CINE MUSICAL

Autor: © Adolfo Pérez Agustí

ISBN: 978-84-9827-945-0

Edita: Ediciones Masters

edicionesmasters@gmail.com

Índice

Presentación ............................................................................ 11

ACTORES Y ACTRICES ................................. 15

Ann-Margret ........................................................................ 17

Ann Miller ........................................................................... 21

Barbra Streisand .................................................................. 23

Bing Crosby ......................................................................... 25

Cid Charisse ........................................................................ 30

Debbie Reynolds ................................................................. 34

Donald O’connor ................................................................. 38

Elvis Presley ........................................................................ 41

Esther Williams ................................................................... 47

Frank Sinatra ....................................................................... 50

Fred Astaire ......................................................................... 58

Gene Kelly ........................................................................... 65

Ginger Rogers ...................................................................... 85

John Travolta ....................................................................... 89

Judy Garland ....................................................................... 96

Julie Andrews .................................................................... 101

Leslie Caron ...................................................................... 106

Liza Minnelli ..................................................................... 109

Marilyn Monroe ................................................................ 114

Mickey Rooney ................................................................. 122

Mitzi Gaynor ..................................................................... 125

Nicole Kidman .................................................................. 129

Olivia Newton-John .......................................................... 134

René Zellweger.................................................................. 137

Rita Hayworth ................................................................... 139

Vera-ellen .......................................................................... 147

PELÍCULAS ................................................................... 155

El cantor de jazz 1927 ....................................................... 157

Sombrero de copa 1935 ..................................................... 159

Sigamos la flota 1936 ........................................................ 163

El Mago de Ozz 1939 ........................................................ 164

Fantasía 1940 ..................................................................... 168

Desde aquel beso 1941 ...................................................... 170

Bailando nace el amor 1942 .............................................. 172

For me and my gal 1942 .................................................... 174

Las modelos 1944 .............................................................. 177

Levando anclas 1945 ......................................................... 179

Ziegfeld follies 1946 ......................................................... 183

Blue skies 1946 ................................................................. 186

La diosa de la danza 1947 ................................................. 187

Las zapatillas rojas 1948 ................................................... 190

Desfile de Pascua 1948 ..................................................... 191

El pirata 1948 .................................................................... 193

Words and music 1948 ...................................................... 197

Amor en conserva 1949 ..................................................... 199

Llévame a ver un partido 1949 .......................................... 202

Un día en Nueva York 1949 .............................................. 204

Three little words 1950 ..................................................... 210

Summer stock 1950 ........................................................... 212

Un americano en París 1951 .............................................. 215

Horas de ensueño1951....................................................... 221

Cantando bajo la lluvia 1952 ............................................. 222

La bella de Nueva York 1952 ............................................ 229

Moulin Rouge 1958 ........................................................... 231

Los caballeros las prefieren rubias 1953 ........................... 233

Cómo casarse con un millonario 1953 .............................. 237

Llámeme Señora 1953 ....................................................... 240

Carmen Jones 1954 ........................................................... 242

Música y lágrimas 1954 .................................................... 244

Brigadoon 1954 ................................................................. 247

Siete novias para siete hermanos 1954 .............................. 250

Luces de candilejas 1954................................................... 253

Navidades blancas 1954 .................................................... 256

Ellos y ellas 1955 .............................................................. 260

Oklahoma 1955 ................................................................. 262

Siempre hace buen tiempo 1955 ....................................... 264

Love me tender .................................................................. 268

¡Viva Las Vegas! 1956....................................................... 270

Alta sociedad 1956 ............................................................ 272

El Rey y yo 1956 ............................................................... 275

Cara de ángel 1957 ............................................................ 279

Invitación a la danza 1957 ................................................. 282

Soñar no cuesta dinero 1957 ............................................. 285

Las girls 1957 .................................................................... 287

El rock de la cárcel 1957 ................................................... 291

Pal Joey 1957 .................................................................... 293

King Creole 1968 .............................................................. 295

Con faldas y a lo loco 1959 ............................................... 298

El multimillonario 1960 .................................................... 303

Can-Can 1960 .................................................................... 307

Westside story 1961........................................................... 308

Cita en Las Vegas 1964 ..................................................... 312

Los paraguas de Cherburgo 1964 ...................................... 314

Qué noche la de aquel día 1964 ........................................ 316

Mary Poppins 1964 ........................................................... 318

My Fair Lady 1964 ............................................................ 322

Sonrisas y lágrimas 1965 ................................................... 326

Camelot 1967 .................................................................... 330

Oliver 1968 ........................................................................ 332

Las señoritas de Rochefort 1968 ....................................... 335

Chitty Chitty Bang Bang 1968 .......................................... 336

Submarino amarillo 1968 .................................................. 338

Millie, una chica moderna 1967 ........................................ 341

Funny girl 1968 ................................................................. 342

Al final del arco iris 1968 .................................................. 345

La leyenda de la ciudad sin nombre 1969 ......................... 347

Hello, Dolly! 1969 ............................................................. 349

La bruja novata 1971 ......................................................... 353

El violinista en el tejado 1971 ........................................... 355

Cabaret 1972...................................................................... 357

Godspell 1973.................................................................... 361

Jesucristo Superstar 1973 .................................................. 364

Érase una vez en Hollywood 1974 .................................... 367

The rocky horror picture show 1975 ................................. 370

Hollywood, Hollywood 1976 ............................................ 371

Fiebre del sábado noche 1977 ........................................... 373

New York, New York 1977 ................................................ 377

Grease 1978 ....................................................................... 380

Empieza el espectáculo 1979 ............................................ 385

Hair 1979 ........................................................................... 387

Fama 1980 ......................................................................... 389

Xanadú 1980 ..................................................................... 390

Granujas a todo ritmo 1980 ............................................... 393

Corazonada 1982 ............................................................... 396

Annie 1982 ........................................................................ 401

Víctor o Victoria 1982 ....................................................... 403

El muro 1982 ..................................................................... 407

Flashdance 1983 ................................................................ 408

Staying alive: La fiebre continúa 1983.............................. 410

Tal para cual 1983 ............................................................. 414

Yentl 1983 ......................................................................... 418

Amadeus 1984 ................................................................... 420

Beat street 1984 ................................................................. 424

That’s dancing! 1985 ......................................................... 425

Chorus line 1985 ............................................................... 428

La tienda de los horrores 1986 .......................................... 430

Dirty dancing 1987 ............................................................ 434

Gran bola de fuego 1989 ................................................... 435

The doors 1991 .................................................................. 437

That’s entertainment! III 1994 ........................................... 440

Evita 1995.......................................................................... 443

Todos dicen I love you 1996 ............................................. 445

Moulin Rouge 2002 ........................................................... 448

Chicago 2002 ..................................................................... 451

Presentación

Autor: Adolfo Pérez

Aunque inicialmente dependientes de los escenarios de Broadway y en gran medida inspiradas en esas obras, las películas musicales pronto consiguieron encontrar una fórmula propia, proporcionando un formulario de arte vital que aportaba un sabor escénico muy superior a cualquier espectáculo en directo. Quizá por ello, y durante 50 años, o incluso desde su nacimiento, el musical ha demostrado que es el Ave Fénix de la industria cinematográfica. Inmer-so en una competencia razonable con estilos tan dispares como el western, el cine épico, el romance y hasta las haza-

ñas bélicas, este género ha sido capaz de revivir una y otra vez, muy a pesar de los malos augurios de sus detractores, empeñados en condenarle al fracaso desde sus inicios. Y es que si hay un genio creativo que va unido siempre a cualquier producción cinematográfica, éste es indudablemente el musical, justo cuando el beso apasionado de dos enamorados es acompañado por la canción que ambos entonan acertadamente a dúo.

Hollywood produjo sus mejores musicales por lo menos hasta finales de los años cincuenta, y entre sus mejores 12 El cine musical

Adolfo Pérez

artífices están Ernst Lubitsch, Irving Berlin, Stanley Donen, Cole Porter, Arthur Freed, Vincente Minnelli y Gene Kelly. E incluso en los años sesenta y setenta, una serie de entusiastas que deseaban revivir el género nos asombró con Cabaret (1972), New York, New York (1977), Grease (1978) y, por supuesto, West Side Store (1961). Junto con estas películas, una nueva legión de estrellas llegaron a sustituir a las glorias anteriores, destacando Julie Andrews, Barbra Streisand, Liza Minnelli y John Travolta, este último menos reconocido como profesional de la música, pero indudablemente el artífice del gran éxito que constituyeron Fiebre del sábado noche y Grease.

Lejos quedaban ya los años gloriosos en donde las cá-

maras estacionarias debían obligar a que los actores no pudiesen mirar directamente a la cámara (al espectador, en suma), a lo que había que añadir la deficiente calidad de la grabación sonora. Eso indudablemente ocasionaba un problema para el director y los actores, pues los planos debían ser muy largos y los errores mínimos, prueba que solamente pasaban con éxito los más hábiles. Los números musicales estaban inspirados en el teatro, por eso hay tantas esca-leras y colorido en las películas antiguas, debiendo engatu-sar al espectador precisamente por ello, sin que el director tuviera demasiadas posibilidades de incorporar escenas atrevidas. Con el tiempo, el teatro filmado fue desechado y se buscaron historias creadas específicamente para la pantalla grande, siendo la música una parte esencial, pero no necesariamente la más importante.

La mayoría de los productores cinematográficos, sin embargo, sentían que la única manera de introducir canción y números del baile en la narrativa estaba en el decorado mismo, una creencia que llevó a la popularidad y prolifera-ción del bastidor musical. Poco tiempo después se dieron Presentación 13

cuenta de que el sonido (que se incorporó doblado) debía poseer cierta poesía visual no contradictoria y las canciones tenían que estar ya justificadamente insertadas en el argumento.

La vieja fórmula de los años veinte y treinta era considerada ya estática, y desde que Gene Kelly sacó a sus muchachos a la calle en Un día en Nueva York, todos los estudios lo consideraron una necesidad, aunque muchos años después, con la llegada de Moulin Rouge, las cosas parecen haber vuelto a su cauce, tal y como Broadway insiste. El Technicolor fue decisivo, lo mismo que el sonido estereofónico, pero los espectadores de finales de los años 50 no parecían intere-sarse ya por este género que consideran almibarado, demasiado pueril y con unas historias de amor que no acababan de encajar ya en la belicosa realidad urbana. Las Melodías de Broadway comenzaban a declinar sin aparente remedio y el glamour de Hollywood parecía perdido definitivamente, hasta que dos filmes realizados a comienzos del siglo XXI, Moulin Rouge y Chicago, consiguieron conquistar de nuevo a los espectadores.

De cualquier manera, todavía no estamos en la mejor época para el cine musical y hasta podríamos considerar que a partir de la década de los 90 nadie daba ya ni un centavo por esta opción cinematográfica. No obstante y como veremos a continuación, fueron precisamente las pe-lículas musicales las que dieron esplendor -y dinero- al cine de Hollywood y es lógico pensar que estamos solamente en un compás de espera para que una nueva época de glamour vuelva a inundar las salas de cine.

Los motivos por los cuales este tipo de cine fue poco a poco cayendo en desgracia aparentemente son bastante claros, y el público ha sido el mayor causante por sus nuevos 14 El cine musical

Adolfo Pérez

hábitos sociales, aunque no el detonante. Mientras que en la época dorada comprendida entre los años 40 y 50 los protagonistas de este género eran ante todo auténticos bailarines y cantantes (recuerden si no a Fred Astaire o Vera-Ellen, por poner unos ejemplos), metidos casi a la fuerza a interpretar papeles de actores, posteriormente se hicieron toda clase de aberraciones innecesarias y vimos bailar a personas cuyas habilidades no eran mayor que un bailarín de discoteca, y esto era algo que el público sabía perfectamente.

Ver a una Jennifer Beals simular pasos de baile en

“Flashdance” (realmente tuvo que ser doblada por Irene Cara), o a John Travolta cantar con la voz de los Bee Gees mientras bailaba lo que entonces se denominó como el estilo más hortera de la historia, fue tan decepcionante como asistir al doblaje de Julie Andrews en “Mary Poppins”. En pocos años, pasamos de asistir a un espectáculo lleno de colorido, trajes bien diseñados, canciones de Cole Porter o Irving Berlin y bailes ejecutados por los mejores bailarines del mundo, a ver a jóvenes en vaqueros bailando en una discoteca y al mismísimo Jesucristo cantando una ópera rock. Demasiado contraste para el espectador.

Esperamos, estamos seguros, que cual Ave Fénix algún productor sacará de su letargo al buen cine musical y pronto podamos contemplar de nuevo el género que más gloria proporcionó al cine norteamericano. Woody Allen ya lo ha intentado con bastante acierto, aunque sus limitaciones presupuestarias le impiden dar el espectáculo que seguramente desearía.

ACTORES

Y

ACTRICES

Ann-Margret

Una de las grandes sex-symbols de los años 60 y 70, y una estrella a quien todavía se suele recordar bailando con Elvis Presley mientras suena la canción “Viva Las Vegas”.

Ann-Margret Olsson nació el 28 de abril de 1941 en Vals-joby (Suecia), pero en 1948, cuando apenas contaba siete años de edad, se trasladó con sus padres a la ciudad estadounidense de Chicago. Pronto sintió inquietudes artísticas y comenzó a trabajar en su adolescencia en espectáculos musicales de cabaret, siendo descubierta por el actor y co-mediante Edward Burns, quien la llevó a la ciudad del juego, Las Vegas, para actuar como cantante y bailarina. Desde allí hasta Hollywood, todo sucedió muy rápidamente.

Debutó en el cine en 1961, en el filme de Frank Capra

“Un gángster para un milagro”, donde tuvo un modesto papel como la hija de Bette Davis. En esos primeros años de actriz ya se vislumbraba su atractivo sexual, interviniendo en “Un beso para Birdie” (1963), “Como en una pesadilla” (1964), “The Pleasure Seekers” (1964) –una película ambientada en España–, y especialmente en “Cita en las Vegas” (1964), filme musical dirigido por George Sidney en la cual compartía cartelera con Elvis Presley.

18 El cine musical

Adolfo Pérez

Actores y actrices 19

Considerada con frecuencia como una agradable bailarina que mostraba sus esplendorosas piernas, con el tiempo demostró que era algo más, tal y como vimos en “El rey del juego” (1965), con Steve McQueen y Edward G. Robinson, y “El último homicidio” (1965), con Alain Delon.

Indudablemente sus admiradores eran varones, aunque eso no impidió que trabajara siempre al lado de actores de tanto 20 El cine musical

Adolfo Pérez

prestigio como Dean Martin o Vittorio Gassman, sin olvidar a Jack Nicholson en “Conocimiento carnal”, filme por el cual obtuvo una nominación a la mejor actriz secundaria.

En los años 70 retornó a Las Vegas en su faceta de cantante y bailarina, y todo hubiera ido sobre ruedas si un desdichado accidente no la hubiera desfigurado el rostro, aunque la cirugía estética la recompuso con cierta preci-sión su anterior rostro. Cuando regresó a la pantalla lo hizo con eficacia en “Funeral en Los Ángeles” (1973) de Jacques Deray, y muy especialmente con su trabajo en la ópera rock

“Tommy” (1975), por el cual fue de nuevo nominada al Oscar. Posteriormente su carrera proseguiría con películas menores y telefilmes a lo largo de las sucesivas décadas.

Ann-Margrett contrajo matrimonio en 1967 con el actor Roger Smith (“El hombre de las mil caras”), el cual se retiró del cine para convertirse en su manager.

Filmografía esencial

1961 UN GÁNGSTER PARA UN MILAGRO

1963 UN BESO PARA BIRDIE

1963 CITA EN LAS VEGAS

1965 HACIA LOS GRANDES HORIZONTES

1965 CITA EN PARÍS

1966 MATT HELM, AGENTE MUY ESPECIAL

1971 CONOCIMIENTO CARNAL

1974 TOMMY

1978 CACTUS JACK

1986 52 VIVE O MUERE

1987 UN TIGRE EN LA ALMOHADA

1994 DOS VIEJOS GRUÑONES

Actores y actrices 21

Ann Miller

Ann Miller (cuyo nombre real es el de Johnnie Lucille Collier), nació el 12 de abril de 1923 (otras fuentes citan 1921 e incluso 1919) en la localidad tejana de Houston.

Aunque los datos no son fiables, algunos comentaristas de entonces dicen que harta su madre de soportar las infidelidades de su marido, prestigioso abogado, se marchó con su hija a California, lugar en el cual comenzó desde muy niña a estudiar danza, apareciendo en público cuando contaba apenas diez

años. Esta expe-

riencia tan tem-

prana le llevó al

mundo del cine a

mediados de los

años 30, intervi-

niendo como ex-

tra en títulos

como “Anne of

Green Gables”

(1934) de Geor-

ge Nicholls Jr., o

“Una chica ange-

lical” (1934) de

William Wyler.

Es posible que

desde el primer

filme cambiara

ya su nombre por

el de Ann Miller,

más fácil de pro-

nunciar y recor-

dar.

22 El cine musical

Adolfo Pérez

En 1937 firmó con la RKO y empezó ya a acaparar más minutos en la pantalla, aunque todavía sin lograr ningún primer papel. Sus películas más importantes en esa época fueron “Damas del teatro” (1937) de Gregory la Cava, “El hotel de los líos” (1938) junto a unos desquiciantes Hermanos Marx, y “Vive como quieras” (1938), film dirigido por Frank Capra que protagonizaban James Stewart, Jean Arthur y Lionel Barrymore.

Indudablemente sus bien formadas piernas habían llamado la atención de los productores y aunque su estilo de baile era pesado y en cierto modo poco elegante, su entusiasmo y simpatía se impusieron y durante los años 40 y 50 alcanzó bastante renombre. De esa época podemos destacar: “Go west, young lady” (1941) de Frank Stayer, “Hey Rookie” (1944) de Charles Barton, “Easter Parade” (1948) de Charles Walters, “Un día en Nueva York” (1949) de Stanley Donen y Gene Kelly, “Kiss me Kate” (1953) de George Sydney, y “The Opposite Sex” (1956) de David Miller.

Sentimentalmente, contrajo matrimonio en tres ocasiones, con Reese Milner y con los magnates del petróleo Bill Moss y Arthur Cameron, siendo también compañera sentimental de Louis B. Mayer y del político Bill O’Connor.

Los sucesivos divorcios y la muerte de sus maridos la proporcionaron una gran fortuna que ha podido disfrutar dada su gran longevidad.

Retirada voluntariamente de la pantalla grande en 1956, Ann siguió trabajando principalmente en el mundo de la televisión y en el teatro, cosechando en el año 1979 un triunfo comercial en Broadway con “Sugar Babie”, una obra co-protagonizada por Mickey Rooney.

Actores y actrices 23

Barbra Streisand

Esta cantan-

te, actriz y di-

rectora estado-

unidense, nació

el 24 de abril de

1942 en Broo-

klyn, Nueva

York. Una vez

finalizados sus

estudios de ins-

tituto en el año

1959 se trasla-

dó a Manha-

ttan, en donde

pronto consi-

guió trabajo en

nightclubs de

Nueva York, de-

butando en

Broadway como

cantante en 1962 con “I Can Get It For You Wholesale”.

Esta obra de reconocido éxito le llevó directamente al cine en 1963, al firmar un contrato con la Columbia. Afortunadamente no abandonó los escenarios y al año siguiente consiguió otro triunfo en Broadway con “Funny girl”, obra por la cual fue nominada por segunda vez a un Tony. Aunque no lo consiguió, cuando cuatro años después interpretó la misma obra para el cine consiguió ganar un oscar a la Mejor Actriz, consolidando así, simultáneamente, su fama como cantante y actriz. Sus discos, además, alcanzaron no solamente gran prestigio, sino que sus ventas millonarias la aseguraron su reputación como cantante.

24 El cine musical

Adolfo Pérez

Su mejor época la tuvo durante los años 60, con numerosos discos que alcanzaron los primeros puestos en la lista de éxitos, llegando así a los años 70, en un momento en el cual parecía no poder aportar nada nuevo a los aficionados. Sin embargo, su gran vivacidad y dinamismo se conta-giaba y nuevamente consiguió situarse en los primeros puestos musicales, llegando a grabar un número uno con Neil Diamons y Donna Summer, colaborando igualmente con Barry Giba, miembro de los Bee Gees. Con su primer Grammy musical, Barbra Streisand consiguió demostrar que el triunfo para una mujer podía lograrse sin tener un físico sexy, ni un rostro angelical. Opuesta desde siempre a tener que operarse la nariz simplemente para que sus fans estu-vieran contentos, consiguió agradar por igual a hombres que a mujeres, llegando a tener como pareja cinematográfi-ca nada menos que a Robert Redford.

En 1976, produce, protagoniza y escribe algunas canciones para “Ha nacido una estrella”, siendo la primera mujer compositora con una concesión de la Academia, galardón que alcanzó por la canción “Evergreen”. Este éxito fue el detonante para incorporarse decididamente al géne-ro más intimista y con el filme “Yentl” de 1983, conmovió a los espectadores con su papel de una mujer judía que debe disfrazarse de chico para estudiar el Talmud. Si tenemos en cuenta que, además, fue co-guionista, productora, directora e intérprete, nos daremos cuenta de la gran capacidad que posee. Creó la “Barbra Streisand Foundation” en 1987 para impulsar causas políticas liberales, siendo igualmente conocida por su apoyo hacia asociaciones que de-fienden los derechos humanos, gays y mujeres maltrata-das. Contrajo matrimonio con Elliott Gould (con quién trabajó en “I Can Get it For You Wholesale”) en 1963 y se separaron en 1971, teniendo ambos un hijo, Jason Gould, también actor.

Actores y actrices 25

Sentimentalmente se le reconocen romances con el productor Jon Peters, los actores Ryan O’Neal, Don Johnson, y Liam Neeson, y posiblemente con el tenista Andre Hageis.

En 1998 se casó con el actor James Brolin, en una ceremonia celebrada en su hogar en Malibú, California.

Filmografía esencial

1963 I CAN GET IT FOR YOU WHOLESALE

1968 FUNNY GIRL

1969 HELLO, DOLLY!

1970 VUELVE A MI LADO

1970 ¿QUÉ TAL, PUSSYCAT?

1972 ¿QUÉ ME PASA DOCTOR?

1973 TAL COMO ÉRAMOS

1974 FOR PETE’S SAKE

1975 FUNNY LADY

1976 HA NACIDO UNA ESTRELLA

1979 COMBATE DE FONDO

1981 ALL NIGHT LONG

1983 YENTL

1987 NUTS

1991 EL PRÍNCIPE DE LAS MAREAS

1996 THE MIRROR HAS TWO FACES

Bing Crosby

Hasta la llegada de Elvis Presley, Crosby fue el cantante que más discos vendió en el mundo entero, estimándose en 25 millones de copias su versión de “Navidades Blancas”.

Con su voz melodiosa, casi un susurro, capaz de llegar a las notas más bajas sin problemas, y sin necesitar la mayoría de las veces nada más que una guitarra o un piano que le

26 El cine musical

Adolfo Pérez

acompañasen, este cantante marcó un estilo imposible de cubrir.

Nacido en Tacoma (Washington), en 1904, Harry Lillis Crosby empezó a cursar estudios de derecho, que poco a

Actores y actrices 27

Como el padre O’Malley

poco fue dejando debido a sus aficiones musicales. Aunque inicialmente se le conoció por su verdadero nombre, poco después lo sintetizaría bajo el seudónimo de Bing Crosby, posiblemente inspirado en un personaje de cómic que le gustaba mucho y a quien se parecía.

Después de ser un discreto batería y de trabajar como solista de orquestas de baile, debutó en el cine en el filme

“El rey del jazz”, en 1930, película con la cual sería dado a conocer en una carrera meteórica. Quizá de un modo pre-cipitado, lo cierto es que firmó un contrato casi vitalicio con la Paramount Pictures, estudios con los cuales realizó casi todas sus películas, algunas de ellas sin apenas interés artístico. Simultáneamente a su trabajo en el cine, sus discos causaban verdadero furor en la época.

28 El cine musical

Adolfo Pérez

Aunque como actor fue discreto, con personajes igualmente discretos en los que era casi imposible destacar, lo más importante era consolidar su figura como cantante de discos, faceta en la cual no tenía rival, ni antes ni ahora.

No obstante, su tesón por no ser simplemente un cantante que hacía películas, le llevó a mejorar su registro dramáti-co, culminando con su estupendo papel del padre O’Malley en “Siguiendo mi camino”, filme que le proporcionó un Oscar en 1944 al mejor actor. Ello afianzó aún más su popularidad en los Estados Unidos, aunque en una entrevista reconoció que no se consideraba el mejor actor del año y que el premio se debía más que nada a la simpatía y popularidad de que gozaba. Al año siguiente sería nominado al Oscar al mejor actor por el filme “Las campanas de Santa María”.

Al igual que otros actores, su éxito en el cine le llegó de la mano de otro incombustible actor, el popular Bob Hope, con quien inauguró en 1940 la larga serie “Camino de…”, unas películas desenfadadas y sin pretensiones en las cuales sus protagonistas hacen chistes, cantan canciones y enamoran a alguna guapa chica. La pretensión de los productores era solamente lograr una película comercial y risueña, pues el país y el mundo no estaban todavía para risas.

Pero en el año 1954 Crosby volvió a asombrar al público con dos acontecimientos cinematográficos: interpretó el filme “La angustia de vivir” por el cual fue nominado al Oscar como el mejor actor, y protagonizó “Navidades blancas”, una de las películas más taquilleras de ese año y gracias a la cual vendió 25 millones copias de la melodía que da origen al título.

Su carrera cinematográfica empezaba, no obstante, a declinar a causa de sus años, aunque logró revivir con su Actores y actrices 29

agradable interpretación en “Alta sociedad”, en donde enamoraba a la inigualable Grace Kelly al son de un bandoleón.

En el filme les oímos cantar a dúo “True Love”, la única vez que Grace cantó en el cine, constituyendo un rotundo éxito que arrastró a ambos.

Pero como siempre ocurre en la vida de las grandes personas, y aunque la fortuna y el éxito le acompañó, sus detractores fueron numerosos, especialmente su hijo Gary, quien una vez fallecido Crosby publicó una biografía despiadada de su padre, al que acusaba de ser inflexible, nada cariñoso y casi un sádico por estar trabajando en Pa-rís cuando su madre Dixie estaba enferma. No obstante, no se olvidó de reclamar su parte de la herencia, aunque hubo de compartirla con su hermana Mary, también actriz, y sus otros dos hermanos. Su segunda mujer, no obstante, nunca reconoció ese mal comportamiento de Crosby y dijo que fueron los celos y la herencia lo que motivó el comportamiento de su hijo. En 1980, tres años después de la muerte de Bing Crosby, dos de sus hijos, los gemelos Denis y Lindsay, se suicidaron.

Filmografía esencial

1930 EL REY DEL JAZZ

1935 LLUVIA DE ESTRELLAS

1940 CAMINO DE SINGAPUR

1941 CAMINO DE ZANZÍBAR

1942 CAMINO DE MARRUECOS

1944 SIGUIENDO MÍ CAMINO

1945 LAS CAMPANAS DE SANTAMARÍA

1946 CAMINO DE UTOPÍA

1947 CAMINO DE RÍO

1948 EL VALS DEL EMPERADOR

1952 CAMINO DE BALI

30 El cine musical

Adolfo Pérez

1954 LA ANGUSTIA DE VIVIR

1954 NAVIDADES BLANCAS

1956 ALTA SOCIEDAD

1962 CAMINO DE HONG KONG

1964 CUATRO GÁNGSTERES DE CHICAGO

1972 CANCEL MY RESERVATION

Cid Charisse

Tula Ellice Fenklea nació el 8 de marzo de 1922 en Amarillo, Texas. Considerada como una niña prodigio del ballet clásico, al que acudió bajo el seudónimo de Maria Istomina, bailó en los Ballets Rusos de Montecarlo, trabajando con David Lichine, Leonid Massine, Bronislava Nijinska y Michel Fokine. En el año 1939 contrajo matrimonio con su profesor de danza Nico Charisse, comenzando al poco tiempo a trabajar en el cine como extra.

En 1943 hizo su debut como actriz de reparto en “Something to Show About”, bajo el pseudónimo de Lily Nor-wood, y posteriormente como una bailarina del Bolschoi en “Mission to Moscow” de Michael Curtiz. Sus largas y bien torneadas piernas, así como sus extraordinarias dotes para dramatizar los bailes, le hicieron ser elegida para bailar junto a Fred Astaire en “Ziegfeld Follies” de Vicente Minnelli. También fue importante su trabajo en “The Harvey Girls”, de George Sidney, con Judy Garland, en donde también demostró que era una buena cantante, lo que le permitió codearse posteriormente con estrellas de la talla de Margaret O’Brian, Esther Williams y Kathryn Grayson.

Sin embargo, la Metro quizá se cansó algo de esta espectacular bailarina y tratando de sacarla del encasillamiento,

Actores y actrices 31

en 1949 la propuso interpretar “Tensión” de John Berry, en donde ni cantó ni bailó, lo mismo que le sucedió en

“Mundos opuestos” de Mervyn LeRoy, con Barbara Stanwyck y James Mason.

32 El cine musical

Adolfo Pérez

Otros papeles similares, con los cuales su declive popular como actriz era ya notorio, fueron “El signo del renega-do” (1951), en la que bailó con Ricardo Montalbán y “Norte Salvaje” en 1952.

Casada con el cantante Tony Martin desde 1948, lograría resurgir interpretando uno de sus mejores bailes en “Cantando bajo la lluvia” en 1952. De nuevo recogió los aplausos del público, y aunque era simplemente una secundaria que bailaba encandilando a Gene Kelly, le sirvió para que la tuvieran en cuenta como co-protagonista en “Melodías de Broadway 1955”, una maravillosa película sobre un bailarín venido a menos interpretado por Fred Astaire. Después llegó la maravillosa opereta “Brigadoon” (1954) nuevamente con Gene Kelly, con quien vive un apasionado romance.

En esa época ya quedaba claro que Charisse era simultá-

neamente una buena actriz y bailarina, así como una adecuada cantante, lo que le permitió interpretar en 1957 la versión musical de “Ninotchka” que dirigió Rouben Mamoulian y que se renombró como “La bella de Moscú”.

Desdichadamente y aunque un año después alcanzó otro merecido triunfo por “Chicago años 30”, y “El crepúsculo de los audaces”, la Metro parecía estar cansada de esta bailarina con dotes de actriz, y no la renovó el contrato.

Se marchó a Francia y cuando volvió tenía ya una nueva oferta, esta vez de Vicente Minnelli, para un papel de vam-piresa en “Dos semanas en otra ciudad”, y aunque podemos considerarlo como uno de sus mejores trabajos, el filme no resultó bien comercialmente y el declive de Charisse era ya irreversible. Decidida a no apartarse del mundo del espectáculo, siguió actuando en diversos shows de televisión y teatro junto a su marido Tony Martin, volviendo en

Actores y actrices 33

1992 a Broadway con el musical “Grand Hotel”, donde fue muy aclamada por el público.

Filmografía esencial

1943 SOMETHING TO SHOUT ABOUT

34 El cine musical

Adolfo Pérez

1946 ZIEGFELD FOLLIES

1948 WORDS AND MUSIC

1952 THE WILD NORTH

1952 CANTANDO BAJO LA LLUVIA

1953 MELODÍAS DE BROADWAY 1955

1954 BRIGADOON

1955 SIEMPRE HACE BUEN TIEMPO

1956 ¡VIVA LAS VEGAS!

1957 LA BELLA DE MOSCÚ

1958 CHICAGO AÑOS 30

1958 EL CREPÚSCULO DE LOS AUDACES

1962 DOS SEMANAS EN OTRA CIUDAD

1978 LOS CONQUISTADORES DE ATLANTIS

1990 VISIONI PRIVATI

Debbie Reynolds

Dinámica, risueña, menuda, y capaz de hacer sonreír al espectador más gélido, Debbie Reynolds fue una eterna actriz de reparto que nunca defraudó a sus admiradores, pues aportaba el adecuado soporte para que los protagonistas consiguieran destacar más que ella misma.

Reynolds era una adolescente gallarda, pequeña y lista, cuando empezó a trabajar en el cine en el filme “June Bride” (1948), convirtiéndose en poco tiempo en una popular estrella del cine musical y comedias de amor, aportando siempre una imagen de muchacha sincera y alegre.

Pero ella parecía ser eternamente una chica joven y vi-varacha, sumamente inocente, demasiado estereotipada como para convertirse en una gran estrella, aunque como veremos ahora, esa misma imagen fue suficiente.

Actores y actrices 35

Mary Frances Reynolds había nacido en El Paso, Tejas, y pronto se marchó a California, donde realizó una prueba para la pantalla en los estudios Warner Bros. Después de

36 El cine musical

Adolfo Pérez

Con Gregory Peck, fallecido en junio de 2003

unos meses en los cuales filmó dos películas, fue transferi-do su contrato a la MGM comenzando su trabajo con

“Three Little Words” en 1950, adquiriendo fama como la muchacha del boop boop doop. En esta escena es observa-da atentamente por Fred Astaire, mientras ella canta una horrenda canción acompañada al piano por Red Skelton.

Dos años después realizó el papel que la llevaría rápidamente al estrellato con la película “Cantando bajo la lluvia” (1952), demostrando estar dotada especialmente para la comedia y el baile, criterio que se afianzó cuando hizo

“The Tender Trap” en 1955. Después se involucró en “The Catered Affair” (1956), un filme dramático que fue muy Actores y actrices 37

mal aceptado, quedando claro que ese no era el camino y que el público deseaba verla como una chica alegre, por lo que volvió a la comedia ese mismo año con “Bundle of Joy”.

Casada con el cantante Eddie Fisher, su nombre salió en las portadas de todas las revistas del corazón cuando su hasta entonces feliz matrimonio se disgregó a causa de la actriz Elizabeth Taylor. El romance entre ambos fue tan intenso que él se divorció de Debbie Reynolds y se casó con Liz en 1959.

Otras películas importantes fueron “Empezó con un beso” (1959), “Pepe” (1960) en la cual hace un número musical junto a Cantinflas, y “Molly Brown, siempre a flo-te” (1964), incorporándose a la escena de Broadway con el musical “Irene”

También intervino en “Esto es espectáculo” I y III (1974

y 1994), “El guardaespaldas” (1994), “Mother” (1996) y sorprendiendo a todos, en 1997 vuelve al cine con más fuerza que nunca en la comedia “Dentro o fuera” (In & Out), junto con Kevin Kline y Tom Selleck.

Filmografía esencial

1948 JUNE BRIDE

1950 THREE LITTLE WORDS

1952 CANTANDO BAJO LA LLUVIA

1954 SUSAN SLEPT HERE (Las tres noches de Susana) 1956 ¡VIVA LAS VEGAS!

1959 EMPEZÓ CON UN BESO

1960 PEPE

1963 MY SIX LOVES (Mis seis amores)

1964 GOODBYE CHARLIE

38 El cine musical

Adolfo Pérez

1964 MOLLY BROW, SIEMPRE A FLOTE

1967 DIVORCIO A LA AMERICANA

1971 ¿QUÉ LE PASÓ A HELEN?

1974 THAT’S ENTERTAINMENT! (Esto es Hollywood) 1992 THE BODYGUARD (El guardaespaldas) 1994 THAT’S ENTERTAINMENT! II

1997 IN & OUT

Donald O’Connor

Nacido en Chi-

cago, Illinois, en

1925, empezó su

trabajo en el es-

pectáculo como

un personaje de

circo, incorporán-

dose pronto al

mundo del vaude-

ville. El mayor

atractivo de O’Co-

nnor era el ser un

buen entretenedor

profesional, lo que

quedó ampliamen-

te demostrado

cuando debutó en

la pantalla con 13

años en “Sing, You Sinners” junto a Bing Crosby, en un número memorable en el que demostró sus extraordinarias cualidades para bailar, cantar y hacer reír. Anteriormente había realizado una pequeña intervención en el filme

“Melody For Two”.

Actores y actrices 39

Con Ethel Merman

Aunque posteriormente intervino en numerosas películas haciendo de chico simpático que casi nunca enamoraba a la guapa protagonista, consiguió trabajar más que la mayoría de los actores del momento, realizando 27 películas entre 1937 y 1949, año en el cual consiguió un éxito de público total… al lado de la mula Francis. No era el papel más deseado, pero ganó más dinero con este personaje que otros actores con papeles más serios. En 1955, con “Francis en la marina” abandonó su trabajo con tan increíble compañera de reparto y se incorporó, afortunadamente, a otros tipos de filmes más ambiciosos, aunque el éxito no le acompañó por igual.

Pero O’Connor era algo más que un sencillo bailarín de cara risueña, pues sus habilidades llegaron a asombrar incluso al mismísimo Gene Kelly, quien en ocasiones se sentía incapaz de seguirle en su mímica y acrobacias, por lo 40 El cine musical

Adolfo Pérez

que terminaban por bailar por separado, cada uno con su estilo. Secuencias de recuerdo imborrable hay muchas, pero deberíamos destacar especialmente “Haz reír” de “Cantando bajo la lluvia”, en donde nos deleita con una de las escenas más largas en la historia del musical, sin acusar en ningún momento cansancio en su rostro.

Si hubiera tenido un físico más seductor y le hubieran puesto a su lado chicas guapas a quien enamorar, seguramente ahora sería una leyenda del cine musical. En la televisión europea le pudimos ver varias veces y le recordamos más recientemente en el filme “Rumbas a la carta”, en donde comparte cartelera nada menos que con Jack Lemmon.

Detrás de la vida profesional de este inquieto y versátil actor quedan títulos tan memorables como “Cantando bajo la lluvia” (1952), “Llámeme Señora” (1953), “The Buster Keaton Story” (1957), “Esto es espectáculo I” (1974),

“Ragtime” (1981), “Toys” (1992) y “Esto es espectáculo III” (1994).

Filmografía esencial

1937 MELODY FOR TWO

1938 LAS AVENTURAS DE TOM SAWYER

1939 BEAU GESTE

1949 FRANCIS (Mi mula Francis)

1951 FRANCIS GOES TO THE RACES (Francis en las carreras)

1952 FRANCIS GO WEST (Francis en el oeste) 1952 CANTANDO BAJO LA LLUVIA

1953 CALL ME MADAM (Llámeme señora)

1955 FRANCIS IN THE NAVY (Francis en la marina) 1957 LA HISTORIA DE BUSTER KEATON

1974 THAT’S ENTERTAINMENT! (Esto es Hollywood)

Actores y actrices 41

1981 RAGTIME

1982 PANDEMONIUM

1992 TOYS

1994 THAT’S ENTERTAINMENT! III (Esto es bailar) 1997 RUMBAS A LA CARTA

Elvis Presley

Cuando un cantante logra tener después de muerto un museo de su obra en la ciudad donde se crió (al que acuden miles de turistas al año), docenas de clubes de fans disemi-nados por todo el

mundo, bares y

restaurantes que

llevan con orgullo

su nombre, y sus

discos se siguen

vendiendo por

millones, es una

clara señal de que

se le puede consi-

derar una leyen-

da.

Elvis Presley

tuvo en vida nu-

merosos imi-

tadores y también

otros compañeros

de profesión que

lograban ventas

de discos millona-

rias, como es el

42 El cine musical

Adolfo Pérez

caso de Paul Anka y Frank Sinatra, pero ninguno de ellos pudo arrebatarle el sobrenombre de “El Rey”.

Con Elvis Presley no hay incógnitas que despejar, puesto que ya tiene un puesto en la historia de la música moderna. Sus canciones siguen siendo motivo de admiración para las nuevas generaciones y sus discos ocasionando cifras de ventas vertiginosas, sin que exista hasta el momento otro cantante que le pueda hacer sombra.

En 1956, muerto ya el ídolo del cine James Dean y cuando se estaba preparando el estreno de “Gigante”, la pelícu-la que le consagraría de una manera definitiva, se escucha por primera vez el nombre de Elvis Presley y la prensa le dedica ya unas pocas líneas. Paralelamente, el público es informado del aumento de la delincuencia juvenil mediante bandas organizadas, al mismo tiempo que culpan en parte a James Dean y Marlon Brando de los cambios tan grandes que la juventud está teniendo. Pues justo en esos días aparece un cantante de veintiún años, cuya presencia en los escenarios genera grandes histerias, intérprete de un estilo de música al que denominan Rock and Roll, un estilo deca-dente, aunque ligado de alguna manera al jazz.

Sus comienzos son casi una anécdota, ya que en su recorrido habitual como camionero estaba una pequeña compañía discográfica denominada Memphis Recording Service, y un día, con apenas cuatro dólares en el bolsillo, decide hacerle un regalo a su madre por el día de su cumpleaños.

Acompañado por su primo acude a una de las diversas ca-binas musicales de grabación, en las cuales cualquier persona puede dejar impresa su voz en un arcaico disco de vinilo. Ayudándose con su guitarra, interpreta una balada ciertamente cursi titulada “That’s When Your Heartaches Begin”, la cual recita más que canta. Por la otra cara graba

Actores y actrices 43

la canción que dedicaría a su madre, “My Happiness”. Hay quien afirma que, una vez que escucha su propia voz, se queda horrorizado y rompe el disco allí mismo, aunque también existe otra versión que afirma que efectivamente se lo entregó a su madre el día de su cumpleaños.

Pero el joven reincide y al día siguiente acude a una emisora más seria de grabación, la Sun Records Company, y pide efectuar una grabación particular en un estudio 44 El cine musical

Adolfo Pérez

decente. “Quiero grabar ‘My Apines’ –explica –, pero no quiero que se parezca a la que canta Bing Crosby. Deseo que se parezca a mí, que suene a Elvis Presley cantando”.

La canción es escuchada por la Miss Radio Local, quien queda ciertamente impresionada por la voz del joven. Hace una copia de la grabación y se la envía a Sam Phillips, propietario de la casa Sun Records, la casa matriz de la Memphis Recording Service, con una nota que lo describe como un buen cantante de baladas, en la misma línea que los cantantes negros.

El verano de 1954 comienza el nacimiento de un ídolo que marcaría toda una época en la música moderna. Elvis graba un modesto single en una de cuyas caras canta un blues suave titulado “That’s All Right, Mama”, el cual fue popularizado hace años por un cantante negro de nombre Big Boy, pero que la voz de Elvis transformaba en una estupenda canción country, con un gran ritmo y vigor. La otra cara del disco contenía otra canción country muy popular entonces, titulada “Blue Moon of Kentucky” que era trans-formada en un blues romántico. El resultado fue tan bueno que su estilo empezó a ser reconocido como “rockabilly” o

“country rock”, con fuerte impacto sureño, aunque posteriormente nadie dudaría ya en definirlo como “rock and roll”. Había nacido Elvis Presley.

Luego llegaría el cine, las actuaciones en directo y en la televisión, la censura para que nadie pudiera ver el conto-neo provocativo de sus caderas, su boda con Priscila y el olvido de sus fans que coincidió con la llegada de Los Beatles.

Sin embargo, el delirio llegó de nuevo en 1968 cuando ac-tuó en directo en Las Vegas, aunque poco antes había conseguido nuevamente encandilar al público con su canción

“In The Ghetto”. Pero en 1976, después de realizar más de

Actores y actrices 45

200 conciertos en directo, su peso ha crecido tanto que le hacen sentirse enfermo. En realidad padece hidropesía, posiblemente ocasionada por la mezcla de anfetaminas y diuréticos que su médico le recetaba alegremente.

Y así, el 16 de agosto de 1977, cuando Elvis estaba le-yendo el libro “The Scientific Search for the Face of Jesus” 46 El cine musical

Adolfo Pérez

en el cuarto de baño de su mansión de Graceland, se sintió enfermo. Allí permaneció bastante tiempo sin que nadie se diera cuenta de que algo iba mal, ni le llamaran para tomar el desayuno, ya que a fin de cuentas solía dormir hasta el mediodía.

A las nueve de la mañana Ginger fue a verle al cuarto de baño y lo encontró sentado apaciblemente en su cómodo sillón de cuero que había mandado instalar allí. Daba la impresión de estar durmiendo apaciblemente y prefirió no despertarle.

Con el paso de los fatídicos minutos Elvis fue resbalándose del sillón y cayó hacia delante. Poco después, sin que nadie sepa exactamente las horas exactas, Grace vuelve a entrar en el cuarto de baño y al verle así tumbado se da cuenta que está enfermo, muy amoratado. Acompaña-da de Joe Espósito y Al Estrada, le depositan en su cama y llaman inmediatamente al hospital y a su médico Nicho-poulos, el cual le realiza la respiración artificial mientras le lleva al Memphis Hospital.

Allí y durante media hora, le aplican toda clase de tratamientos para intentar reanimarle.

Poco después, el médico solamente puede certificar su defunción, justo a las tres y media de la madrugada.

Desdichadamente, y aunque la leyenda había comenzado en ese mismo momento, su muerte aturdió a todo el mundo, y en los días siguientes a su fallecimiento se vendieron nada menos que ocho millones de discos de Elvis. Su tumba, que se encuentra en el cementerio de Graceland, Memphis, Tennesse, es visitada todos los años por miles de personas en el aniversario de su muerte.

Actores y actrices 47

Filmografía esencial

1956 LOVE ME TENDER

1957 LOVING YOU

1957 EL ROCK DE LA CÁRCEL

1958 KING CREOLE (El barrio contra mí) 1962 GIRLS! GIRLS! GIRLS!

1964 CITA EN LAS VEGAS

1966 PARADISE HAWAII STILE

1967 CLAMBAKE

1970 ELVIS: THATŚ THE WAY IT IS

1972 ELVIS IN TOURN

1980 THIS IS ELVIS

Esther Williams

Nacida en Los Ángeles en 1923, Esther consiguió ser campeona de natación en los Estados Unidos cuando tenía 15 años, pasando con posterioridad a trabajar como modelo en una empresa de confección. Durante su etapa como estudiante en la Universidad de Los Ángeles, decidió dedicarse profesionalmente a la natación mediante la “Billy Rose Aquacade”, una asociación que la promocionó para que participase en la Feria Mundial de deportes acuáticos que se celebró en San Francisco en 1939. Allí fue descubierta por un cazatalentos de la MGM, quien la hizo firmar un contrato en exclusiva, iniciándose en el cine con el filme

“Double Life” de Andy Hardy en 1942, con Mickey Rooney como compañero de reparto. Desde ese momento los productores de Hollywood se dieron cuenta que una guapa chica que sabía nadar con elegancia y sin perder la sonrisa, podía ser un nuevo filón para el cine musical.

48 El cine musical

Adolfo Pérez

Rivalizando en popularidad con la patinadora Sonja Henie, su primera película de éxito fue “Escuela de sirenas” (Bathing Beauty, 1944), la primera de una interminable serie de películas musicales en las cuales se pasaba todo el tiempo en el agua. Esta circunstancia, en una época en la que la censura norteamericana era sumamente férrea, con docenas de guapas mujeres en traje de baño, creemos que fue el principal aliciente para el triunfo de esta sonriente actriz.

Actores y actrices 49

En los años cincuenta su carrera se marchitó cuando trató de interpretar películas dramáticas. Pero aunque algunas de ellas, como “Sombra en la noche” en 1956, en la 50 El cine musical

Adolfo Pérez

cual hacía de una maestra de escuela que casi es violada por un estudiante, demostraron que poseía algunas aptitudes para la interpretación, el público no estaba dispuesto a aceptarla salvo emergiendo del agua como una diosa. Por eso ella se retiró en la década de los 60 y dedicó el resto de su vida a los negocios, especialmente a aquellos relaciona-dos con la venta de piscinas de lujo.

Estuvo casada con el actor Fernando Lamas.

Filmografía esencial

1942 DOUBLE LIFE

1943 DOS EN EL CIELO

1944 ESCUELA DE SIRENAS

1945 JUEGO DE PASIONES

1946 ZIEGFIELD FOLLIES

1948 EN UNA ISLA CONTIGO

1949 LÉVAME A VER UN PARTIDO

1949 LA HIJA DE NEPTUNO

1950 PAGAN LOVE SONG

1052 LA PRIMERA SIRENA

1955 LA AMADA DE JÚPITER

1961 EL GRAN ESPECTÁCULO

1962 LA FUENTE MÁGICA

Frank Sinatra

Sinatra comenzó su trabajo como cantante con las orquestas de Harry James y Tommy Dorsey, quienes tuvieron un gran éxito durante el decenio de 1940. Su gran magnetismo para el público, su perfecta voz y dicción, así como el buen gusto eligiendo los temas musicales, le pro-

Actores y actrices 51

porcionó altas dosis de histerismo masivo en las mujeres primero y posteriormente también en lo varones.

Su primera actuación en el cine como actor fue en 1941

con Las Vegas Nights, simplemente como el solista de la orquesta de Tommy Dorsey, considerándose por tanto como su bautismo cinematográfico el filme Reveille With Beverly 52 El cine musical

Adolfo Pérez

de 1943, junto a la ya popular Ann Miller. Después continuó imparable hasta The Firs Deadly Sin en 1980, aunque tres años más tarde efectuó un cameo en Los locos del Cannonball II.

En 1952 se vio afectado por una intensa hemorragia en las cuerdas bucales que presagiaba su retirada definitiva del mundo de la canción, pero se recuperó pronto y ese incidente nunca más se volvió a generar. Para evitar que toda su vida artística dependiera exclusivamente de la canción, decidió dedicarse también intensamente al mundo del cine, eligiendo primeramente agradables comedias musicales como Un día en Nueva York o Levando anclas –las dos junto a Gene Kelly– aunque también probó su versatilidad y elasticidad para interpretar papeles dramáticos más agresivos, como pudimos ver cuando hizo el papel de Maggio en De Aquí a la Eternidad (1953), como un héroe adicto a las drogas en The Man With the Golden Arm de Otto Preminger (1955) y como Bennett Marco en el político psicodrama, The Manchurian Candidate (1962).

Después de recobrar y desarrollar sus facultades vocales, Sinatra volvió al mundo del espectáculo en una época en la cual todo el mundo le consideraba ya acabado, consiguiendo igualmente grandes éxitos, especialmente con sus actuaciones en los night-clubs de Las Vegas, siguiendo simultáneamente con su trabajo en películas internacionales, incluyendo algunos thrillers muy apreciados. Su figura legendaria y el resurgimiento posterior, sirvió de base para el personaje de Johnny Fontane en El Padrino (1972), aunque al final su puesto le fue arrebatado por problemas económicos. Estuvo casado con actrices como Ava Gardner y Mia Farrow y es padre de la cantante/actriz Nancy Sinatra (1940) y de Frank Sinatra Jr., actor y músico (1943).

Actores y actrices 53

54 El cine musical

Adolfo Pérez

Surcada su vida de grandes altibajos, tanto económicos, como de popularidad y sentimientos, hubo momentos en que casi imploró una ayuda, tal y como ocurrió cuando su esposa Ava Gardner tuvo que poner en juego toda su influencia para que le hicieran una prueba en “De aquí a la eternidad”. Prácticamente arruinado entonces, aceptó trabajar casi gratis (8.000 dólares) a cambio de una compen-

Actores y actrices 55

sación si los resultados eran favorables. Obtuvo su premio cuando le dieron un Oscar al mejor actor secundario y sus discos comenzaron a ser oídos de nuevo.

La llegada del rock and roll pareció anularle y la juventud se olvidó de aquel cantante que les había hecho soñar 56 El cine musical

Adolfo Pérez

y enamorarse. Para bailar ya no buscaban una música lenta y melodiosa que les permitiera abrazar fugazmente a su amor, sino un ritmo más frenético que les hiciera embria-garse con el movimiento y la música.

Pero Sinatra no estaba acabado, solamente esperaba su momento para volver a demostrar que seguía siendo único.

Esa experiencia, abandonado por sus amigos y triunfan-te de nuevo, se repitió varias veces, siendo la más memorable aquel día de 1993 en que caminando sobre el vestíbulo del Capitol Tower en Hollywood entró en los estudios para grabar un nuevo álbum. La expectación era extraordinaria: iba a realizar de nuevo unos memorables dúos con cantantes de gran prestigio, tal y como lo había hecho anteriormente en 1961. Ahora le acompañarían nada menos que Barbra Streisand, Aretha Franklin, Natalie Cole, Bono, Julio Iglesias, Gloria Estephan y Tony Bennett.

Para mucha gente, el nombre de Frank Sinatra era en esa época una leyenda, pero apenas habían escuchado sus canciones, pues la mayoría no había nacido cuando su épo-ca dorada había finalizado. Pero quienes eran ciertamente aficionados a la música de calidad sabían que se trataba de un extraordinario cantante de ojos azules que enamoró a las chicas de su generación y que todavía era muy conocido por sus canciones “Extraños en la noche”, “New York, New York” y “My Way”. La realidad es que Sinatra fue y aún es, el indiscutible cantante más popular de América, juntamente con Elvis Presley, y que sus discos reeditados todavía alcanzan cifras de ventas de vértigo, lo que demuestra que las nuevas generaciones aprecian su insuperable voz. Lo normal es que los hijos regalen a sus padres los nuevos CD

de Sinatra y que para ambos “My Way” sea el buque insig-nia que identifique a Frank con las nuevas generaciones.

Actores y actrices 57

Es difícil encontrar un hombre con tanta personalidad en el mundo de la música y quienes han estado entre el auditorio del Palace Caesar en Las Vegas y han podido disfrutar de un concierto suyo en directo, se han convertido invariablemente en sus admiradores de por vida. Podemos sacar la conclusión de que Sinatra ha sido el mejor cantante romántico de todos los tiempos y esto ha significado que ha contribuido a traer el amor a millones de parejas del mundo entero, pero aun siendo esto muy importante (es algo que también han logrado otros cantantes), tiene que haber algo más que le haya convertido en este mito.

Escuchar cualquiera de sus canciones es sentir algún tipo de emoción, pero, además, y gracias a su perfecta vocaliza-ción, se puede escuchar cada palabra que canta y esto es digno de observar, ya que todas sus canciones están adornadas de una letra poética. Entre trío de cualidades, letra, música y voz, le dan una categoría única.

El 11 de septiembre de 1997, durante el transcurso del día, la página de Internet reservada para otorgar un Tributo a Frank Sinatra, patrocinada por John Sauvageaus Omega, consiguió nada menos que 10.000 visitantes, un récord aún no superado por ningún otro artista mundial. Este dato deja bien claro que Sinatra, incluso enfermo, envejecido y reposando sobre La cama de un hospital, era capaz de mover los sentimientos de miles de personas de todo el mundo.

Es un homenaje ciertamente elegante, al que por desgracia no se pudieron sumar aquellos amigos suyos que se habín quedado en el camino, como Bing Crosby, Dean Martin, Sammy Davis Jr, Ava Gardner, Gene Kelly, Groucho Marx y tantos otros que le acompañaron en su larga vida.

Como tantas veces cantó, Frank vivió “a su manera” y ha pasado “de aquí a la eternidad”. Murió en 1998.

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Adolfo Pérez

Filmografía esencial

1941 LAS VEGAS NIGHTS

1945 LEVANDO ANCLAS

1949 UN DÍA EN NUEVA YORK

1953 DE AQUÍ A LA ETERNIDAD

1955 NO SERÁS UN EXTRAÑO

1955 ELLOS Y ELLAS

1955 EL HOMBRE DEL BRAZO DE ORO

1956 ALTA SOCIEDAD

1957 ORGULLO Y PASIÓN

1957 PAL JOEL

1958 COMO UN TORRENTE

1959 CUANDO HIERVE LA SANGRE

1960 LA CUADRILLA DE LOS ONCE

1961 EL DIABLO A LAS CUATRO

1963 CUATRO TÍOS DE TEXAS

1965 EL CORONEL VON RYAN

1968 EL DETECTIVE

1990 LISTED UP

Fred Astaire

Quizá mi vista no sea perfecta, pero siempre me ha parecido que cuando Fred bailaba no tocaba el suelo. Y es que este descendiente de austriacos, nacido en 1899 como Frederick E. Austerlitz, ha sido indiscutiblemente el bailarín más popular y querido de toda la historia del cine musical, riva-lizando tanto con Gene Kelly que resulta imposible realizar comparaciones.

Nativo de Omaha, EE.UU., su madre pronto presagió las habilidades para el baile de este eterno delgaducho per-

Actores y actrices 59

sonaje y lo matricu-

ló en una escuela de

baile a los cuatro

años de edad, aun-

que solamente pre-

tendía que diera so-

porte artístico a su

hermana mayor

Adele, con quien for-

maría pareja de bai-

le hasta 1932. Con

ella trabajaría duran-

te ocho años, alcan-

zando algunos éxitos

en Broadway como

la comedia musical

“Over the top”, ade-

más de otros éxitos

como “Lady be god”,

“Funny Face” y

“Band Wagon”.

