CLINT EASTWOOD

Autor: ©Adolfo Pérez Agustí

ISBN: 978-84-9827-895-8

Editorial: Ediciones Masters

CLINT EASTWOOD

Alto, de voz suave y uno de los actores más importantes desde los años sesenta, decidió diversificarse dirigiendo y produciendo películas. Pronto Clint Eastwood pasó de ser un popular actor de películas para su pase en televisión, ambientadas en el Western, para convertirse en una de las estrellas más prestigiosas del mundo, ganando igualmente gran prestigio como director.

Su compañía de producción, Malpaso, un nombre poco apto para supersticiosos, ha conseguido realizar grandes películas contando con presupuestos muy bajos, pero muy ambiciosas desde el punto de vista personal y artístico. Eastwood no forma parte del sistema tradicional de Hollywood y su negocio está centrado en Carmel, California, en la Península de Monterrey, donde ha ejercido también como alcalde y tiene un restaurante en propiedad.

Eastwood creció en los años de la Gran Depresión, en California, donde sus padres eran obreros eventuales sin empleo fijo. Después de terminar la escuela secundaria, trabajó como leñador en Oregón, además de tocar el piano, y ser instructor en el Ejército americano. Mientras estaba en el ejército, estudió en el City College de Los Angeles.

Cuando firmó un contrato como actor para la Universal, una de sus primeras experiencias fue en un filme de gran éxito pero de ínfima calidad artística titulado “Francis en la marina” (1955), siendo Francis una mula parlanchina a las órdenes de Donald O’Connor. Después continuó realizando algunas películas de serie B, hasta que se fue a Nueva York y ganó cierto prestigio como el jefe Rowdy Yates en la serie de Televisión

"Rawhide" (1959-66).

Los horarios concretos de la Televisión y un buen entrenamiento físico anterior, le ayudaron a desarrollar un buen estilo como actor secundario que le condujo poco a poco a ser figura principal. Su primer triunfo mundial lo logró en Europa, donde consiguió un gran reconocimiento en una trilogía de Spaghetti Westerns dirigida por Sergio Leone que se rodó en España. Nervudo, lacónico, y especialmente letal, logró popularizar las películas del Oeste americano rodadas en Europa, siendo su primer gran triunfo la violenta y bien dirigida “Por un puñado de dólares” (1964). Después vinieron “La muerte tenía un precio” (1966) y “El Bueno, el feo, y el malo” (1966), consiguiendo ser reconocidos posteriormente como Westerns clásicos y él mismo una gran estrella mundial.

Una vez abandonado ese género, consiguió otro gran triunfo con “La jungla humana” (1968), una inteligente película sobre violencia urbana dirigida por Don Siegel.

La segunda gran oportunidad de Eastwood llegó con la encarnación en la pantalla del personaje apodado “El sucio” (Harry Callahan), un policía que daba el nombre al filme

“Harry el sucio” (1971) de Don Siegel. Su mayor habilidad para resolver los casos dudosos era disparar a los sospechosos, en lugar de interrogarles. De esa larga serie de películas sobre Harry destacamos “Impacto súbito” (1983), y una frase suya que dice:

“Hoy no es mi día”, cuando está a punto de morir amenazado por una pistola.

No obstante, estas películas no tenían la suficiente calidad artística y su ideología violenta molestaba a muchas personas. Sobre esta crítica, Eastwood ha declarado que “Mis personajes son hombres que tienen un alto concepto del bien y del mal, pero a veces no tienen paciencia para que un juez ponga en libertad a un asesino”. También añade que

“Mis películas hablan de problemas morales y sociales, no de política”. Su amistad con Ronald Reagan también le ha proporcionado algunas críticas, suponemos que de quienes no le votaron, pero la preocupación de Eastwood por el medio ambiente, le ha proporcionado un gran respeto en el Departamento del Interior.

Eastwood continuó su línea como actor duro y muy viril, incluso en algunas comedias como fueron “Duro de pelar” (1978) y “La gran pelea” (1980). Posteriormente y aunque podía seguir trabajando con facilidad en películas de gran comercialidad, prefirió arriesgarse e interpretar otro tipo de personajes más comprometidos, humanos y filosóficos, que le hicieron ganar aún más adeptos. Sus retratos de hombres atormentados, con intensas vidas internas y poca habilidad para comunicarse con los demás, encontraron su apogeo en “Bird”(1988), un popular filme sobre el malhumorado músico de jazz Charlie Parker.

También ha realizado y dirigido películas como “Infierno de cobardes” (1973) y “El jinete pálido” (1985), dos westerns extraños, y filmes de acción en los cuales explora las preocupaciones de las mujeres como “Impacto súbito” (1983) y “En la cuerda floja” (1984).

Pero la viabilidad comercial de Eastwood parecía haber entrado en un serio declive a finales de la década de los 80. La quinta entrega de Harry el sucio, “La lista negra” (1988), no tuvo apenas éxito comercial y en 1990 se dieron dos nuevos fracasos de taquilla con “El principiante”, y “Cazador blanco, Cazador negro”, una historia interesante, similar a la “La reina de Africa”.

Afortunadamente, Eastwood consiguió una rehabilitación popular y de crítica con “Sin perdón” (1992), un western que ganó el Oscar a la mejor película y al mejor director, así como varios otros premios menores. Según sus propias palabras, con esta película quiso rendir un homenaje a las personas que le acompañaron en sus primeros éxitos, los directores Leone y Siegel, películas que ya han acumulado unas ganancias superiores a los 100 millones de dólares.

Después interpretó “En la línea de fuego” (1993), un éxito apoteósico, en el cual hace el papel de un agente secreto que debe detener a un asesino interpretando inteligentemente por John Malkovich. Eastwood dirigió posteriormente “Un mundo perfecto” (también en 1993) en que encarnó a un hombre de la ley muy experimentado que va tras el rastro de un convicto escapado de prisión (Kevin Costner), que viaja en compañía de un niño de siete años.

Sorprendiendo a los críticos más severos, poco después consiguió afianzar su popularidad al interpretar el papel de un vendedor envejecido en “Los puentes de Madison” (1995), donde incluso le vemos llorar en esa historia de amor.

Con una actuación magistral y apasionante, “Los puentes” no solamente demostraron la habilidad como actor romántico de Eastwood, sino que afianzaron su habilidad como director.

Por si fuera poco, también ha conseguido promocionar hábilmente su productora de discos Malpaso Records, (lo mismo que ya hizo con Malpaso Productions), en la cual predomina la música de jazz. El primer álbum lanzado al mercado se titula “Puentes”.

Ese mismo año hizo una pequeña intervención en la película infantil “Casper”.

UN BREVE REPASO A SUS PERSONAJES

El vaquero de mirada fría

En su primera prueba cinematográfica simplemente habló a la cámara, y un par de películas después ya consiguió interpretar sus líneas perfectamente, aunque fue en una escena tan oscura que nadie pudo verle la cara. Hacia el final de su primer año como actor, tenía ya algunas buenas intervenciones en películas de cierta importancia que le proporcionaron nuevos trabajos.

Así era la vida de Clint Eastwood como actor joven contratado por la Universal en 1955, y resultó ser una gran oportunidad después de permanecer durante un año y medio. También realizó trabajos como actor suplente, como extra, dio clases en un gimnasio, siguió audiciones, y realizó otros trabajos como excavar piscinas bajo el sol caliente del Valle de San Fernando al que llamaba El Valle de la Muerte.

Pronto consiguió un mejor trabajo cuando se fue al este para intervenir en la serie

“Historias de West Point” o como policía motorizado en “Highway Patrol”. Consiguió intimar con James Garner en un episodio de la serie de televisión “Maverick”, quien le recomendó para un pequeño trabajo en “The First Traveling Saleslady”, junto a Carol Channing; papel que le proporcionó otro trabajo menor en “Lafayette Escadrille”, un filme bélico sin importancia.

Pero casi todas sus películas fueron un fracaso, y tenía que conformarse con papeles mucho menos importantes. Cuando consiguió finalmente un trabajo decente en una película, resultó ser un western de clase B tan malo que pensó en dejar esa profesión.

Esos hechos ocurrían en 1959, justo cuando se encontró con un amigo que era productor de la CBS, quien después de saludarle y recordar los viejos tiempos de juventud, le miró de arriba abajo y le dijo: “¡Es usted un actor!”. Después le explicó que estaba buscando a alguien para interpretar el segundo papel en una serie para la televisión titulada “Rawhide” que estaba a punto de producir.

Así nació Rowdy Yates y podemos considerar que fue la primera vez que Clint alcanzaba cierta fama, aunque no fortuna, logrando permanecer con esa serie durante siete años.

Rowdy era del gusto de la mayoría de los espectadores y el papel de Clint como un buen hombre joven, educado cuando hablaba, le favorecía su imagen comercial, pero a él le cansaban tantos capítulos. Cuando fue entrevistado para la revista “Hollywood reporter” manifestó que con sus 30 años cumplidos aún no había conseguido el impacto comercial que quería y que aún le quedaban muchos años para intentar conseguir sus sueños.

Ciertamente su papel como Rowdy era atractivo para las chicas, pero con 30 años empezaba a tener claro que no podría seguir haciendo eternamente papeles de galán.

Por eso presionó a su productora para que le dejase interpretar alguna película y aunque le dijeron que sí le pusieron como condición que tenía que ser fuera de Estados Unidos. Por eso en 1964 se fue a España para interpretar un western con un director italiano desconocido. El dinero era poco, el prestigio inexistente, pero la película que se titulaba

“Por un puñado de dólares”, le ofreció un personaje que él nunca había interpretado antes, como un adulto canoso, pendenciero y moralmente ambiguo.

Para Clint, este papel nunca tuvo la suficiente importancia como para presumir de ello, pero reconoce que le proporcionó unos buenos ingresos y una gran popularidad que ha permanecido inalterable. Afortunadamente, con el tiempo consiguió desligarse también de esa imagen de hombre rudo e interpretar otros personajes más humanizados.

“Yo nunca me consideré un vaquero, porque no lo era. Pero supongo que cuando entré en el cine vestido de vaquero me parecía bastante como para convencer a los espectadores que sí lo era”.

Para la mayoría de los actores, e incluso de las personas, la genética marca su destino.

Históricamente, nosotros podemos estar seguros de ello, y nos pareceremos a nuestros antepasados, hayan sido bajitos, regordetes o habladores. Pero las películas no se rigen por el mismo criterio natural y los héroes del western clásico siempre han sido altos, delgados, lacónicos y de mirada fija, especialmente desde que Clint empezó a mirar así. Sin embargo, él no miraba así desde un principio, ya que en sus primeros papeles en la serie de televisión “Rawhide” como Rowdy Yates, no empleaba esta técnica para atraer la atención. Esa peculiar manera de interpretar la ejerció por primera vez en los tres espaguetis westerns que él hizo con Sergio Leone y posteriormente cuando ganó el Oscar de la Academia por “Sin Perdón” en 1992.

“Cuando me marché a Europa para rodar “Por un puñado de dólares”, pensaba que el western estaba en un punto muerto, había desaparecido el mito, la poesía, y los pocos que aún se hacían eran rancios y sumamente moralistas. Ahora los indios eran los buenos, los blancos los malos y las mujeres pegaban tantos tiros como los hombres”.

Ese cambio fue la causa del declive del western americano, o al menos así lo pensaban los productores, por lo que cualquier proyecto para una película así se consideraba de baja calidad y la inversión debería ser mínima. Sergio Leone tenía la misma opinión, pero al menos no estaba dispuesto a realizar una mala obra y trataría de hacerlo correctamente, aunque las circunstancias fueran desfavorables. Pensaba que si le daba cierta comicidad a la película el público la aceptaría mejor.

Su impacto fue total y además de convertirse en una de las películas más taquilleras de entonces, alzó al estrellato a Clint Eastwood, permitiéndole trabajar ya sin pausa. En la primera de las películas de Leone, el personaje de Clint se parecía a algo así como “la figura de un Cristo canoso”, quien sufre un calvario y una resurrección antes de traer la redención, mediante un barril de pólvora, al pequeño pueblo de la frontera mexicana de San Miguel.

En la primera película de la productora Malpaso de Clint, “Cometieron dos errores” (Hang’em high), su personaje Jed Cooper, es dado por muerto en los primeros minutos del filme. Rescatado, se convierte en un hombre de la ley que libera un territorio de la frontera en manos de una banda de delincuentes. En “Infierno de cobardes” (High Plains Drifter), el primer western que dirigió Clint, su personaje se parece bastante al mismo que representó cuando intentó traer justicia a un pueblo llamado San Miguel. En “El jinete pálido” (Pale Rider), de 1985, su figura como predicador es indiscutiblemente semejante a otras, siempre dispuesto a defender al manso y al débil de sus atormentadores terrenales.

En la mayoría de las películas que ha dirigido, como “El fuera de la ley” (The Outlaw Josey Wales) y “Sin Perdón”, interpreta a un hombre forzado de espíritu que encuentra su redención a través de las acciones altruistas que emprende.

Algunos de los aspectos en el paisaje western que incorpora Clint Eastwood, obviamente son diferentes a los tradicionales, y la razón puede remontarse a su niñez, cuando sus padres lo llevaron a Yosemite, y allí pasó unos buenos años entre el silencio, el vacío, y la belleza del lugar. Si alguna vez un hombre está perdido y necesita encontrarse, en un lugar semejante podría empezar la búsqueda. Por eso nosotros encontramos a sus westerns ásperos y realistas, especialmente cuando nos cuentan la historia casi como un susurro, para que cada palabra pueda aportar un gran significado.

El policía honrado

Clint Eastwood se volvió una estrella

en el cine de westerns, pero posteriormente se convirtió en una super-estrella que interpreta a un policía. El momento exacto para este cambio fue con el filme “Harry el Sucio”, cuando una banda intenta robar un banco en una calle controlada por el Inspector Harry Callahan. Pronto todos se ven inmersos en numerosas sirenas, armas de fuego, y automóviles chocando. Mientras Clint se pasea por las calles, masticando su comida y escupiéndola en los momentos claves, nos demuestra el poderío de su Magnum 44 cuando hiere a uno de los delincuentes y dice aquello de: “Yo sé lo que estás pensando; si he realizado cinco o seis tiros”.

Este intercambio entre géneros de acción, proporciona uno de los momentos sublimes en las películas americanas modernas, no solamente porque aporta una nota deliciosa de humor a la tradicional imagen del policía convertido en héroe, sino por ese aire fresco en la relación policía y delincuente. El público, por supuesto, apreció estos cambios.

Finalmente, Clint realizaría cuatro versiones más sobre su “Harry, el Sucio”, aunque para la mayoría de los críticos eran todas aborrecibles. Se le acusaba de fascista, matón, conservador y derechista, como si esto último no fuera una opción política tan válida como izquierdista.

“Lo que yo pretendí con estas películas era trasladar al cine un hecho social que preocupaba a los ciudadanos, como era el aumento de la delincuencia. Pero los intelectuales, aquellos que nunca son víctimas de los delincuentes porque disponen de la suficiente protección, me acusaron de fascista porque demostraba que el criminal debe pagar siempre su culpa”.

Cuando “Harry el Sucio” apareció en 1971, el espíritu antipolicía estaba todavía muy arraigado, por eso para algunos críticos estas películas eran muy negativas, especialmente porque se exigía justicia rápida y contundente contra los delincuentes.

Lo que el personaje de Harry Callahan quería demostrar con estas películas, es que con frecuencia los esfuerzos de un policía por capturar a un delincuente o un asesino psicópata que está aterrorizando San Francisco, son frustrados por una burocracia policíaca que emplea la libertad condicional con demasiada benevolencia. Harry observa las lagunas legales que ocurren a su alrededor y mostrando desprecio por los burócratas debidamente protegidos por sus puertas blindadas, trata de arreglar un poco las injusticias y proteger al que verdaderamente necesita ayuda: la víctima.

Con los delincuentes muestra muy poca delicadeza, pero sigue siendo mayor que la que esos malvados mostraron con sus víctimas. También debe enfrentarse a sus propios compañeros, muchos de ellos escudados detrás de sus mesas de despacho, mientras él tiene que salir a la calle a jugarse la vida.

El resultado, es que millones de espectadores de todo el mundo se identificaron con Harry, y su imagen de héroe puso en ridículo a aquellos juristas que solamente hablan de derechos para los delincuentes. Harry El Sucio llegó a ser un héroe inmerso en una serie de conflictos, sociales y políticos, que le impedían realizar su trabajo con efectividad.

“Algunos críticos confundían fascismo con policía, pero para mí el fascismo es esa burocracia que impide que los ciudadanos puedan ejercer sus libertades, mientras que permiten que los delincuentes estén en la calle”.

Harry “El sucio” Callahan está en contra de la burocracia que consiente a los delincuentes, y se manifiesta antifascista cuando apoya a sus compañeros policías por los hechos y nunca por sus ideologías políticas.

Cuando nosotros vemos estas películas después de más de 25 años, podemos observar dos cosas: que cada año las simpatías de la sociedad ha cambiado decididamente hacia los derechos de las víctimas y que aquello por lo cual Harry luchaba era solamente una profecía. La violencia de sus películas, tan criticada en su momento, es ahora poca cosa comparada con las películas de acción actuales y con el real comportamiento de los delincuentes urbanos.

Todo eso junto, produjo hacia el personaje de Harry una actitud atractiva no por sus acciones, y ni siquiera por su "filosofía", sino por su carácter. Él era ya el último defensor de la ley que perseguía al delincuente, con un trabajo mal retribuido, generalmente ingrato, atormentado interiormente, pero elegante cuando hablaba, y, lo peor, trabajando para jefes privilegiados que analizaban los problemas desde sus despachos.

La diferencia entre él y los demás policías, tan corteses y tan poco eficaces, estaba en que no hablaba a espaldas de nadie y solucionaba los problemas con sus propias manos, enderezándolos sin pedir permiso sobre el cómo ni el cuándo. Parecía no tener amor a su propia vida, su casa era un desastre, su dieta realizada a base de bocadillos comidos a toda prisa en su automóvil, aunque para él lo más importante era su devoción por el deber cumplido.

“En parte, mi propia vida se parecía a Harry. Yo aprendí desde pequeño a respetar la vida y las posesiones de la gente humilde, sus virtudes y sus frustraciones, y los ultrajes que debían soportar por parte de los poderosos y los delincuentes. Unos les quitaban su salario con una navaja y otros con un abogado”.

Los otros policías que ha interpretado, como el perdedor ebrio Ben Shockley en “Ruta Suicida” (1977) o el Wes Block sexualmente desconcertado de “En la cuerda floja” (Tightrope), compartían estas mismas características.

Ellos nunca eran tipos sencillos, y los consideramos como muy complicados. Tampoco presumían de inteligentes. Sencillamente, eran personas buenas, legítimas.

El hombre de acción

"La acción es carácter",

escribió F. Scott Fitzgerald en su cuaderno cuando él estaba intentando dominar el oficio de guionista. Pero eso no siempre es verdad. A veces en las películas, la acción es sólo acción, y, por consiguiente, se vuelve una frustración para los actores que tienen que interpretar esos personajes.

“Nunca me he considerado un hombre importante, aunque soy consciente que para muchos espectadores lo he sido cuando era más joven. Cuando tenía aquellos papeles en la televisión siempre pensaba que en realidad me gustaría interpretar papeles más dramáticos”.

Mantener esa forma de pensar y al mismo tiempo interpretar personajes opuestos, ha sido duro para Clint. Después que consiguiera una gran popularidad por “Rawhide” y los spaghetti westerns, su agente artístico y su productora solamente querían involucrarle en papeles de héroe. Eso es lo que proporciona dinero, le decían, y en parte tenían razón.

Durante un tiempo, fue obligado a interpretar papeles de héroe bélico en “El desafío de las águilas” (Where Eagles Dare), “Los violentos de Kelly“(Kelly's Heroes), y “Licencia para matar” (The Eiger Sanction), aunque también alternó estos trabajos con películas más importantes y anti-heroicas como “El seductor” (The Beguiled) y “Play Misty for Me” (Escalofrío en la noche, 1971), la primera película que dirigió.

Las películas más caras cumplieron su función de ayudar a establecer las credenciales de Clint como una estrella que podría protagonizar una gran película. Todavía aparecía siempre tímido y con posturas similares, pero ya era un actor más serio que demostraba gran destreza trabajando, mientras demandaba un guionista capaz de darle un personaje interesante. Estas películas, entre las cuales hay que destacar el filme musical de Joshua Logan, “La leyenda de la ciudad sin nombre” (Paint Your Wagon), no cuentan ninguna historia de heroísmo, ni de hombres viriles, y ni siquiera de seres inteligentes. Éste es un asunto que interesa profundamente a Clint Eastwood, aunque no es algo de lo que él suela hablar.

Clint quiso parecer un actor diferente en el cine de acción cuando interpretó y dirigió el filme “Firefox”, una película con numerosos efectos especiales que no consiguió los resultados económicos previstos. Posteriormente lo hizo mucho mejor con “El sargento de hierro” (Heartbreak Ridge), que nos demostraba ásperamente cómo era la vida de un soldado a quien los demás consideran ya demasiado viejo para luchar en guerras sin sentido.

Ese mismo problema se muestra en “Cazador Blanco, Corazón Negro”, en la cual tiene que interpretar un personaje controvertido, pero cuyo sufrimiento interno debe conmover a los espectadores.

“Lo que los espectadores deben entender es que necesariamente los personajes que interpreto no tienen que corresponder a mi manera de ser o pensar. Soy solamente un actor y se me debe juzgar exclusivamente por mi trabajo”.

Su personaje más real

En una ocasión, hace diez años, le

preguntaron si él se identificaba como un vago y un vividor, tal y como era su personaje en el cine, a lo que respondió que no. Cuando le volvieron a preguntar cómo se consideraba, dijo que como un vago y un vividor. A una pregunta tan estúpida es lógico que el actor responda con una incongruencia. Cualquiera que haya investigado su vida pasada, antes de ser un popular actor, hubiera sabido que tuvo que ayudar a su padre durante la Gran Depresión, buscando trabajo por las calles como la mayoría de los niños marginados de California.

Cuando aún era muy joven y ni siquiera comprendía sus propios sentimientos, Clint se pasó un par de años trabajando en empleos muy duros en fundiciones de acero y fábricas de aviones. Es más, durante toda la vida ha mantenido su pasión por el jazz que le permitió ser un más que aceptable intérprete en sus ratos libres. Todo esto le dio un sentido muy agradable de ver la vida sin permitirse por ello ser indulgente con sus defectos ni buscar desesperadamente la ayuda de los demás. Pudiera ser que estos detalles marcasen algunas de las peculiaridades de su trabajo como actor.

Para la mayoría de las estrellas de cine, los principios humildes son algo que suelen decir muy brevemente cuando un entrevistador está tratando de averiguar sus primeros años.

Algunos suelen hablar con detalle de sus primeros años en el cine, aunque ninguno lo ha hecho de una manera tan consistente como Clint Eastwood.

“Todo el mundo me decía que no interpretara la película “Duro de pelar”, esa comedia sobre Philo Beddoe, un trabajador cuyo compañero es Clyde, un orangután afable. Pero yo vi que ese proyecto tenía algo que le hacía muy diferente de todo lo que había hecho antes. El público lo entendió así y aunque la encontró algo áspera, consiguieron reírse durante toda la proyección. Después hice la continuación en “La gran pelea”, una historia igualmente amable en donde podía llegar con facilidad al corazón de las personas, al menos bastante mejor que con Harry Callahan”.

Pero estas concesiones a la comedia no se prodigaron y en lugar de buscar la risa en los espectadores les siguió mostrando sus ojos fríos, pequeños, aunque en ocasiones mostraba irónicamente su sentido del humor. Estas dos películas le ayudaron al lanzamiento de una nueva línea de trabajo que incluye dos películas que Clint siempre ha considerado entre sus favoritas: “Bronco Billy”, la historia ambientada en Nueva Jersey que nos habla de un vaquero que trabaja en el circo mostrando sus habilidades con el látigo y el cuchillo, y “El aventurero de medianoche” (Honkytonk Man), una tragi-comedia sobre Red Stovallo, un cantante rural cuyo talento mayor es lograr su autodestrucción. Ninguna de estas películas han sido populares, pero las dos muestran claramente el espíritu soñador de los norteamericanos. Las dos reconocen, como la mayoría de las películas, que hasta las personas más serias pueden estar poseídas por sus sueños.

El Director de películas

La labor de dirigir

películas es algo que la mayoría de los actores se plantean realizar en algún momento de su carrera, aunque para los que lo consiguen es solamente una manera más de demostrar su valía. Para Clint Eastwood, dirigir era algo que tenía determinado hacer desde sus primeros momentos como actor, y algo que necesitaba hacer incluso con más urgencia que actuar.

Salvo Woody Allen, que tiene en su haber más de 20 películas, ninguna otra estrella del cine ha dirigido en más ocasiones, ni por supuesto con tanto profesionalismo ni con un sentido tan personal de la cinematografía. La mayoría de los actores quieren trabajar con él, puesto que al ser también actor comprende perfectamente sus necesidades y problemas.

El caso de Clint no es igual, puesto que aprendió a dirigir simplemente mirando a otros directores. Su mejor escuela como director la tuvo mientras estaba trabajando en el serial

“Rawhide”, en donde cada capítulo estaba dirigido por un profesional, experimentado o novato, artesano o minucioso, pero de todos aprendió algo útil.

“El mejor consejo que me dieron fue: Las cosas que impresionan se recuerdan siempre y se usan; las que no impresionan, sencillamente se olvidan”.

Clint completó su educación con Sergio Leone cuyo talento para el cine siempre admiró, y con Don Siegel, el veterano director de cine de acción americano con quien hizo cinco películas. La película “Sin Perdón” , por la cual Clint ganó el Oscar a la mejor dirección, estaba elaborada siguiendo los mismos esquemas que utiliza Don Siegel.

De esos dos directores, el último demostró tener una influencia más importante. Clint, que es un hombre impaciente que se aburre fácilmente en un juego, amaba particularmente la rapidez de Siegel.

“Él sabía exactamente lo que quería rodar y no necesitaba repetir las tomas. Su influencia en mí ha sido muy firme en mi trabajo como director y su modo de trabajar es válido para mí. Es un director que como la mayoría de los que hicieron la edad de oro de Hollywood, consiguió trabajar perfectamente con los géneros y presupuestos más humildes, y podía contar con la misma facilidad un western, un thriller, o una historia de ciencia ficción.

Consiguió inculcarme unas sólidas convicciones, al mismo tiempo que me contagió su frescura y energía, además de una organización eficaz, y su creencia en la viabilidad del cine de acción”.

La mayoría del trabajo de Clint se ha desarrollado a lo largo de estas mismas líneas.

Empezó con una modesta película titulada “Escalofrío en la noche” (Play Misty for Me), una sólida historia de terror sobre un amor obsesivo, con la cual consiguió demostrar que podría ser un buen director. En este filme tuvo una pequeña intervención como actor Don Siegel, lo que le permitió tener a su lado una ayuda inestimable durante todo el rodaje.

Después vino “Primavera en otoño” (Breezy, 1973), un romance de verano interpretado por William Holden y Kay Lent. Posteriormente hizo dos películas algo más importantes, como “Infierno de cobardes” (1972) y “ Licencia para matar” (1975) antes de lograr su primer triunfo con “El fuera de la ley” (The Outlaw Josey Wales), una buena película que demostró perfectamente sus credenciales como director.

Desde que empezó su labor de dirección, Clint ha dirigido prácticamente todo tipo de películas, como son westerns, comedias, dramas de policías, incluso un biopic, por lo que resulta imposible encuadrarlo en un solo género. Pero ni “El Jinete pálido”, ni “Sin Perdón”, son dos westerns convencionales. Por otro lado, “Bronco Billy” (1980) es una comedia muy contemporánea diferente a cualquier otra, mientras que “Ruta sucia” (1977), nos habla de un héroe perdedor, al contrario de lo que habitualmente el público está acostumbrado a ver.

“Bird”, es mucho más oscura, menos alegre y sentimental que la mayoría de las biografías de artistas que hemos visto en el cine.

Quizá “El aventurero de medianoche” (Honkytonk Man, 1982 ), es una película más convencional, mientras que “El sargento de hierro” (Heartbreak Ridge, 1986 ), está a mitad de camino entre la comedia y el drama psicológico. “Cazador Blanco, Corazón Negro” (1990), una aventura sobre un safari, y “Los Puentes de Madison” (1995), un romance extraño, no los podemos encajar en ninguna de las categorías anteriores.

“Bird” y “Sin Perdón” nos han sorprendiendo profundamente y las consideramos como las más personales de sus películas. La primera, una biografía de Charlie Parker, el músico autodidáctico, autodestructivo que trató de promocionar su revolucionaria música de jazz durante los años cuarenta y cincuenta, es la película más pesada de Clint y creemos que la realizó solamente por admiración personal a su estilo de música. Así consiguió pagar su tributo al artista que admiraba.

“Sin Perdón” puede leerse como una película en la que Clint reconoce de alguna manera la responsabilidad en todos los aspectos de su propia vida. Se trata de una historia sobre la manera en que los hombres utilizan la violencia, con un sentido de la maldad muy particular, con demasiado orgullo como motor y demasiada rigidez moral para los demás.

Aunque refleja algunas características de su propio carácter, no representa en absoluto ningún acto de expiación, sino una declaración del mismo concepto que él tiene sobre las personas.

Clint, aficionado al jazz, le gusta la comedia o el melodrama con igual intensidad.

Disfruta haciendo su trabajo y no intenta nunca moralizar al público y ni siquiera darle consejos. Muchas veces nos muestra su sentido del humor, incluso en escenas serias que parecen desaconsejarlo.

BIOGRAFÍA

Profesión: Actor, director, productor y compositor,

Nombre de nacimiento: Clinton Eastwood, Jr.

Nacimiento: 31 de mayo de 1930 en San Francisco, California Educación: Oakland Technical High School, Oakland, CA; Los Angeles City College, Los Angeles, CA (negocios)

Clinton y Ruth Eastwood dieron a luz el 31 de mayo de 1930 en San Francisco, el primero de sus dos hijos, al que pusieron por nombre Clinton Eastwood Jr. Miembro de una familia de clase media, el padre Clinton trabajaba como contable en la época de la Gran Depresión norteamericana, aunque en esos años nunca consiguió tener un trabajo fijo y finalmente tuvo que aceptar cualquier empleo, como empleado en una estación de gasolina. La búsqueda constante de un empleo obligó a la familia Eastwood a instalarse en Oakland, California, donde por sin pudo encontrar un trabajo estable en la Container Corporation of América.

