BRAD PITT © Adolfo Pérez Agustí Edita: Ediciones Masters edicionesmasters@gmail.com http://www.edicionesmasters.com
BRAD PITT

Este joven, guapo y sensual actor, surgió como uno de los símbolos sexuales del cine más famosos de los años noventa. Pitt comenzó su carrera como invitado en la televisión y haciendo pequeños papeles en los culebrones "Otro Mundo" y "Dallas", atrayendo hacia sí la atención de los telespectadores por su pelo rubio y su peculiar mirada. Su lanzamiento surgió en el telefilme "Días de Gloria" (Fox, 1990), un drama efímero sobre el comportamiento escolar. Pitt continuó su carrera apareciendo en papeles diversos, como adolescente normal, en comedias de sexo, dramas y deportes, pero su confirmación como gran actor se la ganó con la interpretación del encantador autoestopista que seduce a Geena Davis en la película “Thelma y Louise” (1991). A partir de ahí, logró papeles de actor principal como ídolo adolescente ambicioso y ficticio en “Johnny Suede”, continuando así su ascendente carrera hasta su gran revelación, aún más si cabe, en “Doce Monos”.

Para los aficionados, su entrada en el mundo de las grandes estrellas de Hollywood se produjo cuando lució una glamour formidable en el papel del ambicioso en “Johnny Suede”, y lo mantuvo en el papel de un policía que debe controlar el mundo de los dibujos animados en “Una rubia entre dos mundos” (ambas de 1992), una película irregular pero interesante de Ralph Bakshi, mezcla de personas y dibujos.
Pitt consiguió también un poco de estima para los críticos en el papel del hermano más joven con problemas, junto al veterano director Robert Redford, en “A River Runs Throught” (El Río de la vida), también de 1992. Después le vimos en un personaje menos agradable cuando interpretó al asesino barbudo en “Kalifornia” (1993). Posteriormente realizó un giro al hacer el deleitable personaje como compañero de cuarto en la historia de Quentin Tarantino “True Romance” (Amor a quemarropa, 1993). Pitt consiguió conmocionar a sus fans cuando realizó el gran éxito de taquilla “Entrevista con el vampiro” en 1994, en el que hace de Louis, un lloroso hombre que después de perder a su familia se convierte en un vampiro sediento de sangre. Su papel como chupasangre era verdaderamente más anémico que cualquier de los otros vampiros. Las verdaderas cualidades de Pitt como actor se mostraron mejor en “Legends of the fall” (Leyendas de pasión, 1995), como el hermano salvaje de un clan occidental muy intenso. Posteriormente, y efectuando un cambio importante en sus papeles como joven guapo con glamour (y para evitar ser considerado "el hombre más sexy vivo" por la revista People), Pitt interpretó a un policía desaliñado y arrogante que rastrea a un asesino despiadado, junto a Morgan Freeman, en “Seven”. También aportó un gran cambio cuando hizo junto a Bruce Willis el trabajo de un loco agresivo que se comporta como un animal, en “Twelve monkeys” (Doce monos) de Terry Gilliam (ambas de 1995).

BIOGRAFÍA

Profesión: Actor
Nombre de nacimiento: William Bradley Pitt
Fecha de nacimiento: 18 de diciembre de 1963, en Shawnee, Oklahoma
Se educó en: la escuela secundaria de Kickapoo, MO. También, en la Universidad de Missouri (periodismo)

SUS PRIMEROS AÑOS

William Bradley Pitt es uno de los tres hijos (los otros se llaman Doug y Julie) que tuvo el matrimonio formado por Buddy y Angie. Nacido el 18 de diciembre de 1963, en Shawnee, Oklahoma, su madre Angie Jane, una consejera escolar en una escuela secundaria, y su padre Bill “Buddy”, directivo de una empresa dedicada al transporte por carretera mediante grandes camiones, se trasladaron a Springfield, Missouri, cuando Brad todavía era muy joven. Allí asistió a la escuela secundaria de Kickapoo High, donde demostró ser buen alumno, buen compañero, y participó en numerosas actividades sindicales y artísticas. Formando parte de la asociación de alumnos, se inscribió también en el grupo de teatro y parece ser que destacó también en el equipo de tenis y el béisbol. Aficionado al cine desde muy pequeño, sus películas favoritas eran tan dispares como “El planeta de los simios”, “Gente corriente”, “Fiebre del sábado noche” o “Alguien voló sobre el nido del cuco”.
Según manifestó en una entrevista para la CNN en 1995:

“Yo empecé a ir al cine a esos lugares donde uno puede ir en automóvil y tomarse la merienda. Mi madre me sentaba encima del capó del auto, y me daba una bolsa de palomitas que traía hechas de casa. Las que vendían en el bar eran demasiado caras”.

Suele recordar frecuentemente las comidas de macarrones con tomate y mucho queso de su niñez, y el trabajo ético con que él fue educado por sus padres.

“Mi padre se pasó 36 años, seis días a la semana, en el trabajo. Donde yo crecí, si usted trabaja comerá, no hay nadie que le realice su propio trabajo, ni siquiera instituciones benéficas. Allí nadie se quejaba de nada y eso ayuda a ser fuertes y a esforzarse uno mismo".

La Universidad

Brad asistió después a la Universidad Columbia, en Missouri, donde empieza a estudiar la carrera de periodismo. Allí se unió al grupo Sigma, una especie de fraternidad que trataba de mejorar al individuo mediante el estudio de técnicas chinas que potenciaban el CHI, la energía interna, disciplina que plasmó en un calendario escolar.

Michelle Burke, que compartió muchos de sus cursos con Brad, le recuerda como un compañero que deseaba ser director de cine. Describiendo sus recuerdos de esos años en el periódico de la Universidad titulado “Señoras”, ella escribió, “Brad puede que crease algún problema por exponer sus ideas, algunas interesantes, pero nunca fue amonestado por ellas. Era un chico muy galante que gustaba de ir detrás de las chicas.
En ocasiones, para conseguir que le pasásemos los apuntes nos traía flores y eso, lógicamente, nos desarmaba. También recuerdo lo mucho que quería a su familia. Se sentaba en clase y escribía cartas a su madre y su abuela. Una de las cosas que más me gustó de Brad era el valor que él había puesto a su familia”.

Al final de su último año de estudios, Brad decidió que era el momento de abandonar los estudios por la apasionante carrera de actor.

“En mi cabeza, ya tenía bien claro que no quería seguir en la Universidad. Estaba ya decidido a ser actor y eso que todavía no tenía ninguna experiencia”.

Abandonó los estudios de periodismo cuando apenas le faltaban dos años para completar su carrera y en 1987 se compró un todo terreno Nissan, al que bautizó como "Runaround Sue" y se fue a California. Llegó a la ciudad de Los Angeles con 325 dólares en el bolsillo y el deseo ferviente de ser actor.

¿Qué fue lo que le hizo tomar una decisión tan fuerte?

“Yo amaba tanto el cine, que ni siquiera me interesaba la música para jóvenes que enloquecía a los demás. Tenía una noción muy simple de lo que era mi mundo, aunque luego me diera cuenta que la realidad es bastante más duro de lo que soñaba. Yo pensaba: ¡Bueno!, simplemente iré a Hollywood y encontraré trabajo como actor. Así que cargué el coche con todas mis cosas y me fui en busca de lo que no teníamos en Missouri”.

El duro camino de la independencia

El éxito de Brad en el cine no fue inmediato, por eso al principio aceptó cualquier trabajo que le permitiera mantenerse. Se dedicó a entregar muestras de cigarrillos por la calle y a despejar a las prostitutas que se arremolinan alrededor de las limusinas. Su primer papel como “actor” le dejó literalmente aturdido: tenía que ponerse elegante con un traje de pollo fuera de un restaurante que se llamaba El Pollo. Otro de los trabajos consistía en cuidar a las mujeres que hacen striptease en las despedidas de solteros, y también le pudieron ver en algunos anuncios de televisión para la marca Levis.

“La vida dura es la mejor manera de co nseguir triunfar. Si usted se va al oeste y no tiene ningún lugar para dormir ni comer, se esforzará rápidamente en buscar una solución. De todas maneras, no creo que mi vida haya cambiado sustancialmente por ser famoso. Tengo que levantarme todos los días para ir a trabajar y a veces llego a casa de noche. En apariencia la vida de un actor es fascinante, con coches de lujo y mucho dinero, pero el carácter no cambia, quizá porque a mí no me impresiona la vida de Hollywood”.

Pero estos trabajos no le impidieron tomar algunas lecciones como actor serio y logró unas pequeñas intervenciones en series de televisión, entre ellas “Dallas”, en donde hace de novio de la hija de Priscilla Presley en los capítulos “Dolores de crecimiento” y “Otro mundo”.
Después consiguió otros pequeños papeles como extra en películas de serie B.

“La primera vez que me vi en la pantalla sentí vergüenza. Estaba en un restaurante comiendo y ponían un culebrón en el cual aparecía yo. Creí que todo el mundo me había reconocido y me empezaría a silbar”.

En 1990, consiguió un mejor trabajo junto a Juliette Lewis en la película para la televisión “Demasiado joven para morirse”. Esta joven supuso para Brad una gran ayuda en su carrera cinematográfica y en esos momentos confesó que gracias a ella había logrado estabilidad emocional y sobrevivir en la selva de Hollywood. Un año después consiguió por fin su primer trabajo importante en el filme “Across the Tracks”, junto a Rick Schroeder, a quien podemos recordar como el pequeño niño de la película “Campeón”. También realizó otra infame película de horror y sangre titulada “Clase Sangrienta”, además de seguir apareciendo en los anuncios de Levis Europa.

Su descanso le vino finalmente cuando interpretó un corto papel como el autoestopista "J.D." en “Thelma y Louise”. La prueba para el filme se realizó en los estudios de la Metro y en ella había por lo menos 500 chicos de su misma edad para interpretar un cortísimo papel. Pitt no era ni el más guapo, ni el más fuerte y ni siquiera el más recomendado, pero algo vería en él el director Scott para darle un papel. No obstante, el candidato idóneo había sido William Baldwin, hermano del ya actor Alec Baldwin, pero a pesar de tener ya firmado el contrato prefirió renunciar a favor de Brad.
Brad solamente intervino en la pantalla durante 14 minutos, el suficiente para poner nerviosas a miles de mujeres del mundo entero y conseguir que los productores se fijarán en él.

Después hace “Johnny Suede”, con un look en el pelo imposible de aguantar, parece ser que imprescindible para hacer el papel de un cantante de rock con más sueños que cualidades artísticas. Su gran afición a la guitarra eléctrica y su conocimiento del mundo del rock, fueron suficientes para lograr el papel de protagonista, aunque sus habilidades cantando eran, son, tan infames que tuvo que ser doblado. Luego confesó que él llevaba cantando desde niño, pero en la ducha de su casa.

Estaba convencido que esta película no sería un éxito, pero encontré el argumento muy sincero y por eso no rechacé interpretarla”.

Después realizaría un cambio total en su trayectoria, al incorporarse a un ambicioso proyecto de dibujos animados con personajes reales, que debía cautivar a los adultos. Para ayudarle en su trabajo tenía nada menos que a la hermosa Kim Basinger, quien por cierto estaba en su plenitud física.
Interpretando a una especie de detective llamado Frank, quien siente pasión por las mujeres irreales pero nunca consigue una de carne y hueso, logra con gran acierto pasar totalmente desapercibido ante el personaje de Basinger. No hay quien repare todavía en ese joven, rubio, malhumorado y que siempre aparece vestido con traje, que trata de controlar el mundo de los dibujos y salirse de esa prisión que no le corresponde.

“Si he de ser sincero, “Cool World” es la peor película que he realizado y no gustó a nadie, ni siquiera a mi familia. Creí que iba a ser un éxito, pero ni siquiera la he llegado a ver entera”.

“Desde fuera Hollywood parece algo maravillo so, pero una vez dentro te das cuenta que no es diferente a cualquier otro lugar. Hay gente maravillosa o indeseable como en todo el mundo. No te puedes detener ni un momento en tu trabajo o en poco tiempo te encuentras desplazado. La fama es efímera. Ahora solamente me interesa ser un actor respetado y que no me falte trabajo”.

Después sería el popular Robert Redford, ahora en labores de dirección, quien le llamaría para interpretar uno de los papeles que empezarían a definir su vida sentimental y artística: “El río de la vida”. Allí hace de padre Tom Skerritt y teniendo como fondo los escenarios naturales de Montana, logra que su trabajo al menos sea reconocido. La película gana un oscar a la Mejor Fotografía. Con motivo de la promoción de esa película viaja a España y allí aprovecha para conocer la arquitectura de Gaudí en Barcelona, el parque Guell y pasear discretamente por las calles de Madrid.

“Sé que hay gente que me compara con Robert Redford cuando tenía mi edad y por supuesto considero un cumplido que nos comparen. Redford es un hombre admirable, tanto para nosotros como para las mujeres”.

“No creo que el ser guapo abra las puertas del cine; hay muchísima gente más guapa que yo que todavía está a la espera de un papel de extra. Ser famoso es cuestión de trabajo y mucha suerte. Además, siendo guapo los críticos son mucho más exigentes contigo que cuando eres vulgar. Creo que a Dustin Hoffman le fue más fácil triunfar que a mí”.

Apenas unas semanas después logra un importante papel en la película de Dominic Sena, “Kalifornia”, donde tiene la oportunidad de trabajar al lado de Juliette Lewis, una de sus novias en la vida real. Sin embargo, en esta película su popularidad entre el público femenino sufre un serio revés al tener que engordar 18 kilos y aparecer con barba y pelo teñido en negro.

“Es que no veo la necesidad de que un actor deba estar siempre guapo e impecable en la pantalla, sin apenas despeinarse. No estamos ya en la época del glamour de Hollywood. Es cierto que mi personaje es extraño, pero creo que es más en el ámbito interno que en el físico. Hay que tener en cuenta que soy un actor y como tal debo adaptarme a cualquier situación y caracterización. El que salga feo o guapo es cosa de los guionistas y en este caso me siento satisfecho de mi actuación. Hay quien dijo que me parecía a James Dean y otros al Pato Lucas; supongo que todo depende de las gafas de quien me mira”.

El accidentado rodaje le produjo a Pitt una herida al tratar de abrir una botella de whisky con los dientes, consiguiendo solamente astillárselo. Por si fuera poco, durante el rodaje anuncia la ruptura definitiva del noviazgo con Juliette, pareja que había sido siempre un acontecimiento romántico de interés para toda la prensa del corazón. Hay quien afirma que fue el aspecto desaliñado de Brad lo que produjo la ruptura, además de su aspecto deliberadamente sucio. Brad confesó que el problema estaba en que sus planteamientos en la vida eran totalmente diferentes y aunque su tiempo de relación había sido estupendo, no tenía sentido seguir juntos.

“Es muy probable que nos sigamos viendo ya que nuestras casas de Hollywood están en la misma calle. Por eso no descarto que en el futuro podamos volver a unirnos. Nosotros rompimos nueve meses después de terminar “Kalifornia” y sigo opinando que ella es una chica excelente y muy buena actriz. Su trabajo en esta película es sensacional”.

Los nuevos contratos siguieron llegando y Tony Scott le propuso rodar “Amor a quemarropa”, basada en un argumento de Quentin Tarantino, pero el rodaje aún no finalizado de “Kalifornia” le impidió hacer el trabajo que sería adjudicado posteriormente a Christian Slater. Este rechazo involuntario le pesó durante bastante tiempo al convertirse el filme en un éxito de taquilla en toda Europa.
Después hubo nuevas proposiciones y nuevos rechazos, ahora para el filme “La asesina”, junto a Brigitte Fonda, papel que también rechazaría a favor de Gabriel Byme. Según Pitt, la película original “Nikita”, en la cual se basaba esta de ahora, era una obra maestra difícil de mejorar y, por tanto, no quería correr el riesgo de ser criticado.

“Es un proyecto sin sentido y me parece absurdo que quieran hacer una nueva versión”.

En ese tiempo se fragua el proyecto de llevar al cine una obra de vampiros muy diferente a lo habitual hasta entonces. La homosexualidad será el tema de fondo y para conseguir un gran éxito mundial se buscan a los tres actores más atractivos del momento. Richard Gere, John Travolta y Mel Gibson son los tres afortunados pero todos rechazan interpretar una obra con la cual no están de acuerdo. El filme estaba basado en la novela “Entrevista con el vampiro” de Anne Rice y es la propia escritora la que propone a Brad Pitt para el principal papel, aunque los productores eligen a Tom Cruise. Rechazan intervenir igualmente Daniel Day-Lewis, Jeremy Irons y el cantante Sting. Dirigida por Neil Jordan y contando con el trabajo de Christian Slater y Antonio Banderas, vemos a Pitt interpretando el papel de un aristócrata de Nueva Orleans durante el siglo XXVIII.
Durante el rodaje y para establecer las diferencias entre el vampiro jefe (Cruise) y los demás, este actor se puso zapatos de tacón muy alto, además de un maquillaje mucho más seductor.

“Tom Cruise es un buen actor pero demasiado perfeccionist a, por eso trabajar a su lado es complicado y muy cansado. Mucho más insoportable fue la autora del argumento, Anne Rice, quien nos comparó a Cruise y a mí con los personajes de Huckleberry Finn”.

“Respecto a Antonio Banderas, solamente puedo decirles que tuvimos una gran amistad y solíamos ir juntos en los descansos a correr en un circuito de karts cercano”.

“La película ha resultado un éxito en taquilla, pero a muchos críticos no les ha gustado. De todas maneras, no veo que sea nada importante el que un film no sea perfecto. No hay motivo de alarma social para ello. Quizá es que los periodistas están aburridos y necesitan emociones. También ha habido a quien le escandalizó ver a Cruise mordiéndome en el cuello, como si fuéramos dos gays, pero a fin de cuentas esa es la misión de un vampiro, morder a sus víctimas para chuparles la sangre. En el mundo del vampiro no hay dos sexos y lo único importante es perpetuar la especie”.

Después vendría “Leyendas de pasión”, una saga familiar en línea con películas similares de los años 50, en el cual Brad hace el papel de uno de los hijos de Anthony Hopkins y hermano de Henry Thomas, a quien el lector recordará mejor como el niño de “E.T.”. La película, dirigida por Edward Zwick y basada en una novela de Jim Harrison, tiene una duración superior a dos horas y está ambientada en los días que precedieron a la Primera Guerra Mundial, en el seno de una familia rural al Este de los Estados Unidos.

“Debo admitir que yo llamé personalmente por teléfono al director del filme para que me diera un papel en esta película, ya que me encantaba la historia”.

En 1955 la fama de hombre sexy de Pitt da la vuelta al mundo y sus clubes de fans proliferan sin cesar. Pero como no quiere que se le considere un hombre guapo sino un actor del cine de acción, se incorpora al rodaje de “Seven”, un thriller escabroso, sangriento y en ocasiones desagradable. Trabajando junto a Morgan Freeman, consigue un buen éxito en taquilla.
Después vendría una película desigual pero ciertamente interesante titulada “12 monos”, en la cual hace el papel de un demente que no contribuye a mantener su fama de chico guapo. Pero ese es el empeño más tenaz de Brad, y por eso le sedujo este papel en el cual incluso se tuvo que rapar el pelo, portarse como un loco y no ligarse ni a la taquillera. Su elección no fue desacertada, ya que fue nominado al Oscar al Mejor actor y consiguió un Globo de oro por su interpretación.

“Yo era admirador de la obra de los Monty Python y cuando supe que Terry Gilliam estaba preparando otra película con Bruce Willis, no dudé ni un momento en ponerme en contacto con él para que me diera una oportunidad. Sé que actuar tan sucio, rapado y con mirada de loco no es lo mejor para conservar a mis fans, pero debo conseguir antes prestigio como actor, no como hombre guapo”.

Luego tendría un resbalón de crítica, aunque no de taquilla, al trabajar junto a Harrison Ford en “La sombra del diablo”, en el cual hace un odioso papel como terrorista del IRA. Lógicamente, la película fue mal acogida en Europa, continente donde el problema del terrorismo se vive con mayor dramatismo e intensidad que en Estados Unidos. Por si fuera poco, el rodaje fue muy accidentado, no había ningún guión coherente (más bien habría que explicar que no había ningún guión) y cuando terminó el rodaje Brad realizó unas declaraciones muy negativas sobre Harrison Ford, que tuvieron su réplica. En posteriores entrevistas quiso rectificar y disculparse, pero el daño ya estaba hecho y todo el veneno que echó contra actores y técnicos, se volvió contra él y el filme estuvo a punto de ser un desastre económico.

Posteriormente interpretó “Sleepers”, junto a actores tan prestigiosos como Dustin Hoffman, Robert De Niro, Vittorio Gassman y Kevin Bacon, un reparto excepcional que aseguró el éxito en taquilla y su posterior pase al vídeo. Con esta película recuperó nuevamente su fama mundial, afianzada aún más con su papel del alpinista austríaco Harrer en el filme “Siete años en el Tíbet”, dirigida por Jean-Jacques Annaud, a quien recordamos por esa película documental titulada "“El oso".

NUEVOS DATOS BIOGRÁFICOS

Su primer amor conocido fue Gwyneth Paltrow, una actriz.
Otra cuestión son sus fotos completamente desnudas que se publicaron en la revista Playgirl. Se las propusieron cuando había intervenido en algunos capítulos de la serie televisiva “Dallas” y a Brad le pareció un buen medio para atraer la atención sobre sí mismo.
Posteriormente intentó recuperar los negativos y las copias que circulaban por medios periodísticos, aunque no pudo evitar que fueran vistas por cientos de aficionados, especialmente a través de las páginas de Internet. Incluso hoy en día siguen estando disponibles para los aficionados morbosos.

En una de sus últimas pelícu las, “Siete Años en el Tíbet”, puso muchas esperanzas para recuperar su estima como actor, especialmente después de su fracaso en “La sombra del diablo”. La pregunta que nos podemos hacer es, ¿de quién está tomando consejo Brad para elegir sus películas? Parece ser que de nadie; solamente sigue su propio criterio. Toda su vida, Pitt ha escuchado exclusivamente su voz y sus pensamientos. Ese “Pepito Grillo” interno fue quien le dijo que abandonara los estudios universitarios sin esperar la graduación y quien le aconsejó que no debería casarse con Paltrow. Una buena amistad siempre es mejor que un mal matrimonio.

El término con el cual la figura de Pitt suele ser definida en América es como “studmuffin”, algo así como “chico mofletudo” y que matizando un poco más nos indicaría un joven de rasgos cincelados, físico nervudo, y personalidad ardiente. En otras palabras, todo lo que influyó para que alcanzara el título de “El Hombre más Sexy Vivo” y que movilizó cientos de entusiastas aficionadas argentinas que alquilaron varios autobuses para acudir al lugar donde se estaba rodando “Siete días en el Tíbet”. Allí se hizo necesario construir una alambrada de espinos y la presencia de numerosos guardias de seguridad, para impedir que las chicas llegaran hasta la roulotte donde vivía y le asaltaran mientras dormía.
Como Dustin Hoffman dijo una vez: “Al lado de ese niño, todos nosotros parecemos cebollas”. Pero ¿por qué motivos ha querido Pitt abandonar la imagen que le alzó a la popularidad? Según él por tres razones:

“Una, es muy aburrida, dos, parezco un estúpido, tres, eso supondría mi muerte como actor en poco tiempo”.

Pero estos comentarios sobre su vida no suelen ser habituales en las entrevistas y lo normal es que nos encontremos a un actor que no quiere hablar de otra cosa que no sea sus películas. Está absolutamente decidido a guardar silencio sobre su vida personal, sus pensamientos internos, y su filosofía.

“ No quiero que las personas sepan nada sobre mí”.

Suele dejar bien claro en sus entrevistas hasta dónde quiere llegar y no tolera que nadie se salga de esa línea divisoria que ha definido. Sumamente cauteloso con sus respuestas, es frecuente que adorne sus frases con palabras como "fresco", "excelente", y "sí, hombre". Según manifestó en una conversación a la revista Newsweek , en relación al filme “La sombra del diablo”: “Es el pedazo de basura más irresponsable de toda la historia del cine, o por lo menos de todo lo que yo he visto hasta entonces”. Posteriormente, esas frases impulsivas se volvieron contra él y aunque se retractó rápidamente, probablemente bajo presión del estudio, diciendo que se había referido a la situación antes de filmar y no al producto terminado, tuvo que aguantar un aluvión de críticas que le dejaron chamuscado.
El filme “Una rubia entre dos mundos”, rodada en 1991, le proporcionó ese mismo año su nueva oportunidad para la película “Johnny Suede” (en la cual lució su glamour con más fuerza que nunca), y posteriormente en 1992 interpretó la película “El Río de la vida” (dirigida por Robert Redford, un actor con quien es comparado frecuentemente). Entonces vino “Kalifornia” (1993), “Entrevista con el vampiro”, y “Leyendas de pasión” (ambas de 1994), “Seven”, y “Doce Monos” (en 1995), Sleepers” (1996), y en 1997 “La Sombra del diablo”. Su siguiente filme, “Siete Años en el Tíbet”, es hasta ahora su trabajo más exótico: Pitt interpreta a Heinrich Harrer, un escalador austríaco que se escapa de una prisión de los aliados situada en la India durante la Segunda Guerra Mundial y llega en su huida hasta el Tíbet, donde se encuentra con el joven Dalai Lama.

“Este guión me llegó directamente al corazón. Ahora ya no se trataba de una historia romántica con una chica guapa a mi lado. El argumento me interesó tanto que no me importó correr el riesgo de que fuera un fracaso. No se puede apostar siempre sobre seguro y es mejor seguir los dictados de nuestra conciencia para tratar de hacer, al menos, lo que nos gusta”.

“El hecho de que el personaje sobre el cual gira la película fuera un nazi no supuso para mí un problema. En el filme se trata de mostrar el cambio tan profundo que tuvo su personalidad y sus convicciones políticas cuando estuvo en el Tíbet. Además, llegué a conocerle personalmente y me pareció una persona interesante que trataba de demostrar al mundo que ya no era esa persona que había estado junto a Hitler en alguna ocasión”.

A lo largo de su carretera, Pitt ha conseguido una nominación al Oscar de la Academia como el mejor actor secundario y elpremio Globo de Oro, por “Doce Monos”, junto con una reputación de amante de mujeres importantes. Estuvo unido a Robin Givens después de que ellos aparecieran juntos en un programa de televisión, vivió en California con Juliette Lewis durante tres años,y se unió a Julia Ormond, su amor en el filme “Leyendas de pasión”. Entonces se encontró con Paltrow, durante el rodaje de “Seven” en febrero de 1995, cuando ella hizo pública la noticia de que se convertía en su esposa. Durante los dos años siguientes, fueron considerados como “La pareja dorada”, constantemente fotografiados cogidos de la mano, mostrando ambos sus cabelleras doradas fundidas en una sola. Brad la propuso en matrimonio cuando ella fue a verle a Argentina, durante el rodaje de “Siete años en el Tíbet”, un lugar de los Andes que representaba perfectamente las montañas del Tíbet.
Pero a pesar de hablar mucho sobre la necesidad que tenía Brad para casarse cuanto antes con “su ángel”, el compromiso sólo duró hasta el siguiente verano, cuando la pareja, repentinamente, decidieron romper sin dar ninguna explicación.

HISTORIA DE UN CORTO ROMANCE
Como la mayoría de las parejas, Brad Pitt y Gwyneth Paltrow parecían tenerlo todo: el romance, la elegancia y el estrellato. ¿Dónde fue su amor?

Hace muy poco, Gwyneth Paltrow estaba locamente, y apasionadamente enamorada, de su novio Brad Pitt.
Nunca se había apartado de él más de dos semanas y cuando celebraron el 24 cumpleaños de la actriz, se fueron desde Londres hasta París para pasar unos días en el Hotel Savoy, dedicando muchas horas a pasear románticamente cogidos de la mano por las orillas del Sena. “Ella estaba increíblemente cerca de Brad. Siempre estaba hablando de él”.

Sólo cuando Pitt, con 33 años, había estado ausente en su casa de Los Angeles o en su apartamento de Manhattan, compartiendo sus horas libres con otras personas, su amor se había enfriado un poco. En la distancia, parece ser que ella bebía grandes dosis de café en un jarro que tenía tallada una cara de Pitt.
Gwyneth solía mostrar orgullosa su anillo de compromiso, un aro con cuatro diamantes uno grande y tres piedras diminutas - escogido personalmente por Pitt. En 1995, Michael Kaplan, diseñador del vestuario para “Seven”, dijo: “Cualquiera sabría que en cuanto ellos estuvieran juntos, la prensa no les dejaría en paz. Ella estaba locamente enamorada, pero la falta de intimidad les perjudicaba en su relación”.
Otra persona cercana a Paltrow dijo: “Ella afirmaba que necesitaba que Brad estuviera a su lado siempre, que lo echaba de menos”.
En la fiesta con motivo de finalizar el rodaje a finales de mayo, Paltrow, que había realizado un interesante trabajo en la versión para la pantalla grande de “Los vengadores”, fue observada por uno de sus compañeros de rodaje quien también insistió en el nerviosismo de la actriz al no poder soportar la ausencia de Brad, quizá por celos. “Se había vuelto muy, muy perspicaz para volver con Brad. Ella siempre estaba diciendo que no podía esperar más”.

El 16 de junio, el publicista Cindy Guagenti de Pitt anunció que esa pareja dorada de Hollywood había llegado a un momento muy delicado y abrupto a sus dos años y medio de romance: “Ellos han estado a favor de romper sus relaciones enseguida”. Este comentario fue confirmado por ella de esta manera: “No está motivado por ningún acontecimiento específico. Nosotros tenemos una relación normal con problemas reales, no vivimos en una continua fiesta. De todas maneras, es un asunto entre nosotros dos”. Incluso en un pueblo donde el amor es tan imprevisible como para no causar extrañeza la ruptura de una pareja, la revelación produjo más de un susto. ¿Qué otra pareja célebre en los últimos años, han estado inicialmente tan enamorados como Romeo y Julieta y han roto a los pocos meses? Puede que sea triste, pero el porcentaje de rupturas supera al de éxitos. “Yo corté el pelo a Paltrow - dice Laurent, el peluquero de las estrellas – unos días antes de que ella dejara Londres en febrero. Ellos estaban en ese momento muy enamorados y permanecían todo el tiempo agarrados de la mano, especialmente aquella que sostenía sus anillos de compromiso”.

En una mirada retrospectiva, hay siempre por supuesto señales indicativas de que algo no iba bien. Aunque el silencio sobre su boda fue motivo de rumor durante las tardes de verano en el Hampton Oriental, de Nueva York, una persona familiarizada con los planes de la pareja manifestó que ella había visitado a la diseñadora de vestidos de novia Vera Wang, en la Ciudad de Nueva York, para hablar de ello.
Por su parte, el fotógrafo londinense Nikos descubrió a la pareja cuando ella salía enfadada de una limousine Mercedes blanca que les había llevado por todo Londres durante algunas semanas. “Algo salió mal. Pero luego vi a Pitt que salía del coche y la invitaba a subir de nuevo con palabras tiernas”.

