradable que fuera imposible generar pasión en una mujer. Personas así las hay por millares en las ciudades, pero nadie las tiene en cuenta, ni siquiera los medios de comunicación. Hay mucha más sensibilidad hacia los inmigrantes que hacia los millones de parias nativos que rebuscan entre los cubos de la basura para sobrevivir ese día”.

El rodaje comenzó antes de que Dustin estuviera seguro de haber encontrado el verdadero carácter de Ratso y hay un par de escenas, especialmente en una tienda cuando tiene que llevar un sombrero, con la cual no se sentía a gusto. Quería demostrar que su personaje no era una persona que cuidase especialmente su atractivo físico y cuando se miraba en el espejo intentaba conseguir un aspecto lo más desaliñado posible. Su pelo debería estar peinado simplemente pasándole la mano, mientras que su mirada sería algo chulesca y triste a la vez. También pidió que le aumentasen la nariz mediante el adecuado maquillaje, y que le pusieran algunas manchas en la cara. Quería que su personaje fuera sumamente complejo, disperso, pero unido a una gran dignidad por ser un paria.

Su espontaneidad fue sumamente importante cuando lograba realizar escenas improvisadas, como cuando toca el gorro de un taxista que le grita y le hace un gesto de burla mientras le llama hijo de perra.

Las escenas entre él y Voight son mágicas y tensas. Ambos comentarían que nunca se vieron como actores fingiendo un papel, sino como Voight y Hoffman, y que si todo funcionó bien fue porque ambos se apreciaban en la realidad y así se trabaja mucho mejor. Ninguno de los dos intentaba eclipsar al otro con sus virtudes interpretativas, ni pretendían demostrar quién era capaz de hacer mejor esa escena determinada. Por eso la interpretación de ambos fue tan sumamente perfecta y creíble.

EL TRIUNFO

Cuando Hoffman vio por primera vez la película terminada temió que su trabajo sería muy criticado y que había cometido un gran error al interpretarlo así, tan desaliñado. Por eso, deseando cuanto antes interpretar a un personaje más normal, aceptó rápidamente el trabajo en “John y Mary”. Solamente cuando “Cowboy de medianoche” se estrenó en junio de 1969, sus miedos quedaron aliviados inmediatamente.

Una cierta esquizofrenia surgió entre los críticos, con un entusiasmo unánime por la película, pero divididos por la actuación de Hoffman, a quienes unos consideraban ya el mejor actor de todos los tiempos y otros un exagerado que se pasaba en su aspecto de sucio. La revista Newsweek reconoció que ambos habían conseguido actuaciones realmente buenas, y que el trabajo de Hoffman no era en ningún modo inferior al de Voight, logrando entre ambos una simbiosis perfecta.

Según el crítico Hollis Alpert, Hoffman surge con honor en la cima de las estrellas de Hollywood y demuestra que su temerario debut en “El Graduado” no era ninguna casualidad y que nos encontramos ante un nuevo gran actor. “La caracterización de Hoffman como Ratso, continúa Alpert, es realista y magistral, además de sorprendentemente emotiva y llena de ternura. Parece obvio que Hoffman ha disminuido voluntariamente la intensidad de su interpretación a favor de Voight y esta es una generosidad que no es habitual entre los actores. No importa lo profundo que sea el personaje de Ratso en “Cowboy de medianoche”, puesto que cada vez que sale a escena Voight le proporciona el soporte necesario para que su personaje pueda demostrar las tendencias melodramáticas de su papel y mostrarnos también a un gran ser humano”. Otro comentarista, Stanley Kauffman, insistía que la película está centrada en Dustin, no solamente en su relación con la sociedad, sino también con los animales, lo que aumenta su dimensión humana.

La Academia guardó el necesario equilibrio nominando a ambos al Oscar como el mejor Actor, aunque tuvieron que cederlo a favor del legendario John Wayne, quien hace años que debía ser premiado con ese galardón. Como ya sabemos el director del filme consiguió el Oscar por esta película, habiendo sido nominado anteriormente por el filme “Darling”. Era la época en la cual funcionaban muy bien las historias sobre parejas de hombres que viven aventuras diversas, como lo demuestra el hecho de que también compitiera ese mismo año con “Butch Casidy y Sundance Kid”.

MIA FARROW

Desgraciadamente esa química entre parejas de varones no solía funcionar igual de bien entre hombre y mujer, como lo demuestra el filme de Hoffman con Mia Farrow en su próxima película, “John y Mary.” Estaba basada en una historia corta de Mervyn Jones, transportada a Manhattan, en la cual un hombre joven recoge a una mujer igualmente joven y solitaria en una barra y durante las veinticuatro horas siguientes consigue conocer toda su vida, salvo su nombre. Tanto es así, que justo en la escena final ella le dice que se llama Mary y él responde que su nombre es John.

La vida de John podría haber parecido enviada del cielo para relajar a Hoffman, puesto que no parece en principio nada desagradable dedicarse a recoger mujeres solitarias en Nueva York, algo que ya había realizado en la vida real.

Pero en esta ocasión decidió usar su ingenio y carisma para lograr atraer a esa chica, aunque para ello tuvo que mostrarse en ocasiones distante, tímido y débil, peculiaridades en las cuales no se sentía a gusto.

“Puede parecer cómico, pero hay ocasiones en que no consigo conectar con mi personaje. Así me he sentido cuando interpreté “El graduado” y así me siento con “John y Mary”, por lo que no me queda más remedio que ponerme en manos del director Peter Yates y confiar en él. Pero con “Cowboy de medianoche” siempre me he sentido muy cerca del papel y he tenido en mi mente la certeza de que estaba haciendo un trabajo correcto”. Hoffman había visto a Yates dirigir la película “Bullit” con Steve McQueen, en la cual se efectuaba una de las persecuciones automovilísticas más aplaudidas de la historia del cine, aunque estaba seguro que se podía haber logrado aportar simultáneamente una historia humana más profunda y mejor construida. Este detalle le impulsó a aceptar un trabajo como el personaje masculino más importante, no poniendo ningún reparo a su compañera de rodaje Mia Farrow, quien ya había tenido un gran éxito con “La semilla del diablo”. Los dos nunca habían trabajado juntos y para congeniar se pasaron la primera semana ensayando con Yates en el apartamento que él había alquilado en Park Avenue. Cuando llegaron a los estudios situados en el Bronx Oriental, se encontraron con uno de los peores lugares existentes, pues se trataba de estudios usados por D.W Griffithi antes de la Primera Guerra Mundial. Además, los exteriores se debían filmar en la zona Alta Oriental, por lo que los largos paseos debían formar parte del trabajo diario.

La primera escena tiene lugar en la barra del Maxwell, donde John encuentra por primera vez a Mary e ingiere una gran cantidad de bebidas.

Al director Yates le gustó lo que Hoffman estaba haciendo con el personaje, dotándolo de una gran vulnerabilidad, un hipocondríaco que tenía que reflejar a la juventud de esa época. Pero Dustin tenía serias dudas sobre esa empresa y ni siquiera estaba seguro de haber entendido su trabajo una vez leído el guión.

“Creo entender lo que pide a la vida y que estamos hablando de un diseñador de muebles, bien arreglado y con un bonito apartamento, que conoce a una chica en un bar. El problema es que yo nunca he vivido de esta manera y la única manera es apartar el guión a un lado y hacer caso solamente de las observaciones del director. Lo que debo agradecerle es que en determinados momentos consiguió que afloraran a mi mente ciertos recuerdos de mi niñez, como cuando mi madre me ataba mis manos a los barrotes de la cuna para que no pudiera morderme las uñas”.

Mia Farrow estaba casada en esa época con Frank Sinatra, aunque mantenía relaciones con André Previn, mientras que Hoffman estaba en su momento más íntimo con Anne Byrne, siendo verdaderamente difícil que olvidaran su vida privada y simular que estaban muy enamorados en la película. Además, los pensamientos de Hoffman estaban muy cercanos a los de las filosofías hippy de los sesenta, mientras que Mia Farrow solamente pensaba en un matrimonio estable y burgués. En una ocasión Dustin dijo de ella:

“Ella es buena chica, pero solamente habla sobre la meditación y yo prefiero cuidar más las conversaciones”.

La película se estrenó a finales de 1969 y tuvo un éxito moderado.

El New York Times mencionó que la película carecía de interés y que “si las parejas se acuestan juntas sin una investigación preliminar sobre sus vidas, como John y Mary, habiendo intercambiado solamente opiniones superfluas sobre películas o algún libro, están condenadas a no entenderse. La exactitud social que pretenden mostrar, continuaban, puede parecernos correcta pero se nos antoja cómica.

Aunque la película en conjunto es agradable, se lo debe principalmente a Hoffman quien utiliza sus conocimientos previos sobre la vida para atraer al público. La única pega que podemos ponerle es que no consiguió asimilar la edad del personaje, algo más joven que él, y en ocasiones se comportaba de manera desacertada”.

Aún así, la película fue un moderado éxito, Hoffman afianzó aún más su categoría de gran estrella, y cobró por ella nada menos que 420.000 dólares, mientras que por la siguiente película “Pequeño gran hombre” cobró un millón de dólares.

UN ACTOR MUY COTIZADO

Cuando Dustin Hoffman se casó con Anne Byme el 4 de mayo de 1969, tenía treinta y un años y era de naturaleza y creencias judías, mientras que ella tenía veinticinco y profesaba la religión católica romana, además de ser una divorciada que aportaba una hija de su anterior matrimonio. El padre de Anne era bibliotecario en la Universidad de Columbia y pertenecía a una gran familia.

Después de pasar unos días de luna de miel en Asia, retornó para aparecer en la obra teatral de su amigo Murray Schisgal “Jimmy Shine”, una persona con la cual había tenido ya alguna experiencia en Broadway. Sabía, además, que la Twentieth Century Fox solía comprar los derechos para el cine de muchas obras de la matinée y consideraba que “Jimmy Shine” era una oportunidad perfecta para que pudiera demostrar su versatilidad y, al mismo tiempo, se pudiera apartar de la imagen de “El Graduado”.

“Para otras personas será una experiencia muy narcisista, pero no encuentro nada gratificante que los jóvenes tengan una experiencia pseudo-religiosa cuando me ven por la calle y me recuerdan en “El graduado. Para ellos vivir su primera experiencia sexual con una mujer madura puede ser muy erotizante, pero debo advertirles que la vida real es muy diferente y que lo mejor es que tengan sus experiencias sexuales con chicas de su edad”.

“Si hay algo que me gustaría comunicar a los espectadores son las emociones, las lágrimas y que saquen el odio de sus corazones. En “El graduado” yo era un joven que tenía su primera experiencia sexual sin amor y eso no es algo que deba recomendarse a nadie. Si sale bien es por casualidad”.

Jimmy Shine es un hombre de treinta años que se hace pintor porque su mejor amigo habla muy frecuentemente de ese arte. Pero ese amigo es persuadido por su padre para entrar en el negocio familiar, mientras que Jimmy se queda solo en un desván, con su arte y sus fantasías. Con canciones de Simon y Garfunkle, la obra tenía un formato de revista que proporcionaron a Hoffman, según la revista Time, “una posibilidad para gruñir como Jimmy Durante, holgazanear como W.C. Fields, andar vacilando como Groucho Marx y bailar como lo hace un cachorro para conseguir comida”.

La carrera de Hoffman fuera de la gran pantalla no le proporcionó el éxito que esperaba y aunque se esforzó mucho durante su actuación en Philadelphia y Baltimore, el público no respondió y empezó a estar preocupado seriamente por su continuidad como actor. La revista Sun de Baltimore aplaudió su trabajo, aunque no lo hizo con el conjunto de la obra y se refirió a ello como “un personaje en busca de una obra”, siendo esta la reacción general cuando estrenaron en Broadway. Clive Barnes, entonces el cronista más despiadado gracias a su plataforma en el New York Times, le dedicó esta opinión delirante: “Hoffman tiene la extraña habilidad de mostrarse tal cual es, o por lo menos de intentar hacerlo mientras trabaja. También es posible que solamente quiera mostrar pequeños aspectos de sí mismo, lo que nos proporciona un talento tan antinatural que es prácticamente monstruoso”.

Pero aun cuando Barnes intentaba demostrar que no era un buen actor y que su fama había sido cuestión de suerte, Hoffman todavía era una estrella excitante y el público respondía acudiendo a ver sus películas. Otro crítico dijo palabras aún más duras sobre él: “Usted es justo un actor del momento, una imagen; nadie le conoce personalmente y es posible que si esa imagen es fingida caiga pronto de su pedestal. Me pregunto si nos va a dejar ver de una vez su verdadera cara”.

ESCONDIDO TRAS UN MAQUILLAJE

Después de la molestia de interpretar a un neoyorquino normal en John y Mary, Hoffman supo que necesita un papel con un personaje más fuerte para recordar a su público que tenía un talento que era muy superior al habitual. Por esa razón aceptó filmar una historia ambientada en el Far-West, en tierras de Montana, interpretando a Jack Crabb, el único sobreviviente de la batalla de Big Horn, en la película titulada “Pequeño Gran Hombre”. Crabb, al comienzo del filme tiene 121 años y aunque para muchos actores era un desafío que muchas estrellas se resistirían a realizar por miedo al ridículo, para él era una buena oportunidad que no podía dejar pasar.

“En mi opinión, cualquier actor debería haber aceptado encantado ese trabajo. El artista del maquillaje, Dick Smith, creó un maquillaje terrorífico y de hecho yo dije que no aceptaría otro maquillador. Con la cara que me puso creo que cualquier actor podría hacer un buen trabajo”.

Smith tardaba cinco horas todas las mañanas para ponerle los catorce trozos de máscara que el viejo Hoffman de noventa años tenía que llevar, pero los dos estaban satisfechos de ese esfuerzo. Ambos, actor y maquillador, opinaban que era mucho más fácil actuar con una buena máscara. La historia, basada en una obra de Thomas Berger, y dirigida por Arthur Penn (quién había logrado un gran éxito con “Bonnie y Clyde”), tenía todos los ingredientes para triunfar. De hecho, ni Hoffman ni Penn podían prescindir el uno del otro desde que se habían comprado los derechos en 1965.

La historia nos habla de un muchacho blanco, quien es capturado por el Cheyennes cuando tiene diez años y después de un corto aprendizaje demuestra que es un valiente, consiguiendo un gran reconocimiento por ello en la tribu. Después hay ciertos momentos tensos cuando debe decidirse por los indios o por los blancos, hasta que hay una gran batalla denominada del “Cuerno Grande y Pequeño”.

Pero el autor del argumento y el director tenían un gran interés por hacer una película profunda, tratando de no volver a criticar el papel del hombre blanco en su lucha con los indios, y para ello emplearon un método perfecto para no ofender a nadie: el humor. Para interpretar los papeles principales de los pieles rojas se intentó contratar a Paul Scofield o Laurence Olivier, pero cuando estos rechazaron la oferta por no estar disponibles, se conformaron con Richard Boone, quien tuvo que abandonar repentinamente el rodaje. Finalmente y como para que todo en la vida salga bien se necesita un poco de suerte, las circunstancias llevaron a Penn a poder contar nada menos que con la presencia de un indio auténtico, el jefe Dan George, proporcionando una de las mejores interpretaciones de la película. También hay buenos momentos como la relación entre Pequeño Gran Hombre con su esposa, especialmente cuando tienen que hacer el amor. Finalmente, cuando él se acuesta para morirse a la manera india tradicional, la experiencia demuestra que lo hace fatalmente. Dan George acepta esta marcha atrás en su destino con un encogimiento de hombros: “A veces los trabajos mágicos, no se consiguen”.

Hoffman siguió las indicaciones de Penn todo lo bien que podía, ensayando intensamente su antipático papel principal. Siempre ha tratado de que sus personajes sean humanos, en lugar de héroe, anti-héroe u hombres importantes.

Le gusta mostrarse débil, incluso con personajes poco atractivos físicamente y en ocasiones no duda en hacer de malvado o antipático. Lo importante es que le dejen ser libre, por eso trabaja muy bien con Penn a quien le gusta lo impredecible y siempre está probando. Si alguien le dice: ¿probamos esto?, inmediatamente lo intenta. Siempre está abierto a nuevas cosas.

El propio Penn estaba preocupado por sus propios objetivos en esta película, puesto que pretendía que fuera diferente. “Nosotros, dijo, estamos ahora en otra manera de mostrar la narración. Tenemos un gran deseo por abandonar una línea narrativa recta desde el punto de vista de la narrativa redonda, cíclica. El viejo estilo no es suficiente. Si lo hacemos así será imposible contar esta historia”.

La idea era realizar un experimento muy audaz con una película de gran presupuesto - 6 millones de dólares - y una estrella popular, pero desgraciadamente la falta de acuerdos en el guión y una empatía que el productor llevó a cabo con algunas revisiones tibias, proporcionaron unos resultados moderados en taquilla. Cuando la película fue estrenada en Estados Unidos generó unos 15 millones de recaudación, inferiores a “El Graduado” (49 millones) y a “Cowboy de medianoche” (20 millones), pero bastante más que “John y Mary” (4 millones).

Con una duración real de 2½ horas la película no consiguió cumplir las demandas del público y el crítico Vincent Canby del New York Times mencionó las debilidades, especialmente aquellos momentos pretendidamente cómicos. Las escenas más duras se centraron en las preocupaciones sociales de los indios, aunque se mostraban casi exclusivamente con pinturas de guerra en la cara. Hoffman, sin embargo, sobrevivía con su reputación intacta.

“El señor Hoffman – dijeron - es uno de nuestros dos actores jóvenes mejores (el otro es Jon Voight) y aunque hay rastros peculiares de Ben Braddock y Ratso Rizzo en su Jack Crabb, está muy correcto”. La película recibió una buena crítica en la revista Izvestia cuando se mostró en el festival de Moscú, aunque no olvidaron mencionar los mitos del mundo burgués y utilizar palabras empalagosas para Hoffman solamente porque interpretaba a un personaje que hacía frente a los Estados Unidos. Lo curioso del caso es que ninguna de sus anteriores películas había sido estrenada en Rusia y nadie sabía los motivos por los cuales era tan popular.

Con suma prudencia y sabiduría, Hoffman había conseguido realizar sus cuatro primeras películas con directores de categoría. Después de “El Graduado” dispuso, además, de una gran libertad para escoger temas y directores, por lo que cada vez que actuaba se sentía en plena libertad.

“En una película usted puede tener una actuación muy buena y cuando el público le ve en la pantalla, si la dirección es errónea o las tomas han sido malamente escogidas con la cámara, todo puede resultar fatal, incluso la interpretación. Si se dispone de un mal director no hay quien salve la película, por muy correcto que sea el resto del equipo”.

PRIMER ERROR

Imprudentemente, para su quinta película, él estaba de acuerdo en trabajar con su viejo amigo el director Ulu Grossbard, quien hacía años había conseguido un gran éxito con “Esplendor en la hierba” y había conseguido lanzar a la popularidad a Jon Voight. Con un título que debería suponer un aliciente publicitario (Who Is Harry Kellerman and Why Is He Saying Those Terrible Things About Me?), afortunadamente abreviado en España como “¿Quién es Harry Kellerman?”, la película tenía, como personaje central, a Georgie, un hombre con quien Hoffman era bien capaz de sintonizar.

Su dilema es que tiene un enorme éxito porque ha escrito sesenta canciones en los últimos años, así como unos himnos para las fuerzas aéreas, otro para los pacifistas y hasta un tema para la lucha contra el cáncer. Ha figurado en la portada de la revista Time pero cuando la película comienza está a punto de suicidarse tirándose desde un edificio de la General Motors, aterrizando felizmente en la camilla de un psiquiatra a quien le cuenta sus desventuras. Al poco tiempo, el espectador sabe que todo es una invención en la mente problemática de Georgie.

Estaba basada en una historia corta del escritor Herb Gardner publicada en una revista semanal y previamente el señor Gardner había tenido una breve experiencia con ella en Broadway como “Mil payasos.” Bárbara Harris había conseguido un pequeño éxito con “Plaza Suite” y en “Harry Kellerman...” interpretaba a la novia de Georgie, intentando controlar a su novio, aunque en el fondo desea dejarle.

Hoffman tenía que envejecer desde los diecisiete a los cuarenta y dos en la película, de manera algo menos brutal y absurda que en “Pequeño Gran Hombre”, pero probablemente era un desafío más duro ahora que tenía ya treinta y tres años. También intentó proporcionar temas musicales y mediante su afición a la guitarra elaboró algunos pequeños temas, aunque lo único interesante es que, según sus palabras, solamente consiguió unos buenos callos en los dedos.

No hay una razón que justifique haber aceptado interpretar esta película, la más desconocida de su filmografía, aunque cuando le preguntaron alegó que el personaje de Georgie se parecía mucho a él mismo. Suponía un nuevo nivel para alcanzar puesto que era diferente a todo lo realizado con anterioridad.

“Fue la mejor experiencia que tuve hasta entonces y me identifico totalmente con el argumento. Todo lo que pasa durante la vida de ese hombre es interesante y nos muestran los cambios que los años proporcionan”.

La película es un testamento rico en ideas cómicas, como cuando la madre de Georgie le mira los pechos a la muchacha cuando ella habla con él, porque es ahí donde tenía su cabeza cuando él cumplió los doce años. Georgie se desespera porque no entiende el comportamiento de la raza humana y cuando pierde el trabajo y el médico le receta píldoras para la depresión, le dice: “Yo vengo a usted quemado por mis problemas y me trata como si fuera una quemadura del sol, en lugarde escucharme”.

Pero los críticos y el público no compartieron el entusiasmo de Hoffman por su personaje, tampoco lo hicieron con sus canciones, y hasta su categoría como actor descendió bruscamente. Para el crítico Vincent Canby del New York Times solamente le gustó su actuación cómica y a Molly Haskell fue curiosamente su gran calidad melancólica lo que la impresionó, recriminándole por las escenas cómicas que disminuían la intensidad del personaje de Georgie.

Hoffman confiesa que es egoísta, particularmente cuando está trabajando, pero durante el rodaje de este filme su esposa Anne estaba embarazada y él tuvo que realizar sus obligaciones prenatales.

“Solía llegar a mi casa por la tarde, totalmente agotado, y entonces tenía que acompañar a Anne a sus clases de preparación al parto. No puedo negar que lo hice protestando, pero cuando el 15 de octubre de 1970 nació mi hija Jennifer Celia (más conocida por Jenna), se me quitó bruscamente el agotamiento”.

En febrero del año siguiente se fue a Inglaterra para interpretar “Perros de Paja”, en Cornwall, durante un invierno muy crudo. Éste era otro cambio abrupto en la dirección artística de Hoffman, aunque ahora por lo menos se adecuaba a su verdadera edad y a su temperamento. Cuando la película fue estrenada y generó gran polémica por sus violentas escenas, manifestó en una entrevista para la BBC que le gustó el argumento porque quería examinar la violencia que podría ejercer en un momento determinado.

Para no cometer errores puso su confianza en un director de prestigio, Sam Peckinpah, cuyo nombre estaba totalmente ligado al género violento, aunque centrado casi exclusivamente en tiempos del Far-west. Habitualmente, usaba una manera de mostrar la violencia y la muerte empleando movimientos de cámara muy lentos, lo que elevaba la brutalidad a cotas muy altas. Sin tener en cuenta los métodos de otros directores que solamente esbozaban las escenas de violencia y sangre, Peckinpah no dudaba en mostrar los intestinos de las víctimas ante las cámaras, mientras que la sangre salpicando hacia el objetivo era uno de sus trucos preferidos. Lo mismo que John Ford, le gustaba emplear metáforas en su narración, pero todo mérito poético quedaba enmascarado cuando el primer grito de dolor inundaba la escena.

La primera escena de la película nos muestra a unos niños que prenden fuego a un escorpión, aún sabiendo que el animal tiene dos opciones: o quemarse con las llamas o suicidarse picándose. Escoge lo último. En otra escena en “Perros de Paja”, con niños que juegan en un cementerio, nos muestra una advertencia horrible de las siguientes escenas, que adivinamos letales.

Basado en el libro del escocés Gordon Williams, llamado “La Granja de los Trencher´s”, la posible conclusión que nos quería mostrar en que ni el salvaje oeste ni, de hecho, las calles más salvajes de Manhattan, tienen menos violencia que una simple comunidad pastoral en la civilizada Inglaterra; todo consiste en que haya motivos para ser despiadado. Hoffman interpretó a David Sumner, un matemático americano que toma sus vacaciones anuales para estudiar allí en una granja remota con su esposa Amy, una inglesa interpretada por Susan George. Los campesinos del lugar están alterados y ciertamente excitados por ella, algo en lo que Amy forma parte voluntariamente, puesto que acepta de buen grado ese juego peligroso. Ella es caprichosa, y solamente quiere excitarles, pero no calibra las consecuencias de sus actos. Ellos están convencidos de que su marido Hoffman es débil y como ellos son físicamente fuertes, entran ilegalmente en su territorio y van en busca de esa mujer a quien suponen hambrienta de sexo. Pero no es así y cuando ella les rechaza la violan.

La primera reacción del marido, en apariencia temerosa, les produce el efecto de estimular sus acciones más ultrajantes. Él les compra una bebida en la taberna local y su única respuesta a la violación es despedir a los hombres que están trabajando en su casa. Pero lo que desea esencialmente es encontrar la protección de su casa y con ello los deseos de venganza. Armado con una escopeta de caza, un poco de aceite hirviendo, y una trampa, consigue poco a poco ir matando a sus enemigos. Cuando ha terminado con todos, y su autoestima queda a salvo, mira los cadáveres y dice con una sonrisa de satisfacción: ¡Jesús, he logrado matarles a todos!.

Poderosa y hábilmente mostrada, la película respondía completamente a la imagen de Peckinpah, pero mirando con detenimiento a los personajes se nota la personalidad de Hoffman. Sabemos que improvisó diálogos, que hizo sugerencias a los actores ingleses, y aportó matices adicionales inventados a su propio personaje. Para muchos críticos Peckinpah estropeaba a los mejores actores al hacerles rodar estas películas tan violentas y era como ponerles una esvástica en la espalda, aunque para otros era solamente una actitud cínica de quienes nunca han sido víctimas de los violentos. Dustin permitió que un director y un actor quienes normalmente tienen una visión opuesta en el modo de narrar una historia, se comportaran como un matrimonio bien avenido y estuviera incluso en la misma longitud de onda.

Cuando Peckinpah tuvo que explicar a la prensa su película dijo que ya había hecho una declaración sobre la violencia en “The Wild Bunch” y que en esta ocasión había vuelto a reincidir sobre ello, aunque de una manera extraña el personaje de Hoffman incita a la violencia.

Personalmente, debo decir que Dustin Hoffman está ingenioso, intenso y engañando continuamente al espectador sobre lo que pasa por su mente, comportándose de manera poco vulgar. Cuando Susan George fue consultada sobre lo que haría ella en una situación similar, dijo que cualquier cosa menos aceptar una violencia que no había provocado y que si había alguien, entre los presentes, que le gustaría bajarse los pantalones ante tales desalmados, que se levantara para conocerle.

El ataque a la película no fue unánime, puesto que un amplio sector de la crítica aplaudió el filme y se entusiasmó con él. Una de las revistas especializadas dijo que, “Dustin Hoffman,en su papel como el profesor David, está indudablemente elegante”, mientras que la revista Time anotaba que se trataba de “una película inteligente, y que la actuación de Hoffman era nerviosamente cerebral y extraordinariamente comprensible”. A pesar del señuelo del nombre de Hoffman y la adecuada dosis de sexo, la desproporcionada violencia de la película no consiguió un buen resultado en el mercado americano. Los cuatro millones de dólares de recaudación fueron incluso menos que los que proporcionó“John y Mary”.