Allí creció el joven Clinton, quien solía visitar también con frecuencia la granja avícola de su abuela en Sunol, algunas millas al sudeste de San Francisco. Según parece, su abuela fue la persona que más influyó en la educación de Clinton Junior y la que le instruyó en una habilidad que marcaría todo el resto de su vida: montar a caballo.

Clinton Junior fue pronto inscrito en la Oakland Technical High School, una escuela secundaria en donde tendría algunas de las amistades que posteriormente conservaría toda su vida. Pero no eran tiempos fáciles para nadie y los pasados años de incertidumbre económica le habían dejado huella, convirtiéndole en un joven introvertido e intensamente tímido, agudizando aún más los problemas emocionales típicos de los adolescentes.

A la edad de quince años él había alcanzado ya una estatura de 1,90 cm. poco menos de sus definitivos 1,93 cm. Eso le permitió destacar bastante en el equipo de baloncesto de su escuela.

“Mis habilidades en el deporte no consiguieron cambiar mi carácter introvertido y solitario. De tanto encerrarme en mí mismo perdí la capacidad para saberme expresar entre mis pocos amigos. Era como si adoptase una expresión huraña para que nadie se acercase a mí, una especie de coraza protectora. No me gustaba ser así, y en realidad me hubiera gustado ser más extrovertido”.

Pero fue precisamente ese carácter introvertido lo que motivó que su profesor de inglés viera en Clinton un buen actor para una obra teatral de fin de curso. No obstante, creemos que el papel no le ayudó mucho, puesto que tendría que representar su propio carácter, un joven encerrado en sí mismo. El resultado fue un desastre artístico y especialmente emocional, lo que agudizó aún más las angustias de Eastwood.

“Fue tal el impacto emocional que supuso ese desastre que aún puedo recordar minuto a minuto cómo se desarrolló la obra. En ese momento me juré que nunca más volvería a actuar en una obra”.

Pero eso le dejaba en una posición de total incertidumbre, puesto que no sabía qué rumbo dar a su vida. Sus padres estaban demasiado ocupados en afianzar su trabajo como para preocuparse de los problemas de identidad de su hijo. El mejor consejo que recibió de él, habría que considerarlo como el único, fue que en la vida no se consigue nada a cambio de nada. Cualquier mejora en un terreno supone perder algo en otro. Sabio consejo ciertamente, pero que solamente sirvió para que el joven Clinton se rebelase contra un destino que no le gustaba.

Cuando se graduó en la escuela a comienzos del verano de 1948, su primer instinto fue consolidar su independencia, a pesar de que su familia quería apoyarle si permanecía con ellos. En ese momento le atraía cualquier actividad física y por eso encontró una buena solución dedicarse a embalar sacos de heno en Yeka, cerca de la frontera de Oregón en el norte de California. En ese mismo lugar pudo efectuar trabajos como leñador y guardia forestal en los bosques de los alrededores. Allí empezó a amar la naturaleza, bastante menos hostil que los humanos y la belleza y soledad de los bosques lo atrajeron profundamente.

Su experiencia en los bosques le condujo a Springfield, al este de Oregón, en donde consiguió un trabajo estable como maderero con una paga de un dólar ochenta a la hora.

Era un trabajo duro, de sol a sol, y cuando finalizaba su jornada caía rendido en la cama.

“Mi día de fiesta era el sábado por la noche. Solía acercarme al pueblo y allí, siguiendo la costumbre, me emborrachaba nada más llegar. Era un ritual entre los madereros y creo que suponía el único aliciente en sus penosas vidas. Hoy día no puedo criticar esa válvula de escape en personas tan machacadas por el trabajo. Allí eran muy frecuentes las peleas y creo que también suponían una válvula de escape para sus frustraciones”.

Abandonó ese trabajo cuando llegó el invierno y lo cambió por otro en un molino triturador de cereales, bastante más tranquilo y descansado que el anterior. Con el sueldo se construyó una pequeña cabaña, agudizando aún más su deseo de aislamiento y soledad, vivencias que dieron lugar a lo que posteriormente sería su carácter tan peculiar y su forma de actuar en el cine

Su familia se había establecido ya en Seattle y al poco tiempo se unió con ellos, consiguiendo un empleo aún más duro que los anteriores: fogonero en los altos hornos de una empresa siderúrgica. Pero como no todo podían ser desgracias, con su primer sueldo se compró un viejo automóvil por 15 dólares. Su trabajo lo efectuaba por la noche, entre las doce y las nueve de la mañana, dejándole pocas oportunidades para disfrutar, lo que le motivó para iniciar un nuevo cambio en su trabajo.

“Es que me pasé un montón de años haciendo trabajos agotadores. Recuerdo que trabajé como camionero, salvavidas en una playa de Renton a las afueras de Seattle y hasta de guardaespaldas. Solamente puede descansar unos meses cuando me dediqué a archivar facturas y repartirlas en la Boeing Aircraft Corporaton, también en Renton”.

Esos nuevos trabajos le permitieron abandonar definitivamente la costumbre de beber alcohol y fumar, hábitos que ha mantenido hasta ahora, aunque no pudo impedir que la gente le siguiese considerando un solitario y una persona “rara”. Su sentido de la independencia, unido al de la responsabilidad, nunca fueron comprendidos por las personas que le rodearon.

Sin saber qué nuevo rumbo dar a su vida, pero totalmente decidido para efectuar un giro radical, decidió en ese momento que estudiaría seriamente música. Ciertamente no era un impulso nuevo, puesto que ya sabemos que había tocado en una orquesta durante su etapa escolar, abandonándola momentáneamente por el deporte. Todo parecía ahora estar estabilizado hasta que le llegó una extraña carta con un remite insólito: el Presidente de los Estados Unidos de América. En ella le comunicaban que tenía que incorporarse al cuartel de Fort Ord situado en Carmel, Monterey, muy cerca de donde había nacido. Allí le esperaban otros cientos de jóvenes que le acompañarían durante los dos años siguientes.

“Para muchos jóvenes la incorporación forzada a filas les suponía un trauma enorme, pero no para mí. Acostumbrado como estaba a realizar trabajos penosos, a vivir por mi cuenta con pocas comodidades y a llevar una vida solitaria, el ejército era solamente un nuevo cambio y por lo menos no tendría que preocuparme de buscar comida todos los días.

En esa época recuerdo que me hice la promesa de que si algún día llegaba a tener mucho dinero me haría construir una casa en los alrededores”.

Corría el año 1953 cuando terminó su servicio militar, con la suerte de no haber sido incluido entre los miles de soldados que tuvieron que ir a pelear a la guerra con Corea.

Inmediatamente supo de un empleo como instructor en una piscina municipal y se presentó allí diciendo que era, por lo menos, tan hábil como Johnny Weismuller y tan seductor como Esther Williams. Con estas credenciales le dieron el empleo y lo ejerció durante dos años.

Pronto empezó a ahorrar dinero y disponer de su propio piso, lugar que poco a poco consiguió dotar de ciertos lujos, especialmente por las clases particulares que daba a las mujeres de la zona. Sus setenta y seis dólares de la paga como instructor se multiplicaron pronto, compaginándolos con otro empleo en la Refinería de Azúcar del valle de Salinas, que efectuaba en sus pocas horas libres.

Lógicamente, para una persona tan inquieta como Clint esos trabajos eran solamente circunstanciales y ya tenía en su mente la necesidad de un cambio imperioso. Como quiera que súbitamente perdiera esos trabajos, decidió volver de nuevo a casa de sus padres en Seattle para meditar sobre cómo debería ser su futuro.

Como medida de emergencia se enroló en una base aérea militar de la localidad, en donde compartía cabina con un piloto poco experto. Un día, la puerta del compartimiento trasero donde él estaba apilando unos bultos se abrió y la presión le succionó hacia el exterior. Se agarró como pudo al marco de la puerta e intentó llamar al piloto para que le ayudase. Al no conseguirlo, se agarró a uno de los cables próximos y pudo afianzar de nuevo la puerta.

En ese momento se dio cuenta que ese nuevo trabajo era aún más incómodo e inseguro que los anteriores, justo en el instante en que el piloto, sin saber todavía lo que pasaba en el departamento de equipajes, tomó altura. Cuando el oxígeno disminuyó, tanto como la temperatura, Clint se desmayó. Quiso el destino que el piloto también notara estos cambios en su cabina y decidió perder altura, lo que salvó la vida de Clint. Y si ustedes creen que ahí acabó toda esa aventura están equivocados. La niebla invadió todo el espacio aéreo, el piloto no sabía su posición, no había ni una sola luz que les pudiera guiar y el combustible se estaba acabando.

A estas alturas algún lector estará convencido que le estoy contando el argumento de una de sus películas, pero es tan real como la segunda parte que les cuento. El avión cayó al mar, a veinte millas de la costa norte de San Francisco, y ambos soldados salieron para subirse a una de las alas, hasta que todo el aparato se hundió. En ese momento las habilidades como nadador de Clint le ayudaron a llegar hasta la orilla y allí se dejó caer exhausto en la arena hasta que las primeras luces del amanecer le despertaron.

“Esa historia verídica me sirvió para ligarme posteriormente a una chica encantadora. Se la conté a Margaret Johnson, una chica a quien había conocido cuando estaba en el ejército y que volví a ver en 1953. Cuando le conté esta aventura se quedó entusiasmada por mi valentía y creo que por eso se enamoró de mí”.

La joven Margaret le había sido presentada por un amigo que quería ser dentista llamado Don Kincaid, quien vivía en un pequeño apartamento de Berkeley. Allí le esperaba una amiga de ambos, tan menuda que Clint parecía un gigante a su lado, y con la cual entabló una sólida amistad adornada con un fuerte sentido del humor.

Esta mujer sería un soporte extraordinario en el futuro profesional de Clint y gracias a ella consiguió la estabilidad emocional que necesitaba.

Con un carácter noble y sin ocultar nada de sus pensamientos, Maggie consiguió motivar a su novio para que se casara con ella el 19 de diciembre de 1953. No fue un amor a primera vista, casi siempre fugaces, sino un amor que creció en la medida en que se dieron cuenta que compartían los mismos gustos y deseos.

La primera prueba para el cine

Cuando aún se encontraba en Fort Ord, se presentó allí una unidad de la productora Universal Studios, que empleó las instalaciones del campamento para una corta escena bélica. Eastwood estaba mirándoles con una gran curiosidad y en un descanso del rodaje el ayudante de dirección sugirió que esa forma de mirar podía ser muy válida para el cine.

Hablaron con él y le indicaron que cuando se licenciara fuera a los estudios para efectuar una prueba de pantalla.

Su paso por el ejército le había proporcionado a Clint cierta amistad con el actor David Janssen (El fugitivo) y con Martin Milner, quien había ganado bastante fama con “Route 66”. Los dos le animaron para que probase suerte en el cine, aunque él no estaba muy seguro que esa fuera una buena idea.

Cuando se licenció en febrero de 1953, se acercó ilusionado a los estudios Universal y allí le indicaron que su amigo el director ya no trabajaba con ellos.

Pero sus ambiciones no había hecho nada más que empezar y con el dinero que había ahorrado en su etapa de militar, y una vez descartada la posibilidad de dedicarse a la música, se inscribió en Los Angeles City College, para estudiar un curso en administración de empresas. No era ciertamente una profesión que le gustara, pero era lo que habitualmente estudia todo joven que no sabe qué hacer con su vida.

Para conseguir mejorar su asignación de 110 dólares mensuales, trabajó en una gasolinera en Santa Mónica Boulevar, sin dejar de acudir a la oficina de empleo todos los días para solicitar nuevos trabajos. Alquiló un pequeño apartamento en Beverly Hills y lo pagó dando clases de natación en las piscinas de los ricos habitantes de la zona.

Este trabajo lo llevó a medias con George Fargo, un amigo a quien había ayudado cuando tuvo un problema con un capataz. El enfrentamiento con ese hombre les llevó a ambos a perder su empleo en la United Pool Company, y en ese momento decidió que sus estudios como economista de empresas tampoco le satisfacía en absoluto. Recordando su amistad con los actores Janssen y Milner, decidió someterse a una prueba cinematográfica, aunque todavía tuvo tiempo para casarse con Maggie Johnson el 19 de diciembre de 1953. Su boda se realizó rápidamente y en secreto, viajando en luna de miel a Carmel.

Maggie había venido a Los Angeles después de graduarse en Berkeley y trabajaba como secretaria en una empresa dedicada a la exportación de repuestos de automóviles. A pesar de las muchas promesas de trabajo que Eastwood recibía no conseguía ningún trabajo estable y tuvo que ser su esposa quien se hiciera cargo de todos los gastos del hogar durante algunos meses.

Aprovechando unas fotografías que su amigo el fotógrafo Irving Lasper le había realizado, se dirigió de nuevo a los estudios Universal y allí fue recibido por el director de personal Artur Lubin, responsable de algunas de las películas de Abbott y Costello, así como de una versión de “El fantasma de la Ópera” en 1943.

“Era una persona muy peculiar y sus pruebas suponían un reto para los aspirantes, puesto que no se obligaba a recitar ningún diálogo o guión previo. Quería averiguar la personalidad de los actores y simplemente charlaba con ellos mientras la cámara registraba todo. Su intención era calibrar la fotogenia y espontaneidad. Cuando vi la prueba me sentí horrorizado. Todo estaba correcto, la fotografía y las luces, pero mi figura era espantosa. Cuando volví a casa le dije a Maggie que no me habían aceptado”.

Pero en su interior algo le decía que quizá las cosas no habían ido tan mal y trató de localizar al director Lubin, sin éxito. Después de tres semanas sin recibir contestación ya estaba seguro que había tirado a la basura la prueba cinematográfica. Pero como suele ocurrir en las películas de vaqueros, los buenos llegaron en el último momento haciendo sonar las trompetas de la caballería en forma de llamada telefónica. La secretaria le llamaba de parte de la Universal comunicándole que los estudios habían considerado como buena la prueba y le ofrecían un contrato por seis meses con un sueldo de setenta y cinco dólares a la semana. Clint Eastwood, era ya un actor.

Los primeros años

Al igual que ocurría cada vez que unos estudios admitían a un nuevo actor en su plantilla, el entusiasmo del debutante nunca era compartido por los estudios. No bastaba con contratar a un actor para que inmediatamente le dieran trabajo. Era la época dorada de los grandes estudios de cine, como La Metro, la Fox, la Paramount o la Universal, pero en ellas estaban en la lista de espera personas tan importantes como Tony Curtis, John Saxon, Rock Hudson y por supuesto su amigo David Janssen.

En esos años los cambios sociales y políticos eran vertiginosos y mientras se aumentaba el sueldo un 25% a todos los empleados del estudio, las medidas antimonopolio impedían que las mismas productoras distribuyeran sus películas. Años atrás, en 1947, el Comité de Actividades Antiamericanas había minado seriamente la libertad de los cineastas para escribir historias, acusando de comunistas a personas tan importantes como Charles Chaplin.

Este proceso de cambio y depuración llegó hasta 1951, y fue la época en la cual los estudios decidieron dedicarse exclusivamente al cine de entretenimiento. Si a esto le sumamos el impacto tan grande que tuvo la televisión, podemos considerar que Clint Eastwood no llegó precisamente en el mejor momento al mundo del cine. La audiencia había bajado de los 90 millones de espectadores semanales a los 35 millones.

“Creo que los nuevos actores como yo suponían para los estudios un alivio económico muy importante. Nos pagaban muy poco dinero y gracias a ello conseguían rentabilizar películas de serie B que les ayudaban a financiar sus grandes superproducciones. Gracias a nosotros, muchas grandes estrellas consiguieron cuantiosos contratos económicos”.

Pero para Eastwood esa era la oportunidad de su vida y decidió dedicar todas sus energías a cumplir correctamente con su trabajo. Mientras la Universal le enseñaba los rudimentos del trabajo de actor, le pidieron que dedicara su tiempo libre en los estudios a montar a caballo, luchar con la espada, bailar, aprender modales sociales y, por supuesto, a dar clases de declamación. Apenas si logró alguna actuación importante, y si lo hizo nunca la mencionó, pero le renovaron su contrato durante un año más, aumentándole el sueldo hasta los 100 dólares semanales.

El monstruo de la laguna negra

No existen datos claros si

esta fue la primera o la segunda película importante de Clint, ya que tenemos datos que hablan de “Francis joins the Wacs” de 1954, mientras que otros datos nos llevan directamente a “The Revenge of the Creature”, una continuación del gran éxito de ciencia-ficción “La mujer y el monstruo” dirigida por Jack Arnold. Este director había ganado cierto prestigio con filmes de bajo presupuesto como “It Came From Outer Space” en 1953

y posteriormente en 1957 con “El increíble hombre menguante” (Incredible Shrinking Man).

Esta película sobre un hombre-pez que se encuentra en una laguna de aguas negras del Amazonas, trataba de rentabilizar el éxito de la primera entrega, utilizando los mismos actores y por supuesto el mismo traje de monstruo. Eastwood tenía un pequeño papel como Jennings, un humilde ayudante de laboratorio que apenas salía en la pantalla veinte segundos, intentando atrapar a un ratón de laboratorio huidizo. Si algún lector tiene interés por esta película, la puede encontrar ahora en formato Láser Disc junto con la primera parte, completamente restauradas y con detalles sobre el rodaje.

Su segunda oportunidad tampoco le aportó ninguna ventaja adicional (tampoco figuró en los titulares), y “Francis en la Marina”, uno de los mayores éxitos comerciales del bailarín Donald O'Connor, no figura precisamente como su gran oportunidad cinematográfica. Su diálogo era tan pequeño como en la primera película, pero para él le suponían poder hablar de su intervención en una película tan popular. Ya era una joven promesa.

“Lo que casi nadie sabe es que en esos dieciocho meses que estuve bajo contrato en la Universal realicé catorce intervenciones, más o menos importantes, aunque en mi curriculum he preferido omitir la mayoría de ellas. Si he de destacar alguna debo hablar de Tarántula, nuevamente dirigida por Arnold, en donde interpreto a un piloto de un reactor y Lady Godiva, con Maureen O’Hara, quien por cierto mandó rodar en el máximo secreto la célebre escena de su paseo desnuda por las calles. Cada vez que comentaba a un amigo que había intervenido en ese filme, lo único que me preguntaban era si la había visto enteramente desnuda”.

La RKO

Las promesas de convertirle en una gran estrella se habían perdido ya en 1956 y ese año la RKO le dio un papel en “Hoy como ayer” (Never Say Goodbye), aunque ahora la estrella era Rock Hudson, demasiado guapo y famoso para que nadie se fijara en Clint. Ambos estuvieron acompañados por David Janssen, su amigo del ejército. También tuvo su bautismo en el western interpretando ese mismo año “Star in the Dust”.

Cuando Eastwood comenzaba a sentirse a gusto en los estudios, su esposa Maggie cogió una hepatitis y a los problemas de tiempo para lograr cuidarla con esmero, había que añadir el sueldo que ella dejaba de percibir. Las facturas médicas empezaron a acumularse y ni siquiera podía acudir a los estudios cada vez que le llamaban. Clint ganaba 100

dólares a la semana, quizá suficientes para ellos, pero solamente le habían garantizado 40

semanas de contrato.

Sus problemas personales surgieron al mismo tiempo que los problemas financieros en la RKO. Esta compañía estaba financiada y controlada por el millonario Howard Hughes, y se hablaba ya de un cierre definitivo de los estudios por problemas financieros. Además, Clint tenía ya 26 años y no podía demorar mucho su entrada como actor de reparto, puesto que sus años como galán estaban terminando. Solamente aquellos actores que habían triunfado ya de joven, como Clark Gable o Gary Cooper, podían aspirar a continuar trabajando sin interrupción al pasar de los 35 años de edad.

Quien le ayudó en aquella época fue Artur Lubin, la persona que le había realizado su primera prueba para el cine. Ahora trabajaba también para la RKO en una comedia titulada

“The First Travelling Saleslady”, en la cual trabajaban Ginger Rogers y Carol Channing.

Lubin tenía una pequeña intervención para Eastwood como un joven funcionario del ejército que es golpeado fuertemente por la Srta. Channing. Aunque la gran altura de Eastwood podría haber sido un inconveniente para que le llegaran a la cabeza los golpes de Channing, la escena salió perfectamente y demostró que Clint era también apto para la comedia.

La película fue un desastre en taquilla.

No obstante, los directivos de la RKO ya habían puesto sus ojos en Eastwood y le pusieron a rodar “Escapada en Japón”, nuevamente dirigida por Artur Lubin, en donde Clint interpretaba a Dumbo, un piloto americano.

Durante algún tiempo todo parecía marchar sobre ruedas y sus aspiraciones para ser un gran actor se estaban realizando pero nuevamente su destino se torció. Los asuntos económicos de la RKO estaban al borde de la quiebra y apenas si quedaba tiempo antes de su venta para filmar las películas previstas. Por eso “Escapada en Japón” fue rodada precipitadamente y como no podían controlar su distribución la vendieron a la Universal, quien no mostró ningún interés en contratar a los actores que quedaban en paro.

Cuando una puerta se cierra, otra se abre

En ese momento y aunque todavía conservaba su trabajo como instructor de natación, necesitaba trabajar como actor y por eso se presentó en los estudios de televisión. Pero nadie estaba interesado en un hombre con aspecto rudo, serio y que todavía tenía poca experiencia en un medio que era sensiblemente diferente al cine. En la televisión las tomas eran más largas, había que memorizar textos más amplios y el rodaje se hacía a un ritmo frenético. Aún así, logró convencer a los agentes artísticos para que le dieran un pequeño papel en series como “Highway Patrol”, en donde hacía de policía motorizado y en “West Point”, que como todo el mundo sabe es una tradicional academia de cadetes militares.

“También hice algún trabajo en “Navy Long” y “El hombre de Annapolis”, consiguiendo incluso que los espectadores me escribieran cartas de felicitación. Pero las cadenas no estaban interesadas en promocionarme y solamente contaban conmigo por mis habilidades montando a caballo, conduciendo motocicletas o para tirarme desde un edificio”.

En esa época, la Fox le llamó para un papel más importante en una película ambientada en la guerra civil americana y en 1957 trabaja en “Ambush at Cimarron Pas”, una historia en la que Clint hacía el papel de un Confederado que mantenía a los apaches a raya. Se rodó en apenas diez días y para conseguir un buen impacto se empleó una nueva cámara que llevaba un objetivo gran angular que aumentaba las posibilidades de mostrarse en pantalla gigante. Pero al público este sistema conocido como Regalscope no le causó buena impresión y fue un rotundo fracaso en taquilla, llegando a ser considerada por la revista Variety como la peor película del año.

Pero como no hay dos sin tres, su siguiente papel fue para la productora Warner Bros. y en ella no tenía que recitar ni una sola palabra. Se titulaba “La escuadrilla Lafayette” y nos contaría la historia real de unos norteamericanos que ayudaban voluntariamente a los franceses durante la Segunda Guerra Mundial. Todo parecía estar mucho mejor organizado que en otras películas anteriores, ya que al menos se contaba con la presencia del actor Tab Hunter y del director William Wellman, quien había conseguido ya un Oscar al mejor director en 1927. Pues ni, aún así, la película tuvo la menor aceptación.

Nuevamente la televisión

En los años cincuenta la televisión dominaba ya al cine en cuanto a números de espectadores y la mayoría de los actores y directores compaginaban su trabajo habitual con series de televisión.

Se contaba ya con un público fiel que seguía todas las semanas los seriales televisivos, los cuales siempre terminaban en un punto crucial que obligaba a no perderse el siguiente capítulo. Justo cuando el héroe estaba a punto de morir o la heroína de recibir el beso de su amante, aparecía la palabra “continuará” que provocaba no pocos desmayos. Este sistema era algo contra lo cual el cine no podía luchar.

Y entonces llegó a la pequeña pantalla un género que podría tener tantos capítulos como el productor quisiera y, además, rodarse con un presupuesto ínfimo: el Western. En pocos años, hubo más de treinta series diferentes de películas de vaqueros, entre ellas algunas tan populares como “El llanero solitario”, “Roy Rogers”, “Maverick”, “Bronco Billy”,

“Laramie” y “Gunsmoke”.

El director Charles Marquis estaba preparando para la cadena CBS una nueva serie de películas del Oeste de larga duración, que pudiera rivalizar con las demás. Un serial tan largo no parecía del gusto de los productores, quienes pensaban que el público no aguantaría una hora sentado enfrente del televisor, pero la tenacidad de este veterano director consiguió llevar a buen fin “Rawhide” (Látigo). En ese momento Clint tenía ya veintiocho años y cierta reputación como actor veterano, aunque seguía siendo lo suficientemente joven como para hacer el papel principal.

Pronto Eastwood fue presentado al productor Robert Sparks y de inmediato surgió una buena comunicación entre ellos, quedando pactado que si el director Marquis le aceptaba tendría uno de los principales papeles junto al actor Eric Fleming.

“Cuando ambos decidieron que la mejor manera de valorarme era viendo algunas de mis anteriores películas, recé para que no fuera “Ambush At Cimarron Pass”, la peor de toda mi historia, pero nuevamente el destino me sacó la lengua y fue precisamente esa la que vieron. Contra todo pronóstico, esa misma tarde me llamaron para pedirme que hiciera una prueba en los estudios”.

Pero esa prueba salió mal, especialmente porque Eastwood tenía dificultades con el guión y cuando comentó que estaba mal redactado el propio director le dijo que era obra suya.

Mal comienzo para lograr un buen entendimiento entre ambos, por eso, cuando se volvió a su casa estaba totalmente deprimido por haber dicho una tontería semejante. Después de una semana de silencio, alguien de los estudios le llamó para felicitarle por haber sido seleccionado para el segundo protagonista en la serie “Rowdy Yates”. La serie contaría inicialmente con trece episodios que se rodarían en Arizona en un tiempo aproximado de dos meses.

Pero la abundancia de western en la televisión obligó a la CBS a replantearse su postura.

Era la Navidad de 1958 y Clint recibía un mal regalo. Afortunadamente las circunstancias cambiaron radicalmente y motivado por el cese de una de las series más populares, la productora encontró en ese momento un lugar seguro para “Rawhide”.

Esta popular serie se emitía a las 8 de la tarde de los viernes, un lugar de privilegio para cualquier programa de televisión y estaba amenizada por las canciones del entonces popular Frankie Avalon, quien pondría luego su voz a otras películas para la pantalla grande. El serial se mantuvo durante dos años entre uno de los diez más populares, aunque no consiguió la misma popularidad ni longevidad que “El Virginiano” o “Bonanza”, filmes que traspasaron las fronteras de los Estados Unidos.

Y como era normal en aquellos años, el argumento debía ser aleccionador, promocionar las buenas acciones y no contener escenas violentas en las que hubiera sangre. Cuando los malos morían lo hacían instantáneamente, cayéndose al suelo sin dar ni el más ligero estertor. Las mujeres eran seductoras con sus parejas, fieles y madres anegadas, mientras que las escenas de sexo se esbozaban justo hasta que la puerta del dormitorio se cerraba delante de la cámara.

Los malos tiempos quedan atrás

Maggie y Clint se habían instalado ya en un cómodo rancho a las afueras de Los Angeles al que llamaron Sherman Oaks y desde ese momento dieron un cerrojazo total a sus relaciones con la prensa, evitando así ser víctimas de la información manipulada y tendenciosa que solamente buscaba vender ejemplares mediante la calumnia.

“Siempre he creído que tener una perspectiva optimista te ayuda a conseguir tus proyectos. Si estás convencido de que conseguirás tus sueños y luchas por ello, es casi seguro que lo conseguirás porque ejercemos así una presión sobre el destino. Una postura desmoralizadora es un estorbo físico, lo mismo que el llevar una vida y alimentación insana. Considero que hay que prescindir de aquellos alimentos que nos obliguen a utilizar el cuchillo. Hay que evitar también el alcohol, costumbre que ha arruinado la vida de muchos actores célebres”.

Pero el gran triunfo y popularidad que Clint esta teniendo con “Rawhide” no se le subieron a la cabeza y era consciente que las series de televisión de larga duración podían arruinar definitivamente la carrera de los actores una vez que el serial desaparecía. La experiencia en la vida le había enseñado que los regalos duran poco y hay que seguir pensando en el futuro sin dejar de buscar nuevas oportunidades.

“La televisión no es como el cine. Ciertamente consigue que tu figura llegue rápidamente a millones de espectadores y te hace muy popular en pocos días, pero no es tan sólida ni de tanto prestigio como el cine. En la gran pantalla la popularidad de un actor se puede mantener durante toda su vida y en la televisión quizá acabe con la serie que se está haciendo. He visto a actores de televisión que se han creído tan importantes como las grandes estrellas de Hollywood y eso es un error que les lleva con posterioridad al fracaso”.

Como siempre que una persona renace una y otra vez de las cenizas, aprovecha cada experiencia nueva como si fuera un regalo valioso del destino. Clint era consciente que la vida de un actor empezaba a quedar limitada a partir de los 40 años y para continuar en el cine decidió empezar a aprender la tarea de dirección. Por ello, dedicó una gran cantidad de tiempo a mirar detrás de la cámara y ha hablar con todos los técnicos para que le explicasen el proceso de producción de un filme.

Uno de sus mejores maestros fue Jack Arnold, con quien había intervenido en “Revenge of the Creature” y “Tarántula”, dos filmes de ciencia-ficción que el tiempo ha convertido en clásicos. Con este profesional aprendió a emplear hábilmente los recursos disponibles, aunque fueran mínimos y ha realizar con seriedad cualquier película, por estúpida que pareciera en principio. Esos razonamientos le llevaron a ser capaz de acertar totalmente con sus primeros trabajos como director en “El infierno de los cobardes” y “Harry el fuerte”.

Con el fin de conseguir cierta experiencia antes de lanzarse en solitario a la aventura de dirigir, le pidió a Eric Fleming que le dejase intervenir en la dirección de algún episodio de

“Rawhide”. Cuando tuvo su aprobación, introdujo una novedad hasta entonces insólita: puso una cámara encima de un caballo al galope, con lo cual el espectador podía asistir a las mismas vivencias que los actores.