Pitt, que estaba filmando entonces la comedia fantástica “Meet Joe Black”, en Nueva York, realizó una juerga solo, sin ella, con un grupo de amigos masculinos, en el estudio de un fotógrafo el 12 de junio.
Quienes estuvieron allí dijeron que Brad parecía muy feliz realmente, muy sonriente y disfrutaba del ambiente. Era obvio que no echaba de menos a Gwyneth. Cuatro días después, las noticias sobre su separación fueron divulgadas.
Con Pitt que se queda en su apartamento de Manhattan y Paltrow que se acuesta con un “amigo íntimo” de la pareja, todavía les solemos escuchar que siguen manteniendo buenas relaciones, aunque nadie volvió a verles juntos en sus guaridas favoritas, como el restaurante Villa Mosconi. Paltrow, por su parte, ha preferido permanecer al margen de la prensa.
Aunque ella aceptó una invitación para asistir el 17 de junio en Nueva York al estreno de la nueva comedia de Julia Roberts, logró permanecer oculta a los fotógrafos. Según un amigo de Pitt, la actriz estaba aturdida y destrozada. La razón, dice el amigo de Pitt, es porque la decisión era, de hecho, irreversible a causa de Brad. “Él fue quien canceló su relación. Algo cambió en su mente un mes antes y aunque inicialmente estaba entusiasmado con la boda, realmente no lo deseaba. Creo que no se paró ni un segundo en meditar en lo que se había metido y cuando por fin lo hizo se asustó al comprender cuales eran sus verdaderos sentimientos”.

Un íntimo del actor, sin embargo, dice que "Brad estaba lleno de entusiasmo por casarse cuanto antes, por eso cuando rompieron se quedó muy disgustado". Otra persona muy allegada a ambos actores no está de acuerdo con la idea de una acción unilateral por parte de Pitt en la ruptura: “Eso no es cierto. La pareja ya marchaba mal hacía tiempo y sus encuentros acababan casi siempre en bronca”. El hermano de Pitt, Doug, de 30 años, que posee una compañía de ordenadores cerca de una de las residencias del actor, dijo: “Tiene, por supuesto, una gran tristeza. Ambos son unas grandes personas”.
De hecho, al principio, parecía como si el destino les hubiera efectuado un encantamiento. Los dos se enamoraron durante el rodaje de la película “Seven”, donde, a través de una ironía desagradable, Paltrow hacía el papel de la esposa condenada de Pitt. La actriz, había estado unida con anterioridad a los actores Donovan Leitch y Robert Sean Leonard, y parece ser que no pudo resistirse a la química que surgió inmediatamente entre ambos. “Al principio empezamos solamente como dos amigos que necesitan cariño y compañía”, dijo ella al periódico Times de Los Angeles. “El problema es que no hubo nada recíproco y Brad nunca manifestó ninguna comprensión hacia mí”.

La pareja parecía dichosa cuando acudían a reuniones de la Alta Sociedad, como cuando fueron a la Casa Blanca, o cuando ella bailó especialmente para él en un local llamado “Pig’s & Cow’s”. Se comprometieron finalmente, después de varios meses de especulación, cuando ella le visitó el mes de diciembre en Argentina, donde él estaba interpretando la biografía histórica, “Siete Años en el Tíbet”. Entonces, en Navidad, Brad se fue a casa de su padre Bill Pitt, quien poseía una empresa de transportes con camiones. Allí, en compañía también de su madre Jane, realizaron una fiesta anticipada de su unión, cenando en el restaurante local “La Langosta Roja”. Después de solamente dos meses, Pitt responsabilizó la tardanza en casarse a los numerosos trámites necesarios para ello.

“Yo no puedo esperar, ni puedo pasarme tanto tiempo practicando... camine por el pasillo, lleve el anillo, bese a la novia. ¡Oh!, todo es demasiado complicado y lento”.

Cualquier cosa que sucedía, por insignificante que fuera, disminuyó aún más la velocidad para la boda.
Todas las personas entrevistadas estuvieron de acuerdo en que Brad no ponía facilidades a nadie y todo eran problemas. “Brad no es un buen relaciones públicas, dijo un amigo, y no es tampoco un estafador, por eso no colaboraba con nadie. Además, yo creo que siempre ha tenido más de una novia a su alcance y es demasiado proclive a enamorarse con rapidez, especialmente de las actrices”.
Entre estas pasiones fugaces están: Jill Schoelen (“Clase Sangrienta”), Robin Givens y Juliette Lewis (“Kalifornia”). No obstante, su relación con Paltrow parecía más seria. “Brad no se comprometería a una chica con tanta ligereza sino hubiera estado enamorado de ella”, dijo Janice Johnson, una actriz que trabajó con él. “Brad, además de un chico guapo, es un muchacho básico. Probablemente estaba bien para Paltrow, aun cuando su carácter era más sensible y sencillo que el de Pitt, con su amor por la música rural y la cerveza”.

La familia de Paltrow, es impresionante. Su padre es un productor y director llamado Bruce Paltrow, que posee junto a su hermano Jake varias casas en Santa Mónica y en el lado este de Nueva York. Ella dedicó varios veranos a realizar teatro regional con su madre, la actriz Blythe Danner, y durante el resto del año estudiaba en una escuela de señoritas llamada Spence, situada en Manhattan.
Sin embargo, Paltrow es probablemente una chica hogareña que quiere a su familia, además de a Pitt. Durante todas las noches que ha estado fuera de Manhattan con Pitt, Paltrow ha puesto mucho énfasis en lograr entre ambos una relación doméstica cómoda, muy similar a la vivida con sus padres. En una ocasión ella dijo: "Nosotros normalmente estábamos siempre solos, leyendo, tomando café o mirando “Misterios sin resolver”. En ocasiones invitábamos a algunos amigos para jugar al Pictionary. Respecto a lo de tener niños, a mí me gustaría tenerlos enseguida, aunque reconozco que amo mi profesión de actriz. De todas maneras, no es la cosa más importante para mí”.

Irónicamente, cuando su vida personal con Brad se ha roto, su trabajo profesional se ha desplomado en el mismo momento. En septiembre de 1997 ambos están de acuerdo en realizar su primera película juntos después de “Seven”. Pero de ese acuerdo no sale nada concreto y solamente logran hacer una escena juntos en “Dúos”, una película sobre los participantes en concursos de karaoke, que sería dirigida por el padre de Paltrow. La semana anterior un productor nervioso voló a Nueva York para asegurarse que la pareja estaba todavía disponible. Cuando se enteró de la separación dijo que no entendía que una pareja se comprometiera en un negocio y luego abandonasen por cuestiones personales, dejando en la estacada a tantas personas.

Luego hubo bastante especulación sobre una posible reconciliación, pero parece ser que todo fue una estrategia para que la prensa les dejaran en paz. En esa época se publicaron unas fotografías de ambos completamente desnudos realizadas por un paparazzi en 1995, mientras ellos veraneaban en lo que creían un sitio apartado en la isla St. Barthelemy, situada en la India Oriental, de dominio francés. Pitt puso una demanda para evitar la distribución de esas fotos, alegando intromisión a su intimidad. Un juez de Los Angeles pidió que Playgirl no entregara más copias pero no revocó inmediatamente la publicación de las revistas ya distribuidas. Brad también exigió daños y perjuicios no especificados por la invasión en su vida privada y el consecuente dolor emocional.

Éste fue sólo su segundo problema relativo a su popularidad. El primero fue un arresto por conducta indecente durante 1988.
Según el informe de la policía, un joven de 24 años llamado Pitt, quien estaba realizando una película en Los Angeles, caminó por la carretera que bordea el Cañón de Malibú y dejó caer sus calzones blancos durante un minuto ante la presencia de numerosos testigos. La sentencia que logró su abogado fue un cargo menor por perturbar la paz, en lugar de exhibicionismo, y todo se redujo a una multa de 450 dólares.
Por otra parte, además, de una propensión por fumar Camell, su vida parece ser bastante sana y tranquila. Si toma alguna dosis excesiva de algo quizá sea de batidos de fresa. Tiene un estómago delicado (algo que explicó durante la entrega del Globo de Oro) y muestra bastante pasión por la arquitectura.
Posee un apartamento de estilo rural en Beverly Hills y 600 acres en Ozarks, así como tres perros a los que adora llamados Purty, Todd y Potter.
El propio Pitt ha manifestado su disconformidad por haber sido nombrado como “El Hombre más Sexy vivo”, lo mismo que tampoco le agrada que tenga que posar con una camisa de pirata abierta por el ombligo.

“¿Quién fue el estúpido que escogió esta foto?”, preguntó.

Y como el director de “Siete años en el Tíbet” Jean -Jacques Annaud explicó, “aun cuando él no sabe decirlo, está preocupado con el dilema entre la fama y el respeto así mismo. Sabe que no son en absoluto la misma cosa”.

“Esta película me permitió realizar alpinismo, el deporte que más me apasiona. Es algo contradictorio que estando al borde del peligro, de la muerte, me sienta más vivo que nunca. Esta experiencia ha supuesto un gran cambio en mi carácter y me ha ayudado a comprenderme mejor a mí mismo”.

Una nueva estrella de Hollywood

Realizó una foto publicitaria en camisa y un millón de mujeres se desmayaron. Divulgó sus problemas emocionales y millones de chicas lloraron. Se separó de su novia... y un millón de muchachas saltaron de alegría. Parece ser que esto último fue la respuesta a miles de oraciones que pedían su separación. Ahora Brad Pitt estaba de nuevo soltero. ¡Yees!.
¿Cuál es el secreto de este hombre de 34 años, nacido en Oklahoma, alimentado con papillas de maíz, para conseguir poner de cabeza a actores mucho más guapos y mejor formados que él? No es ningún secreto que Brad rezuma una sexualidad cruda y sencilla, un tipo de calor animal que hace las delicias de las chicas que sueñan con sus botas de vaquero depositadas junto a la cama. Incluso una reconocida lesbiana llamada Melissa Etheridge declaró que Pitt podría hacer que ella se convirtiera de nuevo al “buen camino”.

Otra parte atractiva es su belleza, sencilla y bastante hosca. Es difícil encontrar una armonía en su barbilla o una estética en sus mejillas, aunque todo en él es tremendamente interesante cuando le vemos cabalgar a horcajadas sobre un caballo en “Leyendas de pasión” o hacer el amor a una hambrienta de venganza como Geena Davis en “Thelma & Louise”.
Pero Pitt parece ser que aporta algo más que una porción de carne más o menos sensual. Bueno, hay que admitir que es difícil tomarse en serio a un actor que ha sido declarado “El Hombre vivo más Sexy”. Cuando esa revista para chicas le dio a Brad el título en 1995, estaba en un buen momento físicamente, pero después de esa coronación hay que reconocer que ha envejecido bastante.
Afortunadamente eso le ha permitido hacerse también más sabio y más justo. Nuestro querido actor está volviéndose un hombre maduro.

Once años después que él llegase a Hollywood desde Missouri en un Nissan viejo llamado Runaround Sue, se ha convertido en multimillonario. Pero todavía se le reconoce por la seriedad en el trabajo, su ética, y sus deseos de mejorar cada día. Brad posee ya un curriculum vitae que cubre toda clase de papeles, desdeun jovencito en “Dallas” y “Thelma y Louise”, a otros ciertamente complejos como en “Johnny Suede” (1991), “Kalifornia” (1993) y “Entrevista con el Vampiro” (1994). Después estropeó bastante su popularidad cuando hizo de un terrorista del IRA en “La sombra del diablo”, recuperándose parcialmente como el místico Heinrich Harrer en, “Siete Años en el Tíbet”. “Yo pienso que esta película significó mucho para Brad”, dijo el director Jean-Jacques Annaud. “Las personas todavía lo recordaban como un adolescente guapo. Creo que él está luchando para ganarse el respeto de todos”.

“Ahora es cuando me he dado cuenta de lo agradable que es ser un personaje anónimo. Me siento tan acosado, con tan poca intimidad que cuando me enteré de la muerte de la Princesa Diana creí que era algo que me podía ocurrir a mí mañana mismo. Pero no solamente los paparazzis son odiosos con su trabajo, la gente en ocasiones se excede cuando quiere un autógrafo y puede ser asfixiante estar rodeado de un montón de admiradoras queriendo tocarte o que les firmes en algún sitio, por increíble que sea”.

Ordenado y serio, hay quienes consideran que es un actor que ha tenido difícil su aceptación por el gran público (otra cosa son las quinceañeras). Que se le considerase como una versión moderna de James Dean, con el encanto añadido de su vulnerabilidad aparente, le ha perjudicado más que ayudado.
Con su pelo rubio mal peinado y su rubor eterno en las mejillas, logra hacer soñar a la mayoría de las chicas que aún creen en el Príncipe Azul.Durante el rodaje de “Siete años en el Tíbet”, en tierras argentinas, la agresión de sus fans fue tan importante que los ejecutivos se vieron en la obligación de levantar una pared metálica de casi dos metros de altura alrededor de su casa rodante. Pero incluso bajo este asedio, Pitt es incansablemente cortés.

“Ser un símbolo sexual hace la vida de un actor verdaderamente dura, pero ser acosado constantemente también es gratificante y adulador. Afortunadamente la gente latina es muy afectuosa y de buen corazón. Además, saben comer muy bien y me gustaba mucho sus platos de pasta al curry y sus grandes chuletas de carne. El problema es que hace engordar mucho y luego hay que ponerse a régimen”.

“No creo que la razón de mi éxito sea exclusivamente mi físico. Si fuera así me hubiera dedicado a ser modelo de pasarela. Creo que hago algo más que enseñar carne”.

En el estreno mundial de “Siete Años en Tíbet” realizado en Toronto en septiembre de 1997, la Bradmanía gobernó. “Esto era el frenesí mayor que yo he visto en mi vida”, dijo Debbie Lightheart cuya compañía de seguridad ha guardado este local durante siete años. “La chusma entera lo persiguió”. Pero ella no estaba dispuesta a permitirles dañar ni un solo pelo del actor. Lightheart asignó a más de 20 hombres corpulentos la protección de Pitt, los cuales vigilarían desde su cuarto de baño, hasta su cena con los ejecutivos de la productora en un restaurante cerrado al público esa noche.
Cuando los entusiastas bloquearon la entrada del restaurante, los guardias pasaron de contrabando a Pitt por una salida secreta situada en la parte trasera. No obstante, la estrella se detuvo para decir a Simón Bower, el dueño del restaurante: “Diga adiós a todos y agradézcale en especial su interés al personal dela cocina”. Cuando se fue, todos comentaron lo educado y modesto que era.

Por supuesto, la compresión fanática no es nada nuevo para William Bradley Pitt. Pero en estos días el actor se encuentra a menudo solo en la muchedumbre. Todavía mareado por los acontecimientos con su último amor, Gwyneth Paltrow, de quien se separó en el 25 cumpleaños de la actriz en junio, Pitt ha mantenido unas relaciones sociales muy bajas, aunque parece ser que se le ha visto en compañía de Katja Garnier, una chica de 31 años que es directora de cine en Alemania. Aunque un portavoz de Pitt dice que ellos son “sólo buenos amigos”, Pitt fue visto de nuevo en su compañía cuando se estrenó su película en Alemania, en el mes de noviembre.
El trabajo también ha mantenido lejos a Pitt de su casa de 1913, residencia que lleva cuatro años restaurando. Aunque él filmó “Meet Joe Black”, una comedia oscura con Anthony Hopkins, en la ciudad de Nueva York de junio a noviembre, evitó frecuentar los cafés de moda del centro de la ciudad donde él y Paltrow eran clientes habituales. Y mientras está cerca de sus padres, Jane, una profesora escolar, y Bill, un ejecutivo de la compañía de transportes ya fallecido, han estado durante seis meses en su casa de Springfield, donde su hermano Doug, de 31 años, y la religiosa hermana Julie, de 28, hacen una vida sencilla de familia.

El nuevo Brad Pitt

Los cambios en el carácter de Brad comenzaron en mayo de 1997, con el descubrimiento de su verdadero carácter cuando rodaba “Siete años en el Tíbet”. Su personaje Harrer, había pertenecido a las SS Nazis. Mientras Annaud agregó apresuradamente nuevos detalles a los diálogos que mostraban la revelación, Pitt admitió después que tardó bastante tiempo en reconciliarse con su papel de un Nazi.
La ruptura súbita con su novia Paltrow se anunció en junio, por lo que debieron suspender la realización de “Dúos”, una película que iba a ser dirigida por su padre, Bruce. Entonces, en agosto, la revista Playgirl publicó unas fotos de hace dos años realizadas por un paparazzi con Pitt y Paltrow saliendo desnudos de una playa solitaria en el Caribe. Él demandó para detener la distribución de lo que era una intromisión en su intimidad, pero la revista alegó que esas fotos ya eran de dominio público hace tiempo a través de Internet. Y en el mismo mes, el padre del actor se puso enfermo mientras visitaba a su hijo y fue llevado rápidamente al hospital. Resultó no ser nada serio (dice Doug Pitt), pero lo suficientemente importante para avisar a Pitt que su padre no era eterno, que pronto lo perdería.
Todavía, Pitt desplegó una admirable y atractiva madurez en esos tiempos duros.

“Esto es el mundo real y yo estoy creciendo”, dijo, “Hay momentos en que la vida se mueve en ciclos, y es justo cuando entonces hay que ordenar las cosas que están mal”.

Para estar seguro, no hay nada como un compromiso roto y empezar nuevos trabajos. Después de romper su relación con la rubia Paltrow, la mujer que él había llamado como "mi inspiración" y "mi ángel", Pitt descendió a un paraíso azul. Algunas semanas después de ese descanso, el director Nick Cassavetes se encontró con el actor en Nueva York y esperó convencerle para que trabajara junto a Meg Ryan en su nuevo romance cinematográfico. Para tratar de que estampase su firma en un contrato tuvo que consolar a Pitt durante horas en la barra de un bar. “Brad no quería pensar en el trabajo. En ese momento era un tipo que necesitaba solamente tomar unas cervezas con otro tipo y conseguir sacar sus problemas fuera de su pecho”.

Luego circularon los rumores de que había estado flirteando con su compañera Claire Forlani. Cuando la chismografía barata se pone en funcionamiento, un nuevo romance ya es un hecho. Después de todo, Pitt había mantenido romances con tres chicas a quienes había conocido en el cine: Robin Givens, Jill Schoelen y Juliette Lewis. Cuando se encontró con Paltrow, ambos estaban rodando “Seven” en 1994. Con la tentación irresistible que supone el mantener relaciones con un chico guapo, famoso y rico, Brad obviamente no tiene problemas para encontrar pareja. Pero mientras muchos mortales aprovecharían cualquier oportunidad de acostarse cada noche con una mujer diferente, Pitt manifiesta que su problema es mantener a distancia a las hembras que le persiguen. “Él podría salir y con solamente chascar los dedos podría conseguir a cualquier muchacha”, dijo uno de sus compañeros de rodaje, “Pero no es su estilo”.
Su maquilladora y amiga íntima Jean Ana está de acuerdo: “A pesar de lo que la prensa dice sobre él, en cuanto a sus romances, en los ocho años que le conozco, yo nunca he visto esa faceta de galán que mencionan. Cuando Brad está enamorado, su lealtad y compromiso son totales”.

“Creo en el matrimonio y me gustaría ser padre. No soy una persona promiscu a y la lealtad es una cosa muy importante en mi vida. No me gusta criticar a nadie, pero no me identifico con esa gente de Hollywood que tienen líos amorosos a espaldas de su pareja”.

Todavía, los dilemas de su corazón, para uno de los hombres más deseados del mundo, son materia importante en la mente de Pitt. Según dijo:

“Mi relación con Paltrow acabó porque era muy distinta como futura esposa que como novia. El amor es trabajo y sacrificio. ¿Quiere usted estar con alguien, o quiere seguir llevando la vida anterior? Esa es la opción que la gente debe plantearse. Hay que ser honrado sobre eso, sino es posible que nos encontremos yendo de un sitio a otro pronto”.

La pareja que antes llenaba las páginas de las revistas, está paseando por caminos separados ahora. Paltrow que se volvió a su tierra el 25 de septiembre, se la encontró besuqueándose con Jason Blum durante su fiesta de cumpleaños en una sala de fiestas de Nueva York. Ese mismo mes, en una fiesta en Toronto, un "muy coqueto" Brad Pitt, según la redactora local Rita Zekas, mantenía una proximidad corporal muy intensa con una belleza rubia, aparentemente indiferente a que su marido se encontrase allí. “Parece ser que Brad le pidió su número de teléfono, continúa Zekas, y su marido finalmente le tuvo que aclarar que ella estaba con él”.
Pitt interpretó su primer papel bajo en testosterona en “Siete años en el Tíbet” y en la fiesta del estreno en el restaurante Oriental Colonial de Hollywood, vistiendo un traje negro carbón y una camisa de Prada amarilla, Pitt encantó a las mujeres cuando él agitó sus manos, sonrió y escuchó los aplausos. “ Era como si guardase un cronómetro y otorgara una cantidad fija de minutos a cada mujer que le lanzaba besos y se tiraba del pelo”. Para que no se fuera al traste su imagen del Hombre más Sexy a causa de las tormentas de los últimos meses, él aseguró a una periodista:

“Yo seguiré saliendo con chicas y sino funciona lo dejaré de nuevo. Tengo mucho respeto por el amor”.

ENTREVISTA

Brad Pitt y el Budismo, la fama y las chicas argentinas

El agente cazador de estrellas no podría proponer un nombre mejor para una estrella de cine, aunque quizá el nombre Brad Stone habría sido más acertado. De todos modos, el actorse ha quitado a tiempo del juego de la Isla de Rodas de su próxima película, “Meet Joe Black”, y aunque hay quien dice que es un remake, es tan nueva como lo fue “Siete años en el Tíbet”.
Simplemente sentados en el césped de una mansión de estilo Newport, cerca del cobertizo que alberga las costosas barcas de recreo, nos parecía estar viviendo las mismas historias que los personajes de “En el Estanque Dorado”.
Pitt, con sus ya 34 años, se viste sin excesivo cuidado pero con ropa cara. Su camisa bien entallada, de diseño europeo, con los puños muy largos que el actor ha escogido dejar sin abrochar para que permitan salir a sus muñecas, mientras nos mira de una forma que nos hace pensar en la relajación de un santo. cine, pero el carisma que muestra en la tenemos delante.
¿Esa sonrisa que nos muestra es también la suya propia? ¿Sus frases rápidas son genéticas o forman parte de alguna película? ¿Es tímido, entretenido, de muecas retorcidas y de fácil asombro? Pero ante todo un entrevistador no debe contagiarse de la personalidad del actor y ni siquiera sentirse atraído por él; de ser así, la entrevista sería falsa.

Este no es un caso habitual en las estrellas del pantalla está igualmente presente cuando le

- La primera cosa que quiero preguntarle es, lo que realmente pasó entre usted y Gwyneth.

- Gwyneth, por supuesto, siendo Gwyneth Paltrow, es una chica a quien encontré hace algún tiempo cuando rodábamos “Seven”, y con la cual pensé en casarme seriamente. El problema mayor fue la gran difusión que dieron de este compromiso los medios informativos. Yo no discutiré sobre mi vida privada. He oído muchas tonterías, como que soy un loco amante de las fiestas, pero eso no es cierto. Yo soy una persona aburrida, por lo menos en las fiestas normales.

- ¿Y sobre el tema que usted está más iluminado por el budismo que Richard Gere y es más sexy que él?

- Yo no he recibido ninguna llamada de los fans de Richard Gere o Steven Seagal, de quienes se llegó a decir que podían ser la reencarnación de un Lama muy venerado, y solamente me preocupé que en mi película se iban a reflejar momentos importantes en la vida del Dalai Lama. Yo no soy una persona particularmente espiritual, aunque siempre he prestado atención a la religión. Crecí en un fondo religioso, pero nunca me he sentido parte de ninguno de ellos. Creo que debe haber algo de verdad en las religiones para que tantos millones de personas las sigan desde hace miles de años.

- Antes de “Siete Años en el Tíbet”, usted no sabía mucho sobre la religión budista. Parece ser que le entregaron una copia del libro tibetano de Sogyal Rinpoche “Vivir y Teñir”, una introducción al asunto, pero nunca lo leyó y prefirió entrar en el proyecto tan ignorante como era el personaje que interpreta en la película. ¿Es cierto?

- Yo lo único que sabía en un principio es que se trataba de la historia del escalador austríaco Heinrich Harrer, cuando él llegó a la frontera Tibetana en 1944. Después me dijeron que algunos de los monjes que salen eran reales y para mí hablar con ellos suponía una gran curiosidad. Uno de ellos, de 89 años, se convirtió en un extra maravilloso y nos ayudó mucho durante el rodaje. Tenía una paciencia infinita y era capaz de quedarse quieto horas sin fatigarse.

- ¿Comparte con ellos su idea de una civilización que rechaza el principio de la violencia?

- Yo no puedo afirmar esto. Una sociedad como la tibetana no ha podido desarrollarse sin violencia. Cualquier persona, por pacífica que sea, considera la violencia como una opción en ocasiones necesaria. Los tibetanos dicen: “No miréis a nuestro pueblo como muestra de debilidad, sino como reflejo de nuestra fuerza. Si nosotros bendecimos a nuestros enemigos, nosotros nos ponemos más fuertes”. Esa es su filosofía básica. Es como si nos dieran las gracias por hacerles más fuertes gracias a nuestra propia agresividad. Steven Seagal no podría afirmar una cosa así, o quizá sí.

- Hay rumores que hablan del pasado Nazi de Harrer.

- No quiero entrar en esa controversia sobre el pasado de Harrer y su pertenencia a las SS. En un principio, cuando llegaron hasta el director Jean-Jacques Annaud y yo, nos preguntamos sino estaríamos glorificando la imagen como héroe de un antiguo Nazi converso al budismo. Después supimos que los periodistas que habían informado de ello no habían recogido toda la información. No es correcto divulgar una noticia ni hablar de ello hasta que usted sepa todo sobre el asunto a tratar. Ese es uno de los motivos por los cuales me pongo incómodo con las entrevistas. Los reporteros me preguntan lo que yo pienso sobre lo que China debe hacer sobre el Tíbet. ¿Acaso yo dispongo de la suficiente información sobre el problema como para dar una opinión tan importante? ¡Yo soy un actor del cine, nada más!
- Ellos me dan un guión, y luego actúo. Yo estoy en favor de la película, básicamente, y no me cuestiono preguntas que no me corresponden. Tengo suficiente experiencia ya para no hablar antes de tiempo.

Esa realidad tan severa no le protegió de la avalancha de sus admiradores argentinos mientras rodaba “Siete Años en el Tíbet” en el pueblo de los Andes que simulaban el Himalaya. A través de su puerta, Pitt escuchaba los coros de las quinceañeras cantando: "¡Olé, Olé, olé, olé!, ¡Brad Peeeeet!".

EL RODAJE DE “SIETE AÑOS EN EL TIBET”

Las espirales de las Montañas de los Andes agujereadas por una cubierta de nubes, se muestran poderosas en la Argentina norteña. Las crestas gigantes, siempre llenas de vida verde y ranuras profundas y oscuras, muestran sus cicatrices a los viajeros que las visitan. Unas millas debajo de esas crestas, Brad Pitt está teniendo un momento de su vida trabajando en algo que le supone verdadera angustia. Uno, dos, tres, giro. Uno, dos, tres giro. El Ejército de Pitt se calza las botas de la II Guerra Mundial, para marcar el paso en el patio de la prisión en vueltas rápidas y firmes. Él sigue buscando al cerco de la armadura de alambre de púas que rodea el recinto.

Pitt tardó aproximadamente tres meses en rodar “Siete Años en el Tíbet”, la verdadera historia del montañés austríaco Heinrich Harrer que estaba con una expedición al Himalaya cuando la Segunda Guerra Mundial comenzó, en 1939, y fue detenido por los británicos. La famosa historia autobiográfica de Harrer, de como escapó y huyó al Tíbet, donde se convirtió al budismo mediante su amistad con el Dalai Lama, introdujo a muchas personas en el mismo camino.

“Siete Años en el Tíbet” es una historia épica de la más alta genealogía, pero también la que necesitaba Pitt en su lista de filmes para conseguir el glamour de otras estrellas de Hollywood. No era solamente una cuestión de éxito comercial. Ese era el mismo problema para el director Jean-Jacques Annaud, quien había realizado anteriormente un romance erótico titulado “El Amante”, y un misterio medieval en “El nombre de la rosa”. Las escenas en las que Harrer sufre cuando recibe la noticia del divorcio de su esposa que vive en Austria, pueden representar la diferencia entre una nominación al Oscar y la indiferencia.
Pitt se esfuerza por demostrar el dolor de su corazón, aunque de repente se detiene. Pone su mirada en el cordón de acero y se golpea con la intención de mortificarse. Sabe que a menos que lo haga realmente la escena no parecerá auténtica, y por eso se provoca dolor, empleando las heridas como una buena forma de expresión cinematográfica. Pitt habla continuamente con Annaud, un francés fuerte cuyo uniforme diario con zapatos Oxford blancos y caquis envueltos en un cordón verde le hacen parecer como si estuviera listo para colonizar Africa. Los dos charlan calladamente durante un par de minutos y entonces Annaud, mirando preocupado una escena, se reúne con su equipo. Su gente, sin embargo, está menos preocupada por la película en sí que por otros asuntos menores. Por ejemplo, cuando se anuncia que la cena puede tardar otra hora, la reunión internacional de los electricistas murmurando se escucha en tres idiomas diferentes. Otro problema adicional es cuando la inspiración mística de Pitt requiera una preparación extra: su torso tendrá que ser envuelto en gasa, el cerco reforzado y se impone aumentar las luces.
Cuando el rodaje se centra en otros personajes, Pitt se retira a su vehículo todo-terreno verde, cierra las ventanas y claraboyas, y por dentro echa su cerrojo metálico. Los extras argentinos, vestidos con turbantes que simulan los guardias indios de la prisión, miran fijamente, inexpresivamente, al enorme y potente vehículo de Pitt. Él puede tener en juego los 70 millones de dólares de presupuesto para esta epopeya, pero de momento solamente está en favor de disponer de un parque de estacionamiento con un Seven-Eleven cerca. Cuando el sol se está empezando a poner, la escena simula un día de lluvia y es lógico suponer que no dará tiempo a filmarla en su totalidad. Los técnicos han enganchado a un par de gigantescos petroleros de agua que hacen fluir el agua con tanta intensidad que hacen salir a Pitt de su vehículo, mientras que el especialista prepara la escena en la cual tiene que mostrar sus manos llenas de sangre.
“¡Esta es una escena emocionante!”, grita hoscamente el director auxiliar en su megáfono, declarando con ello que solamente deben permanecer allí las personas autorizadas. Pitt mira el cerco puntiagudo una última vez y entonces camina atrás. Agacha su cabeza como un toro acorralado y cuando Annaud grita “¡Acción!”, realiza un salto corriente y lanza todo el peso de su cuerpo hacia la alambrada metálica con púas. Se cae, se levanta y vuelve a intentarlo. Su mismo castigo tiene una violencia asustadiza, triste, como la de un penitente católico. Es su prueba final. Pitt se cuelga en la cerca, y agita las cuerdas de alambre que empiezan a caerse de sus postes de madera; entonces cae en un montón de tierra.