NUEVO ERROR

Dustin hizo realmente poco por restaurar su prestigio e incluso se permitió el exceso de decir que había rodado esa película exclusivamente por dinero. Después y como demostrando que estaba en un momento de su vida desacertado, se desplazó a Italia para rodar un filme mediocre titulado “El divorcio es cosa de tres”, en donde interpretaba a un empleado de banca llamado Alfredo. Su director, Pietro Germi, quería realizar una sátira sobre la diferencia entre la realidad y la ficción de las relaciones matrimoniales, al mismo tiempo que una intensa crítica a la ley de divorcio italiana.

Hoffman podría haber comprendido que las cosas iban por mal camino cuando se pasó un mes estudiando italiano y entonces, cuando llegó a Roma, le dijeron que la película se iba a rodar en inglés. Cuando el filme se estrenó en América, por supuesto, la tuvo que doblar al italiano.

Germi estaba encantado con tener a sus órdenes a una gran estrella americana, puesto que con ello su prestigio aumentaría rápidamente. Manifestó a la revista Variety que había enviado el guión a Hoffman, casi con la misma esperanza de quien tira una botella al mar con mensaje, esperando que alguien la recoja. Y Hoffman se vio pronto interpretando un papel con el cual disfrutó mucho, aunque posteriormente, cuando se enteró del fracaso del filme, renegó durante algunas semanas de todos, director y personaje. En un principio dijo que Germi sabía exactamente lo que quería y se movía con profesionalidad en su trabajo. Después, le criticó por repetir tantas veces las escenas, en lugar de planificar y pensar mejor las cosas. El director, por su parte, criticó a Hoffman por sus palabras y dijo que le habían tratado como si fuera un miembro de su propia familia y hasta le alojaron en su casa para que se encontrara más cómodo.

El personaje de Alfredo era el de un tímido empleado de banca, harto de tener que soportar a su esposa, quien pronto descubre que sus frustraciones se curan instantáneamente siendo infiel, especialmente con una mujer que tiene orgasmos aulladores, que incluso asustan a los perros de los alrededores.

POR FIN, UN NUEVO ÉXITO

Indudablemente, Hoffman no tenía un éxito cinematográfico desde “Pequeño Gran Hombre” y necesitaba con urgencia otro similar si quería seguir siendo una estrella cotizada. Por eso debía observar con lupa cualquier nuevo proyecto, aunque el que le pusieron encima de la mesa no parecía nada despreciable.

Se trataba de llevar al cine el bestseller “Papillon”, un proyecto sumamente atractivo basado en la obra de Henri Charriere, en la cual contaban las desventuras de dos reclusos que deciden escaparse de la prisión “La isla del Diablo” situada en la Guayana francesa. Tenía como oponente a Steve McQueen, entonces en la plenitud de su popularidad, y como productor y director a Franklin J.Schaffner, quien había sido galardonado en 1970 con un Oscar al Mejor Director por la película “Patton”.

Parecía un regalo del destino, aunque pronto una sombra de desconfianza se pasó por su mente, cuando se dio cuenta que el guión no era correcto.

“Yo no estaba interesado en hacer una película sobre una prisión en la cual dos tipos geniales logran escapar porque sus guardianes son estúpidos”.

Aunque el guión estaba basado en una historia real del mismo autor de la novela, las numerosas inclusiones inventadas del veterano Dalton Trumbo (quien por cierto interpretó al Comandante en la película), y las correcciones de Lorenzo Semple Jr., estropearon la buena historia original, bastante más simple pero mucho más emotiva.

Hoffman interpretaría a Louis Degas, un forjador que no tiene el deseo obsesivo de Papillon por escapar de ese agujero del infierno, y prefiere intentar acomodarse y aceptar la vida allí, aunque una visión del mundo exterior y la imposibilidad de llevar en la prisión una vida tranquila, convierten su cobardía original en un deseo febril por escaparse. Para prepararse adecuadamente se pasó varias semanas en la Biblioteca Pública de Nueva York y allí se leyó diez o doce libros sobre la vida en las prisiones de las colonias francesas. Uno de estos libros estaba escrito por un antiguo preso, un artista, cuya vida se parecía extraordinariamente a la de su personaje Degas.

Schaffner estaba buscando una colonia penal francesa y para ello buscó en la propia Guayana francesa (con celdas demasiado pequeñas), en los Estados Unidos (no había selva), Nicaragua, Brasil y México (políticamente inestable). También lo hizo en Colombia y Venezuela (una zona de gran delincuencia, como pudieron comprobar Peter O´Toole y Richard Burton cuando hicieron “Murphy´s War”). Finalmente terminó en Jamaica y usó una colonia de alemanes que habían vivido cerca de Montego Bay, los cuales sirvieron perfectamente como carceleros blancos, mientras que el grupo de hindúes de la misma área, lograron retratar con eficacia a los pueblos indios Guajiri solamente con cambiarse de ropa, tal y como los describía Charriere en su libro.

“Hay gente que come carne de cocodrilo, aunque el director hubiese preferido que fuera de caimán, más que nada porque el caimán es más dócil y a lo mejor se deja comer. El que se usó en la película estaba bien sujeto en una de sus patas y se usó hábilmente el travelín para que no le viéramos atado”.

“Teníamos que tener mucho cuidado también con su cola, no solamente con los dientes, puesto que si nos pegaba con ella con toda seguridad nos partiría una pierna. Nos dijeron que no eran peligrosos, que los caimanes estaban domesticados, aunque no estaba seguro de cuáles eran los argumentos que habían usado para explicarles que no nos debían comer, que éramos actores”.

Por si los argumentos fallaban, había varios hombres con rifles apuntando a los animales. En la escena, Hoffman sobrevive al caimán, lo mismo que McQueen, y nada más terminarla allí estaba la esposa de Dustin para compensarle con besos de la tensión sufrida, quien por cierto tenía una pequeña escena en el filme como su esposa.

Según la revista Time, Hoffman se sumerge excéntricamente y entretenidamente en el papel del cobarde, conclusión en la que todos los críticos estuvieron de acuerdo pero que no fue suficiente para catalogarla como una buena película. Afortunadamente, la respuesta del público no fue igual y el filme recaudó 3 millones de dólares en la primera semana de estreno en los Estados Unidos, más otros 22 y medio cuando se estrenó en el resto del mundo, convirtiéndose ese año en la quinta película más taquillera.

No fue una casualidad que los productores de “El divorcio es cosa de tres” estrenaran la película después de “Papillon”, aunque Hoffman no estaba satisfecho de ninguna de ellas. Mostró su pesar por no haber tenido tiempo de aprender italiano y se sintió incómodo con el director Schaeffner por no haberle dejado improvisar en “Papillon”. Acostumbrado a modificar los diálogos de manera intuitiva, se movía incómodo bajo un director tan rígido. A finales de 1973, sus pensamientos estaban mucho más claros y se había vuelto muy exigente con los nuevos proyectos. Ahora se trataba de “Lenny”, una biografía sobre el ultraje que la sociedad realizó al comediante Lenny Bruce, un hombre que trataba de mostrar las incongruencias de la sociedad moderna y que murió abandonado por todos consumido por las drogas y la miseria.

“Nunca vi en persona a Lenny, aunque dediqué tres o cuatro mes es a indagar sobre su vida. Hablé con su madre y su hermana y con algunos de sus amigos. También me dejaron ver una cinta que se filmó tres horas antes de su muerte y que contenía frases reveladoras y emocionantes. Era la primera vez en mi vida que tenía en mis manos un material tan humano”.

Las reflexiones sobre este personaje real motivaron a Hoffman a acudir a un psicoanalista, puesto que no se sentía contento consigo mismo. Allí le explicaron que el ser una super estrella y tener éxito en la vida no garantiza la felicidad, algo que ya sabía perfectamente sin necesidad de pagar porque alguien se lo confirmara.

“Yo había alcanzado el éxito en la vida hacía unos seis años, pero mis sentimientos eran los mismos de hace 30, cuando no tenía trabajo y las personas no me trataban tan educadamente como ahora”.

Lenny Bruce, también era víctima de depresiones intensas. Aunque los biógrafos trataron de mostrar su muerte de una manera digna, en ocasiones se había comportado y vivido como una sucia rata. Como si estuviera personificando a James Cagney, él sentía la necesidad de dotar a todos sus actos de un gran sentido del humor, incluso a los más deplorables. Quería demostrar lo absurdo de esas personas que se sienten ofendidas por el lenguaje mal empleado y queno tienen ningún reparo en emplear la palabra “follar” en su vida privada. También encontró inaceptables ciertas costumbres relacionadas con el racismo, en el cual la mayoría de la gente habla de un “hombre de color” cuando se trata de un negro y de un oriental al referirse a un chino. No entendía por qué pueden acusar a una persona de racista si nombra a la gente por su color de raza, especialmente porque a él no le molestaba que le llamasen “blanco”.

Sus amigos dicen que estas estupideces le llevaron a refugiarse en la droga y las anfetaminas, sustancias que no le impidieron trabajar duramente durante cinco años y alcanzar una gran notoriedad y prestigio. Posteriormente sería arrestado frecuentemente por emplear el mismo lenguaje obsceno que la gente emplea en sus casas o cuando está irritado y con más frecuencia por consumir drogas libremente. Poco a poco ningún club le dio trabajo y murió el tres de agosto de 1966, por una sobredosis de morfina. “Había otras costumbres en Lenny que a mí me gustaban mucho, como una que consistía en comer en un restaurante de lujo y cuando terminaba se metía en las cocinas, no para felicitar al cocinero, sino para hablar con las personas que lavaban los platos. Para él, ellos también contribuían al éxito del restaurante”.

Julian Barry que escribió el guión, ya había tenido anteriormente otra obra sobre ese mismo personaje. Pretendía convertir a ese cómico en un mito de la incomprensión social, aunque la película lo mostró finalmente como una persona con una capacidad enorme para autodestruirse. Trabajó seriamente con el director Bob Fosse quien había disfrutado un año dorado en 1973 con un Oscar para “Cabaret”, un Tony por “Pippin” y un Emmy para “Liza con Z”.

Demostró ser un trabajador incesante en el cine, repitiendo las escenas muchas veces, a veces treinta tomas, hasta que encontraba la que le gustaba. Ese modo de trabajar ocasionó muchos problemas con los técnicos, hartos de trabajar duramente durante un montón de horas.

También fue especialmente duro con Valerie Perruie, que interpretaba a Honey, la esposa de Lenny, a quien acusó de estropear una de las últimas escenas claves del filme, cuando se celebra el juicio.

Hoffman sabía el riesgo en el que estaba inmerso por tratar de interpretar a un hombre al que muchos de los críticos actuales habían conocido en persona. Una de las primeras críticas del Newsweek confirmó sus miedos: “Cualquiera que haya visto a Lenny Bruce realizar algunas de sus interpretaciones, las reconocerá inmediatamente en el trabajo de Dustin Hoffman. Las palabras están allí pero la energía demoníaca que destilaba no existe. El Lenny de alto voltaje, con sus monólogos, sus elucubraciones inteligentes y su verborrea tan personal, no aparecen en esta película. Hoffman logra captar algunas facetas suaves de su personalidad traviesa y encantadora, pero termina convirtiendo al chico malo que era en un moralista y reformista, en lugar del cómico volcánico que escupía lava ardiente por su boca.

Otro crítico encontró la película precisamente muy desarreglada porque evitaba cualquier concesión a la imaginación. Para él, Hoffman era demasiado bueno, fresco y lúcido, con pocas facetas negativas en su carácter, y terminaba convirtiendo su sarcástica maldad en humildad, convirtiéndolo casi en un Mesías de la Nueva Moralidad sin hipocresía. “Algunos críticos dijeron que yo no era suficientemente hostil, mientras otros pensaron que parecía la reencarnación de Lenny. Personalmente nunca estoy contento con mis interpretaciones y suelo ser muy crítico con mi trabajo, puesto que creo que podría haberlo hecho mejor”.

Sus compañeros de la Academia no opinaron lo mismo y otorgaron al filme seis nominaciones, entre ellas una al Mejor Actor. Era la novena película que había hecho y aunque no fue popular, para él suponía una nueva experiencia, bastante agotadora, y una clara señal que debía cambiar.

NUEVO RESBALÓN PROFESIONAL

Su amigo Murray Schisgal, quien había tenido anteriormente un éxito en Broadway con “Luw” y que también había escrito “Jimmy Shine”, quería contar con Hoffman para su nueva obra, “All Over Town”. Según explicó al New York Times, se trataba de una comedia contemporánea sobre la vida en la ciudad con dieciocho personajes de fondos étnicos y sociales diversos. Se intentaba meter en una sola tarde de teatro a la mayoría norteamericana.

Hoffman podría garantizar su apoyo a la obra si participaba en ella, no solamente como actor sino como director y financiero. Lawrence Turman, el productor de “El Graduado”, se interesó por el proyecto y aportó 100.000 dólares junto con Adela Holzer, mientras que Hoffman y Gene Hackman ponían 300.000 dólares.

Parece ser que se llegaron a ver en audición hasta 1.500 actores, tanto aficionados como profesionales, y según dicen entre ellos estaba una casi desconocida Meryl Streep, quien poco después se convertiría en una actriz de prestigio. Hoffman trataba de encontrar actores que no se limitaran a dejarse dirigir, sino que aportaran matices de su propia experiencia. A él le gustaba explicar lo que buscaba empleando la actitud de un niño que salta en la cama y cuando su madre le reprende dice que no hacía nada. Schisgal observó que los seleccionados respondían a su trabajo como actores y que Hoffman les permitía un margen de libertad que nunca antes habían tenido.

Cleavon Little, considerado como uno de los mejores directores de teatro de entonces, dijo que el problema era que la mayoría de los directores no saben nada sobre el trabajo de los actores y por eso con frecuencia los intérpretes terminan haciendo su trabajo en solitario, sin ayuda. Para él, Dustin era muy creativo y su modo de dirigir estimulante. Hoffman estaba contento. Ésta era la mejor experiencia que había tenido y la primera vez que estaba a gusto con los resultados. Pero era consciente que su mando no podía ser absoluto. “Habitualmente, dijo, un director altera el trabajo del escritor, y entonces el actor lo altera a su manera, distinto a como lo vio el director y el escritor. Pero lo importante, añadió, es que todos trabajen en colaboración”.

Después de la inauguración en Washington siguió haciendo correcciones, la mayoría de las veces desacertadas. Hoffman quería conseguir que sus cambios clarificaran el guión de Schisgal y tenía previsto continuar modificando los textos durante los primeros días del estreno. Tenía miedo de los resultados y quería contar con la experiencia individual de cada uno para mejorar la obra.

Anita Dangler era la actriz que interpretaba a la esposa del psiquiatra, pero tuvo que ser reemplazada por Carel Teitel, algo que perturbó a Dustin quien nunca estuvo satisfecho de la suplente.

Más que cualquier crítico, Hoffman era consciente que el rendimiento de una obra es un acontecimiento fluido, nunca para ser repetido, y que se pueden conseguir unos momentos maravillosos, unas veces con unos actores y otra con los restantes, y así cada sesión será una sorpresa, y una incógnita.

“Yo supongo que esto es lo que frustra a algunos directores; quieren que toda la película sea igual de maravillosa y eso no es posible”.

Afortunadamente para él, la noche del estreno en Broadway dispuso de la mayoría de los actores en buena forma y el público respondió sinceramente. Pero eso no era suficiente y durante los siguientes días de representación las correcciones fueron frecuentes.

EL ESCÁNDALO WATERGATE

El guión para una de las películas más importantes de Hoffman comenzó a elaborarse el 17 de junio de 1972, justo el día en que los periodistas del Washington Post, Bob Woodward y Carl Bernstein, comenzaron a trabajar sobre lo que ellosdenominaron “El escándalo del Watergate en Washington”. El resto es historia política moderna y los lectores ya saben el resultado final y hasta los pormenores. Parece ser que prudentemente los dos periodistas decidieron escribir la historia investigando por su propia cuenta y cuando todo hubo concluido el hermano de Hoffman, Ronald, que era un economista en Washington, le propuso la idea de realizar el filme.

La película parecía ideal para Hoffman, especialmente porque existía un gran parecido físico con el periodista Bernstein, pero cuando intentaron comprar los derechos de la obra escrita por los dos periodistas, Robert Redford se le había adelantado. Redford había pagado 450.000 dólares y entonces William Goldman fue el encargado de elaborar el guión,un autor que anteriormente había escrito “Butch Cassidy y Sundance Kid”. Su diálogo inicial produjo una conmoción en los reporteros, quienes consideraban la obra como una sucesión de chistes, algunos sin gracia y otros de mal gusto. El propio Barnstein se quejó, pero siendo ajeno a la industria del cine no entendía que la narrativa en una película no era igual a una novela.

Goldman dominaba perfectamente su trabajo y era uno de los mejores escritores de la posguerra, teniendo una gran habilidad para estructurar una película. El esfuerzo de Bernstein por re-escribir el guión, para satisfacer a todos, no fue un acierto. Cuando la obra se comenzó a rodar, Hoffman se sumergió en una particular labor de investigación sobre el modo en que trabajaban los reporteros y encontró un libro excelente de Timothy Crouse, “El Muchacho en el Autobús”, en el cual narraba cómo los periodistas siguen la campaña Presidencial para dar veracidad a sus artículos. También entró en las oficinas del Washington Post, caminando todas las mañanas por los alrededores, descansando posteriormente en el confortable Hotel Madison. Le obligaron a que llevara una credencial de reportero, le enseñaron a mirar como ellos, y le advirtieron que debía ser capaz de hablar improvisadamente con un Senador si se le cruzaba en su camino.

Esta era una experiencia para un actor muy intensa y poco a poco logró hablar y vestir como los periodistas. Dispuso de la colaboración del reportero Fred Barbvas, quien estaba entonces detrás de algunos casos de corrupción política en Maryland. Hoffman escuchó detrás de las puertas el asunto ese de las escuchas telefónicas y se dio cuenta que allí no había nadie honrado, ni los periodistas, ni los políticos. Mientras unos intentaban ganar votos, otros buscaban dinero por sus denuncias.

Después de algunos días de trabajo, los productores le pidieron a Hoffman que se pusiera en contacto con Bernstein para corroborar los hechos y aportar nuevos detalles a lo que realmente sucedió entonces. Los dos hombres hicieron una gran amistad y hasta fue invitado a pasar las Navidades en la casa de Bernstein. Era una amistad extraña y cauta, que proporcionó una nueva serie de detalles, con los cuales el guión ganó en veracidad. Inevitablemente este matrimonio temporal entre el mundo de la fantasía del cine y el mundo periodístico, finalizó con la rapidez en que terminó el rodaje. Cuando Redford dijo: “La ambivalencia del Washington Post me dejó alucinado. Nunca supe si buscaban la verdad o solamente vender periódicos. Me di cuenta que era fácil reñir con esos periodistas si se me ocurría cuestionar su honestidad”. Hoffman era más volátil y le dijo a Redford que no fuera tan duro con la prensa, aún cuando era cierto que con frecuencia se inventaban historias para vender periódicos. Le explicó que en el cine también se desvirtúan los hechos históricos y las biografías y que nadie se escandaliza por ello. Finalmente, los hechos prevalecieron por encima de la ficción. De hecho, para que todo fuera lo más real posible, la Warner Bros. invirtió 450.000 dólares en construir las oficinas del Washington Post en los estudios de Burbank. El folleto de su publicidad insistió en que el Washington Post reproducido en la pantalla contenía también hasta las papeleras auténticas y las bolsas de basura.

Pero una película basada en un hecho real debe disponer de algo más que una fiel reproducción de los hechos, y el éxito depende de otros muchos factores. Hoffman había insistido en que contratasen como director a John Schlesinger, con quien había trabajado en “Cowboy de medianoche”, pero Redford prefería a Alan Pakula que había hecho “Klute”. “Si nuestro proyecto fuera denunciar algo, dijo Robert Redford, sería interesante poner algo de tensión en el argumento, pero nuestra intención no es esa. Tampoco queremos aplaudir a ningún partido político, ni ocasionar una polémica sobre Nixon. Los actores de reparto siguieron bien juntos, aunque Hoffman demostró que se podía mezclar sin problemas entre la muchedumbre durante el rodaje en Washington, mientras que Redford tenía que permanecer en su caravana debido a la conmoción que su presencia producía entre las mujeres.

Redford, a su vez, fue generoso en cuanto a las alabanzas que hizo sobre su colega, menos popular pero mejor actor: “Una de las alegrías de esta película fue la de trabajar con Dustin; él tiene una forma maravillosa de estar con la gente, sin importarle el trabajo que hacen. Trabajando con él fue como trabajar con un arroyo de pura electricidad. Es tan intenso y fluido que obliga a todo el mundo a reaccionar”.

Hoffman, por su parte, dijo de Redford: “Ha sido divertido trabajar con él. Es sumamente rápido y atrevido. Si alguien me molestaba enseguida salía en mi defensa, como si yo fuera un niño pequeño a quien proteger. Como actores somos muy diferentes, sin embargo. A Bob le gusta revisar todo una vez finalizada la escena y se mete incluso en la sala de montaje, mientras que yo me olvido del tema una vez que dicen, ¡corten!”. No había ninguna garantía de que la película fuera un éxito. Ninguna película sobre política moderna había recaudado dinero en taquilla. La película anterior de Redford, “El Candidato”, había tenido cierto éxito, pero era una modesta excepción. Pero cuando “Todos los hombres del presidente” se estrenó en abril de 1976 los propios periodistas del Post en Nueva York no se volcaron en elogios y dijeron sin demasiado entusiasmo: “Aunque en “Todos los hombres del presidente” hablan sobre el gran poder que tiene la prensa, es así como muchas de nuestras historias impulsan nuevas películas. Los filmes sobre casos reales son un ejemplo de cómo Hollywood puede hacer una buena historia y aportar al público hechos históricos imprescindibles. A pesar de que esta película es solamente un mero entretenimiento y no un documento fidedigno, logra llevar con éxito a buen fin su historia”.

Este era uno de estos casos, no siempre común, donde la aclamación de la crítica y la asistencia pública en las salas fue unánime, siendo estrenada en 604 locales al mismo tiempo y consiguiendo recaudar siete millones de dólares en sus primeros siete días, más de los que consiguió “El Padrino” en el mismo periodo. Sus últimos beneficios en taquilla son de 30.000.000 dólares, y según la revista Variety se trata de una de las películas inteligentes más populares de todos los tiempos.

Solamente un hombre tenía ciertas reservas, a pesar de la unanimidad de la crítica sobre la película y su opinión fue publicada en la revista “People”. Se trataba de Dustin Hoffman: “No soy tan benévolo como lo han sido los críticos con “Los hombres del presidente”, puesto que podía haber sido mucho mejor. Los productores cortaron algunas de las mejores escenas y en ocasiones se referían a Robert Redford. Comenté a la productora que deberían agregar concretamente una escena donde Woodward y Bernstein están teniendo problemas, pero me dijeron que ya era demasiado tarde para hacer cambios tan radicales”.

Hoffman tenía razón en esta exposición de fallos puesto que la relación de Woodward junior, hijo del juez, con Bernstein tenía momentos más de competición que de confrontación. Este duelo alteró más al público que la misma relación entre Redford y Hoffman, asimilando su intercambio con el de Redford y Newman en “Butch Cassidy y Sundance Kid”. Había incluso el peligro en que la gran popularidad de ambos actores pudiera ser un impedimento para intentar mostrar una historia real.

El descontento de Hoffman no se centró en la película y se extendió a los críticos más audaces que atacaban su honorabilidad y su trayectoria cinematográfica. También les atacaba por encontrar tantas virtudes en un filme que contenía tantos errores y les acusó de aplaudirla solamente porque atacaba duramente al presidente Nixon.

“Me avergüenza lo mismo que me critiquen sin motivo a que me alaben. Preferiría escuchar una crítica a un halago. Cuando un crítico dice que una película es buena, sin serlo, posiblemente lo haga por motivos ocultos financieros”.

NUEVAMENTE, LA VIOLENCIA

La siguiente película era aún más violenta si cabe que “Perros de paja”. Dirigida por John Schlesinger, quien como sabemos había dirigido “Cowboy de medianoche”, tampoco consiguió tener unas buenas críticas y para algunos “Marathon Man” fue catalogada como la peor película de su carrera.

Aunque era una opinión excesivamente dura, existía cierta razón en juzgarla así. Basada en una historia de William Goldman, contaba con el aliciente añadido de poder trabajar con un actor inglés que gozaba de gran fama en el mundo entero: Laurence Olivier. Olivier interpretaba a Szell, un dentista Nazi que después de haberse escapado a América del Sur para recuperar una fortuna en diamantes, los ha guardado en una caja de seguridad en Manhattan. Hoffman, (aunque ahora tenía ya treinta y siete años), es un estudiante cuyo hermano Doc, (Roy Scheider) es asesinado por Szell al intentar quedarse con los diamantes. Hoffman se involucra muy a su pesar en el drama y Oliver está convencido de que dispone de alguna información. Ciertamente no sabe nada de los diamantes, pero sus captores intentan hacerle hablar empleando medios que nos aterrorizaron a todos los espectadores.

El libro de Goldman había tenido una merecida aceptación popular, quizá con un argumento bastante predecible, pero que nos mostraba a un personaje central llamado Babe, un hombre muy cerebral que súbitamente se ve sometido a un dolor insoportable. Sus captores querían que sufriese lo justo, ni tanto que muriese por el dolor, ni tan poco que se permitiera no revelar su información. Pero el problema es que solamente podía sufrir la tortura, puesto que no sabía nada de lo que sus enemigos deseaban. En esa época seguía siendo una buena excusa hablar de la maldad de los nazis, aunque parecía poco creíble que un nazi escondido se pudiera dedicar a ejercer de detective sin problemas. Por eso, en el momento de su estreno, hubo cierto revuelo en la comunidad judía por si esa circunstancia macabra pudiera darse en la realidad.

La crítica fue bastante unánime en esta ocasión y mientras hubo quien dijo que Hoffman era demasiado mayor para ese personaje, y le encontraron sumamente lento físicamente, otros dijeron que la película era tediosa, turbia y con una violencia injustificable. Personalmente puedo afirmarles que vi la película una sola vez y nunca más he sentido la tentación de repetir la amarga experiencia, no tanto por su calidad (en ocasiones correcta), como por lo especialmente desagradable de algunas escenas.

Hoffman es indudablemente la estrella de esta película. Aquí se nos mueve en ocasiones con la dosis cómica empleada por Woody Allen en algunas de sus películas, pero con la inteligencia del superviviente, con lo que consigue un nuevo valor a su trabajo. Hoffman demuestra gran valor al realizar una película tan desagradable, junto a un actor tan prestigioso como Olivier. Las comparaciones entre ambos son inevitables y solamente un actor tan meticuloso e inteligente como Hoffman ha podido conseguir que en el duelo interpretativo no salga mal parado.

Pero Hoffman no pudo disfrutar de las alabanzas de los críticos, como le ocurrió con “Cowboy de medianoche”, puesto que la mayoría de los halagos se fueron hacia Laurence Oliver. Hay quien afirmó que Hoffman era “un payaso encantador” y otros que reconocen que su trabajo tenía una gran energía.

También se quejó el propio director Schlesinger, quien dijo que Hoffman fue mucho más difícil de dirigir que en su anterior película y que nunca estaba satisfecho con las tomas, obligándole a repetir demasiadas veces. Se quejó de que usurpara su trabajo como director y que se convirtiera en juez de la película.

El récord de pretensiones de Hoffman le llevó a tratar de emplear sus propios métodos cinematográficos y ponerlos en oposición al de los intérpretes y técnicos ingleses, por lo que provocó un ambiente de trabajo agrio que generó no pocos enfrentamientos. Para su desgracia, sus dos películas siguientes fueron poco menos que un borrón en su buena carrera como actor.