Todo parecía ir sobre ruedas hasta que en 1932 se casó su hermana y Fred se quedó sin pareja de baile, aunque ese mismo año hizo su debut en el cine en el filme “Alma de bailarina” (Dancing Lady), al lado de Clark Gable y Joan Crawford. Un año después se casó con Phyllis Baker, que falleció de cáncer en 1954, dejándole dos hijos: Frederick y Ava. No volvería a casarse hasta 26 años después, en 1980, con Robyn Smith, una jockey profesional 44 años más joven que él.

En 1933 conoció a la que sería posteriormente su compañera artística inseparable, la actriz Ginger Rogers, con quien formó pareja en “Volando a Río”, junto a la popular

60 El cine musical

Adolfo Pérez

estrella del musical Dolores del Río. Sin embargo, la actuación de esa pareja de incansables bailarines eclipsó a la mula-ta de voz cálida, y alcanzaron tanto éxito que los estudios les propusieron formar pareja por tiempo indefinido. A este

Actores y actrices 61

filme siguieron “La alegre divorciada” (1934), “Roberta” (1935), “Sombrero de copa” (1935) y “Ritmo loco” (1936), entre otros, finalizando con “The Barkleys of Broadway” 62 El cine musical

Adolfo Pérez

en 1949, no formando pareja nunca más, ni siquiera en algunos de los muchos espectáculos a los cuales fueron invitados. La hostilidad entre ellos era de dominio público y aunque en la pantalla parecían sólidamente enamorados, nada más finalizar el rodaje se daban la espalda sin ni siquiera despedirse.

Posteriormente, Astaire bailó junto a Eleanor Powell, Ri-ta Hayworth, Judy Garland, Cyd Charisse y Audrey Hepburn, además de Vera-Ellen, pero cuando tuvo la oportunidad de reunir a las mejores estrellas del musical norteamericano en “Esto es Hollywood” de 1974, puso como condición para participar que no fuera invitada Ginger Rogers, petición que fue admitida sin problemas por Gene Kelly.

Su trayectoria artística en el cine fue sólo un ejercicio de perseverancia, pues cuando efectuó su primera prueba fue recibido con poco entusiasmo por los directores del casting, quienes afirmaron que era “feo, delgado y con un mal acento, aunque tenía cierta habilidad para bailar”. Aun así, alguien debió ver mejores virtudes en Fred y le asignaron el papel secundario en “Volando hacia Río de Janeiro”, con Ginger Rogers, una actriz que había alcanzado ya cierta popularidad por su trabajo en “42nd Street” unos meses antes.

Muy a su pesar (habría que añadir que a pesar también de Ginger) su consagración definitiva como bailarín la tuvo precisamente con su unión a Ginger, una actriz que no tenía las óptimas cualidades bailando de Fred pero que sabía dejarse guiar. Ligeramente pesada y no siempre dotada de la necesaria elasticidad, fue una pareja adecuada para Fred y junto a él lograron el triunfo como pareja en “Sombrero de copa”, “Sigamos la flota” y “Swing time”, aunque sus desavenencias como amigos ocuparon pronto más portadas que como pareja artística. Su última intervención juntos

Actores y actrices 63

fue en “Vuelve a mí” (The Barkleys of Broadway) en 1949, fecha en la cual la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Hollywood concedió a Fred un oscar honorí-

fico por “su virtuosismo y contribución al arte de la comedia musical”.

Después de independizarse de Ginger Rogers, trabajó en “Three little words” y “La bella de Nueva York” junto a Vera-Ellen, en “Papa piernas largas” con Leslie Caron, en

“Una cara con ángel” con Audrey Hepburn, y en “La bella de Moscú” con Cyd Charisse, entre otros filmes.

Deseoso de abandonar el cine musical y consciente de que su edad, 58 años, ya no le permitía moverse con la 64 El cine musical

Adolfo Pérez

agilidad de antes, se decide por el cine dramático y hace

“La hora final” en 1959, “El coloso en llamas” en 1975

(nominado al Oscar como mejor Actor secundario) y “Una historia macabra” en 1981. También se une a su buen amigo Gene Kelly para organizar tres documentales sobre el cine musical norteamericano, titulados “Érase una vez en Hollywood” en 1974, “Hollywood, Hollywood” en 1976, y “Esto es baile” en 1984. En uno de ellos, le podemos ver en la que sería la segunda ocasión en la cual bailaron juntos Kelly y Astaire, con un discreto pero memorable baile que hoy en día en ya una antología.

Filmografía esencial

1933 DANCING LADY (Alma de bailarina)

1933 FLYING DOWN TO RIO (Volando hacia Río de Janeiro)

1934 THE GAY DIVORCEE (La alegre divorciada) 1935 TOP HAT (Sombrero de copa)

1936 FOLLOW THE FLEET (Sigamos la flota)

1937 SHALL WE DANCE? (Ritmo loco)

1938 CAREFREE (Amanda)

1940 SECOND CHORUS (Al fin solos)

1941 YOU’LL NEVER GET RICH (Desde aquel beso) 1946 ZIEGFELD FOLLIES

1948 EASTER PARADE

1949 THE BARKLEYS OF BROADWAY (Vuelve a mí) 1950 THREE LITTLE WORDS

1951 ROYAL WEDDING (Bodas reales)

1952 THE BELLE OF NEW YORK (La bella de Nueva York)

1953 THE BAND WAGON (Melodías de Broadway 1955)

1955 DADDY LONG LEGS (Papá piernas largas) 1957 FUNNY FACE (Cara de ángel)

Actores y actrices 65

1957 SILK STOCKINGS (La bella de Moscú)

1959 ON THE BEACH (La hora final)

1968 FINIAN’S RAINBOW (El valle del arco iris) 1974 THAT’S ENTERTAINMENT! (Esto es Hollywood) 1974 THE TOWERING INFERNO (El coloso en llamas) 1976 THAT’S ENTERTAINMENT, PART 2 (Esto es Hollywood 2)

1981 GHOST STORY (Historia macabra)

1984 GEORGE STEVENS: A FILMMAKER’S JOURNEY

1988 GOING HOLLYWOOD: THE WAR YEARS

Gene Kelly

Nacido como Eugene Curran Kelly (existen otros bió-

grafos que le atribuyen nombres diferentes) el 23 de agosto de 1912 en Pittsburg, PA, este actor, coreógrafo y director de cine, cursó sus estudios en la Universidad del Estado de Pensilvania, en la rama de economía.

Fue el tercero de cinco hijos a quienes su padre James Kelly, un vendedor de fonógrafos, proporcionó una vida modesta pero estable, mientras que su madre, Harriet Curran Kelly, introdujo a sus niños en el arte escénico.

En poco tiempo habían formado un grupo denominado

“Los cinco Kellys” Jac, Jim, Gene, Louise y Fred, quienes desempeñaban rutinas de baile amateur en las noches del vaudeville californiano.

Pero Gene prefirió el deporte y el baile. Experto en gim-nasia, jockey sobre hielo, natación, fútbol y béisbol, hubo un momento en el cual verdaderamente deseó llegar un día a jugar en el béisbol profesional con Los Piratas de Pittsburg.

66 El cine musical

Adolfo Pérez

Estas proezas atléticas de Gene se demostraron posteriormente como muy beneficiosas cuando se convirtió en un

Actores y actrices 67

bailarín. En los siguientes años y gracias a unos programas realizados para la televisión con el título de “Bailar: el trabajo de un hombre”, Gene demostró que el baile es meramente una extensión de los movimientos usados en los deportes.

Cuando era joven, sin embargo, el atlético Gene también ayudó a triunfar en el mundo del boxeo a su hermano Fred, mientras aprendía baile en una academia. Originalmente, Gene despreciaba las lecciones de baile que le fueron impuestas por su madre desde que comenzó a saber andar y solamente cuando llegó a la escuela superior y se dio cuenta de la gran popularidad que el saber bailar le proporcionaba con las chicas, le hizo disfrutar con la danza.

Gene y su hermano Fred comenzaron a aparecer en las salas de noche como unos aficionados llamados “Los Hermanos Kelly”, y hay

quien recuerda con

especial cariño un

número musical ti-

tulado “ Taxi

Calloway”. Para

perfeccionarse, am-

bos veían todos los

espectáculos musi-

cales que llegaban a

su pueblo, aprove-

chando así para me-

morizar rápidamen-

te sus pasos y poder

elaborar los suyos

propios.

Gene y Fred Kelly

68 El cine musical

Adolfo Pérez

En 1932, Gene Kelly fundó su propio estudio de baile, la “Gene Kelly School of the Dance”, montando un estudio en Pittsburg y otro en Johnstown. Ambas academias eran parte del negocio familiar, estando mamá Harriet como gerente, papá Jim como contable, y Gene, Louise y Fred como profesores. Uno de los muchos recuerdos de sus estudiantes sobre aquella época era la imagen de Gene como profesor siempre entusiasta, siempre energético. Sus alumnos siempre recordaron a Gene durante toda su vida profesional y aunque posteriormente se mantuvieron alejados de él por cuestiones profesionales, Gene nunca les abandonó. Les proporcionó trabajos y consejos para que no retro-cedieran en su trabajo como bailarines, incluso a aquellos menos dotados para la danza, continuando enseñando en su academia siempre que su trabajo en los estudios se lo permitía. También coreografió y dirigió espectáculos musicales en Pittsburg y montó la obra “Cap and Gown” para la Universidad de esa ciudad, graduándose en Economía en 1933. Pero en esa época, la Gran Depresión norteamericana había golpeado económicamente a la familia y Gene se vio en la necesidad de dedicarse a otros trabajos para poder seguir manteniendo abierta su escuela, incluyendo excavar zanjas en las calles y trabajar como fontanero, aunque nunca abandonó la danza, lo único que le hacía ser feliz.

En 1938 había logrado todo lo que él podría conseguir como profesor, y se sintió tentado por Broadway. Su primer trabajo allí como bailarín fue en “Leave it to Me”, una obra de Cole Porter en la cual la estrella principal era Mary Martin, y donde Kelly aparecía vestido de esquimal mezclado con un coro de cantantes y bailarines. Nadie, por supuesto, reparó en él. Después tuvo que esperar todo un año para volver a trabajar, ahora en la revista musical “One for the Money” de Nancy Hamilton, en donde, además de bailar con el coro, podía mantener un corto diálogo.

Actores y actrices 69

La primera gran ruptura con su trabajo anterior le vino cuando tenía ya veintisiete años, de la mano de Harry Hoofer, para trabajar en la obra “Time of Your Life” de William Saroyan, un premio Pulitzer. La representación, que estaba dirigida por Lawrence Langner, duró 22 semanas y con ella ganó el Premio de la Crítica de ese año. Esto motivó el interés por la industria del cine hacia él y sabemos 70 El cine musical

Adolfo Pérez

que recibió una buena oferta por parte de Arthur Freed, un cazatalentos de la Metro que le propuso firmar un largo contrato con ellos. Pero Gene había ya saboreado el triunfo en la actuación en directo y prefirió seguir viajando por los escenarios norteamericanos y no atarse en una nueva aventura. Con el tiempo, abandonaría este trabajo y se lo cedería a su hermano Fred, quien conseguiría ganar un premio Tony por su desempeño.

El próximo trabajo de Gene como coreógrafo fue en

“Diamond horse-shoe”, una obra musical de Billy Rose.

Allí conoció a una bailarina de 16 años llamada Betsy Blair, quien rápidamente desarrolló un gran interés por su instructor de baile. A principios de 1940, Gene fue elegido para interpretar el principal papel en la obra teatral “The Pal Joey” como Joey Evans, el malvado propietario de un centro nocturno que emplea toda clase de artimañas para conseguir sus deseos. El espectáculo, y Gene, llegaron a constituir un éxito inmediatamente. “The Pal Joey” permaneció en el Ethel Barrymore Theatre durante 270 funciones, desde la Navidad de 1940 hasta el verano de 1941.

Una vez finalizada esta obra, Gene coreografió “Foot the best Transmits” de George Abbott, y volvió a interpretar durante dos semanas más “The Pal Joey”, siendo aplaudido por el mismísimo Louis B. Mayer en persona, quien le volvió a ofrecer un sustancioso contrato con la Metro. Al día siguiente se realizó una prueba en los estudios de cine y allí todo salió mal, tan mal que Gene se marchó enfadado de los estudios diciendo que antes prefería trabajar en un saloon (un burdel) que en esos estudios. Quizá para curar-se un poco de su desilusión, el 22 de septiembre de ese año 1941 se casó con Betsy Blair, en una rápida y alegre ceremonia celebrada en Filadelfia. Un año después nacería su primera hija, Kerrie.

Actores y actrices 71

Gene Kelly y Judy Garland

Gene Kelly reconsideró su postura con respecto al cine y volvió a Hollywood unos meses después para firmar un contrato con David O. Selznick, yerno de Mayer y propietario de un prestigioso estudio cinematográfico. Y así, unos días después de su boda con Betsy, llegó a los estudios de Hollywood, pero allí nadie sabía qué hacer con un actor que bailaba y cantaba. La idea de hacer un musical existía, pero no un guión adecuado.

72 El cine musical

Adolfo Pérez

El productor Arthur Freed, que tenía unos pequeños estudios de cine, liberó a ambos, Gene y David, de su re-cién estrenado contrato e insistió en que B. Mayer estable-ciera un nuevo contrato con el actor para una obra musical que quería empezar de inmediato, “For Me and My Gal”, bajo la dirección de Busby Berkeley. Arthur era el autor de las letras de algunas canciones que posteriormente se ha-rían populares, como “Singin’in the Rain”, además de haber intervenido como ayudante de dirección en la popular película “El mago de Oz”. Su prestigio aumentó cuando se dedicó exclusivamente a promocionar el cine musical y consiguió reunir a actores tan prestigiosos como Judy Garland, Cid Charisse, Fred Astaire y Mickey Rooney.

El estreno en Hollywood de esta película con un desconocido bailarín llamado Gene Kelly, al lado de la popular Judy Garland, fue un gran éxito. El papel no era demasiado diferente al de Joey Evans, pero Gene aprendió que bailar en una película era distinto que hacerlo en directo, con el público presente. Su estilo de baile era ligero, atlético, muy espontáneo y con facetas sacadas del mundo circense. Suponía una revelación si lo comparamos con el estilo impuesto por Astaire, sumamente elegante, quien trataba de evocar en el espectador un mundo quimérico. Kelly era más sencillo, más burdo si profundizamos, pero más cercano al pueblo. No quería apoyarse en guapas chicas que solamente enseñasen sus esculturales piernas y exigía siempre auténticas bailarinas, como es el caso de Vera-Ellen, de quien hablaremos más adelante.

En esos días era evidente que Gene Kelly tenía un gran futuro en Hollywood, pero nuevamente los estudios de la Metro no sabían qué hacer con él. Gene parecía adecuado para películas menores, denominadas ya de serie B, filmadas en época de guerra, pero sin mayores pretensiones que la

Actores y actrices 73

de entretener a la población. La crítica no opinaba así y desde el primer momento le dieron su apoyo, mientras que el público se entusiasmaba con este bailarín cuyas habilidades físicas eran inéditas hasta entonces. Kelly conseguía hacer que lo imposible fuera factible y aportaba movimientos en sus bailes imposibles de realizar para la mayoría de los bailarines clásicos. Por todo ello, Betsy y él se instalaron en Hollywood, junto a su hija Kerry, en 1942.

74 El cine musical

Adolfo Pérez

En 1944, la MGM prestó a Gene (algo muy frecuente a aquellos años de largos contratos) a la Columbia Pictures para un musical con Rita Hayworth llamado provisional-mente “The Frontispiece Girl” (Las modelos), película que ha sido siempre muy considerada por la MGM, aunque nunca ha querido volver a mostrarla ni siquiera en televisión. “The Frontispiece Girl” (retitulada como “Cover Girl”) tuvo un gran éxito y en esta representación fue la primera ocasión que Gene hizo una coreografía importante. También, era la primera vez que mostraba su capacidad para crear un baile que era singularmente cinematográfico, su alter-ego, definido después como “baila contigo mismo”.

Dándose cuenta del gran talento de Gene para los musicales, la MGM le contrató para el filme “Levando Anclas”, donde tendría como compañeros de reparto a Kathryn Grayson, Frank Sinatra, el director de orquesta José Iturbi, y a un joven Dean Stockwell, ganando una nominación al Oscar como mejor actor. Una vez más, él creó bailes únicos para el cine, específicamente su “The Preoccupation Song

“en el cual baila con Jerry, el ratón de los dibujos animados. La MGM inicialmente había rechazado esta idea de mezclar al bailarín con un dibujo, pero Gene y Stanley Donen lograron convencerles diciendo que se trataba solamente de una idea, pero que luego no saldría en la pantalla. El experto dibujante Walt Disney se interesó mucho por esta idea, pero su estudio estaba ocupado en la realización de otra película y no pudo hacerse cargo para utilizar a Mickey Mouse, como en un principio se había propuesto.

Sin embargo, su prestigio y su apoyo fueron suficientes para convencer a la MGM de que podría hacerse, y este número fue considerado como un gran logro para el cine, a pesar de que hoy en día todo esto se puede hacer más fácil-mente mediante una computadora. La película resultó Actores y actrices 75

beneficiosa también para Sinatra, quien aprendió cómo bailar en solamente 6 semanas gracias al Profesor Kelly.

Aunque su carrera estaba de nuevo en alza, más que cualquier otra cosa Gene quería servir a su país en la Segunda Guerra Mundial. Bajo las protestas de la MGM, Gene se alistó en la Marina, donde le otorgaron el rango de Teniente, trabajando activamente en la sección de fotografía hasta mayo de 1946. Pero antes de alistarse tuvo tiempo para trabajar por primera y única vez (si excluimos el documental “Esto es Hollywood”), con el mejor bailarín que el cine conocía hasta entonces, el genial Fred Astaire, en el filme “Ziegfeld Follies”, trabajando a las órdenes del director Vincente Minnelli.

La película era en esencia una sucesión de sketches musicales unidos por un débil pero adecuado argumento, pero que incluso hoy en día debe verse como una joya del cine musical, especialmente por ese dúo magistral entre Fred y Kelly.

Al volver de la guerra se dedicó íntegramente el cine musical, filmando “Vivir a lo grande”, “El Pirata” y “Lléva-me a ver un partido”. La película “El Pirata” era ya un viejo proyecto de la Metro que acabó siendo dirigida por Vincente Minnelli y producida por el entusiasta Arthur Freed, quien tuvo que pelear para que no la dirigiera Henry Koster, más experto que él en el cine pero no en el musical. Judy Garland nuevamente volvía a formar pareja con Kelly, debidamente arropados con las canciones de Cole Porter. En esa época las depresiones de la joven Garland empezaban a ser populares, lo mismo que su tendencia a consumir barbitúricos, y hay quien opina que solamente la presencia al lado del optimista Gene Kelly consiguió que la actriz superase su enfermedad y pudiera terminar el filme.

76 El cine musical

Adolfo Pérez

Posteriormente, con Frank Sinatra, Vera-Ellen, Ann Miller, Jules Munshin, Betty Garrett, y Stanley Donen como director y ayudante de coreografía, realizó un profundo cambio en el modo de efectuar cine musical con el filme

“Un día en Nueva York”. La película fue el primero de los mayores éxitos musicales, no solamente de Kelly, sino de todos los tiempos, conservando todavía hoy en día toda su frescura y reponiéndose varias veces al año en todas las cadenas de televisión mundiales. Este filme rompió todos los esquemas hasta entonces conocidos, al sacar por primera vez a los bailarines a la calle, y hacerles cantar y bailar en escenarios naturales. Aunque no era la primera vez que una película se rodaba en las calles de Nueva York, ciertamente era el primer musical que prescindía de los decorados propios de una sala de teatro. “Un día en Nueva York”, además, supuso también el triunfo para Frank Sinatra y Vera-Ellen.

Rápidamente, y aprovechando su gran popularidad, realizó “Un Americano en París”, consiguiendo el Oscar a la Mejor Película de 1951. La película ganó también otros seis Oscars, incluyendo uno a Gene Kelly por su “versatilidad extrema como actor, cantante, director y bailarín, pero específicamente por sus brillantes logros en el arte de la coreografía en el cine” . La película, dirigida por Minnelli, presentaba a una desconocida actriz francesa llamada Leslie Caron y usó la maravillosa música de George e Ira Gershwin. Aunque es posible que los aficionados se dieran cuenta, hay que recordar que la mayoría de los exteriores nunca estuvieron rodados en el auténtico París, sino en unos escenarios de Hollywood que simulaban el París legendario de los grandes pintores.

La historia era más irreal, menos creíble, y Minnelli en esta ocasión nos proporcionó una comedia ya desfasada, Actores y actrices 77

con una relación sentimental entre el soldado americano y la guapa mecenas, absolutamente fuera de lugar. Con todos estos defectos, el filme contiene escenas memorables y que nunca más se volvieron a repetir.

Gene, inmediatamente siguió el éxito de “Un Americano en París” con otra obra maravillosa, un icono para el cine musical, realizando “Cantando bajo la Lluvia”. Apartada totalmente de los principios cinematográficos de “Un Americano en París”, la película “Cantando bajo la Lluvia” ha llegado a ser quizá el musical más importante de todos los tiempos y el que mejor representa la música popular de América.

El filme sirvió para la presentación del estupendo bailarín Donald O’Connor, así como para popularizar a la viva-racha Debbie Reynolds, y a demostrar la belleza y elegancia de la bailarina Cyd Charisse. Gene es recordado año tras año por su actuación en este filme, especialmente por su canción “Singin in the Rain” que baila en medio de una gran lluvia, después de dejar a su amor. Para los amantes del cine musical y para la mayoría de los críticos, este baile aporta los cuatro minutos más gloriosos en la historia del cine y no hay musical que no los tome como referencia.

En un principio la película iba a ser interpretada por Howard Keel, aunque afortunadamente hubo quien dijo que un cantante de ópera no era lo mejor para una película en línea con “Un día en Nueva York”. Esta idea, sostenida por Stanley Donen y Arthur Freed, fue aprobada finalmente por Louis B. Mayer, con Gene Kelly como sustituto de Keel. Ese día comenzó el rodaje del mejor filme musical de todos los tiempos. ¿Su secreto?: contaba con un estupendo guión y unos números musicales de gran categoría, además de extraordinarios actores que realmente sabían bailar.

78 El cine musical

Adolfo Pérez

El problema era que el listón había quedado tan alto después de “Cantando bajo la Lluvia”, que era casi imposible superarlo. Por eso Gene decidió dar un giro total a su carrera y viajó a Europa durante dieciocho meses aprovechándose de una nueva ley impositiva sobre intercambios cinematográficos, que le permitiría, además, pagar menos impuestos. Antes de partir, los estudios le propusieron rodar una versión musical de la novela juvenil “Huckleberry Finn”, nuevamente con Minnelli como director, pero Kelly ya estaba decidido a marcharse a Europa y no aceptó la buena propuesta. Desgraciadamente para Gene, este fue el comienzo de una serie de sucesos desafortunados, que co-incidieron con el lento pero irreversible declive del cine musical. Su trabajo en Europa fue un fracaso y los dos filmes que rodó en aquella época (por exigencias de la productora), “La cresta de la ola” y “Con el Diablo somos tres”, dos papeles dramáticos fracasados, ni siquiera consiguieron amortizar los gastos de su rodaje.

Deseando no dar otro nuevo paso en falso, comenzó a trabajar sobre un proyecto que él esperaba debería ser su próximo gran éxito. La película se titulaba “Invitación a la Danza”, estaba dirigida por él mismo, y en ella tendrían cabida todos los mejores bailarines clásicos y modernos del mundo. Tendría que ser un gigantesco documental sobre el mundo del baile, ambientado con un débil argumento.

La idea básica era de Arthur Fred, quien ya había mantenido conversaciones previas para incorporar a Stravinsky, Monteverdi y Duke Ellington. Al desechar momentáneamente esa idea la recogió Gene y con el fin de meditar largamente sobre aquello que consideraba su obra cumbre, se aisló en una casa de campo a las afueras de París y aprovechó para incorporar a su proyecto a Claire Sombert y Claude Bessy, dos profesionales de la ópera.

Actores y actrices 79

El rodaje se realizó en los estudios Boreham Wood, en Elstree, y el argumento estuvo dividido en tres partes, uno de ellos, “Sinbad the Sailor”, rodado finalmente en los Estados Unidos, concluyendo todo el proceso en octubre de 1954. Dos años de trabajo y un millón y medio de dólares, fueron necesarios para elaborar lo que para Gene debería ser la obra cumbre del cine musical, la unión entre la danza clásica y la contemporánea.

Una vez finalizada, los distribuidores no estuvieron de acuerdo en considerarla tan buena (venía avalada por el Oso de Oro en el festival de Berlín), la calificaron de pretenciosa y aburrida, y por ello la MGM demoró su dis-tribución en el mundo entero durante cinco años, lo que supuso el mayor de los fracasos de Kelly, no logrando apenas reconocimiento alguno.

Cuando regresó a los Estados Unidos, apareció en dos musicales que tuvieron igualmente poco éxito, quizá porque su excesivo dulzor ya no encajaba en una sociedad que pedía más realismo, incluso en las escenas de amor. Sus títulos: “Brigadoon” y “Siempre hace buen tiempo” (co-dirigida con Stanley Donen.) En “Brigadoon” el problema estuvo en sus pésimos decorados, tratando de plasmar unos bosques frondosos de Escocia, imposibles de representar con plantas artificiales. Aunque el bello cuento en el cual está basada, un mundo parecido al del Sangri-la de “Hori-zontes perdidos”, era perfecto para una obra musical, el público sufrió una decepción con tanto decorado improce-dente. Por si fuera poco, algunos de los mejores números musicales fueron cortados para no alargar demasiado su metraje.

La película debería haber servido para remontar la afición del público hacia los filmes musicales tradicionales, 80 El cine musical

Adolfo Pérez

con buenos números de baile y un argumento sin demasiadas pretensiones. Para que todo resultara como antes, estuvo producida por Arthur Freed, dirigida por Vincente Minnelli, y como actriz volvía a repetir Cyd Charisse, cuyas bien formadas piernas eran utilizadas siempre como reclamo publicitario. Pero Gene ya no era el mismo. Presentía que los tiempos gloriosos del cine musical habían terminado y no colaboró demasiado en el buen resultado final, lo que le produjo numerosos enfrentamientos con Minnelli, quien pretendía realizar una buena película.

“Siempre Hace Buen Tiempo” fue la última película co-dirigida por Kelly y Donen, y la última vez que se volvieron a dirigir la palabra. Lo que había sido una buena relación de trabajo se convirtió en algo insoportable y esto es algo que esta película deja percibir. “Siempre hace buen tiempo” debería ser una continuación o un remake de “Un día en Nueva York”, pero ya no estaban ni Frank Sinatra ni Vera-Ellen a su lado. Mientras Dan Dailey y Michael Kidd son los bailarines más importantes, la necesaria camaradería entre ellos no aparece por ningún lado.

Vista hoy, “Siempre hace buen tiempo” es bastante buena, como también lo es “Brigadoon”, pero la comedia era demasiado obscura y cínica para los años 50. En suma, la película estaba ya adelantada a su tiempo, pero fracasó antes y hoy en día es solamente objeto de revisión por los buenos aficionados al cine musical de Kelly.

Durante el decenio de 1950 los resultados fueron igualmente desastrosos para Gene Kelly. Primero perdió al mejor amigo desde que empezó en el mundo del cine, Stanley Donen, y en 1957 Gene y Betsy terminaron con un divorcio sus quince años de matrimonio. Simultáneamente y como si ya nadie quisiera estar al lado de la mejor estrella Actores y actrices 81

del cine musical americano, su relación con los estudios de la MGM se deterioró irremediablemente. Olvidando su época de gran esplendor, y al hombre que más dinero les había producido, rehusaron prestarle sus estudios para pe-lículas como “The Pal Joey”, “Tipos y Muñecas”, y “Cyrano de Bergerac”, tres de los proyectos que Gene quería llevar a cabo. En 1957, Gene hizo su última película para la MGM,

“Les Girls”, que aunque remontó algo su prestigio no consiguió consolidarle en el cine. También ejerció como director en “Mi marido se divierte”, junto a Richard Widmark y Doris Day, curiosamente una correcta película.

Desilusionado por el mundo del cine y prácticamente abandonado por sus antiguos amigos y familia, volvió a los escenarios de Broadway en 1958 y dirigió el musical “Flower Drum Song”, alternando con una pequeña intervención en el cine al lado de Natalie Wood, en la película de la Warner “Marjorie Morningtar”.

En el 1960, Gene se casó con Jeannie Coyne, una antigua alumna y profesora auxiliar de su etapa como profesor en Pittsburg. Con ella viajó hasta París para dirigir un espectáculo de la Opera titulado “Pas de Dieux”, un estupendo ballet inspirado en la mitología griega. Después, y aprovechando su estancia en la capital francesa, intervino bre-vemente en el filme “El multimillonario”, junto con Marilyn Monroe. También trabajó en “Gigot” con Jackie Gleason, y en un remake de “Siguiendo mi camino” para la televisión.

Su enlace con Jeannie le proporcionó un hijo, Timothy, en 1962, y una hija, Bridget, en 1965. El nuevo matrimonio le dio motivos para comenzar nuevos e interesantes proyectos, incluyendo dirigir algunas películas como “Guía para el hombre casado” (1967) con Walter Matthau, “Hello Dolly” (1969) con Barbra Streisand y “El club Social de 82 El cine musical

Adolfo Pérez

Cheyenne” (1970) con Henry Fonda, además de trabajar en televisión en el programa “Ir a Mi Manera”. También protagonizó “Las señoritas de Rochefort” en 1967 y dirigió la obra “Jack and the Beanstalk” para la televisión que le proporcionó un premio Emmy, además de intervenir en un gran espectáculo musical titulado “New York, New York” en 1966.

En 1964 viajó a África con el Departamento de Estado en un recorrido de buena voluntad y consiguió encontrar tiempo para protagonizar “Ella y sus maridos” con Shirley MacLaine, y “Cuarenta quilates”, ambas con su nombre casi camuflado entre los demás títulos de crédito. Nadie estaba ya dispuesto a dar un duro por conseguir un reencuentro digno de Gene con el cine.

La tragedia le golpeó en 1973 con la muerte de su esposa Jeannie a causa de un cáncer. Gene tuvo que ser desde ese día padre y madre para sus dos pequeños hijos y no aceptó ningún trabajo que le apartara demasiado tiempo de su hogar. Posteriormente se volvió a casar con Patricia Ward.

Durante el decenio de 1970 y el decenio de 1980, Gene fue artista invitado en la mayoría de los espectáculos re-trospectivos y en la entrega de premios de cine y teatro.

Hizo una gira de tres meses por Estados Unidos con el musical “Take Me Along” e intervino en el serial “Norte y Sur”.

Su gran oportunidad de reencontrarse con los aficionados le vino mediante algo tan sencillo como una recopilación de la Metro titulada “Érase una vez en Hollywood”, al que siguió “Hollywood, Hollywood”. Se trataba de dos largos documentales que mostraban toda la historia de los

Actores y actrices 83

Gene Kelly y Fred Astaire

musicales de Hollywood y aunque excluyeron a la mayoría de los artistas que no pertenecían a la plantilla de la MGM, fueron un gran éxito en todo el mundo. Inicialmente estaban previstos para la televisión, pero la aceptación fue tan grande que fueron exhibidos posteriormente en las pantallas mundiales con un gran éxito. Quedaba demostrado que el cine musical americano había quedado grabado en la memoria de todos los públicos del mundo entero.

Pero Kelly no admitió de grado que el público le hubiera olvidado e intervino en una película dirigida por Gordon Douglas titulada “Viva Knievel” (1977), en la que conducía una veloz moto en busca de aventuras y problemas.

84 El cine musical

Adolfo Pérez

En 1982, Gene Kelly recibió en el Centro de Honor Kennedy, lo mismo que en 1985, el reconocimiento a toda una vida dedicada al cine norteamericano, premio concedi-do por la Institución Estadounidense de Cine. Murió el 2

de febrero de 1996, después de sufrir dos infartos casi seguidos.

Filmografía esencial

1942 FOR ME AND MY GAL (Por mi chica y por mí) 1944 COVER GIRL (Las modelos)

1945 LEVANDO ANCLAS

1946 ZIEGFELD FOLLIES

1948 THE PIRATE (El pirata)

1948 LOS TRES MOSQUETEROS

1948 WORDS AND MUSIC

1949 UN DÍA EN NUEVA YORK

1949 LLÉVAME A VER UN PARTIDO

1951 UN AMERICANO EN PARÍS

1952 CANTANDO BAJO LA LLUVIA

1954 BRIGADOON

1955 SIEMPRE HACE BUEN TIEMPO

1957 INVITACIÓN A LA DANZA

1957 LES GIRLS

1960 EL MULTIMILLONARIO

1969 HELLO, DOLLY! Director

1970 EL CLUB SOCIAL DE CHEYENNE

1974 THAT’S ENTERTAINMENT! (Érase una vez Hollywood)

1976 THAT’S ENTERTAINMENT, PART 2 (Hollywood, Hollywood)

1980 XANADÚ

1982 CORAZONADA música

1985 THAT’S DANCING! (Esto es bailar)

1994 THAT’S ENTERTAINMENT! III

Actores y actrices 85

Ginger Rogers

Virginia Katherine McMath nació el 16 de julio de 1911

en Independence, Missouri (EE.UU.) Con apenas cinco años de edad aparecía ya en películas publicitarias, aunque su debut como actriz teatral lo hizo cuando tenía catorce años, en una obra de su madre, la escritora Lela Rogers, trabajando ya regularmente en el mundo del espectáculo de variedades después de ganar un concurso de charlestón en Texas. Participó en 1929 en el musical de Broadway

“Top Speed” y después en 1930 en “Girl Crazy”.

En 1931 se marchó a Hollywood, aunque antes había interpretado “Jóvenes de Nueva York” (Young Man of Manhattan 1930), haciendo famosa su frase de: “Cigarette me, big boy!”. Formando pareja con Jack Pepper, su primer marido, y más tarde en solitario con la orquesta de Eddie Lowry en Chicago y la de Paul Ash en Nueva York, recorrió en plena adolescencia los circuitos clásicos del musical.

Sería Walter Wanger, el productor de la Paramount, quien primero le haría una oferta para el cine, siendo con esta compañía en donde rodó sus primeras películas. De este modo podemos decir que en 1931 ya estaba totalmente integrada en Hollywood, aunque poco después sería contratada por la RKO y la Warner Bros. Sus películas estaban indudablemente enmarcadas en el musical, y recordamos

“La calle 42” (42 ND Street-1933) y Vampiresas (Gold Diggers of 1933).

Sin embargo, su ascenso al estrellato le vendría de la mano de Fred Astaire, con quien formó desde entonces una de las parejas más emblemáticas del cine musical norteamericano, por no decir la más importante.

La alegre divorciada

86 El cine musical

Adolfo Pérez

Después de rodar para la RKO el filme “Professional Sweetheart” en 1933, se une ya definitivamente a Astaire para rodar la primera de las nueve películas que efectuaron juntos. Indudablemente fue él quien la hizo brillar, aunque no por ello debemos menospreciar su talento como bailarina y actriz. Los filmes que la hicieron famosa fueron “Volando hacia Río” (1933), “La alegre divorciada” (1934),

“Roberta” (1935), “Sigamos la flota” (1936), “Ritmo loco” (1937) “Amanda” (1938), “Sombrero de copa” (1935), “En alas de la danza” (1936) y “La historia de Irene Castle” (1939).

Pero el tiempo pasaba y ella seguía ligada a un actor con quien se dice se llevaba muy mal, por lo que decidió separarse y emprender una carrera hacia el cine dramático, con resultados poco convincentes en general, salvo por su interpretación de Kitty Foyle en “Espejismo de amor” (1940) de Sam Word, por el cual consiguió un Oscar a la mejor actriz. Entusiasmada por estos resultados y esperanzada sobre su futuro artístico, Rogers decidió abrir su abanico de posibilidades e intervino igualmente en comedias exen-tas de números musicales, entre ellas “Tom, Dick and Harry” (1941) y “Mamá a la fuerza” (1939), así como la que para algunos es su mejor interpretación cómica, “El mayor y la menor” (1942), de Billy Wilder.

Sin embargo, el tiempo corría inexorable y su edad parecía no encajar en los argumentos, por lo que tuvo que admitir papeles tan dispares como adolescente, una hembra rival e incluso como madre.

Para ella no era un problema la diversidad de sus personajes, pero los productores estaban empeñados en mostrarla solamente como una muchacha americana feroz y feminista, muy cerca de la clase obrera o como una Cenicienta.

Actores y actrices 87

Descontenta con el cine y una vez distanciada de Fred Astaire, se dedicó a realizar giras por los teatros durante los años 50, en espectáculos veraniegos y la televisión, consiguiendo brillar de nuevo con el musical “Hello, Dolly!”, obra que interpretó durante un año y un medio, siguiendo con “Mame” (1969) una producción mostrada en Londres y que la permitió ser la actriz musical mejor pagada. A comienzos de 1975, Rogers recorrió durante cuatro años los escenarios norteamericanos con un grupo pequeño de 88 El cine musical

Adolfo Pérez

bailarines en “El Show de Gingers Rogers,” una nostalgia retrospectiva de su carrera. Siempre bien aceptada en televisión, asistió en 1987 a un nuevo interés por el musical cuando interpretó “Babes in arms”, consiguiendo que las nuevas generaciones la tuvieran en cuenta y le otorgaran el

“Lifetime Achievement Award” en el Kennedy Center en 1992.

Su vida sentimental fue tan movida como sus bailes, pues estuvo casada en seis ocasiones, tres de ellas con los actores Lew Ayres, Jacques Bergerac y William Marshall.

Hasta el final de su carrera en los años 80, compaginó las tablas con giras y populares programas televisivos.

Murió el 25 de abril de 1995 de un coma diabético, en su Rancho Mirage, California.

Filmografía esencial

1930 JÓVENES DE NUEVA YORK

1933 ASÍ ES BROADWAY

1933 VOLANDO HACIA RÍO DE JANEIRO

1933 LA CALLE 42

1934 LA ALEGRE DIVORCIADA

1936 SIGAMOS LA FLOTA

1937 RITMO LOCO

1938 AMANDA

1939 LA HISTORIA DE IRENE CASTLE

1940 ESPEJISMO DE AMOR

1946 LA PRIMERA DAMA

1049 VUELVE A MÍ

1952 ME SIENTO REJUVENECER

1965 HAROLW, LA RUBIA PLATINO

1998 CHANGE OF HEART

Actores y actrices 89

John Travolta

Esta estrella ful-

gurante y polémica

en el Hollywood

de finales de la dé-

cada de los 70 y

principio de los 80,

desapareció apa-

rentemente de la

escena cinemato-

gráfica con la mis-

ma rapidez que se

hizo popular. Sin

embargo, y aunque

había tenido hasta

entonces una ca-

rrera decididamen-

te desacreditada

por los críticos, re-

nace con fuerza en

los años 90 demostrando que no hay una sola oportunidad en la vida para triunfar, sino dos, o tres.

De mirada sincera y con ademanes de muchacho alegre, Travolta consiguió su primera fama como Vinnie Barbarino,

“Sweathog” en una serie cómica ambientada en una escuela secundaria, titulada “Welcome Back, Kotter”, (ABC, 1975-79.) Poco a poco empezó a ser popular en papeles de persona poco inteligente, fanfarroneando como un matón, pero pronto evolucionó con una dulzura natural, convirtiéndose en un ídolo adolescente vulnerable y sexy. Travolta se comportó anteriormente como lo hacen los cantantes jóvenes que llegan al estrellato súbitamente y durante este 90 El cine musical

Adolfo Pérez

periodo su imagen fue objeto de deseo e interés por la juventud del mundo entero.

Sus primeros trabajos en el cine fueron interpretando a un adolescente sinvergüenza que recibe una lección en

“Carrie” (1976), un estupendo thriller de Brian de Palma.

No obstante y aunque ya tenía cierta fama por sus trabajos en televisión, su ascenso al estrellato fue con el filme “Fiebre del sábado noche” (1977), en donde interpretó con maestría al tradicional personaje urbano de origen italo-americano, que combinaba sensibilidad y ardor juvenil en las discotecas. Su personaje de Tony Manero revolucionó el mundo de las discotecas, con jóvenes empeñados en imi-tarle hasta en el flequillo, y poco a poco los críticos descu-brieron sus cualidades como actor y le nominaron al oscar, al mismo tiempo que se generó un culto a su manera de hablar y, especialmente, andar. Su mérito es que aunque no era un bailarín todo el mundo le imitaba en sus bailes, y aunque no sabía cantar otros cantantes pusieron bellas melodías en sus labios.

Intentando quitarse el lastre que él mismo había creado, interpretó “Vivir el momento” en 1978, un fracaso crítico y comercial, un drama romántico insoportable que al menos supuso el descubrimiento de Lily Tomlin. Afortunadamente, unos meses después logró consolidar su popularidad y demostró que todavía era capaz de seguir entusiasmando en comedias románticas cuando interpretó junto a Olivia Newton-John, “Grease” (1978.) Desde ese momento, sus canciones y bailes se convirtieron en uno de los mayores éxitos musicales de todos los tiempos.

A partir de ahí, se originó un lento declive en su carrera totalmente inexplicable. Su siguiente película fue “Cowboy de ciudad” (1980), en la cual le vimos bailando con un

Actores y actrices 91

92 El cine musical

Adolfo Pérez

En “Mira quien habla”

sombrero vaquero y botas de montar, al más puro estilo tradicional norteamericano. Posteriormente da un giro total cuando interpreta un thriller titulado “Impacto” de Brian de Palma (1981), donde le vemos grabando accidentalmente un asesinato político, y aunque todo está realizado correctamente la película tuvo escaso éxito en taquilla.

Deseoso de volver a recuperar el público que años antes le había vitoreado, vuelve con el tema discotequero en un filme dirigido por Sylvester Stallone titulado “Staying Alive” (1983), una continuación descarada de “Fiebre del sábado noche”. Pero en solamente cinco años el público ya había cambiado y sus sueños de popularidad quedan atrapados en un nuevo fracaso.

En esos años languideció durante casi una década en películas casi desconocidas, aunque no por ello dejó de trabajar puesto que consiguió volver a la televisión, destacan-

Actores y actrices 93

do especialmente durante 1987 en un programa de la ABC

titulado “The Dumbo Waiter” de Harold Pinter. Después vuelve de nuevo al cine para interpretar un papel secundario en “Mira quién habla” (1989), en donde los intérpretes principales son unos bebés a los que hay que poner las voces. Increíblemente el público se fija de nuevo en Travolta, se da cuenta que aún está vivo para el cine, y esta comedia romántica dirigida a un público infantil triunfa en taquilla y su imagen sale de nuevo en las portadas. El éxito fue tan

94 El cine musical

Adolfo Pérez

grande que hubo dos secuelas más, “Mira quien habla también” (1990) y “Mira quien habla ahora” (1993), sorprendiendo con posterioridad al mundo entero cuando hizo un papel magnífico en “Pulp Fiction” (1994) de Quentin Tarantino. Ese año volvió a ocupar el número uno en las listas de Hollywood.

Esta estrella resucitada encontró de pronto su mejor puesto en el cine en sus papeles de malvado, mientras trataba de ocultar su cara de buen chico tras un comportamiento degenerado e inhumano. Desde ese momento le hemos podido ver como Chili Palmer en la obra de Barry Sonnenfeld “Como conquistar Hollywood”, y en “Atrapado” (ambas en 1995), junto a otro actor rescatado del olvido, Harry Belafonte. Siguió luego con el thriller “Alarma nuclear” (1996) de John Woo, en la que interpreta a un piloto que intenta extorsionar al gobierno americano, y un año después efectúa un nuevo giro en su carrera cuando Actores y actrices 95

hace de un hombre dotado de poderes paranormales en

“Phenomenon” (1996), por la que cobra 8 millones de dó-

lares. Sin embargo, esta carrera de éxitos se vio frenada al interpretar el papel principal en el filme “Campo de bata-lla: la Tierra”, una obra aceptable, pero cuyo argumento procedente del creador de la Cienciología no gustó a muchos críticos empeñados en mezclar la política con el cine.

Filmografía esencial

1975 LA LLUVIA DEL DIABLO

1976 CARRIE

1977 FIEBRE DEL SÁBADO NOCHE

1978 GREASE

1981 BLOW OUT (Impacto)

1983 STAYING ALIVE

1983 TAL PARA CUAL

1985 PERFECT

1989 MIRA QUIEN HABLA

1990 MIRA QUIEN HABLA TAMBIÉN

1994 PULP FICTION

1995 CÓMO CONQUISTAR HOLLYWOOD

1996 PHENOMENON

1996 BROKEN ARROW (Alarma nuclear)

1997 CARA A CARA

1998 PRIMARY COLORS

1998 ACCIÓN CIVIL

1998 LA DELGADA LÍNEA ROJA

1999 LA HIJA DEL GENERAL

2000 CAMPO DE BATALLA: LA TIERRA

2001 COMBINACIÓN GANADORA

2001 OPERACIÓN SWORDFISH

2001 FALSA IDENTIDAD

96 El cine musical

Adolfo Pérez

Judy Garland

Cuando Garland cantó “Usted me hizo amarlo” en “Melodías de Broadway” de 1938, era imposible creer que esa voz madura, tan potente, perteneciera a una joven de 14

años. Ella tenía una estupenda voz, espiritual y nostálgica, con gran energía, llena de nervio, aunque se la vislumbraba ya muy vulnerable. Podía bailar, actuar y cantar sin problemas.

Esa muchacha menuda dotada de una gran voz, se llamaba en realidad Frances Ethel Gumm y había nacido en los Grandes Rápidos, Minnesota, en el seno de una familia dedicada al mundo de las variedades. Realizó su presentación como artista con sólo tres años de edad, en un acto para una comunidad religiosa, junto a dos hermanas mayores.

Cuando la familia se disgregó, Garland, guiada por su ambiciosa madre, continuó cantando en solitario hasta que se presentó un día en Hollywood.

Consiguió su primer contrato para la MGM cuando acababa de cumplir los 13 años, e inmediatamente intervino en “Locuras de estudiantes” (1936), “Thoroughreds Don’t Cry” (1937) y “Melodías de Broadway” (1938).

Su gran triunfo fue, no obstante, con su papel como Dorothy en “El Mago de Oz” en 1939, película que constituyó un éxito mundial que aún perdura, lo mismo que la canción “Over the Rainbow”. Veterana del cine a una edad en la que la mayoría de las actrices figuran solamente como extras, consigue recibir un Oscar a la mejor actriz juvenil del año cuando apenas contaba 17 años.

Actores y actrices 97

Judy Garland siguió escalando triunfos cuando se unió al vivaz Mickey Rooney en varias películas musicales que mostraban el lado más alegre de los jóvenes. Pero aunque su carrera era un triunfo absoluto, su vida personal empezaba a ir por una peligrosa pendiente. Para tratar de combatir 98 El cine musical

Adolfo Pérez

su incipiente obesidad los médicos la recetaron barbitúricos mezclados con anfetaminas que la sumieron en un estado emocional desequilibrado. Al igual que posteriormente ocurrió con otros astros de la pantalla, como Elvis Presley y Marilyn Monroe, prestigiosos médicos que manejaban medicamentos peligrosos y sumamente dañinos, terminaron por convertir a Judy en una adolescente narcotizada, con receta médica. Aun así, consiguió seguir trabajando en el cine sin que su estrella se apagase y entre crisis y crisis (“solucionada” con más medicamentos) pudo interpretar algunos de los mejores musicales de la MGM, entre ellos

“Cita en St. Louis” (1944), “The Harvey girls” (1946),

“Desfile de Pascua” (1948) y “Ha nacido una estrella” (1954).

Casada con el director Vincente Minnelli, consiguió permanecer en el cine incluso en plena crisis emocional y tuvo una hija que también alcanzaría gran fama, llamada Liza Minnelli. Garland se casó después con Sid Luft y tuvieron una hija de nombre Lorna, que también tuvo grandes éxitos en el musical.

Al final de los años 40 Judy había conseguido una negativa reputación a causa de su inestable carácter, debido a la dependencia hacia las drogas, y tuvo que ser internada repetidas veces para realizar curas de desintoxicación, además de efectuar varias tentativas de suicidio.

En 1950 se produjo su primer abandono forzado del cine, aunque ayudada por su marido protagonizó una obra musical en el Londres Palladium que constituyó un gran éxito. El público no había olvidado a la mejor estrella juvenil de todos los tiempos y eso la produjo nuevos ánimos, enlazando posteriormente con otro espectáculo en el York Palace Theatre.

Actores y actrices 99

En 1954 retorna al cine con la película “Ha nacido una estrella”, y realiza una de sus mejores interpretaciones dramáticas, quizá por las similitudes que tenía con su verdadera vida. La película, considerada una obra clásica, la ayudó a superar sus problemas depresivos, aunque vuelve a caer al poco tiempo en ellos y decide abandonar su trabajo como actriz.

Agobiada por sus angustias se divorcia de Luft y se des-morona totalmente, mientras se ve inmersa en un largo proceso legal por la custodia de sus dos hijas. La industria de Hollywood vuelve a confiar en su estrella más mimada y 100 El cine musical

Adolfo Pérez

en 1961 la proponen interpretar “El juicio de Nuremberg”, filme por el que recibió una nominación al Oscar como mejor actriz secundaria. Unas semanas antes había realizado un memorable concierto en directo en el Carnegie Hall, que la puso de nuevo en las páginas de los periódicos.

Convencidos ambos, Hollywood y ella, que todo podría volver a los años gloriosos, interpreta “Gay Purr-ee” en 1962,

“Ángeles sin paraíso” en 1963 y “I Could Go On Singing”, también en 1963, decidiendo nuevamente abandonar definitivamente el mundo del espectáculo después de fracasar en “El Show de Judy Garland” para la CBS.

Pero su hija Liza Minnelli no estaba dispuesta a dejar a su madre abandonada y la incorpora a un concierto en el Palladium de Londres en 1965, en el cual el público asiste entusiasta al dúo protagonizado por ambas actrices, Judy y Liza. Y como si hubiera recobrado nuevas energías, en 1965

se casa con un desconocido actor siete años menor que ella llamado Mark Herron, aunque se separaron pocos meses después.

Luchando contra la soledad pide realizar el papel principal en “El valle de las muñecas”, aunque Hollywood ya no cree en ella y otorga el papel a Susan Hayward.

En 1968 viaja a Londres para casarse de nuevo con un hombre 35 años mayor que ella, dueño de una gran discoteca llamada Deanes Mickey, aprovechando para actuar en un cabaret de esa ciudad durante tres semanas, que resultó ser el peor fracaso de toda su vida. La culpa, esta vez, era exclusivamente de ella. Llegaba tarde a las actuaciones, se olvidaba las letras de las canciones y el público terminó abucheándola, algo imposible de asimilar por alguien que había sido la estrella más aplaudida durante muchos años.

Actores y actrices 101

El resto de su vida es una tragedia entre depresiones, alcoholismo y fracasos económicos que la llevaron ya sin remedio al suicidio, arruinada, abandonada por todos sus antiguos amigos y dejando una herencia para sus hijas de millones... de deudas.

Fue encontrada muerta en el cuarto de baño de su apartamento de Londres la noche del 22 de junio de 1969 y el médico certificó “muerte accidental por sobredosis de barbitúricos”. Su entierro multitudinario bloqueó totalmente la zona de Manhattan cercana al cementerio.

Julie Andrews

Julie Elizabeth Wells nació el 1 de octubre de 1935 en Walton, un suburbio

de Londres. Su padre,

Ted, era maestro esco-

lar y su madre, Bárba-

ra, daba lecciones de

piano a domicilio.

Julie también tenía

una tía ligada al mun-

do de la música, quien

regentaba una peque-

ña escuela de baile, y

por ello desde muy

pequeña comenzó a

aprender ballet y

En “Víctor o Victoria”

102 El cine musical

Adolfo Pérez

claqué; por no mencionar el hecho que con solamente tres años de edad sabía leer y escribir.

La madre de Julie consiguió un trabajo como actriz secundaria en un teatro de Bognor Regis, en donde conoció al que luego sería su marido Ted Andrews y los dos se unieron para formar un espectáculo de variedades. Durante la guerra, Julie y su hermano John acudieron a dar clases a una escuela de paseo a caballo en Kent, y tanto Bárbara como Ted Andrews aprovecharon para recorrer Bretaña juntos, entreteniendo a las tropas. Cuando Julie tenía cuatro años, comenzó a recibir clases de canto y gradualmente se incorporó al teatro junto con sus padres.

A los siete años de edad, fue requerida para efectuar una audición de canto delante del maestro Lillian Stiles-Allen, quien no obstante impresionado con su talento, tuvo miedo de aceptarla por miedo a que se le dañaran sus cuerdas vocales. Diversos especialistas de garganta determinaron que aunque todavía muy pequeña, Julie tenía una laringe adulta totalmente desarrollada, lo que explicaba su capacidad para conseguir cuatro octavas.

Cuando sus entrenamientos vocales continuaron, Julie se convirtió en una actriz infantil popular y a los doce años fue ya cabecera de algunas revistas. Su actuación con una compañía de Broadway en 1954 le llevó a los Estados Unidos, comenzando así una larga carrera de éxitos en Nueva York. Al cabo de un año consiguió el principal papel de Eliza Doolittle en la versión musical de Pigmalión, “My Fair Lady”. Por este trabajo recibió un premio Tony, trabajando también con Rex Harrison en Nueva York durante dos años y continuando otros dieciséis meses en Londres (en esa fecha se casó con su amigo de la infancia Tony Walton).

Actores y actrices 103

En Nueva York ganó su segundo Tony por su interpretación de la Reina Guenevere en “Camelot”, trabajo que ejerció durante dos años antes de abandonarlo en 1962 para dar a luz a su hija Emma.

104 El cine musical

Adolfo Pérez

En “Cortina rasgada”

Sin embargo, la ca-

rrera de Julie daría un

paso de gigante cuando

Walt Disney la llevó a

Hollywood para inter-

pretar “Mary Poppins”

(1964) con Dick Van

Dyke. Ganó un Oscar

como la Mejor Actriz

por su actuación, sien-

do nominada al año si-

guiente por su interpre-

tación de la monja-ins-

titutriz en la película

“Sonrisa y lágrimas”

(1965), una de las más

bellas historias de amor.

Aunque muchas de sus películas subsecuentes, “Millie, una chica moderna” (1967) con Mary Tyler Moore y

“Darling Lili” (1970) con Rock Hudson, no tuvieron el éxito anterior, Julie (ya divorciada de Walton) siguió trabajando intensamente. Casada con el director Blake Edwards, fue nominada de nuevo al Oscar por “Víctor o Victoria” (1982) con Robert Preston y James Garner.

Notoria fue su actuación en “S.O.B.”, en la cual mostraba por primera vez sus pechos en la pantalla, continuando trabajando en los escenarios de Broadway y consiguiendo otra nominación al premio Tony. Desdichadamente tuvo que abandonar su trabajo a los 62 años a causa de un serio problema vocal que la dejó muda, debiendo recoger su papel Actores y actrices 105

la actriz Raquel Welch. Anteriormente había conseguido un gran éxito con el musical “El rey y yo”, en los escenarios de Londres.

Madre de dos hijos adoptivos, ha escrito varios libros de éxito para los niños bajo el nombre de Julie Edwards, apareciendo en 2003 en la ceremonia de los Oscar, durante un recuerdo de la Academia a los anteriormente premiados.

Filmografía esencial

2004 SHREK (VOZ)

2001 PRINCESA POR SORPRESA

1990 TCHIN-TCHIN

1986 ANSIAS DE VIVIR

1986 ASÍ ES LA VIDA

1983 MIS PROBLEMAS CON LAS MUJERES

1982 VÍCTOR O VICTORIA

1981 S.O.B.

1980 EL TRUHÁN Y SU PRENDA

1979 10, LA MUJER PERFECTA

1974 LA SEMILLA DEL TAMARINDO

1970 DARLING LILI

1968 LA ESTRELLA

1967 MILLIE, UNA CHICA MODERNA

1966 HAWAI

1966 CORTINA RASGADA

1965 SONRISAS Y LÁGRIMAS

1964 MARY POPPINS

1964 LA AMERICANIZACIÓN DE EMILY

106 El cine musical

Adolfo Pérez

Leslie Caron

Esta exquisita mujer, de cuerpo estilizado y piernas asombrosas, nació el 1 de julio de 1931 en París. Su rostro ani-

ñado, casi ingenuo, comenzó a destacar a los 10 años cuando actuaba con el Ballet de los Campos Elíseos en París.