Nadie parece capaz de hablar incluso cuando Annaud indica “¡Corten!”. Silenciosamente hace un movimiento de tijeras con sus manos a Pitt que se levanta empapado de la cabeza hasta los dedos de los pies. Unas palmadas procedentes de los técnicos reconocen con ello que ese actor trabaja quizá tan duro como cualquiera de ellos. Quizá aun más duro. Todavía estremeciéndose y empapado, Pitt corre para ver la cinta de vídeo. Allí ve que cuando se tiró en la cerca, salió de escena. Una sombra de desilusión aparece en su cara. Le gustaría repetirla ahora mismo, pero ahora está ya demasiado oscuro y todos tienen hambre.
Extrañamente, la cabeza de Pitt llena de sudor se evapora en un momento Él no es un actor que le agrada llevar a sus compañeros con él. A su lado hay estacionados otros vehículos similares, pero cada uno guarda su terreno en exclusiva. A su lado está Bob Marley dando patadas a las sillas porque dice que siente nostalgia de su familia. Pitt también dice añorar a su novia Gwyneth Paltrow, pero su mueca lánguida se vuelve chispeante cuando reconoce que nunca se ha sentido más feliz que ahora mismo. Trabaja en un bonito país, tiene unos fornidos guardias que vigilan a sus fans, y todo cuanto necesita comprar es más barato y quizá mejor que en los Estados Unidos. Salvo los fósforos de aluminio que se parten cada vez que intenta usarlos.

ENTREVISTA

La escena es la Isla de Rhodas. Habiendo fotografiado a Brad Pitt sólo recientemente, ahora estoy sentado en el porche de su propiedad Victoriana, cuyo césped tiene como fondo el Océano Atlántico. Salvo el zumbido distante de algún pájaro, nada perturba la serenidad del ambiente, algo sumamente conveniente para el delicado humor de Pitt en esta tarde del sábado a principios de otoño. Él contesta a mis preguntas pensativo, o con un silencio si no tiene nada que decir.

- Brad Pitt : Mirando sus fotografías, yo me pregunto si cualquier fotógrafo ha intentado recrear las pinturas de Edward Hopper alguna vez.

- Periodista: yo he pensado sobre eso. ¿Quiere decir usted que con esos amables colores calientes que él usó, especialmente el amarillo pastel, se podrían igualmente hacer fotografías?

- Sí, pero no era ningún pastel como si fuera de Pascua. Era pastel como de naturaleza, igual a cuando usted camina por un campo de trigo. Ese tipo de color.

- Yo sé lo que usted quiere decir. Él haría estas pinturas de las personas que simplemente se sientan en sus casas y en el ambiente hay un color extraño y suave.

- Color que se filtra a través de la ventana. Eso que se llama luz natural.

- Sí, ¿por qué le gustan sus pinturas?

- Bueno, yo no sé mucho de pintores. Sé un poco más de arquitectos.

- Pero usted compra arte, ¿no?

- Sí.

- ¿Qué tipo de arte compra usted?

- Pedazos de metal, cosas así.

- ¿Escultura?

- No las consideraría como esculturas; son pedazos funcionales.

- ¿Compra usted también el mobiliario?

- Sí, yo voy un poco loco con eso. Pero son mis cosas.

- ¿Compra también fotografías?

- No demasiadas.

- Lo siento, porque yo compro muchas.

- ¿Le gusta la obra de Diane Arbus?

- Sí. Cuando yo empecé a fotografiar, yo la idolatraba, amaba su trabajo. Ella fue el primer fotógrafo que yo realmente noté que mejoraba poco a poco y eso me atrajo mucho. Cuando fui a ver su nueva película “Siete Años en el Tíbet”, yo leí esta pequeña biografía suya. En ella dice que usted estudió dibujo y publicidad en la escuela. ¿Le gustó?

- Sí, claro. Yo estaba entusiasmado con ello. Pero la estructura en la escuela derivó a cosas de la naturaleza y en ese momento decidí que ya no era para mí. Cuando uno es un niño tenemos que posar para las fotografías con una sonrisa y esa idea es la que siguen teniendo muchos fotógrafos. Pero cuando usted ve cosas como las fotografías de Diane Arbus, es cuando comprende que hay una manera diferente de mirar cosas.

- La cosa cómica sobre Arbus es que sus fotografías parecen cuadros muy fáciles de hacer, pero son muy complicados. Nadie ha estado alguna vez cerca de lograr lo que ella hizo. Yo pienso que tenía que ver con la empatía que tenía hacia las personas que ella fotografiaba, incluso cuando fotografiaba a monstruos o personas raras.

- Parecían entonces mucho más importantes en sus fotos.

- Sí. Pero Arbus tenía un interés real en esas personas, y hasta les encontraba guapos.

- Quizá porque tenía una gran comprensión hacia el proscrito.

- La entrevista que yo he preparado también es algo como sacar fotos. Yo pensé que debe ser un retrato de usted que los lectores deben consumir como si fuera una instantánea. ¿Puedo empezar las preguntas?

- Sí, cuando quiera.

- Bien. ¿Quién es Brad Pitt?

- ¡Oh, no! Paso. Tenemos que regresar de nuevo a la primera pregunta.

- Bueno, la segunda es: ¿Cómo es usted?

- ¿Se refiere sobre si yo soy una buena persona?

- ¿Dónde va usted?

- Siempre por la izquierda.

- OK, bueno. ¿Qué le gusta?

- La perspectiva.

- No hay manera. ¿Qué hizo usted ayer?

- Pensar.

- ¿Y esta mañana?
-
- Pinball. Tomando un descanso para pensar.

- Pregunta profunda: ¿Cuáles son los nombres de sus animales?

- Purdy, Saudita, Blanco, C.C. Jinete, y Todd.

- ¿Dónde duermen ellos?

- (Conteniendo la risa). En cualquier parte que ellos quieren. Normalmente en mis piernas.

- ¿Pinta usted, escribe poesía, o saca fotos?

- Yo no pinto.

- ¿Escribe usted poesías?

- Sí, yo hago alguna cosa en ese sentido. Aunque seguro que nadie querría leerlas.

- Bien. ¿Cuántas veces tuvo que repetir una escena?

- Bastantes, pero no puedo ser más preciso.

- ¿Cuándo fue la última fotografía que le puso furioso?

- Una palabra que todos nosotros solemos decir: Playgirl. Mis fotografías íntimas.

- ¿Le está suponiendouna experiencia interesante en su vida rodar “Siete Años en el Tíbet?”

- Yo diría que sí, efectivamente. Todas las películas lo son. Para un público son dos horas, pero para mí es medio año de mi vida. Y este uno muy particular. Estando en una cultura diferente durante tanto tiempo, es difícil que podamos ayudar, pero al menos salimos de allí con algo.

- ¿Cómo cuando estuvo recreando el mundo Tibetano en los Andes del Sur?

- Sí. Nosotros no sabíamos por donde estábamos caminando. No había nada allí, salvo la tundra.

- ¿Pero se sentía la atmósfera diferente que usted había imaginado para el Tíbet?

- Yo no sabía nada del Tíbet, realmente, y las primeras imágenes en mi cabeza eran de Shangri-la, y eso no es en absoluto así. Usted apenas consigue estas nociones de un oasis en medio de este mundo violento, pero lo cierto es que son las personas que las que hacen un Shangri-la, no la tierra. La tierra es muy agresiva; es un país duro.

- ¿La felicidad depende más de uno mismo que de las personas que nos rodean o de cómo viven?

- La felicidad está en nuestros corazones.

- Una parte de la película que más me gustó realmente fue cuando usted habló sobre la gran simplicidad de estar encima de una montaña.

- Yo no pensé que el argumento estaba muy claro en ese momento, pero una vez que vi la película comprendí que estaba completamente equivocado. ¿Por qué en ese momento mi personaje (Heinrich Harrer) era tan honrado con todos? ¿Usted lo sabe? Yo tengo una explicación para simplificar las cosas. Cuando las cosas están muy complicadas, simplifique.

- ¿No encuentra usted que la agresividad de su alrededor interfiere para lograr esa filosofía?

- Bien, yo pienso que la mayoría de lo que usted hace consiste en limpiar los enredos. Y, de vez en cuando, usted consigue un poco de felicidad. ¿Quiere decir esto que la mayoría de la gente trata de conseguir que todo a su alrededor esté perfecto?

- ¿Es usted sincero?

- Sound garden (la música que suena en el CD en ese momento).

- ¿Qué necesita usted?

- Un clónico. Pero un clónico espiritual.

- ¿Hay muchas preguntas sin respuesta en su vida?

- Yo tiendo a ponerlas a punto ahora. Es una cuestión bastante común en las personas. La manera en la que hemos crecido, apenas hablamos de ello. Lo cierto es que nuestras acciones, no las palabras, definen todo sobre nosotros.

- Aquí hay otra cuestión confusa. Bien: ¿qué es un romance de cuento de hadas?

- Yo no debo contestar.

- ¿Cuál es el mejor sitio para retirarse?

- El retiro idóneo está en poder sentarse en un porche con su familia, y está en eliminar toda la basura de su vida que ha acumulado.

- ¿Cómo logrará algún día ese retiro?

- No permitiendo a nadie ajeno a mi familia que llegue a él.

- ¿Cómo puede tener el público sus estrellas y las estrellas tener su público de una manera mejor?

- Ésa es una cuestión compleja. Todo lo que yo veo son ambigüedades.

- ¿Qué es el éxito?

- El éxito consiste en poder encontrar algo con lo cual pueda disfrutar. Cuando lo encuentre trate de hacerlo aún mejor.

- ¿Cuál ha sido el momento más feliz de su vida?

- ¡Oh, Dios!... ¿el más feliz?

- Ésa es una pregunta habitual.

- Yo no lo sé, compañero.

- Ok. ¿Es usted competitivo?

- Sí. Más conmigo que con nadie más.

- ¿Puede describir la escena de una película que le afectó más que otras?

- Dios, es usted interminable. No sé... ¿Vio “El corazón del Angel? Al final, Mickey Rourke está delante del espejo diciendo, "yo sé quién yo soy." Pero él sabe que se está engañando todo el tiempo.

- Todos nosotros tenemos relaciones fuera que no funcionan, ¿usted también?

- Ninguna, ¡hostias!

- ¿Dónde se siente usted inseguro?

- Yo no estoy muy en favor de la seguridad.

- Usted disfruta del peligro.

- Nunca he analizado ese punto, pero probablemente sea verdad hasta cierto punto. Siempre parece que estoy dando vueltas alrededor del peligro.

- Usted ha estado haciendo planes para abandonar el cine en los últimos tiempos, ¿no?

- En los dos últimos años yo había estado planeado irme algún tiempo del cine, pero entonces surgió “Meet Joe Black” y decidí seguir.

- ¿Cuándo usted la termine, va a tomarse un descanso?

- El trabajo en el cine implica estar siempre en activo, pero esto es algo que no puede hacerse todos los años. Encuentro muy duro esta obligación. Hay momentos en que no deseo hacer ningún proyecto, pero me doy cuenta que debo hacerlo porque es mi responsabilidad. Cuando comienzo de nuevo rodando me sorprendo a mí mismo disfrutando de nuevo con este trabajo. Parece ser que funcionan ambas cosas. A veces tengo que empujarme a mí mismo para poder levantarme de la cama. Esa es la conclusión a la que llegué haciendo alpinismo en “Siete Años en el Tíbet”.
- Cuando me dijeron que ese día tenía que realizar la gran subida, un lugar que llevaba mirando fijamente toda la semana, yo me negué a hacerlo.

- ¿Es cierto?

- Sí. La noche antes había intentado dormir, pero de pensar en la subida no lo logré.

- Pero cuando por fin lo hizo, apuesto a que se sintió grande. Como usted dice, cuando no se tiene ninguna opción y hay que hacer algo, lo más probable es que encima salga bien.

- Sí, como conseguir una soga para colgarme.

- ¿Ha experimentado este tipo de miedo en otras películas?

- Depende de la escena. Yo me pongo muy ansioso. Hay que manipular los temores todo el tiempo. La cosa es así: usted se despierta sintiendo de una manera, o está con un tipo de humor determinado y sintiendo algo. De repente, usted tiene que estar sintiéndose creíblemente y actuando de otra manera. Yo he encontrado que las cosas mejores siempre pasan cuando se está haciendo una cosa y no se sabe lo que se está haciendo. Entonces, cuando yo cometo errores, sé que tengo que caminar atrás, y en lugar de atormentarme, simplemente comienzo de nuevo. Hay que encajar los errores propios con sencillez. Como ya dije, confío en las acciones, no tengo gran confianza en las palabras.

ACONTECIMIENTOS CRONOLÓGICOS

14 del octubre de 1997

La taquilla se muestra generosa con “Siete Años en el Tíbet”.

“Siete Años en el Tíbet” entró como segunda en la lista de l as 10 películas más taquilleras durante la semana del 10 de octubre de 1997, sumando una recaudación de 10 millones de dólares. El promedio de recaudación en pantalla del conjunto de las películas estrenadas en esa semana fue de 4 millones de dólares.

17 del octubre de 1997

Brad habla de su nueva película

Informes recientes sobre Brad Pitt, nos hablan de su posible trabajo con Matthew McConaughey, con quien trabajaría en el próximo filme de Ron Howard. La película se centraría en la codicia y la corrupción que dominó a grupos poderosos de San Francisco en 1873, en la cual Pitt y McConaughey interpretarían a unos primos que viven en una casa al sur de Kentucky. Howard ha puesto su compromiso depende para salir adelante de mencionados.
interés en dirigir el proyecto, pero su

los otros compromisos de los actores

4 de noviembre de 1997

El futuro matrimonio de Brad disuelto

Brad Pitt ha abierto una nueva brecha en el corazón de sus admiradoras, una brecha feliz para muchas, al comunicar la disolución de su compromiso matrimonial con Gwyneth Paltrow. En una entrevista concedida al Londres Times, aclara que todavía quiere meditar sobre la conveniencia de casarse tan joven, especialmente por el fracaso de sus relaciones sentimentales anteriores. Recordó a todos las dos intenciones que tuvo para casarse con Juliette Lewis.

“Yo quiero ser el marido y el cura. Quiero encargar el anillo, el traje, y por supuesto besar a la novia”.

También insiste en que los rumores de que ha roto con su novia porque hay otra mujer, no son ciertos.
“Soy una persona leal en el amor. Yo veo a muchos compañeros del cine llevando una doble vida, mientras que su pareja no sabe ni siquiera por dónde andan. No pretendo actuar como un juez, pero no me gusta la conducta de ninguno de ellos. Yo opero en la creencia que la honestidad debe dirigir mi vida”.

Pitt alega que la relación de pareja se reduce al respeto mutuo, y que en ello no hay lugar para una vida al margen del otro. Respecto a las otras mujeres que hubo en su vida, dijo:

“El peor trabajo que yo he tenido en mi vida ha sido tratando de controlar a las mujeres que se empeñan en manipularme durante las fiestas privadas en Los Angeles. Ellas son todas actrices, supuestamente, y detrás de sus sonrisas solamente pretendían salir en la prensa como mi nuevo amor. Para lograrlo no dudaban en abrazarse a mí o besarme improvisadamente, aunque fuera la primera vez que nos viéramos. Siento compasión por ellas y el modo con el cual intentan triunfar como actrices. En realidad son muchachas que vienen de un pequeño pueblo y que se encuentran súbitamente en la gran ciudad sin saber qué hacer. Pero yo también fui en su momento un joven de pueblo recién llegado a la gran ciudad en busca de trabajo y nunca me aproveché de la fama de una actriz para salir en la prensa”.

6 de noviembre de 1997 Brad abandona un rodaje

Informes bastante fiables nos dicen que Brad ha abandonado su próximo proyecto en el que interpretaría a Custer Marching. No hay ninguna explicación de por qué dejó la producción en la que estaba involucrado desde hacía tiempo. La película sobre el Ejército de los Estados Unidos, concretamente sobre la vida del General George Custer, las relaciones con su esposa Libby, y la derrota contra el jefe indio Small Big Horn, no se hará de momento. Recíprocamente, Brad está deseoso de asumir el papel de Kris Kristofferson en el próximo biopic sobre la vida de la cantante Janis Joplin, propuesta que le ha llegado por parte de un amigo de Melissa Etheridge.

20 de noviembre de 1997
¿Hay un nuevo amor en la vida de Brad? Los rumores nos dicen que Brad se ha involucrado románticamente con una mujer de 31 años llamada Katja Garnier. Una revista del corazón afirma que se vio a los dos muy juntos en Toronto, durante la Fiesta del Cine Internacional. Allí permanecieron agarrados de la mano toda la tarde. Sin embargo, y como es habitual, su agencia de prensa dijo que eran “solamente buenos amigos”.
Como todos sabemos, se unió a la actriz Angelina Jolie. El primer hijo que tuvieron juntos fue su hija, Shiloh Nouvel Jolie-Pitt, que nació el 27 de Mayo de 2006. Luego, el 12 de Julio de 2008, Jolie dio a luz a los mellizos, un varón llamado Knox Jolie Pitt y una niña llamada Vivienne Marcheline Jolie-Pitt. La pareja también tiene otros tres hijos adoptados.

20 de diciembre de 1997 La próxima película de Brad

La base de datos de Internet sobre las películas tiene una nueva inscripción en la filmografía de Brad para un filme que se titulará “Ambrose Chapel”. Según estos datos, la película estará dirigida por Brian De Palma, y contará con Martin Sheen y Liam Neeson. No hay todavía muchos datos sobre el rodaje ni el argumento. Cualquier nueva información se anunciará también en las páginas de Internet.

31 de diciembre de 1997 Brad busca casa para sus fiestas

Brad Pitt está encantado que su pequeña casa rural esté dispuesta para habitar. En el 34 cumpleaños del actor se reunió con varios amigos en Springfield para celebrarlo. “Ellos estaban sentados en la barra”, dijo Fred Coco, dueño de la Parrilla Metropolitana, donde Pitt cenó aquella noche. “Yo le saludé con un apretón de manos y cuando terminaron se fueron a recorrer otras barras del centro de la ciudad, firmando muchos autógrafos en el camino”.
Después se fueron a un club para coger sitio y poder celebrar algo así como “La Cara de los Necios”, que es una fiesta popular entre antiguos alumnos de la escuela secundaria de Kickapoo, con quienes había estudiado durante los años 80. “Ninguno de ellos estuvo demasiado tiempo en mi local, dijo Matt, el dueño, porque estaban impacientes por continuar la juerga fuera”.
Después se les vio en el “Romeo y Julieta” y finalmente en la “Barra Martini”, donde Pitt terminó la noche hasta que el dueño Mike les cerró la puerta. “Brad intentó esconderse para continuar allí con sus amigos, pero conozco mejor el local que él. Hubo un momento en el cual se comportaba como en sus películas”.

2 de enero de 1998

La reunión para el estreno de “Meet Joe Black”

Informes de la Asociación de la Prensa comunican que el estreno de la película de Brad Pitt “Meet Joe Black”, que se pensaba realizar en noviembre de 1997, se cree que será ahora el 12 de junio de 1998 o en el mes de diciembre del mismo año.

Entrevista en español

Lo siguiente es una entrevista dada por Brad Pitt en Argentina durante el rodaje de “Siete Años en el Tíbet”.

- ¿Por qué aceptó rodar esta película?

- Me parecía una idea excelente. Trabajaría lejos, colgado fuera del borde del Tercer Mundo.

- ¿Conoce algo del idioma español?

- Un poco.

- ¿Debemos realizar entonces esta entrevista en español?

- No, esto es todo lo que sé: sí.

- Pues lo haremos en inglés. Primera pregunta: usted hace de un escalador austriaco. ¿Le asusta escalar?

- Bueno, no soy muy asustadizo, pero el viaje es temerario. Antes de empezar el rodaje practiqué algo de alpinismo en Los Angeles, con mi amigo David Thewlis.

- ¿Dónde están las letras de Hollywood? (Risas)

- Sí, en los alrededores del edificio Captiol. Allí aprendimos a confiar en las sogas. Después nosotros fuimos a Italia y subimos a las montañas Dolomites. Nunca lo olvidaré. Era algo de locos. Cuando yo miraba la montaña que tendría que subir al día siguiente esa noche no conseguía dormir. Sólo pensaba en ella y mis sueños estaban llenos de caídas. ¿Sabe usted la peor parte de todo eso?: me pregunto cómo conseguiré llegar a la cima. Lógicamente, con esos pensamientos no me ayudaba nada, especialmente cuando me imaginaba cayendo.

- Usted ya ha realizado la escena donde el Tíbet se rinde a China. Eso debe de haber sido emocionante para los Tibetanos de aquí.

- ¡Oh, Dios, no puedo creerlo!. Y entonces ellos hicieron la escena donde los nativos están diciendo: "¡Déle el poder al Dalai Lama!" Todos entramos en este canto, y podían verse a los extras disfrutando y mirando a las nubes como si Dios estuviera ahí arriba. Fue una escena muy pesada.

- ¿Qué ocurrió para que no se pudiese rodar en los escenarios naturales de China?

- Nunca hubo una explicación del gobierno chino al respecto. El equipo de rodaje en realidad no tenía ninguna intención de rodar en suelo chino, sino en tierras indias. Pero a causa de uno u otros gobiernos, los permisos nunca llegaron y como estábamos perdiendo tiempo y dinero decidimos irnos lo más lejos posible. Alguien nos dijo que los Andes se parecían mucho al Himalaya y allí nos fuimos.

- ¿Es cierto que le han prohibido la entrada en China?

- Parece ser que la mayor parte de la gente que intervino en la película, incluido yo mismo, estamos considerados personas non grata para el gobierno chino. No entiendo la razón ya que solamente queríamos contar una parte minúscula de la historia China. De cualquier manera, yo soy actor, no un político, y me limito a decir lo que está escrito en el guión y no tengo por qué identificarme con ello.

- Estoy impresionado por la variedad de papeles que usted ha tocado últimamente. Frescos, excelentes.

- Gracias.

- Pero parece ser que no se estaba divirtiendo mucho antes de rodar “Siete años en el Tíbet”.

- No, yo tenía un par de problemas que probablemente eran errores míos. Como usted sabe, yo me enamoré y eso era toda mi preocupación. En ese momento yo estaba bastante perezoso para cualquier otra perspectiva.

- Usted hizo anteriormente “La sombra del diablo” con Harrison Ford y creo que el rodaje fue muy duro.

- Obviamente, usted sabe la historia. Nosotros no teníamos ningún guión. Bueno, había un gran guión pero se eliminó por varias razones. Había que tener algo si queríamos seguir rodando. ¡Jesús, qué presión! Era ridículo. Era la cosa más irresponsable que había visto en el cine, si es que podemos considerarlo una película. Yo no podía creerlo. No sé por qué cualquiera querría continuar haciendo esa película. Nosotros no teníamos nada. La película era la víctima completa de esta cabeza del estudio ahogándose llamada Mark Canton, quien dijo: “Yo solamente me ocupo de mi trabajo, no me preocupa lo que usted pueda necesitar. Ruedealguna escena”.

- ¿Por qué no se marchó de allí?

- Yo intenté hacerlo cuando faltaba una semana antes de comenzar y solamente teníamos 20 páginas escritas malamente. Lo curioso es que cuando la leí por primera vez me parecía una buena historia. Supongo que las personas tenían visiones diferentes y no es posible entenderse así. Entonces fue cuando planteé mi deseo de irme, pero el director del estudio me dijo que si lo hacía me demandarían por 63 millones de dólares. Ellos venden sus películas a los países extranjeros a través de oficinas comerciales antes de que el rodaje esté terminado, por eso me podían demandar sin problemas.

- ¿Es suyo el acento que escuchamos en “La sombra del diablo?”.

- Sí, era mío, y estaba bastante contento con él. Trataba de imitar a la gente de Belfast. Cuando nosotros empezamos a trabajar, fui a encontrarme con Harrison Ford. Nosotros sólo nos reunimos un par de veces.
- Y él dijo, "¿Qué ha estado haciendo usted?”. Yo dije: "Ah, yo tengo un campo de frijoles en mi tierra”. "¿Sí?, pues permítame ver algunos". Nos reímos bastante con este chiste mío.

- Usted ha interpretado diferentes personajes, pero no sabemos si el trabajo le gusta. ¿Se ha tomado en serio su profesión de actor?

- Yo tengo una hermana que cuando tenía 12 años había puesto un cartel de Andy Gibb en su pared, un chico dulce y listo; eso es lo único que yo soy.

- Pero usted generalmente no escoge papeles que refuerzan esa imagen suya.

- Eso es porque, 1) es aburrido, 2) es tonto, 3) es mortal para un actor.

- Las muchachas adolescentes son generalmente chillonas, pero usted realmente nunca quiso todo esto.

- Bueno, en realidad sí. El asunto es que si uno quiere conseguir cierta fama en el mundo del cine, especialmente con papeles de hombre atractivo, debe procurar dar esa imagen. Los espectadores deben entretenerse con mis películas y para eso hay que hacer un buen trabajo. Pero todo eso también lleva al otro asunto de las fans enloquecidas.

- ¿Pero si usted no puede dejar sus cuarteles, qué puede hacer en su tiempo libre?

- Nosotros solemos trabajar mucho durante seis días a la semana. Y en el séptimo día, descansamos, lo mismo que hizo Dios. A mí me gustan mucho los automóviles electrónicos, esos que se manejan con un tele mando. Thewlis y yo tenemos un montón de ellos y solemos empezar pintándolos. Luego les agregamos instrumentos, en las ruedas, como las cuadrigas en Ben-Hur. Les ponemos tenedores de carne grandes y a correr. Tenemos ya los tobillos con cicatrices para toda la vida. Ahora mismo he conseguido un pincho de patatas que he puesto en el frontal de mi coche y tengo un cucharón grande en la parte de atrás que arrojará al suelo a cualquiera que intente atraparme.

- ¿Para qué quiere un automóvil especial? ¿No es mejor comprarse uno ya terminado?

- ¡Oh!, no quiero que nadie toque mi automóvil. Ya destrocé uno, se prendió fuego y estuve de luto por eso. En ese momento empecé de nuevo con otro.

- ¿Qué es lo peor de la relación con Gwyneth? ¿La distancia?

- El amor nos transforma. Cuando nos comprometemos con alguien somos diferentes. Ella viene muy a menudo aquí, vive conmigo y me trae comida. Es una mujer asombrosa y por eso la amo.

- ¿Hay una cantidad correcta de películas para hacer al año?

- Tantas como sean posibles.

- ¿Cómo se encuentra cuando está solo? ¿Puede estar mucho tiempo sin hablar con alguien?

- Sí, no tengo un problema especial en ello. Pero con esta chica estoy cambiando o quizá es mi edad. Me interesa mucho lo que le pasa a mi familia y qué es lo que están haciendo. No me gusta simplemente desaparecer una temporada y luego volver con regalos. Cuando era más joven, desaparecía en países extraños y luego volvía como un desconocido.

- Usted tiene un discurso poético sobre el alpinismo al final de "Siete Años en el Tíbet", ¿es suyo?

- Yo soy muy suspicaz para hablar sobre esto, pero es algo semejante a una metáfora en mi vida. Lo juro por Dios.

- ¿Por qué es tan suspicaz?

- Soy suspicaz desde que las páginas del Newsweek contaron mentiras sobre mí.

- Nosotros estamos en el Cubil del Opio, en donde uno puede ser tan profundo como quiera. ¿Por qué está subiendo a la montaña como si de ello dependiera su vida?

- Hay una gran excitación en ello. El miedo del acercamiento. Hay un primer paso donde usted está inseguro pero hay que seguir caminando. El ritmo de nuestra vida cambia, como si fuera un ballet, un acto de magia, algo que fluye sin detenerse. Usted parece estar fuera de ese mundo porque se siente diminuto, cuando en realidad es muy grande. Cuando por fin consigue llegar a la cima se siente una gran satisfacción. Pero a veces surge inmediatamente una contradicción: “bien, yo lo hice, pero ahora quiero bajar ”. Cuando retornamos deslizándonos, hay una nueva percepción.

- ¿Le gustaría ser menos famoso?

- ¿Me gustaría? Estoy convencido que es algo inevitable. Moriré siendo famoso. Los nuevos actores siempre están subiendo. Quien no lo hace se extingue, y entonces usted se queda en paro y ya nadie se acuerda de usted ni tiene quien le cuide.

- ¿Qué clase de trabajo haría si estuviera en paro?

- Probablemente yo me convertiría en una estrella de cine que se convierte en toxicómano, abandonado por las mismas mujeres que antes me adoraban y terminaría muerto en una esquina de sobredosis.

- Las personas lo quieren ahora por sus películas. Bueno, ellas no siempre le quieren por razones correctas, pero esa es la oferta que usted hace. Yo no estoy hablando sobre el dinero, sino de la manera en que ellas vienen a usted. Es muy adulador su trabajo. Sus fans le muestran muchas zanahorias en el aire, pero usted debe saber que detrás de esas zanahorias no hay nada.

- ¡Ay!. No sé por qué me dice cosas que hace tiempo intuyo.

Una vida romántica

Brad Pitt tardó en encontrar a la muchacha correcta. Parece ser que ha mantenido alguna relación con la actriz Robin Givens en 1989, y también con Jill Schoelen. Mientras filmaba la película “Clase sangrienta”, Brad se encontró con Juliette Lewis y tuvo una relación con ella durante tres años. Después Pitt se encontró a la también actriz Gwyneth Paltrow y anunció su compromiso en diciembre de 1996, aunque rompieron sus relaciones de mutuo acuerdo. Pitt estuvo interesado por Katja Von Garnier, o al menos eso creemos, una mujer de 31 años directora de cine alemán, que fue vista con Pitt durante el estreno en Berlín de su película “Siete Años en el Tíbet”.

“Camine por el pasillo, lleve el anillo, bese a la novia. ¡Oh, va a ser grande!". (Brad Pitt que habla sobre su boda con Gwyneth Paltrow)

Sueños de gloria

¿Podemos soñar todos cosas maravillosas? Este es un sueño de Brad.
"Cuando yo estaba sentando allí en mi patio pequeño, jugando con mi cachorro o cualquier otra cosa, comiendo Twinkies y bebiendo Coca-Cola, yo soñaba con la fama. Entonces un día lo conseguí y apenas puedo creerlo.