UN CAMINO INCIERTO

Los problemas empezaron con First Artists Productions. Esta compañía se había formado en 1969 entre Paul Newman, Steve McQueen, Sidney Poitier y Barbra Streisand. El objetivo, como anteriormente había hecho Douglas Fairbanks con United Artists, era dar a los actores el control creativo de sus películas, impidiendo que fueran las productoras quienes impusieran sus condiciones. Para conseguir esto, sacrificaron sus sueldos pero se quedaron con un porcentaje de las ganancias.

Hoffman se unió a los actores en 1972 con un deseo claro de disponer del mando de la productora, hasta tal punto que sus socios pensaron que se estaba haciendo demasiado importante, especialmente porque los dos primeros proyectos le incluían a él como actor principal.

Hoffman quería que su primera película estuviera dirigida por Ingmar Bergman, pero para ello tenía que irse a trabajar fuera y esa época su esposa estaba embarazada y necesitaba estar a su lado puesto que ambos estaban siguiendo el método Lamaze de parto natural. Después culpó del fracaso de la película a la compañía por haber ofrecido un cheque de 5 millones de dólares a Bergman, lo que conducía a un gran riesgo financiero. La idea inicial era que la película fuera en color, no excedería de dos horas diez minutos, y el coste no podría superar los 3 millones de dólares, aunque siempre existía una posibilidad de aumentar el presupuesto si el proyecto era atractivo. La productora era, en principio, una idea excitante para él, puesto que por fin podría hacer aquello que le gustaba. En sus propias palabras, “puedo pasar de ser un color en la paleta, a ser el propio pintor”. Su deseo era poder leer una serie de guiones que normalmente nunca llegan a las productoras, y para ello lo imprescindible era evitar el trabajo de los agentes artísticos, demasiado preocupados en la comercialidad de las futuras películas y poco de la calidad. Pronto encontró un buen guión titulado “Ninguna bestia es tan feroz”, escrito por Edward Lewis cuando él estuvo prisionero en una cárcel. Hoffman tenía dudas sobre el proyecto pero exigió que el presidente de First Artists, Phil Feldman, se dedicara con urgencia a realizar la película porque ya había puesto mucho dinero en su desarrollo. Hoffman consiguió inicialmente un buen trabajo como director con “Straight Time” (Libertad condicional), pero pronto encontró que la tarea de dirigir y actuar era agotadora, sobre todo cuando no disponía de un guionista a su lado. Seguía con la intención de dirigirla pero un día dijo: “espero que aquellos que no trabajan cuando yo dirijo no se consideren artífices del éxito si lo conseguimos”. Pero estas palabras no fueron suficiente para facilitar su trabajo y pronto tuvo que contratar a su viejo amigo Ulu Grosbard, para que ejerciera el trabajo como director.

No era una opción muy acertada, puesto que Ulu Grosbard ejercía su trabajo como un empleado a sueldo, no como un artista del cine.

Ya sabemos que había dirigido a Hoffman en “¿Quién es Harry Kellerman” y que su reputación le venía desde los tiempos de “Esplendor en la hierba”, pero era demasiado lento trabajando y la fotografía no tenía un estilo definido.

Hoffman interpretaba a Max Dembo, un criminal reincidente que, después de pasar seis años en la cárcel, hace todo lo posible para volver a su vida anterior. Aunque a los críticos les gusta el conjunto del filme e incluso la historia de ese neoyorquino, acusan a Ulu Grosbard de haber dibujado al personaje de Hoffman como demasiado benévolo y humano, olvidando su pasado como criminal. Por si fuera poco, sus socios de la productora le negaron a Hoffman el porcentaje de los beneficios por su trabajo como estrella y le acusaron de haberla estropeado con sus declaraciones a la prensa. First United dijo que en sus declaraciones se dedicó a criticar a la película, más que a alabarla, y eso fue la causa principal del poco éxito económico.

Hoffman negó las acusaciones que consideraba infundadas, aunque admitió que estuvo seriamente enojado porque no le habían dejado revisar la película una vez terminada y que solamente tuvo la oportunidad de ver los primeros veinte minutos de la cinta terminada, antes de que First United la llevara a la distribución. Es más, cuando alegó que la duración de la película era excesiva, 114 minutos, nadie le hizo caso.

Todo este enfrentamiento provocó una serie de denuncias judiciales contra la compañía y rompió su antigua amistad con Ulu Grosbard, sin que ninguno de los dos efectuaran una declaración a la prensa.

También circuló el rumor de que el matrimonio Hoffman estaba con problemas y aunque lo negaron inmediatamente, el divorcio en 1978 terminó por aclarar los rumores. En la primavera de ese año ya se le podía ver en Yorkshire rodeado de muchachas que coqueteaban con él como si se tratara del soltero más cotizado.

Unas semanas después se marchó a Inglaterra para interpretar el personaje del periodista americano, Wally Stanton, en la película “Agatha”, una obra escrita por Kathleen Tynan sobre los once días de 1926 cuando Agatha Christie, la popular novelista, descubre que su marido tiene un romance con su secretaria, y desaparece misteriosamente del Hotel Cisne Viejo de Harrogate.

“Nosotros nos quedamos en el mismo hotel y, de hecho, yo hablé con una camarera que recordaba que la Sra. Christie estuvo allí. Pero cualquier esfuerzo para hacer un informe documental en la película que me había sido encargada por la Warner Bros., quedaba frustrado porque querían más un thriller que ajustarse a la realidad”.

Hoffman había dicho que la tarea del director Michael Apted era casi imposible, y eso que todos habían revisando el guión de Mrs. Tynan con dos nuevos escritores, Arthur Hopcraft y su amigo Murray Schisgal, mientras se hacía el rodaje. En su propia defensa, Hoffman dijo:

“Yo casi me puse literalmente de rodillas y no lo hice aprovechándome de mi condición de estrella. Les dije que no podíamos contar la historia como si se tratara de una obra real de Agatha y les advertí que las historias de esta escritora nunca fueron buenas ideas para el cine. El guión se volvía a escribir todos los días y se pasaba de la historia rosa, al cine negro y de este al verde. Fue una pesadilla para los actores”.

El único que llevó perfectamente el trabajo fue el operador italiano, Vittorio Storaro, que indiferente con los detalles del guión, trató de aportar su propia experiencia y sin consultar a nadie introdujo planos elegantes en muchas escenas, que aportaron una glamour extraordinaria, aunque supuso una nueva pesadilla para el editor.

Vanessa Redgrave que interpretó a Agatha Christie, se preocupaba por el guión y aún encontró tiempo para distribuir entre los obreros sus panfletos sobre el Movimiento Revolucionario que capitaneaba.

El problema esencial era que la parte de Wally Stanton era muy pequeña pero debido a la presencia de Hoffman tuvo que ser ampliada. Incluso cuando se volvió a escribir Hoffman no estaba satisfecho:

“La escena que explica mi personaje no existe. En esa escena me pregunté por qué estaba tan afectado por la desaparición de Agatha, puesto que debería estar más preocupado por ser un novelista fracasado. Esa aclaración no está en la película y yo pedí permiso y dinero para añadir esta aclaración al final, pero no quisieron”.

Había motivos para que ambos lados estuvieran disgustados. First United alegaron que Hoffman decidió que algunas de las escenas en las que él aparecía eran malas y debían quitarse, mientras que la compañía dijo que apenas había tiempo para realizar correctamente el montaje. Le criticaron por preocuparse exclusivamente de su persona y no del filme en sí.

El resultado de este enfrentamiento es que Hoffman puso un pleito a First United demandándoles 65 millones de dólares, 4 de ellos para recompensarle por las ganancias no recibidas en las dos películas. Como quiera que no llegaron a un acuerdo, en julio de 1978 se detuvo la distribución del filme.

La Corte Suprema de Los Angeles, presidida por el juez David A. Thomas, se preguntó cómo era posible que ambos litigantes se metieran en un problema legal que les causaría mucho más quebranto económico que el que se había generado. Les pidió a ambos que reconsiderasen sus posturas y que sacasen a distribución la película, aunque no se olvidó recriminar a Hoffman por haber sacado provecho económico de un trabajo mal realizado Considerando la causa de la discordia, una vez que vemos el filme “Agatha” con detenimiento, nos damos cuenta que no era tan malo. Constituye una gran sorpresa y un considerable placer, según publicaron en el New York Magazine, mientras que para el New York Times, Hoffman está correcto como cómico.

PROBLEMAS PERSONALES

En la Navidad de 1978 Hoffman tenía uno de sus momentos más bajos. Había presentado una demanda de divorcio hacia su esposa, tenía el pleito con la desaparecida First United Production, y la Warner Bros. no quería renovarle el contrato. Lo que no sabía era que su próxima película le volvería a colocar en la cúspide del estrellato.

La película se titulaba “Kramer contra Kramer” y estaba basada en la novela de Avery Corman, en la cual contaba el comportamiento tan hostil que tiene una esposa que abandonó a su hijo y marido. La obra fue adquirida por el productor Stanley R. Jaffe y el director elegido en principio fue el francés Francois Truffaut, pero cuando sus obligaciones le impidieron aceptar el trabajo, se lo encomendaron a Robert Benton coautor de “Bonnie and Clyde”. Era una gran ventaja tener un director que también era guionista, y cuando se incorporó al proyecto lo primero que hizo fue modificar el personaje de Dustin Hoffman, como Ted Kramer, un ejecutivo de publicidad que se encuentra en una difícil situación por la custodia de su hijo.

Ambos estuvieron mucho tiempo en un cuarto del hotel grabando los pensamientos de Hoffman sobre la película y la mayoría de este material fue pasado con posterioridad al papel. Se suprimieron muchas palabras repetidas, como terrorífico, y se esforzaron por escribir un guión con gran calidad literaria, aunque dejando bien claro que un guión no es algo inamovible, y que se modificará tantas veces como sea preciso.

Cada vez que se rodaba una secuencia, siempre había alguien que observaba el guión y reformaba lo que fuera surgiendo como imprescindible.

Hoffman también utilizó para su personaje aspectos de su propia personalidad y de su vida. Tomando facetas de la vida con su padre Harry, de su hermano Ronald, de su propio divorcio, e incluso de la vida del productor Stanley Jaffe, consiguió dotar a su personaje de una gran credibilidad. Esa misma técnica para acercarse a un modelo familiar, ya la había empleado para “El Graduado” y fue la base de “Cowboy de medianoche”. La coincidencia de su propia vida privada con esta película, quedó perfectamente patente en su interpretación. Hoffman se acababa de marchar de su casa familiar y se había instalado en un apartamento propio al oeste del Central Park. Sus hijas Karina y Jennifer se quedaron con su madre pero venían a visitarle casi todos los días a los estudios, e incluso Karina tiene una pequeña intervención en la película.

“No se puede dedicar el mismo tiempo a la familia y al trabajo. Una noche mi esposa me preguntó si sabía exactamente dónde tenía Karina un antojo, una mancha de nacimiento, y cuando le dije que no estaba seguro se enfadó muchísimo conmigo.

Pero ella tenía ventaja, puesto que estaba siempre en casa con mis hijas mientras yo tenía que trabajar fuera. Si yo no ganase el suficiente dinero Anne hubiera tenido que trabajar todo el día fuera y tampoco podría haberse dedicado a las niñas”.

En la vida real Hoffman nunca encontró difícil rodearse de chicas guapas y se le veía frecuentemente en compañía de bellas mujeres. Solía bromear diciendo que “normalmente no había hombres alrededor de él, pero sí muchas mujeres”.

Profesionalmente, intentó involucrarse activamente en su última película y estableció una buena relación con el pequeño Justin Henry. El niño no había trabajado antes en el cine, pero le fue fácil conectar con Dustin puesto que estaba acostumbrado a llevarse bien con su propio padre. Hoffman estaba ansioso por demostrar que sería un compañero excelente para el niño y le apoyó en sus momentos de mayor desconcierto. Durante el rodaje se enteró que sus padres se iban a separar y que se iría a vivir definitivamente con su padre, pero estaba preocupado porque no sabía como sería su vida futura.

“Poco a poco los juegos entre ambos se acabaron y el último día de trabajo le dije al pequeño que le quería y que no le olvidaría. Ese tipo de relaciones son frecuentes durante los rodajes y ayudan mucho a que todo funcione bien”.

Originalmente, los productores quisieron darle el papel de Joanna Kramer a Kate Jackson, más que nada porque estaban seguros de vender posteriormente esa película a la televisión por varios millones de dólares, teniendo en cuenta que se trataba de una de las chicas de “Los ángeles de Charlie”. Los productores estaban preocupados por la posibilidad de no cubrir gastos y querían tener la película vendida para la televisión antes de terminarla. Afortunadamente para todos, el papel se lo dieron a Meryl Streep y ella se tomó su trabajo con mucha seriedad. Sabía que su personaje debía mostrar a una mujer egoísta, algo chiflada, y en ocasiones neurótica.

Su apasionado papel se hizo especialmente intenso cuando se enfrentó al tribunal. Parece ser que la propia Meryl Streep modificó los diálogos que debía decir al tribunal y añadió esa respuesta al juez cuando le preguntan por qué quiere la custodia del niño: “Porque es mi hijo y le quiero. Sé que le abandoné y eso es lo más terrible y no quiero seguir viviendo con esa tristeza”.

Esa escena le proporcionó una satisfacción adicional a Streep, y todos estuvieron de acuerdo en que los diálogos servían, aunque Dustin estaba furioso y se le podía ver salir humo de las orejas. Él tenía que saber lo que ella diría para poder efectuar su propio diálogo y así le era muy difícil. Al final reconoció que fue un día divertido. No había nada en esa historia que presagiara un gran éxito. De hecho, Hoffman tuvo noticias sobre algunos informes de los ejecutivos de la Columbia que mencionaban las pocas posibilidades del filme, especialmente por lo poco que se parecía a la historia original. Allí no había un ganador ni un perdedor, un héroe o un bribón y los ejecutivos sabían que comercialmente el público quiere identificarse con alguien y colectivamente quieren odiar al villano. Todos reconocieron que al ser tan ambigua no era comercial. Pero sus expresiones cambiaron cuando se estrenó y el aplauso del público fue unánime. Kramer consiguió, además, nada menos que cinco Oscar, entre ellos uno para Dustin Hoffman, así como otras cuatro nominaciones y los beneficios ascendieron inmediatamente a sesenta millones de dólares.

UNA ÉPOCA FELIZ

Hoffman era un hombre nuevo en ese momento. Su carácter amargo había dado paso a un hombre relajado y su estilo de vida cambió radicalmente. Había pasado de la incertidumbre a la seguridad en pocas semanas, aunque su divorcio con Anne no le permitió una felicidad completa.

Poco después de terminar la película se fue a Los Angeles por entonces había formado una nueva relación con sus padres: su padre, Harry, se había convertido en su compañero de tenis favorito. Ahora vivían en Londres, y su padre le enviaba mensajes a su madre que vivía en el piso de abajo, aunque a la hora de cenar todos se reunían.

Hoffman también estaba con su nueva esposa, Lisa Gottsegen, a quien conocía desde que era un niño, cuando sus abuelos vivían muy cerca de sus padres en Los Angeles. Cuando Hoffman estudiaba en el Colegio de San Fernando del Valle se volvieron a ver de nuevo, aunque en ese momento no tuvieron una relación sentimental profunda. En 1980, seis días después de su divorcio con Ana, se casaron.

Quien había conocido a Hoffman cuando rodaba “Perros de paja” sabía que su intención era hacer siempre personajes diferentes, y aunque en Kramer hizo un papel más convencional, seguía siendo una variante de sus otros papeles.

“No creo que ese papel sea convencional, sino solamente diferente. Me afecta mucho que la gente critique trabajos de los cuales me siento orgulloso. Trato de analizar mucho las ofertas que me llegan, pero no me siento responsable si posteriormente el filme no triunfa. Cuando tengo un fracaso suelo abandonar el cine durante algún tiempo y ahora mismo, después de Kramer, deseo apartarme una larga temporada”.

TRES AÑOS AUSENTE Y UN RETORNO INCREÍBLE

Cuando Dustin decidió retornar al cine tenía una oferta absolutamente inédita: el personaje era una mujer y fue escrito por Murray Schisgal basándose en una frase que Hoffman había dicho, sobre que sentía en su interior una “Shirley”. Posiblemente, ese autor había comenzado a trabajar en esa idea desde que escuchó esa frase y trató de averiguar qué podía sentir un hombre que tuviera que hacer el papel de una mujer en la sociedad en que vive; no como un travestí, sino como alguien a quien le gusta ser varón.

La idea debía plantear la duda de si la vida como mujer era más cómoda y feliz, o un incordio. Posteriormente, Shirley sería inmortalizada como Toosie.

Inspirados en un cliente del Dr. Renée Richards, quien habló de un hombre que se enmascara como una mujer para ganar torneos de tenis, pidieron al guionista Don McGuire que escribiera un argumento sobre un hombre que debe disfrazarse de mujer para conseguir un trabajo. Antes de que la película fuera filmada y proyectada, la historia atravesó distintas manos y se necesitó habilitar un archivo especial para contener tantas ideas diferentes. El escritor Guild fue una de las personas involucradas, aunque posteriormente en los títulos de crédito figuraron Elaine May, y Larry Gelbart, mientras que Schisgal ni siquiera fue tenido en cuenta.

Hoffman supo conseguir un nuevo éxito en el cine aportando una gran credibilidad como mujer, y aunque el rodaje duró casi un año se sintió plenamente satisfecho. En las primeras pruebas de pantalla reconoció que se parecía a un carcelero de una cárcel de mujeres y para mejorar su aspecto se probó 17 clases diferentes de sujetadores y con el fin de averiguar si la elección era correcta se fue a un club nocturno vestida de mujer, llevando una prótesis de silicona de tamaño medio.

Su cuello era demasiado grande para su cuerpo de mujer y este fue el mayor problema con el que se tuvieron que encontrar los maquilladores. Tootsie, o Dorothy Michaels, debía, además, aprender a besar como una mujer, sin olvidar que su voz debía ser dos tonos más agudos. Para solucionarlo se fue a la Universidad de Columbia de Nueva York y allí le pusieron un osciloscopio en el cual se reflejaba la voz de una mujer, con el fin de que Hoffman intentara levantar el tono de su voz hasta el mismo nivel de una mujer. Una vez que ambas líneas coincidían, la voz era casi idéntica.

Hoffman quería que su personaje femenino fuera francés porque tenía una rara habilidad para hacer un falsete francés alto, pero su director, Sydney Pollack, no estuvo de acuerdo. Un día, en la ducha, intentó un acento del sur y lo probó tratando de imitar la voz de su esposa Lisa, quien le confirmó que era la primera vez que su voz se parecía a la de una mujer. Hoffman había notado que las subidas de voz en el acento sureño al final de las frases se mantenían, mientras que la voz masculina tendía a dejarlas caer. Para afianzar estos buenos resultados, pidió la colaboración de Polly Holliday y entre ambos montaron una de las escenas de “Un tranvía llamado Deseo”, interpretando Hoffman a Blanche en el apartamento de Meryl Streep, quien aplaudió los resultados.

Ahora era el momento de probar todo en el mundo real. Si conseguía convencer a la gente de la calle en la pantalla no habría problemas. Salió a la calle y allí preguntó cosas a los transeúntes, sonrió pícaramente a los hombres y hasta entró en una tienda de ropa femenina. Ningún problema. Hasta consiguió que su hija Jennifer le presentase a su maestro como la “Tía Dorothy de Arkansas.”

“Ese maestro me trató diferente a como lo hizo cuando me conoció como hombre. También descubrí que la gente me trataba con una hermandad que antes no encontraba como hombre y que las mujeres son muy cautas cuando hablan con los hombres. Otra cosa que percibí es que cuando las mujeres pasan de los 40 años se comportan de manera extraña y artificial”.

Disfrazada como Dorothy fue a visitar a su amigo Jon Voight en Nueva York, aunque el actor no mostró ningún interés en esa extraña y fea mujer, algo que también le ocurrió con otros hombres, interesados en ser amables solamente con las mujeres guapas. Hoffman quería que Dorothy fuera lo más atractiva posible y había interrogado a un periodista sobre dónde radicaba la belleza en una mujer, pero nadie supo darle una explicación sencilla, puesto que cada cual tenía un concepto de la belleza diferente. Dorothy podía ser inteligente, le dijeron, pero nunca sexy. Curiosamente, mientras que para los hombres una mujer inteligente y fea es lo menos atractivo del mundo, para las mujeres no había problema en entablar una sólida amistad con ella. La conclusión que sacó fue sencilla: una mujer fea nunca será una rival para otra mujer y por eso le es fácil tener amigas y para un hombre no le supone ningún atractivo mantener amistad con mujeres feas.

“Lo que me gustaría probar es cómo se siente una mujer que se disfraza como hombre, moviéndose en el mundo de las mujeres y los varones. Posiblemente si es un hombre feo también tenga los mismos problemas de rechazo”.

Su hijo Jacob, el hijo de Lisa, tenía solamente ocho semanas de edad cuando empezó el rodaje de “Tootsie” y Hoffman evitó irse a trabajar vestido de mujer porque estaba seguro que su hijo no entendería a su madre dándose besos con una extraña mujer. Para comprender perfectamente el carácter de una mujer como “Tootsie” tuvo por referencia a su propia madre, Lilian, quien representa el corazón de Tootsie. Dorothy tiene su fuerza, su vulnerabilidad, su vitalidad y su humor sexual. La pasión con la que él introdujo estos elementos estuvo aumentada por un dolor interno: antes de que ellos empezaran a rodar “Toosie”, su madre murió de un ataque cardíaco.

En las primeras escenas de la película Hoffman hace el papel de Michael Dorsey, un hombre que busca empleo y bajo esta caracterización él dibujó más íntimamente lo que significa ser un actor en paro, algo que ya había vivido en los años sesenta cuando intentaba encontrar trabajo en Nueva York. Recordaba las excusas que le daban para no contratarle:

- Tú eres muy bajo de estatura

- Puedo parecer más alto

- Estamos buscando a alguien más pequeño

- Puedo hacer el papel sin zapatos

Y también...

- Estamos buscando a alguien diferente

- Puedo ser diferente ahora mismo

- Usted no entiende. Intentamos buscar a otro actor

Estos intercambios entre un director rígido y un actor vulnerable, desesperaron a Hoffman, aunque ahora entendía perfectamente el papel que tenía que interpretar. La irritabilidad que Dorsey mostraba al ser rechazado en los trabajos, era absolutamente natural. Él pierde hacer un anuncio sobre tomates porque le encuentran demasiado racional en el papel del tomate. Para colmo, su agente le dice que tiene una mala reputación y que nadie quiere trabajar con él porque ocasiona problemas, aconsejándole que visite a un psiquiatra. Esta es una historia que imita la vida, y el agente fue interpretado por Sydney Pollack que también estaba intentando dirigir la película.

Pollack solía tener frecuentes discusiones con Hoffman durante el rodaje, tantas que las revistas del cotilleo de Nueva York se referían a la producción como “Tootsie con problemas”. Estas discusiones acaloradas significaron que ellos a veces solamente podían rodar juntos una vez al día, y este hecho, sumado a los problemas y retrasos en el maquillaje de Hoffman, significó que esta película tardó 100 días en rodarse, cuando lo normal es que hubieran sido 30, costando finalmente 20 millones de dólares, la misma cantidad que costó “Gandhi”.

Pollack tenía un prestigio importante en el cine como director. Había realizado cinco películas con Robert Redford, y más recientemente, había dirigido a Paul Newman en “Ausencia de malicia”. Ninguna estrella, ni siquiera Barbra Streisand, le dio tantos problemas como el rebelde Hoffman. Dustin siente que su trabajo como actor íntegro es luchar tan duro como pueda por aquello que cree. “Por este motivo no me importa reñir con quien sea”. A lo que Pollack le contestó: “Yo prefiero reñir por otros asuntos”. Por alguna razón, Dustin siente que los directores y actores son sus enemigos biológicos, tanto como lo son la langosta y la cobra. Considera cada rodaje como una especie de “guerra silenciosa” y por eso es frecuente verle peleando con los directores. Creo que alguien debería decirle que ningún director está tratando de matarle y que lo que pretenden es hacer las cosas lo mejor posible.

Sus argumentos en ocasiones eran incoherentes, como cuando quiso convertir esa comedia en algo de mal gusto empleando chistes cuando estaba bañándose. Pollack se resistió y, en este caso, su consejo prevaleció. Según comentó un crítico voraz: ”Esta una personificación de la mujer muy simple, similar a la “Tía de Charley”. Michael se encuentra a gusto cuando es Dorothy,

porque le gusta actuar, engañar y

no porque tenga el deseo oculto de ser mujer, sino

jugar con los sentimientos. Es como un actor especializado, fanático, que solamente se siente vivo cuando está interpretando un papel y alguien puede verlo. Hay siempre varias facetas que permanecen en la cara de Hoffman; una de ellas es que nos permite ver la mente de Michael en todo momento y esto es algo muy bueno en un actor. Michael está pensando como si fuera Dorothy cuando se manosea y trata de adivinar qué es lo que una mujer siente. Pero cuando interpreta a Dorothy, no se encuentra con la misma libertad que cuando es solamente Michael”.

El hecho es que este filme tuvo un coste económico altísimo, empezando por los 4.5 millones de dólares que cobró Hoffman y la historia era ya de dominio público mucho antes de que se estrenara. Cuando en una conferencia de prensa tuvo que justificar su excesivo sueldo, alguien le defendió alegando que esta película sería imposible sin él. El crítico de la revista “People” dijo que tuvo miedo cuando supo que era Hoffman quien haría de mujer, pero cuando vio el filme percibió el gran esfuerzo que había realizado y lo acertado que estuvo.

Este conglomerado de adulaciones se esparció por toda América y la mayoría de los críticos estuvieron de acuerdo en ello, incluso aquellos que antes había sido detractores suyos. Para el New York Times, “Tootsie” era una de las comedias más originales, mientras que para “Noticias” suponía una película milagrosa, y para “Time” era un camino adecuado en el cine y podía ser la mejor comedia del año. Desgraciadamente para todos los involucrados, la ceremonia de los Oscar de 1983 se volcó en “Gandhi” y el premio a la Mejor Actriz Secundaria fue para Jessica Lange. Hoffman fue vencido por la indiscutible buena actuación de Ben Kingsley.

Sin embargo, los públicos votaron de manera diferente que los críticos y apoyaron con sus dólares a Hoffman.

A finales del año “Gandhi” había recaudado 24 millones de dólares, mientras que “Tootsie” había conseguido 94.571.613 dólares, convirtiéndose en la octava película de mayor recaudación del año, consiguiendo igualar incluso a “Supermán”. Hoffman tenía un porcentaje de las ganancias que aseguran un legado sustancial con el cual podía pagar al médico que atendía a su hijo Jacob.

Probablemente fue Meryl Streep quien expresó la mejor descripción de Hoffman: “Es una combinación maravillosa de una persona generosa y egoísta simultáneamente y lo único que pretende es llegar a ser el mejor actor de todos los tiempos”.

Habiendo dominado el problema que supone interpretar a una mujer, no vemos la razón por la cual no puede hacer también una historia de amor e interpretar ambos papeles. Posiblemente ya había pensado en esto cuando dijo:

“Si yo pudiera maquillarme en diez minutos, podría hacer todos los papeles de Glenda Jackson”.

Hoffman tiene ahora 61 años, y aparentemente vive en paz con su esposa y sus cuatro últimos hijos, pero las exigencias que se ha marcado como actor le obligan a perfeccionarse sin parar.

“Me gusta desafiar al destino, del mismo modo que un corredor trata de ganar por una décima de segundo. Intento que mi trabajo trascienda un poco más allá en cada película y que el público sea el mayor beneficiado de ello”.