Sus excepcionales dotes para el ballet clásico la condujeron en 1949 hasta la compañía de Roland Petit, en donde trabajó hasta que fue descubierta en 1951 por el actor y bailarín estadounidense Gene Kelly, quien en ese momento estaba buscando

su compañera

para el filme

“Un america-

no en París”.

Deseoso de

aportar en esta

ocasión el ade-

cuado contras-

te entre el bai-

le americano y

el ballet clási-

co, Kelly y el

director Vicen-

te Minnelli

pronto pusie-

ron sus ojos en

esta francesa

con cara de

eterna román-

tica, aunque

no necesaria-

mente buena

actriz.

Actores y actrices 107

Su contrato con la MGM no le permitía más que trabajar en musicales, aunque hubo algunas excepciones como

“Glory Alley” (donde también bailaba) de Raoul Walsh, rodada unos meses antes que “Lilí” (1952), y uno de los episodios de “Tres amores” (1953), también dirigido por Minnelli. Una vez que “Lilí” cosechó un mérito que hoy en día nos parece desproporcionado, trabajó junto al no menos popular Fred Astaire en “Papá piernas largas” de Jean 108 El cine musical

Adolfo Pérez

Negulesco, y posteriormente en la premiada “Gigi” en 1958, donde volvió a trabajar con Vicente Minnelli.

Después su declive artístico coincidió con la pérdida del interés por parte del público hacia el cine musical, y aunque lo intentó de nuevo en 1961 con “Fanny”, de Joshua Logan, su popularidad descendió sensiblemente hasta casi pasar desapercibida. Películas como “La habitación en forma de L” (por la cual fue nominada al Oscar, lo mismo que por Lilí) o “El padre de familia” (1967), no aportaron nada nuevo en su carrera artística.

Casada en tres ocasiones, ha sido frecuentemente entre-vistada en la televisión e invitada a diversos festivales cinematográficos, con los cuales se pretendía reavivar el recuerdo hacia una memorable bailarina, más que a su figura como actriz.

Filmografía esencial

2000 CHOCOLAT

1995 LET IT BE ME

1984 LA DIAGONALE DU FOU

1979 LA CHICA DE ORO

1977 VALENTINO

1975 JAMES DEAN

1972 NICOLE

1966 ¿ARDE PARÍS?

1964 OPERACIÓN WHISKY

1962 AL FINAL DE LA NOCHE

1962 LA HABITACIÓN EN FORMA DE ‘L’

1961 FANNY

1960 THE BATTLE OF AUSTERLITZ

1958 GIGI

Actores y actrices 109

1955 PAPÁ PIERNAS LARGAS

1954 LAS ZAPATILLAS DE CRISTAL

1953 TRES AMORES

1953 LILI

1951 UN AMERICANO EN PARÍS

Liza Minnelli

Hay quien asegura que

cuando su madre, Judy Gar-

land, le anunció la fecha de

su cuarto casamiento, Liza la

reprochó tanta inconciencia,

pero su madre la respondió

que para ella suponía un es-

treno más. Para suavizar la si-

tuación, pero dejando bien

claro que no aceptaba tantos

padrastros, le respondió: “No

podré ir a este casamiento, ma-

dre – se disculpó– pero te pro-meto que voy al próximo”.

Y es que el Hollywood de los años dorados se encargaba de encender y pulir a sus estrellas, para después dejarlas caer sin muchos remordimientos.

La edad era la excusa más reconocida, aunque con frecuencia podría tratarse de motivos políticos o de moral.

Judy Garland –a quien los lectores siempre recordarán como la Dorothy de “El mago de Oz” y algo menos por “Ha nacido una estrella”– fue un adecuado señuelo para llenar las taquillas simplemente utilizando su nombre.

110 El cine musical

Adolfo Pérez

A los 19 años había rodado ya 23 películas, pero paralelo a este trabajo, tal y como vimos en Marilyn Monroe y Elvis Presley, nació su afición a las drogas legales, aquellas que eran recetadas por prestigiosos doctores. Las anfetaminas como estimulantes y los barbitúricos como tranquili-zantes, eran los medicamentos más recetados por los médicos, inconscientes y sordos ante la gran dependencia que ocasionaban. El desenlace fue el previsto, y con apenas 47

años, el 22 de junio de 1969, Judy Garland moría por sobredosis en una discreta habitación de un pequeño hotel de Londres.

Su hija Liza, nacida el 12 de marzo de 1946, fruto de su boda con el director de cine Vincent Minnelli, aprendió desde pequeña lo que era la fama, las luces de neón y los aplausos, y lo aprendió con mucha más prontitud que los estudios. Cuando ya famosa quiso revivir la memoria de su madre, realizó en el Palace Theatre de Nueva York (el mismo que vio brillar a su madre en los años cincuenta), un recital que estaba rodeado de un mal presagio. Unos meses antes había padecido una encefalitis viral que la puso al borde de la muerte, lo que la ocasionó unas cuerdas bucales débiles, aunque no por ello menos capaces de entonar las mejores canciones con la adecuada sensibilidad.

Con la sombra cotidiana y profesional de su madre marcándola de cerca, la estrella de “Cabaret” y “New York, New York” nunca consiguió permanecer largos años como una estrella rutilante. La heredada afición a las drogas la llevó en 1984 a ingresar durante unos meses en la clínica de Betty Ford para desintoxicarse, llegando a afirmar que la sede de Alcohólicos Anónimos era su segundo hogar. Con el aval de sus prestigiosos padres, Liza no tuvo demasiados problemas para ser contratada, aunque eso la obligaba a alcanzar el listón de sus progenitores, lo que no era fácil.

Actores y actrices 111

112 El cine musical

Adolfo Pérez

Ella llegó a reconocer que aunque sus padres le ayudaron a subir al escenario, a partir de cierto momento el vacío fren-te a la platea fue absolutamente suyo.

“Me parecía ser una princesita de Hollywood” –reconoció Liza recordando su niñez en Beverly Hills y era recibida en brazos por Fred Astaire, Frank Sinatra o Gene Kelly–. Cuando aprendió a nadar en la piscina de Sammy Davis Jr. tuvo como vecinos más cercanos a Nat King Cole y Lana Turner, entre otros, y no había cumplido los dos años y medio cuando apareció en una de las películas de su madre, “In te good old summertime”. En 1963 debutaba en Nueva York con un musical denominado “El mejor pie adelante” y dos años después con “Flora, la amenaza roja”, convirtiéndose así en la actriz más joven de la historia que consigue ganar un premio Tony. En 1970, por su personaje de Pookie en

“Dime que me amas, Junie Moon”, resulta elegida la mejor actriz en el festival de cine Mar de la Plata.

Sin embargo, estos modestos triunfos no le aportan apenas popularidad mundial y todo hubiera seguido así si en 1972 alguien no le hubiera presentado el guión de Christopher Isherwood y las canciones de Kander y Ebb, todo bajo la dirección de Bob Fosse, un disciplinado director que quiere llevar a la pantalla la historia de Sally Bowles.

El filme llevaría por título “Cabaret”, y lanzaría al estrellato a esa mujer de largas pestañas, piernas ágiles envueltas en negras medias y una boca plagada de intenso carmín rojo.

Ella no era demasiado guapa, pero los genes familiares le daban esa aureola tan especial, a veces inexplicable.

Y al mismo tiempo que crecía su popularidad lo hacían sus problemas sentimentales, pues tuvo tantos romances como desamores, aunque ella decía que no eran fracasos, sino aprendizaje y deseo. Casada con el animador Peter Allen –

que la abandonó por un hombre– y posteriormente con el Actores y actrices 113

empresario Jack Hailey Jr., salió en los periódicos por sus relaciones adúlteras con el director Martin Scorsese, quien por cierto la dirigió en “New York, New York” y “El rey de la comedia”. Su tercer matrimonio fue tan fugaz como es-cabroso su divorcio, aunque mientras tanto se consolaba con el escultor Mark Gero. Y también, aunque no disponemos de fotos que lo avalen, se acostó con Peters Sellers, Charles Aznavour y Misha Baryshnikov, llegando al delirio de la pasión desatada cuando con 45 años se une a Billy Strich, un agraciado joven de 27 años. Tan enamorada parecía que hasta ingresó en una clínica para aumentar su fertilidad, aunque no pudo lograrlo.

Una nueva ruptura y un nuevo romance, ahora con David Gest, manager y director, llega en el momento justo para escapar del fantasma de Micke, la protagonista de Cabaret, y en 1991 rueda “Un paso adelante”, con el intento loable de que el título sea también una premonición.

Sin embargo, ya entrados los años noventa su cuerpo acusa las drogas y los buceos debajo de las sábanas, lo que no es motivo de alegría para los productores. Con el firme propósito de no otorgar papeles de estrella a quien ya no lo es, apenas si consigue dos trabajos totalmente olvidables, razón por la cual decide volver a las candilejas. En 1997

debe sustituir a la extraordinaria Julie Andrews (sus cuerdas vocales habían claudicado) en el musical “Víctor o Victoria”, pero los críticos son despiadados con este retorno.

Ella ya no es la actriz que cautivó con “Cabaret”, sino una alcohólica que no logra encauzar adecuadamente los bailes. Por si fuera poco, su compañero de reparto Tommy Roberts dijo que no podía trabajar con ella, pues se le olvi-daban todos los textos a causa del alcohol. Afirmó que en una ocasión cambió la frase de soy un ganado de segunda clase, por el de soy una prostituta de segunda clase.

114 El cine musical

Adolfo Pérez

Después llegó una artritis que la arrinconó en su domicilio, aunque hoy en día las nuevas generaciones la siguen recordando mejor como esa mujer que logró ganar un Oscar en 1972 a la mejor actriz por “Cabaret”, y que recibió una nominación por “The Sterile Cuco” tres años antes.

Filmografía esencial

1949 IN THE GOOD OLD SUMMERTIME

1970 DIME QUE ME AMAS, JUNIE MOON

1972 CABARET

1974 ÉRASE UNA VEZ HOLLYWOOD

1975 LOS AVENTUREROS DEL LUCKY LADY

1976 NINA

1976 LA ÚLTIMA LOCURA

1977 NEW YORK, NEW YORK

1981 ARTHUR, EL SOLTERO DE ORO

1983 EL REY DE LA COMEDIA

1984 THE MUPPETS TAKE MANHATTAN

1985 THAT’S DANCING!

1985 A TIME TO LIVE

1988 ARTHUR 2: ON THE ROCKS

1988 CHICAGO ROJO

1991 UN PASO ADELANTE

1995 THE WEST SIDE WALTZ

Marilyn Monroe

Quienes consideran que la actriz Marilyn Monroe no aportó nada bueno al cine y se limitó a ser una sex-symbol, deberían tener en cuenta que durante los años 1953, 1954

y 1956 fue la actriz más taquillera en los Estados Unidos, la que más ingresos proporcionó con el conjunto de sus

Actores y actrices 115

filmes, y que dos de sus películas, “Como casarse con un millonario” en 1953 y “Los caballeros las prefieren rubias” en 1954, formaron parte de las diez películas más taquilleras de esa época. Seis años más tarde, en 1959, otra pelícu-la protagonizada por Jack Lemmon y Marilyn Monroe, “Con faldas y a lo loco”, también fue una de las diez películas 116 El cine musical

Adolfo Pérez

más taquilleras, recaudando solamente en su estreno siete mil doscientos millones de dólares. Hoy en día, después de más de 40 años después de su muerte, sigue siendo la actriz sobre la que más libros se han publicado en el mundo, superando con mucho a James Dean, John Wayne, Charles Chaplin o Los Hermanos Marx, además de contar con al menos tres clubes de fans perfectamente organizados y en activo, y un merchandising inagotable en camisetas, pósteres, fotografías, llaveros, suéteres, figuritas, etc., que son presa no solamente de coleccionistas, sino de jóvenes que ni siquiera habían nacido cuando ella triunfaba.

Su vida, de alguna manera ligada en sus últimos años a los Kennedy, no solamente fue motivo de estímulo para el público joven, sino que se convirtió en una bandera en favor de la libertad sexual y de expresión política. Con su muerte repentina, plagada de interrogantes y misterios sin resolver, no se cerró un capítulo más en la historia del cine sino, más bien al contrario, se inició otro igualmente pu-jante en el cual la imagen y la vida de Marilyn Monroe cobraron fuerte actualidad.

La mujer solitaria, amante de las relaciones con los hombres, con sus romances que terminaban con rapidez, su desnudez mostrada sin reparos al público y su incitación a las relaciones sexuales, caló hondo en una población que estaba cansada de ocultar lo que todo el mundo deseaba: unas relaciones sexuales sin miedos ni complejos.

Pero quienes la desprestigiaron y la desprestigian todavía diciendo que era solamente una cadera contoneándose y que no sabía en absoluto interpretar, se olvidan que en los años 1953, 1960 y 1962 fue galardonada con el Globo de Oro a la mejor actriz de comedia, premio que concede la Asociación de Prensa Extranjera de Hollywood. Después,

Actores y actrices 117

en 1959, la otorgan el “David di Donatello”, el equivalente italiano a los Oscar norteamericanos, y los franceses le conce-den sin reparos su “L’Etoile de cristal”, el máximo galardón que se puede otorgar a una artista del cine. Anteriormente, en sus comienzos, y como consecuencia de ser considerada ya la mejor promesa cinematográfica, se le premia en 1951

con el “Henrietta Award”, mientras que en 1953 la revista Photoplay la denomina como la actriz más popular.

Pero para los que aún puedan tener alguna duda sobre su mérito, debemos recordarles que trabajó a las órdenes de directores de tanto prestigio como John Huston, Billy 118 El cine musical

Adolfo Pérez

Wilder y Howard Hawks, mientras que compartió cartelera con mitos del cine como Clark Gable, Jack Lemmon, Bette Davis, Lawrence Olivier, Los Hermanos Marx, Mickey Rooney, Claudette Colbert, Barbara Stanwyck, Richard Widmark, Cary Grant, Ginger Rogers, Charles Laughton, Robert Mitchum, Dean Martin y Montgomery Clift.

Pero insensibles al entusiasmo del público por Marilyn, algunos críticos se empeñaron en tratar de desprestigiarla diciendo que no tenía talento, que era una pésima actriz y que solamente sabía contonear las caderas con acierto. Y

en esto último es en lo único que estamos de acuerdo, ya que efectivamente Marilyn sabía mover las caderas de una manera increíble, pero al mismo tiempo era una excelente actriz de comedia y una más que aceptable intérprete de thrillers y romances pasionales. Para nuestra desgracia, los críticos que consideran que detrás de una mujer sexy nunca puede existir una buena actriz abundan demasiado, del mismo modo que abundan aquellos que no creen posible que un hombre con músculos pueda ser un excelente actor.

Tal postura estereotipada sigue vigente hoy en día y el úni-co problema es que estos críticos disponen además de páginas en la prensa donde poder expresar sus tonterías, y encima cobrar por ello.

Marilyn demostró, además, un gran valor como persona al ser capaz de salir de la más absoluta soledad y pobreza, y con gran tesón alcanzar el estrellato en una época en la cual el cine estaba plagado de mujeres guapísimas y buenas actrices. Su fama la llevó a ser enviada a Alemania como embajadora de los Estados Unidos y allí ser nombrada “Miss Cheesacake”, siendo ese mismo año reclamada por los estudios para que acudiera a la entrega de los Oscar donde formaría parte del comité del festival, algo que solamente se pide a quien verdaderamente es querido por el público.

Actores y actrices 119

Como todos conocemos, su vida amorosa estuvo llena de hombres que la adoraron y de maridos que la abandona-ron (cuatro en total), quizá porque ella quería pertenecer solamente a su público y no podía ser exclusiva de un sólo 120 El cine musical

Adolfo Pérez

hombre. Por eso, junto a sus maridos, sabemos que fue amada por grandes personalidades del cine y la política, aunque posteriormente, en su último año, uno por uno fueron renegando de ella y negándola cualquier posible ayuda moral.

Explotada económicamente por los estudios de cine, Marilyn ni siquiera consiguió ganar las cifras astronómicas de otros actores y nunca tuvo la picardía de pedir un porcentaje de las recaudaciones de taquilla, salvo en su última época, aunque ya era demasiado tarde para disfrutarlo.

Amaba tanto su trabajo que no se ocupaba de los asuntos financieros, dejando un legado económico en el momento de su muerte muy pobre para una persona que había sido la mujer más adorada del mundo.

Su hermoso cuerpo, además, nunca estuvo esculpido por las pesas o el deporte, del mismo modo que nunca se some-tió a una liposucción para rebajar caderas, ni se puso im-plantes de silicona para levantar lo que se levantaba por sí solo. Tan sólo una minúscula operación de cirugía para modificar su nariz y su mentón, efectuadas en la primera época, fue todo el artificio que toleró hacerse. Su belleza era una de las pocas auténticas que se conocen en el cine y nunca tuvo reparos en mostrarnos su cuerpo tal cual, aunque con el paso de los años un vientre menos liso de lo deseable empezaba ser notorio.

Después vinieron los años de soledad, los amores frustrados, su maternidad imposible y un nefasto psiquiatra al que ella llamaba continuamente, que la introdujo en el mundo de las drogas mediante el uso legal de los barbitúricos. Ingenua hasta lo incomprensible, aceptó tratar de curar sus desilusiones sentimentales con esas maléficas pastillas para dormir, necesitando posteriormente pastillas para Actores y actrices 121

poderse levantar y otras para trabajar, todas recetadas por ese incompetente médico.

La debilidad de su cuerpo se hizo notoria, lo mismo que la de su mente, y después de ser adorada por millones de hombres y mujeres de todo el mundo se encontró en un momento de su vida sin amigos, sin amantes, perseguida por la mafia y sin trabajo, ya que incluso el mismo estudio que la rescindió el contrato la puso una demanda millonaria por daños. Demasiadas tensiones para una mujer solitaria que hasta entonces había tenido el mundo a sus pies.

Pero afortunadamente el cine no nos hace olvidar la muerte de las personas queridas y cuando de nuevo podemos disfrutar de Marilyn viendo alguna de sus películas, es cuando nos damos cuenta de que aún sigue viva, que su imagen y su voz siguen presentes entre nosotros.

Su fallecimiento fue certificado a las cuatro y veinticinco del día 5 de agosto de 1962, aunque la mayoría de los biógrafos consideran que su muerte acaeció en las últimas horas del día 4.

Filmografía esencial

1949 AMOR EN CONSERVA

1950 LA JUNGLA DEL ASFALTO

1950 EVA AL DESNUDO

1952 NIEBLA EN EL ALMA

1952 ME SIENTO REJUVENECER

1953 NIÁGARA

1953 LOS CABALLEROS LAS PREFIEREN RUBIAS

1953 CÓMO CASARSE CON UN MILLONARIO

1954 RÍO SIN RETORNO

1955 LUCES DE CANDILEJAS

122 El cine musical

Adolfo Pérez

1955 LA TENTACIÓN VIVE ARRIBA

1956 BUS STOP

1957 EL PRÍNCIPE Y LA CORISTA

1959 CON FALDAS Y A LO LOCO

1960 EL MULTIMILLONARIO

1961 VIDAS REBELDES

Mickey Rooney

Este menudo actor estadounidense, de nombre real Joe Yule Jr., nació el 23 de septiembre de 1920 en Nueva York, en el seno de una familia de actores. Considerado mereci-damente como un niño prodigio, pues debutó en el mundo del cine con seis años, ha conseguido mantener siempre esa imagen jovial, inquieta,

juvenil y alegre

que le caracteri-

zara. Actor ver-

sátil, con gran-

des dotes para

el canto y la

danza, así como

capaz de reali-

zar no pocas

proezas circen-

ses si el argu-

mento lo re-

quiere, desde

1927 hasta

1933 fue el pro-

tagonista de

casi cincuenta

Actores y actrices 123

cortometrajes bajo el nombre de Mickey McGuire, asumien-do desde 1934 el de Mickey Rooney.

Con el paso de los años su trabajo en el cine ha ido disminuyendo, aunque todavía es frecuente verle en telefilmes de cierta importancia y como actor invitado en 124 El cine musical

Adolfo Pérez

numerosos filmes. Actor taquillero por excelencia y millonario en dólares, destacó especialmente por su trabajo en

“El sueño de una noche de verano” (1935), “El honor de la familia” (1937) y “Love Laughs at Andy Ardí” (1947). Entre 1937 y 1944 fue el actor más popular en los Estados Unidos y fue capaz con su carisma de enamorar a una mujer tan voluptuosa como Ava Gardner, con quien estuvo casado entre 1942 y 1943. Una vez divorciados se casó con Martha Vickens en 1949.

Un papel por el que será siempre recordado es en “Desayuno con diamantes” (1961), en donde interpreta a un ciudadano chino que tiene que soportar las juergas musicales de su vecina Audrey Hepburn. También son igualmente importantes sus trabajos al lado de Judy Garland, con quien realizó “Los hijos de la farándula” (1939), “Armonías de juventud” (1940) y “Babes on Broadway” (1941).

Recibió un Oscar Honorario en 1938 por su significati-va contribución para atraer hacia las pantallas el espíritu y personificación de los jóvenes. También fue nominado en 1939 por “Babes in arms”; en 1943 por The Human Comedy”; en 1956 por “The Bold and the Brave”; y en 1979 por “The Black Stallion”.

En 1982 se le concedió otro Oscar honorífico por sus 50

años de trabajo en películas memorables.

Filmografía esencial

1935 LA INDÓMITA

1936 EL PEQUEÑO LORD

1939 LAS AVENTURAS DE HUCKLEBERRY FINN

1948 WORDS AND MUSIC

Actores y actrices 125

1955 LOS PUENTES DE TOKO-RI

1956 AMANECER SANGRIENTO

1961 DESAYUNO CON DIAMANTES

1962 RÉQUIEM POR UN CAMPEÓN

1963 EL MUNDO ESTÁ LOCO, LOCO, LOCO

1968 SKIDOO

1971 REGRESO A OZ

1974 ASÍ ES HOLLYWOOD

1978 DONOVAN’S KID

1979 LA MAGIA DE LASSIE

1989 ERIK EL VIKINGO

1991 HOLLYWOOD’S CHILDREN

1992 EL PEQUEÑO NEMO

1994 LA VENGANZA DEL DRAGÓN ROJO

1994 THAT’S ENTERTAINMENT! PART 3

1997 JUDY GARLAND’S HOLLYWOOD

1998 BABE: PIG IN THE CITY

2001 LA DAMA Y EL VAGABUNDO 2

Mitzi Gaynor

Franceska Mitzi Gerber nació el 4 de septiembre de 1930

en Chicago, Ill. EE.UU. Posiblemente descendiente de alguna familia real austrohúngara, sus padres la encauzaron pronto al mundo de la danza, pues ellos mismos eran bailarines profesionales. Por ello, su formación profesional, que había comenzado a los cuatro años, se dejó notar en sus actuaciones profesionales, dominando perfectamente tanto el baile clásico como el moderno.

Imitadora de Carmen Miranda al principio, formó parte a los doce años de la compañía Los Angeles Civic Ligth, hasta que fue descubierta por la Fox.

126 El cine musical

Adolfo Pérez

Con un físico muy parecido a Vera-Ellen, para todos era la alternativa perfecta, tanto en edad como en calidad ar-tística, aunque tuvo la poca fortuna de incorporarse al cine musical justo cuando comenzaba el declive de éste.

En su primer filme los críticos se olvidaron de la actriz principal Betty Grable, y se centraron en esa menuda rubia

Actores y actrices 127

128 El cine musical

Adolfo Pérez

de cara serena y jovial

que bailaba como las

mejores danzarinas de

antaño.

Animada y promo-

cionada por su marido

Jack Bean, a su vez

agente artístico, sus

primeros filmes junto

a Bing Crosby y Frank

Sinatra le proporcio-

naron el soporte nece-

sario, afianzado poste-

riormente por el filme

“Las Girls” junto a Gene Kelly. Sin embargo, su gran triunfo aún no había llegado, pues con “South Pacific” (1958), una ópera de gran calidad, consiguió por fin el estrellato mundial. Pero aunque las críticas habían sido unánimes y hoy en día se le considera uno de los mejores musicales, económicamente el público no respondió, más que nada porque los musicales no interesaban ya.

Paradójicamente, y justo cuando había conseguido consolidarse, los productores se desinteresaron de ella, no su-pieron encajarla en otros filmes, y en poco tiempo desapareció de los escenarios.

Filmografía esencial

1936 ANYTHING GOES

1948 WHEN MY BABY SMILES AT ME

1951 GOLDEN GIRL

1952 THE I DON’T CARE GIRL

Actores y actrices 129

1952 NO ESTAMOS CASADOS

1954 THREE YOUNG TEXANS

1954 LUCES DE CANDILEJAS

1956 THE BIRDS AND THE BEES

1957 LES GIRLS

1958 SOUTH PACIFIC

1959 COMEDY & KID STUFF 3

1960 LE FARCEUR

1960 UNA RUBIA PARA UN GÁNGSTER

1963 FOR LOVE OR MONEY

1969 FOR THE FIRST TIME

Nicole Kidman

Nacida el 20 de junio de 1967 en Honolulu, Hawai, donde su padre Anthony, bioquímico, desarrollaba un proyecto de investiga-

ción, es la mayor de

dos hermanas. Su

mentalidad nómada

les llevó a trasladar-

se a Washington

D.C., lugar donde

permanecerían 3

años, para marchar-

se después a Austra-

lia. Su madre se lla-

ma Janelle y aunque

su hermana Antonia

ha demostrado con

su trabajo como re-

portera de TV su

gran personalidad,

130 El cine musical

Adolfo Pérez

Los desnudos en “Eyes Wide Shut” , la hicieron ser noticia en el mundo entero en una entrevista reconoció que en su familia ella era quien tenía el carácter más fuerte y resuelto, incluso rebelde.

Actores y actrices 131

Su vocación artística se manifestó precozmente cuando ingresó a los cuatro años en una escuela de ballet, a los ocho daba clases de mímica, y a los diez de arte dramático.

En todas estas actividades, que complementaban sus estudios convencionales, contó siempre con el apoyo de sus padres, que consideraban interesante que desarrollara su imaginación y talento artístico. Asidua habitual del teatro de la calle Phillip, posteriormente continuaría su prepara-ción artística en el Australian Theatre for Young People y en el St Martin’s Youth Theatre de Melbourne.

Debutó en el cine a los catorce años, con un discreto papel en el telefilme infantil “Bush Christmas” , al que siguieron otros como “BMX Bandits”, y “Winners ”, igualmente para la televisión. En los siguientes tres años intervino en otras películas para la televisión de poco interés, hasta que John Duigan la llamó para interpretar un papel en la mini-serie Vietnam” , filme que le proporcionó su primer reconocimiento popular, afianzado posteriormente en 1989 con “Dead Calm, junto a Sam Neill y Billy Zane.

En 1990 empieza su etapa americana con quien sería posteriormente su marido y mentor, Tom Cruise, en el filme “Días de Trueno”, donde se desarrolló el romance entre ambos, aunque por entonces Cruise estaba casado con Mimi Rogers. Una vez conseguido el divorcio, Kidman y Cruise se casaron en 1990. Desde ese momento, “la mujer de Tom Cruise” ocupó las portadas de las revistas y los trabajos para el cine aumentaron, siendo requerida por Robert Benton (autor de Kramer contra Kramer) para “Billy Bathgate”, junto a Dustin Hoffman. Posteriormente la vimos en Far and Hawai (nuevamente con Tom Cruise), el thriller “Malice”, con Alec Baldwin y Bill Pullman, donde encarna a una mujer fatal; y el drama “My Life”, con Michael Keaton.

132 El cine musical

Adolfo Pérez

Un papel que nunca pudo conseguir: el de Supergirl Actores y actrices 133

En 1995 interpreta desacertadamente a la Dra. Chase Meridian, en “Batman Forever” (quitando el trabajo a Rene Russo), para después protagonizar con Matt Dillon, “Todo por un Sueño”, otro filme de poco éxito comercial que pasó rápidamente al mercado del vídeo. Un año después consigue una nominación al Oscar por su trabajo en “Retrato de una Dama”, enlazando con “El Pacificador” y al año siguiente con “Prácticamente Magia”, con Sandra Bullock, otra comedia intrascendente sobre unas brujas.

Sin embargo, tanto sus desnudos junto a Tom Cruise en

“Eyes Wide Shut”, como la posterior ruptura entre ambos, fueron el detonante para afianzar su popularidad mundial, lo que le permitió aumentar sus exigencias económicas.

2001 sería su despegue definitivo con el filme “Los Otros”, del director español Alejandro Amenábar, y “Moulin Rouge” con Baz Luhrmann, seguidos de “Oscura seducción” y “Las horas”.

Filmografía esencial

2002 THE HOURS

2001 LOS OTROS

2001 MOULIN ROUGE

1999 EYES WIDE SHUT

1998 PRÁCTICAMENTE MAGIA

1997 EL PACIFICADOR

1995 BATMAN FOREVER

1993 MI VIDA

1992 UN HORIZONTE MUY LEJANO

1990 DÍAS DE TRUENO

1998 CALMA TOTAL

1983 PRINCE AND THE GREAT RACE

134 El cine musical

Adolfo Pérez

Olivia Newton-John

Nacida el 26 de septiembre de 1948 en Cambridge, Inglaterra, esta cantante y actriz, capaz de moverse con tanta soltura que parece incluso que sabe bailar, tuvo un ascenso vertiginoso a la popularidad en los años 70, como consecuencia de su tra-

bajo en “Grease”,

junto a John Tra-

volta. Llevando un

escotado y ajusta-

do suéter que cau-

só furor entre las jo-

vencitas de la épo-

ca, su mirada dul-

ce a veces, ingenia

con frecuencia, y

atrevida cuando así

lo requería la histo-

ria, la convirtió en

el sex-symbol del

momento y en una

referencia para las

mujeres.

Desesperanzada de encontrar un puesto en el cine que pudiera revivir ese gran éxito, se marchó a Australia en donde consiguió al menos dos decenas de éxitos musicales que se prolongaron hasta los años 80. Desdichadamente, estos triunfos no llegaron al resto del mundo y hoy en día casi es una desconocida para las nuevas generaciones.

Sus comienzos artísticos fueron ciertamente modestos, con una serie de televisión en la cual interpretaba bellas y

Actores y actrices 135

sencillas canciones como “If You Love Me (Let Me Know)” y “Have You Never Been Mellow?”, y así hubiera seguido si la oportunidad no le hubiera llegado al interpretar el principal personaje femenino en la adaptación para la gran pantalla del gran éxito musical de Broadway “Grease” en 1978. La historia nos llevaba hasta los años 50, cuando las adolescentes idealizaban las relaciones amorosas, y esa 136 El cine musical

Adolfo Pérez

mezcla de romanticismo y realismo encajó en esta actriz que, curiosamente, tenía más edad que su propio personaje, pues superaba a Travolta en siete años.

La reposición de “Grease” reavivó el interés por esta actriz desaprovechada y de nuevo se la ha vuelto a recordar cantando esa balada titulada “Hopelessly Devoted to You” y el dúo con John Travolta, “You’re the One That I Want”.

Aunque sus películas siguientes, “Xanadú” (1980) con Gene Kelly, y “Tal para cual” (1983, de nuevo con Travolta), fallaron para los críticos y algo menos para el público, consiguió su canto de cisne en 1981 con “Physical”, uno de los espectáculos más aplaudidos de los años ochenta.

Newton-John se casó con el actor y modelo Matt Lattanzi en 1985. En 1992, dos semanas después de la muerte de su padre, a ella se le diagnosticó un cáncer y sufrió una mastectomía parcial y una posterior reconstrucción del pecho, apareciendo ya solamente esporádicamente en la televisión cada vez que alguien quería mostrar el impacto de los musicales de esa época.

Filmografía esencial

1979 TOOMORROW

1978 GREASE

1980 XANADÚ

1983 TAL PARA CUAL

1990 A MOM FOR CHRISTMAS

1996 ITŚ MY PARTY

Actores y actrices 137

René Zellweger

Nacida el 25 de

abril de 1969 en

Katy, Texas,

EE.UU., esta ac-

triz de corta tra-

yectoria cinemato-

gráfica ha conse-

guido ya cierta re-

putación por

“Jerry Maguire”

(1996), junto a

Tom Cruise, aun-

que posteriormen-

te saltó a la fama

por su buen traba-

jo en “Chicago”.

Su meritoria inter-

pretación como

bailarina y actriz,

imitando sin repa-

ro a Marilyn Mon-

roe, logró que su

cotización aumen-

tara sensiblemen-

te, así como su

prestigio. Aunque

sus pasos de baile

nunca podrían

asemejarse a los de

Gingers Rogers, se

le reconoce su mérito al ser descendiente de suizos y no-ruegos sin antecedentes artísticos.

138 El cine musical

Adolfo Pérez

Estudiante en la Universidad de Texas se graduó en Radio, Cine y Televisión, debutando en el film “Rebeldes y confundidos” (Dazed and Confused, 1993), de Richard Linklater, continuando con “El soltero más codiciado” (The Bachelor, 1999), donde trabajó junto a Chris O’Donnell, así como en “Yo, yo mismo e Irene” (Me, Myself and Irene, Actores y actrices 139

1999), en la que conoció a Jim Carrey, su actual pareja.

También fue notorio su trabajo en “El diario de Bridget Jones”, en donde se nos muestra con una docena de kilos de más. Más adelante y rememorando con gran acierto a Doris Day, realizó el remake de “Pijama para dos” en el acertado filme “Abajo el amor”, una comedia de enredos y feminismo suave que entusiasmó a los espectadores.

Filmografía esencial

2003 ABAJO EL AMOR

2003 CHICAGO

2002 WHITE OLEANDER

2001 EL DIARIO DE BRIDGET JONES

2000 LA ENFERMERA BETTY

2000 YO, YO MISMO E IRENE

1998 ONE TRUE THING

1998 A PRICE ABOVE RUBIES

1996 THE WHOLE WIDE WORLD

1996 JERRY MAGUIRE

1995 THE RETURN OF THE TEXAS CHAINSAW

MASSACRE

1994 REALITY BITES

1994 8 SECONDS

1993 DAZED AND CONFUSED

Rita Hayworth

Nacida como Margarita Carmen Cansino en Brooklyn, Nueva York, el 17 de octubre de 1918, su talento artístico indudablemente lo heredó de su padre, Eduardo Cansino, un bailarín español de ascendencia sefardita, y su madre Volga Haworth, una irlandesa que había bailado en las filas

140 El cine musical

Adolfo Pérez

de las “Ziegfeld Follies”. Ambos esposos se habían conocido en el Casino Theatre de los Hermanos Shubert, mientras trabajaban en el musical “Follow Me”.

Apodada con justicia como La Diosa del Amor y La bomba erótica, esta actriz y bailarina se inició en el cine con los filmes “Criminales en el aire” y “Girls Can Play” en 1937,

Actores y actrices 141

consiguiendo enseguida un contrato con la Columbia Pictures por siete años y un sueldo inicial de 250 dólares semanales que irían ascendiendo progresivamente, hasta los 1.750 el último año. Estos filmes eran solamente una 142 El cine musical

Adolfo Pérez

puesta a punto de la actriz, tal y como expresó el director de la Columbia Harry Cohn, pues su nombre puesto en la cabecera de los carteles todavía tardaría bastantes años en lograrse, y antes, para amortizar su contrato, tendría que interpretar seis películas en 1937 y cuatro en 1938.

Su glamour, su atractiva seducción y su belleza, hicieron que incluso la cámara se enamorara de ella, especialmente en su primer película importante titulada “Sólo los ángeles tienen alas” de Howard Hawks, en 1939. En la década siguiente se convirtió en una de las mayores estrellas de Hollywood, y consiguió demostrar que era una actriz de gran talento y buena bailarina. Fue una de las “pin-up” más representativas durante la II Guerra Mundial, aunque las malas lenguas aseguran que la bomba atómica lanzada sobre Hiroshima llevaba inscrito su nombre.

Hayworth, con su pelo rojo largo, corto, o rubio teñido, demostró su maduro talento en cualquiera de sus interpretaciones, pero sin duda alguna fue en su papel como mujer vulnerable en “Gilda” (1946), por el que todos la recordamos. Realizando el más memorable strip-tease de la historia del cine y aguantando una soberana bofetada de Glenn Ford, su imagen estará siempre ligada a esta película. También hizo un extraordinario trabajo en la película dirigida por Orson Welles (su segundo marido) “La Dama de Shanghai” (1948), cortándose posteriormente su larga cabellera y tiñéndose de rubia. Pero la imagen de “mujer fatal” comienza ya a consolidarse en esa época y se vuelve en su contra, especialmente cuando decide divorciarse de Welles y llevarse a su hija a Palm Springs, donde entabla relaciones sentimentales con David Niven, un actor des-consolado por la repentina muerte de su esposa. Ambos deciden darse consuelo mutuamente –mejor entre las sábanas–, aunque al poco tiempo prefiere cambiarle por el

Actores y actrices 143

cantante Tony Martin. Se habían conocido durante el rodaje de “Music in my Heart” en 1940 y parece ser que al finalizar el rodaje acordaron festejarlo brindando con champán en el lecho de Rita. Su amor terminó con la misma rapidez que termina un helado en la boca de un niño.

Cuando en 1949 anuncia la boda con el príncipe Alí Khan es objeto de numerosas críticas, especialmente por 144 El cine musical

Adolfo Pérez

los grupos feministas, quienes consideran a la actriz un mal ejemplo para las mujeres en general y piden a la industria cinematográfica que la olviden. Como consecuencia de ello, la película “Los amores de Carmen”, basada en la famosa ópera, no tuvo apenas éxito, y eso que estaba interpretada también por Glenn Ford, su mítica pareja en “Gilda”.

Para que ambos esposos no se vean involucrados en un escándalo sexual y sentimental, Alí asegura en una rueda de prensa que no ha mantenido aún contactos sexuales con su nueva esposa (todavía no había obtenido el divorcio de la primera), pero cuando Rita descubre que está embarazada quien se desconcierta es Alí. Aturdido, decide relajarse con otras mujeres, sin saber qué decisión tomar. Por fin, el 27 de mayo de ese año, se celebra la boda entre el príncipe Alí Khan y la actriz Rita Hayworth, en un pueblecito llamado Vallauris, cerca de Cannes, con miles de invitados. El restaurante elegido, el Chateau du L’Horizon, es cerrado totalmente a la prensa y a los aficionados. Su hija Yasmine nació el 28 de diciembre de ese mismo año, por lo que tuvieron que explicar a la prensa que era “sietemesina”, algo difícil de asimilar teniendo en cuenta que pesaba casi cuatro kilos.

Se divorciaron en 1953, pero ella tenía ya la mirada puesta en otro apuesto galán, Dick Haymes, aunque antes de-bía finalizar su escandalosa relación con Bob Savage, un cantante con el cual aprendió a pelear cada vez que se en-contraban a solas en su alcoba. A principios de 1956, una vez olvidada la vida con su anterior marido Dick, y después de dejar a sus dos hijas al cuidado de Alí Khan, se enamora rápidamente (como siempre) de Raymond Hakim, un egipcio que también se dedica al cine, quien la exige como condición previa que rompa su contrato con la Columbia; él se encargará de llevarla de nuevo a la cúspide del

Actores y actrices 145

estrellato. Afortunadamente esta pretensión no puede llevarse a cabo por motivos legales y su contrato con la Columbia permaneció.

Su fidelidad dura bien poco, pues en 1958 se casa con James Hill en su casa de Beverly Hills, actuando como testigos sus hijas Rebeca y Yasmine. Su marido es menos mun-dano que los anteriores, menos mujeriego, menos amante de las fiestas y esto le proporciona a Rita un gran alivio.

Por fin podrá llegar a su casa y ponerse las zapatillas mientras ven la televisión. Su marido, además, consigue que le den un buen papel en la película “Mesas separadas”, un filme de una compañía independiente en el que trabajan Burt Lancaster y Deborah Kerr, dos prestigiosos actores que no la pueden hacer sombra físicamente.

La felicidad indudablemente no entró a formar parte cotidiana de la vida de Rita, pues ya en esos años su deterioro físico, con más arrugas y flacidez en el rostro que lo normal para su edad, generados pacientemente después de muchos años de vida inestable, se hicieron notorios. Ya no era la belleza de antaño, pero aún conservaba su elegancia, su porte majestuoso y su mirada de diva.

Y así, en 1960, cuando tenía 42 años, se le declara a Rita el primer síntoma de la enfermedad de Alzheimer, aunque no es diagnosticada como tal hasta 1982. Desde ese momento su rendimiento físico y mental disminuyó sensiblemente, aunque para todos sus detractores, y especialmente para la prensa, los síntomas se debían a su afición al alcohol. Por recomendación de su médico ingresa por primera vez en una clínica, pero el tratamiento es tan desacertado que acaba más aturdida que curada. Cuando sale de la clínica, la prensa, demostrando una crueldad in-concebible, la saca fotos demostrando el deterioro físico de 146 El cine musical

Adolfo Pérez

la actriz. Pero esas fotos solamente reflejan a una mujer cansada, agotada por los sedantes, y sin maquillar adecuadamente, algo que no corresponde a la realidad.

En 1973, y con la enfermedad invadiendo su cuerpo, abandona a su nuevo amor (Curtis Roberts, un joven de 29 años) sin darle explicaciones y se marcha a Los Ángeles con un inglés llamado Robert Damphy, quien manifiesta desde los primeros momentos que no acaba de compren-derla. Los problemas financieros comienzan a ser serios y los estudios le demandan judicialmente por incumplimien-to de contrato, aunque cuando acuden a los tribunales y la ven en tan lastimoso estado, prefieren voluntariamente anular el contrato. Mejor eso, que tenerla como actriz.

Presa de una gran furia, lo primero que hace es romper con Damphy y ligarse ahora a un pintor de nombre William Gilpin, un bohemio poco amante del orden y la limpieza, costumbres que le vienen a Rita extraordinariamente porque ella está ya cansada de tener su casa arreglada para los amigos. Los pocos que aún se atreven a visitarla, como la cantante Ann Miller, no vuelven a repetir la experiencia ante el agresivo carácter de la estrella.

Y así, el 14 de mayo de 1987, después de una larga lucha por mejorar su estado físico, murió en Nueva York Margarita Carmen Cansino, más conocida como Rita Hayworth. Tenía 68 años. Su hija Yasmine se convirtió desde entonces en la líder del movimiento contra la enfermedad de Alzheimer.

Filmografía esencial

1934 CRUZ DIABLO

1938 SIEMPRE HAY UNA MUJER

Actores y actrices 147

1939 LOS ÁNGELES TIENEN ALAS

1941 SANGRE Y ARENA

1941 DESDE AQUEL BESO

1944 LAS MODELOS

1946 GILDA

1948 LA DAMA DE SHANGHAI

1953 SALOMÉ

1957 PAL JOEL

1958 MESAS SEPARADAS

1964 EL FABULOSO MUNDO DEL CIRCO

1972 LA IRA DE DIOS

Vera-Ellen

Nacida el 16 de febrero de 1926 en Cincinatti, OH, Vera-Ellen (Westmeyr Rohe) ha sido considerada como una de las mejores bailarinas del cine americano de todos los tiempos, aunque su popularidad no alcanzara nunca la de otras actrices menos dotadas. Con su menuda figura y su cabello rubio, similar a una muñeca Barbie viviente, se movía con una agilidad que ninguna otra bailarina podía lograr, contando, además, con recursos ilimitados que la permitían improvisar sin que el espectador fuera consciente de ello.

Formando pareja con los dos bailarines del musical americano más importantes, Gene Kelly y Fred Astaire, aportó no solamente una compañera que se movía al unísono con ellos, sino también alguien que era capaz de obligarles a desplazarse y a seguirla en sus ágiles movimientos. Con su cara de niña buena, sus andares enérgicos y su figura estilizada, consiguió que cualquier oponente masculino pudiera destacar a su lado, aunque ello supusiera pasar ella a segundo plano.

148 El cine musical

Adolfo Pérez

Su afición al baile comenzó desde niña, cuando tenía cinco años, y los primeros datos sobre sus éxitos proceden del año 1936, cuando con apenas 10 años conseguía ser la Actores y actrices 149

bailarina más joven y prestigiosa en los musicales de Radio City Music Hall Rockette, pasando inmediatamente a ser la primera bailarina en numerosos musicales de Broadway.

Apenas cumplió los dieciocho años fue seleccionada por el productor Samuel Goldwyn para formar parte de sus

“chicas Goldwyn”, debutando en el filme “Wonder Man” (Un hombre fenómeno, 1945), junto a Danny Kaye, con quien haría dos películas más. Anteriormente había realizado una pequeña intervención en la película inglesa

“Happy Go Lucky” en 1943.

Un año después, y nuevamente con Danny Kaye, hizo

“The Kid From Brooklyn” (El asombro de Brooklyn, 1946), película galardonada con un oscar a los mejores efectos especiales y que tuvo un gran éxito en todo el mundo. Unos meses después, y en un papel inferior, interpretó “Three Little Girls in Blue” (1946), una comedia musical plagada de novedosos y buenos efectos especiales. Ese mismo año se divorció de su primer marido Robert Hightower, con quien había estado casada solamente un año, sin que llega-ran a tener hijos.

Después, en 1947, realizó junto a Carmen Miranda

“Carnaval en Costa Rica” y un año después “Words and Music” (1948), una recopilación de buenos números musicales unidos por un débil argumento, en la cual apenas si sale diez minutos. Esos pequeños minutos sirvieron, no obstante, para afianzar su gran categoría como bailarina, ya que teniendo como pareja a Gene Kelly efectúa la gran exhibición de un pequeño drama musical, en el cual ella acaba muriendo.

Su carrera cinematográfica parecía ya imparable y contaba incluso con algunos clubes de fans en América, siendo

150 El cine musical

Adolfo Pérez

Con Gene Kelly en “Un día en Nueva York”

Actores y actrices 151

En el filme “Navidades blancas”

seleccionada para formar pareja con Harpo Marx en el filme “Love Happy” (Amor en conserva, 1949). Pero esta película, en la cual debutaba Marilyn Monroe, era ya el definitivo canto de cisne de Los Hermanos Marx y supuso uno de los grandes fracasos del trío de cómicos, alcanzando también a Vera-Ellen, quien no obstante conseguía efectuar un par de buenos números musicales, en blanco y negro.

Pero el destino la tendría reservado su gran triunfo cuando interpretó “On The Town” (Un día en Nueva York, 152 El cine musical

Adolfo Pérez

1949), junto a Gene Kelly y Frank Sinatra. La película fue un éxito absoluto en todo el mundo y hoy en día es considerada como uno de los clásicos del cine musical americano. Vera-Ellen consigue eclipsar con sus bailes incluso al mismísimo Kelly, quien se encuentra pletórico de facultades cuando baila con ella.

Ese éxito la conduce a trabajar en “Three Litlle Words”, en 1950, con Fred Astaire, y dos años después vuelven a formar de nuevo pareja en “The belle of New York”, una comedia basada en una popular ópera de Broadway.

Al lado de David Niven y César Romero filma en 1951

“Happy go Lovely” (Horas de ensueño), una agradable comedia de enredos con buenos números musicales, y en 1953

“Big Leaguer” con el popular Edward G. Robinson, pelícu-la que no tuvo apenas ningún éxito comercial y de la cual no disponemos de datos. Ese mismo año tiene un merecido éxito conjuntamente con Donald O’Connor y Ethel Merman en “Call Me Madam (Llámeme señora, 1953), aunque su presencia es anulada deliberadamente en favor de estos dos actores.

Un año después, en 1954, vuelve a alcanzar un nuevo triunfo en todo el mundo al interpretar “White Chrismas” (Navidades Blancas), junto a Danny Kaye y Bing Crosby, la primera película que se filmó en el nuevo sistema VistaVisión. En este filme, Vera-Ellen estaba en su mejor momento artístico y como bailarina nos deleitó con algunos números musicales de imborrable recuerdo. Ella sola es capaz de dar categoría al filme, sin que podamos olvidar las canciones de Crosby.

Pero su retirada del cine era ya un hecho, especialmente cuando se casó ese mismo año con el financiero Victor Actores y actrices 153

Rothschild, uno de los hombres más ricos del mundo (anteriormente había mantenido un romance con Rock Hudson). Al año de su matrimonio se quedó embarazada, pero perdió a su hijo cuando apenas había cumplido los dos meses, falleciendo cuando dormía por causas desconocidas. Este hecho la sumió en una profunda depresión de la cual nunca más se recuperaría, y se retiró, no solamente del cine, sino de la vida pública.

Afortunadamente la gran amistad que le unía con el presentador Perry Como la sacaron de su aislamiento y en 1956 interviene en “El Show de Perry Como”, en un programa homenaje al filme “Planeta prohibido”. En este show estaban presentes, además de Vera-Ellen, Henry Fonda, Los Platters y el robot Robby que aparece en el filme.

Un año después decide intentar su reaparición en el cine y viaja a Escocia para rodar junto a Tony Martin “Let’s Be Happy” (Soñar no cuesta dinero, 1957), aunque su modesto éxito en el mundo no la motiva lo suficiente como para continuar. Su retirada fue definitiva.

En 1966 se divorcia de Victor Rothschild y desde ese día no existe ni un solo dato sobre sus ocupaciones, sabien-do únicamente que se aisló voluntariamente del mundo hasta el día de su fallecimiento el 31 de agosto de 1981 en Los Ángeles, víctima de un cáncer cuando tenía 55 años de edad.

Filmografía esencial

1945 UN HOMBRE FENÓMENO

1946 EL ASOMBRO DE BROOKLYN

1946 THREE LITTLE GIRLS IN BLUE

1948 WORDS AND MUSIC

154 El cine musical

Adolfo Pérez

1949 AMOR EN CONSERVA

1949 UN DÍA EN NUEVA YORK

1950 THREE LITLLE WORDS

1951 THE BELLE OF NEW YORK

1951 HORAS DE ENSUEÑO

1953 LLÁMEME SEÑORA

1954 NAVIDADES BLANCAS

1957 SOÑAR NO CUESTA DINERO

P E L Í C U L A S

EL CANTOR DE JAZZ 1927

The jazz singer 1927

Director: Alan Crosland

Guión: Jack Jarmuth

Basada en la obra: Day of Atonement de Samson Raphaelson

Fotografía: Hal Mohr

Música: Louis Silvers

Intérpretes:

AL JOLSON: Jakie RabinowitzJack Robin

MAY MCAVOY: Mary Dale

WARNER OLANO: Cantor Rabinowitz

EUGENIE BESSERER: Sara Rabinowitz

La primera película hablada de la historia es también el primer filme musical. Nos encontramos con una leyenda de la cinematografía mundial, pues dio paso al cine sonoro, aunque no todo el metraje fue hablado, ya que había más minutos sin sonido que con él. Los espectadores llenaron las salas cinematográficas donde se exhibía y disfrutaron con la historia de Chantre, el hijo de Oland (Jolson), dando lugar posteriormente a varios remakes, el último en 1980. De visión

158 El cine musical

Adolfo Pérez

Películas 159

obligada para todo buen aficionado (otro asunto es que se pueda encontrar una copia en DVD), supuso también el debut para la actriz Myrna Loy, a quien pueden buscar entre una de las chicas del coro.

Premios:

Nominada al mejor guión adaptado 1927-1928: Alfred Cohn

Nominada a los mejores efectos sonoros 1927-1928: Nugent Slaughter

Oscar Honorífico 1927-1928: Warner Bros.

SOMBRERO DE COPA 1935

Top Hat 1935

Director: Mark Sandrich

Fotografía: David Abel

Música: Irving Berlin

Montaje: William Hamilton

Intérpretes:

FRED ASTAIRE: Jerry Travers

GINGER ROGERS: Dale Tremont

EDWARD EVERETT HORTON: Horace Hardwick

ERIK RHODES: Alberto Beddini

HELEN BRODERICK: Madge Hardwick

Este fue el cuarto filme de Fred Astaire y Gingers Rogers, y el primero que disponía de un guión específicamente escrito para demostrar sus talentos. Aunque “Sombrero de copa” supone la quintaesencia de Astaire y Rogers, lo cierto es que el argumento sigue siendo igual de simple, con un romance, buenos secundarios, arte deco en abundancia, y,

160 El cine musical

Adolfo Pérez

claro, suficientes

canciones mara-

villosas y núme-

ros del baile.

La película co-

mienza en Lon-

dres, aunque

realmente se tra-

ta de un decora-

do de Hollywood.

Jerry Travers

(Astaire) es un

bailarín america-

no recientemente

llegado a Lon-

dres, que espera

en el Club de

Thackeray a su

agente Horace

H a r d w i c k

(Edward Everett

Horton). Este lu-

gar está gobernado estrictamente y se prohíbe cualquier ruido, incluso el chisporroteo de un periódico. Cuando Horace recoge a su hombre finalmente, Jerry dice adiós armando un gran alboroto, lo que ocasiona el enfado de los dueños.

La historia nos cuenta un caso típico de identificación errónea, en el cual la acaudalada Dale Tremont (Ginger Rogers), de vacaciones en Londres y Venecia, está convenci-da de que el artista Jerry Travers es el marido de su amiga Madge (Helen Broderick), quien en realidad es la esposa del representante de Jerry, Horace Hardwick. Este pequeño enredo se complica aún más con la presencia del celoso preten-

Películas 161

diente de Dale, Beddini (Erik Rhodes), cuyo lema es “Para la mujer el beso, para el hombre la espada”. Jerry consigue librarse de la vigilancia de Beddini con algunos trucos, y ello nos lleva a la historia de amor que todos presagiábamos al principio.

Jerry empieza enviándola flores, añadiendo una nota en la tarjeta de visita de Horace, pero ante sus negativas decide ser más audaz y cuando Dale contrata un cabriolé para dar un paseo por Londres, se queda sorprendida al descubrir que es Jerry quien maneja el coche. El idilio comienza en el momento en el cual se marcan su primer paso de baile.

Indudablemente “Sombrero de copa” era un filme adecuado para la época de la Gran Depresión norteamericana.

Con algunas alegorías a filmes anteriores, como “La alegre divorciada”, es sin duda uno de los musicales más memorables 162 El cine musical

Adolfo Pérez

de Astaire, aunque inicialmente no aceptó de buen grado el guión, el cual consideraba juvenil y poco profundo. Se realizaron entonces algunos cambios para satisfacerle y el resultado fue una historia alegre y debidamente encauzada.

Obviamente, el momento culminante de la película es el número de baile “Top Hat, White Tie and Tails”, con Astaire en solitario, en donde nos muestra como “dispara” al coro masculino usando su bastón como arma y sus pies simulan-do las explosiones. Esta coreografía había sido una idea original del gran bailarín, una que había usado antes en 1930

en una actuación en Broadway, aunque esa exhibición fue entonces un fracaso, Astaire seguía pensando que era magnífica y le pidió al director Mark Sandrich que la incluyera para la pantalla. Utilizando trece bastones especialmente construidos para esa escena, llegó a romper uno por uno cada vez que algo salía mal en los ensayos.

“Sombrero de copa” costó a la RKO sólo 620.000 dólares, mientras que le proporcionaron más de 3 millones en taquilla. En conclusión, pocas veces hemos podido disfrutar de un filme musical con tal cantidad de aciertos, todo ello enmarcado en un ambiente sencillo, sin demasiadas pretensiones y con una coreografía que demuestra que, en su estilo, Fred Astaire no tenía rival.

Las cinco canciones de Irving Berlin fueron un éxito en la radio (en especial Cheek to Cheek, Isn’t it a Lovely Day? y la canción que da título a la película), y todas consiguieron quedarse entre las quince canciones del año más escuchadas.