EL HOMBRE VIVO MÁS SEXY
Antes que él fuera famoso

Cuando Brad tenía seis años cantaba en un coro. Cuando estudiaba también aprendía a ser actor, además de verse envuelto en una asociación de estudiantes en su escuela. Finalmente, abandonó sus estudios cuando le faltaban dos cursos para licenciarse.

“Yo decidí que todos estábamos solicitando un trabajo con nuestros estudios y no quería hacer cualquier cosa clásica”.

Brad llegó a Los Angeles para probar suerte en el mundo del cine. Cuando llegó su primer trabajo fue con un disfraz de pollo y posteriormente como chófer, algo demasiado humillante para un joven que quería lucir vestidos elegantes. También acompañaba a chicas que hacen striptease a domicilio, esas que salen desnudas de las tartas en las fiestas de solteros. Una vez que la chica salía se encargaba de taparla y de apartar las manos que llegaban hasta ellas.

Tiempos duros

Ahora mismo parece que Brad está viviendo una buena vida, pero no hace mucho todo no era tan maravilloso. Compruebe lo que dijo hace tiempo:

"Nosotros nos estamos volviendo ahora unos vagos. Mi compañero de cuarto y yo nos prestamos la ropa interior, y solemos vagabundear por las calles. Él no me pide nada prestado, simplemente me lo coge. ¿Puede permitirse el lujo de usar también mi cepillo de dientes? No sé por qué lo hace, pero usa el mío”.

25 de noviembre de 1997

Al parecer, Brad Pitt y su ex-novia Gwyneth Paltrow, han encontrado nuevos amores.

Gwyneth está rodando “Noches de Boogie”, en la que trabaja con Mark Wahlberg. Paltrow y Wahlberg se habían conocido ya hace algunos años pero cuando ellos se reencontraron saltaron chispas en sus ojos. Puesto que ellos son muy parecidos, Mark tomó la iniciativa y pidió el número de teléfono a Gwyneth. Un día después él la llamó y la invitó a tomar café. Había bastante electricidad entre ellos como para encender un árbol de Navidad. Un amigo dijo: “Ellos han sido desde entonces inseparables. Si no están juntos una tarde cenando con velas en la mesa, entonces se dedican a quemar las líneas telefónicas”.
Por su parte, Brad Pitt también va con un nuevo amor. Se está viendo con Katja Von Garnier, una directora de cine alemán de 31 años.

21 de noviembre de 1997

Según la Revista People, Brad Pitt tiene un nuevo amor en su vida.

Dicen que se está viendo con Katja Garnier, aunque el portavoz de Brad dice que ellos son “sólo buenos amigos”. También dicen que salió unos días con una chica que después se casó con su hermano pequeño. En su 32 cumpleaños Brad estaba entretenido por una tropa de mujeres que hicieron striptease y luego el amor entre ellas. (Noticia publicada por Melissa Etheridge). En 1988 mientras filmaba una película, Brad condujo a gran velocidad un coche por la Carretera de la Costa del Pacífico en Malibú. La noticia dice que fue arrestado, multado con 450 dólares y suspendido el carnet por dos años.

LA FIESTA DE INAUGURACIÓN EN EL FESTIVAL DE TORONTO Muchas celebridades y directores asistieron a la fiesta de inauguración en Toronto del Festival de Cine Internacional. La fiesta se cerrará con el filme “Siete años en el Tíbet”. Durante los próximos 10 días se mostrarán 279 películas de 58 países.

EL ULTIMO FILME DE PITT CIERRA LA MUESTRA DE TORONTO La Feria de Cine Internacional de Toronto se cerró con el estreno mundial de la polémica película “Siete Años en el Tíbet” que interpreta Brad Pitt. La película habla sobre un montañés austriaco, Heinrich Harrer (Pitt) quién le enseña las cosas de su mundo al Dalai Lama. El personaje de Pitt tuvo que sufrir cambios debido a las recientes revelaciones de que Harrer fue en la vida real un Nazi.

UNA NUEVA PELÍCULA TITULADA: “CLUB of the FIGHT of NAIL” El actor Brad Pitt, según los informes recibidos, está en conversaciones para hacer otra película con el mismo director de “Seven”, David Fincher. La película está basada en el libro de Chuck Palahniuk y trata de la historia de dos hombres que quieren empezar un club confidencial para dar una oportunidad a los profesionales jóvenes.

BRAD NO PUEDE LIBRARSE DE SUS FANS
Brad Pitt simplemente no puede librarse de esos entusiastas, incluso cuando está en un pequeño pueblo de América del Sur.

Mientras Brad Pitt estaba rodando “Siete Años en el Tíbet”, en un pequeño pueblo al pie de los Andes, un grupo de fans le persiguieron. La coestrella David Thewliss dijo: “Brad desea perfeccionar su vida espiritual, su papel interno, pero las muchachas solamente quieren su cuerpo. Es muy vergonzante para él”. Era una pena que los productores terminaran teniendo que gastar 60.000 dólares en poner un cerco de alambre con púas alrededor de los barracones donde dormía Pitt. Pobre Brad.

LA PELÍCULA DE BRAD SOBRE UN NAZI

Recientemente, mientras filmaba “Siete Años en el Tíbet”, los productores averiguaron que el hombre en el cual se basaba el filme, Heinrich Harrer, realmente fue un soldado Nazi de caballería y un sargento en la élite de las SS de Hitler en la vida real. El personaje de la película, Harrer (interpretado por Brad Pitt), es bastante diferente desde que el director Jean-Jacques Annaud hizo cambios en algunas escenas.
En una de las escenas cambiadas, Harrer da la bandera a un Nazi antes de salir en un viaje hacia las montañas. Originalmente, en esa escena Harrer es llamado “el hombre que plantó nuestra bandera en la cima del Eiger”. Ahora, él se denomina “"un miembro distinguido del Partido Socialista Nacional”. En otra escena, Harrer mira a los generales chinos cuando llegan al Tíbet antes de invadir el país. En la escena original, él dibuja un paralelismo entre esas tropas y los Nazis. En la nueva escena, Harrer toma responsabilidades por sus acciones.

SHARON STONE Y BRAD PITT COPAN LAS VOTACIONES
Una reciente votación sobre las estrellas más importantes de Hollywood en las revistas francesas, mencionaron a la actriz Sharon Stone como la que más gusta a un treinta y siete por ciento de los hombres franceses, y al cuarenta y cinco por ciento de aquéllos que tienen entre veinticinco a treinta y cuatro años. Stone alcanzó el primer puesto por delante de la modelo Naomi Campbell (veintinueve por ciento), seguida por Yasmine Bleeth (once por ciento).
Brad Pitt consiguió el treinta y ocho por ciento de las mujeres francesas, el sesenta y uno por ciento de esta cifra eran mujeres menores de veinticinco años.

LLAMADA DE PLAYGIRL
Una solicitud para resolver al asunto del mes de agosto de la revista Playgirl, ha sido pedida por un juez. El problema surgió porque ofrece fotografías desnudas desautorizadas de Brad Pitt. El abogado de Playgirl, Kent Raygor, dijo que “el aumento de la censura involucra a la Primera Enmienda. Frena la libertad de Playgirl de escribir y los censores el derecho del público para ver la información que es digna de noticias y de gran interés público”. Las fotografías se tomaron en un hotel caribeño, donde Pitt y su entonces novia Gwyenth Paltrow, estaban veraneando. Ahora, no sólo es la revista denunciada la que propaga en los kioscos el problema, sino los miles de subscriptores que la han recibido por correo. La revista, vendida en todo el mundo, se ha convertido en un artículo de coleccionistas y los ejemplares se venden a 100 dólares.
También se pueden conseguir ya a través de Internet.

LA VOTACIÓN DE LOS CUERPOS MÁS DESEADOS
El quinto resultado de la votación para elegir el cuerpo más deseado por los lectores de la revista People ha dado el siguiente resultado: Pamela Lee, y Jenny McCarthy, seguidos por Brad Pitt, Cindy Crawford, Alicia Silverstone, Demi Moore, Ana Nicole Smith y Carmen Electra.

Brad es una de las 50 personas más importantes para los lectores de esa revista.

NUEVA PELÍCULA PARA BRAD 30 de junio de 1997

El ganador de un Oscar Billy Bob Thornton está al parecer entrevistándose para dirigir una película en Arkansas. Brad Pitt va a estar en la película, situada en 1800, sobre un granjero que adopta a algunos huérfanos para trabajar en su tierra. El corazón del granjero empieza a abrirse cuando ve a los niños trabajando con él.

DETENGAN LA DISTRIBUCIÓN DE PLAYGIRL
15 de julio de 1997
Si usted está esperando encontrar fotografías de Brad Pitt desnudo, quizá sea muy tarde.

Las famosas fotos ya estarán allí durante mucho tiempo porque un juez simplemente ha aceptado la demanda de Pitt para detener distribución de más copias. Las fotografías fueron tomadas en 1995 por un paparazzi que entró ilegalmente en un hotel donde Pitt estaba veraneando con su antigua novia Gywenth Paltrow.

NO SE RODARÁ LA PELÍCULA “DÚO” CON PITT 16 de julio de 1997

Al parecer, el director Bruce Paltrow (el padre de Gwyenth Paltrow), decidió no pedir al estudio seguir con el proyecto de la película “Dúos”. Se suponía que esa película sería muy importante para Gwyenth Paltrow y su ex-novio, Brad Pitt. Bruce dice que tiene las mejores intenciones para su hija y Pitt. “Todos amamos a nuestros hijos, dijo Bruce, y yo pienso que según lo que he podido hablar con ellos, no necesitan tener este compromiso ahora. Cuando nosotros hablamos sobre hacer este filme juntos, estábamos en un lugar diferente y un momento diferente”.

BRAD ES UN JUGADOR
Julio de 1997
Brad Pitt ha sido propuesto para el principal papel en una nueva versión de El Jugador

La película está basada en la novela sobre la afición a jugar con dinero. Ha habido otras versiones del libro para el cine, pero ahora Pitt se ofrece para hacer otra nueva a través de la misma productora con quien hizo “Siete años en el Tíbet”.

BRAD Y GYWNETH, KAPUT
La pareja más caliente de Hollywood, Brad Pitt y su novia Gywneth Paltrow ya sabemos que rompieron. Ambos estaban de acuerdo en hacerlo, pero nadie sabe la causa. Algunos rumores sugieren que fue porque Brad tenía un asunto con otra chica o que la pareja falsificó el documento para que pudieran casarse en privado.

PODEIS ESCRIBIR A BRAD PITT A ESTA DIRECCION: 9150 Wilshire Blvd. 350 Beverly Hills CA 90212 EE.UU.

FILMOGRAFÍA

GOLPE AL SUEÑO AMERICANO Less than zero (1987)

96 minutos

Productor: Jon Avnet, Jordan Kerner
Guión: Harley Peyton
Basada en la novela: “Menos que cero” de Breat Easton Ellis Director: Marek Kanievska

Intérpretes:
ANDREW MacCARTHY: Clay JAMI GERTZ: Blair
ROBERT DAWNEY Jr. : Julian JAMES SPADER: Rip
BRAD PITT: extra

Problemas de unos jóvenes de California, algunos metidos en el mundo de la droga, mientras otros prefieren hacer el amor a sus espaldas.
No busquen a Brad Pitt en los títulos de crédito, puesto que solamente trabajó como extra y aún no hemos podido localizar su escena.
La novela del nihilista Bret Easton Ellis sobre unos jóvenes de Los Angeles, se muestra poco apropiada para reflejar los problemas de la juventud, aunque una adaptación más fiel a ella habría conseguido mejores resultados. Los dos actores principales están horribles, pero Spader llega a producir escalofríos como un animal envuelto por las drogas. Solamente podemos considerar correcto a Downey como un adicto adinerado.

LA CARA OCULTA DEL SOL The dark side of the sun” (1988)

101 minutos Color
Drama

Cinequanon Pictures International, INC (Yugoslavia)

Guión: Andy Horton y Zeljko Mijanovic Director: Bozidar Nikolic

Intérpretes:
BRAD PITT: Rick GUY BOYD
CHERYL POLLACK

Rick parece un chico extraño, pues apenas sale a la calle, no tiene amigos y camina siempre cubierto con un disfraz que le tapa todo el cuerpo y la cara. Su problema es que padece una enfermedad de la piel que no tolera ningún tipo de luz, ni siquiera la artificial. Si expusiera su piel a los rayos de luz se quemaría en menos de tres días en medio de atroces dolores.
Después de intentar curarse sin éxito con los mejores médicos del mundo y fracasar de nuevo con un famoso curandero, decide terminar con su vida quitándose su atuendo protector y vivir esos tres días como un muchacho normal. Cuando conoce el amor y siente en su cuerpo la sensación del sol y el aire, vive unos días de intensa felicidad junto a su padre y su nuevo amor.

CLASE SANGRIENTA Cutting Class (1989)

91 minutos
Color
Horror/Comedia

Director: Raspo Pallenberg

Intérpretes:
DONOVAN LEITCH JILL SCHOELEN
RODDY McDOWALL BRAD PITT
MARTIN MULL

Una navaja está corriendo furiosamente entre los cuellos de los estudiantes de una escuela secundaria. El autor es un asesino que perseguido por la policía, se tiene que mezclar entre los estudiantes de una escuela. A partir de entonces, los alumnos se ven inmersos en una atmósfera de terror para evitar ser las próximas víctimas.
La película sigue los esquemas tradicionales de “Viernes 13” y como tal hay que considerarla. Se puede encontrar en el mercado del vídeo, pero no esperen ver a Pitt en ningún papel importante. Es solamente uno de los alumnos que ponen cara de terror cuando piensan que ellos serán la próxima víctima.

Su compañero de reparto: RODDY McDOWALL

Nombre verdadero: Roderick Andrew Anthony Jude McDowall Nacido: el 17 de septiembre de 1928, en Londres, Inglaterra Fue niño modelo para anuncios y un actor juvenil prolífico que dejó momentáneamente su trabajo en el cine en 1951 para volver, después de una década de trabajo en el teatro, durante los primeros años de 1960. Los personajes más importantes de McDowall pasaron totalmente desapercibidos para el gran público, al estar dentro de un soberbio maquillaje de simio en “El planeta de los simios” (1968) y sus tres secuelas. También le vimos como uno de los apóstoles en “La historia más grande jamás contada” (1965). Ha dirigido una película, “La viuda del diablo” en 1972, con Ava Gardner y publicó una selecta colección de fotografías relativas al mundo del cine en 1966 y 1989.

Filmografía esencial:
1937 Convicto 99
1938 Asesinato en familia
1941 El hombre atrapado, con Walter Pidgeon
1943 Lassie vuelve a casa
1944 Las llaves del reino, con Gregory Peck
1945 Molly y yo
1945 Vacaciones en Méjico
1948 Macbeth, con Orson Welles
1962 El día más largo, con John Wayne
1963 Cleopatra, con Elizabeth Taylor
1964 Tratamiento de Shock, con Alain Delon
1967 Eso
1968 El planeta de los simios, con Charlton Heston
1970 Regreso al planeta de los simios, con James Franciscus
1971 La conquista del planeta de los simios, con Kim Hunter
1972 La aventura del Poseidón, con Gene Hackman
1973 Milagro en la calle 34
1978 Las aventuras del ladrón de Bagdad
1979 El abismo negro, con Anthony Perkins
1979 La flauta silenciosa, con David Carradine
1981 Charlie Chan y la maldición de la reina dragón
1982 Curso del 84, con Perry King
1982 Muerte bajo el sol, con Peter Ustinov
1982 Mae West
1985 Noche de miedo, con Chris Sarandon
1987 Muerte en el invierno, con Mary Steenburgen
1988 Amores en Hollywood
1989 Clase sangrienta, con Brad Pitt
1989 Noche de miedo 2, con Julie Carmen
1994 Last Summer in the Hamptons
1995 It’s my Party

JUNTOS PERO NO REVUELTOS Happy Together (1989)

Romance/Comedia 102 minutos
Color
Director: Mel Damski

Intérpretes:
PATRICK DEMPSEY HELEN SLATER
DAN SCHNEIDER MARIUS WEYERS BARBARA BABCOCK BRAD PITT

Despreciable comedia romántica totalmente predecible en donde unos estudiantes de la universidad que accidentalmente tienen que compartir su cuarto, viven un romance. Ellos son Patrick Dempsey y Helen Slater, la guapa chica que hizo de “Supergirl”. Unas misteriosas desapariciones no logran aportar ningún ingrediente de interés. Remake de “The Sterile Cuckoo” de 1969 que estaba protagonizada por Liza Minnelli

DEMASIADO JOVEN PARA MORIR Too Young to Die

100 minutos Color

Director: Robert Markowitz

Intérpretes:
MICHAEL TUCKER JULIETTE LEWIS
BRAD PITT
ALAN FUDGE
EMILY LONGSTRETH MICHAEL O´KEEFE

Un drama representado con demasiada crudeza, sobre una muchacha que es obligada a ensayar cómo debe asesinar sin piedad ni riesgos a una persona. Basada en una novela de Downbeat, es difícil entusiasmarse con tanta violencia y crudeza.

Su compañero de reparto: MICHAEL TUCKER

Nació el: 6 de febrero de 1944, en Baltimore, MD Estudios: Carnegie Tech Drama School

Actor de fuerte carácter, de corta cabellera rizada, ligeramente regordete, más conocido en la actualidad por su trabajo como el importante abogado Stuart Markowitz, enérgico pero compasivo, en la serie de televisión “La ley de Los Angeles”, que permaneció varios años en antena.
La carrera de Tucker en el cine empezó con un papel de apoyo al lado de Lina Wertmuller en “A night Full of Rain” (1978), aunque sus primeros éxitos reales fueron en el divertido papel como Bagel en la película de Barry Levinson “El comensal” (1982) y en “Dos estafadores y una mujer” (1987). Su prestigio se afianzó cuando hizo de un afectuoso padre en “Días de radio” (1987) de Woody Allen.
Tucker ha estado muchos años casado con la actriz Jill Eikenberry, que también hizo de esposa en el telefilme “La ley de Los Angeles”.

Filmografía esencial:
1978 A Nigth Full of Rain
1979 Vampiro
1985 La rosa púrpura del Cairo, con Mia Farrow
1987 Días de Radio, con Mia Farrow
1987 Dos estafadores y una mujer
1989 Day One
1990 La vida secreta de Archie Wife
1990 Too Young to Die
1993 Tres herederas
1994 D2: The Mighty Ducks

ACROSS THE TRACKS Across the Tracks (1990)

Drama
101 minutos Color

Productor: Dale Rosenbloom Director: Sandy Tung
Guión: Sandy Tung
Fotografía: Michael Delahoussaye Compositor: Joel Goldsmith Vestuario: Merrie Lawson

Intérpretes:
RICK SCHRODER: Billy Maloney
BRAD PITT: Joe Maloney
DAVID ANTHONY MARSHALL: Louie CARRIE SNODGRESS: Rosemary Maloney CYRIL O´REILLY
JACK McGEE
THOMAS MIKAL FORD

Composición cinematográfica razonable sobre la vida de unos adolescentes (Rick Schroder y Brad Pitt), que con la excusa de una competición escolar en la cual tienen que seguir unas huellas que les conducirán a un premio, aprovechan para afianzar su reciente amistad. Una escuela secundaria y los problemas típicos que suelen tener los estudiantes, son suficientes para mostrar un retrato realista sobre la vida de los adolescentes y sus aspiraciones. Película realizada para agradar al público más joven, nos incorpora el supuesto lenguaje que emplean los jóvenes y que solamente oímos en las películas, nunca en la realidad. Este es el principal problema para que el filme logre impactar en toda clase de público.
Correcta interpretación de Brad Pitt, quien es parcialmente anulado por Rick Schroder, el niño que se hizo popular junto a Jon Voight en el filme “Campeón”

Su compañero de reparto: RICK SCHRODER

Nació el: 3 de abril de 1970, en Isla de Staten, Nueva York

Este actor joven y rubio, logró llegar al corazón de todos los públicos cuando en 1979 interpretó al pequeño hijo de un jockeyen el filme “Campeón”. Su carrera posterior se centró en la televisión y los norteamericanos le pudieron ver en la serie “Cucharas de color plata”, durante los años 1982 hasta 1986. También trabajó en otra serie televisiva titulada “Paloma solitaria” en 1989.

Filmografía esencial:
1979 Campeón, con Jon Voight
1980 El último vuelo del Arca de Noé, con Elliott Gould
1980 El pequeño Lord, con Alec Guinnes
1982 Something so Right
1988 Too Young the hero
1991 Across the Tracks, con Brad Pitt
1991 Blood river
1994 Ahí va mi chica, con Dermot Mulroney
1995 Marea Roja, con Gene Hackman

JOHNNY SUEDE Johnny Suede (1991)

Drama/Comedia 95 minutos
Color

Productor: Ruth Waldburger y Yoram Mandel Director: Tom DiCillo
Guión: Tom DiCillo
Fotografía: Joe DeSalvo
Compositor: Jim Farmer
Vestuario: Jessica Haston

Intérpretes:
BRAD PITT: Johnny Suede
RICHARD BOES: el Hombre en Esmoquin CHERYL COSTA: la Mujer en Calleja MICHAEL LUCIANO: Señor Clepp CALVIN LEVELS: Deke
NICK CAVE: Freak Storm
RALPH MARRERO: Bartender TINA LOUISE: Señora Fontaine SAMUEL L. JACKSON: B-Bop

Pitt se lanza perfectamente en la piel de Johnny, cuando luce una figura de gran glamour como en la época gloriosa de Hollywood. Comportándose como Ricky Nelson o incluso como Elvis Presley, Brad es un cantante que sueña con triunfar en el espectáculo y para ello se busca amuletos, como aquellos zapatos de gamuza azul que popularizó Presley. Filme dirigido esencialmente a los jóvenes, especialmente a los soñadores, sirve al menos para abrir los ojos a tantos que sueñan con triunfar, dándoles a entender que en el camino a la gloria se quedan más entusiastas que triunfadores.
La personalidad de Brad, por tanto, encaja perfectamente en su personaje, mucho más si tenemos en cuenta que también intentó convertirse en cantante y compositor en su juventud. Tal es así que para Pitt esta película es una de sus preferidas, no solamente porque fue la primera vez que hizo de protagonista, sino porque pudo expresarse casi con su propio carácter.

THELMA Y LOUISE Thelma & Louise (1991)

Drama/Comedia/Aventura 128 minutos
Color

Productor: Ridley Scott y Mimi Polk Director: Ridley Scott
Guión: Callie Khouri
Fotografía: Adrian Biddle
Compositor: Hans Zimmer
Vestuario: Elizabeth McBride

Intérpretes:
GEENA DAVIS: Thelma
SUSAN SARANDON: Louise
HARVEY KEITEL: Hal
MICHAEL MADSEN: Jimmy
CHRISTOPHER McDONALD: Darryl STEPHEN TOBOLOWSKY: Max BRAD PITT: J.D.
TIMOTHY CARHART: Harlan LUCINDA JENNEY: Lena la Waitress KEN SWOFFORD: Mayor

Con un papel de pocas palabras, Pitt logró saltar a la popularidad como uno de los primeros hombres objetos de nuestra época, capaz de hacer vibrar a las feministas hambrientas de sexo. Por fin las mujeres podían usar y tirar a los hombres como antes parece ser que ellos lo hacían.

“Thelma y Louise” está en la tradición de expansión del típico sueño americano. Nos habla del sueño de dos almas descuidadas por sus parejas, amontonadas en un Thunderbird de 1956 y viajando fuera de su pueblo para divertirse un poco y armar un poco de camorra. Algo que hasta entonces era algo habitual en los jóvenes varones, lo efectúan unas dinámicas, agresivas y sensuales mujeres. Nosotros sabemos el mejor camino que podrían elegir para vivir una aventura, sin embargo, también sabemos que junto a la alegría de su escapada del hogar les espera no pocos problemas, quizá más que alegrías.
Lo que aporta “Thelma y Louise”, aparte de la gran tradición que existe ya en el cine de mujeres que se comportan como antes lo hicieran los hombres (“Easy Rider”, “Bonnie & Clyde” y “Badlands, Midnight Run”), es que los héroes ahora son solamente mujeres, no están respaldadas por ningún varón. Las chicas parecen sacadas de una historia vulgar: son trabajadoras de clase media en un pueblo pequeño de Arkansas. Una es camarera, la otra ama de casa, y ambas probablemente listas para describirse como absolutamente vulgares, tanto en carácter, como en ambiciones, como en físico.

Nosotros las encontramos durante un momento de su vida en el cual nos explican los motivos que las incitan a escaparse un fin de semana. Thelma (Geena Davis), está casada con un hombre malhumorado, aficionado a la cerveza, que se considera muy importante por ser el gerente de ventas en su distrito en una compañía de alfombras. Él ve a su esposa como alguien inferior, solamente interesada en vestidos y diversiones, pero la tolera porque es la encargada de tener la casa en orden y la comida dispuesta. Sabe que tiene mal carácter, pero la soporta sus múltiples rabietas a cambio de alguna noche monótona de sexo.
Louise (Susan Sarandon), es camarera en un bar de comidas y mantiene relaciones afectivas con un músico que no quiere comprometerse con ella en nada serio, mucho menos el matrimonio. Ella se enfada con él por ello, pero no le hace cambiar de opinión. Un día, las dos amigas deciden dar un rumbo distinto a su vida y eligen un fin de semana para desmelenarse. Thelma decide no avisar a su marido en persona, consciente de su reacción y prefiere dejarle una nota explicándole su decisión, aunque no le indica dónde irá. Cuando las chicas se ponen en camino pronto se ven involucradas en un montón de problemas, la mayoría producto de su rabia hacia los hombres. Pronto hacen un alto en el camino y se paran en un bar de Arkansas situado en la carretera. En ese momento Thelma, la más salvaje de las dos, se comporta como una hembra sedienta de sexo y bajo el efecto de la bebida se liga a un vaquero haciéndole creer que después de bailar tendrá sexo gratis. Pero lo que para ella es un flirteo, para él es una invitación al sexo y el vaquero intenta violarla creyendo que eso es lo que ella estaba buscando. En el parking tiene lugar la agresión y en eso momento llega Louise al rescate. Todo sucede muy rápido y el vaquero acaba muerto de un disparo. Satisfechas por haber hecho venganza, pero conscientes del asesinato, las dos mujeres se marchan rápidamente de allí. Están convencidas de que nadie creería su historia de una violación, especialmente por la gran cantidad de testigos que afirmarían que ella le pidió sexo mientras bailaba en la cafetería. La única solución que encuentran es correr y esconderse.

En este momento de la película empiezan a suceder escenas más predecibles y menos interesantes, por ejemplo: el automóvil que corre veloz por los caminos rurales, mientras ellas cantan su libertad y están preocupadas por su destino.
Han pasado, en cuestión de horas, de ser unas amas de casa tranquilas e insignificantes a fugitivas de la justicia, acusadas de asesinato. Pues a pesar de ello ponen música en la radio de su automóvil.
“Thelma y Louise” contiene de hecho una gran cantidad de escenas muy vulgares, pero el guión trata de aportar algo de sentimiento al drama que viven esas dos mujeres. Sarandon y Davis encuentran en la historia de Callie Khouri los materiales necesarios para dos personajes creíbles, convincentes y en ocasiones amables. Como dos buenas actrices que son, saben trabajar juntas y soportar las escenas más delicadas sin hacer el ridículo. Ellas viven aventuras, algo de dulzura, pero han elegido un camino trágico, demasiado violento. Incluso cuando quieren algo de sexo les sale mal, porque no eligen el hombre adecuado. En el camino recogen a un autoestopista, un hombre joven e inquieto, bastante sexy según su opinión, llamado J.D. (Brad Pitt), quien es capaz, como el vaquero asesinado de la taberna, de aprovecharse del hambre sexual de Thelma, un hambre no satisfecha desde que se casó con el vendedor de alfombras. Ellas también se encuentran en el camino con hombres de su edad, cansados de aguantar a mujeres malhumoradas y desaliñadas, pero ahora solamente les interesa una noche fogosa de sexo y para ello creen haber encontrado la presa ideal. Pero en realidad las inocentes son ellas, no el guapo chico, quien después de darle la noche de pasión que quería se marcha rápidamente robándoles todo su dinero. Aunque ella lo ha pasado bien, en realidad es como si hubiera pagado a un hombre por hacerla el amor.

Por supuesto, ellas son el blanco de la policía y en su recorrido por seis estados son perseguidas por el asesinato y sus múltiples fechorías. En uno de estos lugares, en Arkansas, hay un policía (Harvey Keitel) que siente simpatía por ellas. Se ha dado cuenta que detrás de esas mujeres solamente hay dos personas sedientas de libertad y amor que se han metido en un negro agujero y que seguramente se enterrarán en él. Cuando las encuentra, intenta razonar con ellas y las explica lo que es una bola de nieve que no se puede detener montaña abajo. Pero sus consejos no son bien interpretados, para ellas es un odioso macho, y decididas a no perder nunca más su libertad recién ganada siguen velozmente su camino.

“Thelma y Louise” fue dirigida por Ridley Scott, un británico cuyas películas anteriores (“Blade Runner”, “Black Rain” y “Legend”), muestran un dominio técnico completo, pero a veces no está muy interesado en preguntas psicológicas. Esta película muestra una gran simpatía por la comedia humana, sin embargo, no queda muy claro qué es lo que pasa dentro de los corazones de estas dos mujeres, ni porqué necesitan tanta violencia para ser felices o sentirse realizadas.
Aunque el filme en su conjunto es correcto las escenas finales se le atragantan al director. Es todo demasiado rápido y sin dar tiempo a que los interrogantes queden aclarados para el espectador.

La película se rodó en Tarzana, California, en una zona residencial poco poblada, la cual representaba muy bien al pueblo de Arkansas donde vive Thelma. Con un numeroso equipo técnico compuesto por 175 personas, tres coches iguales Thunderbird, 250 extras y numerosos especialistas en escenas arriesgadas, la película se rodó en 82 días, terminándose la posproducción en Londres.
Quizá el problema mayor de esta película es su larga duración, 128 minutos, demasiados para un argumento con dos mujeres como protagonistas únicos. Si Scott resolvió la última carrera mortal de las chicas en unos pocos segundos, es seguro que lo hizo deliberadamente, pero a nosotros nos parece precipitado, como si deseara terminar cuanto antes.
Capítulo aparte es el papel que nos ha tocado a los varones hacer en el filme: no hay uno solo que se salve. Un marido machista, un novio que no se preocupa de su chica, un policía que parece bueno pero que en realidad quiere atraparlas y un guapo chico que hace bien el amor pero que es un ladrón.