Pero el entusiasmo inicial se truncó en el tercer año de la serie al darse cuenta que los productores ya no cuidaban los detalles como en un principio. Los errores no eran importantes y se justificaban diciendo que en el próximo capítulo todo iría mejor.

“Para mí un error era algo imperdonable, algo que nunca debió suceder, pero para los demás era un incidente sin importancia. Yo archivaba en mi cerebro cada fallo para que nunca se me olvidase. Ellos mantenían que había que probar muchas cosas y luego volver a emplear las que funcionaban, pero para mí una prueba era algo que debía salir perfecto, no había excusas para el fracaso”.

En esos años empezaban ya a destacar otros actores de cine como James Garner y Steve McQueen, y Clint veía que sus posibilidades de salir de la televisión era muy reducidas. La CBS no estaba dispuesta a permitirle rescindir su contrato para que trabajase en el cine. Le consideraban en el ámbito personal tan buena persona como era en la serie y nunca se les pasó por la cabeza que un día se podría rebelar con fuerza y violencia.

En julio de 1963 recibió su primera propuesta seria para trabajar en el cine. Las noticias venían de Europa, quienes le proponían una trilogía de películas ambientadas en el Western americano, rodadas en España, y que le proporcionarían más dinero que en toda su época anterior junta. Ante la reticencia de la CBS para permitirle rodar fuera de sus estudios, Clint amenazó con boicotear su trabajo, postura que le permitió obtener una concesión que supondría posteriormente el triunfo en su carrera. Le permitían rodar películas durante el próximo verano, pero fuera de los Estados Unidos.

Por tierras de Almería

A las órdenes de un desconocido director italiano llamado Sergio Leone, quien trataba de realizar una película con solamente 200.000 dólares de presupuesto, Clint Eastwood llegó a España para protagonizar una película que estaría basada en la japonesa “Yojimbo”, una épica historia sobre tres samurais. Debería dar la réplica a la legendaria “Los siete samurais”, que a su vez había tenido un remake con “Los siete magníficos”, un filme que había colocado al western entre el género más popular.

El pequeño presupuesto obligaba a emplearlo básicamente en la producción y apenas existía dinero para contratar un actor popular, como podrían ser James Coburn o Lee Marvin, pero lo que estaba bien claro que, fuera quien fuera, debería ser americano.

Sergio Leone no era precisamente un novato, ya que se había curtido junto a personas como Vittorio de Sica y había sido ayudante de dirección en muchas de las grandes superproducciones que se había rodado en los estudios romanos de Cinecittá, como “Quo Vadis?” y “Ben-hur”.

“Leone disponía de un presupuesto tan bajo que le obligaba a rodar en un tiempo máximo de seis semanas. Yo solamente cobré por mi primer trabajo 15.000 dólares y eso después de muchas discusiones porque, en principio, me hablaron de un porcentaje en taquilla.

También sé que ellos no pensaron nunca en mí como el actor idóneo para esa película y que solamente me ofrecieron el trabajo cuando otros actores lo rechazaron, pero el mundo del cine es así”.

El aspecto de vaquero cansado, minado por el sol y la sed, era perfecto para el carácter de Clint y solamente el popular Henry Fonda encajaba también en esa fisionomía, aunque, nuevamente, el sueldo tan bajo que ofrecían solamente podía ser aceptado por un actor como Eastwood. Además, sabía montar perfectamente a caballo, no necesitaba dobles en las escenas peligrosas, tenía un gran atractivo para las mujeres y no era demasiado exigente con los hoteles o los carromatos en los cuales tenía que vivir durante el rodaje.

“Lo que nadie sabe es que yo rechacé en principio ese trabajo. Rodar en España, un país totalmente desconocido para mí, bajo un sol abrasador, con un director visionario, un presupuesto ridículo para nosotros los norteamericanos y bajo el ala de unas productoras a punto de la quiebra, no era algo que estaba entre mis propósitos futuros. Tenía ya 33

años, llevaba ya 6 con “Rawhide” y la imagen que yo tenía de las películas italianas era ínfima; solamente incitaban a la risa, aunque no fueran cómicas Por algún motivo, acepté leer el guión y dio la casualidad que yo admiraba la historia original de Akira Kurosawa en la cual trabajaba Toshiro Mifune”.

Había algo en ese proyecto aparentemente mediocre que le hacía diferente a cualquier otra película europea. El guión estaba basado en una buena historia de éxito probado y se introducían algunas variantes que eran muy interesantes: el héroe no era un guapo inmaculado que ni siquiera se despeinaba, sabía montar a caballo incluso mejor que los malvados, y era capaz de auxiliar a una mujer guapa sin pedirla inmediatamente que le premie con un revolcón. Había nacido lo que posteriormente se conoció como “El anti-héroe”.

Y así, un día Eastwood y su mujer Maggie realizaron un viaje al viejo continente que marcaría toda su futura vida. Para ella suponía unas vacaciones en un país desconocido del cual solamente sabía que tenía mucho sol y playas, y para él sería una experiencia que si salía mal no trascendería entre sus admiradores norteamericanos.

Nada más establecer contacto con Sergio Leone, Eastwood le sugirió realizar algunos cambios en su personaje, condición imprescindible para firmar el contrato. Fue una situación similar a un farol en el juego del póker, puesto que ninguno de los dos podía dar ya marcha atrás y solamente se trataba de disimular sobre quién ostentaba el poder.

“Bueno, el traje lo elegí yo y estaba basado en mi personaje de “Rawhide”, aunque también busqué un sombrero característico y esa especie de poncho que tanto éxito tuvo después.

Esa mezcla de atuendo mejicano y americano me parecía que le daba un aire diferente.

Después pensé que lo de los puros cubanos era la nota internacional perfecta. Lo de la barba fue casual, puesto que el primer día de rodaje no había tenido tiempo de afeitarme y cuando el director me vio así me dijo ¡perfecto!, como si hubiera sido algo deliberado por mi parte”.

Eastwood se convirtió así en el “Hombre sin nombre”, un personaje que parecía siempre a punto de caerse al suelo de agotamiento, quemado por el sol, hambriento de agua y whisky, y portando un eterno puro que nunca encendía, salvo cuando quería prender dinamita.

“Ni Leone ni yo conocíamos el idioma del otro, así que los primeros días de rodaje, entre los españoles, los italianos y los ingleses, nos armamos un lío enorme para saber qué es lo que pretendían los demás. Por eso no debe extrañar que la película fuera tan diferente a las demás. Por si fuera poco, todo el equipo técnico estaba en huelga porque no les pagaban el sueldo desde hacía quince días”.

Afortunadamente el personaje era hombre de pocas palabras y prefería utilizar las pistolas para poner orden en su vida. Una sonrisa macabra y un escupitajo de su puro, bastaban para explicar al oponente a lo que se exponía si no le dejaba en paz. Para los demás actores, la pasividad de Eastwood era sinónimo de no saber actuar. Los italianos, tan acostumbrados a gesticular, no entendían que ese americano delgaducho se mantuviera tan impasible en escenas que requerían un fuerte énfasis dramático. Posteriormente, todos los actores terminaron copiando su personalidad, especialmente cuando se dieron cuenta que en la vida real era igual.

Parte de los exteriores se rodaron en Colmenar Viejo, un pueblo cercano a Madrid, y la peculiar música silbada fue obra del español Kurt Savoy, logrando entre todos darle ese aire de novedad que tanto entusiasmó al público. Con el fin de ahorrar decorados, se aprovecharon unos que se habían construido años atrás y que estaban abandonados, precisamente lo que requería el guión.

Después se trasladaron a tierras de Almería, un lugar que simulaba a las Montañas Rocosas norteamericanas, pero en las cuales se podía rodar sin problemas burocráticos o de conservación del medio ambiente. Eran tan sumamente desérticas y pobres, que no había nada que conservar. Los extras españoles, por su parte, daban el pego como mejicanos, especialmente cuando les incorporaban un mostacho, el mismo que se supone llevan todos los mejicanos.

El éxito de “Por un puñado de dólares” catapultó a Almería como un lugar idóneo para rodar Westerns de bajo presupuesto, a Sergio Leone como uno de los mejores directores, a Ennio Morricone como uno de los mejores compositores del cine y a Clint Eastwood como el indiscutible vaquero, después de John Wayne.

El triunfo

Después de siete semanas de rodaje, la película finalizó y se estrenó con gran éxito en Italia y posteriormente en el resto del mundo. Desde ese momento, todas las películas deberían contener una gran dosis de humor trágico si querían triunfar y el sonido de las balas tenía que ser mucho más metálico, silbante.

Cuando Clint volvió a Estados Unidos algo había empezado a cambiar en su vida. Las noticias que aparecían en el magazine Variety hablaban del gran éxito de un western italiano en Europa protagonizado por un americano popular por una serie de televisión.

“Me enteré del éxito a través de la prensa de mí país, puesto que nadie de la productora italiana se molestó nunca en hablarme de ello. Al cabo de unos días recibí una carta del productor pidiéndome que volviese a Italia para filmar la segunda parte y en ella me contaba todo el gran éxito que el filme estaba teniendo. Para él yo era un gran actor, de gran personalidad, pero hacía solamente unos meses que hablaba de mí como alguien sin talento y cuya expresión cansada le disgustaba”.

Cuando “Por un puñado de dólares” se estrenó en París, Clint asistió incrédulo al recibimiento que el público y los ejecutivos le dispensaban. Sin darse cuenta, se había convertido en una estrella en Europa, sin que sus propios compatriotas fueran conscientes de ello.

La productora de la película fue la mayor sorprendida del éxito y les cogió tan desprevenidos que ni siquiera disponían de copias para un estreno masivo. Por eso la película se mostró primeramente en Roma, después en Nápoles y a continuación en Florencia, en donde ni siquiera fueron necesarios nuevos carteles anunciándola, puesto que las localidades estaban agotadas antes del estreno.

“Nadie sabe cuáles fueron las razones para que esta película de serie B, en calidad y presupuesto, se convirtiera en un fenómeno mundial. Su argumento no era original al estar basada en otra película japonesa de Kurosawa y yo ni siquiera me podía considerar un actor consumado. El único que contaba con bastante experiencia interviniendo como ayudante de grandes producciones era Sergio Leone, pero como director nunca había realizado ninguna película de éxito”.

La colaboración entre Sergio Leone y Ennio Morricone creó una atmósfera diferente.

Hasta entonces, la música del western estaba basada en canciones rítmicas al ritmo de los caballos al galope o procedentes de la música country norteamericana.

Ahora se incorporaban también los ruidos tradicionales de esa época, entre ellos el látigo restallando en el aire, el sonido de los disparos, las campanas de las iglesias rurales y por supuesto los gruñidos y sonidos emitidos por los animales. Más que una simple canción, las melodías nos contaban toda una historia mediante el sonido de fondo de la guitarra eléctrica.

Clint Eastwood aportaba, además, una gran variedad al tradicional vaquero justiciero: era sumamente masculino, viril, pero no despreciaba a las mujeres, aunque tampoco las buscaba desesperadamente. Podía ser más feliz incluso viajando solitario con su cansado caballo. Después de salvarlas de los malvados, ni siquiera se despedía de ellas con un beso.

Para ganar a los malos utilizaba toda clase de trucos, algunos ciertamente originales.

Cuando tiene que realizar la pelea final contra Ramón Rojo, interpretado por el italiano John Wells, le invita a que le dispare directamente al corazón porque sino no le podrá detener. El bandido, que es muy malo pero en ocasiones tonto, le dispara precisamente allí donde su adversario le dice y nada ocurre. Clint pone atrás su poncho y deja al descubierto un escudo antibalas, mientras que le dispara con su revólver.

El mantenimiento de un éxito

Ya tenemos a Eastwood convertido en una popular estrella, sin saber exactamente qué hacer. En América nadie le ofrecía un solo trabajo interesante, mientras que las llamadas de Sergio Leone para que volviera eran cada vez más acuciantes. Ciertamente no entendía ese mito que habían creado a su alrededor y estaba preparado para volver a ser lo que antes fue, un secundario eterno de películas sin importancia.

“Cualquier actor sabe que para triunfar tiene que tener algo diferente o bueno que ofrecer, pero lo que ocurre es que nadie sabe dónde está el secreto. Cada uno se cree en posesión de un atractivo magnético e irrepetible para ser popular, pero esa opinión no suele ser compartida por quienes pagan una entrada para ir al cine. El público solamente acude para ver a sus estrellas favoritas, no siente ningún interés en descubrir nuevos talentos. Esa labor se la deja a las productoras”.

El personaje de “El Hombre sin Nombre” de Eastwood tenía una mezcla de todos los héroes tradicionales del cine basados en el Far-West: era todavía joven pero no tanto como para que el personaje no fuera creíble; su carácter era vigoroso, con un fuerte sentido del humor cuando hacía daño, sumamente incongruente y poseía una técnica perfecta para evadir la muerte sin ayuda. Su presencia logró promocionar al actor fuerte, poco sensiblero, nada quejica y que adoptaba una postura de aislamiento comprensible. Era como la mayoría de los jóvenes inconformistas se sienten, pero con la diferencia que ya no era joven.

Curiosamente, la película no se exhibió en los Estados Unidos hasta 1967, ya que nadie estaba convencido de que un filme que hablaba del Oeste americano se pudiera realizar con destreza en Italia, cuna del espagueti con tomate y las canciones napolitanas.

Solamente la presencia de Eastwood en el reparto, popularizado por la serie de televisión, les motivaron para exhibirla ante el público norteamericano, cosechando el mismo éxito que en Europa. Para justificar este retraso, las distribuidoras alegaron que había problemas con los derechos de autor, ya que existía una reclamación de Akira Kurosawa en este sentido.

Lo primero que hizo Eastwood fue subir su cotización como actor a 50.000 dólares por película y ponerse en contacto con Sergio Leone para hacer “La muerte tenía un precio”.

El nuevo filme tenía un presupuesto de 600.000 dólares y el guión había sido elaborado entre Leone y Luciano Vincenzoni. El personaje de “El hombre sin nombre” permaneció intacto, pero ahora era un de cazador de recompensas y no un vagabundo que sabía disparar con precisión. Lo que permanecía inalterable era su ausencia de escrúpulos con los bandidos, su anarquía y su deseo de vivir en soledad. Pero en esto último los guionistas decidieron que era el momento de ponerle un ayudante, como lo hicieron con Batman y Robin, y le unieron al Coronel Douglas Mortimer.

Así, cabalgando juntos, podían perseguir con

más eficacia a El Indio, un bandido hispano que tenía por costumbre escupir cuando mataba a alguien.

“La muerte tenía un precio” representó una sensible mejora sobre su predecesora. En la primera era imposible ocultar el bajo presupuesto disponible y eso que pudieron aprovecharse los decorados de un pueblo fantasma. Con un presupuesto mayor Leone pudo dirigir con mayor libertad, y aprovechar aún mejor las extraordinarias cualidades de los dos actores principales: Clint Eastwood y Lee Van Cleef, uno de los malvados más despiadados que ha tenido el cine. También pudo incluir efectos especiales, contratar a mujeres más guapas y, especialmente, incluir mucha más violencia, esto último, aunque no aportaba mayores méritos artísticos, era del agrado del público.

Solamente en los comienzos de la película, ya adivinamos el gran sentido del humor que Leone nos tenía preparado. Un jinete camina a medio galope por un paisaje desolado. La distancia hacia atrás y la inmensidad del resto del paisaje, nos lo muestran como si fuera un insecto a punto de ser víctima de un pisotón gigante. Todavía no hemos podido asimilar la proximidad del peligro, cuando suena un disparo y el jinete cae al suelo. En ese momento aparece un rótulo que nos recuerda que “Donde la vida no tiene ningún valor, la muerte a veces tiene un precio”.

Durante los primeros veinte minutos, en tres episodios aparentemente separados, nos muestran ya a los tres personajes principales. Aunque sabemos que luego formarán parte del mismo entramado, ahora nos avisan que tienen por separado una gran personalidad.

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Delirios de grandeza

Cuando Clint volvió a Roma a los estudios de Cinecittá los paparazzis ya le estaban esperando ávidos de lograr una buena foto. En ese momento fue cuando descubrió la cara amarga de la popularidad. Afortunadamente le esperaban noticias muy alentadoras para su futuro y hasta Vittorio De Sica le pidió que trabajase en una de sus películas. De Sica ya tenía una sólida reputación mundial como director después de haber ganado el Oscar a la mejor Película extranjera por “Ladrón de bicicletas”. En ese momento estaba realizando una serie corta para la televisión británica titulada “The Four Just Men” y estaba preparando “Las brujas”, en las cuales trabajarían diferentes directores igualmente populares. También estaba interesado en promocionar a la esposa de Dino De Laurenttis, la actriz Silvana Mangano, quien desde “Amor Amargo” no había conseguido un nuevo triunfo.

Por eso, a ambos realizadores se les ocurrió la genial idea de ponerles juntos en uno de los episodios de esta serie, “Una tarde como otra cualquiera”, en la cual Clint haría de marido celoso. Aparecería, cómo no, vestido de vaquero y con su habitual expresión fría. Pero la película ni siquiera fue considerada en Italia y no fue estrenada en América hasta varios años después, cuando la popularidad de Eastwood llegaba a su cenit.

Pero esto se supo varios meses después de que firmara el nuevo contrato para realizar una tercera entrega de “El hombre sin nombre”, como ya se le conocía en el ambiente cinematográfico. Aprovechando un nuevo descanso en la producción de “Rawhide” (serie que empezaba ya un inexorable declive), solicitó un sueldo de 200.000 dólares, más un diez por ciento de las ganancias de taquilla.

Pero cuando Eastwood volvió a Hollywood ya estaba renegando de sus películas italianas.

Como un hijo desagradecido, realizó numerosas declaraciones en contra de los “espagueti western” y afirmó que el éxito de esas películas se lo debían exclusivamente a su trabajo, no a los directores. Solamente consideraba a Marcelo Mastroianni como un actor de interés y recalcó que no tenía ningún deseo de volver a trabajar ni en España ni en Italia, propósito que como ya sabemos cumplió. Con un ego superlativo declaró que ahora estaba en disposición de elegir las películas que quería hacer y que estaba pensando la posibilidad de rodar en Inglaterra, después de haber rechazado una nueva oferta del director De Sica.

Junto con estas desafortunadas declaraciones, otros acontecimientos precipitaron la vida profesional de Clint. La serie “Rawhide” que había mejorado en audiencia después de su triunfo en Europa, sufría un nuevo revés al cesar como director Eric Fleming y poner en su lugar a Rowdy Yates, una persona amable que trataba correctamente a todos los técnicos y actores. Pero esta buena voluntad apenas le sirvió para ganarse también el interés de los espectadores y la serie finalizó a primeros del año 1966. De los 39 episodios fijados solamente se rodaron 29, recibiendo Eastwood una indemnización de 119.000 dólares.

La muerte de “El hombre sin nombre”

Y como en ocasiones el destino se encarga de bajar los humos a los soberbios, cuando Clint se encontró de nuevo sin trabajo en su país y sin una oferta de interés, en mayo de ese mismo año volvió a España, ahora ya menos altivo. Allí le esperaba un proyecto similar titulado “El bueno, el feo y el malo”, con un abultado presupuesto de 1.200.000

dólares (nadie supo nunca en qué los invirtieron), para conseguir una duración final de 148

minutos, lo que le convertiría en una de las películas de más larga duración del mundo ambientadas en el Far-West. En ella, nuevamente aparecería el “Hombre sin nombre”, siempre acompañado por Lee Van Cleef y otro malvado llamado Eli Wallach, quien tenía una gran reputación por haber estudiado “El método” en el Actor Studio y por su trabajo en “los siete magníficos”. La obra cumbre del cine italiano estaba a punto de comenzar.

El guión debería estar mucho más elaborado y estaba supervisado por el propio Sergio Leone y aunque también había en el argumento un baúl lleno de dinero, se ambientó en hechos reales de la Guerra Civil americana. Tomando como referencia multitud de fotos reales extraídas del Museo del Ejército madrileño, se realizaron nuevos movimientos de cámara para permitirles seguir las secuencias de las galopadas sin perder detalle.

Pero alguien debió suspender en historia cuando dotó a Clint Eastwood de un rifle con mira telescópica en una época en la cual apenas si habían pasado del Winchester 75.

Los errores de Leone (que no se hubieran dado si no se hubiera metido a guionista), le llevaron a mostrar personajes de esa Guerra Americana en situaciones inverosímiles y ridículas que provocaron no pocas repulsas en quienes sabían algo de historia. Había secuencias que parecían sacadas de la Guerra Mundial europea y casi nos ponen a Hitler matando a unos cuantos indios apaches. Si consideramos el título definitivo “El bueno, el feo, y el malo” como válido, podemos ver la película como una buena parodia del cine del Oeste, pero no como algo serio.

El “Bueno” es Clint Eastwood, un cazador de recompensas, el “Feo” es Lee Van Cleef, y el “Malo” Eli Wallach, quien nuevamente hace de bandido mexicano. Todos andan detrás de un botín de 200.000 dólares. Un argumento demasiado al uso que no justifica tanta publicidad previa.

Aunque hay secuencias ciertamente dignas, como los primeros minutos de apertura y especialmente el final. Aquí “Sin nombre” abandona con una soga cortando el cuello a su enemigo “Tuco”, para volverse en un gesto misericordioso y liberarle con un disparo certero, escena que por sí sola no justifica tanto delirio. Puestos a ser benévolos con Leone, también incluiríamos la escena cuando “Sin Nombre” camina sediento y abrasado por el sol del desierto, mientras Tuco lo hace a lomos de su caballo, con la cantimplora llena y portando una sombrilla.

La abundancia de dosis de humor macabro le quita validez a la película, quizá porque nunca acabamos de reírnos con escenas que nos parecen crueles. Los chistes están bien integrados en la historia, pero no entendemos ese interés por convertirla en una comedia.

Cualquier humanidad en los personajes ha desaparecido y nadie justifica las matanzas, ni se disculpa por ellas.

Orejas bajas

Este título pudiera parecer el de una película, pero responde solamente a la actitud que adoptó Clint cuando regresó de nuevo a su país para continuar buscando oportunidades en el cine. Su última película estrenada, “Por un puñado de dólares”, había tenido numerosas críticas y aunque fue exhibida en medio de una gran campaña publicitaria en 80 salas de cine de Nueva York, las críticas fueron despiadadas con ella y con su vaquero que había emigrado a Europa.

Después del estreno en febrero de 1967 (dos años después de ser estrenada en Europa), los críticos la calificaron como mediocre, horrorosa, un sucedáneo de las películas americanas y destructora de la belleza que había adornado el gran cine del western durante años.

El público, por su parte, estaba empezando a cansarse de que los mexicanos hubieran sustituido a los indios en su papel de malos, mientras que llegaron voces airadas del propio México demandando más respeto por su lenguaje y sus costumbres. Detrás de todas esas voces, hubo quien afirmó que en realidad lo que más molestaba era que unos infelices italianos se hubieran atrevido a realizar películas de éxito utilizando la historia americana más sagrada. Era pues, una cuestión de patriotismo. Si los europeos conseguían entusiasmar al público americano, Hollywood entero podría resentirse.

Pues a pesar de las malas críticas, de la llamada al patriotismo y de que, en justicia, las películas empezaban a tener una calidad ínfima, la trilogía Leone-Eastwood, distribuida por la United Artists, figura ya en la lista de las de mayor recaudación en esos años. “El bueno, el feo y el malo”, se estrenó por fin en Estados Unidos en 1968, dos años después de su triunfo en Europa.

Podría haber supuesto una eclosión del cine italiano, pero ocurrió todo lo contrario. El gran éxito popular hizo que los educadores y el propio gobierno se pusieran en contra de ese aumento de la violencia en el cine y de que se mostraran escenas tan crudas que obligaban a poner la calificación “No apta para menores”. Algo estaba cambiando en América y el detonante pudiera ser esta trilogía de vaqueros que llegó de Europa. Junto a ello, el grupo musical Los Beatles había desbancado al mismísimo Elvis Presley de las listas de éxito, y ello obligó a numerosos políticos a tomar serias medidas para preservas sus finanzas y sus valores.

Y en parte debemos admitir que Leone tuvo la culpa de su propio desastre. No solamente satirizó y ridiculizó el Far-West americano, sino que se burló de la religión católica, de los mexicanos y aumentó las escenas de crueldad. Comparar en una escena a Cristo con Eastwood fue la gota que colmó el vaso.

Y ese estigma italiano persiguió posteriormente a Eastwood cuando se dedicó a filmar películas con el personaje de “Harry el Sucio”. Este actor, decían, está ligado siempre a películas violentas, inmorales, y en las cuales se ridiculizan todos los valores norteamericanos, entre ellos su devoción a la religión. Ciertamente tenían algo de razón en ello, especialmente en unos años en los cuales la juventud estaba empezando a salirse del seno familiar y buscaba nuevas emociones, algunas de ellas no siempre válidas.

Eastwood era el protagonista de películas en las cuales el héroe ya no era un sentimental y ni siquiera un romántico. En demasiadas ocasiones estaba convencido de que solamente mediante el poder y las armas podría hacer entrar en razones al enemigo, aunque, en el fondo, simbolizaba los deseos de millones de personas que deseaban mayor contundencia contra la delincuencia.

“Es que casi nunca podemos tener un policía a nuestro lado cuando nos encontramos con un malvado o un delincuente. Si no advertimos a los ciudadanos para que ellos mismos empleen la fuerza para defenderse, los más débiles o los más nobles, caerán siempre víctimas de los más agresivos. No creo que la imagen de John Wayne sea siempre la más adecuada, especialmente cuando dice que nunca hay que disparar por la espalda al enemigo”.

Reflexión

En esa época, Clint y su esposa Maggie llevaban trece años de matrimonio y poseían un rancho cada vez más confortable. Disponían ya de suficiente dinero y tiempo libre como para dedicarse a ellos mismos. En espera de una buena oportunidad aceptaron realizar giras de promoción para sus películas italianas, mientras Hollywood se cuestionaba si sería conveniente relanzar las películas del Far-West.

La United Artists le propuso interpretar “Cometieron dos errores”, con la clara pretensión de dar una réplica adecuada a las películas italianas que, según su opinión, denigraban el western. El presupuesto era de 1.600.000 dólares y él cobraría 400.000, más un 25% del porcentaje de taquilla. Estaba dirigida por Ted Post, uno de los directores que habían intervenido en el serial “Rawhide”, aunque no tenía experiencia en la gran pantalla.

Admirador de Eastwood, se mostró entusiasmado de poder dirigirle, mientras que también lo consideraba su gran oportunidad para triunfar en el cine. No estaba desencaminado, ya que siguió dirigiendo películas hasta los años 80, entre ellas “Regreso al planeta de los simios” (1970) y “Harry, el fuerte” (1973).

Con el fin de que la película se apartara totalmente de la influencia europea, solamente incluyeron secundarios americanos como Ben Johnson, Bruce Dern, Denis Hooper y la actriz Inger Stevens.

Ciertamente la película no era nada importante, simplemente correcta, pero tenía de nuevo a un popular Clint Eastwood, aliciente suficiente para que a las diez semanas de su estreno, en 1967, hubiera amortizado totalmente los costes de producción y comenzara a generar beneficios. Los críticos, tan despiadados con las otras tres, se mostraron más amables y se alegraron de que su actor volviera al redil. Esa era la parte positiva de la crítica, pero la esencia es que volvieron a hablar de un Eastwood de mirada gélida, poco expresivo, eternamente malhumorado y que era solamente un esbozo de lo que debería ser un buen actor. Pero lo que nadie podía negar era que su presencia llenaba las salas de cine, tan necesitadas como estaban de no perder ni uno solo de sus pocos espectadores.

Todo el mundo estaba de acuerdo en que Clint era un filón y un valor seguro en taquilla, pero que todavía no había tenido su gran oportunidad. La película vuelve a mostrar la misma temática que en las anteriores, aunque ahora se suprime ese sentido del humor que tanto enfadaba a los críticos y que hacía las delicias de Sergio Leone. De nuevo vemos magnificadas la venganza, justificada la violencia, prescindiendo de la exactitud histórica y dando un poder omnipotente a los representantes de la justicia.

Don Siegel

Uno de los proyectos que le ofrecieron a Eastwood fue “La jungla humana”, y aunque no existía todavía un guión, cuando le narraron la esencia del argumento le interesó enormemente. Ya no estábamos en la época dorada del vaquero americano, sino en los años 60 con un aguacil de Arizona que es enviado a Nueva York para pedir la extradición de un prisionero. La idea era sumamente sugestiva para Eastwood, esencialmente porque podía desligarse del pistolero caza-recompensas e incorporarse al género de acción que empezaba a demandar el aficionado al cine.

Eastwood estaba convencido que su personaje de “El hombre sin nombre” ya no podía dar más de sí y necesitaba otro héroe más real. A su favor tenía un gran prestigio como hombre duro y curtido por las adversidades, lo que le permitía encarnar personas similares.

El público parecía dispuesto a aceptar en ese momento cualquier personaje similar, aunque ahora cambiara el colt 45 por una Magnum.

Tampoco estaba dispuesto a prescindir de su imagen como hombre de la ley para dedicarse a interpretar personajes románticos o en comedias intrascendentes. Cualquier argumento con ambiente familiar le perjudicaría. Quería enriquecerse como actor, pero sin efectuar experimentos artísticos de sumo riesgo.

Para apoyar su conclusión ponía el ejemplo de su anterior filme “Cometieron dos errores”, título profético que si hizo realidad y que estaba dispuesto a enderezar en el futuro.

De ahora en adelante, la dosis de humor no debería ser tan cruel y su personaje ya no sería tan lacónico ni solitario; había que buscarle una chica.

Pero para que todos estos cambios fueran posibles también necesitaba un nuevo director, si era posible americano. Alguien propuso a Don Taylor, quien ante la imposibilidad de poderse hacer cargo en ese momento recomendó a Don Siegel, quien tenía una buena reputación por varios telefilmes. En su favor tenía también la gran reputación que se había ganado en Francia, mientras que Eastwood la tenía en Italia; de esta manera quedaba asegurado el mercado europeo.

Había también ciertas concordancias entre los gustos artísticos de cada uno, esencialmente en su deseo de no verse involucrados en las maneras de trabajar de Hollywood, motivo por el cual ambos habían ido a trabajar a Europa. Siegel se había educado en Cambridge y en la Royal Academy of Dramatic Art de Londres, a pesar de nacer en Chicago, y se había unido a la Warner Bros. en 1934 como un asistente para guiones, continuado después como montador. En 1945 realizó como director dos documentales con los cuales fue premiado con un Oscar, debutando inmediatamente como director de películas. Entre las películas de sus primeros años hay que mencionar con honor “La invasión de los ladrones de cuerpos”, un clásico de la ciencia-ficción.