Premios:

Nominada a la mejor película 1935

Nominado al mejor director artístico 1935: Carroll Clark, Van Nest Polglase

Películas 163

Nominada a la mejor dirección musical 1935: Hermes Pan Nominada a la mejor música 1935: Irving Berlin SIGAMOS LA FLOTA 1936

Follow the Fleet

Productor: Pandro S. Berman

Director: Mark Sandrich

Guión: Dwight Taylor, Allan Scott

Basada en la historia de Hubert Osborne

Fotografía: David Abel

Intérpretes:

FRED ASTAIRE: Bake Baker

GINGER ROGERS: Sherry Martin

RANDOLPH SCOTT: Bilge Smith

HARRIET HILLIARD: Connie Martin

TONY MARTIN

Astaire y Rogers están en

esta ocasión en alta mar, casi

flotando de amor. Ahora se

establece un dúo competiti-

vo entre Astaire y Randolph

Scott totalmente inverosímil

como compañeros de a bor-

do, e igualmente increíble

entre Rogers y Harriet

Hilliard en el papel de her-

manas. Harriet Hilliard,

una popular estrella de la

televisión que, creemos,

nunca más reincidió en el

164 El cine musical

Adolfo Pérez

cine (aunque consiguió dar trabajo en la pequeña pantalla a toda su familia), es una de las protagonistas de esta historia centrada en el año 1922 y basada en el musical “Shore leave”, que, a su vez, estuvo basado en “Hit the Desk”.

Los personajes no están tan bien elaborados como en otras anteriores películas de Astaire-Rogers, pero el entretenimiento está igualmente asegurado. Astaire, con el pelo más engomado que nunca y un esmoquin impecable, se mueve con la misma agilidad de siempre, marcándose algunos pasos de ballet clá-

sico. Los números musicales son alegres y novedosos, y entre las canciones de Irving se incluyen “Follow the Fleet,” “Let Yourself Go,” “I’m Putting All My Eggs in One Basket,” y el apoteósico número final “Let’s Face the Music and Dance.” EL MAGO DE OZZ 1939

The Wizard of Oz

Productor: Mervyn LeRoy

Director: Victor Fleming, King Vidor

Guión: Noel Langley, Florence Ryerson, Edgar Allan Woolf

Basada en la novella de: L. Frank Baum

Fotografía: Harold Rosson

Arreglos musicales: Roger Edens

Música: Herbert Stothart

Intérpretes:

JUDY GARLAND: Dorothy

RAY BOLGER: Hunk

BERT LAHR: Zeke, El león miedica

JACK HALEY: Hickory

BILLIE BURKE: Glinda

Películas 165

166 El cine musical

Adolfo Pérez

En Kansas reside Dorothy (Garland), una colegiala de once años que vive con su Tío Henry (Charley Grapewin), tal y como nos muestran las primeras escenas en blanco y negro.

Después vemos al perro de Dorothy, Totó, su amigo más íntimo, enredando entre las posesiones de la Srta. Gulch (Margaret Hamilton.) Mientras esto ocurre, la joven sueña con otro mundo mejor mientras canta “Over The Rainbow”, con lo cual la magia comienza ya.

Pero el perro se ha metido en problemas y hay quien quiere llevarlo a una perrera para matarle, y a pesar de las súplicas de Dorothy sus tíos deben entregar el pequeño Totó a las autoridades, aunque apenas pasados unos metros el animal logra escaparse. Después, la joven es atrapada en un tornado que la lleva muy lejos, a un mundo lleno de color y músi-ca, con un camino de baldosas amarillas que la conducirá hasta la Ciudad Esmeralda, lugar donde reside el Mago de Oz. En el camino se encuentra con personajes insólitos, como el León Cobarde en busca de valor, el Hombre de Hojalata que quiere un corazón, y el Espantapájaros deseoso de tener un cerebro, quienes la acompañan para protegerla de los mil peligros que la acechan.

Es difícil encontrar una obra tan memorable, salvo cuando pensamos en “Lo que el viento se llevó”. “El mago de Oz”

–y si tenemos en cuenta su pase por televisión– es la película que más espectadores la han visto en el mundo, lo que demuestra que la magia de Hollywood empezó hace ya un siglo y sigue igual de vigente. Ahora la vemos como un filme clásico, pero en su momento fue un prodigio técnico, en la que tomaron parte nada menos que Víctor Fleming, Richard Torpe, King Vidor y George Cukor. Aunque en los títulos de crédito aparezca solamente Fleming como director, lo cierto es que los otros tres trabajaron igualmente en el proyecto, aunque desde una discreta sombra que el tiempo logró

Películas 167

aclarar. Cukor con-

siguió dirigir acerta-

damente a los acto-

res, e intervino de

manera decisiva en

el aspecto de Do-

rothy, pues aunque

Judy Garland tenía

17 años debía apa-

rentar ser una mu-

chacha de 11 años.

Los prominentes

pechos, por ejem-

plo, fueron debida-

mente enfundados

en un pequeño cor-

sé, mientras que el

maquillaje fue prác-

ticamente inexisten-

te.

King Vidor dirigió las escenas de Kansas y las del tornado que introduce a la protagonista en Munchkin Land, sin olvi-darnos de la escena más memorable, cuando canta “Over The Rainbow”, la cual estuvo a punto de ser eliminada por los ejecutivos de la Metro, quienes pensaron que era demasiado melancólica y sofisticada para los niños.

Los efectos especiales fueron otro gran acierto técnico, así como el maquillaje. La decisión de filmar la producción primero en blanco y negro y posteriormente en Technicolor indudablemente supuso una novedad, ya que debían aprovechar la última tecnología sobre el coloreado de las películas, proporcionando unos colores en la pantalla posiblemente no superados hoy.

168 El cine musical

Adolfo Pérez

Premios:

Nominada a la mejor película 1939

Nominada a la mejor dirección artística 1939: Cedric Gibbons, William A. Horning

Nominada a la mejor fotografía 1939: Hal Rosson Oscar a la mejor música original 1939: Herbert Stothart Oscar a la mejor canción 1939: Harold Arlen, E.Y. Harburg Nominada a los mejores efectos especiales 1939: A. Arnold Gillespie, Douglas Shearer

FANTASÍA 1940

112 minutos

Walt Disney

Director: Ben Shardsteen

Música dirigida por: Leopold Stokowski

Temas musicales: El aprendiz de brujo, La consagración de la primavera, Cascanueces, Sinfonía pastoral, Danza de las horas, Tocata y fuga en Do, Una noche en el Monte Pelado, Ave María de Schubert, etc.

La más extraordinaria película de Disney, pero la peor aceptada por el público. Constituyó un fracaso comercial absoluto en el mundo entero e incluso en la propaganda se obligó a poner una advertencia para aclarar que no era una película para niños, matiz fuera de lugar.

Fantasía fue un prodigio de la imaginación, del buen gusto y de la labor bien hecha. Con unos temas musicales elegidos con gran acierto, unos personajes encantadores en todas las secuencias y una sincronización entre imagen y sonido casi perfecta, constituyó la mejor obra de Disney. Es una de

Películas 169

esas películas que se

puede ver una y otra

vez sin cansancio...

siempre que nos gus-

te la música clásica,

porque ese es el pro-

blema. Una película

de dibujos que no

pueda ser vista por los

niños crea un proble-

ma en el espectador

adulto. Si acuden con

los niños éstos se abu-

rrirán pasado el mag-

nífico episodio de

Mickey Mouse en el

“Aprendiz de brujo”.

Afortunadamente el

vídeo la puso en su lu-

gar y fue una de las

películas más espera-

das y vendidas de to-

dos los tiempos.

Destacamos el ya

mencionado episodio de “El aprendiz de brujo”, así como

“Una noche en el monte pelado”, y la breve secuencia sobre la Banda sonora, pero sin que ello quiera decir que los otros episodios son inferiores, que no lo son.

Posteriormente se ha realizado una continuación, con algunos episodios recuperados.

Premios:

Obtuvo dos oscar honoríficos.

170 El cine musical

Adolfo Pérez

DESDE AQUEL BESO 1941

You’ll Never Get Rich

Productor: Samuel Bischoff

Director: Sidney Lanfield

Guión: Michael Fessier y Ernest Pagano

Fotografía: Philip Tannura

Maquetas: Clay Campbell

Coreografía: Robert Alton

Vestuario: Robert Kalloch

Intérpretes:

FRED ASTAIRE: Robert Curtis

RITA HAYWORTH: Sheila Winthrop

JOHN HUBBARD: Tom Barton

ROBERT BENCHLEY: Martin Cortland

Fred Astaire y Rita Hayworth no

funcionaron demasiado bien juntos,

en parte porque ella tenía un físico

excesivamente radiante, predomi-

nando sus curvas juveniles antes que

su habilidad bailando. Por ello, po-

demos considerar que Rita consi-

guió una mejor pareja cuando tra-

bajó con Gene Kelly en “Las

Modelos”.

La historia es una mezcla de mu-

sical clásico con un débil argumen-

to sobre el alistamiento de los jóve-

nes que combaten en la Segunda

Guerra Mundial, tema que pesa de-

masiado en las canciones y bailes.

Películas 171

Cole Porter hizo la letra y la música, y vemos una secuencia interesante rodada en la prisión militar, con los Delta Rhythm Boys y un grupo de jazz que dirige Lionel Hamilton.

Las canciones de Rita Hayworth fueron dobladas por Nan Wynn.

Premios:

Nominada a la mejor música de película 1941: Morris Stoloff Nominada por las mejores canciones 1941: Cole Porter

172 El cine musical

Adolfo Pérez

BAILANDO NACE EL AMOR 1942

You Were Never Lovelier

Productor: Louis F. Edelman

Director: William A. Seiter

Guión: Michael Fessier, Ernest Pagano y Delmer Daves, basado en la historia y el guión “The Gay Señorita” de: Carlos Olivari, Sixto Pondal Rios

Fotografía: Ted Tetzlaff

Director musical: Leigh Harline

Compositor: Jerome Kern

Coreografía: Val Raset

Vestuario: Irene

Intérpretes:

FRED ASTAIRE: Robert Davis

RITA HAYWORTH: Maria Acuna

ADOLPHE MENJOU: Edward Acuna

LESLIE BROOKS: Cecy Acuna

Fred Astaire y Rita Hayworth

volvieron a reunirse en este filme

romántico, dotado de un fondo la-

tino-americano que estaba de moda

(aunque realmente podría haber

estado ambientado en cualquier lu-

gar.) Con un guión chispeante obra

de Jerome Kern y Johnny Mercer, y

un ambiente adecuado para el luci-

miento de Astaire, le vemos ahora

como un bailarín de sala de fiestas

de Nueva York, mientras que

Hayworth es María, la segunda de

Películas 173

las cuatro hijas del dueño del hotel de Adolphe Menjou. Juntos pronto entablan una relación amorosa, una historia repetidas cientos de veces, pero que nos permite ver buenos 174 El cine musical

Adolfo Pérez

bailes y escuchar melódicas canciones. Particularmente interesantes son ‘Shorty George’ y el poema lírico ‘I’m Old Fashioned’. El último número, maravillosamente orquestado por Conrad Salinger, es un dúo largo para las dos estrellas puestas en una terraza a luz de la Luna y adornado con un jardín, en donde no solamente demuestran que es el momento culminante de la película, sino uno de los mejores números en la historia del cine musical.

A destacar las buenas canciones de Xavier Cugat y su His Orquesta.

Premios:

Nominada a la mejor música de película 1942: Leigh Harline Nominada a las mejores canciones 1942: Jerome Kern y Johnny Mercer

Nominada al mejor sonido de grabación 1942: John Livadary FOR ME AND MY GAL 1942

Productor: Arthur Freed

Director: Busby Berkeley

Guión: Richard Sherman, Fred Finklehoffe, Sid Silvers, Jack McGowan e Irving Brecher,

basado en la historia “The Big Time” de:

Howard Emmett Rogers

Director Musical: George Stoll

Coreografía: Bobby Connolly y Gene Kelly

Vestuario: Robert Kalloch y Gile Steele

Intérpretes:

JUDY GARLAND: Jo Hayden

GEORGE MURPHY: Jimmy K. Metcalf

GENE KELLY: Harry Palmer

Películas 175

MARTA EGGERTH: Eve Minard

BEN BLUE: Sid Simms

RICHARD QUINE: Danny Hayden

KEENAN WYNN: Eddie Milton

176 El cine musical

Adolfo Pérez

Todavía reciente sus éxitos en Broadway con el musical

“The Pal Joey”, Gene Kelly hizo así su debut en el cine como un buen chico que se vuelve malo por amor, actuado con Judy Garland. Ellos forman parte de un grupo de vaudeville que consigue un gran éxito cuando Harry (Kelly) se une a ellos. La película tiene como fondo argumental el período de la Primera Guerra Mundial, cuando con el fin de evitar el reclutamiento forzoso nuestro protagonista deliberadamente se lastima su mano, para no ir a la guerra y continuar trabajando con sus compañeros. Posteriormente y en un alar-de de patriotismo, realiza un acto heroico que le hace recuperar su estima.

En algunos países se cambió la Primera por la Segunda Guerra Mundial y en la traducción de los diálogos se puso más énfasis en el acto de heroísmo de Kelly. Con todo, la historia es enormemente patriótica y sentimental, pero merece la pena verse por tratarse del primer filme de Gene. Su atractivo era ya manifiesto y entre él y Garland proporcionan la suficiente dosis de frescura para que se considere una película válida.

Gene Kelly estaba alcanzando un gran prestigio como bailarín y cantante en los escenarios de Broadway cuando interpretó este filme. El productor Arthur Freed pretendía lanzar a Kelly en el papel de Murphy, pero comprendiendo la similitud entre Harry Palmer y Pal Joey, los cambió con la esperanza de que Kelly aportaría mayor dinamismo con su personaje más dramático. Así se hizo, pero quedó decepcionado cuando leyó el guión, con su combinación de risa y sentimentalismo, especialmente por la caracterización de Harry transformado en un cruel y ambicioso personaje enamorado de sí mismo, aunque posteriormente se convierte en un héroe de guerra.

Películas 177

La película, sin embargo, logró introducir adecuadamente a Kelly gracias a sus enérgicos bailes, mediante una serie de rutinas llenas de humor y romance. Kelly y Garland (quién recibió una buena crítica por el filme), trabajaron brillante-mente juntos y establecieron una relación mágica, especialmente en el número que da origen al título, elaborado por Edgar Leslie, E, Ray Goetz y George W. Meyer, que supone el momento más culminante de la película. En contraste con la vulnerabilidad de Judy, vacilante e insegura, Kelly era muy eficaz y a pesar de la parcela algo sentimental de la película, adecuada al patriotismo del público de ese año, ambos se convirtieron en la mejor opción para afianzar la economía de la MGM.

Nominaciones:

Nominada a la mejor música 1942: Roger Edens, Georgie Stoll

LAS MODELOS 1944

Cover Girl

Productor: Arthur Schwartz

Director: Charles Vidor

Guión: Virginia Van Upp, Marion Parsonnet, Paul Gangelin

Basada en la historia de: Erwin Gelsey

Fotografía: Rudolph Maté, Allen Davey

Música: M.W. Stoloff

Compositor: Carmen Dragon

Coreografía: Val Raset, Seymour Felix, Gene Kelly, Stanley Donen

Vestuario: Travis Banton, Gwen Wakeling, Muriel King, Kenneth Hopkins

178 El cine musical

Adolfo Pérez

Intérpretes:

RITA HAYWOORTH: Rusty Parker, Maribelle Hicks GENE KELLY: Danny McGuire

LEE BOWMAN: Noel Wheaton

PHIL SILVERS:Genius

EVE ARDEN: Cornelia Jackson

SHELLEY WINTERS: chica

La historia centrada en las horas de tiempo libre en épo-ca de guerra entre los artistas y el público, constituyen aquí un desorden, solamente aclarado con las escenas retrospectivas del teatro de Tony Pastor, en donde canta Rita Hayworth.

Rodada para la

Columbia en un des-

lumbrante Techni-

color, la mayoría de

los bailes y canciones

están especialmente

bien logrados, inclu-

so aquellos en los que

interviene Rita. Ella

no era una cantante,

pero cuando cantaba

los hombres se derre-

tían, y tampoco era

una bailarina, pero

conseguía que Gene

Kelly pareciera inclu-

so mejor a su lado.

Como musical

aporta la separación

clara que Kelly quería

Películas 179

lograr entre el teatro y el cine. En esa época ya era consciente de que la cámara cinematográfica obligaba a otra forma de bailar y se esforzó mucho para conseguir mostrar sus ideas con éxito. La canción “Póngame a prueba” que canta a un maniquí, es tan memorable como aquel baile de Fred Astaire con un perchero.

Kelly y Silvers forman un equipo que rivaliza con la unión entre Kelly y Hayworth, aunque ella aparece tan suntuosa y con una sonrisa tan grande que nos impide apreciar con suficiente imparcialidad todo lo demás.

Las canciones de Rita están dobladas por Nan Wynn, mientras que muchos de los bailes fueron obra de Stanley Donen.

LEVANDO ANCLAS 1945

Anchors Aweigh

Productor: Joe Pasternak

Director: George Sidney

Guión: Isobel Lennart

Basada en la historia de: Natalie Marcin

Secuencias de baile creadas por: Gene Kelly Dibujos Animados de Tom & Jerry

Canciones de Sinatra: We Hate to Leave, What Makes the Sunsent? The Charm of You, I

Begged Her y I Fall in Love Too Easily.

Intérpretes:

FRANK SINATRA: Clarence Doolittle

GENE KELLY: Joseph Brady

KATHRYN GRAYSON: Susan Abbott

JOSE ITURBI: Como el mismo

180 El cine musical

Adolfo Pérez

Este binomio musical

Gene Kelly-Frank Sina-

tra tiene gran abundan-

cia de energía y espíritu,

y el espectador puede

sentirse a gusto con este

maravilloso musical…

sino fuera tan almibara-

do y asexuado. Pero no

crean que el problema

está precisamente en

Kelly y Sinatra, ellos ha-

cen lo que pueden para

darle algo de vigor al fil-

me, sino en ese dúo que

forman Kathryn Gray-

son y José Iturbi. Ella, tan guapa y con una voz de soprano que hoy día encontramos fuera de lugar y sumamente artificial, está tan cargante como Iturbi.

El argumento tiene su gracia, puesto que asistimos a escenas reales dentro de los estudios de cine, y nos describen los problemas habituales en las personas que aspiran a ser actores. El asunto es que no hay quien se crea, al menos hoy, que la vida es tan sencilla y la gente tan maravillosa como nos la describen en la película.

El productor Joe Pasternak parece ser que insistió en no mostrar, y ni siquiera esbozar, una sola escena de sexo, aunque por otra parte admite que los dos marineros puedan estar a solas en casa de una chica, apenas unos minutos después de haberse conocido. Aun así, Pasternak no consigue destruir la vitalidad de Kelly, ni anular la presencia de Sinatra, en esa época un ídolo mundial de la canción. Para ambos actores supuso su primer gran triunfo en el cine, a pesar de

Películas 181

182 El cine musical

Adolfo Pérez

que ese trío compuesto por Iturbi, Grayson y Pasternak, trataron de anularlo con su trabajo.

El argumento nos habla de dos marineros con permiso, uno un galán y otro un novato con las chicas, que llegan a las calles de Hollywood para divertirse, pero en lugar de ello se convierten en niñeras de un pequeño que desea ser marino como ellos. Su tía Susan (Grayson) es una recatada aspirante a cantante, que desea que alguien le proporcione una oportunidad para cantar delante de Iturbi. Mientras Kelly intenta que su sueño se haga realidad, Sinatra cuida a su sobrino pequeño, un angelical niño (Dean Stockwell) que solamente se duerme si Frank le canta “Arrullo” de Brahms. Los dos pelean por el amor de Susan, pero cuando ella canta “Celos”, sus gorgoritos enloquecen a Kelly y por eso Sinatra pone sus ojos en Brooklyn (Pamela Britton), una camarera algo más fea pero más soportable.

Gene Kelly tiene tres números de baile importantes, uno de ellos con Sinatra mientras destrozan un dormitorio, otro bailando el tango “La cumparsita” y otro con Jerry, el ratón animado. Solamente por esta corta secuencia titulada “The King Who Couldn’t Dance” merece la pena que la película forme parte de nuestra videoteca.

Premios:

Nominada a la mejor película 1945: Joe Pasternak Nominada al mejor actor 1945: Gene Kelly

Nominada a la mejor fotografía 1945: Robert Planck, Charles Boyle

Mejor Música: 1945: Georgie Stoll

Nominada a las mejores canciones 1945: Jule Styne – Mú-

sica, Sammy Cahn – Letras

Películas 183

ZIEGFELD FOLLIES 1946

Productor: Arthur Freed

Director: Vincente Minnelli, George Sidney, Charles Walters, Roy Del Ruth, Lemuel Ayers

Guión: E.Y. Harburg y 35 más

Fotografía: George Folsey, Charles Rosher y William Ferrari

Música: Lennie Hayton

Decorados: Jack Dawn

Coreografía: Robert Alton

Vestuario: Florence Bunin, Irene, Helen Rose Intérpretes:

WILLIAM POWELL: El Gran Ziegfeld

FRED ASTAIRE:

LUCILLE BALL

JUDY GARLAND

ESTHER WILLIAMS

RED SKELTON

GENE KELLY

KEENAN WYNN

PETER LAWFORD

KATHRYN GRAYSON

Vincente Minnelli dirigió este lanzamiento extraordinario de estrellas del musical americano, apto en principio para los teatros de Broadway, pero que constituyó un gran éxito en el momento de su estreno, por cierto retrasado dos años por la distribuidora.

Este estupendo musical del Hollywood de los años 40 tiene una peculiar decoración y un estilo que fue copiado posteriormente por la mayoría de las películas del género. En la puesta en escena no falta nada del Hollywood más clásico:

184 El cine musical

Adolfo Pérez

chicas del coro guapísi-

mas que apenas si ha-

cen algo, decorados de

fuertes colores, luces

sabiamente colocadas,

bastante humo y mu-

chas canciones que lue-

go nadie recordaría.

Pero Minnelli no

quería convertir a esta

reunión de grandes es-

trellas en un documen-

tal y logró unirlas ade-

cuadamente con un

argumento sostenido

por Astaire, mientras

introducía hábilmente

a cómicos famosos

como Red Skelton, a

actores como Keenan

Wynn y a una Esther

Williams más majestuosa y mojada que nunca.

Fred Astaire baila “Limehouse Blues” y “This Heart of Mine” con Lucille Bremer. Pero el auténtico número fuerte es el número de baile de Gene Kelly con Fred Astaire, nada original en su argumento, pero toda una epopeya en el cine musical. Su número titulado “El Babbitt y el Bromuro”, fue ensayado durante dos semanas y se necesitaron dos días para el rodaje, pero no se lo pierdan.

También sale una correcta Judy Garland en el número

“Entrevista a una gran señora” y un buen sketch cómico a cargo de Victor Moore y Edward S. Arnold. El único número

Películas 185

186 El cine musical

Adolfo Pérez

que pueden perderse es el de Kathryn Grayson cantando algo así como “Hay belleza por todas partes”, con unos decorados surrealistas tan empalagosos como su canción.

La película comienza con un prólogo corto en el cielo con Florenz Ziegfeld (William Powell), recauchutando neumáticos en El Gran Ziegfeld, mientras habla de cosas pasadas sobre sus espectáculos y meditando en lo que supondría organizar un filme con una larga lista de estrellas de la Metro.

Desde allí, nos vamos a los capítulos del filme, independientes entre sí, cada uno más espectacular que el otro o más cómico.

Aunque incoherente en la calidad, el filme nos muestra una gran diversidad de profesionales y por ello no es posible quedarse decepcionado. El conjunto es acertado, pues con-densar en poco más de 90 minutos a tantos astros y lograr que cada uno realice una pequeña obra memorable, no es tarea fácil.

Coordinado todo por Vincente Minnelli, se trata de uno de los espectáculos musicales más interesantes, aunque en su momento no fue bien recibido.

Premios:

Primer premio en el Festival de Cannes al mejor filme musical.

BLUE SKIES 1946

Productor: Sol C. Siegel

Director: Stuart Heisler

Guión: Arthur Sheekman

Basada en una idea de: Irving Berlin, adaptada por Allan Scott

Películas 187

Fotografía: Charles Lang, William Snyder

Música: Robert Emmett Dolan

Intérpretes:

BING CROSBY: Johnny Adams

FRED ASTAIRE: Jed Potter

JOAN CAULFIELD: Mary O’Hara

Astaire y Crosby interpretan

juntos canciones y bailes, aun-

que ninguno quiere mezclarse

en las habilidades del otro. Ellos

son rivales por el amor y el éxi-

to en esta película adornada

con las canciones de Irving

Berlin.

Hay escenas de sumo inte-

rés, como “Puttin’ on the Ritz,”

y el dúo entre ambos “A Couple

of Song and Dance Men”.

Nominaciones:

Nominada a la mejor música

1946: Robert Emmett

Dolan

Nominada a la mejor canción 1946: Irving Berlin LA DIOSA DE LA DANZA 1947

Down to Earth

Productor: Don Hartman

Director Alexander Hall

188 El cine musical

Adolfo Pérez

Guión: Edward Blum y Don Hartman

Basado en la obra “Heaven Can Wait” de: Harry Segall

Películas 189

Intérpretes:

RITA HAYWORTH: Terpsichore

LARRY PARKS: Danny Miller

MARC PLATT: Eddie

ROLAND CULVER: Señor Jordan

JAMES GLEASON: Max Corkle

Musical con el cielo por medio, que puede llegar a producir cierto sopor. Rita Hayworth es la diosa Terpsichore que desciende desde el Paraíso para hacer una obra en Broadway titulada “Swinging the Muses”, menos ofensiva y más auténtica.

Se trataba de realizar una película aprovechando el éxito que había tenido en Broadway la obra “Here comes Mr.

Jordan”, usando al mismo director (Alexander Hall) y alguno de los personajes, tales como Max Corkle y Heavenly Messenger, interpretados por los mismos actores originales James Gleason y Edward Everett Horton.

El Sr. Jordan, es un alto ejecutivo en el “Otro Lado”, siendo interpretado aquí por Roland Culver, reemplazando a Claude Rains en el papel. Larry Parks hace el papel del productor Danny Miller, quien, además, se dedica a mortificar a los espectadores cantando con bastante desacierto “The Jolson Story”.

Pero para el aficionado todo es soportable en el momento en que aparece Hayworth cantando una bella melodía (doblada por Anita Ellis).

190 El cine musical

Adolfo Pérez

LAS ZAPATILLAS ROJAS 1948

The Red Shoes

Director: Michaell Powell, Emeric Pressburger Música: Brian Easdale

Fotografía: Jack Cardiff

Guión: Keith Winter

Intérpretes:

ANTON WALBROOK: Boris Lermontov

MARIUS GORING: Julian Craster

MOIRA SHEARER: Victoria Page

LEONID MASSINE: Grischa Ljubov

ROBERT HELPMANN: Ivan Boleslawsky

Esta tragedia musical realizada por Michael Powell y Emeric Pressburger, abrió las puertas a los números de baile que se convirtieron en el común denominador de los musicales de Arthur Freed para la M.G.M. al comienzo de los cincuenta. Basada en el trágico cuento de hadas de Hans Christian Andersen, la historia comienza cuando Julián Craster (Marius Goring), un compositor en busca de reconocimiento, asiste a una presentación de la Compañía de Ballet de Lermontov y descubre que la música que usan en uno de los números es suya. Julián expone su protesta ante el director de la compañía de ballet, Boris Lermontov (Anton Walbrook), y le exige una explicación. Impresionado con el talento del compositor, Boris le contrata para que compon-ga el programa musical de la siguiente obra de ballet, una adaptación de “Las Zapatillas Rojas”.

Mientras tanto, Boris contrata a una joven bailarina llamada Victoria Page (Moira Shearer) para que se una a la compañía. Un día, la primera bailarina anuncia que planea

Películas 191

casarse, y Boris pone a la jo-

ven Victoria en el papel es-

telar. A medida en que Julián

trabaja en el programa mu-

sical de la obra y Victoria se

entrena para perfeccionar

sus habilidades, los dos se

enamoran. Desde el primer

día en que se estrena la obra

se convierte en todo un éxi-

to y Victoria en una estrella.

Sin embargo, Boris, quien

está secretamente enamora-

do de Victoria, descubre la

relación amorosa entre

Julián y Victoria y, en un ataque de furia, obliga a Julián a abandonar la compañía de ballet, pero Victoria le acompa-

ña. Como Boris es el dueño de los derechos de “Las Zapatillas Rojas”, le prohíbe a Victoria bailar en dicha obra y le hace imposible conseguir empleo. El tiempo pasa y Julián y Victoria viven felizmente casados, y él triunfa con sus com-posiciones. Un día Victoria se encuentra con Boris, quien le implora que baile una vez más Las Zapatillas Rojas en Mó-

naco, a lo que ella accede. Julián cancela un compromiso en Londres para viajar a MonteCarlo y persuadir a su esposa de que no lo haga, pero ella insiste y desde ese momento la tragedia se cierne sobre los protagonistas.

DESFILE DE PASCUA 1948

Easter parada

Productor: Arthur Freed

Director: Charles Walters

192 El cine musical

Adolfo Pérez

Guión: Frances Goodrich, Albert Hackett, Sidney Sheldon

Intérpretes:

JUDY GARLAND: Hannah Brown

FRED ASTAIRE: Don Hewes

PETER LAWFORD: Jonathan Harrow III

ANN MILLER: Nadine Gale

JULES MUNSHIN: François, Headwaiter

El argumento en

esta ocasión es tan

simple que parece

que ni siquiera tuvo

un guionista, aunque

lo cierto es que hubo

nada menos que tres,

lo que nos deja

asombrados. La co-

media es simple-

mente agradable,

pero de ninguna ma-

nera imaginativa,

aunque afortunada-

mente el dúo forma-

do por Fred Astaire

y Judy Garland con-

sigue finalmente sal-

var el filme y que po-

damos disfrutar con

sus espléndidas can-

ciones y bailes. Para

reforzar su trabajo

estuvieron ayudados

por la bailarina Ann

Películas 193

Miller y el actor Peter Law-

ford, así como por Lola Al-

bright. Charles Walters diri-

gió la historia con poca

fortuna, aunque afortunada-

mente contaba con la música

de Irving Berlin, entre cuyas

obras destacamos “Stepping

Out With My Baby,” y “Sha-

king the Blues Away”.

Irving Berlin consigue con

Astaire su mejor colaborador, pero en esta ocasión ambos se robustecen con el trabajo de Judy Garland. Algunos momentos musicales culminantes son “It Only Happens When I Dance with You” y “A Couple of Swells”, así como el paseo por la Quinta Avenida que da origen al título.

Premios:

Oscar a la mejor música 1948: Johnny Green, Roger Edens EL PIRATA 1948

The Pirate

Productor: Arthur Freed

Director: Vincente Minnelli

Guión: Albert Hackett, Frances Goodrich, Joseph L. Mankiewicz (sin créditos), Joseph Than, Lillian Braun, Anita Loos y Wilkie Mahoney Basado en la obra de teatro de: S.N. Behrman Director musical: Lennie Hayton

Compositor: Cole Porter

Coreografía: Robert Alton y Gene Kelly

194 El cine musical

Adolfo Pérez

Intérpretes:

JUDY GARLAND: Manuela

GENE KELLY: Serafin

WALTER SLEZAK: Don Pedro Vargas

GLADYS COOPER: Tía Inez

REGINALD OWEN: El Abogado

GEORGE ZUCCO: El Virrey

Judy Garland es una doncella de 19 años que vive en una isla caribeña y sueña con un pirata famoso, mientras que Gene Kelly realiza una exhibición emulando al legendario Fairbanks, con espada y capa moviéndose al unísono.

Este musical de

Vincente Minnelli

estaba basado en

una obra teatral de

Behrman que se

había realizado

con pocas preten-

siones en su mo-

mento. Minnelli

adquirió los dere-

chos para su recién

estrenada esposa

Judy Garland y

con el fin de que

todo saliera bien

contrató a Gene Kelly y al compositor Cole Porter, para que juntos se encargaran de toda la labor musical del filme. Aunque realmente la película no funcionó (quizá porque era di-fícil asimilar una película de piratas que cantan en lugar de matar a través de los siete mares), hoy en día se puede ver si no somos demasiado exigentes.

Películas 195

Los Nicholas Brothers se unen a Garland y Kelly en el famoso “Be a Clown”, un baile que mezcla a los payasos con el baile y las canciones, diseñado exclusivamente por Gene.

Esta producción de Arthur Freed era, si ello es posible, aun más artificial en su look que la atmósfera creada en

“Yolanda And The Thief ”, del mismo equipo, rodada en 1945. Y como Yolanda no fue un éxito, alguien pensó que se podía volver a intentar algo parecido, pero contando con la música de Cole Porter y la presencia de Garland y Kelly.

La historia nos habla de un cómico llamado Serafín que pretende ser un pirata caribeño muy popular llamado Macoco, para así conseguir ganar el amor de Manuela, una chica rica que es hipnotizada por Serafín hasta el punto en que ella se cree que está enamorada de él. La isla en la que viven se llama San Sebastián, aunque en realidad todo se reduce a unos cuantos decorados colocados hábilmente.

Judy Garland como Manuela y Gene Kelly como Serafín actúan con mucha más rigidez que en otras películas, aunque consiguieron diferenciar perfectamente sus números musicales de su papel como intérpretes. Nada que objetar, por tanto, al conjunto de su interpretación y hasta podríamos considerar que están muy correctos.

Los resultados globales no son malos, pero la película fa-lló, quizá también por el exceso de ingredientes. La historia de un cómico que se hace pasar por pirata, de un pirata que aparenta ser un alcalde honrado y de una guapa chica hambrienta de emociones sentimentales, no es desacertada, pero si lo mezclamos con bailes, canciones y decorados escanda-losos, nos explicaremos dónde está el problema. Con el paso del tiempo, sin embargo, nos ha permitido volver a evaluar sus calidades, y aunque la claustrofobia de los decorados nos

196 El cine musical

Adolfo Pérez

condiciona, no po-

demos negar la

buena labor de

Minnelli como di-

rector.

Con guión de

Albert Hackett y

Frances Goodrich

a partir de una

obra de Behrman,

la película puede

permanecer como

muy digna en la

mente de los fans

de Kelly, especialmente si olvidamos a todos, excepto a él y a Garland. La dirección de los bailes a cargo de Gene y Robert Alton, especialmente la coreografía de “Nina”, tienen una gran calidad. Bailando al ritmo de un bolero pegadizo, Kelly, vestido con pantalones negros, chaleco de fuertes colores y sombrero español, mientras sus rizos se mueven en su fren-te, trepa por las alturas y nos ofrece una escena apoteósica.

En esta película los productores intentaron que Gene tuviera un doble que realizara sus escenas circenses más acrobáticas, no por falta de cualidades, sino por miedo a que se lesionase, pero él rechazó tal oferta. Si no era capaz de realizar íntegramente un baile no estaba dispuesto a hacerlo parcialmente. Todo se solucionó haciéndole un seguro de accidentes.

Cuando Kelly corteja a cada muchacha que pasa por las calles de la isla caribeña de San Sebastián llamándolas niñas, nos parece un ejercicio demasiado estilístico para afirmar sus ademanes masculinos, algo que queda ya perfectamente definido cuando baila. Pero no es solamente la presencia de Películas 197

Kelly lo único digno del filme, ya que también hay que destacar el montaje de Blanche Sewell, la fotografía en Technicolor de Harry Stradling, el color escogido por Minnelli para compensarlo todo y, por supuesto, el hechizo de las canciones de Cole Porter.

Menos inventivo, pero también excitante desde el punto de vista visual, es el ballet de “El Pirata”, en el cual Kelly baila una fantasía como el supuesto pirata Macoco, girando tumultuosamente arriba y debajo de la pantalla, mientras una cortina de humo inunda la escena. Este baile no está tan bien coreografiado como “Nina” y es bastante más ruidoso.

Los momentos de mayor sosiego en la película llegan de la mano de la balada de Porter, “You Can Do No Wrong” que siguió a un salvaje baile en el que intervino Judy Garland.

WORDS AND MUSIC 1948

Productor: Arthur Freed

Director: Norman Taurog

Guión: Fred Finklehoffe y Ben Feiner Jr.

Basado en la historia de: Guy Bolton, Jean Holloway Fotografía: Charles Rosher y Harry Stradling Director musical: Lennie Hayton

Efectos especiales: Warren Newcombe

Coreografía: Robert Alton

Vestuario: Helen Rose y Valles

Intérpretes:

PERRY COMO: Eddie Lorrison Anders

MICKEY ROONEY: Lorenz “Larry” Hart

BETTY GARRETT: Peggy Lorgan McNeil

JANET LEIGH: Dorothy Feiner

198 El cine musical

Adolfo Pérez

CYD CHARISSE: Margo Grant

JUDY GARLAND

JUNE ALLYSON

GENE KELLY: Olly

VERA-ELLEN: chica de la 10th avenida

Basada en la doble biografía de los compositores Richard Rodgers y Lorenz Hart, con Tom Drake y Mickey Rooney interpretándoles demencialmente, nos encontramos con una película de pésimo argumento (quizá es que nunca lo hubo) y extraordinarios números musicales.

El plantel de grandes estrellas es amplio e incluye a Judy Garland, Cyd Charisse, Perry Como, Janet Leigh, Gower Champion, Gene Kelly (quién coreografió “Matanza en Dé-

cima Avenida” ballet que él baila con Vera-Ellen), y June Allyson, cuya actuación junto con la de los Gemelos de Black-burn supone una mancha en su carrera. Está correcta Lena Horne cuando canta “La Señora es un peso pesado”, lo mismo que Ana Sothern, Mel Tormé, Betty Garrett, y Marshall Thompson.

Norman Taurog dirigió, por llamarlo de algún modo, el guión de Fred Finklehoffe, basado en una historia de Tipo Bolton y Jean Holloway, mientras que Robert Alton y Kelly organizaron los bailes.

La parte más importante del filme es la secuencia entre Gene Kelly y Vera-Ellen “Slaugter on Tenth Avenue”, obra que ya se había presentado con un gran éxito en 1937 en Broadway, como final del musical On Your Toes. Esta secuencia dura en “Words and Music” apenas siete minutos y constituyen por sí sola la justificación para ver toda la película, aunque pueden prescindir del resto si lo desean. Kelly interpreta a un camorrista quien ve a una atractiva chica (Vera-

Películas 199

Ellen) que lleva

una falda abierta y

se acerca a ella.

Ambos comienzan

a bailar hasta que

aparece un rival y

uno y otro se pe-

lean, desembocan-

do en tragedia

cuando la chica re-

cibe una bala y cae

muerta en sus bra-

zos, mientras él

muere de otro ba-

lazo. Para Gene,

Vera-Ellen fue la

mejor bailarina de

la historia del cine

musical y para ella,

esta secuencia

constituyó lo me-

jor de toda su ca-

rrera. Nosotros es-

tamos de acuerdo

en la primera

apreciación, pero

no en la segunda.

AMOR EN CONSERVA 1949

Love Happy

Director: David Miller

Producción: Mary Pickford

200 El cine musical

Adolfo Pérez

Guión: Frank Tashlin

Basada en una novela de: Harpo Marx

Música: Ann Bonell

Intérpretes:

HARPO MARX: Harpo

CHICO MARX: Fautino el Grande

GROUCHO MARX: Sam Grunion

VERA-ELLEN: Maggie Phillips

ILONA MASSEY: Madam Egilichi

RAYMOND BURR: Alfonso Zotto

MARILYN MONROE: cliente de Sam

Quien no haya visto aún esta película no debe llevarse a engaño, ya que ni es una película típica de los Hermanos Marx, ni Marilyn es una actriz de reparto aunque figure en las carteleras modernas. Su actuación no dura más de un minuto (y eso si tenemos el cronómetro estropeado), y los Hermanos Marx solamente nos deleitan con un par de buenos chistes.

El film, que contenía algunos ingredientes para triunfar, fracasó por culpa precisamente de uno de los Hermanos, el mudito Harpo, quien tratando de emular a Charles Chaplin hizo recaer sobre sí todo el peso argumental y lo único que consiguió fue aburrir al espectador más entusiasta, quedando bien claro, aunque ya sin remedio, que la genialidad de los Hermanos Marx estaba centrada en un 90% sobre Groucho y que sus otros dos hermanos solamente conseguían apoyar su ingenio.

Groucho apenas si tiene tiempo de hablar en off y de dejarnos ver su imagen al principio y al final de la película, mientras que Harpo se dedica a tratar de enamorar a la guapa Maggie Phillips, protagonizado por la extraordinaria

Películas 201

bailarina Vera-

Ellen, quien al

menos nos ofrece

unos estupendos

números de baile

clásico y moderno,

mientras un malí-

simo Raymond

Burr (el popular

Ironside de la serie

de televisión) in-

tentaba apoderar-

se de unos dia-

mantes que iban

de mano en mano.

La aparición de

Marilyn cierta-

mente fue memo-

rable y la vemos

entrando en el ga-

binete de Groucho

Marx para pedirle

su ayuda como de-

tective, ya que

“unos hombres la

persiguen”, algo que nadie ponía en duda, ni siquiera Groucho.

Armada con un vestido ceñido y un escote increíble, curiosamente su presencia pasó menos desapercibida que en el resto de sus filmes, y eso que económicamente la película fue un fracaso total que envolvió a los Hermanos Marx e hizo que se planteasen su definitiva retirada del cine.

202 El cine musical

Adolfo Pérez

LLÉVAME A VER UN PARTIDO 1949

Take Me Out to the Ball Game

Productor: Arthur Freed

Director: Busby Berkeley

Guión: Harry Tugend y George Wells

Basada en la historia de Gene Kelly y Stanley Donen Intérpretes:

FRANK SINATRA: Dennis Ryan

ESTHER WILLIAMS: K.C. Higgins

GENE KELLY: Eddie O´Brien

BETTY GARRETT: Shirley Delwyn

EDWARD ARNOLD: Joe lorgan

RICHARD LANE: Michael Gilhuly

Este musical de la MGM, basado en una historia real de principios de siglo, empezó como una idea escrita por Gene Kelly y Stanley Donen que fue mostrada a Arthur Freed. Posteriormente sufrió una serie de cambios para que se pudiera incorporar como director un veterano llamado Busby Berkeley, quien llevaba años retirado de su trabajo a causa de ciertos problemas personales que le sumieron en una crisis depresiva.

La historia nos habla de dos cantantes del vaudeville, Kelly y Sinatra –al mismo tiempo buenos jugadores de béisbol–, quienes tienen como jefa a la guapa pero severa Esther Williams. De ella se enamoran ambos jóvenes, aunque posteriormente se cruza en la vida de Frank otra guapa chica, Betty Garrett, y así logran tener cada uno su pareja. En su camino aparecen unos gángsteres que intentan traicionar a los muchachos para conseguir que pierdan un partido decisivo.

Películas 203

204 El cine musical

Adolfo Pérez

Esta sencilla historia no es tema para una gran película, ni siquiera lo son las canciones, pero sirvió para que pudié-

ramos ver de nuevo juntos a Sinatra y Kelly, y marcar las bases definitivas para el rodaje ese mismo año de “Un día en Nueva York”.

Comden, Green y Roger Edens hicieron las canciones, pero los números musicales tienen esa animación irlandesa-americana, como una bandera ondulante, que también fue la base de muchos musicales de Broadway del mismo período.

Con Betty Garrett y Jules Munshin, que trabajan bien con Kelly y Sinatra, vemos a una Esther Williams más tapada que nunca. Aunque la película estuvo dirigida por Berkeley (a quien los estudios querían dar una nueva oportunidad), en realidad estuvo auxiliado en todo momento por Kelly y Donen, quienes renunciaron a que su nombre apareciera en los títulos de crédito a favor de Berkeley.

De especial interés el número entre Kelly y Sinatra titulado “Yes, Indeedy”.

UN DÍA EN NUEVA YORK 1949

On the Town

Productor: Arthur Freed

Director: Gene Kelly y Stanley Donen

Guión: Adolph Green y Betty Gomden

A partir de un musical basado en la idea de Jerome Robbins

Canciones de Sinatra: New York, New York y Come up to My Place, Youŕe Awful, On the Town y Count on Me

Películas 205

206 El cine musical

Adolfo Pérez

Intérpretes:

GENE KELLY: Gabey

FRANK SINATRA: Chip

VERA-ELLEN: Ivy Smith

BETTY GARRET: Bruhilde Esterhazy

ANN MILLER: Claire Huddesen

JULES MUNSHIN: Ozzie

FLORENCE BATES: Madame Dilyovska

ALICE PEARCE: Lucy Shmeeler

Dicen que Nueva York nunca se vio más hermosa y excitante en la pantalla que en “Un Día en Nueva York”, película que se adelantó a su tiempo y, por primera vez, se rodó en los escenarios naturales de las concurridas calles neoyorquinas. La historia perfectamente fundada, las canciones y bailes, no son una excusa para el lucimiento de sus intérpretes,

Películas 207

sino la esencia misma de la película. “Un Día en Nueva York” es tan energética y vital que en la pantalla los actores parecen

208 El cine musical

Adolfo Pérez

estar en directo contacto con los espectadores y en ocasiones nos miran y bailan directamente para nosotros.

Louis B. Mayer compró el espectáculo por 250.000$, aunque tuvo que reformar algunas escenas por considerarlas no apropiadas para la época, especialmente cuando un marinero baila con una chica negra.

Películas 209

Mayer no quería rodar el musical fuera de los escenarios de los estudios, mientras que Kelly insistió en sacar las cámaras a la calle, buscando los escenarios emblemáticos del Bronx, Battery, Coney Island, Brooklyn, el Edificio Empire State, Times Square, la Estatua de la Libertad, la Quinta Avenida, Radio City, el Zoológico del Bronx, Central Park, Carnegie Hall, el metro, Wall Street, la Tumba de Grant, y el Brooklyn Navy Yard.

Para las escenas de baile se contó, además de Kelly, con la presencia de dos expertas, Vera-Ellen y Ann Miller, sin lugar a dudas las mejores bailarinas de música americana de todos los tiempos, aunque no necesariamente las más famosas.

Especialmente memorables son los dos bailes entre Vera-Ellen y Gene Kelly, uno en el Music-hall y otro en una imaginaria escena de Kelly, así como la introducción de la película con el fornido trabajador de los muelles cantando al amanecer y la explosión de los tres marineros con permiso cantando “New York, New York”.

Aunque “Cantando bajo la lluvia” poseía un argumento más elaborado y complejo, la sensación de júbilo y bienestar que proporciona este filme es superior, con una historia de amor incluso más romántica. El dúo Vera-Ellen y Gene Kelly ejecutan algunos bailes memorables, pues ella, con su aspecto de muñeca de carne y hueso, se mueve con tal delicadeza que incluso nos hace parecer algo brusco a Kelly. Sinatra también está igualmente seductor, aunque en este caso su compañera (Betty Garret) no sea capaz de cantar a dúo con él de manera acertada.

Números musicales especialmente resaltables son “New York, New York”, “Come Up to My Place”, “Miss Turnstiles Ballet”, “Main Street”, “Un Día en Nueva York”, “You Can Count on Me”, y “That’s All There Is, Folks”.

210 El cine musical

Adolfo Pérez

THREE LITTLE WORDS 1950

Productor: Jack Cummings

Director: Richard Thorpe

Guión: George Wells

Intérpretes:

FRED ASTAIRE: Bert Kalmar

RED SKELTON: Harry Ruby

VERA-ELLEN: Jessie Brown Kalmar

ARLENE DAHL: Eileen Percy

KEENAN WYNN: Charlie Kope

Películas 211

Aunque poco

conocido, se trata

de uno de los me-

jores musicales de

los 50. Contando

con una produc-

ción detallada-

mente organizada,

nos muestra las

aventuras de dos

expertos en el

mundo del espec-

táculo, Fred Astai-

re como Kalmar, y

Red Skelton como

el compositor Ru-

by. El guión de

George Wells nos

habla de la vida de

estos dos hombres,

uno de ellos que

debe dedicarse a la

magia cuando una

lesión de rodilla le

impide seguir bai-

lando. El otro tra-

baja ahora como

pianista, pero su anhelo es jugar al béisbol. Los dos hombres consiguen formar un equipo adecuado, junto con sus compañeras Vera-Ellen (doblada en las canciones por Anita Ellis) y Arlene Dahl.

Fred tiene aquí pocas oportunidades para bailar, pues hay bastantes situaciones dramáticas, pero al menos hay trucos de magia, béisbol y buenos bailes a cargo de Vera-Ellen. Vemos 212 El cine musical

Adolfo Pérez

también una pequeña intervención de Debbie Reynolds que juega al boop-un-doop y nos canta una corta e insoportable melodía.

SUMMER STOCK 1950

Productor: Joe Pasternak

Director: Charles Walters

Guión: George Wells y Sy Gomberg

Basado en la historia de: Gomberg

Fotografía: Robert Planck

Director musical: Johnny Green y Saul Chaplin Coreografía: Nick Castle, Gene Kelly y Charles Walters

Vestuario: Walter Plunkett y Helen Rose

Intérpretes:

JUDY GARLAND: Jane Falbury

GENE KELLY: Joe D. Ross

EDDIE BRACKEN: Orville Wingait

GLORIA DeHAVEN: Abigail Falbury

MARJORIE MAIN: Esme

La última película de Judy Garland para MGM fue este

“Summer Stock” una anticuada forma de realizar un filme musical, empleando sistemas que el público ya no aceptaba.

Es una muestra del interés de los estudios por poner a actores adultos haciendo papeles de adolescentes, una fórmula que había resultado en anteriores películas de Mickey Rooney.

Gene Kelly tuvo como oponente a una deprimida Judy Garland, quien trataba de realizar su trabajo lo mejor que podía, dada la gran inestabilidad que se había iniciado ya en

Películas 213

sus sentimientos. Por si fuera poco, la gran dosis de medicamentos, estimulantes y sedantes, que médicos ignorantes la recetaban, hacía inviable cualquier escena que fuera más larga de 30 segundos. Solamente la paciencia de sus compañeros de reparto, especialmente de Gene, logró que la película pudiera ser finalizada.

El espectador quizá encuentre diferencias entre la apariencia física de Garland –en algunas escenas más gorda que en otras–, pero son totalmente reales y corresponden a las grandes oscilaciones que su peso sufría a causa de la medica-ción. Concretamente, hay una secuencia de baile, titulada

“Portland Fancy”, que se rodó dos meses después de termi-nada la película, cuando Garland pesaba siete kilos menos.

214 El cine musical

Adolfo Pérez

La sencilla historia es así: Jane, en su granja de Nueva Inglaterra, tiene una existencia pacífica, bucólicamente interrumpida cuando la religiosa Abigail (De Haven) la invita a que una compañía de gente del teatro pueda emplear su granero para dar una función.

Garland está furiosa con esta invasión de su retiro, e insiste en que los actores ayuden en la granja para pagar así por el uso del granero y la comida. Con el tiempo, sin embargo, ella se enamora de Ross (Kelly), el autor de la compañía, y hasta colabora después en el desarrollo de la función.

Películas 215

Este guión tan romántico, indigno para dos actores tan extraordinarios, fue planeado solamente para mostrar una serie de números musicales espléndidamente organizados.

Los dos más excelentes fueron a cargo de Kelly, uno con un simple periódico del cual logra sacar hasta música y el otro un dúo con Garland, ambos disfrazados como espantapájaros.

La canción “Usted es maravillosa”, coreografiada por Kelly, estaba compuesta por Harry Warren, Jack Brooks y Saul Chaplin, y se le canta a Garland en una romántica escena.

Ella, por su parte, le canta “Consigue felicidad”, de Harold Arlen y Ted Koehler, la cual ya sabemos que se filmó tres meses después de finalizado el rodaje.

El baile más sexy –según los censores–, es aquel en el cual ambos protagonistas visten impecablemente un esmoquin (Kelly), y ella sin pantalones, enfundada en medias negras, se mueve al ritmo de sus caderas. El sombrero de Kelly tapa-ba discretamente su ojo derecho y eso ya le proporcionaba, según los críticos, un atractivo sexual imposible de soportar por las mujeres.

Sexys o no, lo cierto es que lucían muy elegantes.

UN AMERICANO EN PARÍS 1951

An American in Paris

Productor: Arthur Freed

Director: Vincente Minnelli

Guión: Alan Jay Lerner

Fotografía: Alfred Gilks y John Alton

Director musical: Johnny Green y Saul Chaplin

216 El cine musical

Adolfo Pérez

Efectos especiales: Warren Newcombe

Coreografía: Gene Kelly

Intérpretes:

GENE KELLY: Jerry Mulligan

LESLIE CARON: Lise Bouvier

OSCAR LEVANT: Adam Cook

GEORGES GUETARY: Henri Baurel

NINA FOCH: Milo Roberts

EUGENE BORDEN: George Mattieu

MARTHA BAMATTRE: Mathilde Mattieu

Como si de un cuadro del impresionismo francés se trata-ra, los guionistas de este filme trataron de reflejar la Francia de sus sueños mediante una historia de amor y delicados bailes clásicos y modernos. Por eso “Un Americano en París” no solamente es una obra de luz y movimiento, sino una

Películas 217

pintura plasmada en el cine. Según los críticos de entonces, nunca antes Hollywood había tenido tanta clase, estilo y elegancia en una película musical.

Todo empieza en la escuela de Bellas Artes de París en donde un pintor (Gene Kelly), después de encontrarse con la chica a quien ama y separarse bruscamente de ella (Leslie Caron), mira, medio embriagado por sus recuerdos, hacia el exterior de su terraza en el barrio viejo de la ciudad, y empieza un boceto con una barra de carboncillo. Él lo rompe, está

218 El cine musical

Adolfo Pérez

triste, pero de repente hay una brisa y las dos mitades del boceto vuelan hasta la parte trasera del edificio. A sus pies ve una rosa roja. La recoge, ahora hay un fondo negro y blanco que se vuelve de color y la escena cambia a la Plaza de la Concordia, con juegos y trajes muy tradicionales. Entonces, cuando el pintor ve y sigue a la muchacha que él ama, la escena se convierte en un mercado de flores cerca de La Madeleine. El pintor está triste pero tranquilo, lo mismo que tiene el estilo pictórico de un cuadro de Renoir.

Películas 219

Los colores cambian para mostrarnos una escena callejera en la que cuatro americanos en París celebran el 4 de julio. Por eso el pintor baila ahora alrededor de la fuente de la Plaza de la Concordia. Nueva escena y ahora nos muestran la Ópera de París, con cuadros de Van Gogh, y después de eso vemos el barrio de Montmartre de Toulouse Lautrec. El final nos devuelve a la fuente, mientras comienza una músi-ca frenética. Todos desaparecen y el pintor queda solo.

Esta secuencia que hemos descrito fue diseñada por Preston Ames, antiguo alumno de Bellas Artes en París, con vestuario de Irene Sharaff, y coreografiado por Kelly, logrando así los 18 minutos de magia musical más asombrosos que hemos visto en la pantalla. Excelente por la audacia de las escenas y el deslumbramiento de su ejecución, fueron necesarios seis meses para ensayar, un mes para rodar, y costó 450.000$. El resto de la película era, en todos los sentidos, bastante más convencional, una trivial historia de amor de un pintor americano hacia una chica ayudante en una tienda de perfumes (Caron.) Junto con su pasión amorosa, una bella y rica mujer (Nina Foch) quiere patrocinar con su dinero al joven pintor, no tanto por la calidad de sus pinturas como por su embriagadora sonrisa, pero a cambio le exige que no ande con otras mujeres.

Al guionista Alan Lerner le faltó originalidad; pero quedó compensada por las aportaciones que le proporcionaron Kelly y la personalidad de Leslie Caron. Afortunadamente, la narrativa es interrumpida frecuentemente para mostrarnos las secuencias de baile y con ello no sentimos plenamen-te satisfechos.

La música de George y las letras de Ira Gershwin, cuyo catálogo completo de canciones fueron adquiridos por el productor Arthur Freed, nos aportan buenas canciones como 220 El cine musical

Adolfo Pérez

“Conseguí Ritmo”, cantado y bailado por Kelly a un grupo de niños franceses, y “Tra La La”’, interpretado al piano por Levant y bailado por Kelly en un ático de París. Menos adecuado fue el pequeño homenaje a los valses vieneses titulado

“Por Strauss”, realizado por Kelly, Guetary y Levant, y la secuencia del sueño de Levant en la que él se imagina como director, solista y cada miembro de la orquesta en el tercer movimiento del Concierto de Gershwin en Fa.

Leslie Caron haciendo su debut como pareja, estaba encantadora, contribuyendo incalculablemente al éxito global de “Un americano en París”, mientras que el director Vincente Minnelli cuyo infalible y sofisticado sentido visual nos asegura minutos de placer. La dirección musical estaba a cargo de Johnny Green y Saul Chaplin

Premios:

Oscar al mejor guión, historia y adaptación 1951: Alan Jay Lerner

Oscar a la dirección artística y decoración 1951: Cedric Gibbons, Preston Ames, Edwin B. Willis y Keogh Gleason.