Premios:
Nominada como mejor actriz 1991: Geena Davis Nominada como mejor actriz 1991: Susan Sarandon Nominada como mejor director 1991: Ridley Scott Oscar al mejor guión 1991: Callie Khouri
Nominada a la mejor fotografía 1991: Adrian Biddle Nominada al mejor filme 1991: Thom Noble Espiga de oro en el festival de Cine de Valladolid

El director:
RIDLEY SCOTT

Profesión: director, productor
Nacimiento: el 30 de noviembre de 1937, en Northumberland, Inglaterra Estudios: Hartlepool Oeste, Colegio de Arte

Hacia mediados de 1960, Ridley Scott trabajó para la cadena BBC de televisión como un diseñador de escena, una experiencia que le ha servicio perfectamente para muchos de sus trabajos posteriores como director. Desde su primera película, “The Duels” (1977), y posteriormente con “Black Rain” (1989), Scott ha resultado ser muy coherente con los aspectos visuales más espectaculares.
Scott comenzó su carrera de director en la televisión, trabajando en episodios de las series “Z Cars” y “ The Informer”. En 1967, dejó la BBC y dedicó sus siguientes diez años haciendo centenares de anuncios para televisión, mediante su propia compañía comercial de producción, RSA (Ridley Scott Asociados).
Scott dedicó un total de cinco años, desde la concepción, la financiación y la producción, a su primera película, “The Duels” y aunque ganó un premio especial del jurado en Cannes, recibió muchas críticas por su visión superficial de los dos personajes centrales (Keith Carradine y Harvey Keitel).
La siguiente película de Scott tuvo bastante éxito, tratándose de un tenso thriller de cienciaficción titulado “Alien” (1979). La película consiguió una buena recaudación e hizo una estrella de Sigourney Weaver (a partir de 1996), realizándose posteriormente dos secuelas, “Aliens” de James Cameron (1986) y “Alien 3” de David Fincher (1992), habiéndose estrenado la cuarta entrega a finales de 1997.

“Blade Runner” presentaba una visión futurista, saturada y violenta de Los Angeles en el año 2019. La historia, sobre un cazador de recompensas (Harrison Ford), que investiga a una pandilla de androides forajidos, ofrece un tratamiento extraordinariamente simpático de los "replicantes" en busca de su creador, tratando de prolongar sus únicos cuatro años de vida. La película ha desarrollado un culto importante, aunque algunos críticos fueron severos con la dureza de Ford.
La reacción de los críticos con “Legend” (1985) fue generalmente pobre, centraliza sobre una débil historia de hadas, amparada en una producción demasiado suntuosa (la película entera fue rodada en los estudios Pinewood de Londres).
“Someome To Satch Over Me” (1987) era un bien estructurado thriller de suspense, interpretado por Tom Berenger y Mimi Rogers, mientras que “Black Rain” (1989), una película sobre la corrupción de la policía, rodada en Nueva York y Japón, consiguió también una buena taquilla. Aunque la narrativa es algo confusa y la parte romántica, entre el detective (Michael Douglas) y la anfitriona de un centro nocturno (Kate Capshaw), poco elaborada, algunas de las confrontaciones urbanas estaban francamente bien. Scott disfrutó de uno de sus mayores éxitos comerciales y críticos con el filme “Thelma y Louise” (1991). La película también engendra un alto nivel de controversia cuando juzga las costumbres sociales de Hollywood. Escrita por Callie Khouri, y con las actrices Susan Sarandon y Geena Davis como protagonistas, indignó al espectador varón y encantó a las mujeres.

Los posteriores trabajos de Scott consistieron en la epopeya de Colón, con “1492: La conquista del paraíso” (1992), una estupenda película que nos ofreció algunos placeres visuales, aunque los resultados en taquilla fueron muy pobres, quizás porque no siguió fielmente la biografía del descubridor.
Una de sus últimas películas fue “Tormenta blanca” (1996) bien realizada, pero un fracaso para la prensa y el público. La película estaba interpretada por actores jóvenes, atractivos, y nos contaba la historia de unos estudiantes privilegiados que se ven obligados a madurar sobre la cubierta de un buque escuela privado. Jeff Bridges recibió bastantes elogios por su interpretación y Scott ganó cierta celebridad por las hermosas imágenes náuticas y su dinámico montaje de la tormenta en el mar.
En 1995, Scott y su hermano Tony compraron los estudios Shepperton de Londres para que Scott rodara sus propias producciones.

Sus compañeras de reparto: GEENA DAVIS (1957 - )

Nombre de nacimiento: Virginia Davis
Fecha de nacimiento: 21 de enero de 1957, en Wareham, MA Educación: Universidad de actores en Boston

Esta larga mujer de casi dos metros de altura, anterior modelo de alta costura, se ha convertido en una de las actrices más cotizadas de Hollywood, especialmente desde que trabajó con Ridley Scotten “Thelma y Louise”. Aunque más entusiasta y capacitada para el drama ligero, Davis tiene un encanto especial que se despliega mejor en comedias extrañas, como “Bitelchus” (1988), “Fletch” (1985) y “Quick Change” (1990). América descubrió a Davis en los primeros años de los 80 con la obra “Family Ties”. Actuando como sirvienta contratada por el capitalista precoz Alex Keaton (Michael J. Fox), ella empezó a ser también objeto de deseo sexual, algo increíble en una mujer a la que la mayoría de los hombres no podrían besar a no ser que ella se inclinase. Notablemente atractiva con un toque justo de frigidez, Davis proyectó una imagen de vulnerabilidad y compañerismo que le hicieron casi irresistibles. Estos atributos eran la atracción principal en su efímera serie televisiva para la NBC “Sara y Búfalo Bill ”, en la cual llegó a escribir uno de los guiones. También intentó integrarse eficazmente en el Show de “Mary Tyler Moore” durante los años ochenta. El trabajo de televisión de Davis durante la mitad de los ochenta incluyó papeles pequeños en “Riptide” y “George Burns Comedy Week”.
Davis hizo su debut como la actriz de un culebrón cinematográfico que comparte un cuarto con el travestido Dustin Hoffman en “Tootsie” (1982). En esta película es absorbida totalmente por la maestría de Dustin, aunque parece ser que su imagen luciendo un atractivo sujetador fue suficiente para que el director Sidney Pollack la felicitara por su trabajo. Desde ese momento su carrera cinematográfica empezó a ascender y especialmente notable fue el trascendente remake de “La Mosca” (1986) de David Cronenberg, junto a un no menos eficaz Jeff Goldblum. Poco después volvió a trabajar con Jeff en la delirante y mal comprendida comedia musical de cienciaficción “Earth Girls AreEasy” (Las chicas de La Tierra son fáciles) (1989) de Julien Temple. Goldblum es su compañero en la pantalla y marido en la vida real.
La intensa relación entre Davis y Goldblum se dejó traslucir en “La Mosca”, en la cual pudimos asistir a uno de los romances cinematográficos más increíbles de toda la historia del cine. Los dos eran muy altos, diferentes, un poco alocados según las costumbres a la usanza y, al parecer, muy enamorados. Se habían conocido durante el rodaje de “Transilvania 6-5000”, una comedia de vampiros rodada en Yugoslavia en 1985 y dos años después harían un viaje relámpago a Las Vegas para casarse. Ellos volvieron a trabajar juntos en “Quick Change”, una comedia casi desconocida que se rodó en Manhattan. Fuera de la pantalla, la pareja era tan extraña como cuando actuaban y parecían formar parte de un storybook muy entretenido, logrando acoplarse perfectamente en cuantas entrevistas se le hicieron.

Davis consiguió luego otro gran éxito cinematográfico como la chica que se gana el corazón del guapo y serio William Hurt en “El Turista Accidental” (1988). Esta actuación la proporcionó un Oscar como la mejor actriz secundaria. Ella recibió una aclamación aun mayor (aunque no consiguió ningún Oscar), como Thelma, un ama de casa oprimida que encuentra su liberación y notoriedad en un viaje por caminos rurales en “Thelma y Louise” (1991) de Ridley Scott, en cuya historia se convierte en una delincuente que gusta de matar rápidamente a cuantos hombres la molestan. Filmada inmediatamente después del divorcio con Goldblum, este filme en donde tuvo como compañera a Susan Sarandon, se volvió una película de culto para muchas feministas, deseosas de venganza (cinematográfica, al menos) hacia los hombres. Como si se tratase de Redford y Newman, usaban sus atractivos sexuales para atraer a los varones y sus fusiles para matarlos.
Ella subió hábilmente en el escalafón de la fama en 1992 cuando interpretó a una jugadora de béisbol femenino durante la Segunda Guerra Mundial en el filme de Penny Marshall “Ellas dan el golpe”, junto a Tom Hanks y la cantante Madonna. Posteriormente se convirtió en una reportera honesta de la televisión de Chicago, en la comedia inspirada en otras obras de Frank Capra y Stephen Frears, “Héroe por accidente” (1992), nuevamente junto a Dustin Hoffman, un actor a quien ella admira.
En la actualidad es propietaria de una tienda de animales exóticos y está casada con el director finlandés Renny Harlin desde septiembre de 1993. Entre sus últimas interpretaciones está la de “Angie” (1994) en donde interpreta a una madre de Brooklyn, Nueva York. La película fue un fracaso, especialmente por el empacho feminista que destilaba y al girar toda la película sobre Davis. Pero este ejemplo no le sirvió de escarmiento cuando decidió interpretar “La isla de las cabezas cortadas” (1995), una aventura tradicional de piratas en la cual ella es la más eficaz, malvada, fuerte y valiente entre cientos bucaneros. Tan poco creíble es la historia que fue uno de los mayores fracasos económicos de la historia del cine.

Premios:

Oscar como mejor actriz secundaria 1988: “El Turista Accidental” Nominada como mejor actriz 1991: “Thelma y Louise”

SUSAN SARANDON (1946 )

Nombre de nacimiento: Susan Tomaling
Fecha de nacimiento: 4 de octubre de 1946, en Nueva York Educación: Universidad Católica, Washington, CC (drama e Inglés)

Quizá el autor Gore Vidal puso lo mejor de sí cuando, refiriéndose a su amiga, realizadora y actriz de cine Susan Sarandon, dijo: "Si las películas se hicieran con mujeres interesantes como protagonistas, ella tendría el mismo rango y apelación comercial igual al que Bette Davis ha disfrutado durante décadas".
Los primeros trabajos de Sarandon en el cine nos la muestran en papeles mezcla de talento y erotismo. Después se ha especializado en encontrar la belleza y dignidad de las mujeres de clase obrera ejerciendo la violencia en “Thelma & Louise” (1991), y como profesionales independientes en “Light Sleeper, the Client” (1991).
Sobrepasando ya los 50 años, ella sobresalió como una madre anegada en “Mujercitas”. Todavía enérgica y hermosa, Sarandon cada vez más sorprende a los aficionados por su fortaleza y honradez, mientras con sus enormes ojos marrones y luminosos, expresa una aguda inteligencia que la ha llevado a efectuar labores de dirección.

Sarandon hizo su primera película como la hija rebelde y hippie en “Joe” (1970) y posteriormente mejoró su currículum con “Lovin Molly” (1974), y “Primera Plana” (1974). Un año después trabajó como oponente femenino de Robert Redford en la obra de George Roy Hill “El Carnaval de las águilas” (1975). Su nombre permanece en la memoria de los aficionados al cine cutre de culto por su trabajo en “The Rocky Horror Pictur Show” (1975). En esta obra musical y de terror se encuentra con diversos monstruos que viven en Transilvania. La película fue estrenada el mismo año que se casó con Chris Sarandon, a quien ella había conocido en la Universidad Católica. Chris ha sido nominado al oscar como el mejor actor secundario por su papel de transexual en “Dog Day Afternoon”.
Ella era todavía la señora Sarandon cuando comenzó a cosechar los primeros aplausos de la crítica durante los últimos años 70 y primeros de los 80. Después aceptó una serie de papeles que hicieron olvidar su nombre, como el de una madre con una hija de 12 años (Brooke Shields) en “La Pequeña” (1978) de Louis Malle, director de cine con quien tuvo un corto romance.
También ha aportado candidez y decisión por su nominación al Oscar como la camarera de un casino en la aplaudida “Atlantic City” (1980). Las lesbianas escenas de amor con la vampira Catherine Deneuve levantaron críticas en “El Ansia” (1983), y más tarde realizó “The Budy System “ y “In Our Hands” (ambas en 1984); trabajando después en la comedia“Compromising Positions” (1985).

Sarandon hizo su primera aparición en televisión como actriz en el drama de la ABC "Un Mundo Aparte" (1970-71), y después apareció en un gran número de películas de televisión y miniseries, incluyendo “June Moon” (PBS, 1974), “Kurt Vonnegut”, “Jr.'s Whi Am I this Time” (PBS, 1982), con Christopher Walken, “La antigua Roma” miniserie (NBC, 1985), y como una rehén del ejército en “Women of Valor” (CBS, 1986). También ha prestado su voz inteligente y distintiva y su presencia en un gran número de documentales, narrando o compareciendo, como en “Your Water, Your Life” (PBS, 1988), “Postpartum: Beyond the Blues” (1989) y “Living in America”. También intervino en uno sobre la censura, (VH1, 1991), en “From Fury to Forgiveness”, en una denuncia sobre las víctimas de crímenes (The Discorery Channel, 1994), y en “One Woman, One Vote”, sobre el movimiento Sufragista (PBS, 1995).

Filmografía esencial:
“Las Brujas de Eastwick” (1987) de George Miller; con Jack Nicholson. “Los Búfalos de Durham” (1988) de Ron Sheton.
“Los enredos de la vida” (1988) de Robert Greenwalt
“El Asesino del Calendario” (1988) de Par O´Connor.
“Una Árida Estación Blanca” (1989) de Euzhan Palcy, con Marlon Brando. “Pasión sin Barreras” (1990) de Luis Mandoki.
“El Juego de Hollywood” (1992) de Robert Altman.
“El Aceite de la Vida” (1992) de George Miller.
“Ciudadano Bon Roberts” de Tim Robbins.

Premios:
Nominada como mejor actriz 1981: Atlantic City Nominada como mejor actriz 1991: Thelma & Louise Nominada como mejor actriz 1992: El aceite de la Vida Nominada como mejor actriz 1994: El Cliente Oscar a la mejor actriz 1995: Pena de Muerte

UNA RUBIA ENTRE DOS MUNDOS Cool World 1992

101 minutos

Productor: Frank Mancuso Jr.
Director: Ralph Bakshi
Guión: Mark Victor, Michael Grais, Larry Gross Basada en la historia de: Bakshi y Frank Mancuso, Jr. Editor: Steve Mirkovich, Annamaria Szanto Fotografía: John A. Alonzo
Música: Mark Isham
Vestuario: Melissa Daniel
Animación: Bruce Woodside

Intérpretes:
GABRIEL BYME: Jack Deebs
KIM BASINGER: Holli Would BRAD PITT: Frank Harris
JANNI BRENN-LOWEN: Mom Harris WILLIAM FRANFATHER: Cop GREG COLLINS: Cop
MICHELE ABRAMS: Jennifer Malley CARRIE HAMILTON: Comic Bookstore Cashier STEPHEN WORTH: Store Patron
FRANK SINATRA Jr.: él mismo

Nuevo intento de volver a mezclar personajes reales con dibujos animados, esta de vez de la mano de Bakshi, un veterano del cómic en movimiento con quien tuvimos la suerte de disfrutar en “El señor de los anillos”. También es el autor de las nuevas aventuras de “Super Ratón” y “El gato Fritz”.
Siguiendo la línea marcada por la exitosa “¿Quién engañó a Roger Rabit?”, en el sentido de proporcionar una buena cinta para adultos, ahora nos lleva a la vida del artista Byrne, quien un día descubre que sus creaciones en dibujos animados son reales, y viven en un universo paralelo llamado Mundo Fresco “Cool World”. Después que su dibujo más sexy llamado Holli (Basinger), tiene un romance con él, ella se convierte en humana y escapa al mundo real, algo que no le corresponde y que puede generar muchos problemas en los humanos. Para impedirlo y hacerla volver, allí está Pitt que va detrás de ella, quizá porque en realidad está enamorado.
Para muchos es un argumento demasiado serio y triste como para ser divertido, pero paradójicamente demasiado cómico para tomarlo en serio. Para otros críticos es una obra malograda, mientras que para algunos es un buen intento de llegar a los adultos a través de los dibujos animados.

La publicidad de la película insistía en que “Una rubia entre dos mundos” estaba plenamente en la línea de Roger Rabbit”, una guapa y sexy chica en dibujos y unos cuantos malvados que hacían sufrir a los humanos y a los propios dibujos. Pero se equivocaron en la respuesta del público y los resultados económicos apenas si consiguieron amortizar los enormes costes de la producción.
“Una rubia entre dos mundos” es una película que resultó tremendamente problemática a nivel de realización, por lo que no nos extraña que su experto director no fuera capaz de explicar la historia correctamente. El principal problema técnico surgió cuando los actores tenían que hacer alguna escena en la que posteriormente debería existir a su lado un dibujo. Esto es algo normal en películas similares, pero ahora ni siquiera había un esquema previo que avisase al actor de lo que posteriormente haría el dibujo. Por eso la mezcla entre ambos se nota excesivamente mal realizada. Los dibujos son perfectos y la interpretación correcta, pero la mezcla no funciona.
Una vez que los actores habían terminado su trabajo, se incorporaron las escenas animadas, pero la mayoría de las veces no había manera de mezclarlas y que simulara una misma secuencia. Por eso la película funciona bien cuando ambas cosas están diferenciadas, los dibujos por un lado y los actores por otro. La labor de mezcla llevó nueve meses de trabajo con 300 dibujantes en plantilla, demasiados para la época de las computadoras.
Los exteriores, rodados en la multicolor Las Vegas, eran un buen escenario y para conseguir que los dibujos tuvieran la misma profundidad de campo que las escenas reales, se utilizaron cámaras multiplano, algo que ya había hecho Walt Disney con la película “Peter Pan” en 1953. Ninguna novedad técnica, por tanto.

La historia nos trata de demostrar que los humanos y los dibujos animados pueden existir dentro de una misma realidad, algo que ya nos gustaría que fuera verdad. No hay nada malo en el concepto de que existe una nueva dimensión más allá del lápiz de un dibujante. De hecho, los efectos especiales logran hacer realidad lo que solamente está en nuestra imaginación.
El problema surge en la manera de plasmar este concepto tan imaginativo y en esta ocasión Ralph Bakshi no acierta a explicarnos la diferencia entre los dos mundos. Por eso la película es compleja, caótica, y la sucesión de escenas es tan rápida que es imposible seguirla e incluso nos produce cierto mareo visual. Existe la tendencia de hacer los dibujos animados muy dinámicos, como un vídeo clip, pero así no hay manera de seguir la historia y la mayoría de los personajes apenas si inciden en nuestra retina. Los muñecos de los dibujos animados, cuando se mezclan con los humanos, no pueden ser planos y eso obliga a darles relieve y un sombreado que dificulta todo. Tampoco pueden parecer muñecos de plástico, tan perfectamente definidos que contrasten con los actores. Ciertamente, no es una labor fácil y por eso no se lleva al cine con frecuencia. Si juzgamos “Una rubia entre dos mundos” en el aspecto técnico, podemos considerarla una obra correcta y en ocasiones muy agradable; pero si la analizamos como un conjunto hace agua por todas partes.

La historia comienza con un prólogo en Las Vegas, durante los años de la postguerra, que solamente existe para catapultar a uno de los personajes, Frank (interpretado por Brad Pitt), quien se encuentra aprisionado dentro de “Cool World”. Él trabaja allí como un policía, y en el futuro está unido a otro humano, un dibujante interpretado por Gabriel Byrne que ha seguido a una de sus creaciones, la seductora Holli Would (primero un sensual dibujo animado y después la aún más sugestiva Kim Basinger). Hay otros personajes muy interesantes, pero son tan numerosos y se mueven con tanta velocidad que es materialmente imposible seguirles y disfrutar con ellos. Aquí está el principal problema de la película.
La trama central de la película está en la posibilidad de que un dibujo animado pueda hacer el amor con un humano sin desintegrarse, algo que intenta realizar Holli Would. Pero la escena culminante en la cual Holli calienta insensatamente las pasiones de los humanos varones, es interrumpida a favor de argumentos pretendidamente más dramáticos, con lo cual el eje del argumento desaparece.
La película pasa de un amago de maestría a un tema opuesto y no acabamos de entender el motivo de su inclusión en ese momento. Por ejemplo, cuando vemos la escena en la cual Holli toma forma humana y se transforma en Basinger, sin que podamos definir quién de las dos es más seductora, es correcta, salvo cuando se va a una sala de fiestas y se empeña en levantar pasiones viriles. El modo en que Bakshi resuelve la incursión del dibujo animado en el mundo real carece de lógica y de sentido práctico. Aunque no tenemos amistad con ningún dibujo animado, seguro que no se comportarían así. O el guionista, o el director, fallaron en esta escena. En ese momento la película empieza a irse a pique.

Cuando todo comienza a estar definido y ya tenemos a nuestra heroína en el mundo de los humanos, ambientada en los lujosos casinos de Las Vegas, empieza una nueva invasión de elementos, entre ellos actores normales que se convierten, sin que sepamos por qué, en dibujos animados. Nuestra mente empieza a descontrolarse y tratamos al menos de ver el lado cómico de esta situación, pero el guionista se empeña en hacerlo dramático. La historia en esos momentos es cuando menos extraña, rara, sorprendente e intrigante, como si fuera otro filme. Ahora son los humanos los que sufren, incluidos los espectadores. Basinger intenta con su belleza hacernos despertar y para que sintamos pena por ella se sube a la azotea de un hotel de Las Vegas, y allí empezamos a sentir lástima por su vida, ya que, a fin de cuentas, nos gustaría que se quedase para siempre en el mundo real.

Ya hemos dicho que uno de los problemas más importantes de “Una rubia entre dos mundos” es la manera en la cual han integrado la animación con los actores.

En otras películas, y “Mary Poppins” es un ejemplo de ello, hay precisión hasta en e l más mínimo detalle, quizá porque se sabe que el espectador captaría los errores. El asunto es que cuando se mezclan, la técnica debe dar la impresión de que ambos están en el mismo plano, en el mismo mundo. En “Una rubia entre dos mundos”, los actores agarran, sujetan y pegan a los dibujos pero no hay credibilidad en ello, especialmente en algunas secuencias de Brad Pitt. Este defecto llega a hacerse molesto y para muchos espectadores es el único punto de interés: encontrar los fallos técnicos.
Pero Bakshi es un buen director y a veces vemos su labor en esta malograda película, por lo que no debemos despreciarla del todo. Personalmente la conservo en mi videoteca como una aceptable muestra del cine de animación, o quizá es porque sale Kim Basinger más guapa que nunca.

Su compañera de reparto: KIM BASINGER

Nacida el 8 de diciembre de 1953, en Athenas, Georgia (EE.UU.) Educación: Neighborhood Playhouse, Nueva York

Fue la rubia más importante del cine de los 80, y participó en películas tan populares como “Nueve semanas y media” (1986) y “Batman” (1989), aunque Robert Altman intentó estirar sus talentos dramáticos un poco más allá en “Fool for Love” (1985). Modelo y super-estrella, la carrera de Basinger se consolidó cuando interpretó a Dominó Petachi en la última película de Sean Connery como 007 “Nunca digas nunca jamás” (1983).

Nacida en Athenas, en el estado de Georgia, cuna de los indios Cherokee, es la tercera hija de un total de nueve hermanos. Su madre, una guapa modelo para postales turísticas y en ocasiones extra en espectáculos acuáticos cinematográficos, la introdujo en el mundo del cine, mientras que su padre le inculcó su afición a la natación y la gimnasia, siendo incluso seleccionada para competir en las olimpiadas. Con apenas 15 años y un cuerpo perfectamente moldeado, sabía tocar el piano, la guitarra y era una buena bailarina de clásico.
Su belleza la condujo a ganar a los 17 años un concurso de belleza y a trabajar como modelo publicitaria muy cotizada, habilidades que ha seguido explotando en la actualidad al aparecer en varios anuncios en todo el mundo.
Cuando tenía 30 años posó desnuda para las páginas centrales de la revista “Playboy” y su mito como mujer más erótica del año la acompañó durante bastante tiempo. Tres años después, con la película “Nueve semanas y media” consolidó esta imagen de la que, como es habitual en las actrices, renegaría años después.
Sus habilidades como cantante le ha llevado a grabar un LP titulado “El color del sexo”, cuya salida al mercado prohibió más tarde y a intervenir con el cantante Prince en un videoclip titulado “Scandalous sex suite”.
Fue rechazada para el papel de bella que seduce a la bestia en el remake de “King Kong”, pero sus éxitos en el cine le han llevado a poderse comprar un pueblo entero de 500 habitantes por nada menos que 2.000 millones, aunque las autoridades le llamaron al orden cuando no se le ocurrió otra cosa que pasear desnuda a lomos de un hermoso caballo a la luz de la Luna.
Otros éxitos cinematográficos son “Atrapados sin salida” (1986), “Cita a ciegas” (1987), “Nadine” (1987), “Batman” (1989) y “L.A. confidential” (1997).
En cuanto a sus amores, su primer matrimonio fue con Roland Britton, un maquillador profesional del cine a quien había conocido durante el rodajede “Hard Country” en 1981. Su matrimonio se celebró el 12 de octubre del siguiente año. Se divorciaron después de 9 años, parece ser a causa de las múltiples infidelidades de ella, lo que motivó un juicio escandaloso que se resolvió pagando Kim Basinger 600 millones de indemnización a su ex. Después se le han conocido romances más o menos importantes con Jon Peters, productor de “Batman”, el hijo del presidente Kennedy, John Kennedy y más recientemente con Alec Baldwin, actor que conoció durante el rodaje de “Ella siempre dice sí”. Parece ser que ya están definitivamente separados y Kim vive un nuevo amor con Phil Joanou, el director de “Análisis final”.

Filmografía esencial:
“Duelo en las profundidades” (1982), con Charlton Heston. “Nunca digas nunca jamás” (1983), con Sean Connery “Mis problemas con las mujeres” (1983), con Julie Andrews. “El mejor” (1984), con Robert Redford.
“Nueve semanas y media” (1985), con Mickey Rourke. “Atrapados sin salida” (1986), con Richard Gere. “Cita a ciegas” (1986), con Bruce Willis.
“Batman” (1989), con Michael Keaton.
“L.A. confidential” (1997), con Kevin Spacey

EL RIO DE LA VIDA
A River runs Through It (1992)

123 minutos

Productor: Patrick Markey, Robert Redford Director: Robert Redford
Guión: Richard Friedenberg
Basada en la novela de: Norman MacLean Fotografía: Philippe Rousselot
Música: Mark Isham
Vestuario: Bernie Pollack

Intérpretes:
ROBERT REDFORD: narrador
CRAIG SHEFFER Norman MacLean BRAD PITT: Paul MacLean
TOM SKERRITT Reverendo MacLean BRENDA BLETHYN: Mrs. MacLean EMILY LLOYD: Jessie Burns
EDIE McCLURG: Mrs. Burns
STEPHEN SHELLEN: Neal Burns
JOSEPH GORDON-LEVITT: Young Norman

Un predicador (Skerritt), enseña a sus hijos todo lo necesario sobre la vida, según su criterio, y les indica que se puede ser feliz y buena persona a través del arte de pescar con moscas en su Montana nativa.

Cuando los chicos crecen y siguen caminos muy diferentes (uno muy educado, aunque esquemático, y otro más salvaje), se dan cuenta que el pretender realizarse en la vida mediante la pesca es solamente una atadura a las costumbres familiares y a la religión presbiteriana.
Adaptada con bastante respeto a la obra de Norman McLean, una novela autobiográfica publicada en 1976, la película fue bien acogida teniendo en cuenta el origen de la historia. Bellamente filmada en tierras de Montana, con una estupenda fotografía de Philippe Rousselot premiada con un oscar, y con una acertada dirección de Robert Redford, la película nos aporta emociones y en algunos momentos algo de sueño.

Robert Redford, sumamente poético, recibió elogios por “El río de la vida”, la historia de un padre que intenta sacar adelante a sus dos hijos, basándose en los principios fundamentales de su vida y religión. Pero detrás de este resumen tan sencillo hay bastante más en la historia. También nos habla de cómo uno de sus hijos recuerda los años de duro aprendizaje, y a un hermano que se murió demasiado joven. El padre es un ministro presbiteriano de Montana durante los años que precedieron a la Primera Guerra Mundial. Sus convicciones religiosas las exponía los domingos por la mañana, durante los sermones que impartía en la iglesia cercana. Junto a su trabajo como pastor de almas, tenía una inmensa afición a la pesca, como si quisiera emular a San Pedro.
El espectador, además de disfrutar de la película, aprenderá el arte correcto de la pesca de la trucha con anzuelo, además de comprender el alma que tienen los ríos, las truchas, y cómo lograr ser feliz sin necesidad de moverse de su lugar de nacimiento ni gastar muchas energías. Todo lo que se necesita, según el autor de la novela, es un río, un pez que quiera morder el anzuelo, y una filosofía de vida basada en la palabra de Dios. El resto vendrá por sí solo.

Esta memoria sobre su niñez, fue publicada hace 20 años por Normand Maclean, una vez que se retiró de su trabajo como profesor de inglés en la Universidad de Chicago. Aunque siempre insistió en que se trataba de una autobiografía, lo cierto es que fue su padre quien le contó que los cimientos de esta historia, incitándole a que la escribiera algún día. El libro se publicó por primera vez en cortos capítulos que se mostraron en el periódico de la universidad, e inmediatamente encontró un público entusiasta. Después de algún tiempo, se convirtió en uno de los libros sagrados en las bibliotecas de muchas universidades. La versión de la película de Robert Redford toma la decisión crucial de incorporar su propia voz como narrador, como si fuera el propio Maclean, convirtiendo en prosa la narración. Este sistema ayuda sensiblemente a que el espectador comprenda eventos que nadie le muestra con imágenes y así la historia se puede centrar en los personajes. La narrativa nos cuenta lo que sucedió hace tiempo y cómo esos acontecimientos marcaron decisivamente el presente.

El actor Craig Sheffer, como Normand, el hijo más viejo y más serio, aprendiendo a escribir y a vivir imitando a su padre, invariablemente le conducirá a ser profesor de inglés en alguna universidad. Brad Pitt es el hermano más joven, Paul, un espíritu libre e impetuoso, de cabello dorado, que bebe demasiado y trata de dedicarse al periodismo, aunque manifiesta sin lugar a dudas que él no se quedará toda la vida en Montana trabajando para un periódico.
Normand tiene aspiraciones más serias o al menos más concretas: quiere enseñar literatura. Pero también admira a Paul que es el mejor pescador de truchas usando cepos de mosca, y por eso es admirado en la pequeña comarca en la que viven.
La película se rodó en situaciones que hacen pensar en la liberalidad de los llamados países libres durante nuestra época. Los pueblos de cualquier lugar occidental están divididos inquietantemente entre lo moderno y la tradición y quieren mantener su propia frontera con respecto a los demás. Un forastero, con frecuencia, no es bien recibido si trata de modificar algo. En la película, cuando los muchachos crecen, ellos encuentran a chicas jóvenes e incluso a señoras casadas aún jóvenes y guapas, lo que ocasiona algún posible conflicto emocional en ellos.