Pero esa unión entre Eastwood y Siegel no fue fácil en un principio. Clint no quería que le marginaran como un simple actor y quería que le reconocieran también sus cualidades para aportar ideas, puesto que se consideraba en cierto modo el autor de su propio personaje.

Siegel tenía una concepción del héroe muy pesimista y quería mostrarlo falto de moralidad y principios éticos. Con frecuencia, sus actores principales terminaban siendo unos desalmados. Como mejor ejemplo tenemos a “Madigan”, una película interpretada por Richard Widmark, en la cual hace el papel de un detective de Nueva York que para conseguir detener a un cruel asesino utiliza toda clase de ilegalidades. La idea de “La jungla humana” parecía ir en ese sentido.

Afortunadamente para ambos, Siegel era un admirador de los western de Leone, lo mismo que de Eastwood, por lo que al menos en principio pudieron sentarse a dialogar sin demasiados enfrentamientos. Y es que no había manera de que las cosas fueran totalmente amigables: Siegel tenía ya sobre la mesa un guión inaceptable para Eastwood, y ambos estaban acostumbrados en los últimos años a imponer sus condiciones. Para que la discordia no impidiera el comienzo del rodaje, se contrató a un guionista imparcial, Dean Riesner, quien después de escuchar pacientemente a cada uno les escribió un argumento que trataba de combinar lo mejor de cada uno. Sus intuiciones fueron acertadas, ya que ambos, director y actor, sellaron su conformidad con un apretón de manos que duraría hasta “Fuga de Alcatraz” en 1979.

“Me sentí a gusto con Don Siegel desde el primer día. Era una persona muy segura de lo que quería, sumamente sincero, y a quien le gustaba escuchar las ideas de los demás.

Trabajaba mucho y procuraba que todo el mundo se involucrara en la película, no desmoralizándose nunca por mal que salieran las cosas. Me dejaba trabajar con entera libertad, consciente de que los actores saben hacer su trabajo”.

“La jungla humana” se podría confundir en un principio con cualquier de las películas de Leone, con un desierto soleado, las montañas al fondo y un vaquero sucio que otea el horizonte con un pequeño catalejo. Al fondo está su presa o su enemigo, aunque está tan lejos que aún no está seguro. La única diferencia es que ahora nuestro sheriff viste ropas modernas y no monta un caballo, sino un jeep.

Cuando alguien le critica a Clint sus severos métodos para detener a los delincuentes, se justifica que ellos tampoco se portan bien con él cuando les detiene y si se descuida acabará muerto. No acepta que nadie infrinja las reglas de convivencia y quienes lo hacen no pueden esperar que la ley sea generosa con ellos. Tampoco soporta que quienes le critican por su dureza sean precisamente los que no dan la cara, los políticos y los funcionarios que se escudan detrás de una mesa de despacho mientras ellos exponen sus vidas.

Todas estas conclusiones, perfectamente expuestas en la película, no fueron entendidas por sus detractores, los defensores de los derechos de los delincuentes, y una campaña moralista, más intensa que cuando hacía western, empezó a inundar las páginas de las revistas especializadas.

Afortunadamente para Clint, hubo otros comentaristas que estaban de acuerdo con su planteamiento y hablaron de él como un ejemplo para los americanos y para los policías.

Eastwood, insistían, dice en sus películas lo que todos decimos en la calle y hace lo que a todos nos gustaría que hicieran nuestros agentes de policía. Nuevamente, la polémica estaba servida.

“Mi personaje tiene un gran valor en sus planteamientos morales y solamente trata que la burocracia y los políticos no le impidan realizar la misión que tiene encomendada. Es una persona honrada, sencilla, a quien le gustaría vivir la vida cómoda de sus críticos”.

Cambio de rumbo

En 1968 Clint acepta interpretar una película que le proporciona un personaje muy diferente al estar ambientada en la Segunda Guerra Mundial. Volvía a realizar un papel de hombre duro, pero al menos ahora sus enemigos serían los nazis y para ellos nadie pedía piedad. Cualquier brutalidad estaba justificada; nada más cómodo para evitar críticas por la violencia ejercida. La guerra con los alemanes estaba lo suficientemente fresca en la mente de las personas como para que sintieran interés por ver películas que le recordaban épocas pasadas y, además, servía de muestra para analizar la guerra contra el Vietnam.

El cine era bien consciente de esto, lo mismo que la televisión, ofreciendo la ventaja adicional que el malo de estos filmes estaba perfectamente definido y nadie podía protestar. ¿Quién podía negar el papel que había jugado Hitler en la pasada Guerra Mundial?. Por eso, cualquier héroe que le combatiera en una película sería forzosamente aplaudido y en absoluto criticado, especialmente si los valores que difundía eran los de estabilidad, progreso, justicia y verdad.

“Los cañones de Navarone”, “La gran escapada” y “Doce del patíbulo”, fueron algunos de los grandes éxitos de esa época, a los que se sumaron posteriormente “Patton” y

“M.A.S.H.”. En este contexto Clint Eastwood parecía no encajar, acostumbrado como estaba a mostrarse vestido de vaquero imperturbable, pero con “El desafío de las águilas” y posteriormente con “Los violentos de Kelly” de 1970, demostraría que todavía no era el momento de encasillarse en ningún género. Ambas tuvieron gran éxito de público y en ellas pudo demostrar que su comedido sentido del humor y su papel de héroe, podían encajar en cualquier situación y época.

“El desafío de las águilas” estaba escrita por el mismo guionista de “Los cañones de Navarone” y contaba con la actuación estelar de Richard Burton, con lo cual se aseguraban ya la rentabilidad. Si, además, el argumento giraba en torno a una lucha desarrollada en Austria e Inglaterra, era casi seguro que el éxito en Europa sería igualmente importante.

Clint cobró por su trabajo 800.000 dólares, una cantidad desorbitada, pero, aún así, inferior a la que cobró Burton.

Con esta película, los aplausos hacia Clint Eastwood aumentaron en todo el mundo, a pesar de que su personaje tenía muchos puntos en común con sus anteriores. Esta similitud se mostró como sumamente eficaz cuando tenía una escena junto a Burton y el resto de los actores británicos, tan exactos, prudentes y poseedores de una pronunciación exquisita. El físico de Clint sumamente americano, lacónico y con una forma de moverse tan poco usual, consiguió aportar esa diferencia que el argumento exigía.

El filme se rodó en Londres y Austria y allí Eastwood tuvo la oportunidad de hacer amistad con personas y actores muy diferentes a los otros europeos que había conocido, especialmente latinos de Italia y España. Entre Burton y Eastwood surgieron proyectos de colaboración futura, lo mismo que con Elizabeth Taylor, por entonces esposa de Burton.

Ambos esposos le presentaron el proyecto para hacer “Dos mulas y una mujer”, en la cual Liz sería la principal protagonista, pero los numerosos compromisos de ambos impidieron que ese proyecto se llevara a cabo en ese momento.

Un extraño musical

Cuando volvió a América después de un mes de trabajo, le presentaron un contrato para rodar una rara película en un pueblo llamado Baker, al norte de Oregón. Se trataba de algo que ni siquiera había pasado por la imaginación de Eastwood: un musical ambientado en el Far-West y contando, además, con Lee Marvin como actor y cantante. A priori, era un proyecto tan inverosímil que nadie daba un duro por él.

Pero todos estos inconvenientes fueron el aliciente para que Clint aceptara rodarla. Si la gente decía que no podría hacerla, entonces era recomendable que aceptara. También le pidieron que cantara alguna canción, algo que ya había realizado anteriormente en

“Rawhide”, pero en esto ya no estaba de acuerdo. Si alguien tenía que hacer el ridículo que lo hiciera Lee Marvin.

“En ese momento acababa de tener mi primer hijo Kyle, después que mi mujer hubiera abortado en otras ocasiones. Necesitaba un lugar tranquilo y esa película, rodada entre bosques y montañas, me ofrecía esa oportunidad para mi familia. Yo conocía ya perfectamente esos lugares, puesto que había estado allí durante mi juventud”.

El personaje suponía todo un reto para Clint, ya que no era un héroe ni podría volver a ejercer de “El hombre sin nombre”. Además, su papel quedaba parcialmente oculto por el de Lee Marvin, condecorado recientemente por un Oscar. Pero la idea de los estudios era volver a relanzar el musical como el mejor de los géneros del cine americano, y no tanto realizar una parodia del western. Se tomó como base una obra teatral de Broadway, en la cual narraban una pequeña historia sobre el Viejo Oeste, argumento con el cual ambos actores habían triunfado anteriormente. Estaría dirigida por Joshua Logan, quien anteriormente había realizado “Camelot” y “South Pacific”, dos musicales que no había conseguido apenas superar los altísimos costos de producción. Se titularía. “La leyenda de la ciudad sin nombre”, algo que, de alguna manera, tenía algo que ver con personajes anteriores.

Pero todo parecía ya demasiado desfasado en esta película, la cual quizá hubiera triunfado diez años atrás. Los dos aventureros en busca de oro en California no era nada nuevo, y verles ahora disparando tiros entre canción y canción no parecía lo más acertado para dos curtidos actores.

A los guionistas no se les ocurrió otra cosa que incluir un romance de amor entre una mujer y dos hombres, solucionándolo a estilo Salomón: hoy contigo, mañana conmigo. La llegada de un tercer hombre en discordia (nada raro si tenemos en cuenta la escasez de mujeres guapas en ese pueblo), complica aún más las cosas.

El resultado en taquilla fue un gran fracaso y las dos canciones que cantó finalmente Eastwood, “I Still See Eliza” y “I Talk to the Trees”, más habladas que cantadas, pasaron totalmente desapercibidas, cosa que no ocurrió con la de Lee Marvin, “I Was Born Under a Wandering Star” (“Estrella errante”), que fue un éxito mundial.

Pero en esto de la fama y los triunfos no hay nada predecible y a pesar del fracaso en taquilla, Clint consiguió un buen reconocimiento por parte de los críticos, quienes mencionaron lo elegante que había estado y lo acertado de su trabajo. El fracaso se convirtió en triunfo para los dos actores. “La leyenda de la ciudad sin nombre” recaudó 15

millones de dólares durante su estreno en 1969, prácticamente lo mismo que había costado inicialmente, cantidad que aumentó hasta los 20 millones por las costosas campañas publicitarias.

“La película fue un éxito comercial aunque hay quien lo quiere ver de distinta manera.

Pero con unos costes de producción tan desorbitados era casi imposible que se pudiera amortizar. Tanto los actores como los técnicos disponíamos de helicópteros diarios para trasladarnos fuera de Oregón, incluidas nuestras familias. Había siete enormes camiones, miles de extras que se pasaban todo el día sentados en espera de poder trabajar un minuto y un rancho que costó 20 millones de dólares, que apenas si sale en la pantalla de lejos.

Nunca vi en mi vida tal despilfarro de dinero por parte de una productora. Por si fuera poco, se montaron cuatro versiones diferentes y se eligió precisamente la peor de todas”.

Nuevamente Don Siegel

Pero como toda persona inteligente, esa experiencia le sirvió a Clint para aprender una cosa imprescindible en su futura labor como director: a ser tacaño con el uso del presupuesto disponible y no salirse nunca del establecido.

Y ahora, de nuevo a las órdenes de Don Siegel, Eastwood iba a dar la réplica a otra gran actriz como era Shirley MacLaine, en un proyecto para el cual se había contado en un principio con Richard Burton y Elizabeth Taylor. “Dos mulas y una mujer” era una coproducción entre la propia Universal y la compañía de producción de Eastwood, Malpaso. Entre el proyecto y el comienzo del rodaje, rodaría para la MGM “Los violentos de Kelly”, una nueva película de tema bélico. No era un proyecto que le entusiasmara demasiado, especialmente después de su trabajo en “El desafío de las águilas”, pero necesitaba dinero para llevar a buen puerto a su productora Malpaso.

En ese año 1969 ya ocupaba el segundo puesto entre las estrellas más populares, después de haber logrado el quinto puesto, inmediatamente después de Paul Newman. Era lógico que esa película de guerra no le entusiasmara.

Más narrada que interpretada, la película consigue unos aceptables resultados en taquilla y reafirman la pose de Eastwood como un personaje de pocas palabras pero actos correctos, mientras que su oponente Donald Sutherland como Oddball (un hippy anacrónico), está a punto de estropearles su trabajo. Por eso, si juzgamos a esta película como un entretenimiento simple, con buenos y espectaculares efectos de guerra, lo pasaremos bien.

“Tenía todos los ingredientes para haber sido un gran éxito en la taquilla, pero algo se malogró. En mi opinión, el mayor problema es que para acortar el metraje se cortaron escenas muy buenas y esenciales.

Yo les dije también que debían ser más tacaños con el presupuesto y no incluir tantos efectos especiales que no eran imprescindibles, pero el director de la MGM, dijo que un actor no era la persona más adecuada para hablarle de finanzas”.

Clint y las mujeres

Su nueva película, nuevamente bajo la dirección de Don Siegel, titulada “Dos mulas y una mujer”, empieza de una manera dramática, aunque poco a poco logra convertirse en casi una agradable comedia. Las escenas de apertura, con una mujer llorando que pide auxilio mientras tres hombres intentan violarla, no es exactamente un buen inicio para una comedia, pero unos cuantos tiros certeros de Clint logran enderezar el argumento. Ella es Sara, una monja, por lo que además de vestirse rápidamente ni siquiera considera que deba dar un beso de agradecimiento a su salvador; un simple: “Dios se lo premie, buen hombre”, es suficiente, para ella.

Con este argumento no es fácil definir si nos encontramos con un western, una comedia, una historia romántica o una aventura similar a “La Reina de Africa”. Afortunadamente el guionista lo tenía todo previsto y cuando oímos a la monja decir palabrotas, fumar puros y visitar a una amiga que tiene un burdel, ya tenemos nuestras ideas más claras. Aquí los malos vuelven a ser los mexicanos y en ocasiones los soldados franceses, pero como está todo realizado bajo un prisma cómico no parece que nadie se pueda ofender.

Para Eastwood, después del fracaso de “La leyenda de la ciudad sin nombre”, era una buena oportunidad para reconciliarse con su público, aunque vio truncado su deseo de trabajar junto a Elizabeth Taylor y en su lugar pusieron a una vivaracha Shirley MacLaine que tampoco estaba mal y que había tenido un gran éxito con “Noches en la ciudad”. Sus anteriores papeles como prostituta de gran corazón y simpatía la convertían en la mejor opción para este papel como Sara.

El rodaje se efectuó en el desierto mexicano en 1969 y esto provocó no pocos problemas de salud en todo el equipo, poco habituados a la alimentación tan rica en chile, al tequila como bebida básica, y a la gran altitud geográfica. Clint, convertido ya hace tiempo en un defensor de la alimentación natural, mantuvo una salud óptima con su dieta basada en piñas y papayas.

Quizá a causa de estos problemas de salud o por otras causas más personales, la amabilidad del director Siegel se difuminó y terminó discutiendo con todos, lo que provocó finalmente una película torpe, carente de tensión y con algunas escenas dramáticas mostradas con demasiada crudeza, como ese esbozado desnudo de Shirley cuando la intentan violar.

Y como siempre ocurre, la reacción del público fue totalmente opuesta a lo que se esperaba y el filme tuvo un gran éxito en taquilla y consolidó la popularidad de Eastwood como héroe en tierras áridas que maneja las pistolas como nadie. El increíble romance entre Shirley y Clint, salpicado de erotismo (los desnudos de Sara), morbosidad (amar a una monja) y mucho humor, fueron alicientes suficientes para que los espectadores respondieran comprando entradas.

“Dos Mulas y una mujer” fue un éxito financiero, pero una obra menor según las propias declaraciones de Eastwood. Claramente el público prefirió no ver en la pantalla sufrir una derrota a su actor favorito. Fue una de las primeras películas de Eastwood en la cual, por fin, mantenía un romance con la protagonista y dejaba de ser ya un solitario vaquero que viaja solucionando entuertos. Hasta entonces, las mujeres en sus películas habían sido cuando menos un problema en su vida y en esta ocasión podía incluso mantener relaciones sexuales.

“Este tipo de películas dio lugar a una larga serie de especulaciones respecto a mi relación con las mujeres. Hay quien afirmaba que pasaba de ellas, otros que las despreciaban y algunos que ni siquiera tenía encanto suficiente para que ninguna se enamorase de mí. Como siempre ocurre, los espectadores no son capaces de separar nuestro trabajo de nuestro verdadero carácter. Mis personajes son simplemente seres de ficción, no responden a nuestro verdadero carácter, casi nunca”.

Posteriormente algún productor pensó que la imagen de un Clint Eastwood más tierno con las mujeres sería sumamente comercial y sin llegar al romanticismo descarado de “Los puentes de Madison”, se planificaron una serie de películas en las cuales debería incluirse escenas de amor y, si era posible, de sexo fugaz. En 1970 se rodó con esa pretensión el filme “El seductor”, basada en la obra de Thomas Cullinan que Eastwood había leído durante el rodaje de “Dos Mulas y una mujer”. En ella hablaba de una sexualidad reprimida en la época de la Guerra Civil americana, bastante diferente a todo lo que Eastwood había interpretado hasta entonces. Estaba muy interesado en rodarla, bastante menos que Siegel, pero cuando encontraron el lugar idóneo, una mansión de Louisiana similar al Baton Rouge (una casa de prostitutas muy famosa en otra época), todos mostraron un gran entusiasmo por la película.

En esta película las mujeres ya no son esas personas sumisas y cariñosas y ni siquiera están desvalidas esperando que un varón las rescate. Ahora son ladronas, mentirosas y hasta asesinas despiadadas. Su inocencia es tanta como puede ser la de un miembro de la Mafia siciliana. La exposición de su maldad llega hasta el punto de asegurar que cualquier mujer es capaz de asesinar si existe una razón para ello.

Pero las mujeres de entonces no estaban acostumbradas a que nadie las criticara en una película y preferían ser mostradas como personas inmaculadas que solamente hacen el bien y sufren a causa de la maldad del varón. Por eso acusaron a Eastwood de aborrecer a las mujeres y de no valorar siquiera las relaciones sexuales como algo sublime. El hecho de que los personajes masculinos incorporados fueran en su mayoría reprobables no las tranquilizó, deseosas de que se mostrara claramente el rol habitual: hombres malos, mujeres buenas.

Curiosamente, para Siegel fue su mejor película hasta el momento. Por fin podía demostrar su capacidad para incluir en una misma película diferentes situaciones, logrando mezclar hábilmente escenas de tensión, ansiedad y acción, con otras de emociones sentimentales, todo ello narrado como si fuera un simple cuento infantil. Para Eastwood, le suponía el alejamiento definitivo de su personaje “El hombre sin nombre” y se acercaba más al legendario Gary Cooper, fuerte, silencioso y cariñoso.

Y como ya hemos comentado sobre los gustos del público, la respuesta en taquilla fue paupérrima. Estrenada en el verano de 1970, una época solamente apta para las malas películas, con unos carteles en los cuales se seguía promocionando la imagen de Eastwood como pistolero, el poco público asistente se sintió defraudado. Cuando la Warner se dio cuenta que el error estaba simplemente en la publicidad engañosa, y no en la película, rectificó sus carteles pero ya era demasiado tarde. Hay quien afirmaba que no era una película para Eastwood y quizá tuvieran razón.

“Los fans están acostumbrados a vernos a los actores realizando siempre el mismo personaje y a mí me han identificado siempre como un hombre de acción, en un principio ligado a la época del Western.

Creo que debo intentar interpretar otros personajes aunque ello suponga perder admiradores y quizá así gane a otros diferentes. Quiero ir ganando calidad artística en mis películas, aunque ello suponga ir perdiendo comercialidad. El éxito de una película no debe sostenerse en el magnetismo de un actor o actriz, sino en el conjunto de la historia”.

Malpaso

Cualquier persona supersticiosa hubiera rechazado para una empresa un nombre como

“Malpaso”, pero para Eastwood era todo un símbolo y por eso lo adoptó. Deseoso de poder decidir sobre su carrera y de establecer las modificaciones necesarias sin tener que discutir con los productores, decidió invertir todos sus ahorros en un proyecto que pocos actores se atrevían a realizar: fundar su propia productora de cine.

Con una gran experiencia como actor y después de haber realizado un serio y concienzudo análisis de los errores de los directores y productores, así como de los gustos de su público, estaba ya en el camino adecuado para emprender en solitario la tarea de hacer películas.

“Yo no disponía de mucho dinero, pero estaba convencido que lo más importante era trabajar bien y ser tacaño con los presupuestos. El dinero abundante no suple la falta de inteligencia. Nunca he comprendido por qué se gasta tanto dinero en realizar una película, como ocurrió en “La leyenda de la ciudad sin nombre”

Su punto de vista era compartido también por Robert Daley, un contable amigo de Eastwood a quien había conocido en 1954 cuando trabajaron para la Universal durante algún tiempo. Daley estaba impresionado con la actitud flemática de Eastwood con respecto a su éxito y cuando le pidió que se uniera a su proyecto de Malpaso, aceptó inmediatamente.

También se unió al proyecto Fritz Manes como productor asociado, un antiguo amigo en sus primeros tiempos de la televisión y antiguo alumno en la escuela secundaria. Otro socio fue la guionista Sonia Chernus quien había ayudado a Eastwood cuando rodaba

“Rawhide”.

El resultado de esta empresa fue extraordinario, siendo un éxito la mayoría de las películas que hicieron. Alquilaron un pequeño apartamento cercano a los estudios Warner, dejando bien claro que la austeridad debería marcar el buen desarrollo de su productora. Querían que fuese un negocio familiar y nada presuntuoso.

“Nunca quisimos tener una oficina lujosa y ni siquiera grande. Todo lo que necesitamos es un buen guión, lápices para corregirlo y un armario para guardar las cosas. Ni siquiera hemos querido poner un gran rótulo en la puerta”.

Durante 1970 Eastwood se sentía bastante seguro para empezar la primera película, aunque antes había realizado un acuerdo con la Universal para que les distribuyeran sus proyectos.

Con sus socios dejó bien claro que no quería un sueldo, ni como director, ni como actor, y que trabajaría, al igual que los demás, por un porcentaje de los beneficios. Lo que aún no sabía es que precisamente este acuerdo honrado le proporcionaría muchos más beneficios que si hubiera cobrado un sueldo fijo.

La primera película mostraba una historia de miedo y ansiedad psicológica, similar a las de Alfred Hitchcock. Se trataba de una película de bajo presupuesto, con una producción muy elemental, fácilmente controlable por un novato director como Eastwood.

No poseían estudio propio para rodar, pero este inconveniente simplificó mucho el rodaje, empleándose los exteriores de Carmel y la propia casa de Clint para los interiores.

Como detalle sentimental, realizó un pequeño papel como extra su viejo amigo el director Don Siegel, aunque algunos malintencionados dijeron que en realidad estaba ejerciendo trabajos como director. Quizá lo que en realidad pretendía Clint era tener a su lado a un experto como Siegel por si las cosas se ponían feas, pero de cualquier manera eso no ocurrió y la corta escena en que sale Siegel fue muy buena. Una vez concluido su trabajo abandonó los estudios.

El trabajo de Eastwood era bastante más actual que los anteriores. Su personaje era Dave Garland, un disc-jockey que trabaja en una emisora de radio local en la cual habla de amor y ponen canciones románticas. Su oponente femenina fue Donna Mills.

Clint Eastwood super-star

Aprovechando un descanso en el rodaje, Clint y Maggie volaron a Italia donde “El seductor” estaba a punto de estrenarse. Eastwood siempre había considerado a Italia como un talismán y con esta visita quería realizar una afrenta hacia los Estados Unidos. Ahora ya era una figura internacional y su llegaba provocó un histerismo del público. Los italianos se sentían orgullosos de haberle descubierto y le consideraban casi parte de su patrimonio cultural, especialmente porque gracias a él su industria cinematográfica se había puesto a un nivel altísimo.

Cuando se estrenó “El seductor” en la Muestra de Cine de Milán, tuvo un éxito mucho mayor que en Estados Unidos, y le fue ofrecida una gran gala en su honor en la Universidad de Milán, en donde le otorgaron la medalla de bronce por su contribución a la industria del cine italiano.

“Estaba fuertemente emocionado por este recibimiento que me hacían y aproveché para agradecer a Sergio Leone la oportunidad que me había dado hacía años, cuando yo era prácticamente un desconocido en Europa”.

Su popularidad fue reconocida incluso por la revista Life en 1971, en un artículo en el cual hablaban del sustituto de John Wayne, a quien había conseguido desbancar ya en la lista del actor más popular. Esa misma revista reconocía que Eastwood era un ídolo para el público mucho antes de que la prensa especializada lo tuviera en cuenta, lo que dejaba claro el gran desfase que existía entre los críticos y los aficionados.

Como contrapunto a este artículo, Clint afirmó que la opinión de los críticos no le interesaba en absoluto y que ni siquiera las leía. Solamente le preocupaba el público, que son los auténticos jueces sobre la valía de una película o un actor. Y para reafirmar sus palabras insistió en que el éxito de sus filmes se debía esencialmente a su presencia y que a pesar de las numerosas críticas recibidas en los medios de difusión, especialmente con la trilogía italiana, habían aportado más dinero a la industria del cine que la mayoría de las películas premiadas con un Oscar.

Este desplante, certero pero ofensivo, disgustó a la prensa, quienes se cebaron en él acusándole de engreído y de intentar ponerse por delante de John Wayne, un mito del cine del Oeste que llevaba ya en la cima de la popularidad casi cuarenta años. También le recordaron la gran humildad con la cual Wayne había llevado su vida profesional, muy distinta al super ego que Clint manifestaba por sus recientes éxitos. Le reconocieron sus grandes esfuerzos para conseguir realizar su trabajo y su interés por adaptarse a personajes muy dispares, algunos que en principio no parecían encajar en su carácter, pero le pidieron prudencia y humildad para continuar siendo una estrella de Hollywood.

Ese tipo de declaraciones cruzadas motivó una larga serie de artículos sobre Clint, algunos de los cuales le criticaban la gran violencia creciente que mostraba en sus películas y la falta de una moraleja para que nada pudiera dañar a los espectadores más jóvenes. Si el cine es la fábrica de los sueños, añadían, es peligroso poner como protagonista de esos sueños a una persona violenta que ejerce su razón mediante el uso de la fuerza.

“Yo me pongo en el lugar de un joven que está sentado en el cine mirando una de mis películas. Normalmente un joven está asustado de los problemas que genera el ser libre y tratar de sobrevivir, por lo que mis personajes le ayudan a darle ánimos, haciéndole ver que no es tan difícil. Sabe perfectamente que se trata de un personaje de ficción y que la vida no es así, pero durante unas horas ha podido soñar con ser como yo”.

Debemos reconocer ahora, muchos años después de ese triunfo, que Eastwood se comportó como un inmigrante a la inversa, de Estados Unidos (la tierra prometida) a Italia, cuna de emigrantes clandestinos. Era un revulsivo y un aliciente para aquellos italianos que esperaban con su viaje a América el paraíso que creían que nunca tendrían en su propio país. Pero Clint no quería renegar de ser americano, presumía de ello, pero tenía una espina clavada por haber tenido que ir a Europa a triunfar y, aún así, no reconocerle el triunfo en su propio país hasta muchos años después.

Con ustedes: Harry

Cuando “Harry, el sucio” era todavía

un proyecto de la Warner Bros. basdo en una historia de los esposos Fink, Frank Sinatra manifestó su deseo de interpretar el primer papel, para el cual reunía todos los requisitos, incluido el de parecido físico. Todo estaba a punto para ello hasta que un accidente en la mano le impidió comenzar el rodaje. Esa fue la mejor oportunidad que Eastwood tuvo para continuar con su marcha hacia la fama, especialmente porque la película estaría dirigida por su amigo Don Siegel.

La base del argumento era similar a “Por un puñado de dólares”, pero ahora “El hombre sin nombre” se movería en un ambiente urbano, bastante más confortable que las polvorientas llanuras de Arizona. Se cambiaba el polvo de la tierra por la suciedad de las calles de San Francisco, pero al menos nuestro Harry podía dormir en una cama confortable y no al abrigo de una carreta.

Ese inspector Callahan tampoco tenía miedo a la muerte, aunque evitaba con suma maestría que le llevaran al mundo de los difuntos y había cambiado su afición al whisky por una botella de Coca-cola y el Colt 45 por una Magnum. Seguía siendo violento y desagradable con los matones, aunque mostraba una moralidad por encima de sus compañeros de la ley. Su sentido de la justicia era directo y sencillo: el criminal es mejor que pague su culpa con una bala entre ceja y ceja, antes que enviarle a descansar a la cárcel.

Conocedor de la lentitud de la justicia y del poder del dinero para evadir responsabilidades, Callahan critica las decisiones judiciales, mucho más severas con los delincuentes pobres que con los ricos. También se enfrenta a los funcionarios del estado que se escudan detrás de sus lujosas mesas de despacho y no puede evitar darles un puñetazo para demostrarles que la justicia, la suya, les llega a ellos también.

“Harry, el sucio” se estrenó en diciembre de 1971 y fue un éxito de público inmediato.

Permaneció en las carteleras hasta finales de 1972 y logró recaudar 16 millones de dólares de beneficio, convirtiéndose así en la quinta película de mayor recaudación en ese año y la más taquillera de todas las que habían realizado entre Eastwood y Siegel.

Y como anteriormente, los críticos se volvieron a cebar contra ellos. Acusaron a Harry de fanfarrón, de pasar por encima de las leyes y de no alterarse lo más mínimo cuando tiene que matar a un delincuente. Sigue prefiriendo trabajar solo, en lugar de colaborar con la policía y es capaz de matar a varios delincuentes simultáneamente mientras se toma un perrito caliente. Con su traje negro desgastado y sus gafas de sol, se comporta como un ángel vengador que no pide permiso a los humanos para ejecutar sus sentencias. Nunca llora en los entierros, ni siente piedad cuando oye a los asesinos gritar de dolor por sus heridas.