Oscar a la mejor fotografía en color 1951: Alfred Gilks, John Alton

Oscar al mejor vestuario 1951: Orry-Kelly, Walter Plunkett, Irene Sharaff

Oscar a la mejor música escrita para el cine 1951: Johnny Green, Saul Chaplin

Nominaciones:

Nominada al mejor director 1951: Vincente Minnelli Nominada al mejor filme editado 1951: Adrienne Fazan

Películas 221

HORAS DE ENSUEÑO1951

Happy go lovely

Director H. Bruce Humberstone

Intérpretes:

DAVID NIVEN

VERA-ELLEN

222 El cine musical

Adolfo Pérez

CESAR ROMERO

BOBBY HOWES

DIANE HART

GORDON JACKSON

El encanto de sus tres protagonistas principales es suficiente motivo para salir contento del cine. Ella es una simpá-

tica y guapa bailarina, por la cual han perdido la razón los dos galanes, pero luego sabemos que el dinero no lo es todo y nos muestran un bello musical con mucho romance rodado en Edimburgo. Ya sabemos que Vera-Ellen tiene muy buenos recuerdos de esta emblemática ciudad del norte de Europa, pues luego volvió para interpretar su última película,

“Soñar no cuesta dinero”.

David Niven mantiene su compostura como el empresario rico que quiere salvar a la obra de teatro, al mismo tiempo que se enamora sin remedio de Vera-Ellen quien, por cierto, se muestra en plenitud física y artística. César Romero, exagerado hasta la desesperación, es el inquieto director que busca desesperadamente el dinero para financiar su espectáculo musical. Cuando por fin consigue el preciado cheque, tan enorme como su contenido, lo tira al suelo pensando que es falso.

CANTANDO BAJO LA LLUVIA 1952

Singinín the Rain

Productor: Arthur Freed

Director: Gene Kelly y Stanley Donen

Guión: Adolph Green y Betty Comden

Inspirada en la canción: “Singin’ in the Rain” Fotografía: Harold Rosson

Películas 223

Director musical: Lennie Hayton

Compositor: Nacio Herb Brown

224 El cine musical

Adolfo Pérez

Intérpretes:

GENE KELLY: Don Lockwood

DONALD OĆONNOR: Cosmo Brown

DEBBIE REYNOLDS: Kathy Seldon

JEAN HAGEN: Lina Lamont

MILLARD MITCHELL: R.F. Simpson

RITA MORENO: Zelda Zanders

DOUGLAS FOWLEY: Roscoe Dexter

CYD CHARISSE: Bailarina

“Cantando bajo la lluvia” es la historia de un ídolo de la matinée llamado Don Lockwood (Gene Kelly) y su romance con Kathy Seldon (Debbie Reynolds), una muchacha del coro.

Paradigma del cine musical, se trata de la mejor historia escrita para un musical de Hollywood, a cargo de Betty Comden y Adolph Green, para conseguir un filme que fuera tan perfecto que sirviera como estímulo imparable para una larga serie de nuevas películas que pudieran competir con la televisión.

Producida por el veterano Arthur Freed y con el buen trabajo de Nacio Herb Brown, como compositor, fue una oportunidad única para mostrar los inquietos días que siguieron al nacimiento del cine sonoro y los numerosos problemas que ello implicó, tanto a los técnicos como a los actores.

Con la excepción de tres números “Fit As A Fiddle” (por Al Hoffman y Al Goodhart), “Moses Supposes”, y “Make’Em Laugh” (escritos especialmente por Roger Edens, Comden y Green), todos los números Freed-Brown ofrecidos en “Cantando bajo la lluvia” son originales de otras anteriores pelí-

culas de la MGM. “All I Do Is dream Of You” cantado por Debbie Reynolds (después de aparecer fuera de un enorme pastel en una reunión de caballeros), se oyó primero en “Sadie McKee” (1934). “Should I” era un importante número en

Películas 225

“Señor Byron de Broadway” (1929). “Cantando bajo la lluvia”’

vino de la Revista hollywoodense de 1929. “I’ve Got A Feelin You’re Foolin”, “Usted es mi estrella afortunada” y “El Ritmo de Broadway”, provienen de “Melodías de Broadway 1936”.

Así como la mayoría de su música había pertenecido de forma destacada a películas del pasado, para que todo lo 226 El cine musical

Adolfo Pérez

demás en “Cantando bajo la lluvia” fuera de inspiración propia se introdujeron nuevos personajes y un argumento in-

édito. De hecho, la mayoría de las películas de entonces estaban basadas en hechos reales y por eso no era extraño que se pretendiera aprovechar esta tendencia tan al gusto de los espectadores. Por ejemplo, la escena con la rubia Jean Hagen muda, efectuando una gira promocional forzada, lo mismo que cuando intenta desesperadamente “hablar al arbusto” donde está oculto el micrófono, tenía sus orígenes en la sección de incidentes de Douglas Shearer, durante los primeros días del cine sonoro de la MGM.

Para que no hubiera errores, se tomó en consideración los recuerdos de los numerosos especialistas que habían vivido esa época y se incorporaron datos auténticos sobre los ries-gos de las grabaciones en directo, en esos días en los cuales todo podría significar un rotundo fracaso. De un modo satí-

rico, se incluyeron la mayoría de las tribulaciones sufridas por los artistas y directores con la nueva tecnología, por lo que la reconstrucción de los hechos que vemos en la película es todo un documento revelador y en ocasiones patéticos.

Roscoe Dexter (Douglas Fowley) el director en esa escena, era modelo en Busby Berkeley, mientras R.F. Simpson, el jefe del estudio (Millard Mitchell), estaba inspirado en el productor Arthur Freed. Dora Bailey la redactora (interpretada por Madge Blake) era modelo en Louella Parsons, y el propio Kelly era una representación de varios ídolos de la matinée (particularmente Fairbanks, en “El caballero duelista”.) Por su parte, Cyd Charisse, en el “Ballet de Broadway”, se basa en Louise Brooks.

Musicalmente, el ballet, coreografiado por Kelly, era la presentación más ambiciosa de la película y también mejora su inspiración de películas anteriores.

Películas 227

Completamente nuevo, sin embargo, era lo que Kelly llama el “Crazy Veil”, escena en la que Cyd Charisse bailó con un trozo de suave velo, y que requirió motores generadores de aire para controlar el movimiento del velo.

Coreográficamente, Kelly aporta unos bailes más líricos.

De hecho, “Cantando bajo la lluvia”, dirigida y coreografiada por Kelly y Stanley Donen, tienen secuencias que son una obra maestra y han conseguido perdurar como los mejores bailes de toda la historia del cine. Si la prueba de un gran musical es que usted puede verla una y otra vez sin anhelar el diálogo, y desea que los números musicales comiencen de nuevo, entonces “Cantando bajo la lluvia” es su película.

Es más popular ahora, en la nostalgia de hoy, que cuando se exhibió en todo el mundo en el año de su estreno. Pero incluso para aquellos que no están seducidos por la nostalgia, permanece como un musical con vigor, como algo perfecto de un mundo que se ha ido para siempre, y también algo inolvidable si sólo desea ver bailar con alegría a Gene Kelly. La secuencia en la cual Kelly baila bajo un aguacero californiano, dando puntapiés al agua, subido a un poste de la luz con los brazos extendidos, mientras el agua le cae por la cara, es imposible que no haga vibrar a todos los espectadores del mundo, sean cuales sean sus preferencias.

Solamente el arranque de esta secuencia, con la música comenzando a sonar con timidez, mientras Kelly camina entre la lluvia, es suficiente para que amemos el cine por encima de cualquier otra diversión. “El número provoca un optimis-mo incontenible” dijeron Comden y Green, “es la apoteosis del arte, y el clímax de una vida apasionante”.

Aunque el resto de la película realmente no logra brillar con igual intensidad que en esos cinco minutos gloriosos, el 228 El cine musical

Adolfo Pérez

resto de los otros números todavía superan y dejan en ridí-

culo a la mayoría de los musicales que les precedieron.

Donald O’Connor nunca ha sido tan nuevo ni tan bueno, notablemente en su justamente famoso “Make ‘Em Laugh”, un baile que pondría a prueba las facultades físicas de cualquier profesional y que O’Connor llevó con soltura. Él cantó, bailó, e hizo el payaso como si su vida artística dependiera del éxito aquí. Cada truco en su repertorio fue aireado de nuevo y el efecto acumulativo llegaba al virtuosismo.

En cuanto a Debbie Reynolds, su escena bailando en el flotante “Good Morning”, nunca, ni por un momento, dejó entrever su falta de experiencia, y ella era una buena compa-

ñía incluso bailando al lado de Kelly

Nominaciones:

Nominada a la mejor actriz secundaria 1952: Jean Hagen Nominada a la mejor música compuesta para una película 1952: Lennie Hayton

LA BELLA DE NUEVA YORK 1952

The belle of New York

Productor: Arthur Freed

Director: Charles Walters

Basado en el musical de: Hugh Morton

Director musical: Adolph Deutsch

Intérpretes:

FRED ASTAIRE: Charlie Hill

VERA-ELLEN: Ángela Bonfils

MARJORIE MAIN: Mrs. Phineas Hill

KEENAN WYNN: Max Ferris

Películas 229

ALICE PEARCE: Elsie Wilkins

Había tantos efectos especiales en “La bella de Nueva York” que el productor Arthur Freed invirtió 24 semanas para terminarla. Basada en la opereta de 1897, nos muestra una apacible ciudad de Nueva York y a un joven millonario que no trabaja pero que está acosado por bellas mujeres. Nosotros ya sabemos que el dinero ejerce una gran atracción sobre ellas, menos en Ángela, una guapa chica muy decente que trabaja para el Ejército de Salvación. Cuando Charlie se enamora de ella debe hacer muchos méritos para ganarse su amor, entre ellos trabajar de barrendero y de conductor de tranvía.

230 El cine musical

Adolfo Pérez

La chica tam-

bién se enamora

del delgado galán,

y ambos cuando se

besan flotan en las

nubes, señal de

que su amor es in-

tenso y sincero.

Juntos bailan y se

dan besos furtivos,

hasta que deciden

casarse. Pero él no

está dispuesto a

romper con su

bien ganada solte-

ría y la deja plan-

tada en la iglesia,

compuesta y sin

novio. Ángela cree

que la razón está

en que no conoce

nada del mundo ni

de los hombres, y

para aprender se

va con su amiga

Elsie a un cabaret,

dispuesta a embo-

rracharse con

champán.

Cuando por fin todo se aclara, ambos enamorados bailan a la luz de la luna, flotando entre las nubes mientras cantan el vals de “La bella de Nueva York”. Más romanticismo imposible.

Películas 231

Entre las estupendas canciones hay que destacar “Muñe-ca baby”, con una Vera-Ellen más sexy que nunca, luciendo una lencería negra que quita el hipo. También hay que mencionar, además del vals que da origen al título, “Let A Little Love Come In.”

Premios:

Oscar a los Mejores Efectos especiales

MOULIN ROUGE 1958

Moulin rouge

Director: John Huston

Guión: John Huston, Anthony Veiller

Fotografía: Oswald Morris

Música: Georges Auric

Intérpretes:

JOSE FERRER: Henri de Toulouse-Lautrec

COLETTE MARCHAND: Marie Charlet

SUZANNE FLON: Myriamme Hayem

ZSA ZSA GABOR: Jane Avril

KATHERINE KATH: La Goulue

Touluse-Lautrec, el ahora renombrado pintor, fue realmente un hombre de baja estatura a causa de un desgracia-do accidente cuando era niño. Despreciado por las mujeres de su ambiente y objeto de burla entre sus propios amigos, encuentra el olvido y la amistad entre los artistas del Moulin Rouge. Cuando abandona por pocas horas el vistoso salón de baile del cabaret, deambula por las calles de Montmartre y recuerda con pesadumbre su accidente y a su primer amor, que con crueles palabras le asegura que “ninguna chica se

232 El cine musical

Adolfo Pérez

casará contigo, nunca”. Cuando encuentra a Marie, una joven desesperada de ayuda, él busca su amistad. Ella es una prostituta y aparentemente sabe otorgar cierta felicidad a los varones, por ello le convence para que la lleve a su casa y Películas 233

tenga por primera vez una compañera. Su relación es turbu-lenta y finalmente descubre que ella vivía con él sólo por su dinero. Entonces pretende acabar con su vida, hasta que se da cuenta de que todavía tiene su arte para seguir viviendo.

Indudablemente la historia es trágica y sabemos que la realidad fue similar, pero en medio nos llevan al ambiente de colorido, humo y música del Moulin Rouge, con las chicas bailando el can-can, y una atractiva Zsa Zsa Gabor poniendo su voz para una melodía romántica y triste, como corresponde a esta historia.

Premios:

Oscar a la Mejor Dirección Artística 1952: Paul Sheriff, Marcel Vertes

Oscar al Mejor Vestuario 1952: Marcel Vertes Nominaciones:

Nominada a la Mejor Película 1952

Nominado al Mejor Actor 1952: José Ferrer Nominada a la Mejor Actriz Secundaria 1952: Colette Marchand

Nominado al Mejor Director 1952: John Huston Nominado a la Mejor Edición 1952: Ralph Kemplen LOS CABALLEROS LAS

PREFIEREN RUBIAS 1953

Gentlemen prefer blondes

Director: Howard Hawks

Guión: Charles Lederer

Basada en la comedia musical de: Joseph Fields

234 El cine musical

Adolfo Pérez

Música: Lionel Newman

Duración: 85 minutos

Intérpretes:

MARILYN MONROE: Lorelei Lee

JANE RUSSELL: Dorothy Shaw

CHARLES COBURN: Sir Francis Beekman

ELLIOT REID: Malone

TOMMY NOONAN: Gus Esmeond

Dos guapas chicas que proceden de un pequeño pueblo llamado Little Rock, llegan hasta París con la pretensión de triunfar en el mundo del espectáculo, aunque para Lorelei el viaje tiene otra

finalidad aun más

importante: re-

unirse con su mi-

llonario novio Gus

para casarse. Sus

deseos no son

compartidos por

el padre de Gus,

convencido de que

la joven solamen-

te está interesada

en el dinero de su

hijo, cosa lógica,

ya que no tiene

otras cualidades

dignas de men-

ción. Contrata a

un detective de

nombre Malone

para que las persi-

ga y acumule

Películas 235

pruebas de su falta de moralidad; pero no puede evitar que el propio Malone se enamore de la compañera de Lorelei, la guapa Dorothy, naciendo entre ambos una profunda pasión.

236 El cine musical

Adolfo Pérez

Para deshacer todo el embrollo y lograr romper las relaciones amorosas de ambas parejas, el señor Beekman, ayudado por su propia esposa que tampoco ve bien las relaciones de su hijo, denuncian a la infeliz Lorelei acusándola de robar nada menos que la propiedad de una mina de diamantes, aunque la realidad es que nunca se trató de un robo, sino de un regalo del propio Gus a su prometida.

La película constituye un lucimiento absoluto hacia la belleza de Marilyn, la cual logra eclipsar totalmente a su compañera de reparto, aunque en el film la hambrienta sexual sea Russell y la que va detrás del dinero Marilyn, algo que no encaja en su vida privada.

Existe una escena bastante subida de tono que hubo que censurar en su momento en más de un país, y es cuando Jane Russell entra en el gimnasio en el cual está reunido el equipo olímpico y dice: “¿Es que no hay nadie aquí para hacer el amor?”, a lo que ningún componente del equipo responde, ya que están demasiado absortos en sus ejercicios gimnásticos.

La película constituye uno de los primeros alegatos feministas contra el varón y secuencia tras secuencia vemos como se ridiculiza a todo personaje masculino. Si logramos disfrutar de los números musicales y del papel menos agresivo de Marilyn, la película nos será bastante agradable, a pesar de la forma de dirigir de Hawks, tan discrepante.

Los críticos juzgaron el filme de este modo: “He aquí a la maravillosa Marilyn subida en un pedestal más alto que nunca, con un papel totalmente diferente al de “Niágara”. Con-sidero que en esta ocasión responde mucho mejor a la imagen del mito popularizado a través de las revistas, en una clara sucesión a Greta Garbo y Marlene”

Películas 237

“Marilyn Monroe es una expresión plástica de la imagen, algo para ver mil veces. Posee un espíritu joven y es una pequeña mujer bien formada, pero cuando trabaja con otras mujeres igualmente bellas las anula y los espectadores no pueden resistir su seducción, hasta el punto en que cuando ella desaparece es cuando por fin son conscientes de que hay otras actrices en el film”.

CÓMO CASARSE CON UN

MILLONARIO 1953

How to marry a millionaire

Director

ector: Jean Nebulesco

Guión

Guión: Nunnally Johnson

238 El cine musical

Adolfo Pérez

Basada en la obra de: Zoe Akins

Música

Música: Alfred Newman

Duración:

Duración: 95 minutos

Intérpretes:

MARILYN MONROE: Pola Debevoise

BETTY GRABLE: Loco

LAUREN BACALL: Schage Page

DAVID WAYNE: Freddie Denmark

RORY CALHOUN: Eben

CAMERON MITCHELL: Tom Brookman

FRED CLARK: Waldo Brewster

WILLIAM POWELL: J.D. Hanley

El argumento nos habla de tres chicas con ganas de casarse con un hombre rico que las saque de su pesado trabajo y para ello utilizan las armas que cada una dispone, aunque finalmente se darán cuenta que como el dinero no las asegura la felicidad deberán buscar el amor sincero por encima de todo.

Ya tenemos reunidas en un mismo film a los tres símbolos del cine femenino más importantes, aunque justo es reconocer que cuando Marilyn sale en pantalla anula totalmente a las otras dos, incluida la genial Lauren Bacall, y eso solamente con su presencia.

Este mérito de Marilyn nunca fue debidamente valorado por sus detractores, quienes esperaban ver siempre a una actriz dramática sin darse cuenta que Marilyn era alguien que llenaba la pantalla aunque solamente cantase, bailase o sonriera; no necesitaba más, para otras formas de interpretar estaban el resto de las actrices del reparto.

En “Como casarse...” Marilyn estaba en el apogeo de su belleza, sabía perfectamente hacerse con el público sin

Películas 239

mostrar más anatomía de la necesaria y su increíble voz sensual lograba embriagar a todos aunque no supiera cantar y 240 El cine musical

Adolfo Pérez

necesitase siempre unas canciones suaves y sin pretensiones.

Su papel de miope es acertado en todo momento y aunque no pretendiera eclipsar a sus compañeras, cuando ella no está en pantalla todo se viene abajo y debemos esperar con impaciencia su próxima aparición.

Algunas críticas decían: “Las tres protagonistas representan a la mayoría de las mujeres norteamericanas, aunque Marilyn consigue con su papel de miope y su aspecto de ingenua, centrar la atención en su personaje y anular a sus dos compañeras”.

“Marilyn nos sorprende de nuevo con un papel de una ingenua chica miope que arranca numerosas carcajadas, sin dejarnos olvidar su hermosura y su aptitud para la canción y la comedia”.

Nominaciones:

Mejor vestuario en color a Charles LeMaire y Travilla LLÁMEME SEÑORA 1953

Call me madam

Productor: Sol C. Siegel

Director: Walter Lang

Basada en la obra de: Howard Lindsay y Russel Crouse

Música dirigida por: Alfred Newman

Compositor: Irving Berlin

Intérpretes:

ETHEL MERMAN: Mrs. Sally Adams

Películas 241

DONALD O’CONNOR: Kenneth

VERA-ELLEN: Princesa Maria

GEORGE SANDERS: Lichtenberg

La música de Irving Berlin, anteriormente mostrada en Broadway, dio a Ethel Merman la oportunidad de realizar el 242 El cine musical

Adolfo Pérez

mejor papel para la pantalla de su carrera, ocasión que no desaprovechó.

Anteriormente ya la había representado 644 veces en los escenarios, siempre consiguiendo aplausos, por lo que su papel en el cine no necesitaba muchos ensayos. Sin embargo, esta prepotencia se deja notar en cada escena en la que sale y se nos antoja cargante y reiterativa a los pocos minutos. Esta es una película a su servicio y ni siquiera dos buenos bailarines como son Donald O’Connor (como su agregado de prensa), Vera-Ellen (como la princesa), ni mucho menos George Sanders (como el general Lichtenberg), logran tener un papel destacado. También musicalmente, Merman quiere acaparar toda la pantalla y se marca algunos bailes a dúo con O’Connor, como “You’re Just in Love”.

Respecto a Vera-Ellen, (doblada en su voz por Carole Richards), la disfrutamos viéndola bailar “It’s A Lovely Day Today”, “The Ocarina” y “Something To Dance About”.

CARMEN JONES 1954

Carmen Jones

Productor: Otto Preminger

Director: Otto Preminger

Guión: Harry Kleiner

Basada en el libro de: Oscar Hammerstein II Adaptada de: Meilhac and Halevy’s adaptation of Prosper Merimee’s “Carmen”

Fotografía: Sam Leavitt

Director musical: Herschel Burke Gilbert

Música: Georges Bizet

Películas 243

Intérpretes:

DOROTHY DANDRIDGE: Carmen

HARRY BELAFONTE: Joe

OLGA JAMES: Cindy Lou

PEARL BAILEY: Frankie

En un pueblo del sur de los Estados Unidos, durante la Segunda Guerra Mundial, Joe, un militar de intendencia, se detiene cerca de una fábrica de paracaídas donde Carmen Jones está empleada. Pronto nace un idilio entre ambos y al poco tiempo deciden escaparse juntos a Chicago, aunque ello supone la deserción de Joe. Pero la inconstante Carmen pronto pierde interés por Joe cuando encuentra a Husky Miller, un deportista. Enfadado, Joe espera a Carmen fuera del estadio la noche del torneo para hacer una última súplica desesperada por su amor. Cuando ella le rechaza con decisión, él la apu-

ñala hasta matarla,

en un arrebato de

rabia y pasión.

Basada lejana-

mente en la ópera

“Carmen” de Bizet,

se cambia la España

de Mérimée por

Jacksonville, Flori-

da, y el libreto de

Meilhac y Halévy es

vuelto a escribir por

Oscar Hammer-

stein II, quien pro-

porciona un argu-

mento más sencillo,

244 El cine musical

Adolfo Pérez

bastante básico, pero con una música que retiene mucha de la magia de esta versión.

Dorothy Dandridge está maravillosa como la Carmen ar-diente y susceptible, con las caderas moviendo airosa su falda rosa. Aunque para las canciones tuvo que ser doblada por Marilyn Horne, su encanto fue suficiente para seducir nada menos que a Harry Belafonte (incomprensiblemente doblado), mostrándose adecuadamente desesperado y enamorado. Solamente pone su auténtica voz Pearl Bailey, quien consigue un gran éxito con Gypsy Song.

Nominaciones:

Mejor actriz 1954: Dorothy Dandridge

Mejor música: 1954: Herschel Burke Gilbert MÚSICA Y LÁGRIMAS 1954

The Glenn Miller Story

Productor: Aaron Rosenberg

Director: Anthony Mann

Guión: Valentine Davies, Oscar Brodney

Fotografía: William Daniels

Música: Joseph Gershenson

Intérpretes:

JAMES STEWART: Glenn Miller

JUNE ALLYSON: Helen Burger Miller

CHARLES DRAKE: Don Haynes

GEORGE TOBIAS: Si Schribman

HARRY MORGAN: Chummy MacGregor

MARION ROSS: Polly Haynes

Películas 245

Entrañable y romántico filme biográfico, con James Stewart en el papel de Glenn Miller, en el cual se describe el proceso que siguió para desarrollar lo que él consideraba como “su propio sonido,” en realidad la incorporación de 246 El cine musical

Adolfo Pérez

varios saxos y trombones en la misma orquesta. Un poco de sordina en la trompeta y el toque certero de su clarinete, proporcionaron a Miller la inmortalidad merecida.

Esta versión hollywoodense de la vida del compositor de

“En forma”, el primero de sus grandes éxitos, es algo edulcorada, a lo que contribuye no poco June Allyson, la más sensiblera de todas las actrices de entonces, a quien dedica “Serenata a la luz de la Luna”.

La historia nos lleva a sus primeros años, empeñando los instrumentos una y otra vez, comprando un destartalado Ford con el cual intenta llegar a su destino a través de caminos nevados, así como su amistad con músicos de tanto prestigio como el batería Gen Krupa y el trompetista Louis Armstrong.

Ellos le dan incluso una fiesta en su propia casa y nos recuerdan un número de teléfono mágico: Pensilvania 6,5000.

El argumento también nos describe la misteriosa muerte en alta mar de Miller, y de cómo consiguió que su marcha militar “Patrulla americana” sonara un poco mejor con su batuta. Stewart parece que realmente supiera tocar al trombón, aunque es doblado por Joe Yukl, mientras que el director Anthony Mann parece disfrutar de tanta música.

Premios:

Oscar al mejor sonido 1954: Leslie I. Carey Nominaciones:

Nominada al mejor guión 1954: Valentine Davies, Oscar Brodney

Nominada a la mejor música 1954: Joseph Gershenson, Henry Mancini

Películas 247

BRIGADOON 1954

Brigadoon

Productor: Arthur Freed

Director: Vincente Minnelli

Guión: Alan Jay Lerner

Basado en la obra musical de: Lerner y Frederick Loewe

Fotografía: Joseph Ruttenberg

Coreografía: Gene Kelly

Intérpretes:

GENE KELLY: Tommy Albright

VAN JOHNSON: Jeff Douglas

CYD CHARISSE: Fiona Campbell

ELAINE STEWART: Jane Ashton

BARRY JONES: Señor Lundie

HUGH LAING: Harry Beaton

Los directivos de la Metro deseaban que la versión de Brigadoon se aproximara lo más posible al texto original y para ello enviaron a los técnicos para encontrar exteriores en Escocia. Allí había multitud de escenarios similares al pueblo descrito en la novela de Lener, pero también había una climatología húmeda y desapacible la mayor parte del año. Kelly sugirió que se podría rodar en tierras californianas, por lo menos había sol, pero al final se eligieron unos gigantescos estudios que debían albergar un pueblecito escocés perdido en las montañas. Cualquier espectador percibe ya en los primeros minutos que todo es un inmenso decorado, especialmente las desenfocadas montañas del fondo, pero dado que así había sido mostrada en Broadway en 1947, tampoco existían grandes diferencias. El Cinemascope y el Ansco Color proporcionarían la grandiosidad requerida.

248 El cine musical

Adolfo Pérez

La película está basada en una caprichosa fantasía en la cual dos americanos que viven en Manhattan se marchan de caza hasta la mismísima Escocia y se pierden en su camino de regreso. Cuando empiezan a preocuparse seriamente se encuentran en su camino con un pequeño pueblo que no figura en ningún mapa. Se trata de Brigadoon, una aldea poblada por gente encantadora que revive una vez cada cien años, durante solo un día. Eso no lo saben Kelly y Johnson, quienes al ver a las gentes con esos trajes tan antiguos pien-san que están de fiesta.

Tommy (Kelly) se enamora pronto de una guapa chica del lugar llamada Fiona (Cid Charisse), quien, además, sabe cantar bellas melodías y cuando se encariña con Kelly también emprende estupendos bailes. Ese día, el único que los habitantes tienen de vida, hay una boda y aparece entonces un antiguo novio de la prometida quien dice su ultimátum: o se suspende la boda o propaga la fantástica realidad de Brigadoon por los alrededores, lo que supondría la desapa-rición definitiva del pueblo. Kelly, por su parte, debe elegir ahora entre su novia de Manhattan y Cid Charisse, una vez que conoce ya la historia. El ex-novio celoso muere accidentalmente y el pueblo queda nuevamente a salvo para reencarnarse cien años después, pero Kelly no puede llevarse fuera a Fiona (Charisse), puesto que ella moriría al salir del lugar. Triste y abatido, Kelly vuelve a Nueva York pero ya nada es igual. Medio destrozado decide retornar a Brigadoon y gracias al amor el pueblo aparece de nuevo y se queda allí con la guapa chica mientras cantan bellas canciones.

Comedia romántica por excelencia, aunque no tuvo ya el éxito deseado al coincidir con el comienzo del declive del cine musical. La dirección de Minelli no es en esta ocasión tan acertada como en otros filmes y carecía del dinamismo necesario. Gene Kelly no acusaba tanto los problemas ajenos

Películas 249

a él y junto con Van Johnson interpretaron muy bien a esos dos americanos insensibles a la muerte de inocentes cervati-llos mediante sus mortíferas escopetas.

250 El cine musical

Adolfo Pérez

Cyd Charisse como Fiona, la guapa chica escocesa de quien Kelly se enamora y que le obliga a que escoja entre ella y su novia de Manhattan, aporta sus esculturales piernas y su firme manera de bailar para que la película no decaiga demasiado. La película en esta ocasión no se sostiene en los bailes de Kelly sino en el mismo argumento, por lo que los aficionados al musical se sintieron un poco decepcionados, especialmente porque se eliminaron varias canciones de la obra original.

Producida por el veterano Arthur Freed, supuso el debut de Elaine Stewart (la novia americana), y Cid Charisse fue doblada vocalmente por Carole Richards, mientras que la coreografía fue de Gene Kelly.

Nominaciones:

Nominada a la mejor dirección artística y decoración 1954: Cedric Gibbons, Preston Ames, Edwin B. Willis, Keogh Gleason.

Nominada al mejor vestuario 1954: Irene Sharaff Nominada al mejor sonido 1954: Wesley C. Miller SIETE NOVIAS PARA SIETE

HERMANOS 1954

Seven Brides for seven Brothers

Director: Stanley Donen

Guión: Albert Hackett, Frances Goodrich, Dorothy Kingsley

Basada en la historia: “The Sobbin’ Women” de Stephen Vincent Benét

Fotografía: George Folsey

Música: Adolph Deutsch, Saul Chaplin

Películas 251

Coreografía: Michael Kidd

Vestuario: Peter Plunkett

252 El cine musical

Adolfo Pérez

Intérpretes:

HOWARD KEEL

JANE POWELL

JEFF RICHARDS

RUSS TAMBLYN

La historia de “Siete novias para siete hermanos” adapta el popular mito del rapto de las Sabinas al escenario del western americano, más concretamente a las montañas de Oregón, en donde vive aislado Adam Pontabee (Howard Keel) con sus seis rudos hermanos leñadores.

Ellos ya deben casarse, pues su presencia en el hogar pa-terno empieza a ser conflictiva, pero cuando bajan al pueblo en busca de chicas sus rudos modales hacen reflexionar a sus padres.

Después todo es mejor, pues saben bailar, hacer acrobacias, cantar y, por supuesto, besar y abrazar, algo brucamente, pero da igual.

Este musical clásico tuvo un gran éxito entre el público femenino, realizando apuestas para decidir quién era el ga-lán más atractivo y seductor, pero en general estuvo muy sobrevalorado. El principal mérito estriba en una acertada dirección y en sus estupendas y enérgicas secuencias coreográficas obra de Michael Kidd. Algo de humor y cierta picardía sexual, contribuyeron al gran éxito de público.

Hay escenas memorables (algo circenses), como cuando se establece el duelo entre los hermanos y los chicos de la ciudad, así como la correcta y elegante interpretación bajo la nieve del tema “Lonesome Polecat”, posiblemente la mejor canción de la película.

Películas 253

Premios:

Oscar a la mejor música 1954: Adolph Deutsch, Saul Chaplin Nominaciones:

Nominada al mejor filme 1954

Nominada al mejor guión 1954: Albert Hackett, Frances Goodrich, Dorothy Kingsley

Nominada a la mejor fotografía 1954: George Folsey Nominada al mejor montaje 1954: Ralph E. Winters LUCES DE CANDILEJAS 1954

There’s no business like show business

Director: Walter Lang

Guión: Phoebe y Henry Ephron

Basada en una historia de : Lamarr Trotti Música: Alfred y Lionel Newman

Canciones: Irving Berlin

Intérpretes:

MARILYN MONROE: Vicky

DAN DAILEY: Terrance Donahue

DONALD O’CONNOR: Tim Donahue

ETHEL MERMAN: Molly Donahue

MITZI GAYNOR: Katy Donahue

La historia nos habla de una familia compuesta de los padres y tres hijos, los cuales pertenecen al mundo del espectáculo y siguen trabajando juntos hasta que comienzan los problemas. Steve decide hacerse sacerdote, Tim comienza a beber a causa de su amor no correspondido por una cantante llamada Vicky, mientras que Kaye también cae presa de las garras de Cupido.

254 El cine musical

Adolfo Pérez

Películas 255

Fue la primera película

en Cinemascope que rodó

Walter Lang, el cual dispo-

nía para conseguir un buen

resultado con la participa-

ción de Irving Berlin como

compositor y director mu-

sical, la buena coreografía

de Robert Alton, así como

unos más que loables acto-

res que ya tenían detrás de

sí grandes éxitos en pelícu-

las musicales. Aunque en

un principio la participa-

ción de Marilyn Monroe no

era la más decisiva para la

película, los tres buenos

números musicales que in-

terpretó dieron un prestigio mucho mayor al filme, el cual es posible que nunca hubiera alcanzado la gran popularidad que tuvo sin la presencia de Marilyn. Interpretó las canciones “After you Get What You Want You Don’t Wan It”, “Heat Wave” y “Lazy”, anulando con su presencia la posible importancia de los demás números musicales.

La crítica, una vez más, alabó a Marilyn diciendo: “Marilyn Monroe, en sus bailes, derrocha un ardor volcánico que anula a todas las actrices anteriores, e incluso nos hace poner la mirada exclusivamente en ella”

Nominaciones:

Mejor argumento a Lamar trotti.

Mejor banda sonora en film original a Alfred y Lionel Newman Mejor vestuario en color a Charles Le maire 256 El cine musical

Adolfo Pérez

NAVIDADES BLANCAS 1954

White christmas

Director: Michael Curtiz

Fotografía: Loyal Griggs

Intérpretes:

BING CROSBY: Wallace

DANNY KAYE: Davis

ROSEMARY CLOONEY: Betty

VERA-ELLEN: Judy

DEAN JAGGER: General

“Navidades blancas” acumuló 512.000.000 dólares de beneficios y fue la película más taquillera de 1954. Con una partitura magistral de Irving Berlin, con Bing Crosby y Danny Kaye encabezando el reparto (este último reemplazando a Donald O’Connor que se había dañado una pierna), contaba, además, con la presencia de Vera-Ellen y John Brascia como bailarines principales.

En este filme todos son aciertos, al menos desde el punto de vista musical. Crosby destaca con algunas de sus mejores melodías, entre ellas “Count Your Blessings Instead Of Sheep” junto a Clooney, y la archipopular “Navidades blancas” de la cual vendió 25 millones de copias.

Kaye nos demuestra algunas mediocres habilidades como cómico, pero logra asombrarnos cuando efectúa un buen baile con Vera-Ellen denominado “The Best Things Happen When You’re Dancing”, un prodigio teniendo en cuenta que tenía como compañera a la mejor bailarina del momento. La historia es sencilla y nos habla de dos veteranos soldados retirados del servicio activo que deciden formar pareja musical.

Películas 257

Ambos cosechan muchos triunfos y en su recorrido conocen a unas guapas hermanas, igualmente solteras. El amor

258 El cine musical

Adolfo Pérez

surge entre ambos y así nos dan la oportunidad de disfrutar de números como “White Christmas” (cantada por Crosby, Kaye, Clooney, Vera-Ellen); The Old Man (Crosby, Kaye); Gee. I Wish I Was Back In The Army (Crosby, Kaye, Clooney, Vera-Ellen); Snow (Crosby, Kaye, Clooney, Vera-Ellen); Count

Películas 259

Your Blessings Instead Of Sheep (Crosby, Clooney); What Can You Do With /1 General (Crosby): Abroham (Vera-Ellen, Brascia); Mandy (Vera-Ellen. Brascia), Heat Wave; Let Me Sing; Blue Skies (Crosby, Kaye).

Filmada con el nuevo sistema VistaVision, y disponiendo de unos acertados decorados que recrean ambientes bélicos y un lujoso hotel de montaña, la historia nos encandila por 260 El cine musical

Adolfo Pérez

su amabilidad y sencillez, aportándonos bailes y canciones que nunca más se disfrutaron en el cine musical.

Premios:

Consiguió un oscar a la mejor música.

ELLOS Y ELLAS 1955

Guys and Dolls

Productor: Samuel Goldwyn

Director: Joseph L. Mankiewicz

Guión: Joseph L. Mankiewicz

A partir de la obra de: Jo Sterling y Abe Burrows Basada en el relato de: Damon Runyon

Intérpretes:

MARLON BRANDO: Sky Masterson

JEAN SIMMONS: Sarah Brown

FRANK SINATRA: Nathan Detroit

VIVAN BLAINE: Miss Adelaide

ROBERT KEITH: Teniente Brannigan

STUBBY KAYE: Nicely-Nicely Johnson

El gran Samuel Goldwyn quiso hacer en el cine la versión de este musical de Broadway. El problema es que tanto el director de escena Joseph L. Mankiewicz, como los actores Jean Simmons y Marlon Brando, no tenían ninguna experiencia musical, aunque todos pensaron que era cuestión de hacerles cantar y bailar con un profesor. La obra había estado en los escenarios de Broadway durante tres años, más otros tres en Inglaterra, pero la película consiguió arruinar la reputación de todos.

Películas 261

Premios:

Nominada a la mejor di-

rección artística y

decoración: Oliver

Smith, Joseph C.

Wright, Howard Bris-

tol

Nominada a la mejor fo-

tografía: Harry Strad-

ling, Sr.

Nominada al mejor ves-

tuario: Irene Sharaff

Nominada a la mejor

música: Jay Blackton,

Cyril J. Mockridge

262 El cine musical

Adolfo Pérez

OKLAHOMA 1955

Productor: Arthur Hornblow Jr.

Director: Fred Zinnemann

Guión: Sonya Levien, William Ludwig

Basada en el musical de Richard Rodgers y Oscar Hammerstein II

Intérpretes:

GORDON MACRAE: Curly

GLORIA GRAHAME: Ado Annie

GENE NELSON: Will Parker

CHARLOTTE GREENWOOD: Aunt Eller

SHIRLEY JONES: Laurey

Esta versión cinemato-

gráfica sobre la obra de

Rodgers y Hammerstein, es-

trenada en Broadway en

1943, posee gran cantidad

de melodías notables canta-

das por MacRae y Jones,

además de un elenco de ac-

tores tan importantes como

Gloria Grahame (Annie) y

Shirley Jones en el papel de

Laurey. El conjunto de in-

gredientes nos permiten

considerarla como una bue-

na obra musical, destacan-

do las canciones “Oh, What

a Beautiful Mornin” y

“People Will Say We’re in

Love”, así como los escena-

rios que dan lugar al título.

Películas 263

264 El cine musical

Adolfo Pérez

Filmada en Todd-AO, la gigantesca pantalla de gran defi-nición, existe otra versión posterior en CinemaScope, una vez que el primer formato fue abandonado por su creador Michael Todd, aunque para muchos técnicos era un sistema superior.

Premios:

Oscar a la mejor música original 1955: Robert Russell Bennett, Jay Blackton, Adolph Deutsch

Oscar al mejor sonido 1955: Fred Hynes

Nominaciones:

Nominada a la mejor fotografía 1955: Robert L. Surtees Nominada al mejor montaje 1955: Gene Ruggiero, George Boemler

SIEMPRE HACE BUEN TIEMPO 1955

Itś Always fair Weather

Productor: Arthur Freed

Director: Stanley Donen y Gene Kelly

Guión: Betty Comden y Adolph Green

Fotografía: Robert Bronner

Director musical: Andre Previn

Dirección artística: Cedric Gibbons y Arthur Lonergan

Intérpretes:

GENE KELLY: Ted Riley

DAN DAILEY: Doug Hallerton

CYD CHARISSE: Jackie Leighton

DOLORES GRAY: Madeline Bradville

MICHAEL KIDD: Angie Valentine

Películas 265

266 El cine musical

Adolfo Pérez

Con la llegada del cinemascope, Gene Kelly se acopló perfectamente a la gigantesca pantalla y esta película es con diferencia la mejor en el nuevo formato. Poco a poco consiguió elaborar un estilo propio, primero en “Brigadoon” y posteriormente con “Itś Always Fair Weather”, siendo esta la última película que él y Stanley Donen dirigieran juntos, y uno de los últimos musicales de la MGM bajo la producción de Arthur Freed.

Según la idea original de Betty Comden y Adolph Green, fue vista inicialmente como una continuación del filme “Un Día en Nueva York”, aunque Kelly los persuadió para con-vertirlo en una nueva película creada para un público nuevo. Lo cierto es que aunque el argumento tendría que ser diferente, se trataba de explicar qué había pasado con los tres marineros que un día estuvieron en Nueva York y allí conocieron a tres chicas.

Para que todo resultase correcto se pusieron en contacto primero con Frank Sinatra y Jules Munshin. Sinatra, sin embargo, que había ganado un Oscar por su actuación en

“De aquí a la eternidad” dos años antes, no deseó volver a realizar un musical, ya que les culpaba del poco prestigio que había tenido como actor. Esta decisión, más el rechazo de Munshin, obligó a Kelly a cambiar su primer argumento.

Ahora ya no se trataba de tres marineros, sino de tres soldados (Kelly, Dailey y Kidd), que estarían acompañados en los dos papeles principales femeninos por Cyd Charisse y Dolores Gray.

La historia era bastante simple: tres compañeros que ha-bían intervenido en la guerra se emplazan al regresar a sus casas para reunirse de nuevo diez años después, para ver cómo cada uno ha resuelto su vida de paisano. Cuando, nuevamente, los tres vuelven a encontrarse tal y como Películas 267

planearon, comprenden que ellos ya no tienen ninguna cosa en común.

Aunque “Itś Always Fair Weather” no tenía que ser para la MGM un gran éxito como “Un Americano en París” (1950) o “Cantando bajo la lluvia” (1952), no se escatimó nada para que todo resultase bien, y por eso el resultado es sumamente agradable.

El tema tiene connotaciones psicológicas más profundas de lo esperado en un musical, con la incompatibilidad de tres hombres que una década anterior habría muerto el uno por el otro y ahora se desprecian.

Los guionistas Comden y Green trataron de dar al público lo que esperaban y por eso se incluyeron algunas referencias críticas y cínicas al mundo de la televisión.

Los números musicales también eran eficaces (aunque algunos de ellos no tenían nada absolutamente que ver con el argumento), especialmente uno de Kelly “I Like Myself ” (música de Andre Previn, letra de Comden y Green quien escribió todas las canciones), cantado y bailando en patines.

Charisse, como una señora fanáticamente interesada en todo, hizo un número enérgico llamado “Baby, You Knonk Me Out”, con un manojo de pugilistas en un gimnasio.

Kelly, Kidd y Dailey tienen algunos momentos interesantes cuando bailan con tapaderas de cubos de basura atadas a sus pies, y Dolores Gray canta una de las mejores canciones,

“Thanks A Lot But No Thanks”. Kelly y Donen eran responsables de la coreografía, y Previn de la dirección musical.

Otras canciones y números musicales son: “March, March”;

“Once Upon A Time”; “The Time For Parting”; “Why Are We Here” (Danubio azul).

268 El cine musical

Adolfo Pérez

Nominaciones:

Nominada al mejor guión 1955: Betty Comden, Adolph Green

Nominada a la mejor música compuesta para una película 1955: Andre Previn

LOVE ME TENDER

Director: Robert D. Webb

Guión: Robert Buckner

Basada en una historia de: Maurice Geraghty Música: Lionel Newman

Intérpretes:

ELVIS PRESLEY: Clint

RICHARD EGAN

DEBRA PAGET

ROBERT MIDDLETON

WILLIAM CAMPBELL

Al final de la Guerra de Secesión americana, un grupo de sudistas se apodera de un tesoro nordista y lo ocultan. Después de cuatro años, Vance, el jefe del grupo, encuentra a su novia Cathy a la cual creía muerta, quien es ahora novia de Clint. Vance decide rehacer su vida y organiza una fiesta para celebrar su retorno, en la que Clint canta alguna de sus canciones. Pero algo viene a impedir su nueva vida, ya que la policía norteña le detiene por el robo anterior, aunque no consiguen recuperar el oro, que es rescatado por Clint y al final lo entrega a los confederados.

En un principio la película se titulaba “The Reno Brothers” y no estaba pensada la inclusión de canción alguna, ya que el protagonista no era Elvis. Solamente el enorme éxito del

Películas 269

cantante obligó a reformar discretamente el argumento y se incluyó como tema musical principal a uno de los mayores éxitos de Elvis, además de cuatro canciones más. No era una buena película pero el éxito de público fue espectacular, logrando en solamente tres semanas recuperar el millón de dólares invertidos en su rodaje. Se realizaron nada menos que 550 copias para ser estrenada en otras tantas salas de cine, mientras que de la canción que da origen a la película se vendieron nada menos que 800.000 discos.

La prensa no fue amable con Elvis en este su primer filme, y le acusaron de ser tierno e inexpresivo, adjetivos que siguieron utilizando con posterioridad para descalificarle como actor.

270 El cine musical

Adolfo Pérez

¡VIVA LAS VEGAS! 1956

Meet Me in Las Vegas

Productor: Joe Pasternak

Director: Roy Rowland

Guión: Isobel Lennart

Música adaptada para el ballet Frankie y Johnny, de Johnny Green

Intérpretes:

DAN DAILEY: Chuck Rodwell

CYD CHARISSE: Maria Corvier

AGNES MOOREHEAD: Miss Hattie

LILI DARVAS: Sari Hatvani

JIM BACKUS: Tom Culdane

OSCAR KARLWEIS: Loisi

Apariciones no acreditadas:

FRANK SINATRA

DEBBIE REYNOLDS

TONY MARTIN

DAN DAILEY

CYD CHARISSE

FRANKIE LAINE

PETER LORRE

PIER ANGELI

Mostrando esplendorosa sus largas piernas, Cyd Charisse, acompañada por Dan Dailey, nos introdujo en lo mejor de Las Vegas con este espectacular filme rodado en Cinemascope y Eastmancolor en el Hotel Las Arenas, Nevada.

La historia nos cuenta lo que pasa cuando un ranchero adinerado (Dailey) descubre que todo lo que tiene que hacer

Películas 271

para ganar a la ruleta es mantener bien cogida la mano de la bailarina María (Charisse.) Esta producción nos mostró adecuadamente los interiores de los casinos, además de incorporar chistes y varios bailes, pero el conjunto es demasiado 272 El cine musical

Adolfo Pérez

pobre. Sin embargo, la presencia de tantos famosos invitados contribuye a que, finalmente, podamos pasar un rato agradable.

Nominaciones:

Nominada a la mejor música 1956: George Stoll, Johnny Green

ALTA SOCIEDAD 1956

High Society

Productor: Sol C. Siegel

Director: Charles Walters

Guión: John Patrick

Basado en la obra “The Philadelphia Story” de: Philip Barry

Fotografía: Paul C. Vogel

Director musical: Johnny Green

Compositor: Johnny Green y Saul Chaplin

Intérpretes:

BING CROSBY: C.K. Dexter-Haven

GRACE KELLY: Tracy Lord

FRANK SINATRA: Mike Connor

CELESTE HOLM: Liz Imbrie

JOHN LUND: George Kittredge

LOUIS CALHERN: Tío Willie

SIDNEY BLACKMER: Seth Lord

LOUIS ARMSTRONG: Él mismo

Curioso remake del gran éxito “Historias de Filadelfia”, con mucho más color, mejor fotografía y mejores canciones, pero que perdió todo el encanto de su predecesora. No era

Películas 273

274 El cine musical

Adolfo Pérez

tarea fácil lograr

una historia ade-

cuada que sirviera

de lucimiento para

tres de las estrellas

más taquilleras del

cine, Sinatra, Cros-

by y Grace, por lo

que el argumento

se pierde en sacri-

ficio de los actores.

La guapa Tracy

(Grace Kelly), está

a punto de casarse

con Kittredge

(John Lund), des-

pués de haberse

divorciado de su

marido Dexter

(Crosby.) Cuando

están haciendo los

preparativos para

la boda aparece su ex-marido, acompañado por unos repor-teros (Sinatra y Holm) a quienes les han encargado que cu-bran la noticia del acontecimiento, y una orquesta extraordinaria dirigida por Armstrong que aportará la indispensable música en el baile nupcial.

Mientras todo se prepara, Tracy vuelve a mantener conversaciones con su ex-marido y se da cuenta que aún le quiere, especialmente cuando recuerdan bellos momentos en un precioso velero. Y como no es cosa de casarse malamente, decide dejar plantado a Kittredge y volver con Dexter quien, además, sabe cantar mucho mejor.

Películas 275

Se incluyen las canciones de Cole Porter, “True Love”,

“Did You Evah?” “You’re Sensational”, y “Now You Has Jazz” de Satchmo. Grace Kelly interpretó su último papel en el cine (el año anterior había intervenido en el “El cisne”), justo cuando estaba en la plenitud de su belleza y madurez emocional.

El traje de baño que nos muestra durante unos cortos minutos levantó pasiones intensas entre los varones y constituyó un éxito de ventas en las playas norteamericanas. Los espectadores, además, se pudieron deleitar oyéndola cantar a dúo con Bing Crosby la canción “True Love” que fue un gran éxito mundial. La melodía fue grabada el 22 enero de 1956 con la orquesta de Johnny Green, en los estudios de la Metro y el disco permaneció durante 22 semanas en el puesto número tres de la lista de éxitos norteamericana.

Premios:

Oscar a la mejor fotografía en color 1956: Robert Burks Nominaciones:

Nominada a la mejor música de película 1956: Johnny Green, Saul Chaplin

Nominada por las mejores canciones 1956: Cole Porter (Mú-

sica y letras)

Nominada al mejor vestuario: Edith Head

EL REY Y YO 1956

The King and I

Productor: Charles Brackett

Director: Walter Lang

Guión: Ernest Lehman

276 El cine musical

Adolfo Pérez

Basada en la obra de Oscar Hammerstein II y Richard Rodgers, y en el libro Anna y el rey de Siam de Margaret Landon

Fotografía: Leon Shamroy

Director musical: Alfred Newman

Música: Richard Rodgers

Vestuario: Irene Sharaff

Estrenada el 29 de marzo de 1951 en el St. James Theatre

Intérpretes:

DEBORAH KERR: Anna Leonowens

YUL BRYNNER: The King

RITA MORENO: Tuptim

MARTIN BENSON: Kralahome

TERRY SAUNDERS: Lady Thiang

REX THOMPSON: Louis Leonowens

La actuación justamente reconocida de Yul Brynner como el Rey de Siam en la obra de Rodgers y Hammerstein, que se había representado con éxito en Broadway, le llevó hasta esta versión para la gran pantalla, igualmente memorable. Producida por Charles Brackett, en un principio se pensó en Gertrude Lawrence para el papel de Anna, la maestra esco-lar, aunque posteriormente la elección fue en Deborah Kerr.

Nuestra protagonista llega en 1862 desde la lejana Inglaterra hasta el reino de Siam para emprender la ardua labor de educar a los hijos del Rey, pues ese país mantiene buenas relaciones comerciales con los británicos y deben demostrar que no son unos salvajes.

En realidad solamente conservan una disciplina férrea para evitar los disturbios incipientes, pero la educación que les debe proporcionar esa maestra inglesa será el pilar que

Películas 277

necesitaban. Después, entre canción y canción, Anna (doblada por Marni Nixon) nos demostró que era capaz de suavizar las rudas maneras del soberano. Poco a poco, y sin grandes

278 El cine musical

Adolfo Pérez

confrontaciones, consiguió dominar a Brynner mediante la ternura y las sabias palabras, dos cualidades que suelen abrir no pocos corazones.

Deborah Kerr, quien ya nos había asombrado con su trabajo en “De aquí a la eternidad (1953), consiguió uno de sus Películas 279

mejores trabajos en el cine, mérito compartido con los directores Alfred Newman y Ken Darby, quienes condujeron perfectamente el libreto de Rodgers. Y después, cuando comienzan a sonar canciones como “Getting To Know” o “Shall We Dance”, la magia traspasa la pantalla y los espectadores se dan cuenta que están asistiendo a una obra maestra del cine musical.

Rita Moreno es la joven y enamorada esclava, y Carlos Rivas su amante Lun Tha, pero su idilio trágico se queda empequeñecido ante el amor que sienten el rey y Anna, aunque ninguno de los dos son capaces de darse cuenta hasta el final, justo cuando todo se acaba.

Premios:

Oscar al mejor Actor 1956: Yul Brynner

Oscar a la mejor dirección artística 1956: Lyle Wheeler, John DeCuir, Walter M. Scott, Paul S. Fox.

Oscar al mejor vestuario 1956: Irene Sharaff Oscar a la mejor música 1956: Alfred Newman, Ken Darby Oscar al mejor sonido 1956: Carl Faulkner Nominaciones:

Nominada a la mejor película 1956

Nominada a la mejor Actriz 1956: Deborah Kerr Nominado al mejor Director 1956: Walter Lang Nominada a la mejor fotografía 1956: Leon Shamroy UNA CARA CON ÁNGEL 1957

Funny Face

Productor: Roger Edens

Director: Stanley Donen

Guión: Leonard Gershe

280 El cine musical

Adolfo Pérez

Basada en el musical Wedding Day

Fotografía: Ray June

Música: Adolph Deutsch

Intérpretes:

AUDREY HEPBURN: Jo Stockton

FRED ASTAIRE: Dick Avery

KAY THOMPSON: Maggie Prescott

MICHEL AUCLAIR: Prof. Emile Flostre

ROBERT FLEMYNG: Paul Duval

Fred Astaire es ahora un fotógrafo de moda que descubre por casualidad a Audrey Hepburn, una joven y refinada empleada de una librería, a quien propone viajar hasta París para diseñar sobre su esbelto cuerpo la nueva moda que se mostrará en la revista Vogue. La ropa de Givenchy que lucirá es encantadora, pero ella no está de acuerdo en ser solamente un maniquí sin sentimientos a quien todo el mundo trata con indiferencia. Mientras la prueban los trajes, Astaire toma las fotografías y es cuando se da cuenta de que detrás de ese rostro hay alguien muy especial, lo que le lleva al enamora-miento.

El estilo del filme y algunos diálogos son lo peor, pues nos conducen a épocas atrás, posiblemente al cine de los años 30, cuando todo debía ser muy suave y con las mujeres hablando párrafos superficiales. Stanley Donen indudablemente es un artesano musical de prestigio, capaz de moverse con soltura con un argumento mínimo, pero en este caso la historia romántica es previsible y ciertamente empalagosa, pero de cualquier modo atrayente. El guión de Leonard es demasiado débil, particularmente el papel de Astaire, y la película intenta disimular la edad del bailarín, lo que nos lleva a una historia poco creíble. Cuando la película quiere ser pretenciosa, con Hepburn comportándose como una

Películas 281

intelectual enfadada con el sexo, y Astaire como un joven norteamericano mucho más liberal, se convierte en falsa e incómoda. No obstante, no se lleven a engaño con las criticas, 282 El cine musical

Adolfo Pérez

pues ver juntos Hepburn y Astaire es suficiente motivo para comprar el DVD.

Nominaciones:

Nominada al mejor guión 1957: Leonard Gershe Nominada a la mejor dirección artística 1957: Hal Pereira, George W. Davis, Sam Comer, Ray Moyer

Nominada a la mejor fotografía 1957: Ray June Nominada al mejor vestuario 1957: Hubert de Givenchy INVITACIÓN A LA DANZA 1957

Invitation to the Dance

Productor: Arthur Freed

Director: Gene Kelly

Guión: Gene Kelly

Fotografía: Freddie Young y Joseph Ruttenberg Director musical: John Hollingsworth, Johnny Green y Andre Previn

Compositor: Jacques Ibert, Andre Previn, Roger Edens y Nikolai Andreevich

Dirección Artística: Alfred Junge, Cedric Gibbons y Randall Duell

Efectos especiales: Tom Howard

Intérpretes:

GENE KELLY: El Clown/Simbad el Marino

IGOR YOUSKEVITCH: El amante/El Artista

CLAIRE SOMBERT: La Amada

CAROL HANEY: Scheherazade

DAVID KASDAY: El Genio

Gene Kelly empezó a trabajar en “Invitación a la Danza” (MGM) en 1952. Quería exponer en una misma película, de

Películas 283

284 El cine musical

Adolfo Pérez

una manera popular, cuatro partes separadas en las cuales intervendrían los mejores bailarines de Europa y América.