Redford elabora en su película algunas diferencias con respecto al libro de origen, especialmente los personajes de Paul y su madre, y algunas otras personas que aparecen en su vida, incluso una joven mujer india con la cual mantiene buenas relaciones, desafiando la opinión del pueblo. Posteriormente, Jessie (Emily Lloyd), se convertirá en la esposa de Normand.
Ésta debe de haber sido una película muy difícil de escribir, ya que en ocasiones los acontecimientos no concuerdan con la época en la cual se desarrollan. La historia, por tanto, se podría haber desarrollado en cualquier época y lugar y todo habría encajado con igual precisión. En esencia, todo se reduce a personas que tienen determinados principios morales y filosóficos, que nacen, crecen, y toman distintas direcciones en la vida. Redford y su escritor, Richard Friedenberg, entienden que la mayoría de los acontecimientos que se dan en la vida de las personas, suelen ser accidentales y en pocas ocasiones premeditados, y que, por desgracia, poco podemos hacer para influir sobre nuestro propio destino. En cambio, el guionista ha omitido deliberadamente las conclusiones del autor de la novela original, en la cual nos indica cómo nunca debemos comportarnos, sin importar el tipo de vida que llevemos y, especialmente, cómo sortear los acontecimientos imprevisibles que ocurren en nuestras vidas empleando valor, alegría y honestidad. El mejor logro de esta película, por tanto, subyace en el fondo de su argumento y el mensaje que nos regala.

Su compañero de reparto: TOM SKERRITT

Nacido el: 25 de agosto de 1933, en Detroit, MI
Estudios: Escuela Superior MacKenzie; Universidad Estatal Wayne; University de California, Los Angeles.

Siempre como un correcto, guapo y en ocasiones actor secundario, Skerritt atrajo la atención del público primeramente como el doctor del sur, Duque Forrest, en la serie de televisión M.A.S.H. de Robert Altman (1970), trabajando desde entonces regularmente en el cine y en la televisión. Su trabajo en laspelículas “Una mamá sin freno” (1974), “Paso decisivo” (1977), como el marido de Shirley MacLaine, y el “Alien” de Ridley Scott (1979), sirvieron para darle la necesaria categoría como actor.
Volviéndose poco a poco un distinguido actor secundario, Skerritt interpretó papeles paternales al lado de Tom Cruise en “Top Gun” (1986), y como actor cómico correcto, en "Alegrías", como el multimillonario Evan Drake.
Skerritt interpretó a dos padres drásticamente diferentes en 1992. En “Poison Yvi”, él era el padre reservado que se siente interesado por un raro asunto en el cual está involucrado un compañero de clase en la escuela secundaria de su hija. Después hizo del Reverendo MacLean, el pescador amante de la filosofía Zen, en la película dirigida por Robert Redford “El río de la vida”.
Posteriormente volvió a la televisión con gran éxito en el telefilme "Picket Fences” (CBS, 1993), como el patriarca jefe de un policía descarriado.

Filmografía esencial:
1962 War Hunt
1970 M.A.S.H.
1971 Dos hombres contra el oeste, con William Holden
1972 El turbulento distrito 87, con Burt Reynolds
1974 Una mamá sin freno, con William Shatner
1978 Como humo se va, con Cheech Martin
1979 Alien, con Sigourney Weaver
1979 Castillos de hielo
1983 La zona muerta, con Christopher Walken
1986 Tú a Boston y yo a California II
1986 Top Gun, con Tom Cruise
1987 Mano de oro, con Matt Dilon
1988 Poltergeist III
1989 Magnolias de acero,
1992 El río de la vida, con Brad Pitt
1993 Jaque al asesino, Christopher Lambert

KALIFORNIA Kalifornia (1993)

Propaganda Films y Kouf Bigelow 117 minutos

Productor: Steve Golin, Sigurjon Sighvatsson, Aristides McGarry Director: Dominic Sena
Guión: Tim Metcalfe
Editor: Martin Hunter
Fotografía: Bojan Bazelli
Música: Carter Burwell
Vestuario: Kelle Kutsugaras

Intérpretes:
JULIETTE LEWIS: Adele Corners
BRAD PITT: Early Grayce
DAVID DUCHOVNY: Brian Kessler MICHELLE FORBES: Carrie Laughlin SIERRA PECHEUR: Mrs. Musgrave LOIS HALL: Mrs. Musgrave
GREGORY MARS MARTIN: Walter Livesy DAVID MILFORD: Driver

Extraña película de miedo sobre un escritor y una fotógrafa, que están investigando noticias para elaborar un libro sobre los asesinos en serie. Para buscar compañía y economizar gastos en su viaje, se unen a un antiguo presidiario llamado Early (Brad), que tiene como toda fortuna una caravana destartalada, y a su novia Adele (Juliette). Todos están encantados con la idea del libro y quieren colaborar, aunque uno de ellos es uno de esos malvados asesinos sin piedad. Por eso el filme tiene una buenas dosis de áspera realidad cuando los cuatro se montan en su coche descapotable rumbo a California. Eficazmente irónica, supuso una de las piezas claves para el lanzamiento de Pitt. Ahora solamente se puede encontrar en el mercado del vídeo.

“Tenga cuidado con lo que usted pide. Quizá pueda conseguirlo aunque sea malo”. Dice un refrán

Una vez que he podido ver de nuevo esta película, después que las historias de asesinos en serie han proliferado en los últimos años, apenas la encuentro violenta y solamente la puedo considerar como una muestra de nuestra sociedad actual. “Kalifornia” es un filme semejante a otros, terrorífico y horrorizante, sí, pero también firmemente honrado, y para que se pueda entender hay que abandonar la presencia de sus actores, separarlos del argumento, y mirarlos simplemente como si estuviéramos mirando las vidas de personas reales.
La película reúne a cuatro personas que son, por ellos mismos, tipos bastante reconocibles. Pero mientras una película ordinaria los taparía simplemente en una historia, en esta ocasión les obliga a que repartan sus problemas entre sí. De este modo nosotros vemos un enfrentamiento entre varios mirones a quienes les gusta la violencia (con tal que esté al alcance de su mano) y aquéllos que son realmente capaces de matar. La película nos presenta a dos parejas: Brian y Carrie son yuppies inteligentes, ambiciosos. Early y Adele son una basura blanca infelices. Brian (David Duchovny) es un escritor con un interés en los asesinos en serie. Carrie (Michelle Forbes) es una fotógrafa, una especialista que se inspira en las fotografías eróticas de Mapplethorpe, pero lo único que consigue es hacer fotos sin sentido y muy pretenciosas, aunque de vez en cuando consigue algo bueno. Ambos quieren marcharse a California, y Brian propone la idea de realizar una gira atravesando el campo en busca de los mismo lugares donde han ocurrido asesinatos muy violentos, obra, al parecer, de una sola persona. Ella puede sacar las fotos, él puede escribir el texto, y ambos pretenden publicar posteriormente un libro con sus averiguaciones.

Early y Adele, interpretados por Brad Pitt y Juliette Lewis, realizan dos buenas interpretaciones, bastante convincentes, al menos si las comparamos con sus anteriores filmes, viviendo en un remolque alquilado sumamente desaliñado. Early está en libertad provisional. Ella es una joven con un carácter igual a una niña de 10 años. Como Peter Pan, no quiere crecer y prefiere jugar a novia de un chico muy protector que la resuelva los problemas. Confunde la inocencia con la ignorancia y es aficionada a cantar canciones infantiles y jugar con cosas de niños.
Brian y Carrie necesitan a alguien para compartir los gastos de gasolina que les permita llegar al oeste del país. Ellos pusieron un anuncio en el tablón de anuncios de la universidad. Pero tienen mala suerte, ya que la nota es vista por Early, un joven que había sido enviado al campus por un funcionario de prisiones, cuando le han concedido la libertad provisional si acepta el trabajo de conserje en el colegio. Cuando el ex-presidiario lee el anuncio, decide que es el momento de marcharse lejos de la vigilancia policial y percibe que el viaje a California con su novia Adele es una buena opción. Por supuesto, ésa es una violación de la libertad provisional, pero encuentra una buena solución: antes de marcharse, asesina y entierra a su vigilante.
La mayoría de los lugares donde se han realizado los exteriores del filme, son fácilmente reconocibles por el espectador y están ahí para darle cierta grandeza a la película. De no ser por estos paisajes la película sería otra más de las muchas tenebrosas y de asesinatos en masa que hemos visto antes, en la que los protagonistas harían planes para escapar desesperadamente de los asesinos en su automóvil. “Kalifornia” es mucho más sutil que eso. Tiene cierta fascinación extraña por unos personajes que necesitan ser más duros y más auténticos. Normalmente, aquellos momentos que se suponen románticos, solamente contribuyen a distraer la atención.
Hay una gran diferencia entre el personaje del yuppie Brian, y el de Early, con su pelo grasiento, sus tatuajes descuidados y sus, creemos, apestosos calcetines. Y entre la feminista Carrie (Michelle, el alférez de “Star Trek”), y Adele (por aquel entonces novia de Brad), que dicen cosas tan ingeniosas como: “yo fumaba antes, pero Early me lo ha prohibió”. La pareja de yuppies, sin embargo, con su liberalismo y su repugnancia para mostrar malos modales, intentan aceptar a estos dos extraños y hacer ciertas concesiones a su extravagante conducta.
Durante la película hay cierta ligazón entre Brian (a quien vimos como un detective travestido en “Twin Peaks” y posteriormente en “Expediente X”) y Early. Por ejemplo, Brian nunca ha disparado un arma y Early la lleva consigo. Esa arma fascina a Brian y Carrie se aterra ante el hecho de que la tenga en sus manos. Early le permite hacer prácticas de tiro, concretamente a las ventanas de una fábrica abandonada y desde ese momento Brian está como un niño con un juguete. También es excitante la escena cuando ambos salen una noche a beber y en una barra uno de los clientes critica a Brian por su aspecto. Early lo soluciona a su modo: dándole una gran paliza y expulsándole del bar a puntapiés hasta que casi le mata.
Early no es tonto, y tiene un sentido de la vida mucho más práctico y eficaz que Brian. Pero cuando Carrie poco a poco descubre que Early pega frecuentemente a Adele y probablemente es un psicópata, alerta a su novio, quien está totalmente seducido por el modo de vivir de Early. No es que él quiera involucrarse en esa vida delictiva, por supuesto, pero está intrigado por saber más cosas de él que le puedan servir para su novela. Gradualmente, con pasos lentos y lógicos, el director Dominic Sena (quien había realizado anteriormente vídeos musicales para Elton John y David Bowie), y el escritor Tim Metcalfe, revelan a Brian y Carrie la tenebrosa realidad donde se han metido por poner ese anuncio en la universidad. En ese momento tenemos a una pareja de buenos chicos, que desean hacer una labor de investigación muy concienzuda, metidos en un asunto y con unas personas que están por encima de sus posibilidades. Deseando saber todo sobre los asesinos, se encuentran que viajan con uno de los más malvados, en el mismo automóvil y con el mismo destino. Algo nada divertido.

Dominic Sena es un director desconocido para casi todos, y nos da la impresión de que trata de copiar el estilo narrativo de otras películas de Martin Scorsese, de Terrence Malick, o de John McNaughton (“Henry, retrato de un asesino”). La ansiedad logra prender en el espectador de una manera firme y en ocasiones los personajes son creíbles, especialmente cuando no son estereotipos. La acción coexiste transparentemente con un mensaje de prudencia para las amistades realizadas improvisadamente, a través de un anuncio.
“Kalifornia” trata de demostrar que las personas malvadas necesitan tener ideas para efectuar sus actos delictivos, estar inspirados en ese momento, aunque para ello les vale cualquier excusa por simple que sea. No obstante, para muchos críticos, para la mayoría, la película es muy mala y solamente se sostiene por ver juntos a Brad Pitt y Juliette Lewis. No confundirla con el filme “California” de 1946, un western dirigido por John Farrow.

Su compañera de reparto: JULIETTE LEWIS

Nacida en 1973 en Southern, California

Esta actriz juvenil empezó su carrera en la televisión como la hija del protagonista en la serie “Me casé con Dora”, en la miniseries “Homefires” (ambas de 1987), y con Robert Mitchum en la serie, "Una familia para Joe" (1990). Lewis seguidamente hizo una buena interpretación en el papel de una chica de 15 años que se enfrenta a una acusación de asesinato en la película para la televisión “Demasiado joven para morir” (1990). Lewis también ha alcanzado buena reputación en el filme “Vacation of Christmas of National Tract” (1989), “Fear Castrates” de Martín Scorsese (1991) y “Asesinos natos” de Oliver Stone (1994).

Filmografía esencial:
1990 Demasiado joven para morir
1992 Maridos y mujeres
1992 Aquella noche
1993 Kalifornia
1994 Asesinos natos
1995 Días extraños

AMOR A QUEMARROPA True romance (1993)
116 minutos

Guión: Quentin Tarantino Fotografía: Jeffrey Kimball Música: Hans Zimmer Director: Tony Scott

Intérpretes:
CHRISTIAN SLATER: Clarence Worley PATRICIA ARQUETTE: Alabama VAL KILMER: Elvis Presley
BRAD PITT: Floyd
GARY OLDMAN: Drexl
CHRISTOPHER WALKEN

Una película que responde al esquema habitual en los años 90, con violencia, sexo y hedonismo, en los cuales están inmersos una serie de jóvenes. Todos los actores se hicieron después de este filme muy populares, aunque creemos que es un mérito personal y no por el hecho de haber trabajado en esta película.
Gary Oldman, es un narcotraficante que explota a su novia prostituta, pero no es el más complejo de los demás personajes; es solo una muestra.

Hay pocas objeciones para “Amor a quemarropa” en cuanto a la dirección, pero no así por el argumento.

La historia nos habla de un encuentro casual entre dos jóvenes durante la proyección de una película de Kung-Fú. Esa misma noche, por supuesto, hacen el amor y junto a la pasión nace la necesidad de casarse inmediatamente, así de rápido y sencillo. Después aparece el novio de la chica, que en realidad es un chulo y un traficante de drogas, por lo cual la mejor solución es matarle y quedarse con la cocaína que tiene en su casa. Obviamente, la pareja de enamorados no tiene ningún escrúpulo y todo sea por su recién nacido amor.

Éste es el tipo de película que crea su propio universo, y lo glorifica aunque sea detestable. El ambiente que nos muestra podría localizarse mejor dentro de las fantasías inflamadas de los jóvenes que desean vivir como mayores sin tener que hacer las mismas cosas que los mayores. Para estos jóvenes lo mejor son las películas de artes marciales, con o sin Bruce Lee, las escenas de sexo intenso con o sin romance previo, y muchas chicas con las tetas enormes. Bueno, si la espectadora es mujer entonces se requieren con preferencia chicos rubios, sin pelo en pecho y muy dulces. Curiosamente, este tipo de películas suelen funcionar casi siempre bien en taquilla.
Y todavía eso no es lo peor. En “Amor a quemarropa” (cuyo título original se puede traducir por “Verdadero romance”), las expectativas que tenemos de encontrar algo diferente o al menos bien elaborado, se van esfumando a medida en que avanza el filme. La mayoría de los personajes son estereotipos, aunque se les adorne con ropas y maquillajes diferentes. Eso sí, son encantadores y no hay quien se les resista, especialmente a Brad Pitt con su larga barba y cabellera. En su interior, (me refiero al cerebro) parece que en esta ocasión no hay nada, pero no importa.
El héroe de la película, Clarence Worley, interpretado por Christian Slater, es quizás el más asimilable. Trabaja en una librería que también vende cómics, y dedica su tiempo libre a ver películas de Kung-Fú. Sus ojos no dan crédito cuando encuentra a una guapa chica a quien también le gusta el mismo cine y, además, es guapísima. Su nombre es Alabama y está interpretada por Patricia Arquette, a quien recordamos por “Pesadilla en Elm Street 3” y “Ed Wood”. La chica se dedica a la prostitución, una profesión que parece ser abunda en las películas de Tarantino, pero que para ella es lo más natural del mundo. Es más, tiene tantas ventajas que no se cuestiona cambiarla: no tiene un horario fijo de trabajo, no tiene que aguantar a sus padres y está disponible para ser amada por cualquier hombre, si el precio es suficiente. No sé por qué, pero me parece que las prostitutas que salen en las películas difieren bastante a las que vemos por la calle.
Esta chica se enamora del chico inmediatamente y hace el amor con él sin cobrarle un duro, lo que es de agradecer y con ello demuestra sus buenas intenciones. Clarence, el chico, siente una atracción magnética hacia ella, no solo porque le gustan las películas de Bruce Lee, sino porque hace el amor impecablemente.
Pero Alabama realmente es una inocente. Resulta que lleva como prostituta poco tiempo, algo lógico si tenemos en cuenta su edad, pero ya ha tenido tiempo de echarse un chulo que la cuida, aconseja y controla su dinero, además de hacerla el amor y darla droga. Pero como Alabama en su interior es muy decente, no quiere tener dos amores y decide matar a Drexl (Gary Oldman) y quedarse solamente con Clarence, ese chico muy valiente y algo tonto. Y ambos encuentran la solución para sus males, matando al chulo. Cuando lo hacen, se encuentran con un alijo de cocaína por valor de cinco millones de dólares y deciden venderlo para pagarse una buena luna de miel e irse a vivir a Río de Janeiro.

“Amor a quemarropa” fue dirigida por Tony Scott cuya película más conocida es “Top Gun” (1989) con Tom Cruise. También le conocemos por “Días de trueno” (1990), igualmente con Cruise, “El último Boy Scout” (1991) y “Marea roja” (1995). Pero el autor real de la película, con su estilo estampado en cada escena violenta, es Quentin Tarantino, quien parece especializado en recrear un mundo de tipos duros, valientes y exageradamente salvajes, al mismo tiempo que se inventa un melodrama pavoroso, mujeres fáciles, traiciones, armas y drogas. En su mundo, no hay cabida para Fred Astaire, se lo juramos.

La película se lanza de una escena a otra con suma rapidez e intenta con ello crear un clímax que golpeará a los espectadores entusiastas de esa violencia, que no son pocos. En las películas de ambos realizadores, las escenas llegan ingeniosamente a un momento en donde todas las fiestas belicosas están al mismo tiempo en el mismo lugar y disparan simultáneamente contra nosotros.
No hay un momento en “Amor a quemarropa” que de lugar a una reflexión serena, y toda la energía y el estilo de la película están dirigidas a mostrar lo más bajo de los seres humanos. Christian Slater tiene el tipo de atolondramiento arrogante que la película necesita, y Patricia Arquette consigue una combinación atractiva de muñeca vacía de mente, cuerpo de ensueño, pero compañera ideal. El resto de los actores secundarios no son menos importantes que los ya mencionados, empezando por Val Kilmer y terminando por Christopher Walken, sin olvidar a nuestro protagonista Brad Pitt, quien logró emular con precisión la imagen de tantos jóvenes colgados de la droga. Parece ser que se fijó especialmente en un amigo suyo drogadicto que se pasaba más tiempo en los hospitales que en su casa.

No se olviden de otro aliciente que hará las delicias de muchos espectadores y es esa especie de fantasma de Elvis Presley, interpretado por Val Kilmer, que aporta un dato agradable entre tanta violencia.

Su Compañero de reparto: CHRISTIAN SLATER

Nombre de nacimiento: Christian Michael Leonard Gainsborough
Nacido el: 18 de agosto de 1969, en Nueva York
Estudios: Escuela Dalton ; escuela secundaria de Bellas Artes; Escuela de Jóvenes Profesionales

Nos encontramos con un actor aún muy joven, que ha sabido lograr dar el paso de la juventud a la madurez con gran precisión y sin que nadie establezca por ello comparaciones odiosas. Slater es capaz de adaptarse sin problemas a la comedia, el drama, y a cualquier película de acción.
Empezó su carrera como actor cuando se lanzó en una gira nacional con "El Hombre Música" a los nueve años de edad. Su madre, Mary Jo Slater, era ya una directora de modelos de gran éxito y quizá sus consejos le sirvieron de mucho a tan tempranas edades. Slater apareció en Broadway en una gran variedad de producciones, incluso con temas tan complejos como “Macbeth”, “Merlín”, “David Copperfield”, “El Paisaje de John Guare”, y “Oliver”.

Hizo su debut en la televisión cuando apenas contaba siete años de edad en la serie de televisión “Una vida para vivir” de la ABC. Posteriormente consiguió un papel más importante como un adolescente en “La esperanza de Ryan”, también para la ABC, mientras que su padre, conocido como Michael Hawkins y Michael Gainsborough, interpretaba el papel de Frank Ryan en la serie.
Después de un papel diminuto en “Ladrones, azoteas y brujas” (CBS, 1982), siguió trabajando en películas para la televisión como el adolescente aventurero en “El misterio de la mansión” (ABC, 1983). También hizo “La prueba viviente”, “La historia de Williams, hijo” (NBC, 1983), “Desesperado por amar” (CBS, 1989) y algunos episodios en "The Equalizer" (CBS, 1986), además de intervenir en el “Show de Shelley Duvall “.

Pero fue el cine, y no la televisión, lo que llevaría a Slater con posterioridad a la fama, aunque tardó bastantes años en lograrlo, incluso utilizando sus contactos familiares envidiables. Tuvo una corta intervención en “La leyenda de Billie Jean” (1985), pero lo suficientemente importante como para que posteriormente interpretara el papel de un joven aprendiz que ayuda a Sean Connery a que resuelva un asesinato en “El nombre de la rosa” (1986). Igualmente importante fue su trabajo junto a Jeff Bridges, como el hijo mayor Francis en la obra de Coppola “Tucker: el hombre y su sueño” (1988). Con apenas 20 años Slater era ya una persona plenamente madura, quizá envejecido prematuramente, pero muy capacitado para trabajar junto a Jack Nicholson como un sociópata encantador en el inspirado filme, “Escuela de jóvenes asesinos” (1989). También aportó una buena interpretación como un joven poco comprendido en “Pump up the volume” (1990), al que siguió una película de acción dirigida a jóvenes titulada: “Young Guns II” (1990). Después le vimos en “Robin Hood: príncipe de los ladrones” (1991), “Gángsters” (también en 1991), y en la comedia de acción “Kuffs” (1992).

Slater encontró algunos papeles dignos en 1993: trabajó junto a Marisa Tomei y Rosie Pérez, en su primera comedia romántica agridulce, “Corazón indomable” y posteriormente con un guión obra de Quentin Tarantino en “Amor a quemarropa” (1993). Su ascenso al estrellato era ya un hecho y en 1994 logró un nuevo reconocimiento en la película de Neil Jordan “Entrevista con el vampiro” (1994), basada en la novela de Anne Rice. Slater aparecía posteriormente como un abogado idealista contratado para defender a un acusado de asesinato encerrado en prisión, en el drama “Murder in the First” (1995). Más recientemente le hemos podido ver en la película de acción desenfrenada “Broken Arrow” (1996).
A lo largo de su carrera, la vida personal de Slater ha tenido muchas buenas películas, tantas como romances, ya que se le imputan amores con Samantha Mathis, Winona Ryder, Patricia Arquette, y la modelo Christy Turlington, con quien aparecía en un documental titulado “Catwalt”, en 1995. También ha probado suerte como director en diversas películas.

Filmografía esencial:
1985 La leyenda de Billie Jean
1986 El nombre de la rosa
1988 Tucker: el hombre y su sueño
1989 El brujo
1990 El gato infernal
1991 Robin Hood: Príncipe de los ladrones
1991 Star Trek VI
1992 Fergully, solo voz
1993 Amor a quemarropa
1994 Entrevista con el vampiro
1994 Jimmy Hollywood
1996 Broken Arrow

EL FAVOR
The Favor (1994)

Orion Pictures 97 minutos

Productora: Lauren Shuler Donner Guión: Sara Parriott y Josann McGibbon Director: Donald Petrie

Intérpretes:
HARLEY JANE KOZAK: Kathy ELIZABETH McGOVEM: Emily BILL PULMAN: Peter
BRAD PITT: Elliott
KEN WAHL
LARRY MILLER
HOLLAND TAYLOR

La infiel y alegre Kozak, casada con Peter (Bill Pulman), le pregunta a Emily (McGovern) si tendría inconveniente en ligar y acostarse con un antiguo novio de su juventud, alguien a quien había conocido mientras estudiaba en la escuela secundaria. De lo que se trata, le explica, es de experimentar cómo se comporta en la cama y si en realidad hubiera podido ser mejor amante que su actual marido. Su amiga le deberá contar todos los detalles de la aventura sexual bajo las sábanas.
Por extraño que el argumento parezca, este insólito e increíble argumento funciona en “El Favor” y la comedia se sigue con agrado, especialmente por el público femenino.

¿Son nuestros recuerdos románticos de juventud tan maravillosos cómo los hemos idealizado? ¿Es cierto que el primer amor siempre es el mejor y más auténtico? ¿Qué hubiera sucedido si nos hubiéramos casado con ese amor juvenil? Estas son las preguntas que muchos, y muchas, nos hacemos cuando recordamos nuestros romances siendo unos adolescentes inexpertos. Todo parece tan maravilloso que el presente se nos antoja vacío. Es muy posible que en realidad nuestras relaciones de adolescentes fueron maravillosas porque nuestra vida era sencilla, sin demasiados problemas ni responsabilidades. Cuando somos adultos, todo se complica, hasta las relaciones amorosas. Amar a otra persona, en la juventud, es idealizar el amor, hasta el punto en que los fallos se nos hacen insoportables y podemos pasar del amor al odio en cuestión de horas. En nuestra imaginación recreamos un mundo que solamente pertenece al cine. Cuando con el paso de los años recordamos a las personas a las que hemos amado, eliminamos todo lo negativo y solamente traemos a la memoria el romanticismo. Así es fácil que lo idealicemos. La conclusión es que mis amigos de juventud no eran tan maravillosos como yo los recuerdo, porque en realidad yo los hice maravillosos en mi imaginación.

“El Favor” nos narra la historia de una mujer que piensa los mismos asuntos sobre su antiguo novio de la escuela secundaria. Kathy no lo ha visto en 15 años, y entre tanto ella se ha casado y ha tenido un niño. Todavía está obsesionada por él, y lo recuerda como un hombre ideal, inteligente y tierno, por supuesto mucho mejor que su marido. Kathy (Harley Jane Kozak), manifiesta cierto aburrimiento en su matrimonio con Peter (Bill Pullman), aunque nadie nos dice si su marido también está aburrido con ella. También está fascinada con la vida de su compañera de clase en la antigua escuela secundaria, Emily (Elizabeth McGovern), quién tiene una galería de arte y un novio llamado Elliott (Brad Pitt), un pintor seis o siete años más joven. Pero ahora Emily y Elliott están enfadados, y cuando Kathy se da cuenta que Emily está visitando su pueblo de juventud, le pide que localice a su antiguo novio.
Pero no se trata solamente que lo encuentre, ya que el asunto es que debe acostarse con él, si posible, y volver con un informe completo sobre esa noche, para que Kathy pueda averiguar cómo ha cambiado con el paso de los años. Cuando Emily vuelve con el informe sobre el todavía guapo Tom, (Ken Wahl), el asunto se empieza a complicar.

Hasta este punto argumental podemos considerar que “El Favor” es una película inteligente e intrigante. El argumento de Sara Parriott y Josann McGibbon, tiene una percepción bastante buena sobre las relaciones con los amigos, aunque siempre desde el punto de vista de las mujeres. Los diálogos son interesantes, especialmente los de Elizabeth McGovern, y aunque bordean en ocasiones el desprecio a los sentimientos de los varones, tienen bastante ingenio.
Las críticas comienzan cuando nos damos cuenta que la película realiza un giro total desde una simple comedia humana hasta una comedia sexual. En ese momento los secretos más profundos en los sentimientos quedan sin revelar, y todo se reduce a demostrar que Emily, en el futuro, tiene que tener un encuentro sexual con el guapo Tom para calmar así su furor vaginal. El argumento le proporciona una buena excusa para el adulterio, y la lealtad a su marido queda aquí mostrada como un inconveniente sin justificación. Los valores de fidelidad no existen y todo se reduce a la morbosidad de hacer el amor con una persona a la cual ya apenas reconoce, solamente para dar rienda suelta a sus deseos. En ese momento cualquier consideración moral se olvida, y la película se convierte en una farsa que involucra llegadas cómicas, salidas, y equivocaciones.
Además, los varones que salen en la película son mostrados como una caricatura machista, sin sentimientos ni capacidad de sufrimiento, mientras que las mujeres son todas encantadoras, inteligentes y con necesidad imperiosa de relaciones sexuales con parejas diversas.
La película que se rodó en apenas diez semanas en Portland, cerca del lago Oswego, contó con la colaboración directa de las dos guionistas, lo que agudizó aún más la trama feminista que el argumento original destilaba.
La presencia de Brad Pitt, que parece poco importante, no lo es, al dar el contrapunto a las mujeres de la película, siendo el único personaje masculino maduro y responsable, difícil de manipular por las dos amigas.
El punto central del filme, obviamente, es mostrar a Tom como un personaje muy distinto al que era en su juventud, menos encantador y romántico, mientras que ellas, las mujeres, han conseguido perfeccionarse espiritualmente con el paso de los años.
En la medida en que avanza la película el argumento se deteriora, ningún personaje queda perfectamente esclarecido, todo es oculto y superficial, especialmente cuando Tom, delante de la puerta de su cabaña rústica, recibe una visita sorpresa. Nada de esto tiene que ver con el planteamiento inicial de la película, ni con la intriga sentimental que el espectador esperaba.

ENTREVISTA CON EL VAMPIRO
Interview with the vampire: The vampire chronicles (1994)

122 minutos

Productor: Stephen Woolley, David Geffen
Director: Neil Jordan
Guión: Anne Rice
Basada en la novela del mismo título
Fotografía: Philippe Rousselot
Música: Elliot Goldenthal
Efectos especiales: Rob Legato, Yves De Bono, Cari Thomas Maquetas: Stan Winston, Michele Burke
Vestuario: Sandy Powell, John Scott, Deirdre Williams

Intérpretes:
TOM CRUISE Lestat de Lioncourt
BRAD PITT: Louis Pointe du Lac
ANTONIO BANDERAS: Armand
STEPHEN REA: Santiago
CHRISTIAN SLATER: Daniel Malloy, el entrevistador KIRSTEN DUNST Claudia
DOMIZIANA GIORDANO: Madeleine
THANDIE NEWTON: Yvette
VIRGINIA McCOLLAM: Whore on Waterfront

En el San Francisco contemporáneo, un hombre joven concede una entrevista sobre sus doscientos años de existencia como vampiro, una existencia en la cual nunca se ha sentido completamente cómodo. Probablemente para satisfacer a los entusiastas de la novela popular de Ana Rice, y a las entusiastas hembras admiradoras de los actores masculinos, se puso más interés en mostrar sin descanso la imagen seductora de los protagonistas que en el drama de fondo. El resultado es que la película termina aburriendo y los actores no logran quitarse el estigma de hombres guapos.