SU VIDA POR DÉCADAS

Biografía 1960-1970

De pequeña estatua, nariz grande y cara con acné, Dustin Hoffman se alzó en esos momentos como uno de los actores más grandes del momento.

Hoffman trabajó duro fuera de Broadway durante años hasta que su talento fue descubierto por Mike Nichols, director de “¿Quién teme a Virginia Woolf?”, que le proporcionó el 2º Oscar a Elizabeth Taylor. Por suerte pasó la prueba de pantalla para “El Graduado”, y el éxito de esta película le hizo ganar su primer Globo de Oro, una nominación al Premio de la Academia y gran popularidad. En ese momento, tenía 30 años. Dos años después, Hoffman no escogió un papel de persona agradable y moderada como el público había visto en “El Graduado”. Escogió el papel de Ratso Rizzo en “Cowboy de media noche”, un personaje sucio casi opuesto al que había interpretado anteriormente. Por este filme recibió una gran aclamación de los críticos y el público, y esto le hizo ser nominado al Globo de Oro y un Oscar de la Academia. Esta película fue una de las primeras consideradas revolucionarias por muchas causas: fue la primera película clasificada X que ganó un premio de la Academia a la mejor película, y por eso hay que mencionarla como pionera del Nuevo Cine americano. En el mismo año, consiguió una buena interpretación en “John y Mary” con Mia Farrow, y su trabajo en esta película le proporcionó de nuevo la nominación al Globo de Oro. En su siguiente película “Pequeño Gran Hombre”, interpretaba a un indio blanco, y el éxito de taquilla de esta película demostró que Hoffman era realmente una estrella.

En “Papillon” era el compañero de otro gran astro de la pantalla, Steve McQueen. Esta película resultó un nuevo éxito en taquilla y un año después aparecería en “Lenny”, la película del director Bob Fosse de gran prestigio entre los profesionales.

Este era un papel delicado para Hoffman, bastante parecido a pasajes de su vida real, y fue nombrado de nuevo como candidato al Globo de Oro y al Premio de la Academia. Aunque ésta no era una buena película, fue suficiente para afianzar su buen prestigio. Después de “Lenny”, se asoció de nuevo con John Schlesinger, director de “Cowboy de medianoche”, para realizar “Maraton Man” y consiguió una nueva nominación al Globo de Oro. En el mismo año su fama aumentó aún más con el filme “Todos los hombres del presidente”, trabajando junto a Robert Redford, en la cual nos reflejaban el escándalo Watergate, y muchas personas corrieron a enterarse de los pormenores en taquilla. Hoffman más tarde se convirtió en un “Pequeño Gran Hombre” y después de producir e interpretar “Libertad condicional”, interpretó a Ted en “Kramer contra Kramer”. Su actuación en esta película fue una de las mejores, y consiguió generar tanta recaudación como “La Guerra de las Galaxias” y “El imperio Contraataca”, además de ganar 5 Oscars que incluyen la mejor película y el mejor actor.

Biografía 1980-1990

Se vistió de mujer y casi se convirtió en hembra en la comedia “Tootsie”, dirigida por Sydney Pollack, y la película alcanzó el número dos en audiencia en 1982, sólo después de E.T. Recibió por fin el Globo de Oro y fue nominado al Premio de la Academia. Después consiguió su primer gran fracaso económico con “Ishtar”, junto a su compañero Warren Beatty, que dejó sus finanzas casi al borde de la quiebra. Un año después, en 1988, Hoffman consiguió otro nuevo triunfo junto a Tom Cruise en “Rain Man”, un trabajo muy alabado por los críticos y el público, y esto dio otro premio a su carrera. Con este éxito, Hoffman demostraba que era uno de los mayores actores en el mundo.

Continuó después con “Negocios de familia”, pero esta película no tuvo el mismo éxito de taquilla, y un parón en su carrera comenzaba a efectuarse.

Después de jugar un pequeño papel en la traducción de Warren Beatty sobre el cómic “Dick Tracy”, Hoffman aparecía en dos películas en 1991: una era “Billy Bathgate” que tampoco contribuyó en absoluto a mejorar su carrera, y la otra era “Hook”. Esta fue una película largamente esperada de Steven Spielberg, y en ella interpretó al Capitán Hook, enfrentándose a Robin Williams como Peter Pan y a Julia Roberts como Campanilla. Pero a pesar de esos grandes nombres y un enorme presupuesto invertido, las recaudaciones en taquilla no fueron espectaculares. Sin embargo, Hoffman fue nominado al Globo de Oro por su trabajo como Capitán Garfio.

Un año después, consiguió otro moderado triunfo en “Héroe por accidente”, aunque pronto cayó en el olvido para público y crítica. Podría ser el comienzo de su declive inexorable. En 1995, Dustin Hoffman regresó con “Estallido”, una tragedia química dirigida por el experto en cine de acción/thriller Walfang Petersen y que tuvo bastante aceptación durante su estreno en la primavera de 1995. En otoño de 1996, le volvimos a ver como actor de reparto en el drama “Sleepers”, dirigida por Barry Levinson. Su papel como un abogado alcoholizado no era importante, pero Barry Levinson necesitaba un actor tan extraordinario como Hoffman para este pequeño papel. Sin embargo“Sleepers” se convirtió en un triunfo de taquilla.

Ese mismo año le vimos en “American Buffalo”, un modesto fracaso, y posteriormente se asoció a John Travolta en el filme “Mad City”, consiguiendo otro pequeño triunfo que le permitía seguir siendo una de las estrellas más cotizadas. Pero a pesar de todas las expectativas, la buena acogida inicial de “Mad City”, no le proporcionó un nuevo triunfo personal a largo plazo y para muchos fue un fracaso.

Aproximadamente dos meses después de “Mad City”, en su nueva película “Cortina de humo” (1997), dirigida por su buen compañero Barry Levinson, y teniendo a su lado al gran actor Robert de Niro, consiguió una memorable interpretación como Stanley, un productor de cine de Hollywood. Fue nominado de nuevo al Globo de Oro y al Premio de la Academia, y demostró ser uno de los más sólidos actores del mundo.

Con esta nominación al Premio de la Academia, la primera en la década de los 90, Dustin Hoffman ha regresado finalmente. Su última película estrenada es “Esfera”, con el director Barry Levinson, aunque no tuvo el triunfo que en principio se pensaba, teniendo en cuenta el buen argumento original. Para muchos, el problema es que coincidió con el estreno de “Titanic”, un rival imposible de vencer.

Hoffman tiene muchos próximos proyectos ahora en mente, y todavía se espera que sea el icono de Hollywood que lleva siendo desde los años 60.

FILMOGRAFÍA

EL GRADUADO The Graduate (1967) US

Drama/Comedia

105 minutos

Color

Productor: Lawrence Turman

Director: Mike Nichols

Guión: Calder Willingham y Buck Henry Basado en la novela de: Charles Webb Fotografía: Robert L. Surtees

Compositor: Dave Grusin

Vestuario: Patricia Zipprodt

Intérpretes:

ANNE BANCROFT: Señora Robinson DUSTIN HOFFMAN: Ben Braddock KATHARINE ROSS: Elaine Robinson WILLIAM DANIELS: Señor Braddock MURRAY HAMILTON: Señor Robinson ELIZABETH WILSON: Señora Braddock BRIAN AVERY: Carl Smith

WALTER BROOKE: Señor Maguire

Una de las comedias más sutiles del cine, en la cual nos muestran al recién llegado Dustin Hoffman que entusiasmó al público, tanto como Katharine Ross que interpreta a su joven amante.

Un joven con problemas, Ben (Hoffman) es el graduado, perteneciente a una juventud pensativa y algo tímida en una zona del sur de California para gente adinerada. Estudia en la universidad, aunque es presionado por su familia y amigos para que continúe estudiando hasta que encuentre un trabajo, se case y se convierta así en un digno sucesor de sus padres.

Elaine (Ross) es la hija de la Señora Robinson (Anne Bancroft), y Ben no puede creer que esa mujer mayor, casada con Murray Hamilton, sean los padres de sus mejores amigos y que ella le esté seduciendo.

Ben se enamora de su hija Elaine, y se encuentra en una posición agotadora por tener que mantener relaciones con madre e hija. Finalmente, decide que Elaine será su esposa, aunque su madre se opone totalmente al matrimonio.

Cuando Elaine se marcha a una universidad de San Francisco, él la lleva por la costa para convencerla que se casen pero se encuentra con la oposición de su padre. Elaine decide entonces que se casará con otro, pero, en el último minuto, Ben llega a la iglesia y golpea en una ventana para conseguir la atención de la novia. Simplemente, antes de decir “yo quiero”, Elaine revuelve su vestido nupcial, tira su velo atrás, y velozmente se dirige a la salida para entrelazar sus manos con Ben. Los dos huyen dejando a sus familias y amigos encolerizados, cogiendo un autobús que no les llevará a ningún sitio en particular. “El Graduado” es una película fenomenal con una interpretación perfecta, lo mismo que la producción.

Esta comedia está maravillosamente dirigida por el director Mike Nichols que presenta media docena de escenas maravillosas, incluida una en la que Ben se escapa de su familia sumergiéndose en la piscina con su equipo de buceo. También es notoria la secuencia del cambio súbito de la Señora Robinson como ama de casa a mujer adúltera. Nichols dijo que: “yo pienso que Benjamín y Elaine terminaría exactamente como sus padres y eso es lo que estaba intentando decir en la última escena”. Todavía las nuevas generaciones de espectadores interpretaron este argumento como un acto maravilloso de desafío por dos personas jóvenes cuyos destinos eran manipulandos por sus padres.

La película fue un gran éxito y proporcionó 40 millones de dólares. Nichols, quien ya había conseguido un gran éxito con “¿Quién teme a Virginia Woolf?” (1966), se convirtió en el director más importante de Hollywood en virtud de “El Graduado”. Sin embargo, mucho del mérito por el buen resultado de la película hay que atribuírselo al operador cinematográfico Robert Surtees, quien realizó una serie de experimentos con un buen resultado. Por ejemplo, la gran carrera de Ben para prevenir la boda parece no llevarle a ningún sitio, lo que agudiza aún más la sensación de que no va a llegar. Richard Dreyfuss hizo aquí su debut en el cine, pero les será difícil encontrarlo como uno de los estudiantes de la universidad.

Música:

Incluye las canciones de Simon y Garfunkel: “Scarborough Fair”, “The Big, Bright Green Pleasure Machine”, “Sounds of Silence”, “Mrs. Robinson”, y “April Come She Will”. Premios:

Nominada a la mejor película 1967: Lawrence Turman

Nominada al mejor actor 1967: Dustin Hoffman

Nominada a la mejor actriz 1967: Anne Bancroft

Nominada a la mejor actriz secundaria 1967: Katharine Ross

Oscar al mejor director 1967: Mike Nichols

Nominada al mejor guión 1967: Calder Willingham, Buck Henry

Nominada a la mejor fotografía 1967: Robert L. Surtees

THE TIGER MAKES OUT (1967) US

Comedia

94 minutos

Color

Productor: George Justin Director: Arthur Hiller Guión: Murray Schisgal Basado en su obra

Fotografía: Arthur J. Ornitz Compositor: Shorty Rogers Vestuario: Anthea Sylbert

Intérpretes:

ELI WALLACH: Ben Harris ANNE JACKSON: Gloria Fiske BOB DISHY: Jerry Fiske

JOHN HARKINS: Leo

DUSTIN HOFFMAN: Hap RUTH WHITE: Señora Kelly RONALD WOOD: Señor Kelly RAE ALLEN: Beverly

Cruzada de un hombre solo contra la sociedad (Wallach), quien simbólicamente secuestra al ama de casa Gloria Fiske (Jackson). Originalmente era una obra de un solo acto, aunque con el nuevo guión de Murray Schisgal se amplió la historia, por lo que disminuye el interés, salvo en los exteriores en Nueva York y las cortas apariciones de actores famosos.

EL MILLÓN DE MADIGAN Madigan’s Million (1968) US

Crimen/Comedia

86 minutos

Color

Director: Stanley Prager Intérpretes:

DUSTIN HOFFMAN ELSA MARTINELLI CESAR ROMERO

Después de su anterior éxito, Hoffman interpreta esta película menor en la cual hace de un agente de Hacienda que debe viajar a Italia para averiguar donde está oculto el dinero del gángster Romero, recientemente asesinado.

JOHN Y MARY

John and Mary (1969) US

Drama

92 minutos

Color

20th Century-Fox

Productor: Ben Kadish

Director: Peter Yates

Guión: John Mortimer

Basado en la novela de: Mervyn Jones

Fotografía: Gayne Rescher

Compositor: Quincy Jones

Efectos especiales: L.B. Abbott y Art Cruickshank Vestuario: Anthea Sylbert

Intérpretes:

DUSTIN HOFFMAN: John MIA FARROW: Mary MICHAEL TOLAN: James SUNNY GRIFFIN: Ruth STANLEY BECK: Ernest TYNE DALY: Hilary ALIX ELIAS: Jane

Dustin Hoffman se une a Mia Farrow en una clásica historia de amor. Pudiera haber sido un romance moderno, pero se queda en una modesta intención. Deja un mal sabor de boca, puesto que nos da la impresión de que hemos visto lo mismo en muchas películas de esa misma época. John vive un momento de su vida en cuando a apetencias sexuales se refiere, mientras que la pequeña y comprensiva Mary trata de seguirle la corriente.

COWBOY DE MEDIANOCHE Midnight Cowboy (1969)

US

Drama

113 minutos Color

Productor: Jerome Hellman

Director: John Schlesinger

Guión: Waldo Salt

Basado en la novela de: James Leo Herlihy Fotografía: Adam Holender

Compositor: John Barry

Efectos especiales: Dick Smith

Vestuario: Ann Roth

Intérpretes:

DUSTIN HOFFMAN: Enrico “Ratso” Rizzo JON VOIGHT: Joe Buck

SYLVIA MILES: Cass

JOHN McGIVER: Señor O’Daniel

BRENDA VACCARO: Shirley

BARNARD HUGHES: Towny

RUTH WHITE: Sally Buck

JENNIFER SALT: Annie

Bastante después de haber sido estrenado “Cowboy de medianoche”, todavía permanece como una de las grandes películas de esos años, después que otras aparentemente importantes han desaparecido de la memoria. Su historia de compañerismo entre dos personas, el ingenuo Joe Buck y espabilado Ratso Rizzo, es un punto de referencia para otras películas. Algunos de sus momentos, como cuando Ratso golpea a un taxi con los codos gritando: “¡yo estoy caminando aquí!”, ha entrado en la historia.

Cuando volvemos a ver esta película en la década de los 90 nos confirma que a pesar de haber sido rodada en 1969, mantiene todas sus virtudes. Tanto Joe como Ratso consiguen un buen trabajo y aportan elementos de su propio carácter a esta historia de los suburbios de Nueva York. “Cowboy de medianoche” es una buena película con una obra maestra dentro, esforzándose por parecer sencilla.

Lo mejor de la película es la acción, efectuada por Jon Voight como un vagabundo de Texas tonto y Dustin Hoffman un cínico buscavidas callejero de Broadway. Ésta era la película que estableció la carrera cinematográfica de Voight, y demostró que Hoffman, después del triunfo de “El Graduado”, tenía muchas posibilidades escondidas que le convertirían con el paso del tiempo en uno de los grandes actores de su tiempo. Voight y Hoffman ganaron dos nominaciones al Oscar como el mejor actor. Caminando con ellos, nosotros podríamos ver un mundo real, el mundo de Times Square en los años sesenta, que en ese momento se nos mostraba como peligroso, pero que ahora es inocente comparado con la agresividad de los años 90.

Los personajes y su mundo inmediato son completamente correctos, al menos para entonces. Pero el director, John Schlesinger, no estaba intentando legarnos una historia con la simplicidad que aparentemente vimos. Él tomó esas dos actuaciones magníficas y los dejó caer en un ejercicio de estilo, algo que debía entrar en la moda de esos años. El fantasma de los años sesenta frecuenta todo el entorno de “Cowboy de medianoche”, y nos lo muestra con la misma intensidad que la vida de sus dos personajes. Los críticos de entonces dijeron que tanto Joe Buck como Ratso no acababan de encajar en “Cowboy de medianoche”. Ellos aportan sus propias maneras, fría y groseras, mezcladas con la basura y compartiendo sus sueños para irse a Florida o poseer un gran rancho. Viven sus propias vidas, y se nos muestran como tantos otros vagabundos de las grandes ciudades que sueñan incluso con convertirse en los ladrones de moda, como si fueran Bonnie y Clyde en versión masculina. Parece que no forman parte de la película, y hasta podría haberse realizado un argumento con ellos exclusivamente. Sus vidas no tienen nada que ver con las fiestas de Andy Warhol, los restaurantes de moda, o las damas del Park Avenue. ¿Quién realmente puede creer que se encontrarían en ese autobús a Florida?. Es cruel saber la realidad de la existencia en Times Square de personas como Ratso y Joe, quienes nos cuentan su historia como si fuera un culebrón.

Pero ahora, después de tantos años, todo parece diferente. Lo que ha pasado con “Cowboy de medianoche” es que nosotros hemos hecho nuestro propio trabajo de corregirla a nuestro gusto. Nos hemos olvidado de los excesos y los fallos, y solamente recordamos la pureza de los personajes centrales, Hoffman y Voight. Viendo la película de nuevo nos da la impresión de que le falta un poco de contenido al margen de los dos intérpretes mencionados.

El corazón de la película es ese Joe Buck quien piensa que se convertirá en el amante de una mujer rica y se apoyará en ella para tener una vida de lujo, sueños que en su pequeño pueblo nunca pudo tener. Aunque él gana algún dinero brevemente, encuentra fácil gastarlo, y carece de las habilidades necesarias para sobrevivir en la ciudad. Entonces se encuentra con Ratso Rizzo, una persona completamente fuera de su ambiente, aunque sabe sobrevivir sin problemas. Tiene su propia manera de estar en la ciudad, odia a todos y no pide ningún favor. Cuando Joe encuentra que es un buen compañero de fatigas, Ratso le muestra cómo sobrevivir.

También hay una gran cantidad de escenas melodramáticas que complican la historia. La más ofensiva es una fiesta psicodélica de Andy Warhol. Aunque la escena proporciona un cierto recuerdo histórico (es divertido descubrir en Warhol a algunas de las super-estrellas” en cortas apariciones), esta escena de la fiesta ya tenía, en 1969, cierto descontrol. En el mundo que ellos habitaban, nunca habría habido casi ninguna oportunidad de que Joe y Ratso fueran invitados a semejante fiesta.

Otro episodio innecesario involucra a un religioso fanático con su Cristo eléctrico. Simplemente se podría haber eliminado, o también mejorado, solamente con evitar que Jesús no se hubiera puesto a pestañear como si se tratase de un Santa Claus. Otra escena difícil es el encuentro sexual de Joe con un homosexual tímido, de mediana edad, en Chicago. Todo sale mal, Joe reacciona violentamente, y golpea al hombre en la boca con un teléfono, enviando sus dientes a un vuelo sin motor.

Esta violencia asustó mucho en 1969, incluso hoy, pero el problema es que no es difícil admitir que una persona se comporte así, tan violentamente. Quizá es que no se pretendió reflejar la realidad, sino dar una lección de moral. Hoy en día, lo más probable es que todo se resolviera con una sencilla sonrisa acompañada por una negativa.

Uno de los subtextos que están presentes en la película es sobre la propia homosexualidad de Joe, a la que nunca se ha enfrentado o no ha entendido. Una de las escenas que hablan de ello, desarrollada de manera sutil, es el torpe encuentro en el cine oscuro con el niño. Pero esta escena es estropeada por secuencias retrospectivas de la vida anterior de Joe en Tejas que solamente muestra algo aparente sin dar ninguna explicación. El fracaso sexual con la muchacha en Tejas, y la sexualidad sofocada de su abuela poco atractiva, proporciona material freudiano para una película. Estas experiencias, según explica el guionista, le llevó a convertirse en el Joe Buck de hoy.

En 1969, cuando se estrenó la película, los críticos se quejaron de las muchas canciones incluidas en la banda sonora, algunas de ellas tan bellas que distraían al espectador. Mucha gente se preguntó qué hubiera pasado si se volviera a exhibir el filme sin esa banda sonora o al menos quitando la mitad de las estupendas baladas. Cuando nosotros quitamos en nuestra imaginación las canciones, también deberemos eliminar todas esas escenas de paseo a caballo, en autobuses y los paseos por las calles lluviosas, las largas esperas, con lo cual dejaríamos sin interés la película.

La respuesta, nosotros la sabemos ahora, es que todo fue elaborado de manera muy inteligente. El interludio lírico obligado es ahora un elemento normal e imprescindible en la narración de la película.

Una canción logra un buen montaje y, esencialmente, sobrevivir al paso del tiempo. A veces las canciones son muy buenas, como ocurre con “Everybody’s Talkin’ at Me”, y solamente por ella nos entusiasmamos por esa escena, pero cuando escuchamos la letra nos emocionan aún más las imágenes.

Todas estas dudas sobre “Cowboy de medianoche”, siguen estando presentes hoy en día, pero lo que no tiene desperdicio son las actuaciones de Dustin Hoffman y Jon Voight. Es un tributo a ellos, y en el centro hay un honesto guión de Sal Waldo y una correcta dirección de Schlesinger, ambos ganadores de un Oscar. Pero si pudieran revisarse películas, o vuelto a escribir, es posible que ahora se podrían mejorar aún más. “Cowboy de medianoche” fue clasificada“X” por el MPAA cuando fue estrenada por primera vez, y se convirtió en la primera y última película clasificada X que ganó un Oscar de la Academia como mejor película. Con el paso del tiempo, tanto el desnudo, como el retrato sincero de la prostitución y la homosexualidad, han dejado de asustar. Después, la película fue reclasificada como “R” y en cierto sentido es lógica esa nueva evaluación. “Cowboy de medianoche” presenta un realismo mugriento sobre la vida callejera las ciudades americanas. El argumento que mostró fue visto posteriormente en otras películas y ya nadie se escandalizó. En el futuro, esta película se nos muestra apacible comparada con sus descendientes.

Premios:

Oscar a la mejor película 1969: Jerome Hellman

Nominada al mejor actor 1969: Dustin Hoffman

Nominada al mejor actor 1969: Jon Voight

Nominada a la mejor actriz secundaria 1969: Sylvia Miles

Oscar al mejor director 1969: John Schlesinger

Oscar al mejor guión (Basado en un material de James Leo Herlihy) 1969: Waldo Salt Nominada al mejor filme editado 1969: Hugh A. Robertson

PEQUEÑO GRAN HOMBRE Little Big Man (1970)

US

Western/Histórico

150 minutos

Color

Panavision

Productor: Stuart Millar

Director: Arthur Penn

Guión: Calder Willingham

Basado en la novela de: Thomas Berger

Fotografía: Harry Stradling Jr.

Compositor: John Hammond

Efectos especiales: Dick Smith y Logan R. Frazee Vestuario: Dorothy Jeakins

Intérpretes:

DUSTIN HOFFMAN: Jack Crabb

FAYE DUNAWAY: Señora Pendrake

MARTIN BALSAM: Allardyce T. Merriweather RICHARD MULLIGAN: Gen. George A. Custer JEFE GEORGE: Old Lodge Skins

JEFF COREY: Wild Bill Hickok

AIMEE ECCLES: Sunshine

KELLY JEAN PETERS: Olga

“Pequeño Gran Hombre”, de Arthur Penn, es una entretenida historia que intenta mostrarnos de forma diferente una época no muy lejana y para ello utiliza trucos y atajos. Cuando muestra algo pasado de tono o demasiado cómico, lo agrupa con otras escenas y logra salir airoso.

Dentro de la misma temática folklórica que hemos visto cientos de veces, la película de Penn realiza una declaración importante sobre los indios, el Oeste, y el sueño americano. No hay estridencias, ni ninguna moraleja, ni nadie que les acuse, una vez más, de haber realizado una matanza al pueblo indio. Todos los eventos pasaron hace mucho tiempo, y están relacionados con un hombre de 121 años que sólo necesita pasar a la historia. Lo más destacable es la flexibilidad con la cual se muestra esta historia. El guionista puede hacer una pausa para repetir un punto, puede darse prisa en mostrar diez años, y también puede olvidarse de una época entera recordando la leyenda de un solo hombre. No captura la historia de una época, pero sí su sabor. “Pequeño Gran Hombre” nos da el sabor del pueblo Cheyenne cuando los hombres blancos trajeron la civilización al Oeste. Su héroe, interpretado por Dustin Hoffman, no es en absoluto una leyenda, sino más bien un sobreviviente.

Hoffman, o el “Pequeño Gran Hombre”, se mueve alrededor de una buena historia. Sabe tocar todos los estereotipos del mito Occidental. Llegó al Oeste como un colono, vivió como un Cheyenne, probó en su mano una pistola para pelear, así como nuestra medicina. También fue explorador para la caballería, experimentó con la vida de un ermitaño, estuvo casado dos veces, sobrevivió a la matanza del General Custer, y se sentó al pie de un hombre viejo llamado Old Lodge Skins que le instruyó en la creación de los cheyenes. Old Lodge Skins, interpretado por el Jefe Dan George con tal serenidad y convicción que fue nominado para un Premio de la Academia, no predica la filosofía Cheyenne, puesto que es parte de ella. Penn ha permitido a los indios en la película hablar un inglés ordinario, idiomático. La mayoría los indios en las películas han tenido que expresarse sin saber los diferentes tiempos verbales, y eso resulta cómico a nuestros oídos, aunque nadie nos ha dicho cómo han resultado nuestros intentos de hablar los dialectos indios. Los indios en “Pequeño Gran Hombre” tienen un diálogo que refleja la riqueza idiomática de las lenguas indias y cuando Old Lodge Skins se refiere a los Cheyennes como “los Seres Humanos,” la frase es literal y por eso no incita a la risa.

A pesar de Old Lodge Skins, sin embargo, “Pequeño gran hombre” no se comporta como un indio, ni como un hombre blanco, aunque intenta ser como los demás. Escucha, recuerda, y sobrevive, tres requisitos imprescindibles. Los protagonistas en la película tienen dos ideas sobre la civilización: la del indio y la del hombre blanco. Custer organiza sus matanzas sangrientas y también consigue que le maten, y nosotros sabemos que los indios serán destruidos en el futuro como una comunidad orgánica y serán llevados a una reserva. Pero el movimiento de la película no es tan sencillo, y nos hace reflexionar sobre las verdaderas causas.

Penn ha adoptado esta forma de narrativa por una razón. Todos los personajes que aparecen en las primeras escenas de la película regresan posteriormente. Por ejemplo: la esposa del predicador vuelve como una prostituta. Al curandero ya le faltaba un brazo y ahora pierde una pierna. El salvaje Bill Hickok se deteriora físicamente después de haber sido una persona muy atractiva. Custer se marchita desde la gloria a la locura. Solamente Old Lodge Skins logra pasar a través de la historia, envejecido, pero mejorado filosóficamente.

La supervivencia se refleja en la estructura del filme. La mayoría de las películas, sobre todo las que son violentas, tienen su clímax al final. Penn pone su tensión máxima en el centro, cuando Custer realiza la matanza de un pueblo indio, y Pequeño Gran Hombre ve a su esposa india muerta y la cabeza de su bebé cortada. Penn puede controlar la violencia como cualquier director americano (recuerden “Bonnie and Clyde”), y también lo hace ahora. La matanza final de Custer y sus hombres se muestra superficialmente de manera deliberada, para no distraer de la “muerte” de Old Lodge Skins.