Cuatro años después empezó a rodar, de manera provisional, las primeras escenas de baile, aunque ahora serían solamente tres capítulos en los cuales Kelly, y otros bailarines interpretarían, a través del baile, una docena de canciones populares.

El primero de los tres ballets fue “Circus”, compuesto por Jacques Ibert. Era el cuento de un hombre enfermo de amor (Kelly), quién se cae de un trapecio en el circo y se mata, intentando impresionar a la muchacha que él ama (Claire Sombert), quién, a su vez, ama a otro (Igor Youskevitch).

El segundo fragmento “Ring Around The Rosy”, con música de Andre Previn, quien sustituyó a Malcolm Arnold cuando el capítulo estaba ya terminado, estaba basado en

“Le Ronde”. La historia nos habla del recorrido de una pul-sera que es regalada por un marido viejo a su esposa quien se lo da a un artista, éste se la da a una modelo, que ella pasa a un amigo presumido, éste a una sirena de la sala de fiestas, ella a un cantante, luego a una chica de guardarropa, a un marinero, llega a una prostituta y, finalmente, vuelve al marido. Los números musicales fueron interpretados por Kelly, Tamara Toumanova, Tommy Rall, Claude Bessy, Diane Adams, Igor Youskevitch, Paddy Stone e Irving Davies, todos bailarines de gran prestigio en su país.

El tercero y último capítulo era “Simbad El Marino”, con música de Rimsky Korsakov, basada en Scheherazade. En esta ocasión se combina de modo eficaz la imagen real con los dibujos animados (de la misma manera que se hizo en

“Levando anclas”), y en ella Kelly destaca como un marinero, David Kasday como el joven genio de la lámpara, y Carol Haney como Scheherazade.

Películas 285

De las tres secciones, la del medio es la más íntima en espíritu y supone una muestra equilibrada del ya olvidado cine musical de Hollywood. Se trata de una maravilla coreográfica interpretada por Tommy Rall. La parte final era igualmente eficaz, mientras que la primera, a pesar de un excelente dúo entre Kelly y Claire Sombert, era implaca-blemente amanerada y pretenciosa. Kelly se esforzó por ser el tipo de bailarín clásico, algo que no le correspondía, y esa tensión se notó. Las sucesiones de dibujos animados fueron dirigidas por Fred Quimby, William Hanna y Joseph Barbera.

Para esta corta secuencia se realizaron 57.000 dibujos, pero ya la magia de la mezcla no resultó y las críticas abundaron.

Kelly había puesto todo su interés en esta película, sínte-sis de los bailes más famosos en el mundo, y trató de demostrar con ella que su capacidad como bailarín estaba fuera de toda duda. Pero el filme estuvo maldito desde sus inicios en 1952 y el rodaje fue interrumpido en dos ocasiones: una para rodar “Brigadoon” y otra por “Crest of the Wave”. Además, las escenas más espectaculares que se deberían filmar en los estudios londinenses de Elstree tuvieron que rodarse en California, bastante menos preparada para este tipo de proyecto.

Su estreno se retrasó un año más por los malos resultados de los preestrenos y cuando por fin lo hizo, el público ya no estaba interesado en los musicales. A fin de cuentas, los po-día ver más cómodamente en televisión.

SOÑAR NO CUESTA DINERO 1957

Let’s Be Happy

Productor: Marcel Hellman

286 El cine musical

Adolfo Pérez

Director : Henry Levin

Basada en la historia de: Jeannie y Aimee Stuart Música: Louis Levy

Películas 287

Intérpretes:

VERA-ELLEN: Jeannie MacLean

TONY MARTIN: Stanley Smith

ROBERT FLEMYNG: Lord James MacNairn

Uno de los primeros y tímidos intentos europeos por lograr un musical al estilo norteamericano que no consiguió el éxito deseado. La historia nos habla de una guapa chica llamada Jeannie, residente en Estados Unidos, que súbitamente dispone de una herencia de su abuelo escocés. Decidida a conocer a su familia original, emprende un viaje hasta Edimburgo con su bien repleta cartera. Ella en realidad no ha heredado mucho dinero, pero aparentemente parece millonaria y un caza-recompensas sentimental, un lord arruinado, la trata de seducir para salvar del embargo su castillo.

Pero allí está también un guapo norteamericano, inventor de una lavadora que incluso plancha, que también quiere a la chica, aunque es un poco juerguista y ello ocasiona no pocos enfados entre ambos. A Jeannie, por su parte, le gusta soñar y se imagina bailando un bello ballet, demostrándonos que aún sigue siendo la mejor bailarina del musical americano. Finalmente, y como es habitual, triunfa el amor, los dos norteamericanos se casan y se besan mientras cantan eso de “Let’s Be Happy”, algo así como Estamos Contentos.

LAS GIRLS 1957

Les Girls

Productor: Sol C. Siegel

Director: George Cukor

Guión: John Patrick

288 El cine musical

Adolfo Pérez

Compositor: Cole Porter

Intérpretes:

GENE KELLY: Barry Nichols

MITZI GAYNOR: Joy Henderson

KAY KENDALL: Lady Wren

TAINA ELG: Angele Ducros

JACQUES BERGERAC: Pierre Ducros

LESLIE PHILLIPS: Sir Gerald Wren

HENRY DANIELL: Judge

PATRICK MACNEE: Sir Percy

La última película de Gene Kelly para la MGM, y el último gran musical con el cual consiguió dejar constancia de su talento artístico. “Las Girls”, producida en cinemascope y Metrocolor por Sol C. Siegel y dirigida por George Cukor, contaba con el coreógrafo Jack Cole con quien

Kelly nunca había traba-

jado antes. Lo que el

público no llegó a saber

es que Kelly asumió su

trabajo en casi toda la

película, a causa de una

enfermedad de Jack.

No es un musical de

Kelly en el sentido más

estricto, ya que su acen-

to, como el título indica,

estaba en la historia de

tres mujeres, en una

época en la cual se ha-

cía necesario darlas más

protagonismo, en un in-

Películas 289

tento de volver a captar espectadores. La idea no resultó y aunque la película estaba correctamente realizada, los resultados en taquilla fueron pobres, tan pobres que podemos considerar a este filme el último gran musical de Hollywood.

Cukor tenía buena reputación trabajando con actrices protagonistas y así lo demostró al dirigir a estas por entonces desconocidas actrices, Mitzi Gaynor, Taina Elg, y Kay Kendall. Tanto Mitzi Gaynor como Taina Elg, eran bailarinas expertas y no hubo ningún problema en adecuarlas en los números musicales con Kelly, pero Kendall era sumamente inepta para el baile, aunque la habilidad de Cukor consiguió enmascarar parcialmente este defecto.

290 El cine musical

Adolfo Pérez

La letra y música eran de Cole Porter, quien estaba sumamente enfermo en el momento y necesitaba la ayuda inestimable de Saul Chaplin para permitirle terminar su labor.

Una vez estrenada la película ninguna de las tres actrices consiguió consolidarse en el cine, ni siquiera Mitzi Gaynor, quien debería haber sido la sustituta de Vera-Ellen (retirada del cine ese mismo año.) Kay Kendall, a quienes los productores la auguraban un buen futuro, murió de cáncer poco tiempo después.

John Patrick escribió el guión sobre una historia de Vera Caspary que empezaba en un cuarto de Londres donde Lady Wren (Kendall), una muchacha que anteriormente había formado parte de un grupo denominadas “Las Girls”, está metida dentro de un proceso judicial. El motivo: haber publicado unas memorias en las que ella contaba ciertos hechos que involucraban a su jefe Nichols (Kelly) y a las otras dos muchachas de su grupo (Gaynor y Elg.) Las confesiones de Kendall, sin embargo, parecen estar en su desacertada vi-sión de los hechos acaecidos, y se hace necesario la declaración de las otras personas involucradas para aclarar todo el asunto.

El argumento básico, la demanda judicial, no es creíble y las historias carecen de suficiente profundidad como para que el público se las tome en serio. Por tanto, solamente nos quedan los números musicales, de menor ambición que en otros filmes, pero igualmente válidos. La narración de la historia es confusa y desordenada y al estar estructurada como tres historias independientes, mediante numerosos flashbacks, hay momentos en que es fácil perderse en este desajuste.

Aparte de una muy deleitable realización de Kay Kendall, quien realiza una buena interpretación cuando desentona Películas 291

cantando un fragmento de la ópera Carmen, nos queda como escena correcta el número “Why Am I So Gone About That Gal?”, una parodia musical de la película de la Columbia de 1953 con Marlon Brando “The Wild Ones”, realizada por Kelly y Gaynor.

Premios:

Oscar al mejor vestuario 1957: Orry-Kelly Nominaciones:

Nominada por la mejor dirección artística 1957: William A.

Horning, Gene Allen, Edwin B. Willis, Richard Pefferle.

Nominada al mejor sonido 1957: Dr. Wesley C. Miller EL ROCK DE LA CÁRCEL 1957

Jailhouse Rock

Director: Richard Torpe

Basada en una historia de: Ned Young

Música: Jeff Alexander

Intérpretes:

ELVIS PRESLEY: Vince Everet

DEAN JONES

JUDY TYLER

VAUGHN TAYLOR

MICKEY SHAUGHNESSY

Con esta película Elvis obtiene por contrato 250.000 dó-

lares, más un 50% de los beneficios. El filme produce unos resultados muy superiores a los esperados y ofrece, además, mejores oportunidades de interpretación a Elvis en su papel de Vicent, un joven impulsivo que acaba en la prisión por un altercado involuntario en un bar. Con sus compañeros de

292 El cine musical

Adolfo Pérez

celda y un viejo músico, Vicent aprende a tocar la guitarra en la prisión. Y así, cuando una emisora de televisión re-transmite en directo la vida de los presos, liberan inmediatamente al joven, que se lanza entonces al mundo de la canción y se convierte en una gran estrella del Rock, aunque la gloria y el dinero le transforman en una persona sin escrúpulos.

La película es aceptada en esta ocasión muy bien por la crítica, que la consideran un giro muy positivo en la carrera del cantante. Aunque construida exclusivamente para el lucimiento de Elvis, no es solamente un musical sin relieve como otros anteriores. Muy al contrario y gracias a la dirección de un veterano como es Richard Thorpe, la película tiene momentos muy importantes. Elvis interpreta ahora un papel dramático digno, alejado ya de la imagen de showman y de Películas 293

héroe de la canción. Además, la atmósfera de la prisión otorga a la película una gran categoría y salvo algunas concesio-nes a sus fans, Elvis ya no es un cantante que hace cine sino un actor con carácter.

“Jailhouse Rock” sirvió para mostrarnos a un Elvis más del agrado del público joven que deseaba a un ídolo rebelde, colérico y agresivo, muy próximo a las numerosas bandas de gamberros que proliferaban en los barrios de las grandes ciudades. No querían a un Elvis blando ni haciendo papeles de paleto que llega a la gran ciudad para alcanzar la fama.

Esta película se situó entre las diez más taquilleras de ese año en USA y colocó a Elvis en el puesto número cuatro de los actores más taquilleros del momento.

PAL JOEY 1957

Pal Joey

Productor: Fred Kohlmar

Director: George Sidney

Guión: Dorothy Kingsley

Basado en el musical de: John O´Hara

Intérpretes:

RITA HAYWORTH: Vera Simpson

FRANK SINATRA: Joey Evans

KIM NOVAK: Linda English

BARBARA NICHOLS: Gladys

BOBBY SHERWOOD: Ned Galvin

La banda sonora de John O´Hara/Rodgers & Hart fue un musical que tuvo cierto éxit los años 40 o, en el que el

294 El cine musical

Adolfo Pérez

protagonista es un sinvergüenza que consigue trabajar en un club nocturno de San Francisco. Hayworth y Novak luchan por el amor de Frank con resultados diversos; pero la candi-dez de Novak y su boquita de piñón, terminan imponiéndose.

Películas 295

Luego, la historia

nos dulcifica al

protagonista, pues

realmente en muy

honrado y prefiere

dejar la vida cómo-

da en el club re-

gentado por la

guapa millonaria

Vera, antes que

abandonar a su

amor Linda.

Rita nos deleita con dos bailes, uno tan seductor que es imposible no dilatar las pupilas, y el otro un sueño compartido con Kim Novak. Ésta no es buena bailarina y por eso prefiere simplemente cantar, tan maravillosamente doblada que casi parece ella misma.

En medio, Sinatra, ahora sobrio y sin gesticular ni bailar, pero igualmente atractivo y buen cantante. También hay un perro protagonista, pero como ni habla, ni canta, ni por supuesto baila, no podemos enjuiciarle.

KING CREOLE 1968

El barrio contra mí

Director: Michael Curtiz

Productor: Hal Wallis

Basada en la novela: “A Stone For Danny Fisher” de Harold Robbins

Guión: Herbert Baker y Michael V. Gazzo

Música: Warren Low

296 El cine musical

Adolfo Pérez

Intérpretes:

ELVIS PRESLEY: Dann Fisher

WALTER MATTHAU: Maxie Fields

DEAN JAGGER

CAROLYN JONES

VIC MORROW

En enero de 1958 Elvis comienza el rodaje de “King Creole” bajo la dirección del célebre realizador Michael Curtiz, en donde nos cuentan la historia de un joven boxea-dor de los bajos fondos de Nueva York. En el escenario, adaptado para Elvis, el héroe es capaz de cantar y pelear para sobrevivir en las calles de Nueva Orleáns.

Tratada con un estilo neorrealista, este melodrama musical fue muy bien acogido por la crítica, la cual consideró que los personajes estaban muy bien definidos y analizados, incluido el que interpreta Elvis.

El director gozaba ya de gran fama por la película

“Casablanca”, la cual obtuvo un Oscar al mejor film, y por haber dirigido a actores de la talla de Errol Flynn, Bette Davis y Humphrey Bogart. El filme estaba pensado para ser interpretado por James Dean y en un principio el reconocido director Curtiz no estaba de acuerdo en que fuera Elvis el actor principal, a quien consideraba una especie de sub-actor sin cualidades dignas de crédito. Posteriormente, y a medida en que avanzaba el rodaje, su impresión fue cambiando y llegó a darse cuenta que el hecho de ser cantante encajaba muy bien en la persona central del argumento.

Elvis por fin cuenta con el aplauso de los críticos y el filme se considera lo mejor de toda su carrera. Bien realizado y con ambiciones de gran película, nos muestra a un Elvis en

Películas 297

298 El cine musical

Adolfo Pérez

plena madurez interpretativa y supone una experiencia que le faculta para seguir afianzándose en su carrera de actor.

Bien secundado por unos actores de gran prestigio, como eran Walter Matthau y Carolyn Jones, la fama de Elvis como actor empezaba a ir emparentada con su trabajo como cantante. La película proporciona cuatro millones de dólares de beneficio en el primer año y la habilidad de Elvis para cantar canciones de música negra asombra a todos.

CON FALDAS Y A LO LOCO 1959

Some like it Hot

Director: Billy Wilder

Guión: Billy Wilder y I.A.L. Diamond

Basada en la obra: “Ellas somos nosotros” de R.

Taeren y M. Logan

Música: Adolf Deutsch

Intérpretes:

JACK LEMMON: Jerry-Daphne

TONY CURTIS: Joe-Josephine

MARILYN MONROE: Sugar Kane

PAT O’BRIEN: Mulligan

JOE E. BROWN: Osgood Fielding III

El argumento nos habla de dos músicos mediocres que son testigos de la célebre Matanza de San Valentín protagonizada por la mafia en Chicago, y que por ello son perseguidos por dos bandas de mafiosos que quieren así eliminar testigos indeseables. Esto les obliga a disfrazarse de mujeres e incorporarse a una banda musical de chicas de nombre

“Sweet Sue’s Society Syncopators”, que se dirigen a Miami, Lógicamente deben permanecer ocultos bajo los vestidos de

Películas 299

300 El cine musical

Adolfo Pérez

mujer y no desenmascararse ni siquiera con las guapas chicas de la banda musical, ya que los mafiosos sospechan su astuta jugada.

Al llegar a Miami, uno de ellos –el que ha adoptado el delicado nombre de Daphne–, se ve perseguido por un millonario que se ha enamorado de él, mientras que su compa-

ñero abandona ya su disfraz de mujer para adoptar la personalidad de un financiero muy rico. Ambos son testigos de un nuevo asesinato y son perseguidos otra vez por los gángsteres, aunque afortunadamente logran ponerse a salvo.

Con tal cantidad de buenos técnicos y actores era lógico que la película alcanzara un gran éxito, siendo una de las primeras ocasiones en que el cine norteamericano mostraba la homosexualidad como una opción más, especialmente en la escena final del filme en la cual Daphne (Jack Lemmon) le confiesa a Osgood (Joe E. Brown) que es un hombre vestido de mujer y este le dice aquello de: “Nadie es perfecto”.

La película es ciertamente memorable, no solamente por la acertada dirección de Billy Wilder, sino especialmente por el trabajo de Jack Lemmon (quien hizo el papel que había sido pensado para Frank Sinatra, de lo cual nos alegramos), y la presencia inimitable de Marilyn que logra enamorar sin muchos esfuerzos a todos, espectadores y actores.

Circulan no obstante dos rumores que pretenden descalificarla, aunque uno de ellos es digno de agradecer, como es el relativo a su papel, el cual había sido ofertado en primer lugar a la bailarina rubia Mitzi Gaynor y que ésta rechazó por tener otro compromiso ya firmado. El otro rumor es una supuesta escena que se debió repetir hasta 59 veces a causa de que Marilyn era incapaz de decir con soltura: “¿Dón-de está el Bourbon?”. Podemos pensar que el problema estuvo

Películas 301

en el afán perfeccionista del director Billy Wilder, el cual era famoso por no querer dejar ningún cabo suelto.

302 El cine musical

Adolfo Pérez

Existe una anécdota sobre el rodaje de esta película relativo al tremendo enfado que se cogió Tony Curtis con ella.

Parece ser que debían comerse entre ambos un pollo frito ciertamente sabroso durante una escena, pero que a causa de la torpeza memorística de Marilyn la escena tuvo que ser repetida varias veces, el pollo tuvo que ser recalentado hasta convertirse en una masa de carne impresentable, y al final ambos actores tuvieron que comerlo frío y requemado.

Aunque Billy Wilder era consciente del atractivo que Marilyn tenía en los espectadores y valoraba sus dotes interpretativas para la comedia, no quería contratarla de nuevo a causa de sus numerosas faltas de puntualidad, lo que desquiciaba al resto del equipo. La consideraba una estrella caprichosa y, además, ella no había mostrado ningún interés en esta película en la cual los protagonistas eran dos hombres vestidos de mujer.

Cuando por fin la convencieron, ofertándola además un porcentaje de taquilla, exigió que fuera en color, lo que obligó a modificar todo el vestuario para que ella luciese adecuadamente, aunque después se rodase en blanco y negro.

En esa época Marilyn había engordado bastante y la exi-gieron que adelgazara al menos diez kilos, lo que ella aceptó en un principio pero que nunca cumplió, ya que los vestidos tuvieron que adaptarse a sus bien ganados kilos de más.

Los retrasos de Marilyn se hicieron crónicos y molestos en un principio, para ser intolerables con el paso de los días, a los que había que sumar un problema de maquillaje añadido: Jack Lemmon y Tony Curtis tenían que aparecer perfectamente afeitados cuando hacían su papel de mujer y la tardanza en acudir de Marilyn –en ocasiones varias horas–, motivaba nuevo afeitado y nueva sesión de maquillaje.

Películas 303

En esa época estaba casada con Arthur Miller y el paciente escritor solía hacer de intermediario entre su esposa y el director, ciertamente hastiado ya de las tardanzas y los plan-tones de la actriz. Incluso hubo una secuencia en la cual tuvieron que prescindir de Marilyn y es justamente al final, cuando están alejándose en la lancha, ya que en el guión debían estar los cuatro protagonistas y ante una súbita enfermedad de Marilyn la suprimieron, junto a Tony Curtis, de esa escena que debería ser clave para la película.

Cuando por fin finalizó el rodaje, Billy Wilder ni siquiera quiso invitar a Marilyn a la fiesta que celebró en su casa y manifestó a la prensa que había odiado a las mujeres durante todo el rodaje y que ahora por fin conseguía dormir placenteramente. Se reconciliaron en 1960 cuando se estrenó “El apartamento”, otra película de Wilder a cuyo estrenó acudió Marilyn con Ives Montand.

Oscar:

Mejor vestuario en blanco y negro.

Nominaciones:

Mejor actor Jack Lemon

Mejor director Billy Wilder

Mejor guión adaptado Billy Wilder y I.A.L. Diamond Mejores decorados en blanco y negro Ted Haworth y Edward G. Boyle

EL MULTIMILLONARIO 1960

Letś Make Love

Productor: Jerry Wald

Director: George Cukor

Guión: Norman Krasna y Hal Kanter

304 El cine musical

Adolfo Pérez

Fotografía: Daniel Fapp

Director musical: Lionel Newman

Compositor: Lionel Newman

Intérpretes:

MARILYN MONROE: Amanda

YVES MONTAND: Jean-Marc Clement

TONY RANDALL: Howard Coffman

FRANKIE VAUGHAN: Tony Danton

WILFRID HYDE-WHITE: John Wales

Estrellas Invitadas:

MILTON BERLE

BING CROSBY

GENE KELLY

En “El Multimillonario”,

inspirada en “On The Ave-

nue” (1937), a Yves Montand

le tocó hacer el papel del

billonario franco-americano

que no piensa nada más que

en contratar a Milton Berle,

Bing Crosby y Gene Kelly

para que le enseñen cómo ser

cómico, cómo cantar y cómo

bailar.

La historia inicial debía

estar basada en la vida del

magnate Howard Hughes,

por supuesto parodiándola,

y en principio sería Gregory

Peck quien le encarnaría.

Pero hubo quien pensó que

Películas 305

eso podría traer serios problemas legales a la compañía y se decidieron por poner a un francés como cabeza de turco.

306 El cine musical

Adolfo Pérez

Yves Montand sería pues, el alumno malo asistido por un trío de maestros inútiles, quien debería intentar ser un buen actor en la comedia teatral “Hagamos el amor”. Montand está enamorado de Marilyn, la guapa rubia que canta suges-tivamente “My Heart Belong to Daddy”. Esto es algo comprensible porque una chica así entusiasma a cualquiera, pero lo que no es aceptable es que ella le rechace por ser multimillonario.

La solución es muy sencilla: él se disfraza de actor, y así con su pobreza trata de cautivar a la guapa muchacha llamada Amanda. Pero es tan mal actor que solamente inspira lástima y así no hay quien la enamore.

Por eso Montand contrata de manera privada a tres monstruos de la escena mundial, los mejores del mundo, para que le enseñen todos los trucos de la interpretación, el canto y el baile, aunque ella sigue enamorada del cantante Frankie Vaughand.

Aparte de la buena actuación de Mr. Berle y la organiza-ción inteligente de la coreografía de Jack Cole, existen otros alicientes en el filme, como la brillante melodía de Cole Porte “My Heart Belong To Daddy” (maravillosamente cantada por Marilyn Monroe) y una buena actuación de Tony Randall.

Ives Montand está solamente correcto en su papel de billonario, lo mismo que la dirección de George Cukor.

Bing Crosby y Gene Kelly suponen por sí mismos motivo suficiente para ver la película, aunque la presencia de Marilyn justifica pagar cualquier precio por una entrada.

El resto de los ingredientes son el atractivo cinemascope y la actuación de ese secundario estupendo que es Wilfrid Hyde White.

Películas 307

Premios:

Nominada a la mejor música 1960: Lionel Newman, Earle H. Hagen

CAN-CAN 1960

Can-Can

Productor: Jack Cummings

Director: Walter Lang

Guión: Dorothy Kingsley y Charles Lederer Basado en el musical de Abe Burrows

Intérpretes:

FRANK SINATRA: Francoise Durnais

SHIRLEY MacLAINE: Simone Pistache

MAURICE CHEVALIER: Paul Barriere

LOUIS JOURDAN: Philippe Forrestier

JULIET PROWSE: Claudine

MARCEL DALIO: André maitre

Esta buena versión del musi-

cal de Cole Porter de 1890, fue

prohibida en Rusia por inmoral,

aunque en Estados Unidos con-

siguió desbancar en recaudación

a la popular Ben-Hur. La histo-

ria se centra durante los prime-

ros años del siglo XX, en un Pa-

rís menos liberal que el actual, y

en donde se perseguía con es-

pecial interés el baile del Can-

Can por considerarlo obsceno.

Sinatra es un abogado que

308 El cine musical

Adolfo Pérez

defiende a MacLaine y su derecho a mostrar el “osado” baile en su centro nocturno. Chevalier y Jourdan tratan de inyec-tar encanto, pero la historia gira en torno a Sinatra y MacLaine.

Nominaciones:

Nominada al mejor vestuario: Irene Sharaff Nominada a la mejor música: Nelson Riddle WEST SIDE STORY 1961

Director: Robert Wise, Jerome Robbins

Fotografía: Daniel L. Fapp

Musica: Leonard Bernstein, Saul Chaplin, Irwin Kostal, Sid Ramin

Montaje: Thomas G. Stanford

Coreografía: Jerome Robbins

Intérpretes:

NATALIE WOOD: María

RICHARD BEYMER: Tony

RUSS TAMBLYN: Riff

RITA MORENO: Anita

GEORGE CHAKIRIS: Bernardo

SIMON OAKLAND

WILLIAM BRAMLEY

NED GLASS

Ganadora de un total de diez Oscar de la Academia, incluida Mejor Película de 1961, “West Side Story” hizo rena-cer con fuerza la afición al cine musical, aunque ahora cam-biaron los lujosos escenarios multicolores por los barrios de Nueva York y el chaqué con sombrero por los pantalones

Películas 309

vaqueros y las cazadoras de cuero. Estableció un modelo a seguir para el cine musical que aún no ha sido superado, en

310 El cine musical

Adolfo Pérez

la cual se mezclaban acertadamente la música y el baile con la tragedia.

La historia no difiere esencialmente de Romeo y Julieta, con familias y bandas rivales, aunque existe una concepción totalmente nueva, llevada a cabo con energía, talento y vitalidad, cuando los protagonistas deben pelear mientras bailan. La insuperable dirección de Robert Wise, la apasionante música de Leonard Berstein, las sarcásticas letras de Stephen Sondheim y muy especialmente la genial coreografía de Jerome Robbins, hacen que el paso del tiempo apenas la haya dañado.

La película es la adaptación de una producción de Broadway, pero en contraste con lo que Hollywood solía hacer con sus adaptaciones musicales, todas las canciones escritas por Leonard Bernstein y Stephen Sondheim para el Películas 311

estreno de West Side Story en Broadway se usaron en la pelí-

cula, aunque se hicieron algunas modificaciones para evitar que la violencia y las palabras malsonantes implicaran una calificación moral poco rentable económicamente.

La película retiene también la coreografía original de Jerome Robbins, que es recreada en algunas de las secuencias más asombrosas y acrobáticas que hayan aparecido nunca en una película.

Por eso, hay que reconocer que el gran aliciente de la pe-lícula es la danza diseñada por Robbins, una combinación de ballet, acrobacia, y jazz. Sin embargo, era delicado poner a bailar a jóvenes que minutos antes habían demostrado ser duros y pendencieros, pues el ridículo estaba muy próximo, aunque la sutileza con la cual se mueven esos jóvenes estuvo muy acertada.

Al principio, todo debería reducirse a un pequeño decorado que simulase los suburbios de la ciudad, aunque posteriormente se fue ampliando y los escenarios casi fueron tan extensos como en una película neoyorquina habitual.

La historia de amor indudablemente es hermosa, especialmente cuando ella canta “I Feel Pretty”, o Tony se embe-lesa con “María” y “Tonight”. En esos momentos la lírica casi nos saca del cine y solamente vemos los ojos de los enamorados diciéndose palabras hermosas. En este aspecto, hay que reconocer que Natalie Wood tuvo quizá la mejor de sus interpretaciones, aunque vemos ciertas dificultades para convencernos de que era una portorriqueña. Tampoco nos convenció mucho Beymer, demasiado guapo y pacífico para ser el líder de una banda callejera, del mismo modo que encontramos demasiado risueño al pequeño Tamblyn, buen bailarín pero poco adecuado para hacer de tipo duro.

312 El cine musical

Adolfo Pérez

Una nota curiosa, es que los apartamentos que aparecen en la película fueron demolidos más tarde para levantar el Lincoln Center. A Natalie Wood la dobló en sus canciones Marni Nixon, que también había doblado a Audrey Hepburn en My Fair Lady.

Premios:

Mejor Película

Mejores Actores secundarios

Mejor Director para Robbins y Wise

CITA EN LAS VEGAS 1964

Viva Las Vegas

Director:

ector: George Sidney

Productor:

oductor: Jack Cummings y George Sidney

Coreografía: David Winters

Música:

Música: George Stoll

Intérpretes:

ELVIS PRESLEY: Lucky Jordan

ANNE MARGRETT: Rusty Martin

WILLIAM DEMAREST

CESARE DANOVA

JACK CARTER

En ocasiones ocurre que una simple canción es capaz de dar categoría a un filme, tal y como sabemos ha ocurrido en este caso. Si a este detalle añadimos una escena de baile moderno de imborrable recuerdo (nos referimos al dúo entre Presley y Margrett), tan sugestiva y dinámica que se nos hace imposible que se haya logrado teniendo en cuenta que ninguno sabía bailar, nuestro asombro es total.

Películas 313

El atractivo del fil-

me estriba, pues,

en estos factores,

pero también en el

colorido, la ausen-

cia de dramatismo,

la luz, los vestidos ca-

llejeros y hasta en la

tímida sonrisa de

Presley, aquella que

hacía vibrar a sus

fans.

El director Sydney

se encontró antes del

rodaje con un argu-

mento simple, una his-

toria de amor sin gran-

des pasiones y hasta con

secundarios poco efi-

cientes, pero gracias a su

habilidad logró dotar al

filme de un encanto

inigualable. Pregunten a

cualquier aficionado si cono-

cen la canción que da origen

al título y seguro que le pueden

tatarear alguna estrofa, mientras

nos insisten en lo tremendamen-

te sexy que estaba Anne Margrett,

tan embutida en sus mallas negras que parece mentira que se las pudiera poner sin ayuda.

Nota: Hay otra película, protagonizada por Cyd Charisse y Dan Dayle, que responde al título de “Meet me in Las Vegas”, pero que en

314 El cine musical

Adolfo Pérez

España se estrenó con el título de “Viva Las Vegas”, que frecuentemente ocasiona no pocas confusiones.

LOS PARAGUAS DE

CHERBURGO 1964

The umbrellaś Cherbourg

Música:

Música: Michael Legrand

Director:

ector: Jacques Demy

Fotografía:

otografía: Jean Rabier

Guión:

Guión: Jacques Demy

Películas 315

Intérpretes:

CATHERINE DENEUVE: Genevieve Emery

NINO CASTELNUOVO: Chico

ANNE VERNON: Madame Emery

MARC MICHEL: Roland Cassard

ELLEN FARNER: Madeleine

MIREILLE PERREY: Tía Elise

Los paraguas de Cherburgo es una de las películas más lacrimógenas de la historia del cine, pero al mismo tiempo una de las que mejor rinde homenaje a los musicales de H o l l y w o o d .

Demy se mues-

tra hábil cen-

trándose en los

problemas coti-

dianos, siendo

capaz de pro-

porcionar una

historia típica

de amor y sue-

ños rotos den-

tro de un torbe-

llino romántico,

de color y can-

ciones bellas,

para elevar la

película por en-

cima de lo que

sería un drama

sentimental. La

idea del guio-

nista era man-

tenerse fiel a la

316 El cine musical

Adolfo Pérez

creencia que todos tenemos de la lucha de clases y los sueños de la juventud.

Los actores cantan todos los diálogos al son de la música de Michel Legrand, desde el trabajo en una gasolinera, hasta la declaración de amor entre los amantes. Catherine Deneuve y Nino Castelnuovo, junto con el vestuario multicolor creado para coordinar este bien pintado decorado, en los que se incluyen los edificios recién pintados de Cherburgo, ayudan a Demy a crear un mundo musical de ensueño.

La historia termina trágicamente, pues de ser no ser así las lágrimas no llegarían abundantes a los ojos de los espectadores, pero es suficiente como para que ganara la Palma de Oro y el premio a la mejor actriz del Festival de Cine de Cannes, convirtiéndose en una sensación internacional que catapultó al éxito a la desconocida Catherine Denueve; éxi-to que aún perdura. En 1992 fue restaurada a su brillantez original gracias a los esfuerzos constantes de Demy, Deneuve, Legrand y la viuda de Demy, Agnès Varda.

Nominaciones:

Nominada al mejor guión

Nominada a la mejor banda sonora

Nominada a la mejor canción.

QUÉ NOCHE LA DE AQUEL DÍA 1964

A hard dayś night

Música: John Lennon, Paul McCartney

Dirección: Richard Lester

Fotografía: Gilbert Taylor

Guión: Alun Owen

Películas 317

Intérpretes:

JOHN LENNON

PAUL MCCARTNEY

GEORGE HARRISON

RINGO STARR

WILFRID BRAMBELL: El abuelo de Paul

Los admiradores de los Beatles, especialmente aquellos que nunca tuvieron la fortuna de poderlos ver trabajar en directo, pudieron dar rienda suelta a sus deseos mediante películas como ésta, en donde se pudieron escuchar sus mejores canciones y saber cómo se comportaban realmente. Para muchos lo que se muestra en “Qué noche la de aquel día” no es una representación realista de 36 horas en la vida del 318 El cine musical

Adolfo Pérez

fabuloso cuarteto, pero hay datos que nos indican que posiblemente, y con algunas exageraciones, así trascurrían la mayoría de sus días.

El humor seco y fresco, denominado “inglés”, del guión de Alun Owen, es adecuado para ser visto por sus admiradores, pero igualmente es digno para el resto de los espectadores, y aunque los Beatles no fueran los mejores actores del mundo (Ringo Starr reincidió en varias ocasiones), Owen tuvo la inteligencia de dejarles interpretar sus puntos fuertes: el sarcasmo de John, la maleducada personalidad de Ringo, el poder de seducción de Paul, y la actitud tranquila y práctica de George. Los demás actores están perfectos en sus papeles y consiguen robarles un poco de protagonismo a los cuatro músicos, mientras que el estilo visual innovador y preciso de Richard Lester es el aderezo perfecto de la música.

MARY POPPINS 1964

Productor: Walt Disney, Bill Walsh

Director: Robert Stevenson

Guión: Bill Walsh, Don DaGradi

Basada en la novela de: P.L. Travers

Fotografía: Edward Colman

Música: Irwin Kostal

Intérpretes:

JULIE ANDREWS: Mary Poppins

DICK VAN DYKE: BertMr. Dawes, Sr.

DAVID TOMLINSON: Mr. Banks

GLYNIS JOHNS: Mrs. Banks

HERMIONE BADDELEY: Ellen

RETA SHAW: Mrs. Brill

Películas 319

320 El cine musical

Adolfo Pérez

Es difícil encontrar más magia en una película dirigida a los niños, con el aliciente añadido de que también los mayores consiguen disfrutar con esta bella historia. Llegando hasta nosotros mediante un sencillo paraguas, sustituyendo así la tradicional escoba de las brujas, esta institutriz de bello aspecto y risueña como nadie, consiguió entusiasmar sin pa-liativos a varias generaciones.

La película nos muestra muchos trucos de magia, sopor-tados por efectos especiales que aún hoy nos causan asombro, sin que logren quitar ni un gramo de sentimiento al filme. La historia es lo esencial, superando incluso a la extraordinaria banda sonora y a la buena interpretación de Julie Andrews y Dick Van Dyke. Este bello cuento puede rivalizar sin lugar a dudas con aquel entrañable llamado “El mago de Oz”, y todo ello sin llegar a ser empalagoso o sensiblero, pues las lágrimas o el temor no tienen cabida en la historia.

La producción podría ser malinterpretada en manos de cualquier otro, pero Walt Disney se convirtió en un vigilante productor, y ayudado por el director Robert Stevenson consiguieron mezclar esta polifacética historia. Hay tanta diversión y maravilla, que resulta difícil comenzar a destacar algo o alguien. Los guionistas se basaron en la buena obra de P.L.

Travers (quien por cierto escribió algunas continuaciones), pero decidieron que había que darle más belleza a Mary Poppins, haciéndola tan atractiva que hasta los adultos se quedaran prendados de ella. La elección de Julie Andrews fue tan acertada que se nos hace difícil saber cómo alguien supo ver en esa desconocida actriz toda una gran estrella.

Y si la protagonista está maravillosa, lo mismo que la historia y los guionistas, la mezcla entre los dibujos animados y los personajes reales es todo un logro del equipo de dibujantes y diseñadores. Por eso, si a estos méritos añadimos los buenos

Películas 321

efectos especiales y una banda sonora que cautivó a millones de espectadores, nos encontramos con un filme casi redondo.

Hay momentos memorables en el filme, como el baile en las azoteas de Londres, la ternura de la viejecita alimentan-do a las palomas, y la escena en que los protagonistas llegan al mundo mágico del cuadro pintado en la acera.

Entre las canciones debemos destacar, “Supercalifragilisti-coexpialidoso”, “Chim Chim Cheree”, “A Spoonful of Sugar”,

“The Perfect Nanny”, “Step in Time”, y “A Man Has Dreams”.

Premios:

Oscar a la mejor actriz 1964: Julie Andrews Oscar al mejor montaje 1964: Cotton Warburton Oscar a la mejor música original 1964: Richard M. Sherman, Robert B. Sherman

322 El cine musical

Adolfo Pérez

Oscar a los mejores efectos especiales 1964: Peter Ellenshaw, Hamilton Luske, Eustace Lycett

Nominaciones:

Nominada a la mejor película 1964

Nominado al mejor director 1964

Nominado al mejor guión 1964: Bill Walsh, Don DaGradi Nominada a la mejor dirección artística: Carroll Clark, William H. Tuntke, Emile Kuri, Hal Gausman Nominada a la mejor fotografía 1964: Edward Colman Nominada al mejor vestuario 1964: Tony Walton Nominada a la mejor canción 1964: Richard M. Sherman, Robert B. Sherman

Nominada al mejor sonido 1964: Robert O. Cook MY FAIR LADY 1964

Música: Frederick Loewe

Guión: Alan Jay Lerner

Productor: Herman Levin

Director: Moss Hart

Coreografía: Hanya Hola

Basada en la obra Pygmalion de 1914, escrita por George Bernard Shaw y estrenada en marzo

de 1956 en el Mark Hellinger Theatre, (New York)

Intérpretes:

AUDREY HEPBURN: Eliza Doolittle

REX HARRISON: Prof. Henry Higgins

STANLEY HOLLOWAY: Alfred P. Doolittle

WILFRID HYDE-WHITE: Col. Hugh Pickering

GLADYS COOPER: Mrs. Higgins

Películas 323

JEREMY BRETT: Freddy Eynsford-Hill

THEODORE BIKEL: Zoltan Karpathy

ISOBEL ELSOM: Mrs. Eysnford-Hill

MONA WASHBOURNE: Mrs. Pearce

324 El cine musical

Adolfo Pérez

El primer encuentro entre el profesor Henry Higgins, un soltero inteligente, caprichoso, de mediana edad y muy Películas 325

misógino, con Eliza Doolittle se realiza en un barrio popular, cerca de la Casa de la Ópera Real, en el Covent Garden, una noche fría de marzo. Eliza está vendiendo violetas, mientras que Higgins sigue atento para escuchar los interminables nuevos dialectos de Londres. Cuando escucha hablar a Eliza su asombro no tiene límites, pues no es posible que alguien tan joven hable tan mal. Allí conoce también al Co-ronel Pickering, otro experto lingüístico, que ha llegado para verle, quien le ofrece vivir en su piso. El padre de Eliza, Alfred Doolittle, un insólito optimista que solamente encuentra alicientes en el agrio vino de las tabernas, posee quizá la mejor de las filosofías de la vida, aunque ciertamente poco orto-doxa. Y así, cuando entre Pickering y Higgins se establece una apuesta, Eliza es llevada hasta el piso de Higgins para ser instruida en el correcto idioma inglés, aunque el fin perseguido es conseguir convertirla en una auténtica dama de la nobleza.

Los primeros días se establece una pugna entre ella y él, pues Higgins no la trata como una persona con sentimientos y ella se empeña en demostrar que no es tan bruta de lo aparenta. Poco a poco el experimento progresa, pero en la primera experiencia con la alta sociedad todo sale mal, y cuando la palabra “culo” brota de su boca en el hipódromo con tanta fuerza que todos la escuchan, la desmoralización cunde. Pero después todos retoman el experimento, ella consigue deletrear “la lluvia en Sevilla es una maravilla” y aquel baile de gala delante de sus majestades es un triunfo para Liza, admirada por todos, salvo por Higgins, quien no sabe que ya está enamorado de ella.

Después vienen canciones inolvidables, como “La calle donde tú vives”, “Show Me” y “I Could Have Danced All”, entre otras muchas, recordándonos que estamos asistiendo a un musical irrepetible, único, de esos que debemos ver varias 326 El cine musical

Adolfo Pérez

veces para poder disfrutarlo en su totalidad.

Premios:

Oscar al mejor actor 1964: Rex Harrison

Oscar al mejor Director 1964: George Cukor Oscar a la mejor Dirección artística y decoración 1964: Gene Allen, Sir Cecil Beaton, George James Hopkins Oscar a la mejor fotografía 1964: Harry Stradling, Sr.

Oscar al mejor vestuario 1964: Sir Cecil Beaton Oscar a la mejor música 1964: Andre Previn Oscar al mejor sonido 1964: George R. Groves Nominaciones:

Nominado al mejor actor secundario 1964: Stanley Holloway Nominada a la mejor actriz secundaria 1964: Gladys Cooper Nominado al mejor Guión 1964: Alan Jay Lerner SONRISAS Y LÁGRIMAS 1965

The Sound of Music

Productor: Robert Wise

Director: Robert Wise

Guión: Ernest Lehman

Basado en el musical de: Richard Rodgers, Oscar Hammerstein II, Howard Lindsay y Russel

Crouse

Fotografía: Ted McCord

Intérpretes:

JULIE ANDREWS: Maria

CHRISTOPHER PLUMMER: Capitan Von Trapp

ELEANOR PARKER: La baronesa

RICHARD HAYDN: Max Detweiler

Películas 327

María (Andrews) es una joven novicia de un convento re-gido por la madre Abadesa (Peggy Wood), una rectora muy severa que no entiende las alegrías de María, pues supone que el convento es un lugar de recogimiento. Un día se da cuenta de que el claustro no es para ella y como todavía cree en los valores de la familia, le propone que se vaya como institutriz a la mansión de un acaudalado barón.

Cuando la joven llega es recibida por el Capitán Von Trapp (Christopher Plummer), un hombre dotado de un gran carisma, pero con el alma rota por la ausencia de su esposa, quien murió dejando a sus siete hijos. Él es un aristócrata típico, muy severo con la educación, pero María percibe que ese hogar necesita un poco de alegría y menos autoridad. Se 328 El cine musical

Adolfo Pérez

esfuerza por abrir sus vidas al júbilo y para ello lleva a los niños a dar largos paseos por los Alpes, en donde les enseña canciones y juegos, más que nada cantar “Do, re, mi” y tirar-se vestidos al lago. Cuando descubre que los niños están perfectamente dotados para la canción, forma un grupo musical con la ayuda de Max Detweiler (Richard Haydn), quien les propone dar una serie de conciertos. Al mismo tiempo, el Capitán Von Trapp intenta formalizar su compromiso con la rica Baronesa (Eleanor Parker), pero no parece ser rival para el recién nacido amor entre el barón y la novicia.

Filmada durante once semanas en los escenarios naturales de Salzburgo (aunque los interiores pertenecen a los estudios de la Fox), el filme es un obsequio visual y probablemente la mejor propaganda para el turismo austriaco. La historia no fue tan romántica como relatan Richard Rodgers y Oscar Hammerstein, ni por supuesto la joven era tan encantadora como Julie Andrews ni el barón tan atractivo, pero lo cierto es que fueron una familia que tuvo que escapar de la persecución nazi y que dieron conciertos por toda Europa durante varios años.

“Sonrisas y lágrimas” tuvo luego una continuación en la televisión, pues el éxito en el cine duró casi dos años en las carteleras mundiales. La historia de la Familia Trapp la vemos ahora quizá demasiado irreal, pero no hay ninguna posibilidad de que dejemos de emocionarnos con ellos, máxi-me cuando la banda musical es algo extraordinario, tal y como es habitual en Richard Rodgers y Oscar Hammerstein II. Ya sabemos que nadie es tan dulce como Julie Andrewes, ni los barones poseen esa educación tan exquisita, pero eso no nos impide soñar mientras la estamos viendo.

Entre las canciones debemos destacar la introducción orquestal, con esa escena épica de Julie Andrews girando en

Películas 329

330 El cine musical

Adolfo Pérez

los montes austriacos mientras suena la música, así como “Do Re Mi”, “Edelweiss”, “So Long, Farewell” y “My Favorite Things”.

Premios:

Oscar a la mejor película 1965

Oscar al mejor director 1965: Robert Wise Oscar a la mejor edición: 1965: William H. Reynolds Oscar a la mejor música 1965: Irwin Kostal Oscar al mejor sonido 1965: James P. Corcoran, Fred Hynes Nominaciones:

Nominada a la mejor actriz 1965: Julie Andrews Nominada a la mejor actriz secundaria 1965: Peggy Wood Nominada a la mejor dirección artística 1965: Boris Leven, Walter M. Scott, Ruby Levitt

Nominada a la mejor fotografía 1965: Ted McCord Nominada al mejor vestuario 1965: Dorothy Jeakins CAMELOT 1967

Director: Joshua Logan

Guión: T.H. White

Basado en la novella: The Once and Future King Productor: Joel Freeman, Jack L. Warner

Intérpretes:

RICHARD HARRIS: Rey Arthur

VANESSA REDGRAVE: Guenevere

FRANCO NERO: Lancelot Du Lac

DAVID HEMMINGS: Mordred

LIONEL JEFFRIES: King Pellinore

LAURENCE NAISMITH: Merlyn

Películas 331

Esta película de Joshua Logan, anteriormente un éxito en Broadway, sobre el triángulo de amor entre el Rey Arturo (Richard Harris), Guenevere (Vanessa Redgrave) y Lord Lancelot (Franco Nero), nos aporta ahora mayor énfasis en la historia y las peleas. El tema real de la trama es mostrar una sociedad perdida, grande, con las intrigas habituales y unos acertados números musicales adornados con las canciones de Lerner-Loewe. Éstas son, posiblemente, lo mejor del filme.

Perteneciente a la

época en la cual el

cine musical estaba

ya en declive, los

amores de Arturo,

Guinever y Lancelot,

no acaban de intere-

sar, especialmente

después de ver la

magnífica “Excali-

bur”, pues la historia

se nos muestra falsa

y demasiado alejada

de la realidad de to-

dos conocida.

Richard Harris

hizo un buen traba-

jo con esta película

en su papel del rey

Arturo, mientras que

Venessa Redgrave no

parece encontrarse a

gusto siendo el obje-

to de deseo de dos

332 El cine musical

Adolfo Pérez

personajes tan importantes en la historia. Sin embargo, la prosa intensa cuando Arturo descubre el amor de Lancelot por Guenevere es una obra maestra, aunque se nos antoja copiada de otras obras, algo habitual en los guionistas de los 60. El tutor de Arthur, el mago Merlín, es otra de las figuras importantes, pues ha conseguido infundir en su pupilo la sabiduría y los deseos de paz, trayendo así la tranquilidad y la justicia a sus dominios mediante el establecimiento de la famosa Mesa Redonda.

Los vestuarios parecen los habituales en estas historias y el paisaje parecía tan real como podría ser.

El sonido, sin embargo, es extraordinario, en especial la música de fondo y la fotografía.

OLIVER 1968

Productor: John Woolf

Director: Carol Reed

Guión: Vernon Harris

Basada en la novela “Oliver Twist” de Charles Dickens

Fotografía: Oswald Morris

Música: Johnny Green

Intérpretes:

RON MOODY: Fagin

SHANI WALLIS: Nancy

OLIVER REED: Bill Sikes

HARRY SECOMBE: Mr. Bumble

MARK LESTER: Oliver Twist

Películas 333

En su estreno en Broadway “Oliver” fue considerado un mediocre musical apto para los niños, aunque la película transforma el material y nos aporta una función musical imaginativa de la novela, dándole un giro lírico, pero algo maca-bro. El tono más intenso se deja percibir desde los primeros minutos, cuando vemos realizar a los pequeños los primeros bailes.

La historia indudablemente gira en torno a Dickens, y en cierto modo eso ocasiona que seamos más conscientes de las 334 El cine musical

Adolfo Pérez

calidades artísticas del autor. Es como si la película pretendiera dar un tributo a Dickens y, al mismo tiempo, efectuar un comentario melodramático para contar la historia de Oliver Twist.

Las canciones (por Lionel Bart) proporcionan el alejamien-to necesario que nos permite apreciar el patetismo intelectual de Dickens, mientras que el director, Carol Reed, da una demostración extraordinaria de su habilidad. Él no nos insiste buscando las lágrimas, pero nos toca nuestro orgullo.

Probablemente, el mejor momento es cuando cesa la música.

Cuando Oliver (Mark Lester), que ha estado escuchando

“Quién es Will Buy?,” una canción matutina encantadora, camina a lo largo del sendero, es probablemente la escena más delicada de toda la película.

Premios:

Oscar a la mejor película 1968

Oscar al mejor director 1968: Sir Carol Reed Oscar a la mejor dirección artística 1968: John Box, Terence Marsh, Ken Muggleston

Oscar a la mejor música original 1968: John Green Oscar al mejor sonido 1968: Shepperton Studio Sound Department

Oscar honorífico 1968: Onna White

Nominaciones:

Nominado al mejor actor 1968: Ron Moody

Nominado al mejor actor secundario 1968: Jack Wild Nominado al mejor guión 1968: Vernon Harris Nominada a la mejor fotografía 1968: Oswald Morris Nominada al mejor vestuario 1968: Phyllis Dalton Nominada al mejor montaje 1968: Ralph Kemplen Películas 335

LAS SEÑORITAS DE

ROCHEFORT 1968

The Young Girls of Rochefort/

Les Demoiselles de Rochefort

Productor: Mag Bodard

Director: Jacques Demy

Dirección musical: Jacques Demy

Compositor: Michel Legrand

Fotografía: Ghislain Cloquet

Dirección artística: Bernard Evein

Intérpretes:

CATHERINE DENEUVE: Delphine Garnier

FRANCOISE DORLEAC: Solange Garnier

GENE KELLY: Andy Miller

GEORGE CHAKIRIS: Étienne

DANIELLE DARRIEUX: Yvonne

GROVER DALE: Bill

MICHEL PICCOLI: Simón Dame

El director Demy, autor de “Los paraguas de Cherburgo” trata de rendir un homenaje al cine musical de Hollywood, pero le falta contenido a su historia escrita. Michel Legrand repite también como compositor después de “los paraguas...”, pero no logra ni una sola canción de impacto.

Gene Kelly, sumamente delgado y demacrado, intenta salvar la calidad del filme pero no lo consigue, especialmente por carecer de bailarines de prestigio a su lado. Ni Catherine Deneuve, ni Francoise Dorléac sabía una palabra de baile, y eso es algo que el público nota en los primeros minutos.

336 El cine musical

Adolfo Pérez

Lo que debía ser un correc-

to filme musical se convierte en

algo desconcertante cuando el

argumento nos incluye a un ase-

sino despiadado de mujeres,

personaje nada adecuado para

una comedia. Mucho nos teme-

mos que la presencia de Gene

Kelly fue requerida solamente

para conseguir financiación

norteamericana.

Nominaciones:

Nominada a la mejor música

1968: Michel Legrand,

Jacques Demy

CHITTY CHITTY BANG BANG 1968

Chitty Chitty bang bang

Walt Disney

Director: Ken Hughes

Intérpretes

Dick Van Dyke

Sally Ann Howes

Lionel Jeffries.

Esta vez y a pesar de constituir un éxito comercial importante, no le salieron redondas las cosas al Sr. Disney. El argumento es demasiado complejo, demasiados personajes, lo que hace que el público infantil se canse pronto de tratar de entender lo que le cuentan. Basado en una novela de Ian

Películas 337

Fleming (el autor de 007), nos habla de un inventor ciertamente estúpido al que le salen las cosas bien casi siempre.

Podemos destacar, sin embargo, la canción que da título a la película, así como el vuelo del coche e incluso sus andanzas 338 El cine musical

Adolfo Pérez

por el mar. Este filme tampoco consiguió cautivar a las generaciones posteriores y su pase en televisión o al mercado del vídeo, no tuvo apenas repercusión comercial. Ahora, no obstante, muchos años después, es considerado ya un clásico del cine infantil.

SUBMARINO AMARILLO 1968

Yellow Submarine

Director: George Dunning

Guión: Al Brodax

Fotografía: John Williams

Música: Los Beatles

Intérpretes:

The Beatles

Este nuevo tipo de arte cinematográfico entusiasmó a una generación de aficionados, aunque la carencia de diálogos ocasionó su gran fracaso económico. Las versiones anima-das de los Beatles, yendo al rescate de las personas de Pepperland y salvándolos del Meanies Azul usando las armas de amor y música, pudieran haber dado un resultado extraordinario solamente no rompiendo todos los moldes.

Amable, lleno de chistes visuales, y entretenido hasta la mitad de la historia, supone un intento fallido a pesar de sus aciertos.

Los aficionados pudimos escuchar nada menos que 10

canciones de Los Beatles, así como disfrutar de una brillante animación coloreada, pero enlazada bajo un débil argumento. Podría haber sido un simple catálogo de imágenes sueltas y nos hubiera dado igual.

Películas 339

Se trata del primer y único largometraje dirigido por el canadiense George Dunning, quien comenzó su trayectoria

340 El cine musical

Adolfo Pérez

profesional en el National Film Board of Canada, siendo igualmente autor de la serie de televisión de animación con Los Beatles como principales personajes. Para el grupo musical fue la tercera película tras Qué noche la de aquél día y Help!, aunque ahora sabemos que ninguno de los personajes de animación que representan a Los Beatles fue doblado por los propios componentes del grupo.

Para los fans debemos advertir que su aparición real tan sólo tiene lugar al final de la película.

Películas 341

MILLIE, UNA CHICA MODERNA 1967

Thoroughly Modern Millie

Productor: Ross Hunter

Director: George Roy Hill

Guión: Richard Morris

Fotografía: Russell Metty

Música: Andre Previn

Intérpretes:

JULIE ANDREWS: Millie Dillmount

MARY TYLER MOORE: Dorothy Brown

CAROL CHANNING: Muzzy Van Hossmere

JAMES FOX: Jimmy Smith

BEATRICE LILLIE: Mrs. Meers

JOHN GAVIN: Trevor Graydon

JACK SOONORIYUKI “PAT” MORITA: Oriental

Producida por Ross

Hunter, este mediocre

musical ambientado

en los años veinte, no

tuvo apenas trascen-

dencia entre los es-

pectadores, y eso que

estaba protagonizado

por Julie Andrews y la

popular estrella de la

televisión Mary Tyler

Moore.

Mal dirigida por

George Roy Hill, a pe-

sar de que los actores

342 El cine musical

Adolfo Pérez

intentaron darle calidad al filme, los espectadores no sintieron ningún interés por este par de chicas provincianas en busca de triunfos en la gran ciudad. Aunque Andrews consiguió remontarse en el cine, para Mary Tyler Moore supuso un fracaso que la mantuvo apartada de las carteleras durante diez años. También se mueven discretamente John Gavin, Beatrice Lillie, Carol Channing, Louis Armstrong y Pat Mori-ta, aunque entre todos consiguieron incluso ganar un Oscar.