Aunque uno de los personajes de “Entrevista con el vampiro” ruega ser transformado en un vampiro, y ávidamente espera la sentencia de la inmortalidad, el filme nunca nos demuestra que ser vampiro es una bendición y solamente lo vemos como una tristeza interminable. Eso podría ser la fuerza del argumento, pero a lo largo de la historia todo se diluye y su mayor baza se pierde. En la película, parece que los vampiros están escapándose siempre de algo, en lugar de disfrutar de su existencia inmortal y de sus mordeduras a los cuellos de guapas chicas.
La película sigue una visión detallada y verídica de la novela de Ana Rice, y por eso no logra darnos la visión terrorífica que esperábamos de una historia de vampiros ambientada en nuestra época. Podríamos considerarla como un análisis de lo que realmente supone ser un vampiro.
El título nos pone ya en la línea de salida y en las escenas de apertura, situadas en el San Francisco actual, vemos al vampiro de 200 años llamado Louis Pointe du Lac (Brad Pitt), someterse a una entrevista con un periodista moderno (Christian Slater), como si fuera un asesino o un terrorista buscado por la Interpol. Pero la cosa queda clara desde un principio: solamente podrán hablar durante 60 Minutos.
Su historia empieza en los años de 1700, en Nueva Orleans, una ciudad peculiar en donde cualquier cosa es posible, y en la cual nuestro protagonista, después de perder a su esposa e hija, se dedicó a una vida de tristeza y libertinaje, sin que sepamos cómo logró compaginar ambas cosas. En su camino se cruzó un vampiro llamado Lestat (Tom Cruise), quién después del oportuno mordisco, lo transformó en un vampiro, y desde entonces Louis ha vagado por las grandes ciudades del mundo y se ha alimentado con la sangre de sus víctimas, aunque prefiere la de los animales.
La reunión inicial entre Louis y Lestat se realiza de una manera muy seductora, como dos homosexuales. El vampiro experimentado parece estar cortejando al hombre más joven, y en ese momento vemos un elemento fuerte de homosexualidad en la manera en que le descubre el cuello y chupa ansioso la sangre. En ese momento está a medio camino entre el vampirismo y el sexo, ambos mostrados con cierta alegría y poco horror. En ese momento nos cuentan que los protagonistas pueden vivir noches de lujuria, pero el problema es que si no lo hacen morirán.

Tom Cruise, que inicialmente parecía a muchas personas una opción improbable para interpretar a Lestat, nunca ha estado más convincente en un personaje que ahora. Con su ligero acento británico, combinado con una composición dramática sin ser molesta, logra aportar unas características al nuevo vampiro totalmente inéditas.
Brad Pitt, cuyo papel es probablemente el más importante, y a quien vimos hace poco tiempo en el papel del héroe depravado en el filme “Kalifornia”, aquí parece más como un joven inocente, un hombre que hace cosas en la vida imprudentes, aunque desde que es mordido por el vampiro jefe tiene muchas vidas para rectificar o equivocarse de nuevo.

Uno de los aspectos que produce más escalofríos en esta historia, es la transformación en vampiro de la niña Claudia, interpretada por Kirsten Dunst, que tenía en aquél momento 12 años. El personaje real de la novela era de seis años, pero dado que debemos asistir a un proceso de envejecimiento cuando es presa de la peste y luego cuando es convertida en vampiro, los realizadores encontraron más razonable aumentar su edad. El maquillador Dunst, quizás con la ayuda inestimable del experto Stan Winston, pudo efectuar de una manera correcta la transformación de la niña hasta su posterior envejecimiento. Al diseñador Dante Ferretti le conocemos por sus trabajos al lado de Scorsese en “La edad de la inocencia” y con Terry Gilliam en “Las aventuras del Barón de Munchausen”, aunque aquí combina la elegancia de la primera y las imágenes fantásticas de la segunda, proporcionando el mundo de los vampiros con cierta belleza terrorífica.
La acción, por supuesto, se desarrolla normalmente de noche, en ciertas plantaciones del sur francés y a lo largo de las calles oscuras y en toilette decadentes. Hay algunas escenas cortas del vuelo de los vampiros, bastante acción a bordo de una nave transatlántica, y también en las catacumbas de París. Hay bastantes escenas dentro de cloacas y pasadizos subterráneos, donde los vampiros duermen en estanterías que abren y cierran con absoluta precisión cuando llegan para dormir.

En resumen, la historia nos cuenta el encuentro en París de Louis, quien conoce a los vampiros Armand (Antonio Banderas) y Santiago (Stephen Rea), y empieza a entender que él es también un miembro de una sociedad clandestina internacional. Todos son vampiros, por supuesto, y tienen la necesidad de suministrarse regularmente sangre fresca, aunque los detalles necesarios para procurarse suficiente cantidad no le agradan y por eso se encuentra desanimado para vivir como esas criaturas. Que sea necesario matar a la gente para que ellos puedan vivir, no le agrada y busca otras alternativas.
Su tristeza está muy bien descrita en la novela de Anne Rice, aunque la pésima dirección de Neil Jordan, que consigue rayar en el ridículo y con más frecuencia en el aburrimiento, logró enmascarar la verdadera tragedia. También se le ha criticado el altísimo nivel de violencia del filme, pero esto es algo inherente a la necesidad que tienen los vampiros de matar para sobrevivir. Salvo las películas de la Hammer, con un exquisito Christopher Lee al frente, siempre que se muestren muertos vivientes o seres de ultratumba, se hace imprescindible que la sangre salpique al espectador.

La novela de Anne Rice no fue llevada al cine hasta que el éxito de Coppola con su Drácula revitalizó el interés por el cine de vampiros. Cuando las ventas de la novela alcanzaron los cinco millones de ejemplares y los productores pusieron los suficientes dólares en el contrato, la escritora accedió a vender los derechos, aunque con ciertas condiciones. El actor principal debería ser Daniel Day-Lewis, pero su compromiso con el filme “En el nombre del padre” le sirvió como excusa para no interpretar un papel que no le gustaba.
Después hablaron con William Baldwin, Mel Gibson y hasta con River Phoenix, aunque la súbita muerte de este joven actor malogró el comienzo del rodaje. Rechazado igualmente Leonardo Di Caprio por demasiado joven, solamente quedaba Christian Slater y Rutger Hauer, este último sustituido finalmente por Tom Cruise, a pesar de la opinión en contra de la escritora.
Respecto a Brad Pitt nadie estuvo en oposición, ni con la niña Kirsten Dunst, integrándose todos por fin en los estudios Pinewood de Londres, donde se construyeron 65 decorados fantasmagóricos, además de rodarse en exteriores de San Francisco, Nueva Orleans, Londres y París.

“Mi maquillador creo que se excedió conmigo, dijo Brad Pitt, al querer darme ese aspecto de piel traslúcida, como un recién nacido que aún no ha visto el sol. Hasta me pintaron unas venas muy aparentes en tres dimensiones a base de una pintura muy espesa. También me pusieron lentes de contacto para aclarar mi iris y darle una tonalidad azul, aunque cuando ataco a una víctima me pusieron otras que agrandaban el iris y estaban enrojecidas”.

“Respecto a los colmillos, sola mente se aumentó la largura de los caninos, rematándolos como agujas, empleándose el mismo material que utilizan los dentistas para restaurar dientes rotos”.

“Aunque al principio me entusiasmé con la película, ahora debo admitir que la odio, especialmente por mi personaje tan depresivo. Respecto a mi relación con Cruise, reconozco que todo fue complicado entre nosotros durante el rodaje, pero fue debido más a la tensión del trabajo que a nuestras diferencias personales”.

Sus compañeros de reparto: TOM CRUISE
(1962 )

Nombre de nacimiento: Thomas Cruise Mapother IV Nacido el: 3 de julio de 1962, en Syracuse, Nueva York

Cuando este popular actor aún era muy joven, se convirtió poco a poco en una superestrella de Hollywood en los años ochenta, quizá la estrella más poderosa de su generación. Comenzando su participación en el cine con el filme “Amor sin fin”, alcanzó su primer éxito entre las chicas cuando interpretó a un guapo y loco cadete en “Taps, más allá del honor” (1981). Después afianzó su estrenada popularidad en la sátira sobre los problemas sexuales de un adolescente en “Risky Business” (1983) y desde entonces se le consideró un joven ansioso, engreído, sin interés por los estudios, muy en línea con los jóvenes de la época en la cual mandaba el Presidente Reagan.
Actor de cuerpo atlético, se puso algunos kilos extras para dar énfasis a la suavidad y vulnerabilidad de sus personajes. En un intento de fabricar una estrella a medida de los gustos del público, Cruce apareció en la prensa vestido con camisas, ropa deportiva y hasta tocando la guitarra eléctrica, mientras afirmaba su entusiasmo por la vieja música rock. Este cambio le proporcionó la llave correcta para alcanzar un gran éxito como estrella del cine, aún antes de interpretar una buena película. En ese momento era un tipo atractivo, pero no lo bastante buen actor como para ganarse el respeto de los críticos.

Cruise siguió intentando afianzarse en su prestigio como actor, más que en su imagen, y realizó un filme acorde con sus deseos, titulado “La clave del éxito” (1983), un drama sobre el fútbol de una escuela secundaria que solamente tuvo modestos resultados en taquilla.
Súbitamente se dejó crecer el pelo para hacer una historia de amor y hadas a las órdenes de Ridley Scott, titulada “Legend” (1985), que en su momento fue un fracaso pero que ahora es objeto de revisión. Tom no se desanimó y deseoso de ser el ídolo de la juventud de esos años interpretó lo que sería su mayor éxito en los ochenta, “Top Gun” (1986). Insolente y políticamente incorrecto, con sucesiones de vuelos de aviones de guerra al ritmo de melodías y explosiones, la película funcionó como un reclamo para que los jóvenes se apuntaran a la Armada, con el aliciente de un romance de amor incluido. Ningún otro papel podía estar más acorde con su carácter como el del piloto Maverick, en donde Cruise hacía de un buscavidas arrogante, armado hasta los dientes en su avión, y con una sonrisa de asesino con licencia.
Después descansaría un poco con películas menospopulares como fueron “Cocktail” y “Días de trueno” en 1990, esta última junto a su esposa Nicole Kidman.
Cruise ofreció a sus admiradores una caracterización más rica como el hombre joven, arrogante y con talento, al lado de Paul Newman en la obra deMartin Scorsese “El color del dinero” (1986). Después consolidó sus credenciales dramáticas más serias en el filme “Rain Man” (1988), en que él sostuvo a su oponente ganador de un Oscar al Mejor Actor, Dustin Hoffman. Un año más tarde, con la obra de Oliver Stone “Nacido el cuatro de julio” (1989), consiguió una nominación al Oscar como el Mejor Actor por su interpretación como el activista Ron Kovic, que se opone a las acciones guerreras. Tres años más tarde defraudó a todos con la película “Horizontes lejanos” (1992), un romance épico sobre la vida de los colonos irlandeses que vivían en la frontera de Río Grande, teniendo nuevamente como compañera a Nicole Kidman.
Ese mismo año interpretó a un oficial inmerso en un consejo de guerra en “Algunos hombres buenos” (1992), junto a Jack Nicholson y al año siguiente hizo de abogado en el filme “La tapadera” (1993) con un éxito irregular.

Filmografía esencial:
1981 Taps, más allá del honor
1983 La clave del éxito
1983 Risky Business
1985 Legend
1986 El color del dinero, con Paul Newman
1986 Top Gun
1988 Cocktail
1988 Rain man, con Dustin Hoffman
1989 Nacido el cuatro de julio
1990 Días de trueno
1992 Un horizonte muy lejano
1992 Algunos hombres buenos, con Jack Nicholson
1993 La tapadera
1994 Entrevista con el vampiro, con Brad Pitt
1996 Misión: imposible

ANTONIO BANDERAS

(1960 )

Nacido el: 8 de octubre de 1960, en Málaga, España, Estudios: Escuela de Arte Dramático, Málaga, España.

Este actor español, guapo y con aspecto de eterno joven, ha conseguido poco a poco afianzarse en el mundo de la cinematografía mundial, principalmente por sus trabajos junto al director español Pedro Almodóvar. Banderas, con su pelo castaño oscuro rizado y su profunda mirada, ha conseguido una buena popularidad como uno de los actores más sexy de los 90, tanto en su propio país como en Hollywood.
Su inclinación por el cine la tuvo en 1973, con apenas 13 años, cuando vio la obra musical “Hair”, entrando a las pocas semanas en la Escuela de Arte Dramático de Málaga, consiguiendo pronto trabajar durante algún tiempo en el prestigioso Teatro Nacional de España con obras de Brecht, Marlowe y Shakespeare.
Su primer trabajo importante en el cine fue en “Laberinto de pasiones” (1982), de Pedro Almodóvar, una obra cruda sobre una ninfómana, travestidos y homosexuales, que recibió fuertes críticas en el momento de su exhibición. No obstante, para Banderas supuso su entrada por la puerta grande en el mundo del cine.

Después le vimos en otras obras dramáticas de reconocidos directores españoles, como “Los zancos”(1983) de Carlos Saura, y “La corte del faraón” (1985), una comedia musical erótica con Ana Belén, dirigida por Jose Luis García. También hizo la desagradable obra de Félix Rotaeta “El placer de matar” (1987) y la exitosa “Mujer al borde de un ataque de nervios” (1988), también de Almodóvar, en donde hacía de sobrino de Carmen Maura. Pero el gran momento de Antonio Banderas llegó cuando la película “Mujeres al borde de un ataque de nervios” fue exhibida en los EE.UU., e incluso se habló de que Jane Fonda había comprado los derechos para un remake. Después, y nuevamente con Almodóvar interpretó “Átame” (1990), como un paciente mental muy carismático que secuestra, ata y tiene un romance con una estrella del porno.
Banderas hizo su debut en Hollywood en “Los reyes del mambo” (1992) como un trompetista cubano espiritual que viene a América en los años cincuenta. Aunque la película falló en taquilla, proporcionó a Antonio un trampolín que le llevó a interpretar papeles secundarios junto a actores de gran prestigio como Tom Hanks en “Philadelphia” (1993), “La casa de los espíritus” (1993), como un revolucionario que mantiene un romance con Glenn Close y Winona Ryder; “Entrevista con el vampiro” (1994), como el vampiro del Viejo Mundo Armand, en una producción encabezada por Tom Cruise y Brad Pitt; y “Miami Rhapsody” (1995), como el amante de Mia Farrow.
Su primer papel de proyección mundial lo tuvo con “Desperado” (1995), y con la obra de bajo presupuesto de Robert Rodríguez “El mariachi”. Banderas había participado en 1995 en otras tres películas: “Never talk to strangers” con Rebecca De Mornay; “Asesinos” con Sylvester Stallone; y una corta intervención en la película de Robert Rodriguez de “Four Rooms” con la coestrella de “Desperado”, Salma Hayek.
Está casado con la actriz Melanie Griffith, con quien trabajó en “Two Much” (1996).

LEYENDAS DE PASION Legends of the fall (1995)

134 minutos

Productor: Edward Zwick, Bill Wittliff, Marshall Herskovitz Director: Edward Zwick
Guión: Susan Shilliday, Bill Wittliff
Basada en la novela de: Jim Harrison
Fotografía: John Toll
Música: James Horner
Productor designado: Lilly Kilvert
Efectos especiales: Mike Vezina
Decorados: Gary Combs, Brent Woolsey
Maquetas: Jean E. Black, Gordon J. Smith
Vestuario: Deborah Scott

Intérpretes:
BRAD PITT: Tristan Ludlow
ANTHONY HOPKINS: Coronel William Ludlow AIDAN QUINN: Alfred Ludlow
JULIA ORMOND: Susannah Finncannon HENRY THOMAS: Samuel Ludlow
KARINA LOMBARD: Isabel Two
TANTOO CARDINAL: Pet

Saga familiar que nos relata la vida de tres hermanos que se fueron a vivir a Montana con su padre, un funcionario iconoclasta de la caballería que renunció a su cargo tiempo atrás al no querer seguir con el derramamiento de sangre y la explotación de los indios. En la parcela en la cual vive la familia es frecuente la rivalidad entre los hermanos, las miradas hirientes y las peleas sin consecuencias. Muchas de las escenas que vemos parecen pertenecer a otras películas épicas del pasado y aunque la historia que nos cuentan es creíble, se nos antoja superflua cuando está más empeñada en mostrar la categoría de los actores, en especial con Brad Pitt, que en la historia misma. Es como si todo el interés estuviera centrado en el carisma de sus intérpretes. Por eso, en la medida en que la película avanza la credibilidad disminuye.

Basada en una novela de Jim Harrison, “Leyendas de pasión” es el tipo de película en el cual se hace imprescindible estar atento a los diálogos, más que a los actores. La historia nos habla de una guapa mujer que regresa a la mansión familiar, lo que provoca el amor de los tres hermanos hacia ella, todo con el telón de fondo de la Primera Guerra Mundial. Éste es el tipo de historia que normalmente hemos visto anteriormente en “Gigante” o en muchas novelas publicadas con rústicas encuadernaciones que sirven para recordar cómo vivían los norteamericanos de principios del siglo XX. El problema actual es que la novela original de Jim Harrison no es una gran epopeya, sino un relato bastante corto de la vida de una familia rural.
Con ello no queremos decir que la película sea mala, solamente advertir que sigue esquemas actuales muy en boga: varias historias juntas, enlazadas en un mismo lugar, pero totalmente diferenciadas entre sí. El espectador se pone pronto de parte de su personaje preferido y espera que sea el que mejor parado salga de todos.
Básicamente y a pesar de la violencia que muestra, es una historia de amor de tres hermanos: Alfred que es obediente y poco hablador; Tristan que gusta de la polémica y las peleas, pero no que le dirijan; y Samuel como el más joven y, por tanto, más idealista de los hermanos.

Anthony Hopkins como el Coronel Ludlow, trata de evitar que su familia se disgregue a causa de una mujer o por falta de diálogo entre ellos. Como patriarca, debe comportarse en ocasiones duro, en ocasiones humano. Su esposa, le ha abandonado para irse a vivir al Este y le ha dejado solo para que cuide muy virilmente a sus tres hijos.
La película comienza con una narración siniestra a cargo de un jefe indio (Gordon Tootoosis), amigo íntimo del coronel. Pronto el hijo menor Samuel vuelve del Este con Susannah, una mujer joven que es su novia y con la cual quiere casarse allí. Ella está interpretada por Julia Ormond, una joven actriz británica que parece querer emular el glamour de otras estrellas del pasado. Como mujer curtida en el ambiente rural, es fuerte, capaz, bonita y muy espiritual. También sabe montar a caballo, tirar el lazo a las reses, disparar con el rifle y mirar lascivamente a Brad Pitt cuando le observa montado a caballo sudoroso y con rastros de sangre. No dice nada, pero su mirada y sus aleteos nasales la delatan.
El coronel odia la guerra y al Ejército, y quiere que sus hijos se queden en Montana y cuiden su rancho; esa será su herencia. Pero Samuel está muy perturbado y siente celos de sus hermanos, especialmente porque les considera mucho más expertos que él en la vida y con las mujeres. En esto último también tiene razón, especialmente cuando ve el comportamiento de su novia. Por eso, deseando ser como ellos y ganarse la admiración de todos, decide enrolarse en el ejército canadiense y entrar a luchar en la Primera Guerra Mundial. El coronel se enfada, ya que él solo no podrá cuidar la hacienda si todos sus hijos se alistan en el ejército.

Todo se complica cuando la guapa chica Susannah empieza a formar parte de los pensamientos de los tres hermanos, cosa lógica teniendo en cuenta la escasez de mujeres jóvenes en la comarca. Mientras el padre trata de conservar la dignidad y el orgullo de una época, la vida del Oeste cambia vertiginosamente, la gente del campo emigra a las ciudades y la delincuencia crece en la misma medida. El Coronel envejece y llega un momento en el cual le es difícil controlar los robos y hacer frente a los malhechores. La película es una muestra de lo que fue el cine hace más de 30 años y solamente por eso la tenemos que otorgar un gran mérito. Los actores, en especial Julia Ormond y Anthony Hopkins, respaldados por unos eficaces Aidan Quinn y Brad Pitt, nos recuerdan una vez más a otros actores ya fallecidos que nos hicieron soñar en su momento. Cualquier semejanza entre Brad Pitt y James Dean no es pura coincidencia y hasta podríamos afirmar que más de algún diálogo se parece como dos gotas de agua. Cierto que la imagen de Brad es bastante más desaliñada que la de James Dean, pero no quisiéramos ser maliciosos si dejamos entrever que alguien ha querido imitar éxitos del pasado.

“Leyendas de pasión” es una buena película que ha tenido un grandioso éxito comercial y que nos aporta unos personajes con sentimientos muy profundos. El único problema es que parece que ya la hemos visto antes y que las pasiones que muestra, los amores (tan platónicos y tan sexuales al mismo tiempo), así como la pasión por la tierra, es algo que pertenece al viejo cine norteamericano. Hay caballos, jinetes, chicas con largas faldas, bandidos y muchos tiros con rifles de repetición; viejos esquemas que parecen seguir funcionando si hay al menos hay uno o dos chicos guapos en el reparto. Con esta base es lógico entretener al espectador y que la imaginación de las jovencitas vuele hacia mundos idílicos de amor y pasión. El esquema ha funcionado antes, funciona ahora y seguirá funcionando siempre.
Respecto a su director Edward Zwick, se trata de un nativo de Illinois que empezó las labores de dirección mientras estudiaba en la escuela secundaria, llegando a graduarse en Harward como licenciado en Literatura. Posteriormente colaboró con Woody Allen en el filme “La última noche de Boris Grushenko” y al regresar a Estados Unidos fue premiado en el Festival de Chicago por su obra “Timothy and the Angel”. Este trabajo le permitió comenzar en televisión con la serie “Family” y después con “Treinta y tantos”, Ganó un premio Emmy por “Boletín oficial” y su primer reconocimiento en el cine fue con “¿Qué pasó anoche?” junto a Demi Moore como protagonista y “Tiempos de gloria”.

Sus compañeros de reparto: ANTHONY HOPKINS (1937 )

Nombre real: Phillip Anthony Hopkins
Nacido el: 13 de diciembre de 1937, en Port Talbot, South Wales
Estudios: Cowbridge Grammar School, Glamorgan, Wales; Welsh College de Música y Drama, Cardiff, Wales; Real Academia de Arte Dramático, Londres, Inglaterra.

Considerado a menudo como el sucesor de Richard Burton, Hopkins era ya un actor famoso en el teatro Nacional británico mucho antes de dedicarse al cine. De la mano de otro no menos magnífico actor, Sir Laurence Olivier, consiguió interpretar las obras de Shakespeare durante los años 60. En 1964 hizo su primera aparición con “Julio César” y posteriormente alcanzó gran éxito en “Pravda”, Madame Butterfly” y “El rey Lear”. Durante tres años de trabajo intenso se dedicó al teatro británico, consiguiendo gran renombre cuando hizo “Marco Antonio y Cleopatra”.
Antes de hacer su debut en el cine había pasado por largos años de aprendizaje en el Cardiff College of Drama, en la Real Academia de Arte Dramático de Londres y el Welsh College of Music And Drama. Su primera película fue “El león en invierno” en 1968, junto a Peter O’Toole y Katharine Hepburn, interpretando el personaje de Ricardo Corazón de León, aunque en esta ocasión el popular rey se mostraba débil y con ciertas dosis de homosexualidad.
Hopkins ganó varios premios en 1975 durante su paso por los teatros de Broadway con la obra “Equus”, en la cual interpreta a un psiquiatra que cuestiona el significado de su propia vida cuando él trata a un hombre joven, apasionado y perturbado, que además de asesino siente una pasión enfermiza por los caballos. Irónicamente, Burton tuvo más éxito en el cine con esta película, que Hopkins en la producción de Broadway, la cual sirvió para promocionar el filme.
Hopkins ha interpretado personajes volátiles, obsesionados, como el ventrílocuo en “Magic” en 1978 o el Capitán Bligh en “Motín a bordo” de 1984. También le vimos en papeles de hombres reprimidos y poco habladores, y como personas apacibles y ciertamente amanerados. En televisión alcanzó igualmente grandes éxitos con obras como “Guerra y paz”, “El búnker” y “Mussolini y yo”.
Su gran salto a la fama lo logró con el papel de Hannibal Lecter, el asesino en serie inteligente, en la película dirigida por Jonathan Demme “El silencio de los corderos” (1991), que le proporcionó su primer Oscar como el Mejor Actor del año. Hopkins siguió ya imparable su ascenso al prestigio como actor cuando interpretó al mítico caza vampiros Val Helsing en la adaptación de Ford Coppola de la obra de Bram Stoker “Drácula” (1992), una versión con mucho lujo y efectos especiales que rompía todos los moldes sobre el célebre vampiro. Tanto del filme “El silencio de los corderos”, como de “Drácula”, existen proyectos para una segunda parte.
Actuación igualmente importante y que proporciona una gran solidez al filme, fue como el padre herido en la epopeya familiar norteamericana “Leyendas de pasión” (1995), junto a Brad Pitt, filme que realizó unas semanas antes de encarnar al 37th Presidente norteamericano, Richard Nixon, en la polémica obra de Oliver Stone “Nixon” (1995). Hopkins dirigió con bastante acierto “August” (1996), una adaptación del “Tío Vanya” de Chekhov y más recientemente le hemos visto encarnando al pintor español Pablo Picasso, en el biopic “Sobrevivir a Picasso” dirigido por James Ivory en 1996. Realizó igualmente una interpretación memorable en “El balneario de Battle Creek” (1996), en donde interpreta la vida real del inventor de los célebres cereales “Kellog”, además de ser autor también de la manta eléctrica y la mantequilla de cacahuete. Acompañado en esta ocasión por Bridget Fonda y Matthew Broderick, nos recrea las propiedades curativas de los métodos del doctor John H. Kellogg en su Instituto del Oeste para la recuperación de la Salud.

Filmografía esencial:
“El león en invierno” (1968)
“Hamlet” (1969)
“El joven Winston” (1972)
“Chantaje contra una esposa” (1973) “El enigma se llama Juggernaut” (1974) “Las dos vidas de Audrey Rose” (1977) “Un puente lejano” (1977)
“Sólo para adultos” (1980)
“El hombre elefante” (1980)
“Motín a bordo” (1984)
“El silencio de los corderos” (1991) “Freejack, sin identidad” (1991) “Regreso a Howard’s End” (1992) “Drácula” (1992)
“Chaplin” (1992)
“Leyendas de pasión” (1995)
“El desafío” (1997).
“Amistad” (1997)

Aidan Quinn

Este hasta entonces desconocido actor, nació el 8 de marzo de 1959 en Chicago y su primer trabajo reconocido en el cine fue en “Rebeldes temerarios” en 1984, junto a Daryl Hannah, en donde interpreta a un jugador de rugby. Se inició en los teatros de Dublín, en donde vivió hasta bien entrada su juventud y consiguió cierto renombre en 1985 cuando trabajó junto a Madonna en “Buscando a Susan desesperadamente”.
Posteriormente sensibilizó a los espectadores como un enfermo de Sida en “An Early Frost”, película que solamente hemos visto en televisión y como un malvado perseguidor de mujeres guapas en “Procedimiento ilegal”, junto a Richard Dreyfuss.
Aunque no goza de gran popularidad entre el público, los productores de cine le tienen gran consideración y por eso haintervenido en películas como “La misión”, “El cuento de la doncella”, “Avalon”, “Jugando en los campos del señor”, “Benny and Joon”, “Frankenstein” y “Blink”.

SEVEN

SEVEN (1995)

127 minutos

Productor: Arnold Kopelson, Phyllis Caryle Director: David Fincher
Guión: Andrew Kevin Walker

Intérpretes:
BRAD PITT: Mills
MORGAN FREEMAN: Somerset GWYNETH PALTROW: Tracy
RICHARD ROUNDTREE: Talbot R. LEE McGINLEY: Capitán de la Policía JOHN C. McGINLEY: California JULIE ARASKOG: Mrs. Gould
MARK BOON Jr.: hombre del F.B.I. JOHN CASSINI: Cassini

Thriller psicológico y muy enredado, en el cual nos habla de un policía novato (Pitt), que debe trabajar intensamente para averiguar quién anda detrás de una serie de asesinatos maquiavélicos, enlazados bajo las normas de Los Siete Pecados Capitales. Excepcionalmente bien narrada, inteligentemente escrita y bien interpretada, la trama nos envuelve en una historia de terror sumamente enloquecida, que llega a ser opresiva en algunos momentos. No hay excesiva violencia mostrada directamente ante las cámaras, lo que es de agradecer, pero la película parece revolcarse apasionadamente en las posibilidades de la depravación humana.

“Seven” es una oscura, espantosa, y terrorífica película, suavizada bajo el aspecto de un simple thriller, que nos habla de las posibilidades de un alma perturbada, cuando se une a una inteligencia fuera de lo normal. El argumento nos cuenta la historia de dos detectives, uno a punto de jubilarse y otro recién salido de la academia, que deben unir sus esfuerzos para capturar a un asesino pervertido que está usando los Siete Pecados Mortales como su guión.
Cuando la película comienza nos encontramos con Somerset (Morgan Freeman), un policía veterano, muy meticuloso, que vive la vida de un soltero en lo que parece un cuarto amueblado. Entonces él se encuentra en la comisaría con Mills (Brad Pitt), un policía joven e impulsivo que ha pedido ser transferido al mismo distrito de Somerset. Los dos hombres investigan un asesinato particularmente repugnante en el que un hombre gordo es atado de pies y manos, mientras es obligado a comer hasta la muerte. El crimen lleva la marca de un castigo contra la Gula, uno de los Siete Pecados capitales. Pronto Somerset y Mills están investigando asesinatos igualmente imaginativos que involucran a la Codicia, la Pereza, la Lujuria y los otros pecados capitales. En cada caso, el método del asesinato es apropiado, y sirve para que no existan dudas del móvil que los origina. Aunque prudentemente mostrados por el director, vemos a una de las víctimas que es obligada a cortarse un trozo de su propio cuerpo, otra que es atada en la cama durante un año entero; y una tercera, demasiado orgullosa de su belleza, es desfigurada irremediablemente mientras se le ofrece la opción de pedir ayuda y que todos vean su deforme cara o tomar unas píldoras mortales. Somerset concluye que el asesino, “John Doe”, está usando sus crímenes para predicar un sermón y llamar al orden a los pecadores.