Para el gran público, el mensaje de Harry era muy claro y dejaba en ridículo una vez más la capacidad de la ley para hacer justicia con imparcialidad. También queda claro la postura de muchos juristas y políticos por mantener los derechos de los delincuentes, poniéndoles a sus servicios médicos y psicólogos, mientras que nadie acude al entierro de las víctimas ni se preocupan de recaudar fondos para sus familias. En un momento de rabia, cuando le acusan de no respetar los derechos de los asesinos, Callahan dice que ese asesino nunca ha respetado los derechos de las personas a las cuales ha torturado, violado y matado. Si la ley no permite que un policía pueda tocar a un asesino, añade, es que la ley está loca.

Para los críticos, sin embargo, este mensaje no fue entendido y le acusaron de fascista, precisamente a una persona que estaba demandando que alguien se ocupara de las víctimas, especialmente en un país en el cual el índice de delincuencia había superado todas las previsiones.

“Harry, el fuerte” (Magnum force), estrenada en 1973, mostró a Harry Callahan con la misma forma heroica que antes, tratando ahora con delincuentes que habían aparecido en los titulares del mundo, lo mismo que había ocurrido anteriormente cuando “Harry, el sucio”. Pero, bajo la dirección de James Fargo la película consiguió el mismo reconocimiento mundial que en el original de Don Siegel.

Ahora estamos ante una película más íntima, mostrada con movimientos más lentos de la cámara, y tratando de dar un aspecto más humano a Harry Callahan. Nuevamente se rescata su peculiar sentido del humor y se le permite justificar su forma de atrapar delincuentes con cierta sorna, aunque nos parezca bastante sádica. En una escena con el alcalde que le increpa por ajusticiar in situ a los delincuentes, alega que cuando descubre a unos hombres desnudos violando en un callejón a una mujer, no puede comportarse como si fuera un miembro del Ejército de Salvación o un enfermero de la Cruz Roja.

Ahora tiene una casa más cómoda, mantiene mejores relaciones con sus compañeros y hasta le asignan a una novia guapa, aunque no vive con él por cuestiones morales. Ella no opina igual y le pregunta qué tiene que hacer una muchacha como ella para acostarse con él, a lo que le responde: llamar a la puerta.

Por unos motivos u otros, nuestro amigo Callahan ahora respeta las leyes y hasta se convierte en un defensor de ellas. No sabemos si fue un cambio lógico o, simplemente, que no quería seguir siendo criticado, pero ahora nuestro detective favorito tiene que hacer frente también a los representantes de la ley que se saltan las reglas.

El nuevo Hombre sin nombre

Podemos considerar que Eastwood tenía una gran capacidad para aprender rápidamente de sus errores. Había fracasado con “El seductor” y su siguiente personaje de Callahan era totalmente diferente o, quizá muy similar, a aquel que le había dado fama mundial. Quería potenciar aquellas cualidades que le había proporcionado fama y sabía que era precisamente su imagen de hombre violento con cierto sentido del humor lo que el público apreciaba en él.

Cuando le mostraron el argumento de la siguiente película, “Joe Kidd”, no dudó ni un momento en que esa era la línea que debería seguir. Volvía nuevamente al mundo del western, siempre junto a la frontera con México, y ahora tiene que pelear con un capataz americano que se dedica a estafar a los ciudadanos. Los mexicanos, en esta ocasión, no toleran esta situación y amenazan de muerte al juez que permite el expolio de sus tierras.

Joe Kidd tiene que rescatarle aún sabiendo que es culpable. En el transcurso del filme, Joe se dará cuenta que sus compatriotas están todos corrompidos y se pone al lado de los mexicanos para hacer justicia.

Aunque en esencia el argumento no parece marcar diferencias, las podemos encontrar en el abandono de la crueldad que caracterizaba a Sin nombre. Ahora Clint es mucho más amable, hasta con los delincuentes. Le encontramos relajado y elaborando notas de humor solamente cuando tiene que alabar algo o a alguien. Los críticos lo debieron entender así, puesto que ya dejaron de hablar de él como el actor que incitaba a la violencia y al ojo por ojo.

El filme estaba producido por su compañía Malpaso, quienes contrataron a un director que gozaba de tanto prestigio como el mismísimo John Ford, especialmente después del gran triunfo de “Los siete magníficos”. John Sturges quería convertir a Eastwood en una estrella similar a Steve McQueen y opinaba que en esencia eran iguales, puesto que su expresión, su modo de andar y hasta su individualismo les hacían parecer hermanos. Lo único que les separaba era el modo de ejercer la violencia en la pantalla de uno y otro.

Como el experimento les dio resultado, reincidieron con otra película ambientada en lugares y situaciones similares y en 1972 rodaron “Infierno de cobardes”, ahora dirigida nuevamente por el propio Eastwood quien trató de aportar a su personaje la misma rectitud moral que tenía Harry el sucio. Era como si el fantasma de Sin nombre flotase eternamente sobre sus pensamientos.

En este filme podemos recordar la maestría de Don Siegel y la belleza en los paisajes que mostraba Sergio Leone, demostrando así que el alumno comenzaba a aventajar a sus maestros.

La historia nos lleva de nuevo a un Eastwood convertido en defensor de un pequeño pueblo e instruyendo a sus habitantes en el manejo de las armas. Pero junto con ello les propone algunas extravagancias como pintar el pueblo de rojo y almacenar muchos litros de bebida. Su intención es convertir el pueblo en un infierno para que los bandidos renuncien a asaltarlo, pero sus habitantes no lo entienden así e intentan librarse de él.

Enfadado, decide abandonarles pero sus arrepentidos habitantes le ofrecen 500 dólares si les entrega la cabeza del jefe de los bandidos y él les responde que otros 500 por una oreja.

En el filme mantiene relaciones amorosas con Sarah (Verna Bloom), algo que poco a poco empezamos a ver frecuentemente en las películas de Clint, convertido ya en un héroe que es capaz de enamorarse y perder el sentido por una mujer. Después de una noche de amor, está lo suficientemente motivado como para rechazar rápidamente el asalto de la banda y para ello emplea una técnica hasta ahora desconocida en sus películas: un eficaz látigo que sirve para detener y colgar a los bandidos.

Las mujeres pudieron disfrutar de una escena erótica intensa con un Eastwood bañándose en una pequeña bañera, mientras un enano le restriega fuertemente la espalda. En ese momento entra la chica y le dispara justo entre las piernas, aunque el agua amortigua y desvía las balas, salvándole de la más denigrante mutilación que un hombre puede aguantar.

El propio Eastwood describió la película como una obra de moralidad y se corresponde con una exposición de los siete pecados capitales reflejados en las costumbres de ese pueblo. La historia, según su opinión, era sencilla, honesta y aportaba numerosas escenas de ternura.

El pueblecito de Lago se construyó en dieciocho días a orillas de las aguas azules del lago Mono, en Sierra Nevada, cerca del parque nacional de Yosemite en California. Los decorados no estaban envejecidos artificialmente y, por el contrario, mostraban a un pueblo recién construido en medio del desierto en donde sus habitantes intentaban asentarse definitivamente.

El rodaje se realizó en apenas seis semanas, y se rodó en una secuencia igual a la historia que se cuenta, destruyéndose el pueblo justo los dos últimos días de rodaje. Si algo salía mal, no había manera de volver a reconstruirlo. Pero la proverbial tacañería de Eastwood con el presupuesto (a fin de cuentas era su propio dinero lo que estaba en juego), logró que todo el equipo actuara muy responsablemente. Empleando la técnica de rodar previamente en vídeo, antes de realizar la toma definitiva, se ahorró miles de metros de caro celuloide.

Además, se habilitó una cabaña allí mismo para ir realizando el montaje, con lo cual consiguieron finalizar casi totalmente la película en ese corto espacio de seis semanas.

Estancamiento

En mayo de 1972 nace su hija Allison, en el momento en que estaba dirigiendo la película

“Infierno de cobardes”. Un poco después, en 1973, consiguió un gran éxito comercial con

“Harry, el fuerte”, situándose en la cima de las películas más taquilleras de los últimos años. Solamente en el plano artístico podemos considerar que Clint dio un paso atrás, especialmente con “Un botín de 500.000 dólares” y “Licencia para matar”, esta última nuevamente dirigida por él mismo.

En cada una de ellas procuraba poner un detalle que dejara bien claro sus cualidades como actor, en un intento de aproximarse a estrellas como Paul Newman o Robert Redford. Pero aunque sus películas fueron un rotundo éxito comercial, los críticos le exigían mejor calidad artística si quería seguir permaneciendo como un valor seguro.

Tampoco consiguió apenas reconocimiento por su labor como director en “Primavera en otoño”, un curioso experimento cinematográfico que tenía como principal protagonista a William Holden y a Kay Lenz, una conocida actriz de televisión. Se trataba de un cuento de amor entre un hombre maduro, divorciado y una joven de diecisiete años. La historia se inicia cuando Holden recoge a la chica en su coche para llevarla a Los Angeles, deteniéndose en su camino para recoger a un perro herido. Cuando se separan, ella reaparece al poco tiempo en su casa para pedirle una guitarra que se ha dejado olvidada en el coche, rogándole que la deje darse un baño y quedarse allí esa noche.

Escrita por Jo Heims, en un principio el papel de Holden estaba pensado para Eastwood, especialmente por el empeño que tenía de abandonar en ocasiones su papel de vaquero o justiciero. Pero en el último momento sintió miedo de hacer una sencilla historia de amor y prefirió quedarse detrás de las cámaras.

Eastwood maneja adecuadamente esta historia romántica, evitando el sentimentalismo exagerado. No obstante y teniendo en cuenta el guión original, era imposible dotarla de algún aliciente que no fuera el romance. Hay quien dice que el principal problema radicaba en la gran diferencia de edad entre los dos protagonistas, no deseando Clint hacer todavía papeles de hombre maduro enamorado de una jovencita, cuando apenas contaba 42 años.

Tampoco sentía una gran comprensión hacia los problemas de identidad de los jóvenes, sentimiento que quedaba bien reflejado en todas sus películas anteriores, en donde nos mostraba a los jóvenes como personas conflictivas o delincuentes.

Pero el mundo del cine estaba cambiando a pasos agigantados y una nueva generación de actores que apenas había superado los veinte años irrumpieron en el mercado. Junto a ello, las escenas de sexo se hicieron cada vez más atrevidas y ya era frecuente ver a las chicas luciendo sus pechos en numerosas escenas. En esa época, los problemas de la gente mayor empezaron a no tener interés para los espectadores, deseosos de saber cómo pensaban y se comportaban los jóvenes.

Por eso, las películas que siguieron a “Harry, el fuerte” y “Un botín de 500.000 dólares”, aportaban ya temas que interesaban a la juventud, evitando mostrar a los jóvenes como personas inexpertas o simplemente simpáticas, aunque ahora ya morían con la misma facilidad que los mayores. En “Harry, el fuerte” uno de los jóvenes se confiesa homosexual y le dice que son una generación que les ha tocado saber luchar y que lo hacen con el corazón, pero su poca experiencia les conduce generalmente a un fatal desenlace.

“Un botín...” no fue una película de éxito artístico, pero es un audaz experimento de Eastwood digno de tener en cuenta. El guión estaba escrito por Michael Cimino, quien también había colaborado en “Harry, el fuerte” y que gustó especialmente a Eastwood. Su compañero fue el por entonces joven de 25 años Jeff Bridges, quien hacía solamente tres años que trabajaba como actor.

La película es un claro ejemplo de eso que fue denominado como “el nuevo cine norteamericano”, con el cual pretendían mostrar los aspectos más relevantes de los ciudadanos, tanto en el trabajo, como en sus hogares, algo que ya era común en el cine europeo. La América retratada aquí por Cimino es tan irreal como un sueño y tan real como la vida cotidiana.

Cuando los dos personajes principales se ven obligados a abandonar su automóvil en un paraje aislado de gran belleza, emplean una barca para pasar el río como antes lo hicieron los viejos vaqueros.

Los habitantes de este paisaje son igualmente extraños y sorprendentes. Los dos hombres aceptan ser llevados en el coche de un personaje maníaco que guarda un hurón enjaulado en su asiento delantero y una jaula llena de conejos blancos que luego suelta para cazarlos con su escopeta. Otros personajes no menos increíbles son la hermosa joven que monta en motocicleta, la señora de la casa que gusta de mostrarse desnuda en su ventana y una pareja de ancianos que acumulan tarjetas de crédito.

Nosotros encontramos en esta película un detalle que ya percibimos en “La leyenda de la ciudad sin nombre” y “Dos mulas y una mujer”: nos referimos a la pérdida de protagonismo de Eastwood. Este desplazamiento le hace parecer más malhumorado, acostumbrado como estaba a dominar enteramente la pantalla. En “Un botín...” Clint está verdaderamente vivo cuando planea y lleva a cabo el robo; en ese momento es una figura dinámica y admirable, claramente más luminoso y más eficaz que cualquiera de los que le rodean. En el conjunto del filme, sin embargo, se muestra incapaz de mantener ese liderazgo y su personaje está desequilibrado, sin que consiga desplegar la resonancia emocional que había conseguido en sus anteriores películas.

“Lo que yo creo es que estaba tratando de realizar un paréntesis en mi carrera, una especie de testamento de mis cualidades personales. Empezaba a no tener mucho interés en seguir permitiendo que las películas girasen a mí alrededor y me era mucho más cómodo permanecer al margen y dar oportunidades a los otros actores. Bueno, con el paso de los años he demostrado que no estaba desacertado y gracias a ello he asumido menos riesgos y he logrado afianzarme como director y actor”.

Un nuevo rumbo

En ese momento de su vida Clint ya no deseaba experimentar y se acogió a las fórmulas más tradicionales de Hollywood, escogiendo una historia convencional. Se trataba de

“Licencia para matar”, basada en un best-seller publicado un año antes, y que suponía un intento de aprovecharse del gran éxito de la serie de James Bond. El problema fue que para lograr ciertas diferencias incluyó chistes, sexo y demasiada violencia.

El héroe era un profesor de arte en una universidad americana que muestra una pasión creciente por las obras de arte, no dudando en colaborar con organizaciones delictivas para apoderarse de las más importantes, aunque ello implique tener que matar. Sus grandes habilidades físicas y su conocimiento del mercado artístico, le hacen la persona más idónea para ese trabajo.

Para muchos, el nuevo personaje no es tan diferente a los anteriores y de nuevo le vemos matando con frialdad, empleando el mismo sentido del humor que ya había mostrado con

“Sin nombre”. También comparte el mismo desprecio por los dirigentes que había mostrado en Callahan y su misma insolencia, aunque ahora ni siquiera trata de justificar sus acciones violentas. Su personaje Jonathan es simplemente un asesino que vive confortablemente en nuestro mundo y su único aliciente es la codicia por acaparar obras de arte mediante el cómodo sistema del robo.

El guión trata de desviar esa imagen de bandido y nos lo quiere mostrar en ocasiones como un héroe, aunque es poco convincente ya que lo que vemos en realidad es que no siente ningún remordimiento cuando mata.

Eastwood siempre había insistido en realizar sus propias ideas en cuanto al personaje se refiere, pero en “Licencia para matar” no logra imponerse o ni siquiera lo intenta. Parece ser que quería hacer una película de espías con situaciones más reales, más auténticas que las de 007, y para eso estuvo tres semanas realizando los preparativos en el parque nacional de Yosemite. Era una decisión atrevida para un hombre que se metía a dirigir un género nuevo, aunque estaba convencido que podría dirigirse así mismo, después de que Don Siegel se negó a trabajar después de leer el guión.

Durante el rodaje ocurrió un hecho trágico, al perder la vida un alpinista llamado David Knowles mientras realizaba una arriesgada escena. La película se suspendió y estuvo a punto de hacerlo de una manera definitiva, pero sus familiares dijeron que debería terminarse como un tributo al especialista fallecido. Como resultado de ello, las escenas de alpinismo son sumamente impresionantes, especialmente cuando Eastwood y George Kennedy caminan por la cima de una montaña, con el desierto a sus pies. En ese momento el helicóptero que filmaba se retira y nos muestra la soledad de los personajes y su delicada situación.

Aunque los alpinistas profesionales podrían mofarse de estas escenas cuando las comparan con las técnicas reales, no hay ninguna duda de que son sumamente dramáticas y visualmente muy logradas.

Comercialmente, sin embargo, la película funcionó bien y consiguió mantener la popularidad de Eastwood como el segundo actor más taquillero de América durante 1974; solamente superado por Robert Redford, quien acababa de ganar un Oscar al mejor actor.

Las finanzas de Eastwood aumentaban día a día, pero ese aumento no iba parejo con sus logros artísticos, no representando ningún avance su personaje de Callahan. Por ello decidió volver de nuevo al género que le había proporcionado gran fama, el western, justo en una época en la cual nadie daba ya un duro por un tema considerado como extinto.

Incluso algunas grandes estrellas como Jack Nicholson, Marlon Brando, Paul Newman y John Wayne que habían realizado intentos similares, habían fracasado y eso que los pocos westerns que realizaron estaban entre los mejores del género.

El problema que tuvo Eastwood es que intentaba volver a utilizar las mismas fórmulas que habían triunfado anteriormente, los mismos esquemas, pero el público era ya diferente o al menos no estaba interesado en ver lo mismo que antes. El país estaba inmerso en una especie de desilusión nacional, sumamente dividido en la búsqueda de soluciones y había perdido toda la confianza en los políticos.

Toda la anterior carrera de Eastwood en el cine se había centrado en exponer situaciones y personajes artificiales y le era difícil conectar con los verdaderos problemas de la América actual. La violencia que Harry Callahan tenía que resolver en las calles de San Francisco era un espejo de esa América inconformista, y amenazaba con extenderse al resto del mundo. Los antagonistas más mortales de Harry son ahora veteranos del Vietnam a quienes la policía tiene que vigilar más que a los demás ciudadanos. Pero Callahan no ofrece ninguna solución a sus problemas, solamente les combate y detiene, algo que anteriormente hacía “Sin nombre”.

Su siguiente oportunidad le llegó mediante un libro que un tal Forrest le había enviado en 1976 a Malpaso. Ese autor era un medio indio Cherokee de 46 años, sin estudios académicos pero con gran habilidad para la poesía oral y narrar una historia. Alguien le había convencido para que publicase el primero de sus libros en una edición limitada a 75

copias. Ese libro fue leído primeramente por Robert Daley, quien quedó impresionado por la historia. Se trataba de un cuento épico, en el cual narraba la vida de una figura histórica que vivió en los años de la Guerra Civil americana.

Cuando la leyó Eastwood, adquirió inmediatamente los derechos para el cine, contratando a Philip Kaufman para que escribiera el guión.

“El fuera de la ley” estaría dirigida también por Eastwood, aunque también se vio obligado a intervenir en el guión para adecuarlo a sus pretensiones.

Su siguiente película fue “Ruta suicida”, con la cual pretendía lograr un gran éxito. En ella hace el papel de un camionero que prefiere como compañía a un orangután totalmente crecido llamado Clyde.

La ironía sutil de “Ruta suicida” no acaba de ser comprendida por el espectador, pero hay que recordar que fue la primera comedia sincera de Eastwood. Nadie en la productora Malpaso estaba de acuerdo con el proyecto, pero les recordó que eso mismo había pasado anteriormente con “Por un puñado de dólares”.

Los instintos de Eastwood demostraron ser correctos y “Ruta suicida” fue la película más taquillera de su filmografía, recaudando 52 millones de dólares. Cuando se estrenó en la Navidad de 1978 sólo “Supermán” con su serie espectacular de efectos especiales consiguió superarla.

Después vendría “Fuga de Alcatraz” en 1979, rodada en escenarios naturales de la Roca y San Francisco. Aquella prisión fue durante treinta años el lugar obligado de reclusión para los delincuentes más sanguinarios de América y presuntamente nadie podía escaparse de ella. Pero el 11 de junio de 1962 tres personas se escaparon y desaparecieron en las aguas heladas de la bahía sin que nadie supiera nunca nada más de ellos.

La película de Don Siegel no trata solamente de una fuga, sino que pone énfasis en la reforma penal y en la inhumana vida en las prisiones. El énfasis de la película no está en los tiroteos ni en la violencia, sino en lo que pasa por la mente de los presos que deciden escaparse.

Con el fin de proporcionar autenticidad, se invirtieron medio millón de dólares para restaurar la destrozada Alcatraz, en ese momento solamente visitada por los turistas. Como final, había que elegir a un actor que hablase poco y expresase mucho, siendo lógico que escogieran a Clint Eastwood, el más silencioso de los vaqueros que el cine había tenido.

A pesar del énfasis obligado en las escenas de la fuga, la película es un triunfo completo en el modo en que nos muestra cómo era la vida dentro de la prisión en aquellos años. El estudio que hacen sobre las alteraciones emocionales y mentales que produce el prolongado encarcelamiento, es mucho más importante que la fuga misma.

El New York Times reconoció que el talento de Eastwood cumplía sobradamente las demandas requeridas por su papel y que probablemente no hubiera podido ser interpretada con tanta perfección por ningún otro actor. Su personaje conseguía sobrepasar incluso a la magnitud de la misma prisión de Alcatraz.

La madurez

Eastwood tenía en ese momento 48 años y ya era un mito del cine, al que nadie quería ni podía apartar. Su próximo proyecto le llevada de nuevo a ponerse sus trajes de vaquero para representar la legendaria figura de Bronco Billy, un personaje entrañable del country americano. Nuevamente estaría acompañado por la actriz Sondra Locke, con la cual sabemos que mantuvo una larga relación amorosa hasta que ella decidió demandarle ante los tribunales y pedirle, ¡cómo no!, una gran indemnización.

El resto de su vida, entre los 48

años y los 68 años de edad, permanece totalmente ocultos para la prensa, al menos en su aspecto personal. Sabemos que vive con la actriz Frances Fisher, que tiene tres hijos llamados Alison, Kyle y Kimberly y que no desea volver a interpretar las mismas películas que dirige.

En 1985 dirigió un capítulo de la serie “Cuentos asombrosos” y como productor ha realizado “Monk Satright, No Chaser” (1988) y “The stars fell on Henrietta” (1995).

En 1992 logró el oscar al mejor director por “Sin perdón” y una nominación al Mejor Actor. En 1994 recibió el premio Irving Thalberg como productor y en 1988 consiguió el Globo de Oro al mejor director por el filme “Bird”.

En 1988 recibió en su pequeño pueblo de Carmel, del cual era alcalde, al Rey de España.

Una vez abandonado ese cargo político nunca más volvió a sentir interés por la política.

Entrevista a Clint Eastwood

- “Sin perdón” era un western realizado en una época en la cual nadie quería rodar una película similar, ¿por qué la hizo?.

- Bueno, yo estaba seguro que sería un éxito y el día del estreno me fui con mi familia al cine. Como espectador que soy, me daba cuenta que el público necesitaba nuevos héroes, como los de hace 30 años, cuando John Wayne triunfaba en las pantallas.

- Pero ahora no se puede hacer una película del Far-West en donde se critique a los indios...

- Ciertamente y por eso no se pueden incorporar todos los elementos tradicionales. Hay que resucitar solamente el honor, la valentía, la justicia y la amistad, sin olvidar tratar de comprender al forajido y las razones que le han llevado a delinquir.

- Hay quien dice que cuando rodó “Sin perdón” era usted demasiado mayor para ese tipo de película.

- No oculto mi edad, pero el argumento de esa película era muy adecuado para un hombre de mi edad. Era una historia nostálgica sobre una época irrepetible. Por eso escogí a Gene Hackman y Richard Harris, dos actores de mi generación.

- Su vida está plagada de enfrentamientos a quienes dicen lo que hay que rodar.

- Siempre me ha gustado demostrar a los señores de marketing que se pueden equivocar.

Cuando me fui a Europa a rodar cine del oeste triunfé, lo mismo que con mi personaje de Harry Callahan o con “Los puentes de Madison”.

- Solamente fracasó como político.

- No fue un fracaso porque yo trabajé de buena fe por ese pueblo. No quería publicidad ni reconocimiento y aunque luego me pidieron que me presentara a gobernador decidí abandonar la política. Es un mundo en el cual la gente pone demasiadas zancadillas.

- ¿Es cierto que pegaba a Sondra Locke?.

- Fue una gran decepción esa mujer, si todas son como ellas prefiero la soledad. Cuando la conocí era una mujer solitaria, pobre y desconocida en el cine. Posteriormente solamente buscaba quedarse con la mayor parte de mi dinero. Afortunadamente he vuelto a recuperar mi ilusión por las mujeres cuando conocí a Frances Fhiser.

- ¿Por qué incorporó a Kevin Costner en la película “Un mundo perfecto?.

- Tenía muy buenas referencias de él y me recordaba bastante a Steve McQueen. Nos vimos por primera vez unos meses antes del rodaje y ese mismo día me di cuenta que no tendría ningún problema en trabajar con él.

- ¿Cómo llegó a decidirse por interpretar “Los puentes de Madison?.

- Ese proyecto había pasado ya por muchas manos y el candidato más firme como director era Sidney Pollack. También estaban interesados en ello Steven Spielberg y Robert Redford, lo que le hacía aún más interesante.

- ¿Y la elección de Meryl Streep?...

- Tenía que ser una actriz de mucho prestigio a quien no le importase envejecer con el maquillaje. También le pedí que engordase algunos kilos.

- ¿Está satisfecho con los resultados?.

- Yo quería mostrar la vida de dos personas solitarias que nunca encontraron su sitio en la sociedad y que ahora, a punto de entrar en la vejez, conocen a una persona que puede dar sentido al resto de sus vidas. Por desgracia, ambos están demasiado ligados a su vida actual como para comenzar una nueva vida juntos.

FILMOGRAFÍA

REVENGE OF THE CREATURE

Revenge of the Creature (1955)

Ciencia Ficción/Horror

82 minutos

Blanco y negro

Director: Jack Arnold

Intérpretes:

JOHN AGAR

LORI NELSON

JOHN BROMFIELD

NESTOR PAIVA

ROBERT B. WILLIAMS

“La mujer y el monstruo” fue un

extraordinario éxito en todo el mundo y confirmó la gran habilidad de Jack Arnold para realizar películas de bajo presupuesto. En ella el personaje principal, la criatura, cae bajo las balas de uno de los aventureros y se sumerge en las profundidades de la laguna negra del Amazonas, llevándose el secreto de su existencia con él. Su fallo fue enamorarse de la guapa Julie Adams.

La continuación de ese gran éxito, destruye mucho del misterio de esa película y nos trata de proporcionar todos los detalles que nunca debimos saber. Ahora nuestro monstruo ha conseguido sobrevivir, pero para su desgracia nuevamente el ser humano quiere amargarle la existencia obligándole a que salga de su ambiente donde ha vivido desde la prehistoria.

Una vez capturado, le llevan hasta un acuario gigantesco para mostrarle a los turistas día y noche a cambio de un dólar. Su orgullo dolorido le hace revolverse contra sus carceleros y organiza una matanza para poder volver a su tierra.

Filmada originalmente en 3-D, no consiguió llegar a la mayoría de los mercados mundiales, por causas desconocidas. Clint Eastwood realiza su primer papel en la pantalla como un técnico del laboratorio.

FRANCIS EN LA MARINA

Francis in the Navy (1955)

Guerra/Comedia

80 minutos

Productor: Stanley Rubin

Director: Arthur Lubin

Guión: Devery Freeman

Basado en el personaje Francis creado por David Stern

Fotografía: Carl Guthrie

Director musical: Joseph Gershenson

Vestuario: Rosemary Odell

Intérpretes:

DONALD OĆONNOR: Teniente Peter Stirling Slicker Donovan

MARTHA HYER: Betsy Donovan

RICHARD ERDMAN: Murphy

JIM BACKUS: Comandante Hutch

CLINT EASTWOOD: Jonesy

DAVID JANSSEN: Teniente Anders

LEIGH SNOWDEN: Appleby

JANE HOWARD: Dependiente

VIRGINIA O´BRIEN: Niñera Kittredge

En esta su última intervención en la popular serie, O’Connor interpreta un doble papel.

Realizada para gloria exclusiva de la mula Francis, quien solamente necesitaba un poco de pienso para actuar correctamente, debemos juzgarla teniendo en cuenta el público a quien iba dirigida. Quienes, como yo, hemos visto todas las aventuras de Francis en las sesiones matinales de los sábados por las mañanas, no podemos olvidar las enormes carcajadas que los cientos de niños asistentes lanzaban con las ocurrencias de O’Connor y su mula.

Cualquier otra cuestión de calidad, está fuera de contexto.

Donald O’Connor era un gran bailarín y un buen comediante, pero que poco a poco desapareció de las carteleras mundiales después de haber cosechado un gran éxito con

“Cantando bajo la lluvia” y “Llámeme señora”. Respecto a Eastwood, si consideramos que era su segunda película, hasta podríamos felicitarle por su corta intervención.

LADY GODIVA

Lady Godiva (1955)

Drama

89 minutos

Color

Director: Arthur Lubin

Intérpretes:

MAUREEN O’HARA

GEORGE NADER

VICTOR McLAGLEN

TORIN THATCHER

ROBERT WARWICK

CLINT EASTWOOD

Nadie dudó en el momento de su estreno, que el

mayor reclamo publicitario estaba en ver cómo se las habían arreglado los técnicos para mostrar a Maureen O’Hara desnuda sin que se la viera absolutamente nada. Como ya saben los amantes de las leyendas medievales, la señora Godiva era una aristócrata que para atraer la atención sobre unos problemas sociales, se le ocurrió la idea de pasear desnuda a lomos de su caballo por las calles del pueblo. Sus habitantes, conmovidos por este gesto, decidieron cerrar las ventanas a cal y canto para que nadie la viera durante su desfile. Pero era lógico que los espectadores quisieran ver a la guapa chica desnuda y lo hubieran logrado sino fuera por la gran peluca rubia que nuestra pelirroja actriz lució.

Salvo un par de relucientes pies, no mostró ni un centímetro más de anatomía. Veinte años después y para consuelo de aquella generación, los ingleses realizaron la auténtica versión, con una esplendorosa actriz vestida con el más deslumbrante traje de Eva.

Localizar a Clint Eastwood en esta película es tarea difícil, pero es posible que se esconda bajo el nombre de Saxon.

TARÁNTULA

Tarantula (1955)

Ciencia Ficción

80 minutos

Color

Productor: William Alland

Director: Jack Arnold

Guión: Robert M. Fresco y Martin Berkeley

Basado en la historia de: Arnold

Fotografía: George Robinson

Director musical: Joseph Gershenson

Compositor: Henry Mancini

Efectos especiales: Clifford Stine y David S. Horsley

Vestuario: Jay A. Morley Jr.