Excepto las secuencias de Custer muerto, la muerte de Old Lodge Skins realmente es más poética, puesto que él deja el lugar para morir e invita a comer al Pequeño Gran Hombre. La civilización de Custer ganará en el futuro, pero el testamento de Old Lodge Skins prevalece, sirviendo de reflexión a las nuevas generaciones. Probablemente no es ningún accidente que nosotros nos pusimos muy serios cuando Old Lodge Skins explica la diferencia entre Custer y los Seres Humanos.

PERROS DE PAJA Straw Dogs (1971) US

Crimen

113 minutos

Color

Productor: Daniel Melnick

Director: Sam Peckinpah

Guión: David Zelag Goodman y Sam Peckinpah

Basado en la novela “ The Siege of Trencher’s Farm” de: Gordon M. Williams Fotografía: John Coquillon

Compositor: Jerry Fielding Vestuario: Tiny Nicholls

Intérpretes:

DUSTIN HOFFMAN: David Sumner SUSAN GEORGE: Amy Sumner PETER VAUGHAN: Tom Hedden T.P. McKENNA: Maj. Scott

DELL HENNY: Charlie Venner KEN HUTCHINSON: Scutt

COLIN WELLAN: Rev. Hood

Dustin Hoffman interpreta a un matemático físicamente débil que encuentra su masculinidad cuando aprende a matar para proteger su casa. Susan George es su opositora, una esposa coqueta y un poco bestia que en realidad le gustaría ser sumisa y dejarse llevar. La película fue criticada como machista, y vendida en los mercados aprovechando esa moda, siendo dirigida por Sam Peckinpah como una muestra palpable de que esa presión machista perjudica a los hombres en lugar de beneficiarles.

Probablemente estamos ante una de las películas más importantes de los años setenta. Su visión es estrecha y endeble, pero Peckinpah sacrifica la espontaneidad y la euforia, para mostrar a un hombre presionado por la sociedad para que proteja a su hembra. La única belleza que el argumento se permite está en el erotismo y la violencia que él mezcla con una técnica estética extraordinaria. Cuando la esposa es violada, la violación tiene mucha intensidad, lo mismo que el ambiente en esa cantina llena de hombres, quienes están convencidos de que ella está pidiendo sexo gratuito.

Premios:

Nominada a la mejor música 1971: Jerry Fielding

¿QUIÉN ES HARRY KELLERMAN?

Who Is Harry Kellerman and Why Is He Saying Those Terrible Things About Me? (1971)

US

Fantasía/Comedia

108 minutos

Color

Director Ulu Grosbard Intérpretes:

DUSTIN HOFFMAN

BARBARA HARRIS

JACK WARDE

DAVID BURNS

GABRIEL DELL

DOM DE LUISE

Esta mezcla de comedia y drama, nos muestra a Dustin como un compositor y cantante de rock de éxito, que un día se da cuenta que el dinero no lo es todo en la vida. Nosotros ya sabíamos que también estaban la salud y el amor, pero el guionista lo quiso explicar por si acaso. Bárbara Harris contribuye a que disfrutemos de este débil argumento con una actuación excelente.

Premios:

Nominada a la mejor actriz secundaria 1971: Barbara Harris

ALFREDO, ALFREDO (1972) (El divorcio es cosa de tres) Italia

Comedia

98 minutos

Color

Director: Pietro Germi Intérpretes:

DUSTIN HOFFMAN STEFANIA SANDRELLI CARLA GRAVINA

CLARA COLOSIMO DANIELE PATELLA DUILIO DEL PRETE

Doblado con una voz italiana deplorable, Dustin Hoffman nos muestra una actuación calurosa y amistosa como un joven italiano tímido, empleado de banco, en un papel que no gustaba a nadie, ni siquiera al propio Hoffman, quien como sabemos intentó parecer un latino tradicional. Esta comedia de Pietro Germi emplea un método diferente para mostrarnos las fobias de las personas contra el rígido sistema legal italiano (en nada diferente al español), con sus leyes irracionales sobre el matrimonio, los divorcios, y la convivencia. La pregunta que nos hacemos es siempre la misma: ¿Si no he necesitado permiso para casarme, por qué tengo que pedir permiso a un juez para divorciarme?. Pero el tono cómico es desmoralizante y creemos que todo lo que Germi hace aquí lo hemos visto muchas veces, y casi siempre mejor, como por ejemplo en “Divorcio a la italiana”. Stefania Sandrelli interpreta a la caprichosa y extravagantemente muchacha romántica con la cual se casa Alfredo. Los rasgos exquisitos de su novia le dan una mirada de misterio, pero ella es una estatua imbécil, misteriosa y siempre callada porque tiene miedo de hacer el ridículo cuando habla.

Las primeras escenas en la que vemos el autoritarismo y la esclavitud a la que somete a Alfredo, nos podían haber impresionado pero se convierten en payasadas. En lugar de mostrarnos una comedia con una alta dosis de crítica social, en la cual vemos a Alfredo exhausto ante las presiones de su esposa, se deriva hacia soluciones sencillas y nada interesantes. Las mejores secuencias las tenemos con Carla Gravina, que interpreta a una mujer independiente y moderna que libera a Alfredo.

PAPILLON Papillon (1973) US

Prisión

150 minutos

Color

Panavision

Productor: Robert Dorfmann y Franklin J. Schaffner Director: Franklin J. Schaffner

Guión: Dalton Trumbo y Lorenzo Semple Jr. Basado en la novela autobiográfica de: Henri Charriere Fotografía: Fred Koenekamp

Compositor: Jerry Goldsmith

Vestuario: Anthony Powell

Intérpretes:

STEVE McQUEEN: Henri Charriere, Papillon DUSTIN HOFFMAN: Louis Dega

VICTOR JORY: Jefe indio

DON GORDON: Julot

ANTHONY ZERBE: Toussaint, jefe de la colonia Leper ROBERT DEMAN: Maturette

WOODROW PARFREY: Clusoit

GEORGE COULOURIS: Dr. Chatal

“Papillón” es una película cara, exhaustiva, una odisea de 150 minutos que no termina de convencer. Está arropada por grandes estrellas y una producción minuciosa, pero realmente no acaba de sorprendernos. Cuando Steve McQueen finalmente escapa de la Isla del Diablo nosotros, como espectadores, casi nos alegramos por poder salir del cine. La película está basada en un best-seller del francés Henri Charriere que lo mostró como su verdadera historia. Hay quien dudó de ello, pero esto es lo menos importante. La historia era buena y lo esencial es que entretenga. Lo que pasa en la película, sin embargo, es que McQueen está tan obstinado en conseguir la libertad que nos quita la posibilidad de que nos interesemos también por el resto de los personajes, algunos igualmente carismáticos.

La película empieza con Charriere (McQueen), apodado Papillón (“mariposa”), en una celda de la prisión. Allí se encuentra con Louis Dega (Dustin Hoffman), quien está mirando a través de unas gafas de gruesos cristales. Este hombre es el falsificador más famoso en Francia y su vida está en peligro por dos razones: muchas personas fueron robadas y consecuentemente quedaron arruinadas por su trabajo, pero el dinero robado nadie sabe dónde está oculto, aunque hay quien opina que lo tiene el propio Dega. Una vez que ellos han llegado a la prisión, Papillón hace una oferta: él será el guardia personal de Dega si le financia su plan de evasión. Dega está de acuerdo en la oferta, aunque no acaba de entenderla, e incluso se da cuenta de que estará demasiado ligado a ese hombre.

La película es, por tanto, una fuga planeada, con un final que sabemos de antemano, y cuyo aliciente mayor está en cómo lo consiguen y en la interpretación de esos dos buenos actores, quienes, por cierto, no hicieron un buen trabajo. La película acaba justo cuando los héroes se escapan y eso sabemos que es así porque es una autobiografía escrita cuando ese exconvicto estaba ya libre.

En algún punto el guionista intentó que viéramos el contraste entre Papillón, el hombre de acción, y Dega, el intelectual manso. Se suponía que la química entre McQueen y Hoffman iba a ayudar, pero en la práctica, nosotros solamente estábamos interesados en que se escaparan de una vez. Hoffman nos muestra ese amago de cojera que ya vimos en “Cowboy de medianoche”, y McQueen tiene un cutis totalmente curtido por el sol, como corresponde a un preso que medita muchas horas en esa isla desierta.

Premios:

Nominada a la mejor música 1973: Jerry Goldsmith

LENNY

Lenny (1974) US

Biografía

112 minutos Blanco y negro

Productor: Marvin Worth Director: Bob Fosse

Guión: Julian Barry

Basado en la obra de: Barry Fotografía: Bruce Surtees Vestuario: Albert Wolsky

Intérpretes:

DUSTIN HOFFMAN: Lenny Bruce VALERIE PERRINE: Honey Bruce JAN MINER: Sally Marr

STANLEY BECK: Artie Silver GARY MORTON: Sherman Hart

Lenny Bruce murió en 1966, pero si hubiera vivido algunos años más seguramente tendría algo que decir en su música sobre acontecimientos como la guerra en el Vietnam, el Watergate, el Sida, y los presidentes Reagan y Clinton. Ahora es recordado como un mártir liberador, un profeta de los suburbios, aunque para muchos fue solamente un iluso que gustaba de sufrir por sus ideas.

La adoración hacia Lenny comenzó con la obra de Julian Barry, adaptada para el cine por Bob Fosse, y continuó con el libro “Señoras y Señores” de Alberto Goldman, y finalizó con “Lenny Bruce film”. Sus obras regresaron después a las pantallas de televisión y se llegó a la conclusión de que Bruce todavía era uno de nuestros cómicos más prestigiosos. Todo este mito involucra a muchas personas y hay quien opina que el prestigio se lo debíamos haber dado en vida y que sus admiradores de entonces no debían haber consentido los ataques que los políticos y censores le hicieron. Pero no importa. Si la película sobre los trabajos de Lenny logra rehabilitar su imagen bienvenida sea, aunque mucho nos tememos que no es así.

El director Fosse, quien tuvo un gran éxito en el cine con “Cabaret”, realiza ahora un estilo casi documental que parece adecuado para mostrar el material artístico de Lenny. Y Dustin Hoffman, quien habitualmente realiza bien sus interpretaciones, nos deja ver ahora esa habilidad suya como gran actor con un personaje tridimensional.

El planteamiento de Fosse parece estar inspirado en parte en “Ciudadano Kane” y he aquí un resumen del argumento como prueba: después de la muerte de Lenny, un biógrafo investigador anónimo entrevista a varias personas que estuvieron cerca de él: su esposa, una mujer que hace striptease llamada Honey; su madre y su agente. Sus recuerdos y anécdotas mantienen un armazón suelto con diversas escenas retrospectivas, en las cuales vemos la popularidad de Lenny (o la desgracia, cuando las circunstancias fueron adversas). La vida de Lenny se desenvuelve como si fuera una mala historieta y en ocasiones comprendemos que haya sido perseguido con tanta insistencia por los críticos y la justicia de entonces.

Su afán por mostrar material obsceno, en una sociedad que había definido con mucha claridad lo que querían y no querían ver, le llevaron a ser considerado un corruptor, un vicioso, un instigador a la sexualidad en los jóvenes, mientras que para otros era el paladín de un mundo nuevo sin censuras.

A medida en que avanza la película, el director nos muestra ya un material genuinamente inteligente, y entonces nos lleva por caminos más escabrosos y delicados, en el cual están las drogas y la obscenidad. En las escenas finales todo se reduce a verle leyendo sus propias obras, riéndose de sí mismo, tratando de parodiar a otros cómicos no menos populares.

Hoffman hace un buen trabajo como Lenny, esforzándose por hacerlo creíble. No trata de imitar a Lenny Bruce, pero se recrea en un nuevo Lenny amargado, de lengua mordaz y con deseos de polémica. Pero el material de Bruce, extraído casi palabra por palabra de las grabaciones de sus propias actuaciones, tiene un extraño sentido similar a un cómic para adultos. No es una película cómica y por eso no debe el espectador esperar reírse, pero esto puede suponer una decepción para quien había oído mencionarle como uno de los mejores cómicos de esa época.

La película no es una comedia, puesto que en ocasiones es triste. Lo que sí podemos esperar es un tipo de terapia para nuestros demonios internos, nuestros complejos y manías, defectos que Lenny se mostraba encantado de bromear con ellos. Si conseguimos concentrarnos en las palabras, podremos sacar conclusiones ciertamente interesantes. Pero el esfuerzo de la película por demostrarnos nuestros demonios, suele fallar con demasiada frecuencia.

Hoffman, como Bruce, trabaja delante de un público que disfruta insultando a los políticos, militares y personas poderosas, e incluso, en el polo opuesto, es voraz contra toda raza que no sea la blanca. Ese público le aplaude porque en su vida privada también gustan de decir palabras soeces y criticar de modo inhumano en muchas ocasiones. El problema es que en la película esas palabras ya no suenan a ningún movimiento de liberación social y ahora las encontramos fraudulentas, con el único fin de ganar dinero insultando a los demás. Sus ofensivas palabras terminan por no ser divertidas para el espectador y ni siquiera el chiste forzado logra generar risas.

Los otros actores que se mueven alrededor de Hoffman están pensados solamente para apoyarle, aunque Valerie Perrine, como Honey, tiene una interpretación sumamente interesante. La película se queda ambigua sobre varios aspectos de su personalidad, como en ese ménage-à-trois que se muestra como un elemento erótico y que termina pareciendo una lucha. Valerie proyecta una cierta sexualidad oculta, y nos da por fin una mujer que hace striptease solamente por dinero.

La película se balancea entre un Lenny Bruce genial y un autodestructivo neurótico. En el otro extremo, le vemos que se muere por sus propios medios a través de una dosis excesiva de droga. Aunque la película sugiere que él estuvo perseguido por los policías antivicio, arruinado por tener que pagar a sus abogados y por la incapacidad para encontrar trabajo estable, hay evidencia, también, que se pudo merecer con creces ese trato y ese final trágico de su vida.

Su impacto en la sociedad y su castigo por ella, quizá estén totalmente separados de su vida, pero en la película no se contempla esa posibilidad. El esfuerzo de Fosse por no mostrarnos a un Lenny Bruce realmente como una víctima de la sociedad y un mártir de las causas nobles, hace que existan mejores escenas y que Hoffman tenga una buena actuación, no el retrato de un héroe.

Premios:

Nominada a la mejor película 1974: Marvin Worth Nominada al mejor actor 1974: Dustin Hoffman Nominada a la mejor actriz 1974: Valerie Perrine Nominada al mejor director 1974: Bob Fosse Nominada al mejor guión 1974: Julian Barry Nominada a la mejor fotografía 1974: Bruce Surtees

TODOS LOS HOMBRES DEL PRESIDENTE All the President’s Men (1976)

US

Política

138 minutos

Color

Productor: Walter Coblenz

Director: Alan J. Pakula

Guión: William Goldman

Basado en la obra de: Carl Bernstein y Bob Woodward Fotografía: Gordon Willis

Compositor: David Shire

Intérpretes:

DUSTIN HOFFMAN: Carl Bernstein

ROBERT REDFORD: Bob Woodward JACK WARDEM: Harry Rosenfeld

MARTIN BALSAM: Howard Simons

HAL HOLBROOK: Deep Throat

JASON ROBARDS JR.: Ben Bradlee

JANE ALEXANDER: Bookkeeper

MEREDITH BAXTER BIRNEY: Debbie Sloan

“Todos los hombres del presidente” es más una prueba de la destreza del periodismo que un ejercicio de narrativa, siendo este su mayor fallo. La película nos muestra con exactitud los procesos usados por los reporteros investigadores para mostrarnos los asuntos turbios de nuestros gobernantes, y por ese motivo nos aporta, y nos agobia, en el argumento un montón de nombres, fechas, números de teléfono y coincidencias. También nos muestras falsedades, juegos de piernas, rechazos, evasiones, y, a veces, incluso la verdad. Solamente esos miles de detalles llevaron al Watergate y la resignación a Nixon, pero en una película sobran tantos detalles y faltan más sentimientos. Eso no quiere decir que la película no sea buena y que no logre entretener al público. Proporciona un buen estudio sobre la vida de los periodistas, con mucha más precisión de lo que nosotros podemos ver a nuestro alrededor y tiene éxito igualmente cuando nos mezcla alegría, paranoia, duda y el valor que demostraron esos dos reporteros del Washington Post cuando atacaron al Presidente.

Las películas sobre los periódicos siempre mostraban los beneficios de la profesión e ignoraban el fastidio y la espera.

En este caso habla mucho sobre el fastidio y la espera y lo muestran como algo insoportable; aunque depende lo que nosotros sepamos ya sobre el Watergate para que podamos disfrutar o sufrir. Y teniendo en cuenta que el guión de William Goldman es casi todo diálogo, casi exclusivamente una serie de escenas de personas que hablan, consideramos que el director Alan J. Pakula ha hecho un trabajo notable en lograr ponernos tensos.

Es un mérito lograr proporcionar tensión con escenas como cuando Bernstein da largos paseos en su oficina, mientras que Woodward escucha por el teléfono, pero Pakula lo consigue, lo mismo que cuando vemos cómo les dan con las puertas en las narices por meterse donde no deben.

Cuando Robert Redford anunció que había comprado los derechos de “Todos los hombres del presidente”, los periodistas se preguntaron quiénes serían los actores encargados de interpretarla. Una vez aclarado el misterio, Redford como Woodward y Dustin Hoffman como Bernstein, comenzaron un cursillo acelerado como periodistas. Ambos se hunden en sus personajes y se ponen increíblemente acertados. No solamente no parece ya una película de Hollywood interpretada por dos grandes actores, sino que se acerca más a un documental sobre un hecho real. La única incógnita es que nadie sabía si los espectadores estarían contentos con ello y preferían ver a sus astros favoritos comportándose como tales.

Debe de haber habido un amago por indagar en el carácter de Woodward y Bernstein, mostrándonos algunos aspectos de su vida privada, la película encuentra su rumbo perfectamente. Ésta es la historia de una historia: la de dos reporteros que empiezan como si se tratase de un trabajo descansado y cuando lo empiezan a realizar, casi con incredulidad, acaban metidos dentro de la Casa Blanca. En poco tiempo, la velocidad que adquieren los acontecimientos del Watergate, les hacen coger fuerzas a Woodward y Bernstein, en lugar de frenarse por las consecuencias. Pudiera ser que así hubiera ocurrido en la vida real, pero de cualquier modo en la película queda perfecto.

“Todos los hombres del presidente” no habla sobre la vida privada de sus personajes, pero tiene un toque bueno con sus vidas profesionales, y sobre todo con sus relaciones con los editores. La historia del Watergate empezó como una historia local, no una nacional, y era una espina que el personal del prestigioso Washington Post, encabezado por Woodward y Bernstein, quería llevar en solitario. En la historia encontramos al editor Harry Rosenfeld (Jack Warden), defender y molestar a sus “Woodstein”, como se les llamaba allí. Martin Balsam interpreta a Howard Simons, el editor gerente, y Jason Robards es Benjamín Bradlee, el editor ejecutivo. Todos están correctos, especialmente porque nunca habían trabajado en una oficina de un periódico antes, pero han aprendido el tono correcto, y llevan una conferencia de prensa como si ellos hubieran trabajado mucho tiempo. También están correctos cuando les vemos moverse por la oficina del periódico, con sus típicos comportamientos, y mostrando una camaradería y forma de vestir que se nos antoja muy veraz.

La película tiene docenas de papeles menores, y todos forman una historia tensa, aunque hay un personaje totalmente real, el de Frank Wills, el guardia del Watergate que encontró la cinta fatal, quien se interpreta a sí mismo. Algunos de los otros papeles pueden pertenecer a personajes anónimos y quizá ficticios, pero Robert Walden hace un Donald Segretti memorable y se mueve como un experto en “trucos sucios” con gran valentía en su desesperación. También se muestran adecuadamente los dos informadores importantes, así como Jane Alejandro, un tenedor de libros que logra una de sus mejores interpretaciones como el sencillo, honrado y asustado empleado.

Hal Holbrook, como el misterioso “Deep Throat”, la voz dentro de la administración, está horriblemente aislado, casi como si estuviera observando los acontecimientos con una sonrisa.

Todos estos elementos en “Todos los hombres del presidente” serán elogiados, aunque realmente no proporcionan nada nuevo que no sepamos, bien sea por el cine, bien por la vida real. Una vez que hemos visto otros argumentos sobre los informadores metidos a detectives, y una vez que Woodward y Bernstein han conseguido traspasar la primera pared de la Casa Blanca, por fin entendemos el método de la película. Aunque no necesitamos ver el ciclo repetido, la historia crece mejor y nos aporta fuentes más importantes. Con una gran habilidad técnica, la película nos muestra esencialmente el mismo proceso periodístico varias veces sin cansarnos y nos va llevando lentamente a un extremo que ya conocemos porque se trata de un caso real.

La película es larga, y sería aburrida si no fuera por la magia de Pakula, sus actores, y los técnicos. Lo que la salva no es el poder de su narrativa, sino que su mérito mayor está en la técnica. Todavía, considerado los compromisos que podrían hacerse, y teniendo en cuenta que es una película sobre un periódico, ya tiene suficiente mérito.

Premios:

Nominada como mejor película 1976: Walter Coblenz

Oscar al mejor actor secundario 1976: Jason Robards

Nominada a la mejor actriz secundaria 1976: Jane Alexander

Nominada al mejor director 1976: Alan J. Pakula

Oscar al mejor guión 1976: William Goldman

Oscar a la mejor dirección artística 1976: George Jenkins, George Gaines Nominada al mejor filme editado 1976: Robert L. Wolfe

Oscar al mejor sonido 1976: Arthur Piantadosi, Les Fresholtz, Dick Alexander, Jim Webb

MARATHON MAN Marathon Man (1976) US

Thriller/Espías

125 minutos

Color

Paramount

Productor: Bob Evans y Sidney Beckerman

Director: John Schlesinger

Guión: William Goldman

Basado en su novela

Fotografía: Conrad Hall

Director musical: Michael Small

Compositor: Michael Small

Efectos especiales: Richard E. Johnson, Dick Smith y Charles Spurgeon Vestuario: Robert de Mora

Intérpretes:

DUSTIN HOFFMAN: Babe Levy LAURENCE OLIVIER: Szell ROY SCHEIDER: Doc Levy WILLIAM DEVANCE: Janeway MARTHE KELLER: Elsa

FRITZ WEAVER: Prof. Biesenthal RICHARD BRIGHT: Karl

Basada en la novela de William Goldman, vemos una película terrorífica sobre un nazi que quiere recuperar algo que le pertenece y que le han quitado unos ladrones en Nueva York. El filme trata deliberadamente que el espectador se sienta impresionado ante la gran cantidad de violencia y sadismo que las cámaras muestran directamente, y en ocasiones intenta excitarle para que caiga enfermo de repulsión. Tomando detalles de “French Connection” y “Death Wish”, el protagonista es un joven estudiante judío (interpretado por Dustin Hoffman), quien es perseguido despiadadamente por los Nazis. Pero el director, John Schlesinger, opta por impresionar al espectador a costa de cualquier truco, sin que nos expliquemos lo que realmente pretendía. Con ello, la ansiedad se transforma en repulsa y la única emoción que podemos sentir es un gran rechazo hacia la brutalidad y con ello hacia el autor y director de esta historia. Buenas actuaciones de Laurence Olivier, Roy Scheider y Dustin Hoffman.

Premios:

Nominada al mejor actor secundario 1976: Lord Laurence Olivier

LIBERTAD CONDICIONAL Straight Time (1978)

US

Crimen

114 minutos

Color

Productor: Stanley Beck y Tim Zinnemann

Director: Ulu Grosbard

Guión: Avin Sargent, Edward Bunker y Jeffrey Boam Basado en la novela “No Beast So Fierce” de: Bunker Fotografía: Owen Roizman

Compositor: David Shire

Vestuario: Bernie Pollack

Intérpretes:

DUSTIN HOFFMAN: Max Dembo THERESA RUSSELL: Jenny Mercer HARRY DEAN STANTON: Jerry Schue GARY BUSEY: Willy Darin

M. EMMET WALSH: Earl Frank SANDY BARON: Manny

KATHY BATES: Selma Darin

EDWARD BUNKER: Mickey

“Libertad condicional” es una gran película que inexplicablemente pasó totalmente desapercibida y que hemos rescatado en su pase en televisión. Parece ser que el propio Dustin Hoffman demandó a la Warner Brothers por lo que él consideró un maltrato profesional y quizá tuviera razón, puesto que su actuación como Max Dembo, es una de sus mejores y nadie fue consciente de ello.

Max sale de prisión con la determinación de ser un ciudadano honrado, algo que le será difícil. Ha salido bajo libertad condicional y por eso no puede trabajar en nada que involucre manejo de dinero. Pero una muchacha de una oficina de empleo, le encuentra un trabajo en una compañía de conservas, y para celebrarlo él la invita a salir a cenar. También encuentra un apartamento lo suficientemente barato para sus modestos ingresos, y así su vida parece transcurrir con normalidad. Todo parece que lleva buen camino para su rehabilitación personal, tal y como su funcionario de libertad provisional podría desearlo. Pero este hombre (M. Emmet Walsh) no es, sin embargo, muy bueno en esto de ayudar a un ex-convicto y pronto nos demuestra que es peor que Max. Fanático, sádico, cínico y de sonrisa desagradable, acusa injustamente a Max de usar droga provocando que pierda su trabajo, lo que le obliga a dedicarse a lo único disponible, el robo. “Libertad condicional” está basada en una novela escrita por un ex-convicto, y por eso es creíble. Lo que nos absorbe sobre todo es la manera en que la película proyecta nuestros sentimientos sobre el robo, la afición a las drogas, la subida de adrenalina, y el miedo. También está correcta cuando nos explica cómo es posible que un hombre sin dinero, ni trabajo, sea motivo de atracción para una chica guapa, y especialmente una chica que trabaja en una oficina de empleo.

Ella está interpretada por Theresa Russell que hace un buen trabajo para mostrarnos sus sentimientos. No habla mucho, pero sabe escuchar, y pronto logra sacar todos los misterios de la mente de Max. Él quiere dejarla fuera de sus trabajos pero no fuera de su vida, y en el futuro la chica se conformará con sus palabras.

Max prueba con varios trabajos, hasta que consigue comprar una escopeta de caza que le será útil en su atraco a un banco y una tienda de joyería. Para que todo salga bien reúne a sus antiguos compañeros, siendo Harry Dean Stanton uno de los mejores, aunque había logrado ya ser un ex-convicto que estaba teniendo éxito en su rehabilitación. Stanton tiene ya una casa, una piscina privada, un jardín donde asa hamburguesas a la parrilla, pero no puede resistirse a la necesidad de volver a la vida delictiva.

Los robos que ellos logran tienen cierta desesperación maniaca para salir de la rutina de sus mediocres vidas y se lo traspasan a Max Dembo, quien casi sin admitirlo quiere iniciar su vida anterior. Pero alguien llega tarde, mientras su compañero está mirando el número de segundos que han pasado, como parte de su plan para conseguir escapar antes de que llegue la policía. Max Dembo no está escuchando, porque duda sobre sus emociones verdaderas, aunque en el último segundo, sale por la puerta trasera cuando los policías entran y se mofa de la sociedad mientras casi ruega que le castiguen.

La actuación de Hoffman recuerda a Ratso Rizzo en “Cowboy de medianoche”, sobre todo por su modo de narrar el mundo para llegar al infierno. Pero Ratso ya es historia y Ulu Grosbard tiene momentos en los cuales parece no concentrarse.

“Libertad condicional” es una buena historia sobre la desesperación en que se ven inmersas muchas personas. Hoffman debe haber sabido que esto era así y tuvo un gran interés en protagonizarla cuando compró la novela original e incluso se planteó el dirigirla personalmente, aunque en ese momento estaba inmerso en un espectáculo en Broadway y prefirió delegar esa labor en su amigo Ulu Grosbard. Pero Hoffman y Grosbard no cambian casi ningún detalle para conseguir hacer la película más interesante y fidedigna. En cambio, aumentan el interés por la personalidad de Max Dembo y dejan que muestre sus impulsos, incluso aquellos que perturban su vida.