Para mostrarnos adecuadamente tantos horribles crímenes se hace necesario mucha oscuridad y solamente en ocasiones vemos algo de luz cuando las linternas eléctricas de los detectives inciden sobre las víctimas. Incluso cuando todo las luces se encienden en los apartamentos de las víctimas, la cámara solamente muestra destellos cortos de los asesinatos, dejando al espectador hambriento de un poco de luz.
Aunque el tiempo en que se narra la historia es el presente, las escenas parecen recrear los años cuarenta, o al menos los thrillers de esos años. Gary Wissner, el director artístico, disfruta recreándose en los tonos marrones y negros, con las sombras profundas, las luces del mobiliario de madera en un amarillo oscuro, y con unos exteriores en los que siempre llueve.
En esta selva de la oscuridad, Somerset y su banda de policías, con Mills como eficaz ayudante, nos llevan de un susto a otro, como si el asesino tuviera prisa por contarnos todos los Pecados Capitales. Somerset intuye que el asesino está acostumbrando a leer libros que pueden inspirar sus crímenes, y estudia a Dante, Milton y Chaucer para encontrar una relación y por supuesto una pista. Por su parte, Mills se conforma con los métodos más tradicionales.
Un descanso en el caso viene con el descubrimiento repentino de Somerset cuando se da cuenta que el asesino podría tener una tarjeta de la biblioteca. Pero los cadáveres se amontonan y pasa más tiempo visitando al forense que entrando en la biblioteca. Esta es, lógicamente, la parte más horrorosa del filme y una de las más desagradables de los últimos tiempos. Los únicos alicientes de belleza y frescura los tenemos de la mano de Tracy (Gwyneth Paltrow), la esposa de Mills.

Aunque la película es todo un estilo de narrativa cinematográfica, el material por sí mismo podría manejarse de muchas maneras, pero el director, David Fincher (“Alien 3”), nos lleva por una atmósfera evocadora, y el escritor, Andrew Kevin Walker, escribe el diálogo para que Morgan Freeman, en particular, aparezca muy sabio, informado, y hasta poético. En una ocasión nos deleita con este verso: “cualquiera que gasta una cantidad importante de tiempo conmigo, me encuentra desagradable”.
Obviamente no tiene una buena imagen de sí mismo y en el futuro queda claro que el sermón del asesino está dedicado directamente a los dos policías que le persiguen, y que para entenderlo ellos tienen que arriesgar sus vidas y hasta sus almas.
“Seven” tiene algunos buenos detalles en su construcción: el asesino no aparece al principio de la película, pero cuando lo hace el guionista le da la oportunidad de hablar. En lugar de simplemente mostrar una carrera desenfrenada para capturarle, la historia nos revela cómo se convirtió en un asesino despiadado y hasta le vemos planeando un plan horrible para lograr terminar su sermón.
Hay muchos detalles buenos en “Seven”, especialmente en la manera inflexible en que nos presenta los detalles perturbados de los crímenes. No es ciertamente una película para jóvenes o personas sensibles, salvo en que por lo menos la maldad es condenada y finalmente el asesino paga su culpa trágicamente. Todos los pedazos del argumento están en su lugar, todos los personajes en su sitio adecuado, y aunque en ocasiones pensamos que la historia es demasiado sencilla, el guionista se encarga de demostrarnos que no es así.

DOCE MONOS

TWELVE MONKEYS 1995

131 minutos

Productor: Charles Roven
Director: Terry Gilliam
Guión: Janet Peoples, David Peoples

Intérpretes:
BRUCE WILLIS: James Cole
MADELEINE STOWE: Kathryn Railly BRAD PITT: Jeffrey Goines
CHRISTOPHER PLUMMER: Dr. Leland Goines JOSEPH MELITO
DAVID MORSE
JON SEDA
FRANK GORSHIN

En el mundo yermo de un futuro cercano, un prisionero es enviado a través del tiempo a los años noventa para que descubra la fuente de una plaga que mató a millones de personas y obligó a la sociedad a vivir bajo tierra. La obra, por tanto, se mueve entre el presente, el pasado y el futuro, casi siempre confundiendo al espectador, dejándole con la necesidad de comentar el argumento cuando salga de la sala de proyección. Con suerte, entre ambos amigos conseguirá averiguar todas las interrogantes que el director no ha sabido, o no ha querido, aclararle. Parece ser que está inspirada en una película corta de 1962 obra de Chris Marker.

“12 Monos” es otra obra ambi ciosa de Terry Gilliam, ayudado por David Peoples, quien ya había trabajado con él en otras ocasiones y parece ser que tiene la misma visión de nuestro futuro como la tenía el propio Gilliam en el filme “Brazil”.
En este mundo del futuro todo es mohoso, subterráneo, y con goteras. La película ejecuta numerosos saltos en el tiempo y nos lleva desde el 1990 al 1996, con la esperanza que un presidiario ansioso de libertad consiga salvar al mundo de esa plaga mortal. El viajero se llama Cole (Bruce Willis), a quien vemos en los comienzos del filme viviendo como un animal junto a otros humanos sobrevivientes, en una zona subterránea cercada por una invulnerable alambrada. La superficie del planeta ha sido salvada una vez más, pero detrás queda la muerte de cinco mil millones de personas víctimas de una plaga que comenzó en 1996.
Cole es sacado de su jaula y es enviado en una expedición a la superficie por los gobernantes de esta sociedad, quienes esperan encontrar el origen de la plaga y derrotarlo. Después, es escogido para una misión más crucial: viajará atrás en el tiempo y buscará información sobre el virus antes de que se declarare. En ese momento, el guión no ofrece ninguna esperanza sobre la posibilidad de detener la plaga antes de que comience, puesto que, según su punto de vista, la plaga ha pasado ya, y deben buscar un tratamiento, ya que es inútil prevenirla.
Cole aterriza en 1990, sucio y con sangre, y goteando sudor y mucosidad por cada poro, algo que ya es habitual en el Bruce Willis de las películas anteriores. Pero cuando sale de la cárcel, acaba en un psiquiátrico y es asignado a una psiquiatra (Madeleine Stowe), quién cree que él está demente cuando dice que es un viajero del futuro que viene a salvar a la humanidad de un virus desconocido. Para convencerla, le dice: “Usted se dará cuenta que no estoy loco cuando las personas empiecen a enfermar el próximo mes”. En ese momento el guionista y el director nos empiezan a marear con los viajes en el tiempo y después de pasar por la cárcel le vemos en el año 1996. Inmediatamente secuestra a la doctora porque él necesita ayuda para encontrar a 12 monos en Filadelfia, ciudad en la cual se supone que están los virus en estado puro, antes que se transformen en asesinos de humanos.
Cole descubre que un paciente de un hospital psiquiátrico llamado Jeffrey (Brad Pitt), a quien había encontrado en 1990, es un activista de los derechos de los animales contra su propio padre (Christopher Plummer), el cual es el jefe del laboratorio donde se alberga el virus mortal. Jeffrey no sabe qué camino tomar, especialmente cuando le meten en el hospital con los locos.

Todos estos argumentos los encontrará el espectador adecuadamente mezclados, pero no suficientemente aclarados. Por eso, a medida en que avanza la película, lo mejor que podemos hacer es olvidarnos del complicado argumento y disfrutar de las imágenes. Yo estimo que después de ver la película tres veces saldremos un poco menos mareados. Los decorados son capítulo aparte y por supuesto los mayores responsables del derroche de dinero que ya es habitual en Terry Gilliam, quien tiene fama de arruinar a los estudios con sus delirios fantásticos. Vemos a nuestro siglo XX convertido en una ruina y a las ciudades de enormes rascacielos sumamente sucias y desorganizadas.
Los científicos todavía trabajan en laboratorios que más bien parecen sacados de una postal de la época en la que Edison inventaba sus mejores artefactos. También vemos asesinos raros y bribones en el hospital psiquiátrico conviviendo con enfermos pacíficos, y algunas peleas muy sangrientas. Lo más increíble es que la mujer psiquiatra comienza a creer todo lo que el destartalado Cole le cuenta, especialmente cuando algunas de sus predicciones se materializan.

La película no es, sin embargo, una película de miedo, ni de acción, ni de ciencia-ficción. Casi todo el interés radica en el personaje de Cole, en ocasiones simple, desconcertado, malamente informado, exhausto, y pensando siempre en cómo traicionar a sus carceleros

del futuro. Nada es como él se imaginaba cuando vivía en su mundo.
La esencia de “12 monos”, si tratamos de simplificar las cosas, involucra una paradoja del viaje en el tiempo, lo mismo que la mayoría de las películas sobre máquinas del tiempo nos han mostrado ya. La diferencia con este filme de Gilliam, es que los actores, y sus artesanos, crean un universo que se muestra plenamente durante los 130 minutos de la película. Hay relativamente pocas escenas en la película que se parezcan a otra de ficción, por lo que la originalidad está servida.

En el “Brazil” de Gilliam, filme muy acertado y que gana prestigio con el paso de los años, todo parecía confuso la primera vez que la vimos, pero en el cuarto intento estaba más claro que el agua. “12 monos” parece más fácil de seguir, especialmente cuando interviene la psiquiatra y los protagonistas tienen que explicar todo lo que el espectador también necesita saber. En estos momentos Gilliam intenta de nuevo confundir al espectador, pero su sentido anárquico ya no nos coge desprevenidos.
Brad Pitt seguro que no entusiasmó a sus admiradoras con su papel de demente, tan feo y desquiciado, pero está sumamente correcto mostrándonos su paranoia y miedo, aunque nos da la impresión de que no acaba de encajar. Los otros personajes que pululan por este mundo del futuro subterráneo, especialmente los conspiradores que giran alrededor del veterano Plummer, no tienen ningún parecido con las estupendas historias de H.G. Welles. La fotografía se mueve entre juegos raros, con inclinaciones de cámara desacostumbradas y con lentes gran angular que distorsionan todo y crean ese clima de confusión que termina por agotarnos.
Existe una escena que suponemos es un homenaje al thriller de los años 50, cuando vemos a Cole y a la mujer asistiendo en el cine a la proyección del filme de Alfred Hitchcock “Vértigo” de 1958, repuesta recientemente en la televisión. Después creemos ver que los protagonistas recrean la misma escena cumbre de “Vértigo”, aunque quizá es imaginación personal. Lo que pretendiera Gilliam con este homenaje al genio del suspense, no lo sabemos, aunque quizá es solamente una muestra de su sentido del humor.

Para mucha gente “12 monos” no es una película de ciencia -ficción, sino más bien una comedia, aunque en este caso el sentido del humor queda muy oculto, al menos para nosotros. Con los respetos que otros críticos nos merecen, habría que considerarla como una manera de celebrar la locura y condenar a los que se llaman cuerdos, tan intransigentes y despiadados. Por eso nuestro héroe, que trata de poner un poco de orden al caos que se avecina, es despreciado y perseguido por quienes no ven nada más que sus propios intereses. Esta visión de un futuro frío, oscuro, muy húmedo, en el cual ni siquiera tiene cabida un romance entre Willis y Stowe, nos deja un mal sabor de boca y un suspiro de alivio cuando salimos del cine y vemos que nada ha cambiado. .

Premios:
Nominado como el mejor actor secundario 1995: Brad Pitt Nominado al mejor vestuario 1995: Julie Weiss

Su compañero de reparto: BRUCE WILLIS

(1955 )

Nacido el: 19 de marzo de 1955, en West Germany, Alemania Estudios: Penns Grove High School; Montclair State College

Como un relajado y eterno sonriente, este actor consiguió sus primeros éxitos mundiales como el investigador privado David Addison en la serie de televisión, "Moonlighting" (Luz de luna), rodada por la ABC y que se mantuvo en antena entre 1985 y 1989. Nacido en Alemania, se marchó a vivir a New Jersey y posteriormente a Nueva York, donde se dedicó a tocar inicialmente la armónica y cantar en pequeños bares, hasta que se introdujo en Broadway con la obra “El cielo y la tierra” (1977). Posteriormente llegó al cine y se le pudo ver en “El primer pecado mortal” (1980), “El príncipe de la ciudad” (1981), “Veredicto final” (1982) y en telefilmes como “Miami Vice”. Después de conseguir bastante éxito con “Foolish for love” de Sam Shepard, se dedicó más intensamente al mundo del cine.
Como el detective privado, sumamente inteligente, David Addison, Willis había conseguido mostrar su encanto arrogante similar al que James Cagney exhibió en los primeros años de su carrera. Las tensiones de los problemas policiales, ayudadas por la energía sexual que esbozaba con su compañera Cybill Shepherd, consiguió colocar a “Luz de luna” en un éxito mundial durante los años 80. Durante este tiempo, también le vimos en otras películas televisivas de interés, como “La Zona del Crepúsculo” (1985), “Dolly” (1987), y hasta en una obra musical titulada, “El Retorno de Bruno” (HBO, 1987).

Willis cambió totalmente sus rasgos peculiares cuando interpretó la comedia de Blake Edwards, “Cita a ciegas” (1987), consiguiendo que su sonrisa burlona en “Luz de luna” quedase ya como una marca de fábrica indeleble. Acusado de machista por quienes no soportan que el hombre se comporte con dureza, Willis ha conseguido afianzarse como uno de los nuevos héroes del cine de acción, especialmente cuando consiguió su primer gran triunfo al interpretar al sabio policía de Nueva York, John McClane en la sorpresiva película “La jungla de cristal” (1988), y sus continuaciones “La jungla 2: alerta roja” y “Jungla de cristal, la venganza” (1995). También proporcionó su voz como Mikey en “Mira quien habla” (1989) y en “Mira quien habla, también” (1990).
Ya en 1989, Willis mostró una ambición sorprendente para afianzarse como estrella, primero como un veterano del Vietnam en el drama “Recuerdos de guerra”. Sus esfuerzos no siempre han tenido éxito, pero consiguieron darle prestigio entre los críticos como cuando interpretó “Pensamientos mortales” (1991), en la cual era víctima de un asesinato despiadado, o como cirujano plástico sumamente infeliz a causa de su mujer en “La muerte os sienta tan bien” (1992). Después trabajó junto a Paul Newman en “Ni un pelo de tonto” (1994) y con un revitalizado John Travolta en “Pulp Fiction” de Quentin Tarantino (1994), además de interpretar a un viajero en el tiempo en “12 monos” de Terry Gilliam (1995).
Con el director y guionista Hill Walter interpretó “El último hombre” (1996), remake de una obra anterior de Akira Kurosawa.
Willis también ha conseguido cierto reconocimiento, aunque no han sido éxitos de taquilla, con “La hoguera de las vanidades” (1990) y “El gran halcón” (1991). Otras desilusiones en taquilla fueron con “Billy Bathgate” y “El último Boy Scout”, ambas en 1991, así como con la fantasía erótica “El color de la noche” (1994).
Casado en 1987 con la popular estrella Demi Moore, con quien trabajó en “Pensamientos mortales” en 1991, saltó a la prensa amarilla por su denuncia a una popular publicación por atentar contra su intimidad, publicando noticias falsas sobre su vida conyugal. En 1991, Willis y sus compañeros del cine de acción Arnold Schwarzenegger y Sylvester Stallone abrieron la cadena de restaurantes “Planet Hollywood”. También ha conseguido grabar dos álbumes musicales.

Filmografía esencial:
1980 El primer pecado mortal
1981 El príncipe de la ciudad
1982 Veredicto final
1987 Cita a ciegas
1988 La jungla de cristal
1989 Asesinato en Beverly Hills
1989 Recuerdos de guerra
1990 La hoguera de las vanidades
1990 La jungla 2: alerta roja
1991 Billy Bathgate
1991 El gran halcón
1991 El último Boy Scout
1991 Pensamientos mortales
1992 La muerte os sienta tan bien
1992 El juego de Hollywood
1994 El color de la noche
1994 Ni un pelo de tonto
1994 Pulp Fiction
1995 Jungla de cristal, la venganza
1995 Four Rooms
1995 12 monos

LA SOMBRA DEL DIABLO The Devil’s Own (1996)

Columbia

Producción: Lawrence Gordon y Robert F. Colesberry Director: Alan F. Pakula
Guión: Kevin Jarre y Robert Mark Kamen
Fotografía: Gordon Willis
Música: James Horner

Intérpretes:
BRAD PITT: (Francis McGuire)
HARRISON FORD: (Tom O’Meara)
NATASCHA McELHONE: (Megan Thompson) MARGARET COLIN: (Sheila O’Meara) El protagonista Francis "Frankie" McGuire nació en una familia Católica en Belfast en 1964. Su padre, Tom Devaney, era un colaborador conocido del IRA cuando comenzaba sus operaciones terroristas. Frankie actuó como Comandante de la Unidad del Servicio Activo, la Brigada del Ira desde diciembre de 1985.
Su nombre de código llegó a ser " Frankie el Angel". El protagonista y varios camaradas fueron apresados y encarcelados durante una operación policial, cuando estaban intentando secuestrar un convoy Británico. Hábilmente entrenados para superar los prolongados interrogatorios policiales, no suministraron ningún tipo de información. Frankie montó una operación muy osada para evadirse del penal y en su maniobra mata a varios soldados Británicos. Su amigo más cercano, Gerard O´Connor, no tiene éxito en el esfuerzo por escapar. Después de la huida desapareció y se cree que puede estar viviendo fuera de Irlanda.

Sobre el otro personaje, Tom O’Meara (Harrison Ford), los datos biográficos nos hablan de que efectivamente nació en Irlanda en el seno de una familia de inmigrantes católicos, y que ha vivido y trabajado en la isla de Staten toda su vida. Después de 23 años de servicio en las fuerzas especiales, su trabajo durante el curso del deber es impecable y eso queda demostrado mediante las numerosas medallas de honor que recibió y el reconocimiento de la comunidad. O´Meara trabaja en unión a Edwin Díaz (Rubén Blades), al que se conoce como un brillante y vigoroso sargento, en ocasiones algo violento pero sin lugar a dudas eficaz en su trabajo.
El Sargento O´Meara vive con su esposa Sheila O´Meara, y ellos forman una pareja modelo, aunque como ocurre con la esposa de cualquier policía, ella desea que él tenga otra profesión. El matrimonio tiene tres de hijas, Bridget, Morgan, y Annie. A pesar de sus raíces, O’Meara no tiene ningún interés evidente en "los problemas" separatistas del norte de Irlanda.

Ya sabemos los problemas que surgieron entre Harrison Ford y Brad Pitt, con acusaciones mutuas de obstaculizar el rodaje y alterar el guión, así como las posteriores declaraciones de Pitt pidiendo perdón por lo que él consideraba un arrebato de nervios.
El papel de Ford en un principio estuvo pensado para Sean Connery o Gene Hackman, pero al final se creyó que hacía falta un actor un poco más joven y se llamó a Harrison Ford, quien aceptó encantado el papel de policía. Pero el guión estaba hecho para el lucimiento de Brad Pitt y llegó un momento en que había tres borradores del guión: el que escribió Ford, otro de Pitt y el de la propia productora. Además, el sueldo de Ford alcanzaba los 20 millones de dólares y la diferencia con el de Brad Pitt era tan alta que le hizo perder los nervios. Había pasado, en cuestión de unos pocos días, de ser el actor de esa película mejor pagado y sobre el cual giraba el guión, al segundo de la fila. La amistad entre el director Pakula y Ford, que se conocían desde el rodaje de “Presunto inocente”, complicó aún más las cosas y Pitt desapareció un día entero del rodaje, impidiéndole empezar el rodajede “Siete días en el Tíbet” en la fecha prevista. El enfado de Pitt aumentaba cada día, y realizó unas declaraciones a la prensa hablando mal de Ford y si no llega a ser porque rectifica a tiempo, la película no se hubiera terminado. Todo ello provocó que el presupuesto superase los 90 millones de dólares y que, además, la película no funcionase en taquilla, especialmente en Inglaterra, donde están muy sensibilizados por los atentados sangrientos del IRA.

El director:
ALAN J. PAKULA

Nacimiento: 7 de abril de 1928, Nueva York. Estudios: Escuela de Arte dramático de Yale.

Comenzó su carrera como un asistente en la Warner Bros. en el departamento de dibujos animados en 1949 y debutó como productor para la Paramount con un psicodrama sobre el mundo del béisbol titulado “Fear Strikesout” (1957). La película marcó la primera de las siete colaboraciones con el director Robert Mulligan que incluyó “To Kill a Mockingbird” (1962), “Inside Daisy Clover” (1965) y “Up the Down Staircase” (1967). Pakula lanzó su propio estilo como director con la sensible, melodramática y algo estática, “The Sterile Cuckoo” (1969), alcanzando gran renombre dos años después con “Klute” (1971), un thriller psicológico y malhumorado en el que Donald Sutherland y Jane Fonda hacían una de sus mejores interpretaciones en el cine. Pakula consolidó su posición como uno de los mejores directores de Hollywood con su adaptación acertada del Watergate en “Todos los hombres del presidente” (1976), y ha continuado demostrando su estilo inteligente y culto, casi siempre muy comercial, en cualquiera de sus películas. Pakula ganó un gran reconocimiento de la crítica por su traducción del drama de William Styron sobre el Holocausto en “La decisión de Sophie” (1982), y por la versión para la pantalla del bestseller de Scott Turow, “Presunto inocente” (1990). Su habilidad probada con thrillers políticos, incluye su clásico paranoide de 1974 “The Parllax View”, y “El informe pelícano” (1993), basado en una novela de John Grisham.

SLEEPERS Sllepers (1996)

149 minutos

Argumento: Lorenzo Carcaterra Director: Barry Lavinson
Productor: Barry Levinson, Steve Golin Guión: Barry Levinson
Fotografía: Michael Ballhaus
Musica: John Williams
Vestuario: Gloria Gresham

Intérpretes:
KEVIN BACON: Sean Nokes
ROBERT DE NIRO: Padre Bobby DUSTIN HOFFMAN: Danny Snyders BRAD PITT: Michael
JASON PATRIC: Shakes
VITTORIO GASSMAN: King Benny

La forma de empezar “Sleepers” de Barry Levinson es: “Ésta es una verdadera historia sobre la amistad que corre más profundamente que la sangre”.
Ante esta frase, cualquier persona que domine superficialmente la gramática, se llevará las manos a la cabeza. Si, además, nos dicen que está basada en una historia real, debemos empezar a pensar que al guionista no le pagaron lo suficiente.
Basada en una novela de Lorenzo Carcaterra, parece razonable que nos preguntemos si verdaderamente importa que una película esté basada en un hecho real o sea pura ficción. Por mucho que lo intentemos, el cine siempre será ficción, inventado, aunque el director insista en que está basada en hechos reales.
Muchos escritores han exigido que cuando sus novelas biográficas son llevadas al cine estén basadas tan fielmente en los hechos reales como su propia historia; cuando no es así, las protestas son de dominio público. Con “Sleepers”, sin embargo, la demanda es mucho más seria, y eso puede no ser necesario, especialmente porque muestra decisiones morales basadas en nuestra vida real, puede que no encajen con lo que vemos en el cine.

La película cuenta la historia de cuatro amigos del lado oriental de Nueva York, que crecen rondando con la delincuencia en un barrio de gente educada, donde los polos opuestos, en cuanto a moral se refiere, son el Policía Sacerdote (Robert De Niro) y Rey Benny (Vittorio Gassman), el jefe de la Mafia. Cuando los niños tienen 13 años, roban un carro de perritos calientes y lo tiran por las escaleras del metro y aprisionan a un hombre en la caída, provocando su muerte. Son sentenciados al internamiento en un reformatorio, donde son torturados y sexualmente ultrajados por un sádico guardián llamado Nokes (Kevin Bacon).
Después nos trasladamos al verano de 1981, en donde dos de esos muchachos, ahora con 28 años y convertidos en peligrosos gángsters, ven en un restaurante a Nokes, y le disparan. Para ellos es un acto de justicia y el ensayo de lo que vendrá después cuando localicen a los otros guardianes. Uno de los cuatro chicos, Shakes (Jason Patric) trabaja ahora en un periódico y el otro, Michael (Brad Pitt), es un enfermero auxiliar La película es narrada por Shakes y nos cuenta que King Benny controla todavía el barrio ejecuta y pone a trabajar a un abogado alcohólico llamado Snyder (Dustin Hoffman) para que defienda a los asesinos, porque teme que acaben o muertos o en la cárcel. Todo depende de las intenciones del Policía Sacerdote, quien debe proporcionar las adecuadas coartadas a los demandados.
La venganza está servida y hasta el espectador desea que se realice el ojo por ojo. Pero el argumento comienza a complicarse cuando los dos demandados se han vuelto gángsters profesionales y asesinos. El sacerdote observa y dice: “yo sé lo que ellos eran y sé lo que son ahora”.
Nada en la película indica qué es lo mejor, lo más moral ni lo más justo. Cuando piden al sacerdote que jure en falso, la película gana en intensidad dramática. La cámara permanece delante de Robert De Niro, mientras él piensa, y piensa. Después le vemos ya sobre el estrado, aunque después de hablar nadie nos explica el motivo de su decisión, posiblemente porque los directores de cine saben que no pueden explicar conceptos morales tan personales.
El policía Sacerdote debe saber que los muchachos acusadores son también asesinos despiadados, y que ingresaron en el reformatorio por matar a un hombre después de un robo. También sabe que la violación que sufrieron fue horrorosa, pero que al menos salieron con vida. La iglesia que representa el padre dice claramente que la venganza es un error y un pecado, por lo que finalmente comprendemos el deseo del sacerdote de que se olvide todo el pasado y no haya más muertes
La otra cuestión es el llamado Código de Honor de la Mafia, popularizado años atrás por Mario Puzo en “El padrino” y reafirmado por escritores como Carcaterra. Las preguntas que nos podemos hacer son estas: ¿Qué justificación tendrían los asesinatos si los chicos no hubieran sido violados en el reformatorio? ¿La película sobre una venganza mortal tendría justificación si no se tocara el tema de la homosexualidad? ¿Llegarían el sacerdote y el jurado a la misma decisión?

Dustin Hoffman proporciona una actuación sutil, temblando en su actuación como el abogado de la defensa inseguro, mientras que Kevin Bacon es un bribón fuerte, eficaz y Robert De Niro es usado más por su aura que por sus habilidades, aunque el papel de sacerdote le da más carácter a la película.
Jason Patric y Brad Pitt, como los dos conspiradores, se parecen a Woodward y Bernstein en “Todos los hombres del presidente”, pero consiguen lo que la productora pretendía: figurar en los titulares como grandes estrellas y atraer a más público.
A destacar el trabajo del veterano Vittorio Gassman, rescatado para el cine mundial cuando áun tiene mucho que ofrecer a los espectadores

SIETE AÑOS EN EL TIBET Seven Years in Tíbet (1997)

139 minutos

Director: Jean-Jacques Annaud Guión: Becky Johnston
Fotografía: Robert Fraisse Música: John Williams

Intérpretes:
BRAD PITT: Heinrich Harrer
DAVIS THEWLIS: Peter Aufschnaiter
B.D.WONG: Ngawang Jigme
MAKO: Kungo Tsarong
JAMYANG JAMTSHO WANGCHUK: Dalai Lama JETSUN PEMA: madre del Dalai Lama

La historia verídica narrada en este filme nos lleva a recrear la vida de dos alpinistas que emprenden la aventura de escalar una de las cimas más altas de los montes Himalaya, el Naga Parbat, en plena Guerra Mundial contra Hitler y durante la ocupación del Tíbet por las tropas chinas.
Pero el alpinista Harrer era austriaco y cuando estalló la guerra fue detenido junto a su compañero por los ingleses, acusado de nazi, especialmente por la anexión de Austria a la Alemania de Hitler. Consiguieron escapar y después de dos años recorriendo la cordillera llegaron a Lhasa, un lugar del Tíbet prohibido a los extranjeros. Allí lograron ser aceptados por la población nativa, realizaron numerosas fotografías y convivieron fraternalmente con sus habitantes, llegando a mantener una sólida relación con el pequeño Dalai Lama. Al mismo tiempo, comenzó la invasión china del Tíbet y con ello la destrucción de la cultura tibetana y su religión budista.

El proyecto, obviamente, no contó con la colaboración de las autoridades chinas y por eso tuvieron que buscar exteriores que simularan las montañas de Tíbet. Después de varias tentativas, alguien propuso con gran acierto la cordillera de los Andes argentinos, por la gran semejanza con la china.
Con un presupuesto de 70 millones de dólares, consiguió durante las dos primeras semanas de exhibición una recaudación de 13 millones de dólares, en su proyección simultánea en dos mil salas norteamericanas.
El guionista Becky Johnston trabajó duramente para escribir un guión verídico, con un respeto profundo a la realidad histórica y a la filosofía budista. Para conseguir un buen trabajo estudió directamente con un grupo de lamas, viajó a las tierras no prohibidas del Tíbet, y se entrevistó directamente con el Dalai Lama actual.
Cuando la película se estrenó, Brad Pitt, el director Annaud y otros miembros del equipo, pasaron a engrosar la larga lista de personas non gratas para el gobierno chino, pesando en ellos la prohibición de pisar China bajo pena de arresto.
Los escenarios se rodaron en la ciudad argentina de Uspallata y se necesitaron 700 extras, además de cien monjes tibetanos que llegaron desde su refugio en la India. La propia hermana del Dalai Lama, Jetsun Pema, interpreta un papel decisivo en el filme, lográndose así una autenticidad poco habitual en el cine de Hollywood.

Otros filmes:

THE DARK SIDE OF THE SUN (1997)

Productor: Angelo Arangelovic
Director: Bozidar Nikolic
Guión: Andy Horton y Zeliko Mijanovic

Intérpretes:
BRAD PITT
GUY BOYD
CHERLY POLLAK

MEET JOE BLACK (1998)

Universal City

Productor: Martin Brest, Ronald L. Schwary y David J. Wally Director: Martin Brest
Guión: Bo Goldman
Fotografía: Emmanuel Lubezki
Vestuario: Aude Bronson-Howard

Intérpretes:
BRAD PITT
CLAIR FORLANI
MARCIA GAY HARDEN ANTHONY HOPKINS JEFFREY TAMBOR JAKE WEBER

Remake de Death Takes a Holiday (1934)

AMBROSE CHAPEL (1998)

Director: Brian de Palma Guión: Brian de Palma
Fotografía: Stephen H. Burum Música: Giorgio Moroder

Intérpretes:
BRAD PITT
TEA LEONI
MADONNA
LIAM NEESON MARTIN SHEEN

Últimos filmes

FIGHT CLUB (1998)
BEING JOHN MALKOVICH (1999) SNATCH (2000)
THE MEXICAN (2001)
SPY GAME (2001)
OCEANS ELEVEN (2001)
FRIENDS (2001)
FULL FRONTAL (2002)
CONFESSION OF A DANGEROUS (2002) TROYA (2004)
OCEANS TWELVE (2004)
MR. AND MRS. SMITH (2005)
BABEL (2006)
OCEAN THIRTEEN (2007)
EL ASESINATO DE JESSE JAMES (2007) BURN AFTER READING (2008)
BENJAMIN BUTTON (2008)
INGLORIOUS BASTERDS (2009)
MEGAMIND (2010)
EL ÁRBOL DE LA VIDA (2011)
MONEYBALL (2011)
KILLING THEM SOFTLY (2012)
QORLD WAR Z (2013)