Intérpretes:

JOHN AGAR: Dr. Matt Hastings

MARA CORDAY: Stephanie Clayton

LEO G. CARROLL: Prof. Gerald Deemer

NESTOR PAIVA: Sheriff Jack Andrews

ROSS ELLIOTT: Joe Burch

EDWIN RAND: Teniente John Nolan

RAYMOND BAILEY: Townsend

CLINT EASTWOOD: Piloto

HANK PATTERSON: Josh

JANE HOWARD: Secretaria Coeducativa

BILLY WAYNE: Murphy

Nuevamente Jack Arnold nos demuestra dos cosas: que las películas de ciencia-ficción pueden realizarse con absoluta seriedad, y que no se necesita obligatoriamente grandes presupuestos para entusiasmar al público.

El argumento nos habla de unos científicos que empeñados en mejorar a la humanidad, logran encontrar una fórmula para aumentar de tamaño a los animales. Pero en lugar de generar pollos gigantes solamente consiguen mutar a una araña, transformándola en un gigantesco depredador.

Películas similares las hubo con “La humanidad en peligro” y “El alimento de los dioses”, y como en las dos anteriores los directores contaron con pocos medios económicos y mucha imaginación. El resultado es sumamente válido y para algunos ya es un clásico del cine de fantasía.

A Clint Eastwood le vemos como el líder del escuadrón que dará muerte a la araña al final de la película.

ZAFARRANCHO DE COMBATE

Away All Boats (1956)

Bélica

114 minutos

Color

VistaVision.

Productor: Howard Christie

Director: Joseph Pevney

Guión: Ted Sherdeman

Basado en la novela “Away All Boats” de: Kenneth M. Dodson Fotografía: William Daniels

Compositor: Frank Skinner

Intérpretes:

JEFF CHANDLER: Capitán Jeb Hawks

GEORGE NADER: Teniente Dave MacDougall

JULIE ADAMS: Nadine MacDougall

LEX BARKER: Comandante Quigley

CLINT EASTWOOD: Enfermero

El estricto capitán Hawks (Chandler), nos demuestra con su gran categoría como luchador, que es capaz de dirigir acertadamente a una tripulación inexperta durante la Segunda Guerra Mundial y conseguir que ataquen al buque transporte Belinda. Una buena y excitante historia, inspirada en una acción real que tuvo lugar en la Batalla del Pacífico. Busquen rápidamente a Clint Eastwood como un enfermero.

Como sabemos, Jeff Chandler murió el 17 de junio de 1961 cuando contaba 42 años, a causa de una simple operación de columna. Lo desafortunado de esa intervención produjo no pocos problemas al equipo médico que le intervino con tan poca pericia.

THE FIRST TRAVELING SALESLADY

The First Traveling Saleslady (1956)

Comedia

92 minutos

Color

Director: Arthur Lubin

Intérpretes:

GINGER ROGERS

BARRY NELSON

CAROL CHANNING

DAVID BRIAN

JAMES ARNESS

CLINT EASTWOOD

Ginger Rogers, ya decidida a no volver a trabajar con Fred Astaire y lograr un puesto como actriz de comedia, se mezcla con Carol Channing para intentar elevar la categoría de esta insulsa comedia. En ella hace el trabajo de una vendedora, unida a un grupo de chicas del lejano Oeste, que en vista de su escaso éxito, deciden emplear otros métodos más sugestivos. Carol y Clint logran hacer una de las parejas del cine peor avenidas.

HOY COMO AYER

Never Say Goodbye (1956)

Drama

96 minutos

Color

Productor: Albert J. Cohen

Director: Jerry Hopper y Douglas Sirk

Guión: Charles Hoffman

Basado en el guión de: Bruce Manning, John Klorer y Leonard Lee, de la obra “Come Prima Meglio De Prima” de: Luigi Pirandello

Fotografía: Maury Gertsman

Director musical: Joseph Gershenson

Compositor: Frank Skinner

Vestuario: Bill Thomas

Intérpretes:

ROCK HUDSON: Dr. Michael Parker

CORNELL BORCHERS: Lisa Gosting / Dorian Kent

GEORGE SANDERS: Victor

RAY COLLINS: Dr. Bailey

DAVID JANSSEN: Dave Heller

SHELLEY FABARES: Suzy Parker

HELEN WALLACE: Miss Tucker

JOHN WENGRAF: Prof. Zimmelman

CLINT EASTWOOD: Will

Cuando pidan esta película en su vídeoclub, no se confundan con otra del mismo título obra de los hermanos Ozores; si lo hacen a buen seguro maldecirán su torpeza. Y no es que esta producción americana sea extraordinaria, pero al menos podrán disfrutar con la presencia de un acertado Rock Hudson, además de unos secundarios tan correctos como George Sanders y David Janssen, este último el popular “fugitivo”.

El argumento se centra en las desavenencias de un matrimonio sumamente celoso, en el cual sus momentos de felicidad son mínimos. Clint hace el papel de un ayudante de laboratorio.

Remake de “This love of ours” de 1945, protagonizada por Merle Oberon.

STAR IN THE DUST

Star in the Dust (1956)

Western

80 minutos

Color

Director: Charles Haas

Intérpretes:

JOHN AGAR

MAMIE VAN DOREN

RICHARD BOONE

LEIF ERICKSON

COLEEN GRAY

JAMES GLEASON

CLINT EASTWOOD

Que la guapa y bien dotada Mamie Van Doren protagonice un filme le pone inmediatamente bajo sospecha. En esta ocasión los resultados no fueron tan desastrosos y nos encontramos con un acertado thriller en el cual el sheriff tiene que hacer frente a los caciques para conseguir mantener la ley y le orden.

A descubrir un joven Eastwood como uno de los obreros del rancho.

ESCAPADA EN JAPON

Escapade in Japan (1957)

Aventura

93 minutos

Color

Technirama.

Director: Arthur Lubin

Intérpretes:

CAMERON MITCHELL

TERESA WRIGHT

JOHN PROVOST

ROGER NAKAGAWA

PHILIP OBER

CLINT EASTWOOD: Dumbo

Dos niños, uno americano y otro japonés, deciden escaparse de sus casas para tratar de encontrar a los padres de uno de ellos que viven en el Japón. Nuestro recordado Manolito de la serie “Bonanza”, viaja a las bellas tierras niponas en busca de estos traviesos niños para mostrarnos de lo que es capaz un director para aburrirnos.

Podemos encontrar a Clint Eastwood en el papel de un mecánico de automóviles.

AMBUSH AT CIMARRON PASS

Ambush at Cimarron Pass (1958)

Western

73 minutos

Blanco y negro

Regalscope

Director: Jodie Copelan

Intérpretes:

SCOTT BRADYS

MARGIA DEAN

CLINT EASTWOOD

BAYNES BARRON

WILLIAM VAUGHN

Ningún actor conocido en esta historia de vaqueros delincuentes y soldados que intentan evitar la llegada de armas para los indios. Mientras unos alegan que los indios necesitan armas para cazar y protegerse de los bandidos, otros insisten en que se está armando solamente a los violentos.

La historia nos relata algunas circunstancias que se dieron en la posguerra civil americana, mientras que Eastwood representa a un tradicional yankee.

LA ESCUADRILLA LAFAYETTE

Lafayette Escadrille (1958)

Guerra/Romance

93 minutos

Blanco y negro

Productor: William A. Wellman

Director: William A. Wellman

Guión: A.S. Fleischman

Basado en la historia “C'est La Guerre” de: Wellman

Fotografía: William Clothier

Compositor: Leonard Rosenman

Vestuario: Marjorie Best

Intérpretes:

TAB HUNTER: Thad Walker

ETCHIKA CHOUREAU: Renee Beaulieu

JODY McCREA: Tom Hitchcock

DENNIS DEVINE: Red Scanlon

MARCEL DALIO: Drillmaster

DAVID JANSSEN: "Duke" Sinclaire

CLINT EASTWOOD: George Moseley

Intento europeo para realizar un drama bélico sobre la famosa escuadrilla aérea de la Legión francesa que tantos honores cosechó durante la Segunda Guerra Mundial. En el medio, una historia de amor entre uno de los pilotos (Hunter) y una guapa francesita.

Primera vez que Eastwood logra que pongan su nombre en las carteleras.

POR UN PUÑADO DE DOLARES

A Fistful of Dollars (1964)

Italia

Western

96 minutos

Color

Techniscope.

Productor: Arrigo Colombo y Giorgio Papi

Director: Sergio Leone

Guión: Sergio Leone, Duccio Tessari, Victor A. Catena y G. Schock Basado en el filme “Yojimbo” de: Akira Kurosawa

Fotografía: Massimo Dallamano

Compositor: Ennio Morricone

Intérpretes:

CLINT EASTWOOD: El Hombre sin Nombre

MARIANNE KOCH: Marisol

GIAN MARIA VOLONTÉ: Ramón Rojo

JOSE CALVO: Silvanito

WOLFGANG LUKSCHY: John Baxter

SIEGHARDT RUPP: Esteban Rojo

ANTONIO PRIETO: Benito Rojo

Como si no fuera posible elaborar un guión digno, los italianos cogen la historia japonesa titulada “Yojimbo”, con la cual se realizó una película de cierto prestigio, e inventándose el “spaghetti Western”, consiguen cuatro cosas: lanzar como estrella internacional a Eastwood, promocionar a su director Sergio Leone, convertir en mito al compositor Ennio Morricone, y lograr que les pongan un pleito por plagio.

Clint interpreta su primer papel importante en la figura de “El hombre sin nombre”, un lacónico y duro pistolero que logra mantener a raya a una familia de delincuentes que asolan un pequeño pueblo fronterizo. Divertida, violenta, y en ocasiones elegante, supuso un suceso aún hoy inexplicable, tanto que los norteamericanos no se atrevieron a exhibirla hasta tres años después.

La película empieza como tantos otros westerns tradicionales de Hollywood, con un extranjero que llega a caballo a un pueblo. En esta ocasión no hay nadie que le persiga y solamente deja atrás una árida pradera y algunas montañas comidas por el sol.

El pueblo en el que entra es San Miguel, apenas diferente de otros muchos del viejo oeste.

A la entrada hay un poste indicador junto a un árbol de cuya rama principal pende un lazo para ahorcar, dejando bien claro lo que se puede esperar en ese lugar. Nuestro héroe es alto y parece fuerte, por lo que no se siente intimidado por ese aviso, quizá porque el peligro es él mismo. Con su cara sin rasurar y su ropa polvorienta, parece que ha recorrido mucho camino en ese desierto, aunque su montura, una especie de mula, no es el medio más adecuado para grandes cabalgadas.

Todo el ambiente presagia peligro, incluso el paisaje. Al fondo se ven unas viudas con sus negros trajes, mientras que una guapa mujer sale para ver de cerca al forastero, y alguien se dedica a enterrar a un vaquero que lleva un letrero que dice: “Adiós, amigo”. Al poco tiempo, todo el pueblo mira al extraño, especialmente cuando ven que hace un gesto de cortesía con su sombrero hacia el cadáver. Los habitantes del pueblo respiran aliviados; alguien que siente respeto por los muertos no debe ser mala persona.

Cuando llega a la taberna de San Miguel, le informan que el pueblo está dividido entre dos bandas rivales: Los Baxters, dirigidos por el alguacil, y Los Rojos, por Don Miguel Rojo. Su rivalidad es intensa y asesina, y Don Miguel está contratando a pistoleros a sueldo. Cuando le comunican a Don Miguel la llegada de ese vaquero, le piden que se una a ellos. Por toda respuesta escupe al suelo un trozo de su cigarro y les aclara que no trabaja barato.

Su estilo es frío, cansado y recalca que no regala nada, ni siquiera su tiempo. Sin esperar una contestación, se vuelve y camina lentamente atrás hacia el lugar en que ha dejado a su mula. Ahora se dirige al sepulturero y le dice que prepare tres ataúdes.

En el primer encuentro con los bandidos las burlas hacia su mula son generalizadas. El

“hombre sin nombre” les advierte que esas bromas quizá no sean bien entendidas por su mula y que el animal puede enfadarse porque no le gustan que se rían en su presencia, mucho menos de ella. Por eso les pide que se disculpen y que la expliquen que no querían burlarse.

Los bandidos se quedan estupefactos ante esa manifestación de osadía, pero antes de que tengan tiempo de sacar sus pistolas los cuatro caen muertos al suelo.

Cuando vuelve al pueblo a reclamar la recompensa, el aguacil no encuentra razonable darle tanto dinero por una acción tan rápida. Después de insistir levemente y antes de que el representante de la ley le pueda matar, saca su revólver de nuevo y le mata. Cuando le ve en el suelo solamente dice: Mi error fue encargar solamente cuatro ataúdes.

No hay ningún sentimiento, ni siquiera remordimiento, expresando con sus palabras que solamente es un profesional que ha cumplido su trabajo en un mundo vicioso y corrompido.

Pues esta aptitud, en un personaje mal vestido, en un ambiente mugriento y con un realismo tan despiadado, no fue adecuadamente entendida por los moralistas de Hollywood, quienes esperaban de nuevo el clásico duelo entre los forajidos y el bueno, como si fuera Gary Cooper sólo ante el peligro. La justicia, impartida de esa manera tan rápida, no les gustaba.

Pero el realismo brutal del héroe es sólo un elemento en la forma de describir Leone el Western. El diálogo tan esquemático cuando Eastwood trata de hacerse entender en voz baja, y la charla satírica entre él y el bandido jefe, no son desde luego modos habituales en una película del Far-West. La dirección, lánguida y entrecortada, usando escenas rápidas y puntos de vista muy altos, especialmente en los momentos de tensión, casi suponen una burla al estilo tan discreto de Hollywood. La tecnología de Leone pretende desconcertar al espectador y obligarle a vibrar en sus asientos por lo inverosímil de las escenas.

Las secuencias de violencia son sumamente rápidas, aunque afortunadamente se contaba con un actor como Eastwood que era capaz de disparar un tiro en menos de un segundo sin trucos de cámara o montaje. Los sonidos de los disparos también fueron modificados y debidamente amplificados para lograr que tuvieran también un gran protagonismo. Este sistema generaba un aumento de la tensión e incluso hacen pensar que suenan con tanta ironía como las voces de los protagonistas. De todas maneras, para muchos críticos, el auténtico protagonista de los filmes de Leone es la maravillosa música de Ennio Morricone.

LA MUERTE TENIA UN PRECIO

For a Few Dollars More (1965)

Italia

Western

130 minutos

Color

Techniscope.

Productor: Alberto Grimaldi

Director: Sergio Leone

Guión: Luciano Vincenzoni y Sergio Leone

Basado en la historia de: Leone y Fulvio Morsella

Fotografía: Massimo Dallamano

Director musical: Bruno Nicolai

Compositor: Ennio Morricone

Vestuario: Carlo Simi

Intérpretes:

CLINT EASTWOOD: El Hombre sin Nombre

LEE VAN CLEEF: Coronel Douglas Mortimer

GIAN MARIA VOLONTE: Indio

JOSÉ EGGER: Hombre Viejo encima de la Vía férrea

ROSEMARIE DEXTER: La Hermana del Coronel

MARA KRUP: la Esposa del Gerente del Hotel

KLAUS KINSKI: Hunchback

Exitosa y perfeccionada continuación de “Por un puñado de dólares”, en la cual dos pistoleros forman una alianza para intentar cazar al bandido conocido como Indio (Volonté), aunque cada uno lo hará por motivos diferentes. Al igual que en su predecesora, “La muerte tenía un precio” proporciona diversión al espectador y asombro a los críticos, especialmente en esa escena en la cual Lee Van Cleff enciende un fósforo en la parte de atrás del cuello de Kinski. Se estrenó en Estados Unidos también con dos años de retraso.

La historia nos muestra a Indio, un personaje que ha escapado recientemente de dos cazadores de recompensas. Por eso, ellos solamente pueden recobrar el prestigio que han perdido con esta fuga impidiendo que robe el banco El Paso, el banco más inexpugnable en el territorio.

Cuando ellos descubren a los hombres de indio en la puerta del banco, comprenden que están en lo cierto. Deciden entonces dividir sus esfuerzos y cercar a la banda adentro y fuera. Cuando llega el momento del robo, el “Hombre sin nombre” se da cuenta que necesita la ayuda de otros representantes de la ley para detenerles, pero cuando consigue esa colaboración el robo se ha efectuado. El Coronel Mortimer sugiere entonces que el

“Hombre sin nombre” persuada a Indio para que coja el dinero robado contenido en un lugar escondido, justo donde el Coronel le tenderá una emboscada. Pero ninguno de los dos contaba con la habilidad de indio, quien decide entrar en el pueblo Agua Caliente por un lugar diferente. Aún así, cuando llega hasta donde está el dinero, Mortimer le está esperando.

Él convence a Indio que la caja fuerte solamente se puede abrir con una llave que usa un taladro de metal y un ácido que él fabrica. Esa noche Mortimer y Sin Nombre intentan robarlo pero son descubiertos por la banda, aunque logran huir. Indio envía después a sus hombres, convencido que apenas habrá supervivientes en esa batalla y así podrá quedarse entonces con todo el dinero.

Mortimer y Sin Nombre, entretanto, han matado al resto de la banda y vuelven para matar a Indio. Mortimer confiesa en ese momento el motivo para perseguir al bandolero: Indio violó a su hermana y mató a su marido, suicidándose ella posteriormente por el dolor. Pero Indio tiene éxito y desarma a Mortimer, aunque llega Sin Nombre para corregir esa desigualdad. El duelo lo gana el Coronel y da la mitad del premio a Sin Nombre.

EL BUENO, EL FEO Y EL MALO

The Good, the Bad, and the Ugly (1966)

Italia- España

Western

161 minutos

Color

Techniscope

Productor: Alberto Grimaldi

Director: Sergio Leone

Guión: Luciano Vincenzoni y Sergio Leone

Basado en la historia de: Agenore Incrocci, Furio Scarpelli, Vincenzoni y Leone Fotografía: Tonino Delli Colli

Director musical: Bruno Nicolai

Compositor: Ennio Morricone

Vestuario: Carlo Simi

Intérpretes:

CLINT EASTWOOD: Joe

ELI WALLACH: Tuco

LEE VAN CLEEF: Setenza

ALDO GIUFFRE

CHELO ALONSO

MARIO BREGA

Final de la trilogía de Sergio Leone, y para muchos la mejor de todas. Supuso la fortuna para Eastwood y el reconocimiento como un actor de prestigio en el mundo entero.

Paralelamente, fue acusado por los críticos de violento y de incitar a la violencia a la juventud.

La historia está ambientada ahora en la época de la Guerra Civil Americana.

La historia de “El Bueno, El Feo y El Malo” es mucho más simple que las anteriores y nos habla de los esfuerzos de tres vaqueros, Joe (Clint Eastwood, el Bueno), Tuco (Eli Wallach, el Feo), y Setenza (Lee Van Cleef, el Malo), para encontrar una fortuna escondida en una tumba por un hombre llamado Bill Carson. Joe es conocido como “El hombre sin nombre”, silencioso pero sumamente seguro de sí mismo, aunque Tuco prefiere llamarle “Rubio”, obviamente por su color de pelo. Tuco es el renegado bandolero mejicano, lujurioso y malvado, que tiene puesto precio a su cabeza.

Joe y Tuco deciden dedicarse a caza-recompensas para ganar algún dinero y planean que Joe simule capturarle, cobrar la recompensa y luego evadirse ambos con el dinero. Todo sale bien y cuando le ponen una soga al cuello de Tuco para colgarle, Joe toma su escopeta con mira telescópica desde una gran distancia, se prepara lentamente y dispara a la soga permitiendo que el bandido se escape. Después, cuando se reúnen, se reparten el dinero.

Pero esta es una mala alianza, especialmente porque Tuco estuvo a punto de morir estrangulado por la tardanza de Joe en disparar. El rencor entre ambos crece hasta que deciden realizar la misma operación en otro pueblo. Tuco está de acuerdo pero pide más dinero, puesto que es él quien debe soportar la presión de la soga. Joe escucha su punto de vista y le responde que, "pero yo soy el que hace el disparo".

En el futuro, es Tuco quien come y bebe bien, mientras que arrastra a Joe a pie a través del desierto. Ambos llegan a un carro abandonado y allí encuentran a Bill Carson, el hombre que estaban intentando encontrar, pero está tan moribundo que solamente tiene tiempo de explicar dónde se encuentra el oro. Tuco oye solo la mitad del secreto y Joe la otra mitad, por lo que no les queda más remedio que seguir juntos para encontrar el oro.

Poco después son capturados por el Ejército de la Unión y son torturados brutalmente por Setenza que se ha hecho un sargento del Ejército con la esperanza de encontrar el oro.

Pronto, los tres deciden formar una alianza para buscar el oro y sus andanzas les llevan a un cementerio gigante. Allí tiene lugar una pelea muriendo Setenza, mientras que Joe atrapa a Tuco para colgarlo inmediatamente de un árbol, aunque posteriormente se apiada de él y le suelta.

Mucha más compleja que las dos anteriores películas de Leone, para muchos es su obra maestra. Sintetizando adecuadamente la narrativa, el estilo y el equilibrio entre seriedad y humor, “El Bueno, El feo y El Malo” es una correcta muestra del western mundial que no ha perdido vigencia con el paso de los años.

La guerra al principio forma parte de la historia sin apenas justificación, hasta que muy avanzada la película se incorpora decididamente al argumento y podemos ver una estupenda secuencia de una batalla. El equilibrio entre la violencia de los dos protagonistas, Joe y Tuco, logra disimular el aumento de las escenas desagradables, gracias a la mayor dosis de humanidad de “Sin nombre”.

Una de las escenas más importantes es cuando se organiza una orquesta con los músicos prisioneros de la Confederación y tocan una bella melodía, obra de Morricone, que amortigua el ruido de Setenza cuando tortura a sus prisioneros. Este efecto parece ser que está sacado de las mismas prácticas que se efectuaban en los campos nazis durante la Segunda Guerra Mundial.

Con un presupuesto mucho mayor que las anteriores, la mayoría del cual se lo repartieron Clint, Cleef y Leone, el filme logra estar emparejado perfectamente con las mejores películas del cine norteamericano.

LA JUNGLA HUMANA

Coogan's Bluff (1968)

Western/Crimen

100 minutos

Color

Productor: Don Siegel

Director: Don Siegel

Guión: Herman Miller, Dean Riesner y Howard Rodman

Basado en la historia de: Herman Miller

Fotografía: Bud Thackery

Compositor: Lalo Schifrin

Vestuario: Helen Colvig

Intérpretes:

CLINT EASTWOOD: Coogan

LEE J. COBB: Sheriff McElroy

SUSAN CLARK: Julie

TISHA STERLING: Linny Raven

DON STROUD: Ringerman

BETTY FIELD: Señora Ringerman

TOM TULLY: Sheriff McCrea

Un representante de la ley de Arizona llega a Nueva York

para explicar a la policía sus métodos para encontrar a un delincuente peligroso. Inspirada en el personaje de televisión “McCloud”, Siegel consigue que el espectador empiece a sentir lástima por un curtido Clint criticado y menospreciado por los policías de la gran ciudad.

La historia comienza cuando el sheriff Coogan captura a un indio en tierras de Arizona, y lo esposa a la barra de un porche, mientras él se va dentro para hacer el amor a una amiga casada cuyo marido está lejos en ese momento. Cuando termina se mete placenteramente en la bañera, justo cuando llega su jefe y le increpa por dejar fuera al prisionero como si fuera un animal. El castigo que le impone por actuar de manera tan negligente e inhumana es que se vaya a Nueva York para sacar a un prisionero de la cárcel y traerlo hasta allí, un trabajo que normalmente nadie quiere realizar. El prisionero se llama James (Don Stroud), y cuando Coogan llega a su destino se da cuenta que las cosas no van a ser ni tan fáciles, ni tan aburridas como pensaba. Por de pronto, su estilo de vestir que en Arizona es correcto, en Nueva York llama la atención y es objeto de burla.

Nada más llegar, es víctima de una estafa por parte de un taxista, y cuando llega a la comisaría le indican que el detenido está ingresado en un hospital por sobredosis de LSD.

Le entregarán al prisionero cuando se celebre el juicio, por lo que Coogan tendrá que quedarse unos días en la ciudad.

En la misma comisaría Coogan descubre a Julie Roth (Susan Clark), una guapa asistente social. Un cliente masculino con el que ella está hablando se toma ciertas libertades y le amenaza con represalias en el futuro. Pero Julie está dispuesta a ser liberal y tolerante, y le advierte que nada de lo que le diga la va asustar u ofenderse. A Coogan, esta manera de comportarse le gusta y la invita a almorzar con él, lo que resulta todo un acierto puesto que después terminan compartiendo el mismo piso, para compartir gastos, dicen.

COMETIERON DOS ERRORES

Hang 'em High (1968)

Western

114 minutos

Color

Productor: Leonard Freeman

Director: Ted Post

Guión: Leonard Freeman y Mel Goldberg

Fotografía: Leonard South y Richard H. Kline

Director musical: John Caper Jr.

Compositor: Dominic Frontiere

Vestuario: Gene Murray y Glenn Wright

Intérpretes:

CLINT EASTWOOD: Jed Cooper

INGER STEVENS: Rachel

ED BEGLEY: Capitán Wilson

PAT HINGLE: Judge Adam Fenton

ARLENE GOLONKA: Jennifer

JAMES MacARTHUR: el Predicador

BRUCE DERN: Miller

ALAN HALE JR.: Stone

DENNIS HOPPER: El Profeta

BEN JOHNSON: Sheriff Dave Bliss

BOB STEELE: Jenkins

Con un intento claro de volver a relanzar el clásico Western americano, Eastwood vuelve a interpretar a un sufrido vaquero que logra sobrevivir a su ahorcamiento, mientras jura venganza hacia los nueve hombres que lo lincharon. Con un reparto de secundarios del cual solamente podemos salvar a Dennis Hooper y al veterano Bob Steele, la película apenas logró entusiasmar a sus fans.

LAS BRUJAS

The witches/Le streche (1968)

Un episodio de “Una tarde como otra cualquiera”

LA LEYENDA DE LA CIUDAD SIN NOMBRE

Paint Your Wagon (1969)

Western/Musical

166 minutos

Color

Panavision

Productor: Alan Jay Lerner

Director: Joshua Logan

Guión: Alan Jay Lerner y Paddy Chayefsky

Basado en la obra musical de: Lerner y Frederick Loewe.

Fotografía: William A. Fraker

Director musical: Nelson Riddle

Compositor: Frederick Loewe

Efectos especiales: Maurice Ayers y Larry Hampton

Coreografía: Jack Baker

Vestuario: John Truscott

Intérpretes:

LEE MARVIN: Ben Rumson

CLINT EASTWOOD: Pardner

JEAN SEBERG: Elizabeth

HERVE PRESNELL: Rotten Luck Willie

RAY WALSTON: Mad Jack Duncan

TOM LIGON: Horton Fenty

ALAN DEXTER: Parson

BENNY BAKER: Haywood Holbrook

ALAN BAXTER: Señor Fenty

Desconcertante y costoso musical de Lerner-Loewe ambientado en tiempos del Far-West, justo en plena fiebre del oro californiana. En ella encontramos a los buscadores de oro Lee Marvin y Clint Eastwood, quienes además de compartir una guapa chica (Jean Seberg) que compraron en una subasta, deben repartir sus ganancias.

Película injustamente menospreciada por

el público y la crítica en su momento, que el tiempo ha conseguido revalorizar, al menos como obra musical correcta. Ingeniosa y dotada de un buen guión de Paddy Chayefsky, aporta una buena partitura que lanza como cantantes a actores tan poco dotados como Lee Marvin, quien convierte en un hit parade su melodía "Wand’rin Star” (Estrella errante).

Las versiones en vídeo fueron mutiladas posteriormente para acortar su larga duración original.

Premios:

Nominada a la mejor música 1969: Nelson Riddle

EL DESAFIO DE LAS AGUILAS

Where Eagles Dare (1969)

Guerra

158 minutos

Color

Panavision

Director: Brian G. Hutton

Intérpretes:

RICHARD BURTON: Comandante Shaffer

MARY URE: Mary Ellison

MICHAEL HORDEN

PATRICK WYMARK: Turner

ROBERT BEATTY

DONALD HOUSTON

Richard Burton y compañía han sido designados para rescatar a un oficial americano, quien está prisionero en un castillo situado en una montaña de Alemania durante la Segunda Guerra Mundial. Basada en una novela de Alistair MacLean, un best-seller en su momento, nos cuenta una historia de acción dramática con numerosos altibajos.

Burton interpretó al Comandante John Smith, un oficial británico que manda el comando pedido por Turner (Patrick Wymark), el jefe de la MI5. Su misión: rescatar al general americano capturado en una fortaleza aparentemente inexpugnable en la cima de los Alpes bávaros.

El general conoce los planes de los Aliados para efectuar la invasión de Europa y se da cuenta que los Nazis pueden descubrir este secreto en cualquier momento.

Eastwood interpretó al segundo comandante Schaffer, un miembro del servicio de Guardabosques americanos. Con cinco compañeros más, se tiran en paracaídas en una zona cercana a la fortaleza. Uno de los hombres muere al caer y Smith sospecha que puede haber sido asesinado por un agente doble que forma parte de su unidad. Smith hace contacto con un agente femenino de la inteligencia británica llamado Mary Ellison (Mary Ure), residente en un pequeño pueblo, y consigue que le preste la ayuda necesaria para entrar en la fortaleza, donde ella está trabajando como una sirvienta.

Antes de que el plan pueda llevarse a cabo, sin embargo, otro miembro de la unidad muere misteriosamente y Smith y Schaffer son capturados por los alemanes en una taberna de la localidad. Con la ayuda de unos cuantos miembros de la resistencia que realizan un ataque para distraer a los alemanes, logran escapar y planean una estrategia para confundir al agente doble. Mientras, siguen su camino de ascenso para intentar llegar a la cima, a la cual solamente pueden acceder mediante cables y cuerdas.