AGATHA

Agatha (1979) US

Romance

98 minutos Color

Technovision

Productor: Jarvis Astaire y Gavrik Losey Director: Michael Apted

Guión: Kathleen Tynan y Arthur Hopcraft Basado en una historia de: Tynan

Fotografía: Vittorio Storaro

Compositor: Johnny Mandel

Intérpretes:

DUSTIN HOFFMAN: Wally Stanton VANESSA REDGRAVE: Agatha Christie TIMOTHY DALTON: Archie Christie HELEN MORSE: Evelyn

CELIA GREGORY: Nancy Neele TONY BRITTON: William Collins TIMOTHY WEST: Kenward

Vanessa Redgrave es una actriz que tiene una gran calidad como la heroína chiflada de este misterio romántico de ficción. La historia pretende describirnos los 11 días de 1926 en los cuales la escritora Agatha Christie, cuyo marido deseaba el divorcio para casarse con su amante, se marchó a un manantial de aguas medicinales de Yorkshire, donde ella usó el nombre de esa amante.

Dustin Hoffman se comporta muy teatralmente en el papel de un periodista en busca de grandes celebridades americanas, quien llega a ese balneario y se enamora de Agatha. Hay un momento romántico estupendo cuando esa diosa de la literatura acepta al periodista, a quien anteriormente había rechazado, dándole un beso apasionado. La película tiene un aire general de sabiduría, y algunos de los diálogos son muy inteligentes, mostrando una gran elegancia para hacernos meditar.

El talento del director, Michael Apted, se nos muestra de manera delicada, importante, aunque algo impreciso, puesto que no domina bien las escenas más dinámicas, dejando esa labor a la propia fotografía de Vittorio Storaro. En general, la dinámica narrativa es muy suave, tranquila y en demasiadas ocasiones exageradamente fluida. Una escena que explica este defecto es cuando Redgrave trata de demostrarnos que Agatha Christie era un genio de la literatura.

Timothy Dalton aporta una fuerte interpretación, con un papel cómico como el marido agotado por la alta sensibilidad de su esposa, mientras que trabajo como una mujer cariñosa.

El guión fue escrito inicialmente por Kathleen Tynan y posteriormente colaboraron otros escritores que no figuran en los créditos. Premios:

Nominada al mejor vestuario 1979: Shirley Russell

Helen Morse hace un mal

Arthur Hopcraft, aunque

KRAMER CONTRA KRAMER Kramer vs. Kramer (1979) US

Drama

104 minutos

Color

Productor: Stanley R. Jaffe

Director: Robert Benton

Guión: Robert Benton

Basado en la novela de: Avery Corman Fotografía: Nestor Almendros

Compositor: Henry Purcell y Antonio Vivaldi Vestuario: Ruth Morley

Intérpretes:

DUSTIN HOFFMAN: Ted Kramer MERYL STREEP: Joanna Kramer JANE ALEXANDER: Margaret Phelps JUSTIN HENRY: Billy Kramer HOWARD DUFF: John Shaunessy GEORGE COE: Jim O’Connor

JoBETH WILLIAMS: Phyllis Bernard

“Kramer contra Kramer” no sería ni la mitad de buena que es si no se hubiera mantenido una fuerte intriga en toda la película. La historia dispone de una situación rica en oportunidades para apoyar un personaje con otro; hay un divorcio y una lucha por la custodia de un niño. Pero el tema de esta historia no es esencialmente bueno o malo, sino que serán las personas involucradas las que se comportan de una u otra manera según su propia naturaleza. Lo que también nos muestra es que en muchas ocasiones nos comportamos de manera egoísta y somos culpables de acciones reprobables, precisamente cuando en nuestra vida cotidiana tratábamos de demostrar que éramos buenas personas. Una simple oportunidad en la vida, como es un divorcio, pone a muchas personas al borde de la maldad y en ocasiones el sadismo. ¿Cómo puede alguien presumir de santo si la vida no le ha puesto a prueba?.

“Kramer contra Kramer” ante todo trata de ser justa al mostrar una situación así. Empieza con un matrimonio lleno de infelicidad, con mucho ego y egoísmo, y en los extremos dos personas que lo único que han aprendido en la vida es a saber cuáles son sus deseos propios, sin tener en cuenta los de su pareja. Hay un niño atrapado en medio que como si fuera un alumno coge los defectos de ambos, aunque en la película no se analiza mucho al niño, sino a los padres.

Hollywood se ha acercado tradicionalmente a historias similares que son juzgadas desde el punto de vista del niño y nos lo muestran infeliz y abandonado por los adultos, lo cual les deja en mala posición como seres humanos. Lo cierto es que en cualquier problema familiar cualquiera de nosotros somos como niños llorando en busca de atención, comprensión y ayuda.

Una popular estrella como Dustin Hoffman nos la muestran como un ejecutivo esclavo del trabajo que ve como su vida se le complica cuando regresa a su casa y su esposa le anuncia que quiere divorciarse, aunque él apenas la oye y no la toma en cuenta. Pero su esposa (Meryl Streep) realmente coge la maleta y se va, puesto que según le ha dicho su psicoanalista necesita encontrarse a sí misma, para descubrir quién era realmente antes de casarse.

Pronto nosotros hacemos nuestro primer reproche al preguntarnos cómo ella puede ser tan egoísta de marcharse de casa y olvidarse de su hijo.

El que lo tiene mucho más claro es su marido Ted (Hoffman), quien sabe que en realidad ella nunca ha sentido que ambos, él y el niño, eran su familia. Nervioso y deseando no equivocarse, se dedica intensamente a educar a su hijo desde el mismo día en que su esposa se marcha, puesto que es imprescindible que demuestre que es tan buen padre como piensa.

La película deja fuera de escena a Streep durante muchos minutos, y se centra en mostrar cómo Hoffman y el niño consiguen conocerse mucho más que antes, y cómo logra compaginar su trabajo con el cuidado de su hijo. Estas escenas son las que utiliza el director para conmover a los espectadores y en los diálogos pone gran énfasis en dotarlos, al mismo tiempo, de verosimilitud y ternura, aunque en el caso del niño (el actor Justin Henry), prefirieron improvisar para ajustarse a sus reacciones.

Las situaciones son casi siempre iguales y entonces el niño queda libre para responder con sus propias palabras, con Hoffman llevando la situación correctamente e improvisando, hay momentos en los cuales todo tiene un sentido espontáneo y real.

Poco a poco vemos que padre e hijo aprenden a convivir y estar más unidos que antes. En manos de otro director, esta película podría haber insistido más en los aspectos melodramáticos, pero en “Kramer contra Kramer” vemos situaciones normales que toman decisiones normales. Y eso se muestra con mucha más veracidad cuando la película alcanza su punto de crisis en el momento en que Streep vuelve y anuncia que está dispuesta a recuperar la custodia de su hijo; suponemos porque ya ha encontrado su verdadera identidad y ha tirado a la papelera la falsa.

A estas alturas nadie tiene ninguna duda sobre quién es el bueno de la película. Nuestras simpatías tienden a estar con el padre porque le hemos visto cambiar y crecer afectivamente y, además, ha conseguido unificar el trabajo con estar junto a su hijo. La película trata de que comprendamos la profundidad emocional de las personas que se ven en situaciones similares, especialmente para que no les pongamos etiquetas morales sin escucharles antes.

“Kramer contra Kramer” es una película de interpretaciones buenas, y así tenía que ser, porque las actuaciones no pueden descansar solamente en un melodrama convencional. Yo pienso. Que la acción de Dustin Hoffman está sobre lo mejor en su carrera, y esta película le hizo ganar un Premio de la Academia (también ganaron otro Streep, el director Benton, el guión, y como mejor película). Su actuación como Ratso en “Cowboy de medianoche” (1969) podría ser considerada por algunas personas mejor que esta, pero en aquella película tenía la ventaja de interpretar un carácter vívido y excéntrico. Ahora es una persona que viste buenos trajes, e intenta planificar las próximas 24 horas. Una de sus mejores escenas es cuando solicita un trabajo en una oficina de colocaciones cuando anuncian la fiesta de Navidad, e insiste en una decisión inmediata. cuando anuncian la fiesta de Navidad, e insiste en una decisión inmediata. 79 y la pudimos ver en “El Cazador”, “Escalada al poder”, y “Manhattan”, así como en la serie “Holocausto” en Televisión. En “Kramer contra Kramer”, Benton le pidió que declarara su propio caso en la escena donde ella defiende estar con su hijo ante el estrado. Su declaración es persuasiva, pero entonces declara Jane Alexander, su mejor amiga y ella debe admitir que Hoffman ha aprendido a ser un buen padre.

Ésta era una película importante para Robert Benton, quien coescribió también “Bonnie and Clide”, lo mismo que “Malas compañías” y “El gato conoce al asesino”, siendo considerado ya un director de prestigio. En la película, dedica mucha atención en los matices del diálogo y vemos que los personajes no están hablando con nosotros, sino que ellos revelan sus propios problemas y a veces puede verse cómo van aprendiendo a dialogar.

Eso es lo que hace a “Kramer contra Kramer” una película conmovedora, justo en el momento en el cual vemos que los personajes van cambiando y aprenden a tomar mejor sus decisiones.

Premios:

Oscar a la mejor película 1979: Stanley R. Jaffe

Oscar al mejor actor 1979: Dustin Hoffman

Nominada al mejor actor secundario 1979: Justin Henry

Nominada a la mejor actriz secundaria 1979: Jane Alexander

Oscar a la mejor actriz secundaria 1979: Meryl Streep

Oscar al mejor director 1979: Robert Benton

Oscar al mejor guión 1979: Robert Benton

Nominada a la mejor fotografía 1979: Nestor Almendros

Nominada al mejor filme editado 1979: Jerry Greenberg

TOOTSIE

Tootsie (1982)

US

Romance/Comedia 116 minutos

Color

Productor: Sydney Pollack y Dick Richards

Director: Sydney Pollack

Guión: Larry Gelbart, Elaine May (sin créditos) y Murray Schisgal Basado en la historia de: Don McGuire y Gelbart

Fotografía: Owen Roizman

Compositor: Dave Grusin

Vestuario: Ruth Morley

Intérpretes:

DUSTIN HOFFMAN: Michael Dorsey, Dorothy Michaels JESSICA LANGE: Julie

TERI GARR: Sandy

DABNEY COLEMAN: Ron

CHARLES DURNING: Les Nichols

BILL MURRAY: Jeff

SYDNEY POLLACK: George Fields

GEORGE GAYNES: John Van Horn

GEENA DAVIS: April

Una de las cosas más sensibles de “Tootsie” , una película en la que Dustin Hoffman interpreta a una actriz de mediana edad, es que “la actriz” puede llevar la mayoría de sus propias escenas como mujer, aun cuando no fuera interpretada por Hoffman. También podría haber sido una película tradicional de los años cuarenta, cuando entonces no se tenía miedo de mezclar lo absurdo con la denuncia social, el comentario social con la farsa, y el derecho a la ternura con las risas.

Hoffman es el actor que hace de Michael Dorsey, un personaje quizá no habitual en Hoffman y muy diferente a sus primeras películas. Michael es un actor de Nueva York y parece luminoso, agresivo, con talento e insobornable.

Cuando le pregunta a su agente, “¿Quieres decir que nadie en Nueva York desea contratarme?”, este le responde que no tiene ninguna probabilidad para encontrar trabajo, puesto que en Hollywood nadie quiere contratarlo. Es famoso por su mala reputación para no acatar órdenes, por sus rabietas, y por interpretar personajes que en nada se parecen al guión. Por eso, cuando se plantea el serio problema de cómo conseguir trabajo, va con su amiga Sandy (Teri Garr) a una audición para un culebrón. El personaje es una administradora de hospital de mediana edad y cuando su amiga no consigue el trabajo, Michael se va a casa, piensa, decide atreverse, y vestido como una mujer, e improvisando magistralmente, consigue el papel.

Como consecuencia, el espectador se hace la pregunta de qué ocurrirá si alguien le hace una proposición romántica puesto que una mujer sola parece ser un pastel apetecible. Lo cierto es que Dustin Hoffman es realmente bastante creíble como “Dorothy”, la actriz, y aunque su voz no es la de una mujer (en la versión inglesa tenía cierto acento sureño), consigue no desentonar. La peluca y los lentes están un poco forzados, lo mismo que la manera de arreglarse, pero de una manera misteriosa la mujer que interpreta mira igual que lo hacen la mayoría de las mujeres que van por la calle como si fueran reinas. No obstante, como no es nada agraciada, nadie se fija en ella.

“Tootsie” podría haber sido una estupenda película simplemente hablando sobre lo complicada que es la vida en Nueva York, pero el guionista pretendió algo más ambicioso que eso. Michael Dorsey pasa desapercibido para el espectador desde el momento en que hace su aparición como Dorothy. Ella es una excéntrica liberada (alguien me explicará que quiere decir exactamente “liberada”), una mujer que parece ir a medio camino entre la elegancia y la comicidad, pero que consigue ganar la admiración de sus compañeros porque simboliza lo que es correcto.

Una de las cosas que molestan a Dorothy es la manera en que el director del culebrón chauvinista (Dabney Coleman), maltrata e insulta a la joven actriz Julie (Jessica Lange), una enfermera en la obra. Dorothy y Julie se hacen amigas y sus confidencias parecen íntimas. El problema de Dorothy, sin embargo, es que el hombre que está dentro de ella (metafóricamente hablando), está creciendo gradualmente y de una manera ingobernable se enamora de Julie.

Todo se complica desde ese momento, y para aumentar los problemas el padre de Julie (Charles Durning), un rudo, aunque amistoso personaje, se enamora de Dorothy. Michael, lógicamente, apenas sabe tratar asuntos como ese, y en su desesperación acude a su compañero de cuarto (Bill Murray), quien no le puede ayudar.

“Tootsie” divierte mucho con situaciones embarazosas fácilmente predecibles, aunque al contar con una nueva forma de mostrar las identidades sexuales falsas, nos lleva a una grata sorpresa. La película también maneja algunas escenas muy alegres referentes al sexismo imperante en la sociedad, lo mismo que aprovecha para satirizar los culebrones, a los agentes artísticos, la ciudad de Nueva York y el emblemático barrio de Manhattan. Finalmente, también resulta ser una historia de amor conmovedora, algo que resulta ciertamente chocante.

Premios:

Nominada a la mejor película 1982: Sydney Pollack y Dick Richards

Nominada al mejor actor 1982: Dustin Hoffman

Nominada a la mejor actriz secundaria 1982: Teri Garr

Oscar a la mejor actriz secundaria 1982: Jessica Lange

Nominada al mejor director 1982: Sydney Pollack

Nominada al mejor guión 1982: Larry Gelbart, Murray Schisgal, Don McGuire Nominada a la mejor fotografía 1982: Owen Roizman

Nominada al mejor filme editado 1982: Fredric Steinkamp, William Steinkamp Nominada a la mejor música y canciones 1982: Dave Grusin, Alan Bergman y Marilyn Bergman

Nominada al mejor sonido 1982: Arthur Piantadosi, Les Fresholtz, Dick Alexander, Les Lazarowitz

MUERTE DE UN VIAJANTE Death of a Salesman (1985) US

150 minutos

Color

Productor ejecutivo: Dustin Hoffman Director Volker Schlöndorff

Intérpretes:

DUSTIN HOFFMAN KATE REID

JOHN MALKOVICK STEPHEN LANG

CHARLES DURNING LOUIS ZORICH

Rodada inicialmente para la televisión y basada en una obra representada en Broadway varias veces, nos cuenta la historia de un hombre de sesenta años, viajante de comercio, que desilusionado de su profesión decide refugiarse en el cariño de sus hijos, lo que le lleva a una desilusión aún mayor.

La película es una obra clásica de Arthur Miller, y en ella Hoffman tiene la posibilidad de mostrarse como un gran actor, por la cual ganó un premio Emmy, lo mismo que Malkovich.

PRIVATE CONVERSATIONS (1985) (Sin datos)

ISHTAR

Ishtar (1978) US

Comedia

107 minutos Color

Productor: Warren Beatty Director: Elaine May Guión: Elaine May

Intérpretes:

WARREN BEATTY: Lyle Rogers DUSTIN HOFFMAN: Chuck Clarke ISABELLE ADJANI: Shirra Assel CHARLES GRODIN: Jim Harrison Lomejor que puede decirse de “Ishtar”, es que tanto Warren Beatty como Dustin Hoffman, dos de los actores más inteligentes de su generación, logran realizar bien sus papeles sin apenas hablar, algo que todavía no habían hecho en ninguna de sus películas. “Ishtar” es una película verdaderamente terrible, un trabajo fallido, y una comedia sin gracia. Para muchos, la directora Elaine May, quien también es autora del guión, es la máxima responsable, y las razones para darla tanta responsabilidad junta, fue debido al éxito que tuvo anteriormente con “Tootsie” como guionista sin créditos. Pero en esta ocasión se montó una expedición multimillonaria en busca de unos exteriores que podían haberse logrado perfectamente en unos estudios y que ni siquiera sirvieron para aumentar la calidad del filme.

Beatty y Hoffman, son como dos sufridos soldados que marchan a lo largo de ese viaje, y parece que todo su ingenio y habilidades artísticas hubieran quedado olvidados encima del piano. Esta película es una larga y pesada historia y aunque pretende hacer reír no lo logra, siendo válida solamente para los fans ciegos de ambos actores.

La historia involucra a estos dos actores como autores de unas canciones que deberían ser como las de Simon y Garfunkel, pero que se quedan en simplemente horrorosas. Aún así, no tienen reparo en cantarlas delante del público, lo que provoca no pocas huidas. Su agente les lleva hasta Marruecos (donde se supone no entienden de música anglosajona), y una vez en Africa, ambos se ven involucrados en las intrigas políticas de la nación mítica de Ishtar.

Isabelle Adjani interpreta a una rebelde sexy que les lleva a nuevos problemas, y Charles Grodin es un eficaz agente de la CIA que reside en ese lugar. Aún así, no puede decirse que la película tenga un argumento válido y es probable que ni siquiera tenga ningún argumento. Existe algo que se le parece en forma de una serie de secuencias algo embarazosas, muy largas, cuando caminan por el desierto y empiezan a contar chistes sobre los camellos ciegos, mientras que son ametrallados por un helicóptero. Probablemente alguien pueda encontrar humor en camellos ciegos y tiros desde un helicóptero, pero esta película deja las dudas bien aclaradas al respecto.

Ambos actores no son ajenos a este engendro y tanto Hoffman como Beatty, muestran sus ojos apagados, sus risas sin substancia, y su cansancio físico palpable cuando ellos marcharon a través de situaciones que sólo eran cómicas por un acto de fe. Para algunos bienintencionados, la directora en realidad pretendió agotarles al máximo, hacerles perder toda esperanza de estar haciendo algo útil, para así conseguir que sus personajes fueran totalmente creíbles. Pero el resultado final no fue así y no hemos podido encontrar ni una sola muestra del agudo ingenio de Hoffman, el mismo que nos deleitó con “Tootsie”, y ninguna prueba de la supuesta gracia y humor que dicen posee Beatty, el mismo que había interpretado “El cielo puede esperar”. Tampoco logramos ver ninguna química entre dos actores que se suponen deberían estar disfrutando de la oportunidad de actuar juntos. Yo no sé si “Ishtar” fue rodada con el claro propósito de hundir a alguien, pero es evidente que lo consiguieron puesto que con un presupuesto de más de 40 millones de dólares es difícil que hubiera conseguido amortizar costos. Alguien se arruinó con esta película y dicen que fue el pobre Beatty, aunque creemos que no fue el único y también arrastró a Hoffman. Si tienen ocasión de repasar alguna enciclopedia de la historia del cine, observarán que mencionan a “Ishtar” como uno de los grandes fracasos económicos y artísticos de los últimos años.

RAIN MAN (1988) US

Warner

Drama

140 minutos Color

Productor: Mark Johnson

Director: Barry Levinson

Guión: Ronald Bass y Barry Morrow Basado en la historia de: Morrow Fotografía: John Seale

Compositor: Hans Zimmer

Vestuario: Bernie Pollack

Intérpretes:

DUSTIN HOFFMAN: Raymond Babbitt TOM CRUISE: Charlie Babbitt

VALERIA GOLINO: Susanna

JERRY MOLDEN: Dr. Bruner

JACK MURDOCK: John Mooney MICHAEL D. ROBERTS: Vern RALPH SEYMOUR: Lenny

LUCINDA JENNEY: Iris

Nos encontramos ante una película por la que nadie daba un duro antes de realizarse, mucho menos la productora. Solamente la tenacidad de Dustin Hoffman consiguió que este bonito cuento se llevara a buen fin contando, además, con la presencia del ídolo Tom Cruise, quien había leído el guión cuando estaba rodando “El color del dinero”. Sabemos que Cruise accedió a interpretar esta historia esencialmente por trabajar junto a Hoffman y que en un principio él haría del hermano autista y Dustin del hermano protector. También supimos con posterioridad que el guión hablaba de un subnormal, no de un autista sumamente inteligente, y que el papel de Cruise debería estar interpretado por un actor cuando menos veinte años mayor. Por esos motivos, el guión tuvo que volverse a escribir tres veces.

Dustin acababa de interpretar y financiar ese desastre cinematográfico titulado “Ishtar” con Warren Beatty, y deseaba congraciarse de nuevo con Hollywood. Para tratar de hacer su papel lo más verídico posible acudió repetidas veces a diversas instituciones para niños con problemas de conducta, entre ellos algunos autistas, al mismo tiempo que pidió asesoramiento a algunos psiquiatras. Ayudado por un eficaz documental elaborado por la asociación de Padres con Hijos Autistas, consiguió imitar fielmente el comportamiento de estos enfermos, imitación que completó perfectamente cuando entabló amistad con Kim, un autista que le mostró como hablar y moverse.

Cuando Charlie (Tom Cruise) se encuentra por primera vez con su hermano Raymond (Dustin Hoffman), no sabe si debe tratarle como un subnormal, un animal doméstico o un analfabeto. Su conocimiento sobre el autismo es nulo y por eso inicialmente trata de hablar sobre el tiempo, el béisbol, o lo que van a cenar. Pronto se entera que a su hermano le perturba romper la rutina y de que es capaz de contar 246 palillos en un momento y calcular raíces cuadradas antes que él con su calculadora.

Hay momentos en la película en la cual se notan todas las frustraciones que Charlie siente sobre Raymond, especialmente cuando dice: “Yo sé que tiene que haber alguien allí dentro”. Pero durante toda la película no oye ninguna respuesta a su interrogante, ya que ni los médicos saben la respuesta ni el milagro para curarle.

“Rain man” consigue un gran dinamismo a pesar de las limitaciones expresivas de Raymond, quizá porque quiere mostrarnos las limitaciones de algunos enfermos, mucho más agudizadas por la poca habilidad que poseen las personas que les rodean, como es el caso de Charlie. También quiere demostrar que en la mayoría de los casos los familiares aceptan de mala gana cuidar a los enfermos y por eso no pueden darle ni una pizca de cariño.

Cuando la película comienza, vemos a Charlie que intenta hacer malabares a su manera para solucionar una crisis financiera en su negocio de Los Angeles, relacionado con la venta de automóviles importados de lujo. Él no posee uno de estos coches, sino uno mucho más modesto. Un día recibe la noticia de que su padre, a quien no ha visto en muchos años, ha muerto. En la lectura del testamento, le informan que ha heredado una fortuna, aunque para recogerla debe demostrar que es digno de ella.

No sabe en qué consiste esa prueba moral, aunque pronto descubre que consiste en cuidar de su hermano mayor, un autista a quien no ha visto en su vida y que está internado en un hospital. Una vez que lo saca de allí, se lo lleva a su propia casa en un largo viaje a través de varios estados realizado en su viejo Buick del 49.

“Rain man” nos sigue mostrando la adaptación del autista al mundo exterior y a su hermano, al mismo tiempo que nos muestra la poca paciencia de Charlie con su extraño hermano. Enfadado porque su padre no le haya dejado la herencia sin más complicaciones, intenta soportarle, pero no hace ningún esfuerzo por ser cariñoso ni cambiar su pensamiento inicial. Charlie, por su parte, no quiere aceptar las limitaciones del mundo de Raymond y se enfurece por lo que considera un encierro contra su voluntad. Barry Levinson fue uno de los tres directores propuestos para rodar esta historia, pero el principal problema era quién haría de Raymond y cómo lograr que sus pensamientos llegaran al espectador. Si en la vida real un autista apenas es comprendido por su familia, es fácil entender lo difícil que sería que un actor lograse llegar a los espectadores. Pero es que no contaban con la habilidad interpretativa de Dustin Hoffman, para quien ese personaje era un desafío y parece ser que a él los desafíos le crecen. Recuerden sino su trabajo en “Tootsie”.

Al final de “Rain man” yo sentía un cierto amor por Raymond, el personaje de Hoffman, aunque este mérito creo que no se lo debo a que sea un autista. El comportamiento de Raymond es desagradable, egoísta, patético y sumamente incomprensible, especialmente cuando se enfada porque le rompan su rutina. Por eso no podemos entender que Cruise termine amándole, ni el resto de los espectadores, incluido yo mismo.

La película parece girar alrededor de Hoffman y todo el mundo se presta a realizar grandes alabanzas por su papel, pero creo que sin el soporte de la interpretación de Cruise nada hubiera funcionado. Al final de la película, Charlie (Cruise) ha aprendido a prestar atención, a escuchar, y cómo ser por lo menos un poco más paciente. Él no sufre una transformación espiritual, pero aprende que hay en el mundo cosas más importantes que vender coches. Con la ayuda de su novia Susanna (Valeria Golino), consigue poco a poco humanizarse y nos demuestra que su personaje tenía tanta importancia y profundidad como el de Dustin Hoffman.

La película es un canto a la necesidad de aceptar al prójimo tal como es, no cómo nos gustaría que fuera. La primera aparición de Charlie nos lo muestra al borde de la ruina, intentando controlar su vida y las vidas de los otros con su gran arrogancia. Lo que Raymond le enseña en su mutismo, es que puede relajarse, porque hay cosas que están por encima de nuestras posibilidades. Raymond tiene mucho que enseñar a Charlie sobre la aceptación, aunque en su interior él prefiera la soledad.

Premios:

Oscar a la mejor película 1988: Mark Johnson

Oscar al mejor actor 1988: Dustin Hoffman

Oscar al mejor director 1988: Barry Levinson

Oscar al mejor guión 1988: Ronald Bass, Barry Morrow

Nominada a la mejor dirección artística 1988: Ida Random, Linda DeScenna Nominada a la mejor fotografía 1988: John Seale

Nominada al mejor filme editado 1988: Stu Linder

Nominada a la mejor música 1988: Hans Zimmer

COMMON THREADS: STORIES FROM THE QUILT (1989) US

Documental

75 minutos

Color

Director: Robert Epstein y Jeffrey Friedman Narrado por: Dustin Hoffman

Adecuado documental sobre las vidas de cinco individuos afligidos con el sida: un antiguo atleta Olímpico, un soldado americano jubilado, un comandante de la Armada, un hemofílico de 11 años y un escritor de Nueva York. También vemos a un activista homosexual, y un drogadicto con problemas similares. El título se refiere al Memorial Quilt y consiste en miles de tableros, cada uno dedicado a una víctima del SIDA. Producido por HBO, ganó un Oscar de la Academia al Mejor Documental.