Premios:

Oscar a la mejor música original 1967: Elmer Bernstein Nominaciones:

Nominada al mejor actor secundario 1967: Carol Channing Nominada a la mejor dirección artística 1967: Alexander Golitzen, George C. Webb, Howard Bristol

Nominada al mejor vestuario 1967: Jean Louis Nominada al mejor sonido 1967: Universal City Studio Sound Department

FUNNY GIRL 1968

Funny Girl

Productor: Ray Stark

Director: William Wyler

Guión: Isobel Lennart

Basada en el musical de Jule Styne, Bob Merrill y Lennart

Fotografía: Harry Stradling

Director: William Wyler

Intérpretes:

BARBRA STREISAND: Funny Brice

Películas 343

OMAR SHARIF: Nicky Arnstein

KAY MEDFORD

ANNE FRANCIS

MAE QUESTEL

WALTER PIDGEON: Ziegfeld

Funny Girl, uno de los musicales más populares de la historia del cine, relata los primeros años en la carrera de la actriz cómica Funny Brice, un papel por el que Barbra Streisand consiguió el Oscar a la Mejor Actriz en 1968. Con una soberbia actuación en la que nos demuestra sus aptitudes como cantante y cómica, nos deleitamos también con unos diálogos ingeniosos que parecen estar improvisados. Interpretando al jugador sombrío Nicky Arnstein, Omar Sharif se muestra flemá-

tico y hasta con

cierta realeza, con

una sonrisa profe-

sional dolida por

tener que tratar a

tanta gente vulgar.

El talento de

Streisand se mues-

tra mejor que en

otros filmes, quizá

porque estuvo diri-

gida por William

Wyler y contaba

con los números

musicales de Her-

bert Ross.

Centrada en los

primeros años del

siglo XX, vemos a

344 El cine musical

Adolfo Pérez

la joven Funny Brice (Streisand), un patito feo con una ambición imparable por ser una estrella, pues está determina-da a salir de su bajo nivel de vida. Cuando pierde un trabajo como corista en el Keeney’s Music May, intenta entonces realizar un número sobre un patín de ruedas, pero resbala y su actuación ocasiona enormes risas en los espectadores.

Nicky Arnstein (Omar Sharif), un jugador profesional, la ve y le ayuda a conseguir una entrevista con Ziegfeld (Walter Pidgeon), quien la contrata para su nuevo espectáculo. Pero en el debut ella aparece vestida como una novia embarazada, ocasionando el furor de Ziegfeld, aunque impresiona a la muchedumbre. Ziegfeld debe rectificar su deseo de despedirla y le permite quedarse en el espectáculo y escoger sus propias canciones.

Entre los muchos números musicales de la película que perduran en la memoria está “People”, un tema clásico de Barbra Streisand.

Películas 345

Premios:

Oscar a la mejor actriz: 1968: Barbra Streisand Nominaciones:

Nominada a la mejor película 1968

Nominada a la mejor actriz secundaria 1968: Kay Medford Nominada a la mejor fotografía 1968: Harry Stradling, Sr.

Nominado al mejor film editado 1968: Robert Swink, Maury Winetrobe, William Sands

Nominada a la mejor música 1968: Walter Scharf Nominada al mejor sonido 1968: Columbia Studio Sound Department

AL FINAL DEL ARCO IRIS 1968

Finian’s Rainbow

Productor: Joseph Landon

Director: Francis Ford Coppola

Guión: E.Y. Harburg, Fred Saidy

Basado en el libro de: E.Y. Harburg y Fred Saidy Fotografía: Philip Lathrop

Música: Ray Heindorf

Intérpretes:

FRED ASTAIRE: Finian McLonergan

PETULA CLARK: Sharon McLonergan

TOMMY STEELE: Og, the Leprechaun

DON FRANCKS: Woody Mahoney

KEENAN WYNN: Judge Rawkins

La fantasía mezclada con la realidad, el folklore y el romance irlandés, son los ingredientes que han hecho de “Al final del arco iris” uno de los grandes musicales, aunque bastante

346 El cine musical

Adolfo Pérez

desconocido. La historia nos habla de Finian McLonergan, nativo de Glocca Morra, Irlanda, quien sabe el secreto de los americanos millonarios. Mediante un proceso matemático, de lógica y mucha imaginación, ha encontrado la respuesta: es el suelo de la fortaleza Knox lo que origina el fenómeno, pues hay algo mágico allí. Parece ser que hay ciertas energías atómicas en el oro acumulado en la fortaleza Knox que originan el prodigio e irradian una influencia de gran alcance a través de América, fertilizando las naranjas en la Flori-da, activando las plantas de fabricación en Detroit y produ-ciendo una cosecha de parachoques millonarios.

¿Si este razonamiento es falso, entonces porqué se aco-metió la epopeya de buscar el oro de la tierra en California durante 1849, si poco después se iba a encerrar en la fortaleza? ¿Para qué cambiarlo simplemente de lugar? Ésta es la teoría de McLonergan, y su conclusión es que cualquier hombre puede enterrar un poco de oro en la tierra, cerca de la fortaleza Knox, y hacerse millonario. Y así, con la ayuda de gnomos, elfos y duendes, nuestro amigo se pone manos a la obra para hacerse

millonario.

Indudablemen-

te algunas de las

conclusiones de

esta opereta son

difíciles de asimi-

lar, pero conside-

rado el proyecto

en su totalidad de-

bemos admitir que

el por entonces jo-

ven Francis Ford

Coppola realizó

Películas 347

una de sus mejores películas. Para llevar a buen fin esta idea se unieron a Pétula Clark, Al Freeman junior y Keenan Wynn; sin embargo, será precisamente Fred Astaire, como Puckish, junto a Tommy Steele, quienes consigan seducir a los espectadores.

Nominaciones:

Nominada a la mejor música adaptada 1968: Ray Heindorf Nominada al mejor sonido 1968: Seven Arts Studio Sound Department

LA LEYENDA DE LA CIUDAD SIN

NOMBRE 1969

Paint Your Wagon

Director: Joshua Logan

Productor: Alan Jay Lerner, Tom Shaw

Fotografía: William A. Fraker, Loyal Griggs, Nelson Tyler

Musica: Alan Jay Lerner, Andre Previn

Intérpretes:

LEE MARVIN: Ben Rumson

CLINT EASTWOOD: Pardner

JEAN SEBERG: Elizabeth

HARVE PRESNELL: Rotten Luck Willie

RAY WALSTON: Mad Jack Duncan

“La Leyenda de la Ciudad sin Nombre” es una divertida combinación de western y comedia, adornada con una partitura prodigiosa de Lerner y Loewe, con la cual se atreven los propios actores, en especial Lee Marvin, quien con su regis-

348 El cine musical

Adolfo Pérez

tro de barítono es capaz de cantar con sumo acierto “Estrella errante”, una melodía ya clásica en el cine. La historia de una ciudad formada por buscadores de oro se centra en las aventuras y desventuras de Ben y “Socio”, y la delicada esposa Películas 349

que ambos comparten. La historia de amor no es lo más importante, pues las canciones y los buenos diálogos aportan todo lo necesario para el entretenimiento.

El filme costó mucho dinero, ya que hubo que levantar todo un poblado minero del siglo XIX, con sus minas y vagonetas incluidas. Pero en esta ciudad sin nombre se mueven perfectamente sus dos protagonistas masculinos, Marvin y Eastwood, aunque ambos comparten a la misma esposa (Seberg) que habían comprado en una subasta. Por eso la historia es inédita y asombrosa, muy bien escrita por Paddy Chayefsky, quien no duda en añadir cierto morbo sentimental.

Nominaciones:

Nominada a la mejor canción 1969: Nelson Riddle HELLO, DOLLY! 1969

Productor: Ernest Lehman

Director: Gene Kelly

Guión: Ernest Lehman

Basado en la obra “The Matchmaker” de: Thornton Wilder

Fotografía: Harry Stradling

Director musical: Lennie Hayton y Lionel Newman Compositor: Jerry Herman, Lennie Hayton y Lionel Newman

Dirección artística: Jack Martin Smith y Herman A.

Blumenthal

Efectos especiales: L.B. Abbott, Art Cruickshank y Emil Kosa Jr.

Coreografía: Michael Kidd

350 El cine musical

Adolfo Pérez

Intérpretes:

BARBARA STREISAND: Dolly Levi

WALTER MATTHAU: Horace Vandergelder

MICHAEL CRAWFORD: Cornelius Hackl

LOUIS ARMSTRONG: Director de Orquesta

MARIANNE McANDREW: Irene Molloy

E.J. PEAKER: Minnie Fay

DANNY LOCKIN: Barnaby Tucker

JOYCE AMES: Ermengarde

TOMMY TUNE: Ambrose Kemper

JUDY KNAIZ: Gussie Granger

Hay que reconocerle a Gene Kelly muchas virtudes, entre ellas no admitir nunca el declive imparable y hasta entonces irreversible del cine musical. Aunque 1969 estaba lejos de ser un año adecuado para realizar un musical en la pantalla, la Fox se decidió a comprar los derechos de este musical a Jerry Herman, teniendo en cuenta que la obra llevaba representándose en Broadway tres años.

“Hello, Dolly”, presentada por la Fox, trataba de ser un musical similar a los de la Metro y para ello nada mejor que contratar como director al mayor experto en musicales, Gene Kelly, y al director de fotografía Harry Stradling, quien ya había trabajado anteriormente con Kelly en “El Pirata” (MGM, 1948) y con Fred Astaire en “The Barkleys Of Broadway” (MGM, 1949).

Roger Edens, el productor asociado, era uno de los miembros que fundaron junto a Arthur Freed los estudios Culver City, además de contar con Kelly, Lionel Newman y Lennie Hayton. El coreógrafo Michael Kidd recibió con esta pelícu-la su primer entrenamiento cinematográfico; Irene Sharaff, el diseñador de vestuario, llevaba años trabajando para la

Películas 351

MGM, lo mismo que Jack Martin Smith, Herman Blumenthal y John De Cuir. Sus talentos combinados debían producir resultados extraordinarios, similares a los antiguos musicales, pero el público ya hacía tiempo que los había olvidado, incluso después del gran éxito de “Sonrisas y lágrimas” 352 El cine musical

Adolfo Pérez

La protagonista principal, Barbra Streisand, que era demasiado joven para el papel de Dolly (en el teatro fue interpretado por Carol Channing), no estaba muy interesada en interpretar este musical. Finalmente, con un presupuesto de 24 millones de dólares, solamente necesitaban un protagonista masculino muy popular. Encontraron el personaje ideal en Walter Matthau, obviamente bastante mayor que Barbra, lo que dejaba más claro lo desacertado de escogerla a ella para este papel en el cual se necesitaba una mujer entrada en años. Walter Matthau, en su papel de Horace Vandergelder, es un conocido millonario que busca pareja a través de una alcahueta. Pero ella vislumbra la gran oportunidad de casarse con tan rico comerciante y en lugar de buscarle esposa se ofrece como candidata.

Jerry Herman proporcionó dos nuevas canciones para Streisand: “Just Leave Everything To Me” (reemplazando a la original “I Put My Hand In”), y “Love Is Only Love”, que se intercaló entre el espectacular “Before The Parade Passes By” (Streisand) y el número del título. Otra canción ya filmada “Motherhood”, se omitió.

El guión de Ernest Lehman era una mejora decidida sobre el libreto musical original (basado originalmente en la obra de Thornton Wilder, El Matchmaker), y por lo menos consiguió unir todos los cabos sueltos de la obra de Broadway.

Premios:

Oscar a la dirección artística 1969: John DeCuir, Jack Martin Smith, Herman Blumenthal, Walter M. Scott, George James Hopkins y Raphael Bretton.

Oscar a la mejor música 1969: Lennie Hayton, Lionel Newman

Oscar al mejor sonido 1969: Jack Solomon, Murray Spivack Películas 353

Nominaciones:

Nominada a la mejor fotografía 1969: Harry Stradling Nominada al mejor vestuario 1969: Irene Sharaff Nominada al mejor filme editado 1969: William H. Reynolds LA BRUJA NOVATA 1971

Bedknobs and Bromsticks

Walt Disney

Música: Richard M. y Robert Sherman

Director: Robert Stevenson

Intérpretes:

ANGELA LANSBURY: Price

DAVID TOMLINSON: Emelius

RODDY MC DOWALL: Jelk

La acción nos sitúa en Inglaterra, durante la II Guerra Mundial, donde una aprendiza de bruja perfecciona sus poderes mientras se ve involucrada en un montón de problemas. Para lograr ser una bruja perfecta deberá ir en pos del autor del curso de bruja por correspondencia, el profesor Emelius, el cual es solamente un vendedor de artículos de broma. La búsqueda de la segunda parte del manual mágico les lleva a verse perseguidos por malvados bandidos, a jugar al fútbol con leones, cantar canciones con los cerdos de una granja, y hasta a marcarse un baile en el fondo del mar.

Esta película fue un intento de Disney por lograr un éxito similar al de “Mary Poppins” y aunque todo estaba a su favor, el público no respondió igual. El argumento es correcto, la interpretación extraordinaria y los efectos especiales de tal calidad que merecieron un Oscar, pero algo debió fallar

354 El cine musical

Adolfo Pérez

Películas 355

para que no triunfase. Indudablemente Lansbury no tiene el atractivo de Julie Andrews, ni Tomlinson se mueve con la agilidad de Dick Van Dyke, pero su calidad como actores está fuera de toda duda.

Como siempre, la mezcla de dibujos y personas está realizada a la perfección, las canciones fáciles de recordar y contiene escenas extraordinarias como la lucha de las armadu-ras contra las fuerzas alemanas.

Premios:

Oscar a los mejores efectos especiales 1971

EL VIOLINISTA EN EL TEJADO 1971

Fiddler on the roof

Director: Norman Jewison

Guión: Joseph Stein, Sholom Aleichem

Música: John (II) Williams, Jerry Bock

Intérpretes:

TOPOL

NORMA CRANE

LEONARD FREY

MOLLY PICON

PAUL MANN

RICHARD HARRIS

Teyve es lechero en Anatevka, un pueblo de Ucrania, donde vive feliz con su esposa y sus cinco hijas, todas ellas solteras.

Una tarde, mientras hace su reparto, conoce a Perchick, un pobre estudiante de Kiev con ideales revolucionarios. Los dos simpatizan y Teyve le ofrece casa y comida a cambio de

356 El cine musical

Adolfo Pérez

Películas 357

que le dé clases a una de sus hijas. Al mismo tiempo, Lazar Wolf, un rudo carnicero que se ha quedado viudo, solicita a Teyve la mano de Tzeitel, su hija mayor, petición a la que accede.

Nominaciones:

Mejor actor de reparto

Mejor director

Mejor actor

Mejor película

CABARET 1972

Productor: Cy Feuer

Director: Bob Fosse

Guión: Jay Presson Allen

Basada en: I Am A Camera de John van Druten y Berlin Stories de Christopher Isherwood

Fotografía: Geoffrey Unsworth

Música: Ralph Burns

Coreografía: Bob Fosse

Vestuario: Charlotte Flemming

Intérpretes:

LIZA MINNELLI: Sally Bowles

MICHAEL YORK: Brian Roberts

HELMUT GRIEM: Maximillian von Heune

JOEL GREY: Master of Ceremonies

FRITZ WEPPER: Fritz Wendel

MARISA BERENSON: Natalia Landauer

Dirigiéndose en ferrocarril hasta Berlín está Clifford Bradshaw, un joven escritor americano empobrecido que ha 358 El cine musical

Adolfo Pérez

estado vagando por Europa en una búsqueda frenética para encontrar la inspiración de su segunda novela. Junto a Ernst Ludwig, un joven y atractivo berlinés, que parece estar dedi-cado al contrabando, llegan hasta la casa de Fraulein Schneider, una mujer que alquila a Cliff un cuarto por la mitad de su precio usual. Pronto se pone a escribir su novela, pero al ser Nochevieja Ernst le lleva hasta un cabaret, un lugar que refleja perfectamente la vida nocturna de Berlín.

Prostitutas, homosexuales, travestís y bebedores, allí se encuentra trabajando Sally Bowles, una joven muchacha inglesa joven, quien canta y baila canciones seductoras. El problema es que está allí porque su jefe Max, la mira como si fuera de su propiedad. Poco a poco algo nace entre Sally y Cliff, y ambos acuerdan un encuentro en otro lugar. Él la invita a su casa, pero ella le advierte que Max es terriblemente celoso.

Sus sospechas se confirman cuando al día siguiente Sally aparece de repente en el cuarto de Cliff con su equipaje.

Max la ha despedido.

“Cabaret” se movía en una línea similar al primer “Moulin Rouge”, con personas poco habituales y con amores escabro-sos de mal final. En el Berlín de 1930 la decadencia y la ambigüedad sexual eran sólo parte del ambiente (al igual que las mujeres que luchaban en el barro), pues la parte esencial era la música. La mayor parte del éxito de este filme lo obtuvo por salirse de las normas, no adoptando ningún cliché antiguo, ni tratando de mostrar una historia romántica con final feliz. Tampoco quiso su director Bob Fosse recrear una historia tan dramática y deprimente que se hiciera insoportable, pues lo que en realidad hizo fue llegar al corazón de los espectadores, algo que indudablemente consiguió.

La historia se refiere a una de las invenciones literarias más famosas del siglo, con Sally Bowles como protagonista de “Historias de Berlín” de Christopher Isherwood, perso-

Películas 359

naje que apareció también en “I Am a Camara” antes de convertirse en este musical.

360 El cine musical

Adolfo Pérez

Sally está perfectamente interpretada por la oscarizada Liza Minnelli, como una muchacha que es comprada por el Películas 361

propietario del cabaret donde trabaja. Ella, riéndose y cantando, ha conseguido vivir cada momento sin grandes problemas, aunque la presencia de los nazis la hacen reflexionar sobre lo que está dispuesta a otorgar a cambio del sueldo.

Hay varios números musicales (incluso el número del final), en donde Liza demuestra inequívocamente que fue una de las grandes actrices musicales de nuestro tiempo.

La relación triangular con un maestro del idioma inglés (Michael York) y un barón (Helmut Griem), está bien defini-da, lo mismo que la anarquía que parece reinar en ese cabaret.

Premios:

Mejor actriz 1972: Liza Minnelli

Mejor actor secundario: 1972: Joel Grey

Mejor director: 1972: Bob Fosse

Mejor dirección artística 1972: Rolf Zehetbauer, Jurgen Kiebach, Herbert Strabel

Mejor fotografía 1972: Geoffrey Unsworth

Mejor filme editado 1972: David Bretherton Mejor música 1972: Ralph Burns

Mejor sonido 1972: Robert Knudson, David Hildyard Nominaciones:

Nominada al mejor filme 1972

Nominado al mejor guión 1972: Jay Presson Allen GODSPELL 1973

Director: David Greene

Guión: David Greene, John-Michael Tebelak Productor: Edgar Lansbury

Música: Stephen Schwartz

362 El cine musical

Adolfo Pérez

Intérpretes:

VICTOR GARBER: Jesús

KATIE HANLEY: Katie

DAVID HASKELL: John/Judas

MERRELL JACKSON: Merrell

JOANNE JONAS: Joanne

ROBIN LAMONT: Robin

Los Evangelios se analizan aquí según la contracultura hippie de los años 60, pero bajo una versión cinematográfi-ca musical, ilustrando la vida de Jesús y sus enseñanzas mediante canciones reflejadas en la ciudad de Nueva York.

Godspell es comparado inevitablemente con su contemporáneo “Jesucristo Superstar”, pero ha desarrollado su propio idioma.

Con sus vestidos sacados posiblemente de un circo, los personajes en esta adaptación de David Greene sobre la popular obra de Broadway, pueden parecerse más a los hippies de “Hair” que a los personajes bíblicos. Pero Godspell realmente no está basada en la “Era de Acuario,” ni adopta una oscuridad o tono operístico similar al “Evangelio según Mateo”.

El humor es, en cambio, optimista y desenfadado, al menos hasta la escena de la crucifixión.

La película comienza con las casas de la ciudad, en donde los jóvenes se mueven para seguir a San Juan Bautista (David Haskell). Ellos cantan cuando él los lleva hasta una fuente donde son (metafóricamente) bautizados. Allí se encuentran a Jesús (Víctor Garber), con pelo crespo y aspecto de joven guapo, interpretado por un actor que debutaba en el

Películas 363

cine. Una vez bau-

tizado, lo siguen

alrededor de Nue-

va York, mientras

cantan y represen-

tan los pasajes de

las Escrituras.

La idea princi-

pal es original y

carismática, pero

la película sola-

mente se compro-

mete de forma

irregular en un ni-

vel emocional,

porque sólo Jesús,

John, y Judas

(Haskell de nuevo)

surgen como ca-

racteres distintos.

Godspell se ha

convertido ya en

un clásico raro del

teatro, –ultrajado

por muchos críti-

cos cuando se estrenó–, pero ha sobrevivido durante 3 décadas enteras y ha crecido como una combinación durable de música, corazón y las parábolas de San Mateo. Esta versión para el cine no fue un éxito en taquilla, pero al menos era diferente. La ciudad de Nueva York se nos muestra proporcionando la visión de esas personas jóvenes que buscan algo significativo en sus vidas. Este concepto es creativo y para los entusiastas de la música es maravilloso.

364 El cine musical

Adolfo Pérez

Nueva York, la ciudad que nunca duerme, con su variedad interminable de humanidad, rincones, grietas, hitos, tierra y mar, la vemos ahora habitada por personas alegres de gran imaginación.

JESUCRISTO SUPERSTAR 1973

Jesus Christ Superstar

Productor: Norman Jewison, Robert Stigwood Director: Norman Jewison

Guión: Norman Jewison, Melvyn Bragg

Basada en la opera rock de Tim Rice y Andrew Lloyd Webber

Fotografía: Douglas Slocombe

Música: Andre Previn

Intérpretes:

TED NEELEY: Jesucristo

CARL ANDERSON: Judas Iscariote

YVONNE ELLIMAN: María Magdalena

BARRY DENNEN: Poncio Pilatos

BOB BINGHAM: Caifás

LARRY T. MARSHALL: Simon Zealotes

JOSH MOSTEL: Rey Herodes

La ópera rock comenzó a recibir no pocas críticas por su atrevimiento, siendo este filme el que más contribuyó a ello.

Criticada fuertemente por los sectores cristianos, indig-nados por lo que ellos consideraban una trivialización de la figura de Cristo, la película poco consiguió al poco tiempo ser aceptada por todos, pues era obvio que la moda estaba cambiando.

Películas 365

La historia indudablemente era compleja, pues la vida de Cristo parecería tener una dignidad innata a él, pero hemos visto también obras más polémicas de la mano de Paolo Pasolini en “El Evangelio según San Mateo”, o la de Martin 366 El cine musical

Adolfo Pérez

Scorsese “La última tentación de Cristo”. El problema es que se baja de los Cielos y se le hace humano, varón, pero siempre bajo el prisma personal de un no-creyente, lo que hace al filme poco objetivo.

Ahora Jesús se nos muestra espigado y demasiado etéreo, robándole protagonismo María Magdalena, aunque sigue estando mucho mejor en su papel que otros actores.

Norman Jewison nos da un Cristo amable, pero se vislumbra a un Ted Neeley ligeramente aturdido para tratar de darle honorabilidad. La premisa de la película es que Cristo fue el primer superstar de la historia, superior incluso a Moisés o Noé, dotado de un gran carisma que hacía que quienes estaban a su alrededor quedaran subyugados.

Rodada en tierras desérticas, las imágenes son, no obstante, vistosas y coloridas, en momentos con gran belleza y gracia que anulan un poco el drama que su protagonista está viviendo. Hay largas escenas rodadas en el desierto, con el sol castigando a las personas, así como una buena muestra de los edificios de la época.

Criticada por los judíos al considerarla como antisemita, y otros por poner a un actor negro encarnando a Judas, lo que indudablemente no corresponde a la realidad, cuando suena la música todos se quedan entusiasmados, pues la partitura es extraordinaria.

Nominaciones:

Nominada a la mejor música 1973: Andre Previn, Herbert Spencer, Andrew Lloyd Webber

Películas 367

ÉRASE UNA VEZ EN

HOLLYWOOD 1974

That’s Entertainment!

132 minutos, Metrocolor, MGM

Productor: Jack Haley Jr.

Director: Jack Haley Jr.

Escrita por: Jack Haley Jr.

Música: Henry Mancini

Fotografía: Gene Polito, Ernert Laszlo, Russell Metty, Ennio Guarieri y Allan Green

Intérpretes:

FRANK SINATRA

FRED ASTAIRE

GENE KELLY

MICKEY ROONEY

ELIZABETH TAYLOR

LIZA MINNELLI

JAMES STEWART

DONALD OĆONNOR

PETER LAWFORD

BING CROSBY

DEBBIE REYNOLDS

Cuando la MGM decidió reabrir la cueva de los tesoros de Alí Babá, excavando en sus archivos para conseguir una recopilación de las mejores escenas musicales de todos los tiempos, consiguió un producto de gran éxito que sorprendió a todos.

“Érase una vez en Hollywood”, es un documental que arrasó en el mundo entero, tanto en la pantalla grande como en 368 El cine musical

Adolfo Pérez

el vídeo. En su realización se involucraron la mayoría de los actores que habían pertenecido a la Metro y por eso podemos ver como narradores a Fred Astaire, Gene Kelly, Bing Crosby, Peter Lawford, Liza Minnelli, Donald O’Connor, Debbie Reynolds, Mickey Rooney, Frank Sinatra, James Stewart y Elizabeth Taylor. Su presencia es suficiente para que estemos agradecidos a quien tuvo esta maravillosa idea, pero, además de eso, los realizadores consiguieron enlazar todo el documental como si se tratase de una película con argumento.

“Érase una vez en Hollywood” hace que el espectador se sienta como un niño a quien han dejado suelto en una fábrica de juguetes. Después de una sorpresa viene otra y en ocasiones nos es difícil escoger dónde pondremos nuestros ojos.

Como si de un viaje en el tiempo se tratase, pudimos ver el enorme pastel de bodas de “The Great Ziegfeld” (1936), un segmento del inteligente ballet de “Un americano En París” (1951), el alegre número con Judy Garland y Ray Bolger de

“The Harvey Girls” (1945), y un par de ballets acuáticos del filme “Bathing Bauty” (1944) y “Million Dollar Merrnaid” (1952) con Esther Williams.

Por supuesto, quizá el momento más encantador del filme fue cuando vimos a Gene Kelly en “Cantando bajo la lluvia”. Había algunas rarezas también, especialmente recordar algo tan inédito como ver bailar a Clark Gable “Puttin On The Ritz” en “Idiotś Delight” (1939), a Las Hermanas Gumm cantando “La Cucaracha”, y a Cary Grant y Jean Harlow a dúo “Did I Remember” en “Suzy” (1936).

Pero el productor Jack Haley Jr. (hijo de El Hombre de Hojalata de “El Mago de Oz”), juzgó sabiamente que el pú-

blico estaba buscando una oportunidad para revolcarse en un pasado de cine compartido, cuando ambos, ellos y

Películas 369

370 El cine musical

Adolfo Pérez

Hollywood, eran más jóvenes. De hecho, al salir de ver esta película, más de uno sintió la necesidad de cantar bajo la lluvia.

THE ROCKY HORROR PICTURE

SHOW 1975

Director: Jim Sharman

Fotografía: Peter Suschitzky

Guionista: Jim Sharman, Richard O’Brien

Música: Richard Hartley

Intérpretes:

TIM CURRY

BARRY BOSTWICK

RICHARD O’BRIEN

SUSAN SARANDON

Cuando Brad y Janet,

una pareja de novios, deci-

den ir en busca de su ex-pro-

fesor para contarle que se

van a casar, no sabían lo que

el destino les iba a deparar.

Debido a un accidente y bajo

una lluvia torrencial en una

noche oscura, se pierden y

deben buscar un lugar don-

de pasar la noche. Casi por

casualidad, encuentran una extraña mansión en la vieja Transilvania, siendo acogidos por una persona extraña, in-quietante y sombría.

Películas 371

El filme de culto The Rocky Horror Picture Show ha sido también una obra musical que ha recorrido los teatros del mundo entero, escandalizando algunas veces, aterrorizando muchas y entusiasmando a los espectadores la mayoría. Casi como una locura cinematográfica y también una pesadilla erótica, el filme parece superar los límites de la propia imaginación. Richard O´Brien mezcla de forma magistral el cine de terror, ciencia ficción y la música rock, para proporcio-narnos un sueño sensual que se guardará como oro en paño para siempre, al menos según sus admiradores.

HOLLYWOOD, HOLLYWOOD 1976

That’s entertainment, part 2

Productor: Saul Chaplin y Daniel Melnick

Director: Gene Kelly

Guión: Leonard Gersche

Fotografía: George Folsey

Dirección musical: Nelson Riddle

Intérpretes:

FRED ASTAIRE

GENE KELLY

Narrador: Gene Kelly

La continuación del documental de la MGM “Érase una vez en Hollywood” (1974), fue “Hollywood, Hollywood” (1976), denominada también como “That’s Entertainment, part 2”. La decisión de los productores Saul Chaplin y Daniel Melnick era sacar a la luz buena parte del material que no había sido empleado en la primera parte, quizá pensando que no habría demasiado disponible. Pero no era cierto, y la prueba es que aún se pudo realizar una tercera parte.

372 El cine musical

Adolfo Pérez

Había quien pensaba que al público ya no le gustaría ver a sus estrellas envejecidas presentando el documental, pero, como esta opinión provenía de personas jóvenes, no se tuvo en cuenta y se volvió a contar con Gene Kelly y Fred Astaire, ahora como presentadores únicos. Como resultado, el filme tiene una conexión entre las secuencias mejor que en la primera entrega. Se incluyeron también algunas escenas no musicales que tenían especial interés y tanto Fred como Gene nos deleitaron con números de baile elaborados para esta ocasión.

Fred tenía ya setenta y siete años y Gene sesenta y cuatro, pero los bailes que ejecutaron no eran los de unos ancianitos con ganas de juerga, sino algo extraordinario solamente apto para maestros.

La canción básica del filme es “Esto es espectáculo” original de “Melodías de Broadway 1955” y que es cantada repetidas veces por los presentadores y amigos. Abundan las rarezas, la presencia de estrellas ya fallecidas, inimitables orquestaciones, y muchas secuencias que en su día fueron cortadas por diversos motivos, como “Wedding Of The Painted Doll”’.

La parte negativa es el minúsculo diálogo que tienen Fred y Gene en las presentaciones, supuestamente improvisado, aunque ahora ya sabemos que la causa estuvo en Fred, quien se negó a aprender ningún guión o diálogo previo.

Memorables secuencias la de Maurice Chevalier cantando “Girls, Girls, Girls” en La Viuda Alegre (1934), Judy Garland y Margaret O’Brien en “Have Yourself A Merry Little Christmas” de “Meet Me In St Louis” (1944), o el baile brin-cando alegremente titulado “Take Me To Broadway” de Bobby Van en “Small Town Girl” (1953). En esta increíble secuencia,

Películas 373

buena demostración

de las facultades físi-

cas de Bobby, encon-

tramos uno de los

peores montajes cine-

matográficos de la

historia, con cambios

continuados en el co-

lor y notándose per-

fectamente que las se-

cuencias se filmaron

por separado. Ya lo

sabíamos, pero la la-

bor del montador es

que no nos demos

cuenta.

Aunque este docu-

mental fue del agrado

del público, no tuvo el

éxito del anterior, es-

pecialmente porque

ya no había novedad.

FIEBRE DEL SÁBADO NOCHE 1977

Saturday Night Fever

Productor: Robert Stigwood

Director: John Badham

Guión: Norman Wexler

Basado en el artículo del magazine New York “Tribal Rites of the New Saturday Night” por: Nik Cohn

374 El cine musical

Adolfo Pérez

Fotografía: Ralf D. Bode

Compositor: Barry Gibb, Robin Gibb, Maurice Gibb y David Shire

Coreografía: Lester Wilson

Vestuario: Patrizia von Brandenstein y Jennifer Nichols

Intérpretes:

JOHN TRAVOLTA: Tony Manero

KAREN LYNN GORNEY: Stephanie

BARRY MILLER: Bobby C.

JOSEPH CALI: Joey

PAUL PAPE: Double J

DONNA PESCOW: Annette

BRUCE ORNSTEIN: Gus

“Cada noche yo pregunto a las estrellas sobre: ¿Por qué debo ser un adolescente enamorado?”

“Fiebre del sábado noche” es un caso especialmente extraño y hasta una buena película. Habla sobre una pandilla de jóvenes de Brooklyn que no son exactamente delincuen-tes, pero sí temerosamente duros y cínicos, y con su presencia aumenta el infierno los sábados por las noches. Viven durante la noche del sábado, y en ese momento cuelgan sus cadenas de oro alrededor de sus cuellos y se ponen las nuevas camisas que compraron con su paga de los viernes.

Después se dirigen hacia un lugar llamado Discoteca 2001, y allí toman píldoras y bebida, y cuando Leo Sayer lo decide, bailan durante toda la noche. De vez en cuando salen al parking para una sesión de sexo con alguna muchacha.

John Travolta es el centro de la muchedumbre: él es Tony Manero, el mejor bailarín, el más guapo y el tipo que tiene la

Películas 375

confianza de la mayoría. ¿Es su vida así como nos la muestra, o en realidad esconde un corazón de oro? Sus compañeros no lo saben y le preguntan: “¿Tú sabes algo, Tony? Lo 376 El cine musical

Adolfo Pérez

tienes que saber porque eres el jefe”. Pero Manero no es el jefe. Trabaja toda la semana en una fábrica de pinturas y una ferretería, y vive con su familia, que rinde culto a su hermano mayor que es un sacerdote. La familia ha esbozado breve-mente que se debe corregir, justo al principio de la película, cuando están cenando, y eso se sigue mostrando durante todo el argumento a camino entre lo cómico y lo patético.

Pronto encontramos a los amigos de Tony y a las muchachas que los esperan, y nos recuerdan que el feminismo no ha conquistado Brooklyn todavía. Algunas de las muchachas, sobre todo un número pequeño comandado por Annette (Donna Pescow), rinde culto a Tony. Él baila con Annette porque es una buena bailarina, pero al mismo tiempo intenta abrazarla por todo su cuerpo, al menos hasta donde el brazo alcanza. Hay entonces una conclusión muy tradicional: si él está enamorado de ella entonces no se pueden acos-tar juntos, ya que eso indica que no la tiene suficiente respe-to. El mundo de las mujeres está dividido, según esos jóvenes, entre las muchachas buenas y las golfas, o sea, las que hacen el amor. Lo curioso es que ellas también están de acuerdo con ese razonamiento.

El Brooklyn que nosotros vemos en “Fiebre del sábado noche” nos recuerda mucho la Pequeña Italia de Nueva York, tal y como Martin Scorsese lo vio en “Whoś that knocking at my door?” y “Malas calles”. Los personajes son similares: los jóvenes tienen pocas esperanzas o ambiciones de poder romper con ese mundo tan pequeño y vulgar y prefieren refugiarse en sus bailes, en el alcohol y las relaciones amorosas. El mundo exterior que se extiende hacia ellos en Manhattan, y Brooklyn Bridge, parece pertenecer a otra gente.

Afortunadamente, “Fiebre del sábado noche” no es tan seria como las películas de Scorsese. Nos proporciona una Películas 377

gran cantidad de buena música, principalmente de los Bee Gees, pero se incluye incluso “Disco Duck”. Hay también escenas cómicas, como cuando Travolta grita a su padre: “¡Usted me cortó el pelo!”, mezcla de tragedia y chiste. Hay igualmente una indirecta a “Rocky”, cuyo cartel tiene pegado Travolta en la pared de su alcoba.

Las sucesiones musicales y las de baile en toda la película son deslumbrantes. Travolta y Gorney cuando están juntos son inmensos, aunque cuando John baila algunos de sus bailes en solitario los espectadores enmudecen. La película fue dirigida por John Badham y su cámara ocupa el suelo del baile tan baja que realmente entendemos el señuelo del mundo de la discoteca, aunque nos damos cuenta del gran vacío y crueldad de muchas de las personas que van allí.

Nominaciones:

Nominado al mejor actor 1977: John Travolta NEW YORK, NEW YORK 1977

Productor: Robert Chartoff, Irwin Winkler Director: Martin Scorsese

Guión: Mardik Martin, Earl Mac Rauch

Intérpretes:

LIZA MINNELLI : Francine Evans

ROBERT DE NIRO : Jimmy Doyle

LIONEL STANDER: Tony Harwell

BARRY PRIMUS: Paul Wilson

Un fracaso inmerecido. Este filme de elevado presupuesto para un musical, dirigido por Martin Scorsese, tiene

378 El cine musical

Adolfo Pérez

demasiadas pretensiones y no pocas contradicciones, pero indudablemente es una buena obra. Scorsese intenta recrear de nuevo los romances artificiales de los años 40, tal y como se veían en los musicales de entonces, y estiliza los bailes para dar énfasis a la espectacularidad dentro de lo usual.

Evocando el pasado, intenta llegar al lado oscuro que se omitió en las películas de antaño, pero solamente consigue caer en el psicodrama que desarrollan los actores Robert De Niro y Liza Minnelli. Ellos no tienen glamour, ni parecen pretender tenerlo, y la historia se muestra sin rumbo definido, incierta. El director parece consciente de la gran cantidad de posibilidades disponibles (el rodaje incluyó material para casi 4 horas, aunque se redujo a 2 horas y 33 minutos), pero el efecto es que los actores no acaban de sentirse a gusto en su papel.

La historia nos habla de una celebración, un matrimonio, su disolución, y de cómo sus caminos musicales se separaron. Aunque a su papel le faltan la profundidad y dinamismo necesarios, De Niro se muestra ahora más atractivo y

Películas 379

delicado, sin hacer uso de la brusquedad habitual. Y respecto a Liza Minnelli, la historia pierde velocidad precisamente una vez que ella se queda embarazada, pues se nos muestra poco creíble, salvo cuando nos deleita cantando.

380 El cine musical

Adolfo Pérez

GREASE 1978

Música: Bill Oakes

Dirección: Randal Kleiser

Fotografía: Bill Butler

Guión: Bronte Woodard

Intérpretes:

JOHN TRAVOLTA: Danny Zuko

OLIVIA NEWTON-JOHN: Sandy

STOCKARD CHANNING: Rizo

JEFF CONAWAY: Kenickie

DIDI CONN: Frenchy

EVE ARDEN: Principal McGee

Danny Zuko (John Travolta) y Sandy Olsson (Olivia Newton-John), tenían ese verano su romance perfecto. Ellos se encontraron en una zona de la playa a finales de julio y algunos días de agosto, mientras cantaban eso de “El amor es una cosa maravillosa”. Pero el Día del Obrero llega demasiado pronto para todos, y deben marcharse a sus aulas, cada una en un lugar diferente, mientras que juzgan su relación veraniega con criterio muy dispar.

Danny es el jefe de los T-Birds, una pandilla de gamberros que se enfrenta a las peleas con una pistola de agua y un peine. Él es un chulo de andares incalificables, pero a los pocos minutos le llegamos a querer, lo mismo que a su con-trapartida femenina en la guerra y en el amor, las Damas Rosadas. Y luego llega nuestra princesa, rubia, delgada y capaz de hacernos soñar con otras épocas gloriosas. Sandy es una buena chica, pero cree en el amor a primera vista y contacto, y eso ya no existe, por lo que después se desmelena y sale con un suéter escotado que provoca insomnio y un pantalón tan ajustado que no cabe ni la mano de su amante.

Películas 381

382 El cine musical

Adolfo Pérez

Todos los miembros de la escuela secundaria están deseosos de conocer las aventuras amorosas de sus compañeros, aunque mientras las chicas hablan de amores románticos y enloquecedores, ellos se refieren únicamente al número de besos o abrazos que obtuvieron en esa relación.

En esos días, su preparador físico, así como la directiva de la escuela Rydell, les comunican que han sido seleccionados para un concurso de baile que se retransmitirá por televisión Cuando se realiza una reunión entre los chicos, los caminos de Sandy y Danny se cruzan de nuevo. Aunque Danny está verdaderamente contento por ver de nuevo a su amor de verano, su imagen de líder le obliga a que adopte una postura muy chula y soberbia ante ella. Sandy se siente sumamente decepcionada, por eso Frenchy intenta consolarla invitándola a una fiesta.

Los “T-Birds” deciden por su parte hacer una competición con el automóvil de Kenickie contra sus rivales los Escorpiones. Danny y Sandy se encuentran de nuevo, aunque ella está ahora tomando un refresco con Tom (Lorenzo Lamas), el mejor atleta de la escuela. Finalmente, Sandy y Danny se van juntos lejos de todos sus amigos, y él se disculpa por su conducta. Para impresionarla, intenta demostrar que también es hábil con el atletismo, pero fracasa en todos sus intentos y se hace daño. Cuando Sandy ve a su héroe herido siente pena por él y le confiesa su amor.

El Baile del Kiosco llega por fin, y mientras Danny y Sandy van juntos, Rizzo va con Leo (Dennis Stewart), el líder de los Escorpiones, y Kenickie se vuelve con Cha Cha (Annette Charles), la novia de Leo. En el futuro, Cha Cha intenta apartar a Danny de Sandy en el momento en que se apagan las luces del baile, y la pareja gana el primer premio. Por si fuera

Películas 383

poco, Sandy recibe la noticia de que Cha Cha ha sido uno de los romances de otros veranos de Danny. Después, Danny y Sandy intentan volver a reunirse cuando la pide que sea su pareja, pero la reconciliación es efímera cuando él intenta aprovecharse del momento.

Danny y Kenickie, abandonados por sus muchachas res-pectivas, se consagran a las competiciones con la banda rival y Danny se encuentra corriendo en lugar de Kenickie en el último minuto. Sobreviviendo a un sabotaje deliberado, él gana la apuesta y en ese momento Sandy comprende que no puede ignorar sus sentimientos hacia Danny.

El día final en la escuela llega, y Danny se presenta con el suéter tradicional, mientras Sandy hace su apariencia como una guapa chica subida en una motocicleta. Ellos reconocen su atracción mutua ante todos, y en ese momento la palabra fin nos demuestra que el amor siempre vence.

384 El cine musical

Adolfo Pérez

“Grease” es uno de los últimos grandes musicales del cine, un éxito a pesar de sus muchos defectos, con cantantes que no saben actuar, actores que no saben cantar y un argumento tan sencillo que apenas si desmerece de un culebrón televisivo.

Sin embargo, posee tanta magia que resulta imposible despegar los ojos y los oídos de la pantalla, ni siquiera cuando ya la hemos visto cuatro veces. Indudablemente es una historia de amor entre adolescentes, y aunque los dos principales intérpretes no encajan en ese grupo a causa de su alta edad, llega un momento en que nos creemos que son los jovencitos que parecen ser.

Esta es una historia de amor verdadero y de las angustias adolescentes que marcaban el comportamiento en los años 50, por lo que no es difícil verse reflejado en alguno de ellos.

Sobre la banda sonora poco hay

que decir, salvo que es extraor-

dinaria y con canciones que se

pueden tatarear sin problemas a

los pocos segundos. Las cancio-

nes de John Farrar (“Hopelessly

Devoted to You”, nominada para

un Oscar) y Barry Gibb (la pe-

gadiza canción del comienzo),

son reflejadas por los protagonis-

tas sin problemas.

Y así, entre canción y canción

surgen los amores veraniegos, los

desengaños y los besos, para lle-

varnos a un final feliz, pues los

pañuelos no fueron necesarios

para enjuagar las lágrimas.

Películas 385

Hubo una secuela, “Grease 2”, pero cuya similitud acaba y empieza con el título. La mencionamos por trabajar Michelle Pfeiffer, aunque ella ha procurado siempre renegar de este filme.

Nominaciones:

Nominada a la mejor música y canciones 1978: John Farrar (Música y letras).

EMPIEZA EL ESPECTÁCULO 1979

All that jazz

Productor: Robert Alan Aurthur

Director: Bob Fosse

Guión: Robert Alan Aurthur, Bob Fosse

Fotografía: Giuseppe Rotunno

Música: Ralph Burns

Coreografía: Bob Fosse

Intérpretes:

ROY SCHEIDER: Joe Gideon

JESSICA LANGE

ANN REINKING

LELAND PALMER

CLIFF GORMAN

Se trata de una semi autobiografía del célebre escritor, director y coreógrafo Bob Fosse; ganador de un Oscar, un Tony y un Emmy, que se llevó a casa un total de 8 reputados premios. En parte trágica, en parte cómica, esta película nos da una visión de su propia vida, en la cual retrata la dureza, el esplendor y decadencia de la gente que trabaja en el mundo del espectáculo cuyo afán de triunfo les niega la posibilidad

386 El cine musical

Adolfo Pérez

de tener otros afec-

tos.

La película es

una mezcla algo

desconcertante,

fracturada de imá-

genes sobre la vida

de este director de

cine y musicales en

Broadway, que ba-

jo el nombre de

Joe Gideon le ve-

mos fumando ci-

garrillos, bebiendo

demasiado y con

una esposa y

amante. Todo ello

parece un juego

peligroso para su

salud y obviamente está en mala forma. Tose cuando el humo del cigarrillo le inunda hasta los ojos, su cutis es del color de la barriga de un pez, y cuando se levanta por la mañana acude de forma impulsiva al baño. Después se toma una ducha fría, dos Alka-Seltzers, se lava los enrojecidos ojos e ingiere su dosis de anfetaminas.

Todo este material describe exactamente lo que es el filme, el cual se parece mucho a una película de Fellini y se percibe todavía más porque el fotógrafo Giuseppe Rotunno, es el favorito de Fellini. Las similitudes son notables y en ambas vemos al protagonista envuelto en producciones caras, y los productores frenéticos con sus inversiones. Pero la historia nos muestra también a personas, lugares, y cosas que son parte de la vida de Fosse, por lo que no conseguimos Películas 387

verle como a un ser humano normal, sino como una víctima.

Interpretada por Roy Scheider, un frío pero correcto actor que en esta ocasión no suele inspirar simpatía, nos salimos del cine con un agrio sabor de boca.

Premios:

Oscar al mejor director artístico 1979: Philip Rosenberg, Tony Walton, Edward Stewart

Oscar al mejor vestuario 1979: Albert Wolsky Oscar al mejor film editado 1979: Alan Heim Oscar a la mejor música original 1979: Ralph Burns Nominaciones:

Nominado al mejor filme 1979

Nominado al mejor actor 1979: Roy Scheider Nominado al mejor director 1979: Bob Fosse Nominado al mejor guionista 1979: Robert Alan Aurthur, Bob Fosse

Nominada a la mejor fotografía 1979: Giuseppe Rotunno HAIR 1979

Director: Milos Forman

Coreografía: Twyla Tharp

Música: Galt MacDermot, James Rado, Gerome Ragni

Guión: Michael Butler

Vestuario: Ann Roth

Intérpretes:

BEVERLY D’ANGELO: Sheila

TREAT WILLIAMS: Berger

ANNIE GOLDEN. Jeannie

JOHN SAVAGE: Claude

388 El cine musical

Adolfo Pérez

Es posible que esta obra cinematográfica, dirigida por Milos Forman, haya mejorado incluso la versión musical de Broadway, pues indudablemente ha conseguido resaltar la épica historia. Filmada en los alrededores de Nueva York, Películas 389

nos habla de un joven llamado Claude (John Savage), un muchacho granjero que se convirtió en un enemigo de la guerra del Vietnam. En Nueva York se une a un grupo de jóvenes capitaneados por Berger (Treat Williams) y Jeannie (Annie Golden), quienes le llevan a una serie de aventuras alucinógenas en las que forma parte la adorable Sheila. Junto con esta experiencia viene una introducción a los problemas de raza, género, política, y guerra.

Las actuaciones musicales son extraordinarias, y el coreó-

grafo Twyla Tharp organiza algunas de las escenas de baile más imaginativas y exquisitas nunca vistas, incluso un ballet a caballo por la policía en el Parque Central, y una sucesión de viajes fantásticos con LSD.

En el estreno original de Broadway intervinieron Melba Moore y Diane Keaton.

Ha sido considerada como una de las 10 mejores películas por el New York Times.

FAMA 1980

Director: Alan Parker

Guión: Christopher Gore

Fotografía: Michael Seresin

Música: Michael Gore

Intérpretes:

IRENE CARA

LEE CURRERI

LAURA DEAN

ANTONIA FRANCESCHI

390 El cine musical

Adolfo Pérez

Apoyada por

una de las series de

televisión de más

popularidad, el fil-

me nos cuenta de

nuevo las peripecias

de un grupo de jó-

venes que intenta

abrirse camino en el

mundo del espectá-

culo.

Para conseguir

su sueño de ser una

estrella y triunfar en

Nueva York, deben

luchar duro y en-

frentarse a la reali-

dad, aunque el pre-

mio final ya lo

saben: la fama.

Premios:

Oscar 1981 a la

mejor Música

original

Oscar 1981 a la mejor canción: Fama

XANADÚ 1980

Xanadu

Productor: Lawrence Gordon

Director: Robert Greenwald

Películas 391

Guión: Richard Christian Danus y Marc Reid Rube Fotografía: Victor J. Kemper

Coreografía: Kenny Ortega y Jerry Lynne

Banda Sonora: Barry De Vorzon

Intérpretes:

OLIVIA NEWTON-JOHN: Kira

GENE KELLY: Danny McGuire

MICHAEL BECK: Sonny Malone

JAMES SLOYAN: Simpson

DIMITRA ARLISS: Helen

KATIE HEMLEY: Sandra

Hay que reconocerle a Gene Kelly, entre otras muchas cosas, su pasión por el cine musical norteamericano y su intento por demostrar que nunca tuvo que desaparecer, que era cuestión de encontrar una nueva idea. “La música no se puede detener”, dijo en una ocasión y por eso cuando ya tenía sesenta y ocho años, y a pesar de haber manifestado que nunca más volvería a bailar en el cine, acepta interpretar el principal papel masculino en una película de argumento delirante.

Quisiera insistir en lo de delirante porque la historia lo es: Kira (Newton-John) es una extraterrestre guapísima que tiene la facultad de hacerse invisible, aunque no sabemos por qué está en La Tierra. Por su parte, Kelly es un empresario que anteriormente había sido músico de la orquesta de Glenn Miller.

La película fue un retroceso en la buena carrera musical de Kelly y el hundimiento definitivo de esa promesa llamada Olivia Newton-John. El filme no tenía ninguna similitud con los musicales de antaño y su concepción moderna no acabó de gustar ni a viejos ni a jóvenes.

392 El cine musical

Adolfo Pérez

Películas 393

Inspirada en “Gover Girl” (1944), una película de la Columbia en la cual había aparecido Kelly (por cierto, con un papel en el que se llamaba igualmente Danny McGuire),

“Xanadú” no logra ni siquiera imitarla. El espantoso guión de Richard Christian Danus y Marc Reid Rubel nos habla también de un artista frustrado llamado Michael Beck quien, mientras trata de buscar a una musa misteriosa y bonita (Newton-John), se encuentra con un adinerado pero amar-gado clarinetista (Kelly) y le persuade para invertir su dinero en una espectacular discoteca.

Con la idea de que Gene atrajera a los papás y mamás, y Olivia a sus hijos, el productor Lawrence Gordon trataba de apostar sobre seguro. La idea, sin embargo, falló (Olivia apenas podría considerarse una actriz carismática) y, aparte de Kenny Ortega y Jerry Trent, quienes organizan vivamente los números musicales, la muestra no posee muchos más alicientes.

GRANUJAS A TODO RITMO 1980

The Blues Brothers

Productor: Robert K. Weiss

Director: John Landis

Guión: John Landis, Dan Aykroyd

Fotografía: Stephen Katz

Música: Elmer Bernstein

Intérpretes:

JOHN BELUSHI: Joliet Jake

DAN AYKROYD: Elwood Blues

JAMES BROWN: Reverendo James

RAY CHARLES: Ray

394 El cine musical

Adolfo Pérez

CARRIE FISHER: Mujer misteriosa

ARETHA FRANKLIN: Cantante Café Owner

JOHN CANDY: Burton Mercer

Invitados:

FRANK OZ

TWIGGY

STEVEN SPIELBERG

Sin duda es una película extraña y por más que tratamos de encontrar alguna similar no lo logramos. Interpretada por John Belushi y Dan Aykroyd como los Blue Brothers (ambos en una de sus mejores actuaciones), personajes creados en el programa televisivo “Saturday Night Live”, en su pase a la gran pantalla consiguieron tener vida propia.

La película nos cuenta algo sobre cómo se criaron en un orfanato del West Side, un lugar demoníaco y donde abun-daban los malos tratos. Después nos llevan al presente y comienza el espectáculo. Los hermanos visitan su antiguo orfanato, pero se dan cuenta que ahora tienen un problema serio, pues deben cinco mil dólares más impuestos, y necesitan conseguir ese dinero con el espectáculo musical. Su odi-sea les conduce a no pocas situaciones cómicas en Chicago, pero todo parece encauzarse cuando encuentran a sus viejos amigos en los lugares más improbables, como un restaurante regentado por Aretha Franklin, una tienda de música dirigida por Ray Charles, y una iglesia evangelista encauzada por James Brown, reverendo para más señas. Sus aventuras incluyen las continuas carreras con la policía, así como los enfrentamientos contra unos nazis que están intentando organizar una demostración musical.

Una de las cosas más interesantes del filme es la habilidad para intercalar los números musicales, pues parece lógico

Películas 395

que en ese momento todos se pongan a cantar. Después se alternan las persecuciones de la policía con las canciones, y éstas con los nazis enfurecidos, interrumpiéndose las peleas cuando alguien decide cantar. Y es que los números musicales tienen tanta calidad y potencia que es mejor escuchar antes que ponerse a correr.

396 El cine musical

Adolfo Pérez

Aretha Franklin ocupa una de las mejores escenas de la película, en su restaurante de comida, con todo el personal y clientes poniéndose a cantar.

Hubo una continuación, denominada como “Blue Brothers 2000”, que no tuvo el éxito anterior, aunque a nosotros nos parece un filme sumamente digno.

CORAZONADA 1982

One From The Heart

Productor: Bernard Gersten

Director: Francis Ford Coppola

Sistema electrónico: Lehmann

Asesor coreográfico: Gene Kelly

Intérpretes:

FREDERIC FORREST: Hank

TERI GARR: Frannie

RAÚL JULIÁ: Ray

NATASSJA KINSKI: Leila

LAINIE KAZAN: Maggie

HARRY DEAN STATON: Moe

Llegó a las pantallas después de dos años de sonido y furia, a continuación de publicarse un montón de artículos y noticias en las páginas financieras en ls que se daba la alar-ma sobre las dificultades económicas que la película estaba atravesando.

“Corazonada”, de Francis Ford Coppola, es una producción interesante pero no llega a ser una buena película. Esperábamos un filme mejor del inteligente director de

Películas 397

“Apocalypse Now” y “El Padrino”. Esta debió ser la primera película en la historia en llegar con más publicidad por sus técnicas de producción que sobre las estrellas que participa-ban en ella.

Todos sabemos que Coppola se acostumbró con su equipo de vídeo experimental a ver y revisar su película, y se encerró en un remolque lleno de aparatos electrónicos para 398 El cine musical

Adolfo Pérez

que poder ver en los monitores lo que el operador de la cá-

mara estaba viendo a través de la lente. Por supuesto, la propia película se fotografió en el mismo celuloide tradicional que vemos en los cines y que se ha utilizado siempre. Coppola se acostumbró a utilizar la televisión principalmente como un dispositivo para acelerar el proceso de ver cada secuencia y probar varias combinaciones para corregir los defectos. Hay quien dice que en realidad lo único que consiguió fue disponer de 8 millones de dólares para su proyecto y gracias a sus adelantos en las técnicas del vídeo aumentar los costes hasta los 23 millones.

Si “Corazonada” es la clase de película que este proceso inspira, entonces Coppola debe abandonarlo, como parece ser que hizo. Lo más triste de “Corazonada” es que le falta ritmo y en una película musical es el peor defecto. Es un ballet de movimientos de cámara elegantes y complejos que muestran escenas magníficas, pero de algún modo los personajes se pierden en el proceso.

Hay un momento en esta película en la cual yo me preocupé de lo que estaba pasando a las personas en ella, y sólo un momento (una corta aparición de Allen Goorwitz como el encolerizado dueño del restaurante), en la cual noté que la espontaneidad del actor podía fluir positivamente en el estilo marcado por Coppola. El director de “El padrino” se ha convertido aquí en un técnico y su obsesión por ello (quizá quería emular a George Lucas), le impidió preocuparse de la parte humana.

Las películas son diferentes unas de otras, pero la mayoría de ellas hablan sobre las personas y para las personas, y en “Corazonada” se presta muy poca atención a las comple-jidades del corazón humano. De hecho, casi parece estar en guardia contra los actores que ocupan cuidadosamente sus Películas 399

personajes, no permitiéndoles casi nunca dominar la escena. Hay momentos en los cuales no existe ningún foco que ilumine una emoción o un gesto, porque la cámara implaca-blemente programada está en otra parte.