LOS VIOLENTOS DE KELLY

Kelly's Heroes (1970)

Guerra/Comedia

145 minutos

Color

Panavision

Productor: Gabriel Katzka y Sidney Beckerman

Director: Brian G. Hutton

Guión: Troy Kennedy Martin

Fotografía: Gabriel Figueroa

Compositor: Lalo Schifrin

Consejero técnico: Alejandro Gerry

Efectos especiales: Karl Baumgartner

Vestuario: Anna Maria Fea

Intérpretes:

CLINT EASTWOOD: Kelly

TELLY SAVALAS: Big Joe

DON RICKLES: Crapgame

DONALD SUTHERLAND: Oddball

CARROLL OĆONNOR: General Colt

GAVIN MacLEOD: Moriarty

GENE COLLINS: Babra

Nuevamente los años de la Segunda Guerra Mundial son tomados como escenario para una película, en donde podemos ver mezclados a actores tan dispares como Sutherland haciendo de soldado hippie, algo poco creíble en la Europa de los años 40, y un Telly Savalas que milagrosamente no portaba su eterno chupa-chups. Tampoco Clint Eastwood detrás de las líneas del enemigo consigue dar categoría a la película.

Escrita por el británico Troy Kennedy Martin, quien había sido el responsable de la cadena de televisión BBC y dirigida por Brian Hutton, todo parecía suficientemente correcto y prometedor para esta nueva película de Eastwood. .

Centrada en las horas que precedieron al día D en Francia, aunque situada cinco meses antes en Yugoslavia, aporta elementos similares al filme “El desafío de las águilas”, aunque con personajes más definidos, con algo de humor y muchos más efectos especiales a base de explosivos. Pero su desarrollo queda muy lejos del guión original de MacLean.

Aquí la guerra se ha vuelto una empresa comercial, con efectos muy desagradables. Clint Eastwood es un antiguo lugarteniente, degradado por ser considerado culpable del robo de unos lingotes de oro valorados en 1.6 millones de dólares. En realidad, el ladrón era un funcionario alemán que posteriormente fue capturado. El dinero está depositado en un banco francés, cuyo director miente sobre su procedencia.

DOS MULAS Y UNA MUJER

Two Mules for Sister Sara (1970)

Western

105 minutos

Color

Productor: Martin Rackin y Carroll Case

Director: Don Siegel

Guión: Albert Maltz

Basado en la historia de: Budd Boetticher

Fotografía: Gabriel Figueroa

Compositor: Ennio Morricone

Efectos especiales: Frank Brendel y Leon Ortega

Vestuario: Helen Colvig y Carlos Chavez

Intérpretes:

SHIRLEY McLAINE: Hermana Sara

CLINT EASTWOOD: Hogan

MANOLO FABREGAS: Coronel Beltran

ALBERTO MORIN: General LeClaire

ARMANDO SILVESTRE: 1º americano

JOHN KELLY: 2º americano

ENRIQUE LUCERO: 3º americano

“Dos mulas y una mujer” es un paso más de Eastwood para lograr mantener el interés por el western. Como es habitual, tiene la violencia habitual de sus anteriores filmes y por ello es lógico que guste a sus admiradores, especialmente si se unen en el intento estrellas de gran prestigio.

Dirigida por el experto Don Siegel, un director que había conseguido impresionarnos con

“La Jungla humana”, especialmente en su habilidad para dirigir escenas violentas, nos aporta ahora su destreza para incorporar escenas de humor. Escrita por Alberto Maltz, ha conseguido unir el componente humano con una historia cómica y mezclarlas con las obligadas escenas violentas de Eastwood.

La historia nos muestra a Eastwood como un duro personaje que viaja por el desierto en una misión misteriosa. En su trayecto rescata a Shirley MacLaine del intento de violación por parte de unos malvados, descubriendo que es una monja de gran carácter. Aunque entre ellos existe cierta atracción y deseo, los vestidos de ella le frenan sus impulsos eróticos, hasta el día en que descubre que no es una monja, sino una prostituta camuflada.

La película está algo desperdiciada, pero la presencia de Shirley MacLaine en un papel esencialmente cómico, y un Eastwood lacónico, son suficientes estímulos como para alegrarnos la velada.

EL SEDUCTOR

The Beguiled (1971)

Drama

109 minutos

Color

Productor: Don Siegel

Director: Don Siegel

Guión: Albert Maltz y Irene Kamp

Basado en la novela de: Thomas Cullinan

Fotografía: Bruce Surtees

Compositor: Lalo Schifrin

Vestuario: Helen Colvig

Intérpretes:

CLINT EASTWOOD: John McBurney

GERALDINE PAGE: Martha

ELIZABETH HARTMAN: Edwina

JO ANN HARRIS: Carol

DARLEEN CARR: Doris

MAE MERCER: Hallie

PAMELYN FERDIN: Amy

Nuevamente ambientada en los años de la Guerra Civil, un Eastwood herido logra que una escuela de chicas se preocupen de curarle, generando por ello numerosos celos y odio.

Nuestro personaje es descubierto con una pierna rota cerca del Seminario para señoritas de Farnsworth, por una alumna de diez años llamada Amy (Pamelyn Ferdin), quien estaba recogiendo setas. Su llegada causa gran alarma en la escuela y por eso la directora Martha Farnsworth (Geraldine Page), está en un principio deseosa de entregarle cuanto antes a los confederados. Su ayudante Edwina Dabney (Elizabeth Hartman), le trata de convencer que si le apresan le matarán.

Las dos mujeres deciden entonces esconder a McBurney y lo alimentan hasta que se recupera. Cuando llegan las patrullas de la Confederación ellas no le descubren, aunque no consiguen mantener a las demás alumnas al margen.

HARRY, EL SUCIO

Dirty Harry (1971)

Crimen

102 minutos

Color

Panavision

Productor: Don Siegel

Director: Don Siegel

Guión: Harry Julian Fink, Rita M. Fink y Dean Riesner

Basado en una historia inédita de: Rita M. y Harry Julian Fink Fotografía: Bruce Surtees

Compositor: Lalo Schifrin

Vestuario: Glenn Wright

Intérpretes:

CLINT EASTWOOD: Harry Callahan

RENI SANTONI: Chico

HARRY GUARDINO: Bressler

ANDY ROBINSON: Escorpión

JOHN MITCHUM: DeGeorgio

JOHN LARCH: Jefe

JOHN VERNON: Mayor

MAE MERCER: Señora Russell

WILLIAM PATERSON: Bannerman

La película está dirigida por Don Siegel, quien considera que el papel de un policía en la sociedad debe ser pura dinamita y mucho cinismo, como ya había mostrado en la “La Jungla humana”, en donde abunda la sangre tanto como las balas.

La presencia de Eastwood en un filme de acción es suficiente para explicar la popularidad de la película, pero cuando la vemos nos damos cuenta que incluso han tratado de hacer algo más, que darle algún mensaje. El argumento está basado en unos hechos de 1970, y nos muestran a Eastwood como un policía que es asignado para encontrar a un misterioso asesino llamado Escorpión.

Este malvado ha secuestrado y matado a varias muchachas, y por ello ha obtenido 200.000

dólares como rescate, no dudando en secuestrar un autobús escolar para evitar ser detenido.

Cuando, finalmente, logra tenerle frente a frente, y después de escuchar que tiene derecho a un abogado, Eastwood le mata a sangre fría. Posteriormente, no contento con haber tenido que solucionar esa situación así, tira su placa al suelo.

Podemos ver la película como una expresión más del cine de acción o como una sugerencia para suprimir la violencia creciente. Hay quien la considera clara e inequívocamente como una muestra de la violencia policial y otros bajo el gran peso que tiene cada policía para lograr detener a un delincuente sin hacerle el menor daño. Si Escorpión es un loco asesino, vicioso y pervertido, un monstruo con el cual es imposible dialogar, la labor de la policía para detenerle sin que pierda sus derechos es una tarea en ocasiones imposible. Para otros, es fascismo puro.

Yo pienso que las películas son a menudo un espejo de la sociedad, tanto en el aspecto positivo como en el negativo, y que cuando nosotros culpamos a esas películas de nuestros propios males estamos siendo injustos.

ESCALOFRIO EN LA NOCHE

Play Misty for Me (1971)

Malpaso

Thriller

102 minutos

Color

Productor: Robert Daley

Director: Clint Eastwood

Guión: Jo Heims y Dean Riesner

Basado en la historia de: Jo Heims

Fotografía: Bruce Surtees

Compositor: Dee Barton

Vestuario: Helen Colvig y Brad Whitney

Intérpretes:

CLINT EASTWOOD: Dave Garland

JESSICA WALTER: Evelyn Draper

DONNA MILLS: Tobie Williams

JOHN LARCH: Sargento McCallum

JACK GING: Dr. Frank Dewan

IRENE HERVEY: Madge Brenner

JAMES McEACHIN: Al Monte

DON SIEGEL: Murphy el Mozo

“Escalofrío en la noche” no es artísticamente similar a “Psicosis”, pero logra también mantener en vilo al espectador y obligarle a que vibre en los momentos más adecuados. No necesita de muchas sorpresas para mantener la ansiedad.

La película fue el debut de Clint Eastwood como director, y verdaderamente fue un buen comienzo. Obviamente, debía haber aprendido mucho en sus diecisiete años de trabajo con diversos directores, especialmente con Don Siegel, quien dirigió sus cuatro películas anteriores.

Las primeras escenas nos muestran a un hombre y una mujer caminando por un campo; el día es gris y hace frío. Todo ello adornado con una música que nos advierte del próximo peligro que les acecha. Posteriormente, vemos que toda la película gira alrededor del personaje de la chica interpretado con gran eficacia por Jessica Walter. Por eso, al desplazar del eje central a Eastwood, lo contrario a lo que esperábamos, el filme va perdiendo interés. Aunque lo más interesante pudiera ser la personalidad de ese hombre que pierde la razón al ser despreciado por su novia, lo cierto es que se centra en la angustia de la chica, quien mantiene cierto hermetismo sobre lo que pasa por su cabeza.

El clima de ansiedad, y en ocasiones de miedo, es correcto y en este logro vemos la mano de Don Siegel (quien por cierto tiene un corto papel en la película), ya que era obvio que ayudase a su actor preferido en esta primera experiencia. .

JOE KIDD

Joe Kidd (1972)

Malpaso

Western

88 minutos

Color

Panavision

Guión: Elmore Leonard

Director: John Sturges

Intérpretes:

CLINT EASTWOOD: Joe Kidd

ROBERT DUVALL: Frank Harlan

JOHN SAXON: Louis Chama

DON STROUD

STELLA GARCIA: Rita Sánchez

JAMES WAINWRIGHT

Nuevamente el pistolero a sueldo Eastwood, ahora Joe Kidd, es contratado para cazar a unos bandidos pertenecientes a la cuadrilla de Louis Chama, terminando por pelear ambos en un duelo similar a los más tradicionales del western americano. La mejor escena es aquella en la cual Clint logra introducir un tren dentro de una cantina llena de gente.

PRIMAVERA EN OTOÑO

Breezy (1973)

Romance

108 minutos

Color

Director: Clint Eastwood

Intérpretes:

WILLIAM HOLDEN: Frank Harmon

KAY LENZ

ROGER C. CARMEL

MARJ DUSAY

SHELLEY MORRISON

JOAN HOTCHKIS

Mediocre historia de amor entre una hippie adolescente y un maduro hombre de negocios, ambos manteniendo un romance sin sentido. Las buenas actuaciones y una correcta dirección, logran un resultado final bastante correcto, especialmente loable si tenemos en cuenta el débil guión original.

Eastwood maneja adecuadamente esta sencilla historia de amor, evitando el sentimentalismo exagerado.

INFIERNO DE COBARDES

High Plains Drifter (1973)

Western

105 minutos

Color

Panavision

Productor: Robert Daley

Director: Clint Eastwood

Guión: Ernest Tidyman

Fotografía: Bruce Surtees

Compositor: Dee Barton

Intérpretes:

CLINT EASTWOOD: El Extraño

VERNA BLOOM: Sarah Belding

MARIANNA HILL: Callie Travers

MITCHELL RYAN: Dave Drake

JACK GING: Morgan Allen

STEFAN GIERASCH: Mayor Jason Hobart

TED HARTLEY: Lewis Belding

Un potente teleobjetivo nos muestra a un jinete que entra en el pequeño pueblo minero de Lago. Polvoriento, desaliñado y con una fría mirada desafiante, el extraño camina calle abajo seguido por una cámara rastreante que se asemeja a otra escena del pueblo de San Miguel, el mismo de “Sin nombre”. Allí nuestro personaje mantiene un diálogo hostil con unos pendencieros y después de dejarles bien claro que peleará si le molestan, va a una barbería para rasurarse. De nuevo es molestado por los mismos individuos, quienes le dicen que se marche del pueblo. Su respuesta es tan rápida como contundente: los tres hombres caen muertos a sus pies.

Después tiene un enfrentamiento con una prostituta quien le recrimina por su violencia y aunque al principio se intercambian unas bofetadas, finalmente acaban haciendo el amor en un granero, el sitio habitual en las películas del Far-west.

Poco más que añadir en esta nueva película interpretada y dirigida por Eastwood, en la cual trata de evitar que se pierda el interés por el cine del Oeste.

HARRY, EL FUERTE

Magnum Force (1973)

Crimen

Warners

124 minutos

Color

Panavision

Productor: Robert Daley

Director: Ted Post

Guión: John Milius y Michael Cimino

Basado en la historia de: John Milius del material original de: Harry Julian Fink y R.M.

Fink

Fotografía: Frank Stanley

Compositor: Lalo Schifrin

Intérpretes:

CLINT EASTWOOD: Harry Callahan

HAL HOLBROOK: Teniente Briggs

FELTON PERRY: Joven Smith

MITCHELL RYAN: Charlie McCoy

DAVID SOUL: Davis

TIM MATHESON: Sweet

ROBERT URICH: Grimes

La continuación sangrienta y brutal de “Harry, el sucio”, aunque ahora con un argumento que trata de justificar la violencia. En esta ocasión Clint Eastwood no pide comprensión para la policía y sencillamente ajusticia rápidamente a quien infringe la ley.

La escena se desarrolla en San Francisco, pero pudiera ser igualmente en un pueblo del western. Lo importante es que el poder de Clint manejando un arma consiga poner en cintura a los bandidos, sean mexicanos o californianos. Eastwood trata de representar al héroe que todo ciudadano que sufra la violencia callejera desearía tener cerca.

Pero el filme falla porque ya no están allí para dirigirla ni Don Siegel, ni el propio Eastwood. Todo es demasiado sencillo, hasta los bandidos con sus ideologías nazis, o los policías que desean limpiar las calles de delincuentes sin necesidad de llevarlos a un juzgado. Afortunadamente los villanos son ahora gángsters y narcotraficantes, por lo que es poco probable que los espectadores sientan alguna piedad por ellos.

UN BOTIN DE 500.000 DOLARES

Thunderbolt and Lightfoot (1974)

Crimen

114 minutos

Color

Panavision

Productor: Robert Daley

Director: Michael Cimino

Guión: Michael Cimino

Fotografía: Frank Stanley

Compositor: Dee Barton

Efectos especiales: Sass Bedig

Intérpretes:

CLINT EASTWOOD: John "Thunderbolt" Doherty

JEFF BRIDGES: Lightfoot

GEOFFREY LEWIS: Goody

CATHERINE BACH: Melody

GARY BUSEY: Curly

GEORGE KENNEDY: Red Leary

ALCE DODSON: Gerente de la Bóveda

Ahora tenemos por primera vez a Eastwood al margen de la

ley, convertido en un ladrón junto con Bridges y algunos ex-compañeros como Kennedy y Lewis. Todos tienen un gran interés en recuperar un cuantioso botín producto de un robo anterior.

Realizada con cierta dosis de humor, el debutante director Cimino nos muestra un melodrama con tintes de comedia, con un ritmo muy rápido y unas buenas interpretaciones.

Premios:

Nominada al mejor actor secundario 1974: Jeff Bridges

LICENCIA PARA MATAR

The Eiger Sanction (1975)

Thriller

128 minutos

Color

Panavision

Basada en la novela de: Trevanian

Director: Clint Eastwood

Intérpretes:

CLINT EASTWOOD: Jack Cassidy

GEORGE KENNEDY

VONETTA McGEE

JACK CASSIDY

THAYER DAVID

HEIDI BRUHL

REINER SCHOENE

BRENDA VENUS

Aprovechando el filón inagotable de las películas de James Bond, Clint dirige e interpreta este filme con sus habituales dosis de ironía, aunque en este caso no acabamos de comprender su sentido del humor. Buenas y emocionantes escenas de alpinismo, realizadas por auténticos profesionales, que suponen la parte más interesante del filme.

HARRY, EL EJECUTOR

The Enforcer (1976)

Malpaso-Warner

Crimen

96 minutos

Color

Productor: Robert Daley

Director: James Fargo y Allen E. Smith

Guión: Stirling Silliphant y Dean Riesner

Basado en los caracteres creados por: Harry Julian Fink y Rita M. Fink Fotografía: Charles W. Short

Compositor: Jerry Fielding

Intérpretes:

CLINT EASTWOOD: Harry Callahan

TYNE DALY: Kate Moore

BRADFORD DILLMAN: Capitán McKay

HARRY GUARDIANO: Teniente Bressler

DE VEREN BOOKWALTER: Bobby Maxwell

JOHN MITCHUM: DiGeorgia

JOHN CRAWFORD: El Mayor

Tercera entrega de la serie sobre el inspector de policía Harry, ahora ya no tan sucio, nuevamente para conseguir controlar la violencia de San Francisco. Con el fin de que no existan críticas por su violencia, nos muestran ahora a un Harry mucho más humano, tanto que termina recibiendo más de un tiro por querer hacer entrar en razones a los delincuentes.

Pero ahora sus mismos detractores de antaño le acusan de blando y le dicen que ningún policía es tan humano. Elaborada a partir de un guión de Stirling Silliphant, uno de los más prestigiosos de Hollywood, nos muestra a una serie de villanos que hacen temblar con solo mencionar su nombre. El peor de todos es Strike Force, repugnantemente cruel e inhumano, entre cuyas filas están los peores matones de la ciudad. La película cuenta con la buena actuación de Tyne Daly, como la mujer policía asignada para trabajar junto a Harry, con lo cual asistimos a una larga serie de escenas cómicas, tiernas y sensuales.

EL FUERA DE LA LEY

The Outlaw—Josey Wales (1976)

Western

135 minutos

Color

Panavision

Productor: Robert Daley

Director: Clint Eastwood

Guión: Philip Kaufman y

Sonia Chernus

Basado en el libro “Gone to Texas” de: Forrest Carter

Fotografía: Bruce Surtees

Compositor: Jerry Fielding

Intérpretes:

CLINT EASTWOOD: Josey Wales

CHIEF DAN GEORGE: Lone Watie

SANDRA LOCKE: Laura Lee

BILL McKINNEY: Terrill

JOHN VERNON: Fletcher

PAULA TRUEMAN: Grandma Sarah

SAM BOTTOMS: Jamie

Clint Eastwood es ahora Josey Wales, un extraño y atrevido hombre de acción que, como es habitual, es una persona solitaria que trata de hacer el bien en algún lugar del oeste americano. Pronto se le unen en sus correrías un grupo de personas que “pasaban por ahí” y siguen su sendero juntos, aunque Clint deja bien claro que el jefe es él.

La historia sucede después de la Guerra Civil americana. Nuestro héroe es un sureño rebelde, sumamente amargado por las atrocidades que ha tenido que ver en la guerra, y no admite la rendición. Cuando las tropas Norteñas quieren detenerle acusándole del asesinato de algunos de sus camaradas, les hace frente y logra escapar.

Su personaje, bastante estereotipado, tiene un cambio y le vemos junto a otros fugitivos de la guerra que no encuentran un lugar tranquilo donde vivir.

Uno de ellos es un viejo indio, interpretado por Chief Dan George, con tal ingenio que nos hace olvidarnos del resto de los actores. Pronto forman una sólida pareja de fugitivos, algo cómica en ciertos momentos, y nos recuerdan a otras películas de los años 40.

Varios cazadores de recompensas andan tras ellos, aunque la habilidad de Eastwood con las pistolas logra matar hasta diez de ellos. En el camino recoge a una muchacha india y contacta con unos sobrevivientes de una familia de Kansas que han echado fuera de sus casas.

Eastwood está tan taciturno y violento como en otras anteriores películas, aunque hemos de reconocer que su trabajo como actor y director es sumamente hábil e inteligente.

Premios:

Nominada a la mejor música 1976: Jerry Fielding

RUTA SUICIDA

The Gauntlet (1977)

Crimen

109 minutos

Color

Productor: Robert Daley

Director: Clint Eastwood

Guión: Michael Butler y Dennis Shryack

Fotografía: Rexford Metz

Compositor: Jerry Fielding

Efectos especiales: Chuck Gasper

Vestuario: Glenn Wright

Intérpretes:

CLINT EASTWOOD: Ben Shockley

SONDRA LOCKE: Gus Mally

PAT HINGLE: Josephson

WILLIAM PRINCE: Blakelock

BILL McKINNEY: Alguacil

MICHAEL CAVANAUGH: Feyderspiel

CAROLE COOK: Camarera

MARA CORDAY: Jail Matron

“Ruta suicida” es un Clint Eastwood clásico: rápido, violento y cómico. Cuenta una historia con alegría, estilo y energía, y nadie parece estar más a gusto en este esquema que el propio Eastwood. Ahora interpreta de nuevo a un policía de nuestra época, pero ya no es tan duro, ni fuerte, ni ejecutor, como Harry. Él es un detective de Fénix, y no quiere ser ningún héroe. Solamente quiere que los otros policías le ayuden a realizar una sencilla operación.

Eastwood vuela hasta Las Vegas y allí toma la custodia de una prostituta, a quien debe llevar hasta Fénix para que sea testigo en un importante juicio. Para Clint parece una rutina, pero pronto descubre que la Mafia ha conseguido aportar hasta 61 testigos en su favor, lo que para cualquier juez sería sospechoso.

Su único testigo (interpretado por Sondra Locke) no es una prostituta tradicional porque, en principio, ella es graduada en la universidad y, además, es muy agradable. En el viaje de vuelta ellos logran sobrevivir a una bomba colocada en su coche y se ven forzados a coger una ambulancia para escapar a toda velocidad de los pistoleros.

En su lucha para sobrevivir al cerco de los pistoleros tienen un encuentro con los Ángeles de Infierno, una lucha en un tren de mercancías, una persecución en motocicleta con un tirador que les dispara desde un helicóptero con un rifle y, por último, un gran final cuando Eastwood secuestra a un autobús de pasajeros.

Eastwood dirigió con gran pericia este filme de acción y persecuciones, demostrando que era ya un director consumado y sumamente hábil. A pesar de la gran violencia hay suficientes dosis de humor como para que queden minimizadas.

“Ruta suicida” se recordará durante muchos años especialmente por la escena final del autobús aparcado cerca del Tribunal de Justicia, en donde después de cientos de disparos cruzados nadie acaba muerto.

DURO DE PELAR

Every Which Way But Loose (1978)

Comedia/Acción

114 minutos

Color

Director: James Fargo

Intérpretes:

CLINT EASTWOOD

SONDRA LOCKE

GEOFFREY LEWIS

BEVERLY DÁNGELO

RUTH GORDON

Curiosa y divertida película en la cual Clint toma el primer autobús que parte para Stupidsville, llevando consigo a su mejor amigo, un orangután que termina por convertirse en el protagonista de la película. Mal comprendida por la crítica, contiene numerosos momentos de sutil humor.

Es un remake de “La gran pelea”.

FUGA DE ALCATRAZ

Escape From Alcatraz (1979)

Prisión

112 minutos

Color

Productor: Don Siegel

Director: Don Siegel

Guión: Richard Tuggle

Basado en el libro de: J. Campbell Bruce

Fotografía: Bruce Surtees

Intérpretes:

CLINT EASTWOOD: Frank Morris

PATRICK McGOOBAN: Vigilante

BLOSSOM de ROBERTS: Doc

JACK THIBEAU: Clarence Anglin

FRED WARD: John Anglin

PAUL BENJAMIN: El inglés

LARRY HANKIN: Charley Butts

BRUCE M. FISCHER: Lobo

FRANK RONZIO: Litmus

FRED STUTHMAN: Johnson

Como su título indica, “Fuga de Alcatraz” es una historia tensa sobre la dura vida en esa prisión. Uno de los prisioneros es Clint Eastwood, perfectamente emparejado en ese papel de Frank Morris, un convicto que tiene una gran habilidad para escaparse de todas las prisiones y que es enviado a Alcatraz porque nadie ha escapado alguna vez de la Roca.

Pronto, nos muestran dónde está su secreto: el vigilante (Patrick McGoohan) cubre todas las zonas de la prisión con numerosos rifles y vemos también las paredes verticales que se hunden en el mar lleno de piedras. Uno de los presos, Paul Benjamín, le dice lo que pasará si consigue salir de la prisión: las fuertes mareas convierten a cada milla como si fueran diez, y el agua es tan fría que los brazos se quedan dormidos.

Lo que nosotros tenemos aquí, básicamente, es una versión más de esa prisión y unos presos intentando escapar. Sabemos que es imposible y que si lo intentan morirán durante la travesía, pero un desafío así es algo irresistible para una persona como Frank (Eastwood). Antes de que intente la huida, nos muestran la rutina de su vida diaria y las habilidades del director de la prisión para que le aborrezcan La manera en que Siegel desarrolla esta historia es un triunfo de la narrativa. Gracias a él hemos aprendido la disciplina de la prisión, la manera cómo deshumanizan a los presos, cómo son los vigilantes y las posibilidades que tienen algunos presos para aprender pintura, idiomas, leer o cuidar un ratón.

El desarrollo del plan de escape es bastante sincero, aunque Siegel se divierte un poco proporcionándonos detalles extras. Al igual que ocurre con otras películas sobre fugas, lo más importante son los preparativos, más que la fuga misma, en ocasiones demasiado rápida y sencilla.

No les voy a contar el final por si acaso aún no la han visto, pero difiere bastante de otros temas similares.

LA GRAN PELEA

Any Which Way You Can (1980)

Comedia

116 minutos

Color

Productor: Fritz Manes

Director: Buddy Van Horn

Guión: Stanford Sherman

Basado en los caracteres creados por: Jeremy Joe Kronsberg Fotografía: David Worth

Director musical: Snuff Garrett

Vestuario: Glenn Wright

Intérpretes:

CLINT EASTWOOD: Philo Beddoe

SONDRA LOCKE: Lynne Halsey-Taylor

GEOFFREY LEWIS: Orville

WILLIAM SMITH: Jack Wilson

HARRY GUARDINO: James Beekman

RUTH GORDON: Ma

MICHAEL CAVANAUGH: Patrick Scarfe

BARRY CORBIN: Fat Zack

“La Gran Pelea”, de Clint Eastwood, es un remake de otra anterior y aunque no es una buena película, se ve con agrado. Para llenar un metraje tan largo ha sido necesario que incluyan un montón de ingredientes, entre ellos: dos peleas, una banda que monta en motocicleta, la Mafia, una historia de amor, un camión de basuras, una grúa remolque, un octogenario que habla con voz hueca, un orangután inteligente, y un concurso para el campeonato del mundo de boxeo sin guantes.

Todos estos elementos están coordinados con bastante habilidad, aunque no guardan siempre el orden correcto. La película comienza con una lucha entre Eastwood y un peleador, pero todavía no nos explican nada. Vemos también a un orangután inteligente llamado Clyde, que está sentado en el asiento delantero de un automóvil policíaco estatal.

Después de terminar la lucha, Eastwood vuelve a su casa, en donde vive con Ma (Ruth Gordon). Mientras tanto, la Mafia decide preparar una lucha sin guantes entre Eastwood y el campeón Oriental, un tipo llamado Jack Wilson.

El actor que interpreta a Jack Wilson es William (Big Bill) Smith, quien se hizo famoso en los años 60 por sus trabajos como líder de bandas en motocicletas y todavía parece tan siniestro como antes. Él y Eastwood entrenan en los alrededores de la cabaña, pero su manager se cae por un precipicio y deben suspender el entrenamiento. Después, tienen que pelear en un bar porque unos tipos insultan a su novia. Ella es Sondra Locke, con quien también hizo “Duro de pelar”.

Sin embargo, la Mafia secuestra a Sondra Locke (nosotros también lo haríamos), para obligar a Eastwood a luchar, pero él y su manager les dan una paliza, aunque aceptan pelear.

BRONCO BILLY

Bronco Billy (1980)

Western/Comedia

119 minutos

Color

Productor: Dennis Hackin y Neal Dobrofsky

Director: Clint Eastwood

Guión: Dennis Hackin

Fotografía: David Worth

Compositor: Snuff Garrett

Vestuario: Glenn Wright

Intérpretes:

CLINT EASTWOOD: Bronco Billy

SONDRA LOCKE: Antoinette Lily

GEOFFREY LEWIS: John Arlington

SAM BOTTOMS: Leonard James

SCATMAN CROTHERS: Doc Lynch

BILL McKINNEY: Lefty LeBow

SIERRA PECHEUR: Lorraine Running Water

TANYA RUSSELL: Doris Duke

Nuevamente nuestra pareja belicosa está reunida para vivir una aventura. En esta ocasión Eastwood encarna a un legendario vaquero, dedicado ahora a sobrevivir realizando espectáculos circenses. Es ayudado por una estúpida e inútil chica, cuya mayor habilidad radica en pasarse todo el día quejándose y protestando.

Parece ser que ambos vivieron una prolongada relación sentimental en su vida real y que ella le acusó de malos tratos ante un juez, aunque no se le olvidó pedir una millonaria indemnización. Si Sondra Locke es tal cual sale en esta película, comprendemos la reacción de Clint para quitársela de en medio.

FIREFOX

Firefox (1982)

Guerra/Acción

124 minutos

Color

Productor: Clint Eastwood

Director: Clint Eastwood

Guión: Wendell Wellman y Alex Lasker

Productor de efectos especial: John Dykstra

Intérpretes:

CLINT EASTWOOD: Mitchell Gant

FREDDIE JONES: Kenneth Aubrey

DAVID HUFFMAN: Buckholz

WARREN CLARKE: Pavel Upenskoy

RONALD LACEY: Semelovsky

KENNETH COLLEY: Coronel Kontarsky

STEFAN SCHNABEL: Primera secretaria

“Firefox” de Clint Eastwood es una película futurista correcta, que combina espionaje con ciencia-ficción. Es una demostración más de la gran versatilidad de Eastwood para interpretar y dirigir cualquier tema. “Firefox” es el título de un avión ruso secreto capaz de volar a una velocidad seis veces superior a la del sonido, mientras permanece invisible al radar. La misión de Eastwood, si escoge aceptarla, es infiltrarse en la Unión Soviética enmascarado como narcotraficante procedente de Las Vegas.