NEGOCIOS DE FAMILIA Family Business (1989)

US

115 minutos

TriStar Pictures

Productor: Lawrence Gordon

Director: Sidney Lumet

Guión: Vincent Patrick (Basado en su propia novela) Música: Cy Coleman

Intérpretes:

SEAN CONNERY: Jessie McMullen DUSTIN HOFFMAN: Vito McMullen MATTHEW BRODERICK: Adam McMullen ROSANA DE SOTO: Elaine McMullen JANET CARROL: Margie

VICTORIA JACKSON: Christine

BILL McCUTCHEON: Doheny

B.D. WONG: Jimmy Chiu

TONY DIBENEDETTO: Phil

¿Qué quiere demostrar Sidney Lumet con “Negocios de familia?”. ¿ Una película de enredos, o un drama familiar?. La película parece perseguir ambas metas con igual éxito hasta una tercera parte de su metraje. Entonces los nuevos detalles y situaciones empiezan a sobrar, especialmente los cómicos, y el espectador ya no sabe si reírse o sentir pena por una familia tan mal avenida. En ese instante la dirección parece flaquear e incluso es difícil concentrarse durante las escenas más decisivas, incluidas las finales.

Pero no todo son críticas, ya que estamos ante todo asistiendo a un cine sostenido por los actores, una vieja fórmula que ha funcionado casi siempre. Las populares estrellas Sean Connery, Dustin Hoffman, y Matthew Broderick, como las tres generaciones de una misma familia, están involucradas en el mismo delito. Connery, el abuelo, es un antiguo presidiario cuya posibilidad de volver a la cárcel es muy alta. Vive con un sistema de códigos de moral muy tradicional y está convencido de que solamente con la fuerza de los puños se puede doblegar a los indeseables. Por eso él acaba de salir de la cárcel, por resolver a puñetazos sus diferencias con un policía.

Hoffman es el hijo de Connery, medio escocés, medio siciliano, aunque su padre está convencido de que si su madre hubiera sido también escocesa su hijo había triunfado plenamente en la vida. Y Broderick es el hijo de Hoffman (el nieto de Connery por si alguien no lo sabía), medio Judío.

La película insiste reiteradamente en las diferencias generacionales de los tres protagonistas, lógicamente con el estigma de que los jóvenes siempre tienen la razón. Cuando comienzan las situaciones cómicas, la historia nos cuenta del robo de una fórmula que altera el ADN que supuestamente revolucionará al mundo, aunque en realidad es una tontería mayúscula que no sirve para nada, salvo para que su descubridor realice por todo el mundo conferencias subvencionadas.

En ese momento aparece Broderick, un erudito de la Westinghouse, quien nunca antes había estado metido en ningún delito. Hoffman, su padre, está totalmente en desacuerdo con la idea de que su hijo trabaje con él, ya que no desea que pueda seguir sus propios pasos y acabar siendo un vulgar delincuente. Sus recuerdos de su propia niñez, con un padre ladrón y encarcelado frecuentemente, le han marcado, además de no compartir con Connery su entusiasmo por esa fórmula. Por tanto, está decidido a mantener a su hijo al margen.

Todas las escenas que establecen los caracteres de los personajes son mostradas con desenfado y numerosas notas cómicas, especialmente en cuanto al personaje de Connery, curiosamente el menos indicado para hacernos reír. El contraste emocional con su hijo es total, quizá menos que con su nieto. Las situaciones de enredo se complican innecesariamente y hay situaciones no aclaradas, como la posesión de una tarjeta de entrada y hasta el propio código de seguridad.

La trama continúa interesante cuando Broderick se equivoca estúpidamente y es capturado por la policía, momento en el cual Connery y Hoffman tienen que decidir si se ayudan así mismos o tratan de sacar al chico de la prisión. Para lograrlo, tienen que ir ellos a la cárcel. Quizá en este momento es cuando el argumento ya nos aburre, puesto que parece obvio que abuelo y padre se sacrifiquen por el chico. El director Sidney Lumet intenta retomar la película y nos muestra todo un ejercicio de moral y psicología para que el espectador no pueda tomar partido tan rápidamente por Broderick. Aunque todo apunta a que Connery debe ir a la cárcel, por ser el promotor y el que menos futuro tiene. La certeza de que acabará sus días en prisión y nunca más podrá salir a la calle, deja el corazón encogido al espectador. Por si acaso no la han visto, no les diré el final.

Pero con todo ello, el final seguramente es una desilusión para todos. El personaje de Connery cambia bruscamente, dramáticamente, sin que nos expliquen la causa. En ese momento parece que tanto Hoffman como Broderick pertenecen a otra película. “Negocios de familia” parece jugar con dos barajas, comedia o tragedia familiar, y el problema es que el espectador decida inclinarse por uno de los dos lados y no se encuentre a gusto

DICK TRACY Dick Tracy (1990) US

Comedia/Aventuras 104 minutos

Color

Productor: Warren Beatty

Director: Warren Beatty

Guión: Jim Cash y Jack Epps Jr.

Basado en los caracteres creados por: Chester Gould

Fotografía: Vittorio Storaro

Compositor: Danny Elfman

Música y letras: Stephen Sondheim

Efectos especiales: Buena Vista Visual Effects Group, John Caglione Jr. y Doug Drexler Coreografía: Jeffrey Hornaday

Vestuario: Milena Canonero

Dibujante: Allen Gonzales y Samuel Recinos

Asesor: Bo Goldman

Intérpretes:

WARREN BEATTY: Dick Tracy CHARLIE KORSMO: Kid

GLENNE HEADLY: Tess Trueheart MADONNA: Breathless Mahoney AL PACINO: Big Boy Caprice DUSTIN HOFFMAN: Mumbles WILLIAM FORSYTHE: Flattop DICK VAN DYKE: Da Fletcher KATHY BATES: Señorita Green

Era una tentación demasiado intensa para cualquier cineasta el llevar a la pantalla a “Dick Tracy”, una de las tiras cómicas más populares. Todos los personajes habían sido deformados por rayos cósmicos, y juntos formaban una extraña caja fantástica en el imperio del crimen. Tracy fue la primera tira cómica que empleó a seres humanos deformados, en clara oposición a los tradicionales animales que hacían cosas como los humanos, con la diferencia añadida de que también tenían alma, trabajo y hasta gustaban del sexo. Ellos son humanos, ciertamente, pero tienen propiedades de otros mundos. Producida por un ilusionado Warren Beatty, “Dick Tracy” se acerca al material del cómic con la misma alegría que lo haría un fanático fetichista de esas tiras cómicas. Las historias de Tracy realmente no tenían una trama muy compleja, ni tampoco se pretendía provocar un intenso suspense. Lo importante era mostrar personajes grotescos condenados por naturaleza a llevar sus almas en sus caras. Podemos ver este proceso en las primeras escenas de la película, donde están casi todos alrededor de una mesa, con las miradas puestas en Little Face cuyos rasgos están sumamente dispersos y en The Brow, siempre profundo en sus pensamientos nada interesantes.

Otro de los aciertos es cuando la película nos muestra el universo de Tracy con una guerra de disparos. La cámara se sitúa en una ventana, y moviéndose hacia atrás, vemos la línea del horizonte de la ciudad, y entonces parece volar por el aire y sigue moviéndose para que observemos una vista urbana interminable. Los rascacielos, puentes, habitaciones y vías férreas elevadas se apiñan en el horizonte lejano, hasta que llegamos a comprender que ésta es la mayor y más escuálida ciudad que podemos conocer, aunque hay otros lugares. Esta inmensa City es una metrópoli misteriosa que se extiende en todas las direcciones, ocultando millones de vidas y secretos.

En ese momento la cámara entra en algunos edificios, y cuando vemos a las personas de nuevo comprendemos que todos esos rascacielos han sido creados en un estudio. “Dick Tracy” es una obra maestra de lo que se puede generar en un estudio creativo, con dibujos, miniaturas y efectos ópticos, logrando un mundo que nunca podría ser. Hay una escena donde escuchamos los rugidos de una locomotora gigante debajo de un muchacho que huye, y cuando él salta hacia delante nosotros instintivamente retrocedemos. El tenebroso tren realmente es un modelo a escala, pero la figura humana se ha mezclado con él en un proceso óptico, pero es difícil de apreciar para la mayoría de los espectadores. En este teatro de la noche vemos caminar a una figura peculiar, un hombre con un sombrero y un impermeable amarillo llamado Dick Tracy. Sabemos que cuando Chester Gould lo concibió hace bastantes años, parecía improbable que un detective de policía llevara prendas amarillas. Aunque quizá no, puesto que desde que Tracy salió a las tiras cómicas mucha gente encontró aceptables esos mismo colores.

La decisión de Beatty para rodar “Dick Tracy” solamente con los siete colores básicos de las tiras cómicas es una buena idea, porque ésta es una película sobre las criaturas de la imaginación, sobre las personas que viven en habitaciones donde cada lámpara de mesa parece una Lámpara de Mesa y cada cuadro en la pared representa sólo un Cuadro en la Pared. Todo esto era necesario para que Tracy pudiera llevar esos sombreros amarillos y que parecieran naturales.

Tracy en las historietas siempre era un enigma, una figura sin emociones. Warren Beatty interpreta a Tracy como una figura ligeramente más humana, un policía que tiene personalidad, pero que, sin embargo, es sumamente despectivo. Por eso algunos críticos han descrito a Tracy como poco profundo y se han extrañado que no se comportara como un personaje real, algo que obviamente no podía ser, puesto que era un dibujo. A su alrededor están los personajes que proporcionan una visión más humana, y por eso tenemos a Big Boy Caprice, interpretado por Al Pacino con tal energía grotesca que nos parece un delincuente de Dickens. Como confirmación, miraremos la escena donde Big Boy ensaya la línea del coro en su sala de fiestas. Golpea y habla detrás de las muchachas y las empuja, palmoteándolas, actuando más como un entrenador de perros que como coreógrafo. Hay un atisbo de crueldad en su conducta, y después vemos que esa misma crueldad se vuelve contra él. Al contrario que la mayoría de los bribones de las películas modernas, no suele presumir de su mal, y está avergonzado de ser así, lo que le hace aún más interesante.

A la sombra y alrededor de Big Boy, hay una galería de otros grotescos personajes humanos que han sido mencionados por sus anormalidades físicas, como Lips Manlis y Shoulders, o por sus minusvalías, como Mumbles (Dustin Hoffman), quién habla tan rápido que ni siquiera puede oírse. Estos personajes son fáciles de asimilar, aunque en principio parecen raros, pero los caracteres más extraños son precisamente quienes aparentemente parecen normales. Entre ellos están las dos mujeres que forman parte de la vida de Tracy, la fiel Tess Trueheart (Glenne Headly) y la seductora Breathless Mahoney (Madonna).

Algunos sociólogos especializados (despistados, habría que decir), han definido a Madonna como una mujer liberada, tanto que necesita cambiar de imagen tan rápidamente que nadie sabe qué nuevo cambio nos va a mostrar. Su apariencia en cada nueva gira musical es un nuevo mensaje para ellos, cuando en realidad es solamente un ejercicio imaginativo de lo habitual. Su error en “Dick Tracy”, creo, es que trata de imitar a Marilyn Monroe y en ese intento se queda al borde del ridículo. Marilyn era sexy sin esfuerzo alguno por serlo, era dulce sin necesidad de intentarlo, era guapa de forma natural, no a golpe de pesas, y cuando aparecían todos, hombres y mujeres, contenían la respiración, pues era única. Cuando Breathless (Madonna) se convierte en un clon de Marilyn, nada funciona, ni siquiera contando con los esfuerzos del iluminador, el maquillador o el coreógrafo. Su disfraz inspirado en “Con faldas y a lo loco” no funciona y termina haciendo el ridículo ante los ojos de los espectadores con buen gusto.

Éste es uno de los mayores fallos en “Dick Tracy”, la presencia de Madonna, lo mismo que la pretendida seducción de Tracy, tan pálido que es imposible que pueda ligar a ninguna mujer.

Hay también una parte emotiva en la película, cuando un muchacho huérfano llamado Kid (Charlie Korsmo), es adoptado por Tracy y decide llamarse desde entonces Dick Tracy Jr. “Dick Tracy” es una obra dulce, colorida y optimista, y cuenta con numerosos alicientes visuales y buenos efectos especiales. Un mundo entero de ilusión se ha construido aquí, lejos de la luz del día y el realismo de calles de las ciudades. “Dick Tracy” también refleja la inocencia que destila las tiras cómicas en las cuales se inspira y por eso puede ser vista por toda clase de públicos y no contar con el rechazo de educadores o censores. “Dick Tracy”, en resumen, es un cómic animado que no contiene obscenidades, apenas hay sangre, y la violencia es tan poco realista que tranquiliza verla. Es una de las fantasías más originales y visionarias que se han llevado a la pantalla.

Premios:

Nominada al mejor actor secundario 1990: Al Pacino

Oscar a la mejor dirección artística 1990: Richard Sylbert y Rick Simpson Nominada a la mejor fotografía 1990: Vittorio Storaro

Nominada al mejor vestuario 1990: Milena Canonero

Oscar al mejor maquillaje 1990: John Caglione, Jr., Doug Drexler

Oscar a las mejores canciones 1990: Stephen Sondheim

Nominada al mejor sonido 1990: Thomas Causey, Chris Jenkins, David E. Campbell, D.M. Hemphill

BILLY BATHGATE Billy Bathgate (1991) US

Romance/Drama/Crimen 106 minutos

Color

Productor: Arlene Donovan y Robert F. Colesberry Director: Robert Benton

Guión: Tom Stoppard

De la novela de: E.L. Doctorow

Fotografía: Nestor Almendros

Compositor: Mark Isham

Coreografía: Pat Birch

Vestuario: Joseph G. Aulisi

Intérpretes:

DUSTIN HOFFMAN: Dutch Schultz NICOLE KIDMAN: Drew Preston LOREN DEAN: Billy Bathgate BRUCE WILLIS: Bo Weinberg STEVEN HILL: Otto Berman STEVE BUSCEMI: Irving

BILLY JAYE: Mickey

JOHN COSTELLOE: Lulu

Esta es la historia de un hombre joven tan blando y descolorido que siendo el protegido de un gángster incluso no se hace interesante. Billy Bathgate se llama igual que la calle donde nació, y trata de ser igual en cuerpo y alma al holandés Schultz, un antiguo jefe del hampa de Nueva York.

“Billy Bathgate” tiene lugar en un mundo ya muy conocido, con un universo de grandes coches negros, sombreros que nunca se caen, trenes elevados, calles que sirven de habitación a los indigentes, salas de fiestas llenas de damas en busca de dinero, y calles húmedas. También vemos lugares para esconderse, esquinas donde se puede disparar sin ser vistos, disparos a quemarropa para vengarse, y tipos siniestros que llaman a otros más siniestros, “jefe”, con lo cual queda claro la calaña de ese jefe. Ya hemos visto estas cosas en numerosas películas, especialmente cuando nos muestran lo bien que vivían los gángsters en los años veinte, pero en esta ocasión el intento sale malogrado. “Billy Bathgate” de Robert Benton, es una película que no aporta ninguna novedad, y ningún problema que no se pueda solucionar con una bala del 48.

Billy está interpretado en la película por Loren Dean, un joven actor de Broadway que no acaba de encajar en este papel. La película comienza con Billy que actúa como testigo de la ejecución de un hombre por parte del crimen organizado. Estaba allí mirando nerviosamente los alrededores, cuando ve que un hombre se marcha hacia un remolcador. Billy salta hacia el barco cuando se empieza a separar del andén, y hay una escena retrospectiva para explicar por qué él estaba allí e hizo lo que hizo, aunque esta explicación no nos servirá para que comencemos a interesarnos en la película. La historia de Billy tiene un gran parecido con la de Henry Hill, el héroe de “Goodfellas” (1990) de Martin Scorsese. Ambos personajes empiezan como muchachos de un barrio que quedan impresionados por el prestigio y la prepotencia de los gángsters, y los dos acaban siendo unos forasteros protegidos por los delincuentes influyentes. También hay en ambas películas salidas por callejones estrechos, escaleras de incendio que sirven para huir y algunas chicas guapas que enamoran a los protagonistas. La diferencia está en que Henry Hill es un personaje lleno de energía y un luchador curioso, además de un chiflado y un excéntrico, mientras que Billy Bathgate parece ausente, como si fuera un protagonista involuntario de la cámara oculta.

Schultz está interpretado por Dustin Hoffman, en una de sus actuaciones más raras y no estamos seguros de que fuera el actor idóneo. El guión nos lo muestra enfrentándose a un encarcelamiento, y unos gángsters que están esperando que salga de la cárcel para matarle. Él usa violencia para luchar contra quien le ha traicionado, aunque lo hace sin mucha inteligencia ni éxito.

Hay una escena donde este holandés decide ensayar en un pueblo al norte de Nueva York y allí actúa buscando impresionar a todos. Él otorga benevolencia y caridad en todos los lados, pero con eso no nos reímos, porque hemos visto muchas veces escenas más graciosas y cada momento en ese pequeño pueblo es sumamente falso.

La mayoría de las películas de gángster tienen escenas en las que el gángster intenta llevar una vida respetable falsa, pero luego tienen un argumento más intenso, lo que no ocurre aquí.

Normalmente en las películas el gángster influyente parece fascinador, por lo menos en las primeras escenas, pero nuestro amigo Billy Bathgate, parece más un congresista extranjero en el pueblo que un temible mafioso. Schultz debería manejar mucho dinero, pero le preocupa gastar una moneda de diez centavos. Hay un par de secuaces fieles, un hotel de lujo, unas damas guapas, y los automóviles usuales, además de los sombreros. “Billy Bathgate” fue una película costosa de hacer, pero el dinero no se ve en ninguna escena, a menos que consideren que rodar en las calles auténticas de Nueva York cuesta más dinero que montar un escenario.

Las escenas tradicionales de persecuciones sobre las aceras, nos muestran una vez más a la gente corriendo, las carretillas aplastadas, el coche que roza con las fachadas y muchos extras corriendo con habilidad. Suponemos que fue allí donde invirtieron todo el dinero. Podemos culpar a Loren Dean por interpretar tan sosamente al mafioso, pero dado lo poco interesante de su personaje, creemos que hizo más de lo que podía. Dustin Hoffman, como Schultz, tampoco encontró el traje adecuado para ponerse, lo mismo que la guapa Nicole Kidman, como una dama de la sociedad que visita los barrios bajos. La película estaba basada en una novela de E.L. Doctorow, la cual tenía un buen sabor en su prosa, pero que al pasar al cine no entendemos verdaderamente qué pretendía decir con ella.

HOOK

Hook (1991)

US

Fantasía/Aventuras 144 minutos

Color

Productor: Kathleen Kennedy, Frank Marshall y Gerald R. Molen

Director: Steven Spielberg

Guión: Jim V. Hart y Malia Scotch Marmo

Basado en la historia de: Hart y Nick Castle, adaptado de la escenificación de la obra original y el libro de: Sir James M. Barrie

Fotografía: Dean Cundey

Compositor: John Williams

Efectos especiales: Michael Lantieri

Coreografía: Vince Paterson

Vestuario: Anthony Powell

Intérpretes:

DUSTIN HOFFMAN: Capitán James Hook ROBIN WILLIAMS: Peter Banning Peter Pan JULIA ROBERT: Campanilla

BOB HOSKINS: Smee

MAGGIE SMITH: Granny Wendy Darling CAROLINE GOODALL: Moira Banning CHARLIE KORSMO: Jack Banning

AMBER SCOTT: Maggie

MAXWELL HOFFMAN: Peter a los 5 años DANTE BASCO: Rufio

GLENN CLOSE: Pirata

La publicidad s obre “Hook”, de Steven Spielberg, se hacía la pregunta sobre “¿qué hubiera pasado si Peter Pan creciera?”. No sabemos con certeza la respuesta, pero con toda seguridad no se convertiría en este Peter Banning que nos muestra esta historia para niños. A alguien le habrá tenido que gustar mucho este argumento para que una persona como Spielberg lo aceptara como válido para revivir el mito del Niño que No Quería Crecer. Según vimos, Peter se convirtió en Banning, un ejecutivo ocupado todo su tiempo en problemas financieros que resuelve mediante su teléfono móvil, hasta que su eterno enemigo el Capitán Garfio decide sacarle de su destino.

También vemos a Robin Williams, Peter, tratando de aparentar ser ese hombre de negocios atormentado, y a Maggie Smith, Wendy, convertida ahora en una abuela que solamente puede recordar los maravillosos años vividos cuando era niña y viajaba con Peter Pan a Nunca Jamás. Por eso le pregunta a Banning si en realidad no se acuerda de cuando podía volar y jugar con los Niños Perdidos. Él no recuerda nada, hasta que un día Hook, Garfio, secuestra a sus hijos y le dice que si quiere rescatarlos tendrá que acudir a Nunca jamás y pelear de nuevo con él. Se aburre tanto en esa isla que necesita un poco de emoción.

Aparentemente, la idea central no es mala, puesto que a todos nos gustaría saber qué es lo que pasó en realidad con Peter Pan, pero la primera incógnita es porque se tituló “Hook”, dándonos a entender que el argumento giraría alrededor del pirata manco. Quizá es que Spielberg en realidad no quiso realizar una versión moderna de Peter Pan, sino una historia diferente, siendo este el primero de sus errores, aunque no el más importante. Tampoco hace ningún esfuerzo por involucrar la magia de Peter Pan en el mundo actual, puesto que los pensamientos de adulto han desaparecido y se comporta con bastante estupidez. Del mismo modo, la insistencia en mostrarnos al capitán Hook con sus neuras, y a unos niños traumatizados porque su padre no ha ido a un partido de béisbol, son otros de los errores de la película, lo mismo que poner a los piratas jugando a dicho deporte americano.

Las primeras escenas de la película son prometedoras y nos sitúan en la América moderna, con un ejecutivo tradicional, huérfano, que no tiene tiempo para emplearlo con los niños. Su familia vive muy bien gracias a su trabajo, pero le exigen que salga con la esposa, que juegue con los niños y hasta que visite más frecuentemente a la abuela Wendy. El hombre intenta multiplicarse, pero hace tiempo que se le acabaron los poderes mágicos. Una noche, cuando los niños duermen en la misma alcoba en la cual Peter conoció a Wendy hace muchos años, son raptados por una fuerza misteriosa y solamente una marca maligna les indica que es obra de Hook, el legendario pirata a quien un cocodrilo le comió una mano. En ese momento y cuando la pequeña hada Campanilla se lo lleva volando a Nunca Jamás, los espectadores creemos que la magia comienza de nuevo y podemos empezar a soñar. Pero como dijo Calderón de la Barca, los sueños, sueños son. Cuando los niños desaparecen y la Abuela Wendy le dice a Peter quien es, nosotros esperábamos una gran película llena de ilusiones, pero algo falló y todo se vino abajo, especialmente cuando llegamos a ese Nunca Jamás, que hasta los niños notaron que era un gran decorado. Y allí, las esperanzas de poder asistir a las nuevas aventuras de Peter Pan se disiparon por completo y una desordenada serie de escenas, más propias de una película cómica disparatada, nos amargaron la existencia. La gran cantidad de piratas, con trajes de mil colores, un barco abarrotado de todo e impecablemente limpio y apenas alguna señal de que estamos en la isla mágica, fue lo que machacó nuestros sentidos. No había manera de encontrar un poco de espacio libre, salvo un corto vuelo de Peter Pan (lo único bueno de todo el filme) y hasta los telones de fondo parecían obra de un aficionado. Los personajes importantes que aparecen son: Hook, interpretado por Dustin Hoffman quien intenta con mala fortuna que le confundamos con el Capitán Garfio de Walt Disney, labor imposible puesto que se trataba de un dibujo. Especialmente desacertada está Campanilla, interpretada por Julia Roberts, quien ni siquiera llega a igualar el atractivo sensual que tenía el dibujo de Disney.

Delgada, ojerosa y con cara de eterna tristeza (acababa de salir de un divorcio), no era la mejor opción para interpretar a un hada vivaracha con minifalda.

Pero también tenemos a Robin Williams, otro buen actor pasado de muecas y sonrisas, el cual seguramente no sabía quién era Peter Pan en el corazón de todos nosotros, lo mismo que Smee (Bob Hoskins), que trata de ser el más comedido de todos, aunque ciertamente su personaje era el único que permitía todos los excesos.

El fracaso de Hook está en su incapacidad para elaborar una verdadera continuación del mito de Peter Pan, pero con la misma magia, imaginación y ternura que tenía la historia original, la que todos conocemos. Quienes nos hemos maravillado con la película de Disney, acudimos presurosos a ver esta versión moderna con personajes de carne y hueso y, además, dirigida por el mago de la fantasía Steven Spielberg. Aparentemente, todo debería haber sido perfecto pero supuso una desilusión total y con ella un tremendo enfado. Se había perdido una oportunidad irrepetible.

Nadie alcanza a comprender las razones por las cuales Spielberg no se limitó a filmar una versión moderna de la historia original, simplemente para enamorar a las nuevas generaciones. La falta de creatividad en el guión, las torpes e interminables escenas de lucha con espadas entre Hook y Peter, y una coreografía igualmente mediocre, nos terminan dando la impresión de que los autores no sabían una palabra del cuento de Peter Pan o, peor aún, que ni siquiera les interesaba.

Premios:

Nominada a la mejor dirección artística 1991: Norman Garwood y Garret Lewis Nominada al mejor vestuario 1991: Anthony Powell

Nominada al mejor maquillaje 1991: Christina Smith, Monty Westmore, Greg Cannom Nominada a las mejores canciones 1991: John Williams y Leslie Bricusse Nominada a los mejores efectos visuales 1991: Eric Brevig, Harley Jessup, Mark Sullivan, Michael Lantieri

HEROE POR ACCIDENTE Hero (1992)

US

Comedia

112 minutos

Color

Productor: Laura Ziskin

Director: Stephen Frears

Guión: David Webb Peoples

Desde la historia de: Laura Ziskin y Alvin Sargent Fotografía: Oliver Stapleton

Compositor: George Fenton

Vestuario: Richard Hornung

Intérpretes:

DUSTIN HOFFMAN: Bernie LaPlante GEENA DAVIS: Gale Gayley

ANDY GARCIA: John Bubber JOAN CUSACK: Evelyn

KEVIN J. O.CONNOR: Chucky MAURY CHAYKIN: Winston STEPHEN TOBOLOWSKY: Wallace CHEVY CHASE: Sin créditos

Un poco más cuidada y “Héroe por accidente” realmente podría haber sido un buen filme. Tiene todos los ingredientes para una función tensa, pero se dedica a una serie de detalles superfluos que parecen pertenecer a otra película. Siguiendo la línea de esas comedias desenfadadas de los años cuarenta, en donde se premia los actos de heroísmo a cargo de personas desconocidas, todo hubiera ido perfecto solamente con no complicar el argumento.

El actor Dustin Hoffman como Bernie Laplante, se nos muestra como un perdedor en todo. Para sobrevivir es un modesto ladrón de Chicago cuya esposa le ha expulsado de casa y tiene un hijo que le desprecia, por lo que su único destino relajante parece ser la prisión. Entonces, una noche, un avión de pasajeros choca justo delante de él en un camino abandonado, y aunque no es un héroe, Bernie es el único que puede empujar la puerta de emergencia del avión y rescatar a varios pasajeros, incluyendo a una periodista de televisión interpretada por Geena Davis. Si no hubiera sido por este pequeño personaje, todos podrían haber muerto. Ahora están vivos, mientras que su salvador desaparece en la noche lluviosa. Una oferta de la emisora de Televisión regala un millón de dólares por la identidad de “El ángel del vuelo 49”, y pronto aparece un impostor, sin casa ni hogar (Andy García), que sabe las respuestas correctas sobre el rescate porque se las escuchó decir a Hoffman, un hombre a quien recogió cuando hacía autostop.