Por eso, nombrar a los actores o describir sus personajes es quizá lo menos importante en la película; no son imprescindibles para una revisión crítica. Los dos personajes principales (Teri Garr y Frederic Forrest) viven desilusionados en Las Vegas, tan reluciente y bulliciosa. Durante un tiempo breve, ambos se evaden de sus aburridas vidas y se encuentran con nuevos amantes (Raúl Julia y Nastassja Kinski), quienes les fastidian con sueños y fantasías. La historia que subyace, supongo, es la vida tan sencilla que pueden vivir personas que habitan en lugares tan esplendorosos.

Hay buenos elementos en esta película y uno es Harry Dean Stanton, aunque Coppola se resiste a mostrarnos sus expresivos ojos. Kinski, como una equilibrista del alambre en un circo, tiene una belleza mucho más madura que en

“Tess” y hay un momento maravilloso cuando dice: “para hacer desaparecer a una muchacha del circo, todo lo que usted tiene que hacer es parpadear”. Garr está atractiva, excepto porque su papel la obliga ingratamente a estar pasiva, y Forrest (candidato al Oscar por “La rosa”), es igualmente transparente, como si se dejase llevar.

El argumento nos recuerda que el 4 de julio es un día especial para los norteamericanos, pues celebran el Día de la Independencia; también lo es para Hank y Frannie, quienes conmemoran los diez años de unión sentimental. En un primer momento quieren celebrarlo, pero después discuten y rompen. Los dos deciden salir solos para olvidarse del señalado día y en poco tiempo encuentran a su pareja ideal.

Ambos parecen felices, pero algo bulle en su interior y no 400 El cine musical

Adolfo Pérez

terminan por encontrar ese paraíso en el que habían soñado durante mucho tiempo.

La historia es sencilla, los actores más que correctos, y los decorados y la iluminación sencillamente extraordinarios, pero… Coppola volvió a fracasar económicamente. Indudablemente es un gran artesano del cine, pero quizá olvide con demasiada frecuencia que se debe dirigir a un público hete-rogéneo, antes que a los críticos. Su maestría la vemos sin problemas cuando bajo una excusa argumental verdaderamente vulgar monta un deslumbrante despliegue de buen cine, que fusiona la comedia, el drama, en ocasiones el musical, y todo ello sobre un mundo idílico de luz y color, construido enteramente en estudio. El problema es que todo esto cuesta mucho dinero, y ahora sabemos que el director americano tuvo que endeudarse hasta llegar a la ruina esperan-do que la taquilla permitiese recuperar la inversión, algo que no sucedió y que llevó a su productora, American Zoetrope al colapso.

Problemas financieros aparte, la película cuenta con excelentes actores en los cuatro papeles principales, destacando la siempre sexy Nastassja Kinsky, quizá en uno de los mejores papeles de su carrera, capaz de mostrarse seductora e inocente a partes iguales. Algo distanciada está Teri Garr, una secundaria de lujo que aquí interpreta su papel de manera brillante.

Los decorados se ven y casi nos recuerdan a los que vimos en los tradicionales musicales de la Metro, pero el ambiente irreal se acentúa aún más, lo mismo que la historia de amor.

Mención aparte es la extraordinaria banda sonora de Tom Waits, acompañado por Crystal Gayle, lo que nos hace desear poder verla de nuevo con las ventajas del DVD.

Películas 401

En resumen, una película encantadora, entrañable y magistral.

Nominaciones:

Nominada a la mejor música 1982: Tom Waits ANNIE 1982

Director: John Huston

Guión: Harold Gray, Thomas Meehan, Carol

Sobieski

Productor: Carol Sobieski, Ray Stark

Música: Ralph Burns, Charles Strouse

Intérpretes:

ALBERT FINNEY: Oliver ‘Daddy’ Warbucks

CAROL BURNETT: Miss Hannigan

ANN REINKING: Ms. Grace Farrell

TIM CURRY: Rooster Hannigan

BERNADETTE PETERS: Lily St. Regis

AILEEN QUINN: Annie

John Huston se atrevió con esta adaptación del musical de Broadway en la cual Aileen Quinn es la pequeña niña y Albert Finney es el Papá Warbucks, mientras que la renombrada Carol Burnett ejerce como la directora de un colegio cruel metido en un orfanato.

Pero la buena maestría de Huston se diluye desde las primeras escenas y poco a poco la historia se nos hace aburrida.

Según afirman, aceptó dirigir esta obra simplemente por dinero, aunque hubiéramos deseado que se esforzara un poco más.

402 El cine musical

Adolfo Pérez

Películas 403

Efectivamente, la versión de 1982 no puede compararse con la original, más que nada por que incluso el argumento ha sido modificado, ambientándose en la Navidad, reemplazando algunas grandes canciones y dando un excesivo protagonismo al perro.

Albert Finney interpreta correctamente su personaje (el cual no existe en la versión de Disney), y la pequeña Annie está mucho más vivaz de lo deseable para su edad. Carol Burnett indudablemente domina muy bien la comedia, por lo que este papel de la Srta. Hannigan le sienta como un guante a medida, aunque si la comparamos con Kathy Bates las cosas no resultan tan fáciles.

La coreografía es dinámica e inspirada en esta versión, siendo superior a la versión de Disney, al menos en riqueza de vestuario y medios.

VÍCTOR O VICTORIA 1982

Productor: Blake Edwards, Tony Adams

Director: Blake Edwards

Guión: Blake Edwards

Fotografía: Dick Bush

Música: Henry Mancini

Intérpretes:

JULIE ANDREWS: Victor/Victoria

JAMES GARNER: King

ROBERT PRESTON: Toddy

LESLEY ANN WARREN: Norma

ALEX KARRAS: Squash

404 El cine musical

Adolfo Pérez

En el París de

los años treinta,

Victoria, tras el fra-

caso de su actua-

ción en un cabaret,

camina hambrienta

por las calles de la

ciudad. Está a pun-

to de prostituirse

para poder comer,

pero finalmente

decide darse un

gran banquete en

un restaurante y

después colocar un

escarabajo en la en-

salada, para no te-

ner que pagarla.

Allí conoce a Tod-

dy, un homosexual

que le ofrece hospi-

talidad y que tiene

la brillante idea de

convertir a la artis-

ta en Víctor, un célebre travestido que triunfa en la capital francesa.

Según mi opinión, siempre resulta más atractivo ver a una mujer imitando a un hombre que al revés. Los varones intentan siempre estar guapos, ponen voz aguda, llevan faldas y kilos de maquillaje encima, en un intento de hacernos reír.

Pero una mujer vestida con un traje de hombre siempre es atractiva, incluso aunque lleve el pelo muy corto. Por eso resulta agradable ver a Julie Andrews tratando de parecer un varón, pero conservando la delicadeza propia de su sexo.

Películas 405

406 El cine musical

Adolfo Pérez

Barbra Streisand también lo hizo posteriormente en

“Yentl”, pero ahora, bajo la acertada batuta de Blake Edwards, todo es más creíble.

Cuando la vemos simplemente como mujer, Julie Andrews se parece indudablemente a una mujer, pero cuando se tras-forma en Víctor es algo imperfecta, ya que los varones no andamos así ni gesticulamos de ese modo, salvo que seamos gays.

No obstante, el éxito de esta comedia se debe a ella y a su transformismo continuado.

La película tiene mucho sexo insinuado, oculto, pero es tan jocoso que nos gustaría algún día formar parte de este juego del engaño, más que nada para saber si ello es posible.

Aunque después de haber visto a Robin Williams y Mel Gibson hacer papeles de mujer, nos creemos que en la realidad también sería posible.

Premios:

Oscar a la mejor música original 1982: Henry Mancini, Leslie Bricusse

Nominaciones:

Nominada a la mejor actriz 1982: Julie Andrews Nominado al mejor actor secundario 1982: Robert Preston Nominada a la mejor actriz de reparto 1982: Lesley Ann Warren

Nominado al mejor guión adaptado 1982: Blake Edwards Nominada a la mejor dirección artística 1982: Rodger Maus, Tim Hutchinson, William Craig Smith, Harry Cordwell Nominada al mejor vestuario 1982: Patricia Norris

Películas 407

EL MURO 1982

Pink Floyd The Wall 1982

Director: Alan Parker

Guión: Roger Waters

Música: Robert Ezrin, David Gilmour, Nick Mason, Roger Waters y Richard Wright

Intérpretes:

BOB GELDOF

CHRISTINE HARGREAVES

JAMES LAURENSON

BOB HOSKINS

El disco ’The Wall’ de

Pink Floyd, de 1979, fue lle-

vado al cine unos años más

tarde. Pink, una estrella del

rock inglés, se encuentra

encerrado en la habitación

de un hotel de Los Ángeles,

en los momentos previos a

un recital. Aquí empieza a

pasar revista a su vida: los

recuerdos traumáticos de la

infancia, las crisis de amor,

el sexo, el éxito y la droga

como único medio para

romper el muro que él mis-

mo ha creado. Una vorági-

ne imaginativa y terrorífica.

Premios:

Premio Bafta Film a la Mejor Banda Sonora y Mejor Sonido

408 El cine musical

Adolfo Pérez

FLASHDANCE 1983

Director: Adrian Lyne

Guión: Thomas Hedley Jr.

Intérpretes:

JENNIFER BEALS: Alex Owens

MICHAEL NOURI: Nick Hurley

LILIA SKALA : Hanna Long

SUNNY JOHSON : Jeanie Szabo

Alex es realmente una guapa chica que enfundada en un sucio mono de trabajo se dedica a soldar en una empresa metalúrgica de Pittsburg, aunque su verdadera pasión es la danza. Para conseguir algo de dine-

ro con el cual po-

der pagar las

clases de danza,

trabaja también en

un club nocturno

como Flashdance,

algo así como una

chica que se mue-

ve con poca ropa

para encandilar a

los clientes. Su

condición humilde

no la impide hacer

amistad con su

guapo jefe, pero

ella le rechaza ini-

cialmente por no

confiar en sus bue-

nas intenciones.

Películas 409

Su vida se descontrola por el amor que llega a sentir por ese hombre, pero también por su compañera, quien no duda en desnudarse ante el público para lograr pagar su afición al alcohol y otras drogas. Y así, con una sencilla historia, se desarrolla uno de los musicales de mayor éxito, dotado de una banda sonora extraordinaria que permaneció durante meses en el primer puesto de las listas de éxito mundiales.

410 El cine musical

Adolfo Pérez

Su protagonista Jennifer Beals no es buena actriz y ni siquiera sabe bailar (fue doblada por Irena Cara), pero su aspecto frágil, encantador, determinado y sumamente bello, la convirtieron en poco tiempo en la musa de millones de hombres. Memorable es la secuencia del examen, tan exquisita-mente dirigida y montada que hoy en día sigue siendo un patrón para escenas similares.

STAYING ALIVE: LA FIEBRE

CONTINÚA 1983

Staying Alive

Productores: Robert Stigwood y Sylvester Stallone Director: Sylvester Stallone

Guión: Norman Wexler y Sylvester Stallone Intérpretes:

JOHN TRAVOLTA: Tony Manero

CYNTHIA RHODES: Jackie

FINOLA HUGHES: Laura

JULIE BOVASSO: Madre

FRANK STALLONE

STEVE INWOOD

“Staying Alive” fue la gran desilusión para los seguidores de Travolta. Esta continuación del audaz “Fiebre del sábado noche”, es una máquina de poner discos, como un videoclip, una serie de escenas de baile y canciones nuevas que po-drían contarse separadamente y hacer con ellos un documental sobre el baile moderno. De todas maneras, para quienes gusten de las películas musicales sin argumento, como ocurre con “Flashdance”, pero con una serie interminable

Películas 411

de interludios musicales con escenas dramáticas que rom-pan la monotonía, esta es su película. Algo así como “Los 40

principales” en versión cine.

La película tiene una historia sumamente simple. Han pasado ya seis años desde que Tony Manero (John Travolta) miraba fijamente y con anhelo las luces de Manhattan al final de “Fiebre del sábado noche”. Ahora vive en un pequeño cuarto de un hotel de Manhattan, trabajando como mozo e 412 El cine musical

Adolfo Pérez

instructor de baile, mientras enseña la esencia de la danza a una joven (Cynthia Rhodes), con la paciencia de un santo.

Tony todavía es un conquistador de mujeres con ansias de romanticismo, y en esos días encuentra a una bailarina britá-

nica de larga cabellera (Finola Hughes) que provoca su pa-sión. Pero la chica es malvada, se cree la reina por su belleza, y le da calabazas. Entretanto, él consigue un trabajo como bailarín de reparto en una obra musical y, casualmente, el primer bailarín abandona y Tony ocupa su lugar.

El filme estuvo co-escrito, producido y dirigido por Sylvester Stallone, y podemos considerarla como la primera película mala que produjo. Como si estuviera realizando una nueva versión de Rocky, obligó a Travolta a someterse a una larga sesión de pesas y footing, aunque se olvidó de pedírse-lo a la guapa Cyntia Rhodes, quien luce el cuerpo menos firme de los últimos años. También se olvidó de incluir sentimientos, ternura y amor, quizá porque en Rocky eso no importaba tanto. Por eso en “Staying Alive” todos los personajes son superficiales. Los caracteres son clichés estereo-tipados, y sus diálogos son igualmente sin contenido. Los clímax musicales, la única parte esencial del filme, sólo se interrumpen durante algún tiempo para que las personas puedan gritar sus emociones ocultas hacia el espectador. En ocasiones oímos un intento de realizar un discurso profundo, pero al igual que ocurría en Rocky son desproporciona-damente grandes. En ocasiones son tan absurdos que mere-cen la pena ser grabados y estudiados con detenimiento en una escuela de literatura, más que nada para explicar lo que no se debe hacer.

La historia comienza una noche en Broadway, en la cual Tony Manero no sólo baila como un héroe, sino que forma parte de un espectáculo musical con fuego, hielo, humo y muchas luces de colores que se apagan y se encienden Películas 413

frenéticamente. También hay rayos láser, muchas escenas en las cuales improvisa su estilo danzarín, y todo acaba triunfal-mente cuando levanta sin esfuerzo a Finola Hughes sobre su cabeza con un brazo, para demostrarnos que tantas horas de culturismo no han sido en vano.

El musical que mejor ejecuta, puesto que hay que intentar resaltar también lo bueno de la película, es uno llamado

“Satan’s Alley”, pero es tan risiblemente torpe que se podría haber llamado “La calle de los ángeles”. Lo que resulta verdaderamente extraño es que ese baile debería ser similar a otro de “Fiebre del sábado noche”, pero es tan tremenda-mente opuesto y artificial que ni siquiera reconocemos a Travolta. Este actor no es un bailarín, nadie afirma lo contrario, pero con su peculiar estilo moviéndose consiguió entusiasmar a los espectadores y no vemos la necesidad de hacerle parecer un experto profesional, lo que le lleva directamente al ridículo. La película nos ha mostrado de nuevo al macarra Tony Manero, pero reducido a un mundo exclusivamente musical, sin el trasfondo social de su primera película.

Stallone hace un pequeño esfuerzo para convencernos que estamos mirando una presentación improvisada, como en directo, pero cuando la cámara nos muestra detalles que el público nunca podría ver y esfuerzos físicos imposibles de lograr salvo por unos pocos privilegiados, nos damos cuenta que de improvisación no hay nada. También sabe cometer perfectamente el error de hacernos creer que están cantando personas que mantienen la boca cerrada, algo que solamente consigue el ventrílocuo José Luis Moreno.

Todo está demasiado enredado en una película que pretendía ser sencilla y juvenil. El número de baile más importante de Travolta es un ejercicio demasiado increíble, y se 414 El cine musical

Adolfo Pérez

parece más a un anuncio televisivo de impacto que a un baile real. Mucho nos tememos que Stallone nunca vio una pe-lícula de Gene Kelly.

De todas maneras, el filme tiene un gran momento y es cuando Tony se manifiesta victorioso y dice: “¡Quiero andar con paso arrogante!” y se pavonea por Times Square mientras los Bee Gees cantan “Staying Alive”. Ése podría haber sido el inicio de una gran película, pero, desgraciadamente, casi coincidió con la palabra fin. Este es un truco de muchos directores que quieren que el espectador se marche con un buen sabor de boca, pero como aquí ni siquiera hubo una buena comida, el resultado es casi una indigestión.

TAL PARA CUAL 1983

Two of a Kind

Productor: Joe Wizan y Roger M. Rothstein Director: John Herzfeld

Guión: John Herzfeld

Intérpretes:

JOHN TRAVOLTA: Zack

OLIVIA NEWTON JOHN: Debbie

SCATMAN CROTHERS

ERNIE HUDSON

OLIVER REED

KATHY BATES

LA VOZ DE GENE HACKMAN

Las modas en el cine son extrañas, demostrándonos que los guionistas en ocasiones solamente gustan de copiar al vecino. Cuando un argumento se pone de moda, las carteleras

Películas 415

416 El cine musical

Adolfo Pérez

nos inundan con temas similares. En esta ocasión, volvemos a tener a los ángeles del Cielo entre nosotros (ahora son cuatro), quienes le piden a Dios que le dé una segunda oportunidad a la Humanidad. Dios en principio está de acuerdo, pero con la condición de que John Travolta sea quien nos reforme. Nadie sabe por qué debe ser él, pero todos pensamos que la elección es acertada puesto que la inspiración llegó por el Espíritu Santo.

“Tal para cual” empieza con un juego del golf en el cielo que involucra a Wasp (Charles Durning), un negro (Scatman Crothers), un latino (Castulo Guerra), y una mujer (Beatrice Straight.) Ellos han estado a cargo del cielo durante los últimos veinticinco años, mientras Dios estaba de vacaciones (nadie sabe dónde), pero ahora Dios (representado como una luz resplandeciente con la voz de Gene Hackman) ha regre-sado y no está nada contento. Parece ser que la Humanidad está de nuevo desquiciada y pervertida. Por eso, y siguiendo su costumbre, la única cosa que puede hacer es enviar otro diluvio, y volver a empezar. Afortunadamente para nosotros (por eso se lo podemos contar ahora), los ángeles persuaden a Dios para que no lo haga.

Como alternativa le proponen de nuevo eso de la redención en forma de un hombre sencillo que nos pueda reformar, y así demostrar que la Humanidad tiene remedio. ¿A qué no averiguan a quién eligen para sustituir a Jesucristo?

Lo han averiguado: a nuestro amigo Travolta, ahora convertido terrenalmente en un inventor de aparatos inútiles.

Pero nuestro ángel está amenazado por un malvado que se dedica a robar bancos y a especular luego prestando el dinero a los necesitados y, además, debe colaborar con él.

Tal argumento parece estar escrito por un guionista ansioso de venganza, pero creemos que incluso le han pagado por Películas 417

su trabajo y en agradecimiento pusieron su nombre en los títulos de crédito. Sin embargo, ahora Olivia Newton-John es el cajero del banco a la que Travolta apunta con un arma.

Pero ella sustituye los controles informáticos del depósito y se guarda el dinero. Travolta la busca para conseguir su dinero, y cuando lo consigue se enamoran.

El nuevo romance no les proporciona una vida relajada y maravillosa, especialmente cuando un montón de personajes nuevos se incorporan innecesariamente a sus vidas. Hay unos ángeles, por ejemplo, que espían a Travolta para saber su comportamiento en la Tierra, y unos malvados en forma del propietario de un negocio, y otro como el Diablo. En ese momento es cuando el desmadre hace su aparición y el espectador maldice haber pagado la entrada. Desde ese momento no pasa nada, todo es superficial, y solamente vemos gente comiendo, otros amándose, algunos corriendo y la mayoría hablando de sus cosas. En medio de todos, allí es-tán los eternos amantes Travolta y Newton-John, cantándonos algunas canciones que olvidamos inmediatamente.

La película intentaba recuperar a la pareja de “Grease”, pero se olvidaron de escribir un buen guión. Por eso no nos explican un montón de detalles. Por ejemplo: ¿Cuáles son las reglas que rigen en el Cielo? ¿Quién manda allí cuando no está Dios? ¿Tienen sexo los ángeles? ¿Qué es lo que tiene que hacer exactamente Travolta para redimir a la Humanidad? Si es hacer un hijo a Olivia Newton-John no le vemos el mérito.

Tampoco sabemos los poderes del diablo, quien aparte de mirar con ojos encendidos y caminar con sobriedad, no hace otra cosa más interesante. Si el diablo es así, ya no tenemos miedo de pecar y condenarnos. La última pregunta importante es: ¿Dónde se va Dios de vacaciones? Sería 418 El cine musical

Adolfo Pérez

interesante conocer esta respuesta para fundar rápidamente una agencia de viajes.

YENTL 1983

Productor: Barbra Streisand, Rusty Lemorande Director: Barbra Streisand

Guionista: Barbra Streisand, Jack Rosenthal Basada en la historia: “Yentl, the Yeshiva Boy” de Isaac Bashevis Singer

Fotografía: David Watkin

Música: Michel Legrand

Intérpretes:

BARBRA STREISAND: Yentl

MANDY PATINKIN: Avigdor

AMY IRVING: Hadass

NEHEMIAH PERSOFF: Papá

STEVEN HILL: Reb Alter Vishkower

Transcurren los primeros años del siglo XX, en un país de Europa oriental. Yentl es una muchacha judía educada en la más estricta disciplina religiosa y pronto comprueba cómo su futuro está totalmente condicionado por el hecho de ser mujer. Tras el fallecimiento de su padre decide disfrazarse de hombre, para así poder acceder a la educación intelectual que, por su condición femenina, tiene vetada de por vida. El problema surge inmediatamente, pues ella se enamora de uno de los estudiantes (Avigdor), quien obviamente la trata como si fuera un chico. Para complicar más las cosas, ambos viven y duermen juntos, y él está enamorado de una muchacha local. El padre de la chica no quiere esa boda, así que Avigdor convence a Yentl que se case con su novia, para

Películas 419

420 El cine musical

Adolfo Pérez

que por lo menos él pueda visitar a las dos personas que más quiere. Por cierto, la novia –recuerden esto– también piensa que Yentl es un chico. Por insólito que parezca, Yentl y la muchacha se casan. Al principio Yentl consigue enmascarar su verdadero sexo, pero consciente del daño que está haciendo a todos debe revelar la verdad.

Indudablemente hay un callejón sin salida que el guionista debe resolver con sumo cuidado y habilidad, aunque no vamos a revelar el desenlace.

Premios:

Oscar a la mejor música original adaptada 1983: Michel Legrand, Alan Bergman, Marilyn Bergman

Nominaciones:

Nominado al mejor actor secundario 1983: Amy Irving Nominada a la mejor dirección artística 1983: Roy Walker, Leslie Tomkins, Tessa Davies

AMADEUS 1984

Música: John Strauss

Música no original para la película: Wolfgang, Amadeus Mozart, Giovanni Battista Pergolesi, Antonio Salieri

Dirección: Milos Forman

Fotografía: Miroslav Ondrícek

Guión: Peter Shaffer

Intérpretes:

F. MURRAY ABRAHAM: Antonio Salieri

TOM HULCE: Wolfgang Amadeus Mozart

Películas 421

ELIZABETH BERRIDGE: Constance Mozart

SIMON CALLOW: Emanuel Schikaneder

ROY DOTRICE: Leopold Mozart

La película, que retoma la leyenda vienesa sobre la muerte en el siglo XVIII del genio de la música Wolfgang Amadeus 422 El cine musical

Adolfo Pérez

Mozart, se inicia desde un manicomio, en donde Salieri (F.

Murray Abraham), el antiguo compositor de la corte, recuerda lo que ocurrió treinta años antes cuando el joven Mozart (Tom Hulce) empezó a ganarse el favor del emperador austriaco José II (Jeffrey Jones). Salieri no puede entender que Dios pudiera bendecir a un ser tan vulgar e insoportable como Mozart con las dotes divinas de la música, y como es incapaz de competir con el talento del otro, se sirve de su influencia en la corte para sabotear la carrera de su joven oponente.

Tras la máscara de benefactor misterioso, encarga el compli-cado “Requiem” que le costará a Mozart la salud, el dinero y la vida. Entre los muchos diálogos memorables, el mejor es sin duda cuando el emperador rechaza una composición de Mozart porque “tiene demasiadas notas”.

La película nos sugiere que Salieri podría haber asesina-do a Mozart y examina las formas en que esta posibilidad podría ser verdad, pero al final de la película sentimos cierto afecto por Salieri, débil y celoso, pero también con indudables aptitudes musicales que el genio de Mozart consiguió anular. Durante el filme, sin embargo, hemos tenido momentos oscuros de desprecio hacia él, pero se debe más que nada a una carencia de datos. Salieri, interpretado intensamente por F. Murray Abraham, acaba confesando al sacerdote del manicomio su desazón y culpabilidad.

Con pequeños flash vemos a Wolfgang Amadeus Mozart cuando era niño, componiendo melodías de originalidad sorprendente y creciendo para hacerse un artista prolífico.

Una de las decisiones más sabias de la película es no mostrar a Mozart como un genio carismático, como un super-hombre torturado, sino como un golfo, un niño inmaduro, amable y de risa ridícula. El personaje interpretado por Tom Hulce nos lo muestra también como un hombre joven Películas 423

sencillo, lleno de deleite, pero sumamente desaprensivo con los demás, hiriendo a Salieri y a otros.

La película se construye bajo un guión bien escrito y acen-tuando las escenas musicales cuidadosamente, al mismo tiempo que trata de encajar los adecuados diálogos. Centrada en las relaciones de Mozart con su padre, su esposa, y Salieri, nos muestran a una serie de personajes desagradables, lo que agudiza las facultades artísticas de Mozart. La esposa, interpretada por Elizabeth Berridge, es una mujer lozana, jovial y cariñosa, amante de la cama pero que también da a Mozart algunos buenos consejos. Los patrocinadores, sobre todo José II, el emperador austrohúngaro, están igualmente bien definidos, aunque ninguno sin la profundidad en que se muestra Salieri, el compositor cuya tortura especial es entender porqué él no consigue la genialidad de Mozart.

La película se rodó en la Checoslovaquia natal de Forman y parece un escenario correcto, encajando en la época, quizá porque Praga todavía contiene calles, manzanas y edificios que podrían ser idénticos a la Viena de Mozart. Las pelucas de Mozart no se parecen a las otras, y no entendemos la necesidad de darle ese aspecto de punk, con algún sombrea-do rosa. Mozart parece un niño de los años sesenta más que de épocas pasadas, aunque esta interpretación de su personalidad, casi como un hippie irreverente, termina por encajar.

La música proporciona la estructura del filme, fuerte, segura, y aunque en ocasiones Mozart habla como si fuera un niño, cuando compone lo hace en el idioma de los dioses.

Premios:

Amadeus ganó 8 Oscar, entre ellos a la Mejor Película, al Mejor Director, al Mejor Guión Adaptado y al Mejor Actor para F. Murray Abraham.

424 El cine musical

Adolfo Pérez

BEAT STREET 1984

Productor: David V. Picker, Harry Belafonte Director: Stan Lathan

Guión: Andrew Davis, David Gilbert, Paul Golding Basada en la historia de: Steven Hager

Fotografía: Tom Priestley Jr.

Música: Harry Belafonte, Arthur Baker

Intérpretes:

RAE DAWN CHONG: Tracy

GUY DAVIS: Kenny

JON CHARDIET: Ramon

LEON W. GRANT: Chollie

Película menor que, sin

embargo, sacó de las cloa-

cas uno de los bailes calle-

jeros más interesantes.

Rodada en los barrios ex-

tremos de Nueva York, nos

mostró el ghetto urbano

donde se mezclan diversas

culturas, dando lugar a

personajes que dedican su

vida al graffiti, a bailar el

breakdancing, a pelear

con cualquiera que se cru-

ce en su camino o a beber

alcohol en la discoteca más

cercana. El realismo de

que hace gala es al menos

acertado y solamente por

ello merece una revisión.

Películas 425

THAT’S DANCING! 1985

Productor: Jack Haley Jr. y David Niven Jr.

Productor ejecutivo: Gene Kelly

Director: Jack Haley Jr.

Guión: Jack Haley Jr.

Música: Henry Manchini

Intérpretes:

MIKHAIL BARYSHNIKOV

RAY BOLGER

SAMMY DAVIS Jr.

GENE KELLY

LIZA MINNELLI

BILL BOJANGLES ROBINSON

Es imposible destacar algo en este filme. Cuando se unen secuencias de grandes películas y se forma una nueva, es

absurdo que no nos agrade.

El truco es tan sencillo que se

nos antoja infantil: si mostra-

mos al espectador lo más es-

pléndido de las mejores pelí-

culas y lo hacemos con cierto

estilo, lógicamente el resulta-

do tiene que ser agradable. El

problema es que es algo in-

justo para las películas origi-

nales.

Si tenemos en cuenta que

hemos visto ya “Cantando

bajo la lluvia” y que ahora

426 El cine musical

Adolfo Pérez

estamos empleando la misma cantidad de tiempo en mirar lo mejor de otras sesenta más, quizá sea preferible ver de nuevo la película “Cantando bajo la lluvia” entera. Sin embargo, en “Esto es bailar” no tratan de evitar que veamos íntegras las mejores películas del cine musical; básicamente, lo único que quieren hacer es entretenernos con muchas buenas escenas de baile, algunas malas también, y con seme-jante ambición es razonable que la acojamos con interés.

La película ha sido reunida por Jack Haley Jr., y David Niven, Jr., reciclando la fórmula de Haley en “Érase una vez en Hollywood” (1974), una antología de los mejores momentos originales de la edad de oro de Hollywood. Ha habido en esta tercera parte, una necesidad de disminuir los costes necesarios para llevarlo a cabo, especialmente en cuanto a los artistas presentadores. Comparen las dos listas y verán la sensible diferencia.

En la primera película, por ejemplo, nosotros vimos el número de baile de título inmortal de Gene Kelly “Cantando bajo la lluvia”, y también la secuencia igualmente inmortal de Donald O’Connor “Make’Em Laugh”, lo mismo que el número con Kelly “Moses Supposes”, tres secuencias imborrables en la historia del cine. El problema es que aparecen demasiado pronto y el resto quizá no es tan bueno.

“Esto es bailar” contiene escenas de las primeras películas, casi como si fuera un documental, pero la presencia de Kelly explicándonos todo, evita que esto suceda. Para darle más importancia al baile, nos habla sobre su universalidad, mientras que nos muestra escenas de National Geographic sobre la danza en el mundo: las tribus en África, el hula hula en Hawaii, polkas, muchachas geishas, y así sucesivamente.

Kelly está acompañado después por otros analistas del baile como Liza Minnelli, Ray Bolger, Mikhail Baryshnikov, y Películas 427

Sammy Davis Jr., quienes tratan de analizar con algo de profundidad el fenómeno mundial del baile.

Hay, sin embargo, muchos buenos bailes en esta película, incluyendo la manera de mover los pies silenciosamente de Isadora Duncan. Vemos las geometrías del baile meticulosa-mente coreografiadas de Busby Berkeley, el estilo infinito de Fred Astaire, la alegría de Ginger Rogers y los movimientos maravillosos de las igualmente maravillosas piernas de Cyd Charisse y Eleanor Powell. También hay un dúo encantador entre Bill “Bojangles” Robinson y Shirley Temple, y un despliegue deslumbrador por los Nicholas Brothers. La pelícu-la es moderna, con John Travolta en “Fiebre del sábado noche” y las maravillosas secuencias llenas de sensualidad de

“Flashdance” y el documental de Michael Jackson “Thriller”.

Pero quizá lo que más nos agradó es el suave claqué de James Cagney, seguramente menos técnico que los de Astaire, pero que estaba ciertamente en el mismo barco cuando intentó comunicar pura magia.

Una de las visiones que nos ofrecen en “Esto es bailar”, es a Astaire como responsable de la teoría que debemos ver el cuerpo entero del bailarín en la mayoría de las escenas del baile, y que la escena debe mostrarse en secuencias únicas, tanto como sea posible, para conservar la continuidad de la relación del bailarín con el espacio y tiempo. Ese es el tipo de declaración aparentemente obvia de hace algunas décadas, pero esta forma de filmar es adecuada para los bailarines de antes, auténticos maestros del baile, pero imagínense viendo el cuerpo entero de John Travolta en “Fiebre del sá-

bado noche” durante más de dos minutos seguidos.

Pero nosotros también necesitamos que la cámara se acer-que para mostrar las caras de los bailarines, y la química entre ellos, como cuando Astaire y Rogers tienen sus 428 El cine musical

Adolfo Pérez

secuencias de baile. ¿Hubiesen quedado mejor las escenas de baile en “Flashdance”, cuando la protagonista pasa su prueba de ingreso en el conservatorio, si no la viésemos danzar desde el fondo mismo de la mesa del jurado?

¿Qué conclusiones pueden deducirse del estudio de una película sobre sesenta años de danza en el cine? Podríamos pensar que no hay un solo estilo mejor y que los nuevos bailarines de las películas de ahora también están en una forma física extraordinaria y hacen cosas asombrosas en la pantalla, aunque no tienen el estilo personal mágico de un Astaire o un Kelly. Los bailarines actuales son técnicos, no creativos.

Es la misma diferencia que hay entre un compositor y un buen lector de música. Y hay otra cosa a favor de los antiguos: ellos realmente no necesitan bailar con nadie. Su baile se puede sostener con la misma eficacia formando parte de un enorme coro que en solitario.

CHORUS LINE 1985

A chorus line

Director: Richard Attenborough

Guión: Arnold Schulman

Basada en la obra de: Michael Bennett

Música: Marvin Hamlisch & Edward Kleban Fotografía: Ronnie Taylor

Intérpretes:

MICHAEL DOUGLAS: Zack

TERRENCE MANN

ALYSON REED: Cassie

AUDREY LANDERS

MICHAEL BLEVINS

Películas 429

M i c h a e l

Douglas es un es-

tricto coreógrafo a

la búsqueda de

bailarines en Man-

hattan. Así, organi-

za un casting para

una obra de

Broadway en don-

de los aspirantes

danzan sus cuer-

pos y desnudan

sus almas a la con-

quista de sus sue-

ños. La idea es

mostrar el interior

de las obras de

Broadway, fuera

del calor y el color

de los focos, para

intentar plasmar que detrás de la fama no siempre hay tanta felicidad como se cree.

“Chorus line” es un viaje entre bastidores, una recreación de las vidas y tiempos duros que los bailarines deben soportar cuando acuden a un casting en donde hay otras docenas como ellos en busca de lo mismo.

Lleva años de duro trabajo duro convertirse en un buen bailarín para atreverse a ir a una audición, y entonces el premio normalmente es un brusco “le agradezco su interés” y un paseo a casa con el cuerpo sudado. Para tener éxito como bailarín de Broadway los aspirantes necesitan una capacidad ilimitada para absorber el rechazo, y cierta dosis de maso-quismo para volver a intentarlo.

430 El cine musical

Adolfo Pérez

El resultado del filme no agradó a los puristas que querían una película más comprometida y crítica, pero indudablemente se trata de una obra inteligente y llena de buenos números musicales. La mayoría de las escenas están rodadas dentro de un teatro, en donde Zack (Michael Douglas), el coreógrafo, se sienta en alguna parte detrás de las butacas para ver todo en la oscuridad. De vez en cuando enciende un cigarro, observa y habla por el micrófono. En ese momento los bailarines intentan verle en la oscuridad, pero deslumbrados por el potente reflector no logran nada. Bien, si eso no les gusta ¿por qué acudieron a la prueba?

Todo parece ir bien hasta que aparece, entre las aspirantes, Cassie (Alyson Reed), la anterior novia de Zack. Ellos se habían conocido y enamorado en un teatro, pero se separaron y ella consiguió ser casi una estrella, pero ahora necesita simplemente trabajo.

LA TIENDA DE LOS HORRORES 1986

Little Shop of Horrors 1986

La tienda de los horrores 1

Productor: David Geffen

Director: Frank Oz

Guión: Howard Ashman

Basada en el musical de: Howard Ashman

Fotografía: Robert Paynter

Música: Howard Ashman

Intérpretes:

RICK MORANIS: Seymour Krelboin

ELLEN GREENE: Audrey

VINCENT GARDENIA: Mushnik

Películas 431

STEVE MARTIN: Orin Scrivello

JAMES BELUSHI: Patrick Martin

432 El cine musical

Adolfo Pérez

JOHN CANDY: Wink Wilkinson

BILL MURRAY: Arthur Denton

Delirante comedia musical en la cual tuvieron oportunidad de mostrarse al público actores que posteriormente alcanzarían gran fama, como Bill Murray, Steve Martin y John Candy.

Mezcla de terror, ciencia-ficción, y cine musical, nos encontramos con una imaginativa película que dio origen a un musical que se mostró en los teatros del mundo entero.

Remake de la anterior obra de Roger Corman, nos habla de una semilla espacial que logra germinar en la Tierra, justo en una maceta dejada casi al azar en la puerta de una floristería. La semilla crece rápidamente y pronto descubri-mos que es carnívora, lo que ocasiona no pocos problemas para alimentarla, especialmente cuando crece tanto que llega al techo del sótano.

También tenemos una historia de amor, con una Ellen Greene delicada hasta el paroxismo, pero que logra encandilar a Rick Moranis, un torpe empleado que no acaba de entender la mala suerte que ha tenido con esa gigantesca planta a quien llama Audrey II. Pero ese monstruo también tiene sus virtudes, y consigue que la arruinada floristería se convierta en el centro de la atención de toda la ciudad y con ello llega el dinero a su propietario.

La película viaja entre la sátira y la comedia mordaz, y por eso es casi imposible no divertirse con ella. Las canciones, paradójicamente, que debían haber sido el plato fuerte, pasaron casi desapercibidas en favor de la misma historia. El atolondrado romance entre Seymour y Audrey, quien debe apartar de su vida al engreído dentista (Martin), termina por hacerse encantador y hasta con cierta poesía.

Películas 433

El crecimiento progresivo de la planta espacial era, claro, uno de los mejores recursos de esta versión, criatura que estuvo diseñada por Lyle Conway y dirigida por Frank Oz, consiguiendo entre ambos una maravilla de técnica. La planta parece tener realmente personalidad y encaja perfectamente en los números musicales.

Nominaciones:

Nominada a las mejores canciones 1986: Alan Menken, Howard Ashman

Nominada a los mejores efectos visuales 1986: Lyle Conway, Bran Ferren, Martin Gutteridge

434 El cine musical

Adolfo Pérez

DIRTY DANCING 1987

Productor: Linda Gottlieb, Eleanor Bergstein Director: Emile Ardolino

Guión: Eleanor Bergstein

Fotografía: Jeff Jur

Música: John Morris

Intérpretes:

JENNIFER GREY: Frances “Baby” Houseman

PATRICK SWAYZE: Johnny Castle

JERRY ORBACH: Dr. Jake Houseman

CYNTHIA RHODES: Penny Johnson

JACK WESTON: Max Kellerman

Johnny Castle es

un famoso profesor

de baile y un amante

consumado, pero

cuando conoce a Baby

Houseman, una abu-

rrida e inexperta ado-

lescente, surge un

profundo abismo que

solamente se cierra

cuando los cuerpos se

juntan. En ese mo-

mento saltan chispas,

el ritmo es enloquece-

dor y el amor surge

impetuosamente.

El filme indudable-

mente es una historia

Películas 435

romántica, ahora ya un clásico de los años 80, en el cual los bailes no son lo más logrado y, en ocasiones, se perciben incorrectos. El protagonista debe hacer cualquier cosa para ganarse el jornal, entre ellas bailar con las mujeres que así lo demandan, pero ellas quieren algo más que el guapo chico no está dispuesto a darlas. Mientras tanto, los actores bailan al son de una coreografía correcta, y aunque no son bailarines llegan a disimular perfectamente bien sus carencias.

Este filme muestra al chico guapo, pobre pero con orgullo, intentando encontrar la chica de su vida entre tanta mujer apasionada, y aunque los espectadores saben que, finalmente, acabará enamorándose de la más dulce (no necesariamente la más guapa), la intriga es saber cuándo y cómo surge el amor.

GRAN BOLA DE FUEGO 1989

Geat ball of fire!

Productor: Adam Fields

Director: Jim McBride

Guión: Jim McBride, Jack Baran

Basado en el libro de Myra Lewis y Murray Silver, Jr.

Intérpretes:

DENNIS QUAID: Jerry Lee Lewis

WINONA RYDER: Myra Gale Lewis

ALEC BALDWIN: Jimmy Swaggart

JOHN DOE: J.W. Brown

STEPHEN TOBOLOWSKY: John Phillips

La película narra la biografía del famoso pianista de rock’n’roll Jerry Lee Lewis: cómo aprendió a tocar el piano,

436 El cine musical

Adolfo Pérez

cómo alcanzó la fama, la relación que tuvo con su propia sobrina y su época de declive.

La figura de Jerry Lee Lewis ha llevado consigo siempre accidentes, drogas, borracheras, violencias, escándalos, y el fin trágico de dos de sus esposas y uno de sus hijos. Este biopic trata de ser exacto en la biografía, pero mucho nos Películas 437

tememos que algunos de los acontecimientos están magnificados, pues solamente nos muestran a un músico casi normal, posiblemente algo desquiciado, sumamente popular y capaz de encandilar al público sin grandes problemas.

Indudablemente nos dicen que deseaba solamente tener placeres y pocos problemas –un deseo universal–, y aunque su intérprete Dennis Quaid trata de mostrarle sencillo y siempre sonriente, su estilo tocando el piano indica que algo no estaba bien en su cerebro.

Hay algunas parcelas biográficas interesantes, como cuando nos lo muestran ensu vida de niño escuchando detrás de las puertas, o cuando Sam Phillips (el dueño de Records Sun en Memphis) se fija en él, así como cuando le advierten que si quiere triunfar debe elegir entre el cielo o el infierno. “Bien

–responde–, puesto que voy a ir al infierno prefiero hacerlo tocando el piano”.

Escándalo especial fue su novia Myra (Winona Ryder), de la cual se enamoró cuando ella tenía solamente trece años, y que las malas lenguas aseguran que en su noche de bodas todavía creía en Santa Claus. Los productores del filme dijeron que tuvieron que elegir entre la leyenda y los hechos reales, y escogieron la leyenda. Eso significa que la mayoría de los acontecimientos no son ninguna sorpresa para los amantes de su música, especialmente el escándalo que hubo cuando la prensa británica difundió la edad real de su novia.

THE DOORS 1991

The doors

Productor: Sasha Harari, Bill Graham, A. Kitman Ho 438 El cine musical

Adolfo Pérez

Director: Oliver Stone

Guión: Oliver Stone

Basado en el libro de John Densmore

Intérpretes:

VAL KILMER: Jim Morrison

MEG RYAN: Pamela Courson

KYLE MACLACHLAN: Ray Manzarek

KEVIN DILLON: John Densmore

FRANK WHALEY: Robby Krieger

F. Scott Fitzgerald escribió que el problema en las vidas americanas es que no tienen un segundo acto, pero el problema de la vida de Jim Morrison era que tampoco tenía primero ni tercero. Su niñez nunca estuvo perdida en una lloviz-na de lloros, ni tampoco hubo un mal padre, pero su juventud se interrumpió por una muerte temprana causada por una campaña implacable contra su propia mente y cuerpo.

Si podemos confiar en que esta película biográfica sobre Jim Morrison es cierta, indudablemente debemos pensar que todo era un infierno, algo que a las personas normales nos resulta difícil de catalogar así, al menos si tomamos referencias muy cercanas.

En California del Sur hay un muchacho de cabellera rizada, con cara de mal genio pero mente muy poética, que bebe cerveza, fuma hierba, y termina engullendo drogas mientras empina el codo con ambas manos.

Por ello traiciona a sus amigos y hace la vida miserable a quien lo ama, ocasionando su propia muerte a los veintisiete años. De ser cierto, debemos creer que verdaderamente era una persona desagradable cuando no estaba bebido, pero que componía canciones maravillosas.

Películas 439

Interpretado por Val Kilmer, nos da la impresión de no gustarle el papel, especialmente cuando mueve los labios si-mulando que está cantando. Sin embargo, su actuación en conjunto es acertada, aunque posiblemente gracias a la gran 440 El cine musical

Adolfo Pérez

cantidad de secundarios que tiene a su alrededor. Si las canciones son eternas y las escenas de los conciertos convencen, cuando representa los momentos más dolorosos de su vida no está acertado.

La idea del guionista parece centrada en mostrar a una persona que ascendió a la fama con demasiada rapidez, y que en ese momento empezó a autodestruirse.

THAT’S ENTERTAINMENT! III 1994

Productor: Bud Reiedgen y Michael J. Sheridan Director: Bud Reiedgen, Michael J. Sheridan y Bud Friedgen

Guión: Michael J. Sheridan

Intérpretes:

JUNE ALLYSON

CYD CHARISSE

HOWARD KEEL

GENE KELLY

ANN MILLER

DEBBIE REYNOLDS

MICKEY ROONEY

ESTHER WILLIAMS

Parecía ya acabado el filón, pero aún había más. De nuevo una colección de momentos musicales maravillosos de la biblioteca de la MGM, mostrando ahora material inédito procedente de las secuencias nunca incluidas en la pantalla.

Podemos ver incluso a Fred Astaire desechando ciertos bailes o secuencias cortas (mostrando su disconformidad y

Películas 441

442 El cine musical

Adolfo Pérez

su deseo de volver a filmar), a Judy Garland que canta “Mr.

Monotony” de Irving Berlin, a Cyd Charisse y Joan Crawford cantando y bailando “Ain´t It the Truth” de Lena Horne en

“Cabin in the sky”, y mucho, mucho más. También se han incluido muchas secuencias de los musicales más famosos de Broadway, detalle que es de agradecer puesto que nosotros, los europeos, nunca los pudimos ver.

El resultado es una película auténticamente fascinante, algo que se puede añadir a todo el cine musical americano y otros aspectos de la sociedad de entonces. Las razones por las cuales muchas de las escenas fueron cortadas en las pe-lículas fueron casi siempre exclusivamente comerciales, nunca de calidad, aunque algunas lo fueron a causa de la censura. Muchas son interesantes hoy, otras inteligentes y en otros casos horribles, pero todas son imprescindibles porque pertenecen a algo que nunca vimos ni podemos ver ya en el cine. Es como si alguien nos hubiera dado permiso para re-volver en los sótanos de la MGM.

Podemos ver una escena censurada de Lena Horne cantando en un baño de burbujas, a Ava Gardner cantando, así como a Cyd Charisse y Joan Crawford bailando juntas en una escena muy sexy –aunque Crawford estaba doblada en la voz por Indy Adams.

Fred Astaire hizo “My Wanna Be Dancin” para “La bella de Nueva York” (1952) vistiendo ropa deportiva gastada, pero la escena fue suprimida por no estar en la misma línea de la elegancia habitual de Astaire.

Otro material inédito se refiere a ciertas escenas de Judy Garland para “Annie Get”, antes de que ella se despidiera a causa de sus problemas emocionales y fuera reemplazada por Betty Hutton.

Películas 443

Garland canta “Sr. Monotonía”, que fue incluida posteriormente en “Desfile de pascua”.

Se cortó también una actuación en solitario de Debbie Reynolds para “Cantando bajo la lluvia” (posteriormente rescatada para DVD) y un dúo maravilloso entre Astaire y Charisse que se hizo como prueba para “Brigadoon”.

Uno de las presencias más chispeantes en la película es Esther Williams, la campeona de natación que consiguió algunos de los musicales acuáticos más impresionantes. Ella narra cómo pudieron conseguir coreografiar sus escenas natatorias cuando estaban debajo del agua, sin necesitar res-pirar continuamente.

EVITA 1995

Director y productor: Alan Parker

Guión: Tim Rice, Alan Parker

Fotografía: Darius Khondji

Intérpretes:

MADONNA

ANTONIO BANDERAS

JONATHAN PRYCE

JIMMY NAIL

VICTORIA SUS

Evita es una adaptación cinematográfica del internacio-nalmente famoso musical de Tim Rice y Andrew Lloyd Weber del mismo nombre. Dicho musical se estrenó en Londres el 21 de junio de 1978 y fue una de las obras musicales más exitosas de la historia de Londres. Un año más tarde pasó a

444 El cine musical

Adolfo Pérez

Películas 445

Broadway, donde en su primera temporada ganó siete premios Tony y fue seleccionada como musical del año. Estos impresionantes éxitos señalaban una formula ganadora: re-latar la historia real de esta compleja y carismática mujer que comienza su vida en la extrema pobreza y se convierte en una de las personas más poderosas y populares de Suda-mérica, con una música igualmente extraordinaria.

Madonna nos entrega la actuación más convincente de toda su carrera al encarnar a esta controvertida y posteriormente adorada mujer. Obsesionada por este papel durante más de 10 años, su actuación no defraudó a nadie excepto a algunos peronistas. Para darle credibilidad a su personaje, se documentó acerca de la verdadera historia de Eva, leyó decenas de libros, habló con gente que la conoció en la realidad, e incluso llegó a extremos tan perfeccionistas que se entrevistó con el presidente de Argentina, Carlos Menem, para pedirle el balcón de la Casa Rosada.

Premios:

Ganadora de 3 Globos de Oro a la mejor Película, mejor Música, mejor Sonido.

TODOS DICEN I LOVE YOU 1996

Everyone Says I Love You

Productores ejecutivos: Jack Rollins y Charles H.

Joffe

Fotografía: Carlo Di Palma

Guión: Woody Allen

Música: Dick Hyman

Director: Woody Allen

446 El cine musical

Adolfo Pérez

Intérpretes:

WOODY ALLEN: Joe

JULIA ROBERTS: Von

GOLDIE HAWN: Steffi

ALAN ALDA: Bob

EDWARD NORTON: Holden

DREW BARRYMORE: Sylar

Rodada en escenarios naturales de Nueva York, París y Venecia, Allen trató de revivir la imagen de los musicales norteamericanos de los años 40, aunque con ciertas limitaciones en cuanto a la vistosidad. De entrada, no contó con bailarines profesionales y tuvieron que ser los propios actores quienes sacasen lo mejor de sus habilidades para lograr combinar discretos pasos de baile. Por si fuera poco, consiguió que la mayoría de los principales actores lograsen entonar las canciones de la película, sin que desafinasen de una manera escandalosa. Su habilidad para manejar a los actores es tan alta, que es posible que un día consiga que Jim Carrey nos haga llorar y que Sharon Stone haga un papel creíble de Mary Poppins.

También vuelve a introducir efectos especiales, como el vuelo de Goldie Hawn a orillas del Sena, retornando quizá con cierta nostalgia a los elementos más asombrosos de sus filmes anteriores, en donde era capaz de introducir escenas fantásticas en películas dramáticas.

Hay homenajes a Groucho Marx, al modisto Ives St.

Laurent y, por supuesto, a los musicales norteamericanos de los años 40 y 50.

La trama es casi una constante en las películas de Allen, pues diferentes parejas viven problemas con sus relaciones.

Películas 447

448 El cine musical

Adolfo Pérez

MOULIN ROUGE 2002

Moulin Rouge!

Director: Baz Luhrmanm

Guión: Baz Luhrmann, Craig Pearce

Fotografía: Donald McAlpine

Música: Craig Armstrong, Marius De Vries, Steve Hitchcock

Intérpretes:

NICOLE KIDMAN: Satine

EWAN MCGREGOR: Christian

JOHN LEGUIZAMO: Toulouse-Lautrec

JIM BROADBENT: Harold Zidler

RICHARD ROXBURGH: Duque de Monroth

La película es una retrospectiva o flashback del protagonista, Christian, que recuerda la primavera de 1899, cuando llegó a París para vivir la bohème de final de siglo y escribir sobre los eternos ideales de verdad, belleza, amor y libertad.

Sin embargo, toda su vida se convierte en un infortunio cuando se enamora de Satine, la más encantadora bailarina del Moulin Rouge, de la cual todos parecen estar enamorados.

Satine, “el Diamante Reluciente”, no es tan idealista como él, pues adora las joyas, juega con los sentimientos de los hombres y evita enamorarse, ya que solamente tiene un sue-

ño: llegar a ser una gran actriz y alejarse para siempre del Moulin Rouge. Por eso no le atrae Christian, un bohemio recién llegado a la ciudad, sin dinero y que trata de mantener cierta dignidad ante sus desplantes. Sin embargo, el corazón de Satine opina de otro modo y pronto termina enamorada del poeta, llegando a considerar que la vida es ahora maravillosa con él a su lado.

Películas 449

Pero su ro-

mance no pasa

desapercibido

para nadie, mu-

cho menos para

el Duque de

Monroth, quien

hace tiempo que

desea poseerla

sin éxito y trata

de impedir que

ella consiga

marcharse del

Moulin Rouge.

El filme está

dirigido por el

australiano Baz

Luhrmann, au-

tor de “Romeo y

Julieta”, por lo

que el cine mu-

sical no le es des-

conocido, aun-

que tuvo que realizar no pocos ajustes para lograr que Nicole Kidman y Ewan McGregor consiguieran dar la talla entre tanta corchea.

El esfuerzo fue compensado y hemos podido escuchar cantar a dúo sin desafinar a los protagonistas canciones como

“Come what may” y “Elephant love medley”, mientras que Kidman interpreta en solitario “Sparkling diamons”, “One day I’ll fly Hawai” y “Diamonds are girl’s best friend”. Él, por su parte, también se atreve a cantar junto a Plácido Do-mingo el tema “Your song”.

450 El cine musical

Adolfo Pérez

Para el filme se crearon más de trescientos efectos visuales y se diseñaron más de cuatrocientos vestidos, consiguiéndose un acertado montaje gracias a Jill Bilcock, mientras que las canciones de David Bowie y Elton John dieron una nota peculiar a la banda sonora.

Premios:

Oscar en 2002 al mejor vestuario

Oscar a la mejor dirección artística

Inauguró el Festival de Cine de Cannes de 2001

Dos premios AFI 2002 al mejor montaje y la mejor banda sonora.

Tres Globos de Oro 2002 a la mejor película (musical o comedia), mejor actriz (Nicole Kidman) y mejor banda sonora.

Películas 451

CHICAGO 2002

Director: Rob Marshall

Productor: Marty Richards

Guión: Bill Condon

Basada en el musical homónimo creado por Bob Fosse a partir de la novela de Maurine Dallas Watkins

Fotografía: Dion Bebee

Música: Danny Elfman

Intérpretes:

RENÉE ZELLWEGUER: Roxy Hart

CATHERINE ZETA-JONES: Velma Kelly

RICHARD GERE: Billy Flynn

JOHN C.REILLY: Amos Hart

QUEEN LATIFAH: Matron “Mama” Morton

TAYE DIGGS: Lider de la orquesta

LUCY LIU: Kitty Baxter

La promesa de aventura y oportunidad que ofrece la Ciudad de los Vientos deslumbra a Roxie Hart ((Zellweger), una inocente y extravertida cantante que sueña con cantar y bailar, especialmente siguiendo los pasos de Velma Kelly ((Zeta-Jones), una popular cantante de vodevil. Roxie consigue que su deseo se haga realidad de manera insólita, pues ambas acaban en prisión acusadas de asesinato. Y en ese momento aparece nuestro galán, un guapo y sagaz abogado llamado Billy Flynn (Gere), quien acuerda hacerse cargo del caso por una suma cuantiosa.

El film de Marshall es sorprendente por varios motivos, siendo lo más significativo el hecho de que nadie sabía bailar ni cantar, pero bajo su acertada dirección hasta consiguen

452 El cine musical

Adolfo Pérez

asom

marcarse buenos pasos de claqué. También tenemos la gran simpatía que se percibe durante todo el filme, casi como con-trastando con el intenso drama de “Moulin Rouge”, así como la gran habilidad que demuestra contando en paralelo la escena real y la imaginada en la mente de los protagonistas.

Los intérpretes también bran, tanto Renée Zellweger (imitando a Marilyn Monroe) como Catherine Zeta-Jones (intentando ocultar su incipiente embarazo) y John C.Reilly,

Películas 453

sin olvidar un sorpresivo Richard Gere, cuya habilidad para imitar a Fred Astaire entusiasmó a todos. El desparpajo de Zeta-Jones, así como su intensa fuerza corporal, es la otra 454 El cine musical

Adolfo Pérez

cara de la moneda de Zellweger, más simpática y sensible, consiguiendo llevar la historia a un nivel inesperado.

Creemos que con este filme el musical ha encontrado su hueco en el mercado cinematográfico, pues es atractivo, sencillo, simpático y en ocasiones sensual, todo lo necesario para que el espectador pueda sonreír y soñar durante la proyec-ción y salga de la sesión con un grato sabor de boca.