Se trata de un argumento básico para realizar una buena película y “Firefox” cumple perfectamente este cometido. Las cosas se complican cuando nos dicen que Eastwood es un veterano del Vietnam que tiene alucinaciones, aunque el hombre de la CIA que lo recluta no está preocupado por ello.

Los efectos especiales son bastante buenos y los aviones parecían sorprendentemente reales, especialmente en una escena sensacional de una persecución que es un homenaje a

“La Guerra de las Galaxias”. En ella, dos naves que vuelan entre dos paredes salen de la ciudad al espacio.

EL AVENTURERO DE MEDIANOCHE

Honkytonk Man (1982)

Drama

122 minutos

Color

Productor: Clint Eastwood

Director: Clint Eastwood

Intérpretes:

CLINT EASTWOOD: Red Stovall

KYLE EASTWOOD: Whit

JOHN McINTIRE: Grandpa

ALEXA KENIN: Marlene

VERNA BLOOM: Emmy

Clint Eastwood produjo y dirigió “El aventurero de medianoche”, cuyo argumento nos recuerda demasiado a la propia niñez de Eastwood, cuando vivían en los años de la Depresión. Ésta es, pues, una película especial. Haciéndola, Eastwood estaba intentando abandonar para siempre su personaje Harry el Sucio, una imagen como actor de películas violentas que quería aparcar para siempre.

IMPACTO SUBITO

Sudden Impact(1983)

Crimen

117 minutos

Color

Productor: Clint Eastwood

Director: Clint Eastwood

Guión: Joseph C. Stinson

Basado en la historia de: Earl E. Smith y Charles B. Pierce, basándose en los caracteres creados por: Harry Julian Fink y R.M. Fink

Fotografía: Bruce Surtees

Compositor: Lalo Schifrin

Vestuario: Glenn Wright

Intérpretes:

CLINT EASTWOOD: Harry Callahan

SONDRA LOCKE: Jennifer Spencer

HINGLE EXACTO: Jefe Jannings

BRADFORD DILLMAN: Capitán Briggs

PAUL DRAKE: Mick

AUDRIE J. NEENAN: Ray Parkins

JACK THIBEAU: Kruger

“Impacto súbito” tiene mucho que ver con Harry el Sucio. Tanto el argumento, como el personaje principal, la motivación, la atmósfera, y la narrativa, se utilizan para mostrar escenas violentas. La historia no es creíble, no tiene mucho sentido, pero tiene un malvado y un héroe que le quiere cazar, suficientes argumentos como para entusiasmar al público.

Por eso “Impacto súbito” es más un vídeo-clip musical, con numerosas escenas impactantes, casi autónomas, y que una débil excusa argumental las mantiene unidas.

La historia va de unas chicas que han sido violadas y que claman venganza. Para ellas, la cárcel a sus violadores no es suficiente y ejercen su sentencia particular asesinándoles, bien sea con un tiro en la frente o en los genitales.

CIUDAD MUY CALIENTE

City Heat (1984)

Crimen/Comedia

97 minutos

Color

Productor: Fritz Maners

Director: Richard Benjamin

Guión: Joseph C. Stinson y Sam O. Brown

Intérpretes:

CLINT EASTWOOD: Lieutenant Speer

BURT REYNOLDS: Mike Murphy

JANE ALEXANDER: Addy

MADELINE KAHN: Caroline Howley

IRENE CARA: Ginny Lee

Dos actores sumamente dispares, Clint Eastwood y Burt Reynolds, se reúnen para interpretar una comedia que en principio iba a estar dirigida por Blake Edwards, quien se despidió cortésmente cuando mantuvo las primeras discrepancias con ambas estrellas. No obstante, su mano se deja notar en el guión, en el cual figura con el seudónimo de Sam O. Brown.

Benjamín no es Edwards, eso se nota, y por eso tiene que incorporar una escena de lucha cada diez minutos, para así mantenernos entretenidos. En el filme hay muchos gángsters, automóviles antiguos, bigotes y sombreros para los caballeros.

EN LA CUERDA FLOJA

Tightrope (1984)

Thriller

114 minutos

Color

Productor: Clint Eastwood y Fritz Manes

Director: Richard Tuggle

Guión: Richard Tuggle

Fotografía: Bruce Surtees

Compositor: Lennie Niehaus

Vestuario: Glenn Wright y Deborah Hopper

Intérpretes:

CLINT EASTWOOD: Wes Block

GENEVIEVE BUJOLD: Beryl Thibodeaux

DAN HEDAYA: Detective Molinari

ALISON EASTWOOD: Amanda Block

JENNIFER BECK: Penny Block

Clint Eastwood repite de nuevo su papel como un

detective que investiga un homicidio, por lo que podríamos renombrarle sin problemas como Harry Callahan, aunque ahora le llamen Wes Block. Su esposa lo ha dejado recientemente, y él vive en casa con sus dos hijas jóvenes y varios perros. Es un bueno pero amargado policía, que tiene un vicio peculiar: le gusta hacer el amor a las mujeres mientras ellas están esposadas. Nada que objetar si ambos lo pasan bien.

Lo demás es habitual en las películas de policías y ladrones. Entrevistas a los sospechosos, policías que mascan chicles, escenas de persecuciones y muchas prostitutas, la mayoría un pedazo de pan caliente. También hay una feminista que enseña artes marciales a otras mujeres, un sospechoso que en realidad es inocente, y un detective que termina por solucionar él solito el caso.

EL JINETE PALIDO

Pale Rider (1985)

Western

113 minutos

Color

Productor: Clint Eastwood

Director: Clint Eastwood

Guión: Dennis Shryack y

Michael Butler

Intérpretes:

CLINT EASTWOOD: el Predicador

MICHAEL MORIARTY: Hull Barret

CARRIE SNODGRESS: Sarah Wheeler

CHRISTOPHER PENN: Josh LaHood

RICHARD DYSART: Coy LaHood

SYDNEY PENNY: Megan Wheeler

DOUG McGRATH: la Araña

Película tenebrosa o policíaca,

según la queramos mirar. El protagonista parece ser un espíritu vengador que ha vuelto de la tumba, o un ciudadano normal, nadie nos aclara este aspecto. Si somos menos suspicaces consideraremos a “El jinete pálido” como simplemente un western tradicional, ambientada ahora en un pueblo de mineros que están convencidos que encontrarán una veta que les hará millonarios. El malo ahora es un banquero que quiere quedarse con todo el pueblo, mina incluida, y está a punto de conseguirlo hasta que aparece “El predicador”, Eastwood, con su típico alzacuello eclesiástico. En ese momento comienzan las peleas.

Como ya hemos dicho, “El predicador” no sabemos si es un hombre o un espíritu, por eso no nos debe extrañar que sea capaz de salir ileso después de haber sido cosido a balazos por los bandidos. No obstante, no se confundan con esta crítica, porque la película es simplemente buena, diferente, sumamente excitante y dotada de gran estilo.

EL SARGENTO DE HIERRO

Heartbreak Ridge (1986)

Guerra/Drama

130 minutos

Color

Productor: Clint Eastwood

Director: Clint Eastwood

Guión: James Karabatsos

Fotografía: Jack N. Green

Compositor: Lennie Niehaus

Vestuario: Glenn Wright

Intérpretes:

CLINT EASTWOOD: Tom Highway

MARSHA MASON: Aggie

EVERETT McGILL: Maj. Poderes

MOSES GUNN: Sargento Webster

EILEEN HECKART: Pequeña Mary

BO SVENSON: Roy Jennings

BOYD GAINES: Teniente Ring

“El sargento de hierro” de Clint Eastwood aprovecha una idea nada original, un sargento enérgico que debe meter en cintura a unos desmadrados soldados. Pero poco a poco la vulgaridad va desapareciendo y vemos que ese sargento llamado Yute, debe ser enérgico porque las circunstancias lo requieren. Lo más curioso es el guión, en el cual hay más palabrotas que diálogos, con lo cual hemos conseguido salir del cine con un repertorio de exabruptos en la cabeza preparados para expulsar en el primer semáforo.

Con 55 años a sus espaldas, Clint consigue hacernos creíble su personaje de sargento inflexible, capaz de dominar al sueco, un gigante que ha tenido que practicar culturismo incluso cuando estaba en el vientre de su madre.

La mano de Eastwood se deja notar en cada escena, especialmente en la habilidad que tiene para manejar un presupuesto raquítico sin que apenas se note. La película está ambientada en un cuartel y solamente aparecen dos pequeños pelotones, una y otra vez, pero nadie lo nota, ni siquiera cuando hay entrenamientos entre soldados rivales. “El sargento de hierro” era la decimotercera película de Eastwood como director, y consigue una vez más un pleno triunfo con tan pocos ingredientes que serían un desastre en la mayoría de los directores de prestigio.

Premios:

Nominada al mejor tema documental 1955: René Risacher – Productor Nominada al mejor sonido 1986: Les Fresholtz, Dick Alexander, Vern Poore, William Nelson

BIRD

Bird (1988)

Biografía

160 minutos

Color

Productor: Clint Eastwood

Director: Clint Eastwood

Guión: Joel Oliansky

Fotografía: Jack N. Green

Compositor: Lennie Niehaus

Efectos especiales: Joe Day

Intérpretes:

FOREST WHITAKER: Charlie "Yardbird" Parker

DIANA VENORA: Chan Richardson Parker

MICHAEL ZELNIKER: Red Rodney

SAMUEL E. WRIGHT: Dizzy Gillespie

KEITH DAVID: Buster Franklin

MICHAEL McGUIRE: Brewster

Clint Eastwood nos narra la vida del saxofonista

Charlie, un apasionado del jazz, en una cinta de larguísima duración que, milagrosamente, no nos aburre. Lo que no acabamos de entender son las razones por las cuales este músico logró pasar a la posteridad, con un estilo de jazz incomprensible.

Premios:

Oscar al mejor sonido 1988: Les Fresholtz, Dick Alexander, Vern Poore, Willie D. Burton LA LISTA NEGRA

The Dead Pool (1988)

Crimen

91 minutos

Color

Productor: David Valdes

Director: Buddy Van Horn

Guión: Steve Sharon

Basado en la historia de: Sharon, Durk Pearson, y Sandy Shaw basándose en los caracteres creados por Harry Julian Fink y Rita M. Fink

Fotografía: Jack N. Green

Compositor: Lalo Schifrin

Intérpretes:

CLINT EASTWOOD: Harry Callahan

PATRICIA CLARKSON: Samantha Walker

EVAN C. KIM: Al QuanJuan

LIAM NEESON: Peter Swan

DAVID HUNT: Harlan Rook

MICHAEL CURRIE: Capitán Donnelly

MICHAEL GOODWIN: Teniente Ackerman

JIM CARREY

Nadie se podía creer que a estas alturas nos trajeran de nuevo a un envejecido Harry el Sucio a las pantallas. De nuevo le tenemos aquí patrullando las calles de San Francisco, intentando que sus compañeros abandonen sus mesas de despacho y se dediquen a salir a la calle a detener a los delincuentes. Bueno, pues aunque solamente sea por esto, nos unimos a Callahan.

Para que no nos creamos que Harry no está en forma, Clint nos hace algunas demostraciones físicas y nos deja bien claro que no hay cinco sin seis, preparándonos para una próxima entrega cinematográfica. El argumento es sencillo: ocho personajes célebres tienen que morir, entre ellos Callahan, pero nadie sabe el orden y todos tratan de ponerse a salvo.

Lo mejor de todo es que hemos podido ver de nuevo a Eastwood en plena forma, sumamente inteligente y rápido, con lo cual nos aseguramos nuevas y trepidantes películas.

THELONIOUS MONK: STRAIGHT NO CHASER

Thelonious Monk: Straight No Chaser (1988)

Documental/Biografía

90 minutos

Color y Blanco y negro

Productor: Charlotte Zwerin y Bruce Ricker

Productor ejecutivo: Clint Eastwood

Director: Charlotte Zwerin

Intérpretes:

THELONIOUS MONK: Piano

CHARLIE ROUSE: Saxo tenor

LARRY GALES: Bajo

BEN RILEY: Batería

CHARLIE ROUSE: Saxo tenor

PHIL WOODS: Saxo alto

JOHNNY GRIFFIN: Saxo tenor

RAY COPELAND: Trompeta

JIMMY CLEVELANS: Trombón

LARRY GALES: Bajo

BEN RILEY: Batería

Un documental correcto sobre la vida del pianista y compositor de jazz Thelonious Monk, un legendario, e innovador que pasó a la leyenda aún en vida. Mucho del material empleado pertenece a los años 60.

Clint Eastwood es el productor ejecutivo.

EL CADILLAC ROSA

Pink Cadillac (1989)

Drama/Comedia

122 minutos

Color

Productor: David Valdes

Director: Buddy Van Horn

Guión: John Eskow

Intérpretes:

FRANCES FISHER

CLINT EASTWOOD: Tommy Nowak

BERNADETTE PETERS: Lou Ann McGuinn

TIMOTHY CARHART: Roy McGuinn

TIFFANY GAIL ROBINSON: Bebé McGuinn

ANGELA LOUISE ROBINSON: Bebé McGuinn

Una mujer, Bernadette Peters, roba un Cadillac descapotable de 1959, en donde están escondidos 250.000 dólares en facturas. Ella está en libertad condicional y cuando no regresa Eastwood es el encargado de buscarla. Lógicamente, Eastwood y Peters se enamoran.

EL PRINCIPIANTE

The Rookie (1990)

Comedia/Acción

121 minutos

Color

Productor: Howard Kazanjian, Steven Siebert y David Valdes Director: Clint Eastwood

Guión: Boaz Yakin y Scott Spiegel

Director de fotografía: Jack Green

Música: Lennie Niehaus

Intérpretes:

CLINT EASTWOOD: Nick Pulovski

CHARLIE SHEEN: David Ackerman

RAUL JULIA; Strom

SONIA BRAGA: Leise

TOM SKERRITT: Eugene Ackerman

LARA FLYNN BOYLE: Sara

El título nos avisa que no estamos ante una película diferente. La historia de un policía veterano cuyo compañero muere, y desde ese momento tiene que patrullar las calles con un novato estúpido, quien posteriormente demuestra que es muy inteligente, no es ciertamente una novedad. El novato es, lógicamente, Charlie Sheen quien al menos nos demuestra esta vez su gran dominio de las artes marciales y su capacidad de salir con bien incluso cuando es dado por muerto. Después de recibir cinco balazos a bocajarro se levanta, se arregla y sigue peleando, aunque el guionista nos aclara que es porque tenía puesto el chaleco antibalas.

Eastwood está correcto, como siempre, trata de ser divertido y de aportar cierto atractivo al personaje de Charlie Sheen, pero apenas lo consigue puesto que se pasa media película agotado y golpeado. La película contiene muchas escenas de acción, incluso una persecución espectacular, y una pelea en una cantina muy bien lograda, pero todo está demasiado visto y oído. Como es habitual, el director ha puesto un gran entusiasmo en las escenas de persecuciones automovilísticas, pero sentimos una gran pena cuando vemos tantos bellos coches convertidos en chatarra, especialmente ese maravilloso Lamborgini Diablo que todos nos gustaría tener aparcado frente a nuestra casa.

Buenas actuaciones de Raúl Julia y Sonia Braga, esta última convertida en la más mala de entre las malas, quien no duda alternar su trabajo como pistolera implacable con el de mujer hambrienta de sexo, obsequiándonos con la violación que ella efectúa a Eastwood.

En ese momento nosotros sabemos que él nunca la denunciaría por ello, aunque reconoce que es una arpía. No se pierdan la escena final, cuando un potente avión no logra atropellar a nuestros amigos porque ellos corren más que el aparato. Increíble, pero el cine es así.

En resumen, “El principiante” es simplemente una reunión coherente de escenas violentas y persecuciones, en donde el guionista trata de aportar cierta novedad en los diálogos.

CAZADOR BLANCO, CORAZON NEGRO

White Hunter, Black Heart (1990)

Drama/Aventura

112 minutos

Color

Productor: Clint Eastwood

Director: Clint Eastwood

Guión: James Bridges, Burt Kennedy y Peter Viertel

Intérpretes:

CLINT EASTWOOD: John Wilson

JEFF FAHEY: Pete Verrill

CHARLOTTE CORNWELL: Señorita Wilding

NORMAN LUMSDEN: Butler George

GEORGE DZUNDZA: Paul Landers

EDWARD TUDOR POLE: Reissar

MARISA BERENSON: Kay Gibson

El guión original de “La reina de Africa”, de John Huston, interpretada por Bogart y Katharine Hepburn, era de Agee, pero tuvo que ser reconstruido por Peter Viertel cuando éste murió de un ataque al corazón después de una partida de tenis. Con el tiempo, este guionista se ha convertido en un escritor privilegiado y pudo escribir su novela “Cazador blanco, corazón negro”, basada en su propia experiencia. En ella narraba una parcela de la vida de John Huston, el cual parece ser que disfrutó leyéndola.

Clint Eastwood decidió producir y dirigir la película basada en esa novela de Viertel, por lo cual la podemos considerar como una biografía resumida sobre el gran John Huston.

Eastwood trata de imitar el acento de su voz, su manera de andar y hasta su amaneramiento, sin olvidar mostrar la gran inteligencia del director.

La obsesión por cazar a un gran elefante es el tema central de la historia, aunque nunca nos aclara porqué tiene ese interés, si es por demostrar valentía, traumas de la niñez, egoísmo, prepotencia o, simplemente, por divertirse. También vemos le vemos como un director de orquesta déspota, malhumorado crónico, sin respeto para sus semejantes y que disfruta martirizando al obeso productor que quedará arruinado si la película no logra terminarse. Pronto comenzamos a odiar a Wilson (Eastwood), puesto que no encontramos su justificación para tanta maldad, aunque le aplaudimos cuando dice a una rica esposa que es una bruja por defender a Hitler.

Finalmente no mata al gran elefante blanco, pero su gran amigo el jefe de la tribu muere y eso le hace, al menos, llorar, sin que sepamos cuál fue el destino final de esa gran película que quería rodar.

SIN PERDON

Unforgiven (1992)

Western

127 minutos

Color

Productor: Clint Eastwood

Director: Clint Eastwood

Guión: David Webb Peoples

Fotografía: Jack N. Green

Compositor: Lennie Niehaus

Intérpretes:

CLINT EASTWOOD: William Munny

GENE HACKMAN: Sheriff "Little Bill" Daggett

MORGAN FREEMAN: Ned Logan

RICHARD HARRIS: Bob inglés

JAIMZ WOOLVETT: The "Schofield Kid"

SAUL RUBINEK: W.W. Beauchamp

FRANCES FISHER: Strawberry Alice

“Sin perdón” no está basado en una simple crítica sobre los asesinos y quienes tienen que detenerles, sino en cómo afecta a la sociedad los asesinatos y la actuación de la policía. El alguacil Hackman es un elemento importante en esta historia. Es capaz de ser amable, sensato, amistoso, e incluso cómico, pero también puede ser sádico y violento, y usa su insignia como una excusa para pegar a sus víctimas. Parece tan pacífico cuando está en su casa como lo parece el resto del pueblo, pero solamente hasta que detienen a un supuesto asesino.

La dirección de Eastwood, con una buena fotografía de Jack Green, nos hace ver un pueblo del Oeste totalmente diferente. Muchas de las escenas están rodadas en exteriores para que las figuras parezcan oscuras y solamente las podamos ver gracias al brillo que sale de las ventanas. El efecto es para disminuir la estatura de los personajes, puesto que no son héroes, sino personas para quienes la muerte es algo cotidiano, sin interés.

Eastwood compró esta historia hace años y no la quiso hacer hasta que fuera viejo, dado el fuerte dramatismo que tenía. De hecho, los cuatro actores principales (Eastwood, Hackman, Freeman, y Harris), tenían sesenta años, aunque eso no fue inconveniente para que “Sin perdón” fuera un éxito de taquilla y ganara un Oscar a la mejor película.

Premios:

Oscar a la mejor película 1992: Clint Eastwood - Productor Nominada al mejor actor 1992: Clint Eastwood

Oscar al mejor actor secundario 1992: Gene Hackman

Oscar al mejor director 1992: Clint Eastwood

Nominada al mejor guión 1992: David Webb Peoples

Nominada a la mejor dirección artística 1992: Henry Bumstead, Janice Blackie-Goodine Nominada a la mejor fotografía 1992: Jack N. Green

Oscar al mejor filme editado 1992: Joel Cox

Nominada al mejor sonido 1992: Les Fresholtz, Vern Poore, Dick Alexander, Rob Young EN LA LINEA DE FUEGO

In the Line of Fire (1993)

Thriller

128 minutos

Color

Productor: Jeff Apple

Director: Wolfgang Petersen

Guión: Jeff Maguire

Fotografía: John Bailey

Compositor: Ennio Morricone

Vestuario: Erica Edell Phillips

Intérpretes:

CLINT EASTWOOD: Frank Horrigan

JOHN MALKOVICH: Mitch Leary

RENE RUSSO: Lilly Raines

DYLAN McDERMOTT: Al D'Andrea

GARY COLE: Bill Watts

FRED DALTON THOMPSON: Harry

Un veterano agente del Servicio Confidencial llamado Horrigan (Clint Eastwood), a quien le gusta jugar con sus antagonistas, recibe una serie de llamadas telefónicas que amenazan con asesinar al presidente. El futuro asesino escoge a Horrigan porque sabe que el agente se siente culpable por no haber salvado la vida de John F. Kennedy hace 30 años.

El asesino se llama Mitch, y es interpretado por John Malkovich como un hombre inteligente, alterado, que usa nombres falsos para estar cerca del presidente. Siempre avisa a Horrigan de lo que planea hacer y cuándo lo hará. El presidente está efectuando su re-elección, y su jefe de personal (Fred Dalton Thompson) no quiere que parezca un cobarde.

Así, después de un par de alarmas falsas, Horrigan no consigue ser creído por el personal de la Casa Blanca.

El director es Wolfgang Petersen, quién logra crear el suficiente clima para que el espectador esté interesado siempre en el próximo minuto.

Eastwood está perfecto en el papel, como un hombre de larga experiencia y sentimientos profundos. El clímax de la película no sólo es excitante debido a su acción, sino también debido a su lógica entera. Las situaciones parecen convincentes, sobre todo la actuación de la Fuerza Aérea y algunas escenas rodadas supuestamente dentro de la Casa Blanca. Los efectos especiales son correctos cuando nos muestran a un joven Eastwood en 1963, junto al Presidente Kennedy. La dirección de las escenas finales es tan espectacular como hábil.

Premios:

Nominada al mejor actor secundario 1993: John Malkovich

Nominada al mejor guión 1993: Jeff Maguire

Nominada al mejor filme 1993: Anne V. Coates

UN MUNDO PERFECTO

A Perfect World (1993)

Drama/Crimen

137 minutos

Color

Productor: Mark Johnson y David Valdes

Director: Clint Eastwood

Guión: John Lee Hancock

Fotografía: Jack N. Green

Compositor: Lennie Niehaus

Vestuario: Erica Edell Phillips

Intérpretes:

KEVIN COSTNER: Butch Haynes

CLINT EASTWOOD: Red Garnett

LAURA DERM: Sally Gerber

T.J. LOWTHER: Phillip Perry

KEITH SZARABAJKA: Terry Pugh

LEO BURMESTER: Tom Adler

“Un mundo perfecto” contiene una fuga de la prisión, la toma de un rehén, una persecución por Texas, dos asesinatos, varios robos, y una confrontación final entre un fugitivo y un hombre de la ley. Bueno, realmente no se centra en ninguna de estas cosas, sino en un tema más profundo sobre la violencia del ser humano.

La película reúne dos actores que ya son dos iconos de la penúltima generación de actores americanos, un silencioso Kevin Costner, como el fugitivo que toma a un muchacho como rehén, y Clint Eastwood, en el papel de un Ranger de Texas que sale en su persecución.

La película nos sorprende pronto, al centrarse en la relación entre el fugitivo y el muchacho que ha tomado como rehén. En principio esa relación es dura, pero poco a poco parecen padre e hijo. El chico encuentra poco a poco en Costner al padre que nunca tuvo a su lado y por eso acepta huir con él por tierras de Texas.

Eastwood cuenta la historia de manera sorprendente, lo mismo que el final, que ningún espectador deseaba.

DON'T PAVE MAIN STREET: CARMEL'S HERITAGE (1994)

Sin datos

LOS PUENTES DE MADISON

The Bridges of Madison County (1995)

Romance/Drama

135 minutos Color

Productor: Kathleen Kennedy y Clint Eastwood

Director: Clint Eastwood

Guión: Richard LaGravenese

Intérpretes:

CLINT EASTWOOD: Robert Kincaid

MERYL STREEP: Francesca Johnson

ANNIE CORLEY: Caroline

VICTOR SLEZAK: Michael

Clint Eastwood en “Los puentes de

Madison”, nos demuestra que aún queda mucho que decir en el cine sobre el amor y el sexo, tan maltratados cuando los protagonistas son exclusivamente jóvenes. Nos demuestra que las cosas en la vida solamente suceden una vez y que, o las tomas en ese momento, o las pierdes para siempre. Es una llamada a todas aquellas personas maduras a quienes alguien les ha dicho que “ya no tienen edad para amar”, consejo a no tener en cuenta nunca.

Basada en una novela de Robert James Waller nos habla de un antiguo vendedor, de pocas palabras, pero sentimientos claros e intensos. Tiene una gran fantasía sobre el amor y el erotismo, siempre basada en su naturaleza viril, y por fin la materializa en un ama de casa sencilla, callada, a quien un día toma en brazos. Desde ese momento ella se siente más importante.

El resultado es una historia de amor maravillosa, totalmente alejada del glamour y las escenas de sexo que otros directores consideran imprescindibles. Para los admiradores de Eastwood supuso una sorpresa inmensa ver a su ídolo sin las ropas de vaquero, vistiendo y comportándose como cualquier hombre con 64 años que aún le queda mucho por vivir y disfrutar. Para los demás, es una llamada de atención para que no olvidemos a todas esas grandes estrellas que ya pasan de los 50 años.

Como aliciente, tenemos el papel de Kincaid (Eastwood), un fotógrafo del "National Geographic", una revista que goza de suficiente prestigio en todo el mundo como para que valoremos esos viejos puentes de Madison. También es entrañable la manera en que ella (Meryl Streep) se arregla instintivamente el cabello y la ropa para que ese desconocido la vea un poco más guapa. En ese momento ella se siente de nuevo mujer, algo que había olvidado hace mucho tiempo.

Pocas veces hemos visto en los últimos años una historia de amor tan intensa y con menos sexo. Todo en “Los puentes de Madison” brilla, hasta el final melodramático que parecía inevitable, en donde nos dicen que no siempre la cosa más importante de la vida consiste en encontrar la felicidad.

Premios:

Nominada a la mejor actriz 1995: Meryl Streep

CASPER

Casper (1995)

Sólo voz

THE STARS FELL ON HENRIETTA (1995)

Sólo como productor

PODER ABSOLUTO

Absolute Power 1997

Malpaso-CastleRock

Música: Lennie Niehaus

Fotografía: Jack N. Green

Productores: Clint Eastwood, Karen Spiegel

Director: Clint Eastwood

Guión: William Goldman

Intérpretes:

CLINT EASTWOOD

GENE HACKMAN

ED HARRIS

Basada en la novela de David

Baldacci, nos habla de un ladrón que, en su intento de robar lo más difícil, asiste al asesinato de una mujer a manos del mismísimo Presidente de los Estados Unidos. Pues como si se tratara de una reencarnación de Dimas, el buen ladrón, nuestro protagonista decide denunciar al magnatario sin importarle las consecuencias. En su camino aparecen un honrado inspector de policía, el temible servicio secreto del Presidente que buscan eliminar al molesto testigo, y los políticos que quieren sacar beneficio de todo.

Una vez más, Clint logra demostrarnos que aún es un experto director y un magnífico actor, a quien le quedan todavía muchos años de trabajo y muchos triunfos que mostrar.

MEDIANOCHE EN EL JARDIN DEL BIEN Y DEL MAL

Midnight in the Garden of Good and devil 1997

Malpaso-Warner bros

155 minutos

Música: Lennie Niehaus

Fotografía: Jack Green

Guión: John Lee Hancock

Basada en la novela de: John Berendt

Director y productor: Clint Eastwood

Intérpretes:

KEVIN SPACEY (Jim Williams)

JOHN CUSACK (John Kelso)

THE LADY CHABLIS (ella misma)

JACK THOMPSON: Sonny Selier

IRMA P. HALL: Minerva

JUDE LAW: Billy Hanson

Basada en un hecho real, nos relata el comportamiento de un pueblo y un jurado, ante un caso de asesinato en el que están involucrados una pareja de homosexuales.

Un joven escritor (John Kelso), se traslada a la ciudad de Savannah para cubrir la noticia sobre la fiesta de Navidad que va a dar Jim Williams, en su majestuosa propiedad llamada

“Mercer House”.

Tras la fiesta ocurre algo que dará un giro diferente al trabajo de Kelso, ya que Williams dispara contra Billy Hanson (su amante), alegando que ha sido en defensa propia.

Este hecho da argumento a Kelso para escribir un libro sobre el juicio. Mientras, Williams desde la prisión continúa con sus negocios aparentando gran tranquilidad. Está confiando en que el jurado le absolverá cuando descubran el comportamiento irracional y violento que tenía Billy, demostrando así su declaración de que actuó en defensa propia. El pueblo, sin embargo, no opinaba lo mismo.

EJECUCIÓN INMINENTE

True crime 1999

Director: Clint Eastwood

Guión: Larry Gross, Paul Brickman

Basada en la novela de: Andrew Klavan

Música: Lennie Nieheaus

Intérpretes:

Clint Eastwood

ISAIAH WASHINGTON

JAMES WOODS

DENIS LEARY

Cínico, frío, pero igualmente débil y justo, Eastwood es ahora el periodista Steve, un perdedor aparentemente, pero luchador en pos de una buena causa. Nuevamente toca la sensibilidad de los espectadores poniéndose de parte de un ciudadano negro y aunque con exageraciones, nos demuestra que la verdad no es tan sencilla, pues la maldad no es patrimonio de una raza o condición social.