“Héroe por accidente” sigue un esquema bastante bueno hasta este punto, impulsado por la actuación de Hoffman, antes de que derive hacia derroteros menos válidos, justo cuando aparecen en pantalla Geena Davis, como una periodista decidida, y el usurpador Andy García. En ese momento los medios de comunicación se muestran tal y como son: interesados solamente por ganar audiencia a costa de lo que sea, incluso mentir. La pregunta que se hace el espectador es cuándo se hará justicia con el verdadero héroe y si en verdad a alguien le interesa que se sepa la verdad, ahora que ya han vendido la noticia. En este momento el argumento flojea, quizá porque el público tiene una solución más sencilla para resolver todo. Los personajes parecen llegar a conclusiones obvias y aunque Hoffman trata de contar la verdadera historia nadie le cree. Se tiene que guardar sus palabras y en ese momento a todos se nos ocurren muchas soluciones para que le hagan caso, aunque el guionista parece estar en ese momento cansado y no se le ocurre ninguna solución creíble.

Otro problema es cuando en un descansillo del hotel, García y Hoffman tienen una conversación excesivamente larga que no les conduce a ningún resultado. Ello nos lleva a la conclusión de que la película hubiera estado casi redonda con veinte minutos menos de duración, suprimiendo las largas parrafadas sin sentido que se han intercalado. La actuación de Hoffman está correcta, como siempre y nos creemos su papel como mendigo avispado, aunque es imposible que nadie se dejara arrebatar la gloria en un momento de su vida en que no tiene nada, ni siquiera techo. Su conducta durante el rescate real está algo forzada, casi parece un tonto, aunque el guionista pretendía que pareciera indiferente ante el accidente. En ese momento es como si se olvidara que está interpretando a Bernie y nos quisiera mostrar cómo se comportaría él en la realidad, si fuera un mendigo. Por eso se pone sentimental y aunque no quiere ser un héroe no le importa ayudar a los demás.

Eso es lo que haríamos nosotros, pero mucho nos tememos que un hambriento de pan y justicia no se comportaría así. La cantidad de accidentes mortales en los cuales las víctimas son desvalijadas antes de que lleguen los servicios de auxilio, confirman nuestra teoría. El material de las noticias de Televisión parece que forma parte de otra película, con una vida propia sobre el mundo inhumano de los noticiarios. Geena Davis está acertada como la reportera con una pizca de sensibilidad, aunque su mayor preocupación es que nadie le pise el reportaje, diciendo cuando la recogen en una ambulancia que nadie la quite su historia, puesto que ella hizo la investigación.

Chevy Chase, es uno de sus jefes, y tiene simplemente el tono correcto de cinismo confidencial, mientras que vemos a un operador cinematográfico de la Televisión que es cómico cuando él se pone lírico sobre la belleza de sus imágenes.

Pero la película tiene un tono diferente cuando se trata del pobre Bernie y su esposa (Joan Cusack), quien se muestra demasiado amargada y hostil en la primera parte de la película, y entonces sufre un cambio en su corazón que nadie se cree, ni nosotros. En resumen, una comedia acertada sobre el comportamiento del ser humano ante la desgracia ajena, tanto de aquellos que están involucrados directamente como de quienes, desde lejos, tratan de beneficiarse económicamente.

ESTALLIDO Outbreak (1995) US

Thriller/Desastres 127 minutos

Color

Productor: Arnold Kopelson, Wolfgang Petersen y Gail Katz Director: Wolfgang Petersen

Guión: Laurence Dworet

Intérpretes:

DUSTIN HOFFMAN: Coronel Sam Daniels, M.D. RENE RUSSO: Dr. Robby Keough

MORGAN FREEMAN: General Billy Ford KEVIN SPACEY: Mayor “Casey” Schuler CUBA GOODING JR.: Mayor Salt

PATRICK DEMPSEY: Jimbo Scott

DONALD SUTHERLAN: General McClintock

Este argumento supone uno de los grandes miedos de nuestro siglo, puesto que empiezan a ser frecuentes los accidentes nucleares, la guerra química y las contaminaciones masivas. La posibilidad de que llegue a nuestras ciudades una lluvia radiactiva o que una enfermedad nueva se convierta en una plaga imparable, suponen el nuevo jinete de la Apocalipsis de nuestra era.

“Estallido”, de Wolfgang Petersen, es una película de miedo y desalentadora porque es posible que un día sea cierta. Nos habla de la carrera de un virus microscópico que mata a los humanos dentro de las 24 horas después de la exposición, licuando los órganos interiores, lo que no es nada atractivo.

Las películas de miedo ocupan el mismo territorio que las innumerables películas de ciencia ficción que nos hablan de invasiones mortales y conspiraciones de alta tecnología, y normalmente son realizadas con inteligencia y cierta dimensión humana. “Estallido” comienza hace 30 años en Africa, cuando unos doctores americanos descienden en un pequeño pueblo que ha sido invadido por una nueva plaga mortal. Ellos prometen ayuda, pero solamente envían un avión que incinera el pueblo con unas bombas incendiarias. La razón para ello es que el microbio es demasiado mortal para tratarlo de otra manera y no hay información sobre su procedencia, o por qué apareció en esta área remota.

Sam (Dustin Hoffman) y Robby (Rene Russo) son una pareja que se han divorciado recientemente, y ambos son unos expertos en enfermedades causadas por microorganismos. Él trabaja para el Ejército, y ella ha tomado simplemente un nuevo trabajo en el Centro de Mando de Enfermedades en Atlanta. Cuando asistimos a la ruptura de su matrimonio, el director Petersen intercala escenas que muestran a un mono africano que es importado ilegalmente a los Estados Unidos. Este mono, por supuesto, lleva el virus mortal, y el contrabandista, incapaz de venderlo, lo tira a un bosque de California, aunque no antes de que le infecte.

Petersen muestra la enfermedad extendiéndose de un portador a otro, en un montaje que sería cómico si no estuviera hablando de una posibilidad real. Cuando el primer portador baja de un vuelo a Boston, vacila al andar y suda, temblando y casi demasiado débil para conseguir estar en pie, pero su novia, por supuesto, no percibe su enfermedad y le da un beso largo, profundo, francés. Atrás, en un pequeño pueblo de California, los estornudos de un portador infectado que mira una película, se propagan por el resto de la muchedumbre. Al mismo tiempo, en un laboratorio, un científico queda infectado al manejar torpemente unos tubos de ensayo, y así sucesivamente.

Pronto los informes de la erupción de la plaga llegan hasta Boston y California. Hoffman es asignado para controlar el mal por su inmediato superior (Morgan Freeman), pero cuando él y un colega (Kevin Spacey) siguen la ruta de la infección, vemos que detrás de todo hay una profunda conspiración en la cual está involucrado un general siniestro interpretado por Donald Sutherland. Por alguna razón, el Ejército tiene secretos que le involucran con esta plaga. También poseen un antídoto, aunque después de que el virus muta a una nueva forma, sólo los monos sirven como fuente de un anticuerpo. Petersen y sus guionistas, Laurence Dworet y Robert Roy Pool, combinan los trucos de varios tipos diferentes de películas de miedo en una historia conmovedora. Hay un trabajo que descubren los médicos, una conspiración militar, celos matrimoniales y profesionales y, finalmente, un clímax de acción en el cual Hoffman y su piloto del helicóptero (Cuba Gooding, Jr.) vuelan por California y por el mar para evitar que tiren una bomba mortal. “Estallido” es el tipo de película que usted puede disfrutar incluso aunque perciba que es exagerada. El personaje de Hoffman es similar al de otras muchas películas sobre virus mortales, y le vemos como ese militar íntegro que tiene una teoría que nadie cree y que es utilizado como hombre de paja por sus superiores. Sutherland hace nuevamente el papel que es habitual, ahora con un uniforme militar más aterrador. Está tan correcto como el resto de los actores y trata de representar hábilmente a esas personas que hacen actos reprobables solamente porque “cumplen órdenes”.

También hay una larga persecución, como es habitual en las últimas películas de Hollywood, y nuevamente está perfectamente manejada, lo mismo que los diálogos, lo suficientemente cortos como para no aburrir.

AMERICAN BUFFALO (1996) US

Drama

88 minutos

Color

Productor: Gregory Mosher

Director: Michael Corrente

Guión: David Mamet

Basado en su obra

Editor Kate Sanford

Director de fotografía: Richard Crudo Música: Thomas Newman

Vestuario: Deborah Newhall

Intérpretes:

DUSTIN HOFFMAN: Teach DENNIS FRANZ: Don SEAN NELSON: Bobby

La tienda de antigüedades de Don, en “American Buffalo”, se ha convertido en uno de los espacios fundamentales de la película, y allí se desarrolla la mayor parte de la historia. En ella, el guionista David Mamet creó un día largo, con noche incluida, en la cual Don y Teach y más tarde Bobby, nos hablan de un trabajo que ellos piensan realizar, mientras se preguntan con inquietud si deben, o no deben, e incluso si pueden llevarlo a cabo. El centro de “American Buffalo”, como todas las obras de Mamet, está en la jerga lingüística local de sus personajes. Ellos tienen una manera de explicar lo que están pensando, como si en realidad no estuvieran pensando en nada. Este diálogo es un ejemplo de ello: “Me gustaría proponerle alguna de las cosas que tengo, si es que usted está interesado en este material, ¿quiere usted que se lo enseñe?”. Cuando no hay respuesta dice: “La única manera de enseñar algo a estas personas es matándolas”. Y añade: “Si Dios no lo remedia va a ocurrir algo inevitable”.

La tienda es un espacio oscuro lleno de objetos de segunda mano, los cuales apenas tienen demanda por razones obvias. Don (Dennis Franz), la ha convertido en una especie de conejera y por eso es aún menos atractiva, a lo que hay que añadir que en la versión del director Michael Corrente se ven alcobas y entresuelos que retroceden en las sombras hacia supuestos tesoros escondidos. Nos extrañamos que Don pueda vender algo en estas condiciones, hasta que aparece Teach (Dustin Hoffman) y los dos se comprometen en una interminable conversación llena de posibilidades y en ocasiones hasta tiene sabiduría. Bobby (Sean Nelson), es un niño negro que trabaja para Don, y lógicamente no entiende lo que su patrón se lleva entre manos, pero es listo y quiere aprender.

La acción en la historia nos habla de un posible robo de una colección de monedas. Un hombre dice que Fletch puede ayudarlos en el crimen y Don está de acuerdo. No es gran cosa para un argumento, pero funciona porque se parece bastante a la vida real. “American Buffalo” es una obra sobre la vida misma y por eso el espectador piensa que ya lo ha visto otras veces, aunque depende de lo que vaya al cine.

En sí no es una comedia, pero sus frases contienen una gran dosis de sentido de humor simplemente prestando un poco de atención y por eso las risas son frecuentes. Mamet, es un escritor sumamente hábil que suele inventar historias complicadas y enredos que frecuentemente no llevan a ninguna parte, pero que maneja perfectamente y como buen mago de la escritura nos distrae con sus palabras mientras saca del sombrero el conejo que nos deslumbrará. La mayor pega del filme es que una gran parte de la acción se realiza en esa tienda, tan tenebrosa y carente de luz que se nos hace incómoda la visión. En esta película los actores tratan desesperadamente de buscar un resquicio de luz para que les veamos y aunque lo consiguen mínimamente por lo menos se nos quita la sensación de claustrofobia. Dustin Hoffman parece estar intentando ser demasiado duro, esfuerzo que le lleva a cierto agotamiento y a ser más importante lo que dice que cómo lo dice. Dennis Franz, como Don, lleva la historia con éxito aunque no pone mucho cuidado en hacerlo de un modo u otro. Se mueve dentro de la tienda con precisión, como si fuera su terreno habitual, y espera aquí, indefinidamente si es necesario, mientras sus amigos le visitan. Bobby no es un personaje importante, pero Sean Nelson es un actor tan poderoso que es capaz de dar categoría hasta a un extra.

SLEEPERS (1996) US

Drama

152 minutos

Color y Blanco y negro Super 35

Productor: Barry Levinson y Steve Golin Director: Barry Levinson

Guión: Barry Levinson

Basado en el libro de: Lorenzo Carcaterra Director de fotografía: Michael Ballhaus Música: John Williams

Vestuario: Gloria Gresham

Intérpretes:

KEVIN BACON: Sean Nokes

ROBERT DE NIRO: Padre Bobby DUSTIN HOFFMAN: Danny Snyders BRAD PITT: Michael

JASON PATRIC: Shakes

VITTORIO GASSMAN: King Benny MINNIE DRIVER: Carol

La forma de empezar “Sleepers” de Barry Levinson es: “Ésta es una verdadera historia sobre la amistad que corre más profundamente que la sangre”. Ante esta frase, cualquier persona que domine superficialmente la gramática, se llevará las manos a la cabeza. Si, además, nos dicen que está basada en una historia real, debemos empezar a pensar que al guionista no le pagaron lo suficiente.

Basada en una novela de Lorenzo Carcaterra, parece razonable que nos preguntemos si verdaderamente importa que una película esté basada en un hecho real, o sea, pura ficción. Por mucho que lo intentemos, el cine siempre será ficción, inventado, aunque el director insista en que está basada en hechos reales.

Muchos escritores han exigido que cuando sus novelas biográficas son llevadas al cine estén basadas tan fielmente en los hechos reales como su propia historia; cuando no es así, las protestas son de dominio público. Con “Sleepers”, sin embargo, la demanda es mucho más seria, y eso puede no ser necesario, especialmente porque muestra decisiones morales basadas en nuestra vida real, y puede que no encajen con lo que vemos en el cine. La película cuenta la historia de cuatro amigos del lado oriental de Nueva York, que crecen rondando con la delincuencia en un barrio de gente educada, donde los polos opuestos, en cuanto a moral se refiere, son el Policía Sacerdote (Robert De Niro) y Rey Benny (Vittorio Gassman), el jefe de la Mafia. Cuando los niños tienen 13 años, roban un carro de perritos calientes y lo tiran por las escaleras del metro y aprisionan a un hombre en la caída, provocando su muerte. Son sentenciados al internamiento en un reformatorio, donde son torturados y sexualmente ultrajados por un sádico guardián llamado Nokes (Kevin Bacon).

Después nos trasladamos al verano de 1981, en donde dos de esos muchachos, ahora con 28 años y convertidos en peligrosos gángsters, ven en un restaurante a Nokes, y le disparan. Para ellos es un acto de justicia y el ensayo de lo que vendrá después cuando localicen a los otros guardianes. Uno de los cuatro chicos, Shakes (Jason Patric) trabaja ahora en un periódico y el otro, Michael (Brad Pitt), es un enfermero auxiliar. La película es narrada por Shakes y nos cuenta que King Benny controla todavía el barrio y pone a trabajar a un abogado alcohólico llamado Snyder (Dustin Hoffman) para que defienda a los asesinos, porque teme que acaben muertos o en la cárcel. Todo depende de las intenciones del Policía Sacerdote, quien debe proporcionar las adecuadas coartadas a los demandados.

La venganza está servida y hasta el espectador desea que se realice el ojo por ojo. Pero el argumento comienza a complicarse cuando los dos demandados se han vuelto gángsters profesionales y asesinos. El sacerdote observa y dice: “yo sé lo que ellos eran y sé lo que son ahora”.

Nada en la película indica qué es lo mejor, lo más moral ni lo más justo. Cuando piden al sacerdote que jure en falso, la película gana en intensidad dramática. La cámara permanece delante de Robert De Niro, mientras él piensa, y piensa. Después le vemos ya sobre el estrado, aunque después de hablar nadie nos explica el motivo de su decisión, posiblemente porque los directores de cine saben que no pueden explicar conceptos morales tan personales.

El policía Sacerdote debe saber que los muchachos acusadores son también asesinos despiadados, y que ingresaron en el reformatorio por matar a un hombre después de un robo. También sabe que la violación que sufrieron fue horrorosa, pero que al menos salieron con vida. La iglesia que representa el padre dice claramente que la venganza es un error y un pecado, por lo que finalmente comprendemos el deseo del sacerdote de que se olvide todo el pasado y no haya más muertes.

La otra cuestión es el llamado Código de Honor de la Mafia, popularizado años atrás por Mario Puzoen “El padrino” y reafirmado por escritores como Carcaterra. Las preguntas que nos podemos hacer son estas: ¿Qué justificación tendrían los asesinatos si los chicos no hubieran sido violados en el reformatorio?

¿La película sobre una venganza mortal tendría justificación si no se tocara el tema de la homosexualidad? ¿Llegarían el sacerdote y el jurado a la misma decisión?.

Dustin Hoffman proporciona una actuación sutil, temblando en su actuación como el inseguro abogado de la defensa, mientras que Kevin Bacon es un bribón fuerte, eficaz y Robert De Niro es usado más por su aura que por sus habilidades, aunque el papel de sacerdote le da más carácter a la película.

Jason Patric y Brad Pitt, como los dos conspiradores, se parecen a Woodward y Bernstein en “Todos los hombres del presidente”, pero consiguen lo que la productora pretendía: figurar en los titulares como grandes estrellas y atraer a más público.

A destacar el trabajo del veterano Vittorio Gassman, rescatado para el cine mundial cuando aún tiene mucho que ofrecer a los espectadores

MAD CITY (1998)

120 minutos

Director: Constantin Costa-Gavras

Música: Thomas Newman

Guión: Tom Matthews

Basada en una historia de: Eric Williams y Matthews

Intérpretes:

JOHN TRAVOLTA: Sam

DUSTIN HOFFMAN: Brackett MIA KIRSHNER: Laurie

ALAN ALDA: Hollander

ROBERT PROSKY: Lou Potts BLYTHE DANNER: Señora Banks

La película aporta el aval de un director europeo que aunque no cuenta con una larga trayectoria popular, su prestigio como director de la Cinemateca Francesa parece ser suficiente como para otorgarle un voto de confianza al buen gusto. Ahora tiene en sus manos una historia humana, en la cual nos habla de un hombre que ha perdido su empleo y desesperado provoca una intensa tragedia en un pequeño pueblo.

Buenas interpretaciones de Travolta y magnífica la de Hoffman quien interpreta perfectamente al reportero Max Brackett. Dirigida por el director de “Missing”, “Mad City” nos habla de un guardia de seguridad de un museo llamado Sam Baily que es despedido. Cuando Sam intenta razonar con su jefe sobre su vuelta al trabajo, le toma como rehén junto a un grupo de niños. Lo que no sabe es que un reportero de televisión está en su cuarto de baño (Dustin Hoffman), y está a punto de convertir la situación en la historia del siglo al convertirse en uno de los rehenes.

“Mad City”’ nos habla sobre el periodismo y las noticias de última hora y sobre esos medios de comunicación que alimentan el morbo de una historia, si con ello logran más audiencia.

“Mad City”’ podría haber sido una película muy divertida si hubiera atacado más a los espectadores y los lectores que consumen las noticias basura, más que a los realizadores. En la película, los medios de comunicación se ponen en marcha cuando el guardia del museo, un ciudadano amable interpretado por John Travolta, crea una crisis con los rehenes, especialmente con un periodista de televisión (Dustin Hoffman). Cuando la película comienza, Hoffman está en el museo cubriendo un reportaje y vemos también a Travolta discutiendo con su jefe (Blythe Danner). Ha sido despedido de su trabajo y debe marcharse. El problema es que ha traído a su trabajo una bolsa para cambiarse de ropa y también una escopeta de caza y algo de dinamita, lo que utilizará para llamar la atención de su jefe.

Hoffman se queda en el museo y transmite con un micrófono de solapa, pero a medida en que pasan las horas se hace amigo del guardia, aunque sabe que eso hará enfadar a su esposa.

WAG THE DOG

97 minutos

Director: Barry Levinson

Guión: David Mamet y Hilary Henkin

Basado en el libro “American Hero” de: Larry Beinhart

Intérpretes:

DUSTIN HOFFMAN: Stanley Motss

ROBERT DE NIRO: Conrad Brean

ANNE HECHE: Winifred Ames

WOODY HARRELSON: Sargento William Schumann DENIS LEARY: Fad King

WILLIE NELSON: Johnny Green

¿Por qué y para qué invadieron Granada?. Una bomba terrorista mató a todos esos marines en Beirut, y la Casa Blanca tuvo que encajar las críticas por ordenar que unos marines aterrizasen en una isla caribeña de la que pocas personas habían oído hablar. “La invasión de Granada”, el libro, produjo más aplausos que los combatientes. Cuando terminó esa operación, la presidencia de Ronald Reagan había demostrado que se podía desterrar el comunismo de cualquier lugar del Caribe, salvo de Cuba.

“Wag the dog” de Barry Levinson, cita a Granada como un ejemplo de cómo lo fácil es fustigar el ardor patriótico, y lo dudoso cómo contenerlo. La película es una sátira que contiene elementos bastante realistas, aunque nos parezcan una broma increíble. Hace poco hemos leído que algunos de los proyectiles nucleares rusos que todavía apuntan a los Estados Unidos, no están debidamente protegidos por los soldados porque no les han dado una ración extra de salchichas ese mes. Puede parecer una sátira, pero es real. En la película, un Presidente de Estados Unidos es acusado de ligarse a una menor, “Firefly Girl”, en una antesala de la Oficina presidencial. La elección presidencial está muy cercana y el candidato de la oposición empieza usando “Doy gracias al Cielo por las niñas” en sus anuncios de Televisión, mientras el ayudante de la Casa Blanca, Winifred Ames (Anne Heche), lleva a un doctor llamado Conrad Brean (Robert De Niro) lejos de la Casa Blanca para una sesión de emergencia.

Entretanto, se fragua una crisis internacional con Albania, aunque nadie sabe las razones. ¿Puede pensar alguien que los albaneses son malos?

Brean vuela a Hollywood y pide los servicios de un productor llamado Stanley Motss (Dustin Hoffman), quién es duro de convencer. Él quiere una prueba de que Brean tiene una línea directa con la Casa Blanca y lo consigue. Brean dice las palabras por teléfono móvil y el portavoz repite, una por una, las palabras que le dictan.

Motss se pone en marcha antes de que los medios de comunicación inunden todo con noticias falsas. Cuando se enteran que hay escondidos unos terroristas albaneses en el sur de Canadá con una maleta llena de bombas, Motss dirige todo el plan de las noticias y contrata a Willie Nelson para escribir la canción que convertirá el conflicto en un himno. Después, falsifica una noticia sobre una muchacha albanesa (Kirsten Dunst) que huye de sus violadores con un gatito.

Entonces aparece el mártir en forma del sargento William Schumann (Woody Harrelson), quien impide la explosión de la bomba albanesa y se le otorga la categoría de héroe. Lo curioso del caso es que este material es al mismo tiempo absurdo y convincente. Levinson, trabajando de un modo inteligente, y contando con el guión de David Mamet y HilaryHenkin (basado en el libro “el Héroe americano” de Larry Beinhart), nos muestra la construcción del bombardeo de noticias que acompaña a cualquier crisis internacional moderna. Incluso cuando un conflicto es real y necesario (la Guerra del Golfo, por ejemplo), la saturación de noticias es invariablemente poco profunda e incondicional, y actúan como si fueran cronistas deportivos, olvidando que son corresponsales de guerra y que deben abandonar cualquier personalismo y pasión.

Para Hoffman, ésta es la mejor actuación desde hace años, y la encontramos inspirada, aunque también deberemos otorgar mérito al productor Robert Evans. Como muchos ejecutivos de Hollywood, el personaje de Motss combina inteligencia con inseguridad y falsedad, convencido que de otro modo no conseguirá ningún éxito ni prestigio. Lo importante es cómo se manipula la noticia, y lo de menos es entregar la verdad a los ciudadanos. Sobre el Brean de Robert de Niro, se trata de una persona que ha nacido para vivir en la sombra, y De Niro lo interpreta con la dosis mínima de sinceridad que el personaje necesita, demostrando que la habilidad para decir mentiras forma parte de la profesión de informador.

“¿Por qué menea un perro su cola?”, pregunta Brean en un momento dado. “Porque el perro es más inteligente que la cola. Si la cola fuera más inteligente, menearía al perro”. En el universo de Brean, la cola es más inteligente, y nosotros, estimados lectores, preferimos ser los perros.

ESFERA

Sphere (1998)

Director: Barry Levinson

Productor: Barry Levinson, Michael Crichton, Antrew Wald y Peter Giuliano. Guión: Michael Crichton, Stephen Hauser y Paul Attanasio

Basado en la novela de: Michael Crichton

Fotografía: Adam Greenburg

Música: Elliot Goldenthal

Intérpretes:

DUSTIN HOFFMAN: Dr. Norman Goodman SAMUEL L. JACKSON: Harry J. Adams SHARON STONE: Dr. Beth Halperin PETER COYOTE: Capitán Harol Barnes QUEEN LATIFAH: Fletcher

LIEY SCHREIBER: Ted

MARGA GOMEZ: Edmunds

La mayoría de las personas que han visto esta película no habrán leído la novela y saldrán ganando con ello. Quienes han tenido la fortuna de leerla la considerarán una de las mejores obras de Crichton y por eso saldrán confundidos al ver la película. Yo estoy en ese grupo de personas que han leído el libro, y aunque me ha gustado la considero de menor interés que “Parque Jurásico” y “Sol Creciente”.

Aparentemente, leer primeramente el argumento original siempre ayuda a entender rápidamente una película, pero también nos quita parte de la emoción, como cuando alguien nos dice quién es el asesino. Por eso pedimos a los productores que hagan las películas antes de que las novelas salgan al mercado o que al menos les cambien el final. “Esfera” es una de esas películas que reúnen muchos ingredientes para triunfar pero se quedan a medio camino. Desde el punto de vista de los críticos no es buena y alegan que la acción es adecuada pero nada memorable, que la historia es confusa, y el desarrollo de los personajes poco creíble. A mí, como escritor, nunca me ha importado la opinión de los críticos, puesto que me considero ante todo un simple espectador, pero algo de razón tienen sobre esta película. Aunque sigue el libro más estrechamente que la mayoría de las otras adaptaciones de Crichton, las pocas diferencias que aporta no son adecuadas y parecen efectuadas solamente para poder incluir buenos efectos especiales. Ambos actores, Hoffman y Stone, consiguen unas buenas actuaciones, aunque la presencia de Sharon Stone la consideramos forzada. Jackson probablemente es el mejor de todos, mientras que Schreiber está mejor de lo habitual. La película empieza la narrativa de manera muy directa y entra correctamente en la acción, y por eso durante los próximos 80 minutos atrae nuestra atención. Pero pronto la dinámica se hace lenta, y se concentra demasiado en los personajes justo en un momento totalmente innecesario. Afortunadamente se recupera en los últimos minutos y nos ofrece un final extraordinario e interesante.

Hay un buen trabajo a costa de los especialistas en FX, sobre todo en cuanto a la propia esfera, mezcla de plástico y holografía. Hay también algunos grandes momentos de ansiedad (nada que nos asuste realmente porque ya estamos curtidos en cuanto a bichos se refiere), pero lo suficiente para conseguir que nuestras pulsaciones aumenten un poco hasta el borde de la taquicardia. Como parte negativa, la música incorporada a esos momentos de tensión, la cual en ocasiones está sumamente desacertada y nos quita el escalofrío que nos empezaba a inundar. Nuestra opinión es que para crear terror no basta con poner la música muy fuerte, con grandes tonos bajos, sino que debe formar parte de la misma historia y no distraer.

Otros filmes

Tenías que ser tú (2008)

Kung fu panda (2008)

El valiente Despereaux (2008)

Mr. Magorium y su tienda mágica (2007) El perfume (2006)

Más extraño que la ficción (2006) Car Wars (2006)

The Berkeley Connection (2006)

Los padres de él (2005)

La ciudad perdida (2005)

Lemony Snickets (2004)

Descubriendo Nunca Jamás (2004) El jurado (2003)

Confidence (2003)

El compromiso (2002)

Juana de arco (1999)